Conferencia de Pedro Ravela en el CERP

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Está prevista para el 8 de mayo en las instalaciones del CERP la conferencia de
Pedro Ravela, Director del Instituto de Evaluación Educativa de la Facultad de Ciencias Humanas de la Universidad Católica del Uruguay que disertará sobre la temática “¿Cómo mejorar la evaluación en el aula?. Procesos cognitivos y contextos involucrados en la evaluación de aprendizajes”. El evento tendrá lugar a partir de las 18.30 horas.
Ravela es el creador del documento en el marco de la Promoción de la Reforma Educativa en América Latina.
La idea de estudiar las prácticas de evaluación de los docentes dentro del aula surgió a mediados de 2006.

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El escritor argentino Jorge Luis Borges en una relectura actualizada, como en toda antología

Jorge Luis Borges regresa en una antología de sus cuentos, ensayos y poemas que se define esencial, un libro de tapa dura, voluminoso y bien editado por la Real Academia Española, la Asociación de Academias de la Lengua Española y editorial Alfaguara. Es la novena entrega de una colección nacida en 2004 que acercó El Quijote de Cervantes y obras de Pablo Neruda, Gabriel García Márquez, Rubén Darío y Mario Vargas Llosa, entre otros, a un precio accesible, dirigido a los grandes públicos.
El aniversario de los treinta años de la muerte de Borges, el 14 de junio de 1986, motivó esta reedición de dos libros medulares de su producción narrativa: Ficciones y El Aleph, seguidos por una selección de sus principales ensayos literarios y de sus más recordados libros de poemas, acompañados por una decena de estudios académicos, una nota del coleccionista Víctor Aizenman, introductoria a reproducciones facsimilares, una bibliografía y un glosario para los hispanos no familiarizados con el Río de la Plata.
Como frente a toda antología el lector discutirá la pertinencia de un texto y la exclusión de otro, pero el conjunto recupera la totalidad de los cuentos que se han vuelto clásicos por su ambición y su logro, “Pierre Menard, autor del Quijote”, “La biblioteca de Babel”, “Funes el memorioso”, “El Sur”, “El fin”, entre otros, sin eludir algunos textos de sus adhesiones vanguardistas cuya eficacia el tiempo ha envejecido.
No puede afirmarse de Borges lo que Joseph Conrad decía a propósito de G. H. Hudson: “escribe como Dios hace crecer el pasto”. Borges es un escritor retórico, sus ideas asombrosas son también verbales y corrió los riesgos de la extravagancia. Unos y otros textos conviven en este volumen compilado por el presidente de la Academia Argentina, José Luis Moure, que ha seleccionado ensayos de Inquisiciones, Historia de la eternidad, Otras Inquisiciones y Nueve ensayos dantescos, entre otros, y poemas de una decena de libros entre los que se encuentran Fervor de Buenos Aires, Luna de enfrente, El otro, el mismo.
En uno de los estudios del volumen, Santiago Sylvester define la poética de Borges como “poesía de pensamiento”, alejada de los abusos del efectismo o la emotividad que rechazaba Macedonio Fernández y tuvo sucesivos cultores en Argentina. Sylvester recorre los temas, la prosodia, lo recursos adverbiales y la oralidad que alentó desde su primer libro de poemas en toda su trayectoria.Al lado de un ensayista notable como Borges, capaz de transmitir ideas complejas de una manera llana y con belleza, el trabajo de los académicos semeja el de las hormigas que devastan el jardín, cada una con el pedazo que se llevará para su claustro. El acopio no es menor, ni irrelevante. Unos estudios son frontales y panorámicos de su trayectoria, como los de Noé Jitrik, Teodosio Fernández y Darío González, que ubican la producción de Borges en sus vínculos con la tradición argentina, con sus fuentes literarias y filosóficas, otros más específicos, como el de Alberto Giordano, orientado a indagar las operaciones de lectura que introdujo Borges en sus ensayos, cuyos rasgos define por la brevedad, la centralidad del detalle y el gusto por lo menor, al grado de iluminar obras clásicas desde un ángulo impensado o una realidad conjeturable, y expandir el carácter inagotable de la interpretación.
Precisamente la brevedad, la elipsis y la alusión son los rasgos que analiza Graciela Tomassini en la trama de sus ficciones y ensayos, que no dejan de intercambiar recursos, incluidos los de la poesía, desde que Borges concibió muchos relatos como indagaciones teóricas y no pocos tratados filosóficos como formas de la literatura fantástica.
Es particularmente notorio que la erudición de Borges se nutrió en el hábito de leer enciclopedias, y Juan Pablo Canala indaga en sus consecuencias, no solo sobre su comprensión y su saber, también sobre el estilo narrativo y la poética, con su ceñida economía verbal, la sucesiva confrontación de ideas y las referencias veladas. Podría pensarse “El Aleph” y su violenta concentración del universo como el icono literario de la obsesión borgeana por los objetos y lugares capaces de relacionar la unidad con la diversidad, un vínculo sin duda elemental en las sumas enciclopédicas.
También comparece el panorama de los trabajos de Borges en colaboración, de Nora Catelli, naturalmente centrado en su amistad con Adolfo Bioy Casares y en el abanico de emprendimientos que llevaron adelante, desde los tempranos encargos de publicidad, pasando por la dirección de colecciones, preparación de antologías y los textos de Bustos Domecq, hasta el polémico y final Borges, en la edición a cargo de Daniel Martino después de la muerte de Bioy. Es un estudio de registro, más que de tesis, en el que Catelli recupera el énfasis de Rodríguez Monegal al presentar la creación de Bustos Domecq como la parodia de Borges y Bioy de la solemnidad del idioma argentino en todas sus variantes pseudo intelectuales.
Jorge Panesi revisa los desencuentros de Borges con el peronismo, el mito de su degradación oficial como “Inspector de gallinas” durante el gobierno de Perón y la condición reaccionaria del cuento “La fiesta del monstruo” que escribió con Bioy Casares en 1947, expresivo de un repudio social que se volvió emblemático. La indagación del Borges político deja fuera de cuadro, sin embargo, el carácter más ominoso de su aprobación de la dictadura de Jorge Rafael Videla, los elogios al general Pinochet y a los militares uruguayos en el poder, acaso el tema más ríspido y difícil de armonizar con la veneración literaria.
También el dibujo.
En el orden de la especificidad léxica que compete a los académicos, el compilador José Luis Moure desentraña una pesquisa genética alrededor de lo que pudo ser una errata en un poema de Borges y sufrió sucesivas correcciones: develar – debelar, con sensibles modificaciones de sentido, especialmente en las traducciones. Por último, cabe llamar la atención sobre el dibujo que ilustra una página del manuscrito de “Dos semblanzas de Coleridge”, aportado por el coleccionista Aizenman para esta edición.
En el encuentro “Borges, una geografía imaginaria” realizado en Fray Bentos en noviembre del año pasado, el crítico especialista en Borges, Daniel Balderston, exhibió una serie de sorprendentes dibujos, de muy buena factura y expresividad, hallados entre los papeles del escritor. Explicó entonces que Borges tenía para el dibujo un talento similar al de su hermana Norah y ambos resolvieron, a edad temprana, repartirse las zonas de su vocación e influencia, por lo que finalmente Norah creció como artista plástica y Borges mantuvo sus dibujos en la reserva de su vida privada. El dibujo que aporta esta edición es una buena muestra no solo de su destreza sino también de los recursos con los que contaba a la hora de meditar los temas de sus ensayos y cuentos, o acercarse a sus personajes.
Una parte considerable de los manuscritos de Borges, con su letra minúscula y apretada, y sus dibujos, fue expuesta en la Biblioteca Nacional de Buenos Aires durante varios meses del año pasado, al cumplirse los treinta años de la muerte del autor argentino.
BORGES ESENCIAL, Real Academia Española/ Asociación de Academias de la Lengua Española/ Alfaguara, 2017. Barcelona, 783 págs. Distribuye Penguin Random House.
(El País, Cultural)

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Poeta soviético en Nueva York, como Torres García y Chesterton, contó lo que vio con sensibilidad y crítico

Diarios de Vladimir Maiakovski.

El poeta Vladimir Maiakovski viajó a Estados Unidos en 1925 y como Joaquín Torres García y Gilbert K. Chesterton cuatro años antes, escribió la crónica de “su descubrimiento de América”, un tópico que lejos del oro y la plata de los orígenes, en los años veinte ofrecía electricidad, vapor industrial, rascacielos, y una nueva manera de organizar la vida alrededor del trabajo y el dinero. vladimir

A los 32 años Maiakovski ya había escrito La nube en pantalones y La flauta vertebral, de una fuerte impregnación futurista, y se hallaba embarcado en la difusión y propaganda de la revolución soviética en el mundo. Viajó invitado a dar conferencias en varias ciudades que durante tres meses le permitieron tomar contacto con la realidad social de los Estados Unidos.
Primero pasó fugazmente por La Habana, después por Veracruz y ciudad de México, donde fue recibido por Diego Rivera, que entonces trabajaba en el mural de la Secretaría de Educación Pública y, de hecho, fue lo primero que Maiakovski vio al llegar a la capital azteca porque apenas dejar el equipaje, Rivera lo llevó a conocer su obra. Ya entonces Alfonso Reyes, a cargo de la embajada mexicana en París, le había anticipado que la modernidad del arte mexicano se apoyaba en el rescate de la tradición popular indígena y se apartaba del eclecticismo importado de Europa.
Pero la atención primordial del poeta se dirigía hacia manifestaciones más rústicas: la velocidad de los carros fúnebres, el hábito de disparar de los mexicanos. Admiró las desproporciones de la historia y del espíritu (“el revolucionario mexicano es cualquiera que derroque el poder con armas en la mano, no importa de qué poder se trate. Y, como en México cualquiera ha derrocado, está derrocando o quiere derrocar a algún poder, todos son revolucionarios”); detestó las corridas de toros y tomó notas de paisaje (“En una noche azul, de ultramar, los cuerpos negros de las palmeras parecían artistas bohemios de melenas largas”). Se despidió de México impresionado por la hospitalidad y al ingresar a Estados Unidos por la frontera de Laredo debió ser socorrido por la pequeña comunidad rusa, que lo ayudó a superar los trámites, a dar sus primeros pasos en el país y a tomar el tren rumbo a Nueva York.

Derroche de energía.

Su crónica abunda en anécdotas y retratos sociales, con una buena dosis de humor, sensibilidad frente a las paradojas y contradicciones. Torres García hizo en New York un notable boceto del abrumado tejido de alienación y energía urbana, al extremo de asumir en el mismo texto el rechazo y la fascinación que le produjo. Chesterton, que definió a los Estados Unidos como una nación “de vagabundos y exiliados”, no demoró en advertir que el capitalismo industrial y la democracia ideal en todas partes podían estar en controversia, pero ahí vivían en franco conflicto.
Su visión conservadora lo llevó a mirar con ojos híper críticos la nueva hegemonía de la industria y el comercio sobre la vida de las personas, y es curioso que, desde una posición ideológica completamente opuesta, como el bolcheviquismo de Maiakovski, el poeta coincidiera en muchas observaciones. Sus crónicas permiten comprender que más allá de las posiciones políticas, eran dos europeos mirando el escándalo de los rascacielos de más de cincuenta pisos, el derroche de la energía eléctrica durante el día y la noche, la producción en serie de viviendas, automóviles y toda clase de mercaderías que uniformaban los hábitos y aceleraban la circulación hasta el vértigo.
La sola concepción de la ciudad como una construcción perpetua, sujeta a continuas demoliciones y obras, les resultaba ajena. Europa estaba muy lejos de conocer una realidad semejante, no solo por los daños de la guerra. Hacía apenas cinco años Lenin había montado el plan Goelro, que se proponía electrificar los enormes territorios de la Unión Soviética. Para H. G. Wells, se trataba de una delirante utopía, pero al lanzarlo en diciembre de 1920 Lenin no dudó en afirmar: “El comunismo es el poder más la electrificación de todo el país, ya que la industria no puede desarrollarse sin electrificación”, y lo que Maiakovski tenía delante a cada paso era el despilfarro de una energía que costaba sudor y lágrimas en su patria. Criado en el culto de la singularidad, Chesterton tampoco podía concebir la seriada uniformidad de los hoteles más que como la multiplicación de una pesadilla. Y las dos cosas formaban parte del mundo que Nueva York, Chicago y Filadelfia mostraban como una realidad hasta entonces desconocida.

Entender la novedad.

Maiakovski responsabiliza al presidente Calvin Coolidge de apropiarse del nombre de América para los estadounidenses y difundir el título de americanos para sus compatriotas. Denuncia las intervenciones punitivas sobre América Central y América del Sur, su política colonialista y, naturalmente, sus pretensiones imperiales. Sus crónicas permiten entender la novedad y al mismo tiempo los supuestos de sus observaciones. Naturalmente, Maiakovski dio sus conferencias en mitines del Partido Comunista, francamente minoritario y enfrentado a no pocas dificultades de propaganda, por ejemplo, en las fábricas de la Ford, donde el 80% de los trabajadores eran extranjeros que hablaban distintas lenguas. Tiene una visión especialmente crítica de la burguesía capitalista, el Ku Klux Klan y la segregación de los negros, pero su relato no empieza ni termina en la ideología, de modo que es posible acompañarlo por muchas curiosidades, ocurrencias y relatos con pasos de comedia, como la descripción de aquellos vagones pulman de los trenes que, al caer la noche, merced a toda clase de maniobras alentadas por el vigor de la novedad, se transformaban en largas, incómodas e indiscretas hileras de cuchetas. Cabe agregar, incluso, algunos datos inesperados, como el hecho de que los rusos llamen “montaña americana” a la “montaña rusa” de los parques de diversiones, o que un editor de Harlem ofreciera cien dólares a la mejor poesía escrita por un negro, y el premio, a entregar el 1 de mayo de 1926, llevara el nombre “del gran poeta negro Alexander S. Pushkin”. “En nuestros días —apunta Maiakovski— no lo habrían dejado entrar en ningún hotel o salón de bien de Nueva York” porque Pushkin, bisnieto de un príncipe etíope, tenía el cabello crespo y las uñas azules de los negros.

MI DESCUBRIMIENTO DE AMÉRICA, de Vladimir Maiakovski. Entropía, 2015. Buenos Aires, 170 págs. Aún sin distribución en Uruguay. (El País, Cultural)

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En este “año lorquiano”…

Parafraseando el título de un libro de Pablo Rocca sobre Horacio Quiroga, bien podría decirse que Federico García Lorca también es “el escritor y el mito”. Es el notable poeta, autor de obras inmortales como el “Romancero gitano” o “Poeta en Nueva York”, así como el excepcional dramaturgo, autor de obras no menos inmortales como “Bodas de sangre” o “La casa de Bernarda Alba”. Pero es también el mito que ha dado lugar a creer hasta que sus restos puedan estar enterrados bajo en monumento ubicado aquí, en la Costanera Sur de nuestro Salto, primera ciudad en el mundo en homenajearlo con un monumento (por iniciativa de Enrique Amorim). Y este es un año muy especial para el poeta granadino, porque se cumplen 120 años de su nacimiento, fue el 5 de junio de 1898. Es por eso que el mundo se FGLencargará, en sus múltiples rincones, a recordar su vida y su obra, a hablar de él, a rendirle tributo. El mundo se encargará seguramente de recordar que Federico García Lorca nos dejó el misterio de su fusilamiento, ocurrido el 18 de agosto de 1936, y la posterior incertidumbre sobre el paradero de sus restos, como última tragedia. Salto no es la excepción; de hecho, el grupo teatral Sintapujos hace tres días puso en escena “Lorca, el duende viene por dentro”. Y no será, probablemente, el único tributo en este “año lorquiano”. Pero hoy, EL PUEBLO quiere recordar al García Lorca autor de poemas para niños, una faceta poco difundida, como poco difundidos han sido sus muy buenos dibujos y composiciones musicales. En este sentido, es bueno traer a la memoria un libro publicado por el Consejo de Educación Primaria en 1998, como homenaje en el Centenario de su nacimiento. Se trata de un libro con más de 40 poemas, con ilustraciones del propio autor, un mensaje inicial del entonces Director Gral. del Consejo de Educación Primaria Mtro. Sirio Nadruz, prólogo del profesor Académico Jorge Arbeleche y con una carátula en la que se lee esta frase de García Lorca: “La verdadera felicidad consiste no en lo que uno posee sino en lo que uno da”.

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Hugo Millán premiado en los 20th Hong Kong Dance Awards

Hugo Millán se encontraba nominado por el diseño de vestuario y escenografía de la producción de El Corsario que originalmente creó para el Ballet Nacional Sodre (BNS). Estreno en Hong Kong en noviembre de 2017. El viernes 3 de noviembre del año 2017, el Hong Kong Ballet estrenó la obra El Corsario con diseño de vestuario y escenografía de Hugo Millán, que incluyó 16 telones confeccionados en los talleres del Auditorio Nacional del Sodre. El público asiático apreció el trabajo de diseño y pintura a mano, llevado a cabo durante cinco meses por el equipo de telones del Auditorio, liderado por Gustavo Petkoff, lo que valió la nominación a los Hong Kong Dance Awards.
Junto con la nominación a los premios de Hugo Millán, también se encontraba nominado Leonardo Scarone por el diseño de proyecciones de la obra.
De este modo y conocida la noticia de la premiación, se reafirma el impulso que ha propiciado el Sodre a los talleres de producción del Auditorio, abriendo las puertas para el desarrollo futuro del trabajo artístico desde Uruguay para el mundo. En mayo se podrán disfrutar los originales en Uruguay. Desde el próximo jueves 17 de mayo, momento en que se estrene El Corsario por el Ballet Nacional Sodre, se podrá disfrutar en el escenario principal del Auditorio Nacional, la versión original de los telones y escenografía premiados en Hong Kong.

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Concierto «Raíces italianas en la música del Uruguay»

El Instituto Italiano de Cultura presenta el espectáculo «Raíces italianas en la música del Uruguay», un concierto que muestra el valioso aporte de los italianos a la música nacional a través de sus principales exponentes.
La primera parte del concierto está dedicada a compositores italianos o descendientes que escribieron obras de carácter nacionalista. La segunda parte homenajea a tres compositores italianos: Gioacchino Rossini, Arrigo Boito y Vittorio Monti.
Participarán el tenor Gerardo Marandino, el barítono Eduardo Garella y el profesor Julio César Huertas.
El concierto se realizará el sábado 21 de abril de 2018 a las 20.00 horas en el Teatro Larrañaga, y cuenta con el apoyo de la Intendencia de Salto.

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Nuevas tareas de recuperación en el edificio del Museo María Irene Olarreaga Gallino

Intendencia y Asociación de Amigos trabajan en conjunto

Continúan los trabajos de recuperación del edificio del Museo María Irene Olarreaga Gallino llevados adelante por la Intendencia de Salto y la Asociación de Amigos del Museo. Recientemente se habían presentado las mejoras en la azotea y la colocación de membranas, realizadas a través de un proyecto con el Ministerio de Educación y Cultura. Ahora, a través de la Intendencia, se están reparando las paredes medianeras, que nunca se habían restaurado.DSC_6786
El Intendente Andrés Lima, el secretario general de la intendencia Fabián Bochia y el director de Cultura Jorge de Souza, estuvieron en el Museo junto a integrantes de la Asociación de Amigos, donde pudieron constatar los avances de las obras y dialogar acerca de los planes a futuro.
En nombre de la Asociación, Pelayo Díaz se refirió al trabajo que se lleva adelante y agradeció al Intendente por escuchar las inquietudes que le han planteado. Señaló que “hemos podido mantener un contacto muy fluido con las autoridades de la Intendencia para trasmitirles nuestras preocupaciones”, y además, “estamos en permanente contacto con el director del Museo, arquitecto Paul Bittencourt, que es miembro de la Asociación”. Eso ha permitido cumplir con el fin de la Asociación que es preservar el Palacio Gallino y las obras que se guardan en él, tanto como promover actividades.
“Creemos que no haya en el interior del país un museo con un acervo más importante que el que tenemos aquí. Este es un museo cuya trayectoria no solo nos enorgullece como salteños sino que nos permite proyectar la cultura de Salto hacia el futuro”, enfatizó Pelayo Díaz.
Por su parte, Andrés Lima dijo que “desde la intendencia siempre quisimos acompañar el trabajo de la Asociación. Al principio de nuestra gestión fue difícil, pero ahora estamos en otra situación y eso nos permite ir trabajando en este edificio, sin prisa pero sin pausa. La intención es continuar con la restauración, de a poco pero sin cortar el trabajo. Entendemos que un gobierno tiene que hacer todo lo que esté a su alcance por rescatar y mantener el acervo cultural, y más aquello que nos identifica. Lo nuestro tenemos que valorarlo y mantenerlo”.
Resguardo para las obras de arte
El director de Cultura maestro Jorge de Souza se refirió a los desafíos por delante, que incluyen restauraciones en el interior, mejoras en las salas y la generación de un espacio para el resguardo de las obras de arte. “El acervo de este museo es muy significativo y uno de los más importantes del interior del país, es un pequeño tesoro que tiene nuestro departamento y es una preocupación de esta Administración sostenerlo, conservarlo y generar una política abierta a la población para que pueda acceder en las mejores condiciones”.

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Actividades en conmemoración en el marco del Día Internacional del Idioma Español

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El próximo lunes 23 se celebrará el Día Internacional del Idioma Español, designado por la ONU. Los diversos centros educativos de nuestro departamento están organizando actividades al respecto, como por ejemplo UTU. Se hará lectura de poemas y actividades relacionadas a evocar la historia, cultura y uso de nuestro idioma como lengua oficial.

El idioma español se extiende hoy por todo el planeta, es la segunda lengua más importante del mundo y la tercera más hablada con 400 millones de habitantes nativos.
El castellano, tal como hoy lo conocemos es fruto de un proceso de transformaciones de más de un milenio, que involucra a diversas lenguas de los habitantes de la Península Ibérica que se fueron modificando por influencia de los invasores romanos, godos y árabes. Hacia el final del siglo XV, con la unión de los reinos de Castilla y Aragón, que extendieron su dominio sobre la mayor parte de la península, la lengua de Castilla, elcastellano, se fue imponiendo sobre otros idiomas y dialectos y fue traída a América por los conquistadores.

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Falleció el escritor uruguayo Daniel Chavarría

Radicado en Cuba desde 1969

Días pasados, concretamente el viernes 6, falleció el escritor uruguayo Daniel Chavarría.
Había nacido en San José el 23 de noviembre de 1933 y murió en La Habana, donde estaba radicado desde 1969. Cuba le otorgó, en 2010, el Premio Nacional de Literatura. “Soy un escritor cubano nacDaniel Chavarriaido en Uruguay”, solía decir, o “soy un ciudadano uruguayo y un escritor cubano”.
Además de otros varios libros, es el autor de estas novelas: “Joy” (1978), “Completo Camagüey” (con Justo Vasco – 1983), “La sexta isla” (1984 – reeditado en 2016), “Primero muerto” (con Justo Vasco – 1986), “Allá ellos” (1991), “El ojo de Cibeles o El ojo Dyndimenio” (1993), “Adiós muchachos” (1994), “Contracandela” (con Justo Vasco – 1994), “Aquel año en Madrid” (1999), “El rojo en la pluma del loro” (2001), “Viudas de sangre” (2004), “Una pica en Flandes” (2004), “Príapos o Lo que dura dura” (2005), “La piedra de rapé” (2013), “Yo soy el Rufo y no me rindo” (biografía novelada de Raúl Sendic – 2013), “El último room service” (2017).
Falleció Daniel Chavarría, ícono de la literatura policial en América Latina
Bajo este título, Granma (órgano oficial del Comité Central del Partido Comunista de Cuba) publicó una elogiosa reseña de su vida y obra, d ela que extraemos el siguiente pasaje:
“…logró el fervor de los lectores y el aval de la crítica tanto en Cuba como en otros países mediante novelas de intrigas detectivescas como La sexta isla, El ojo de Cibeles, Allá ellos, El rojo en la pluma del loro, Viudas de sangre, Priapos, Una pica en Flandes y El último roomservice, aunque también publicó textos de fuerte carga evocadora como Aquel año en Madrid.
Varios de esos libros merecieron importantes premios literarios, entre los cuales destacan el de la Casa de las Américas, el DashiellHammet a la mejor novela policiaca en lengua española y el Edgar Allan Poe, otorgado por la asociación profesional norteamericana MysteryWriters of America.
Otro notable éxito editorial resultó la publicación de sus memorias Y el mundo sigue andando, que puso de relieve una vida personal de aventuras y su toma de conciencia revolucionaria.
Entre sus más recientes obras, dedicó especial atención a una que le debía a su país de origen y a todos los que defienden el ideal emancipatorio de los pueblos del continente: Yo soy el Rufo y no me rindo, biografía novelada del fundador de los Tupamaros, Raúl Sendic.
Mucho le hacía ilusión, además, publicar con frecuencia crónicas inéditas en las páginas de Juventud Rebelde. El periodismo ardía en sus venas”.

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Acertijo: ¿qué libro salteño acaba de salir de imprenta?

Por amable actitud de sus autores ya llegó a nuestras manos, pero será presentado en los primeros días del mes de mayo, por eso habrá tiempo en próximas ediciones para ir compartiendo comentarios. En el momento sólo adelantamos lo siguiente:
-Seis salteños son los autores, tres mujeres y tres hombres.
– Algunos de ellos ya han publicado libros; otros, hasta ahora sólo han hecho conocer sus creaciones en publicaciones periódicas, como diario EL PUEBLO.
– Todos tienen en común el hecho de haber compartido durante varios años su formación literaria en un “Taller” que ya no existe y haber continuado luego reuniéndose como “Grupo Literario”.
-El libro contiene cuentos y poemas. De dos de las mujeres se publican poemas y de la otra, cuentos. De los tres hombres, solamente cuentos.
“Cuentos y Poemas de Salto” verá la luz en mayo. Entonces, en mayo Salto tendrá una nueva muestra de lo mejor de su literatura. Ah… una cosa más: el libro luce en la solapa una hermosa acuarela de Milans Martínez. Queda planteado el acertijo.

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IV Coloquio Salteño de Literaturas no realistas y fantásticas: Aproximaciones desde la investigación y la didáctica.

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Con el objetivo de continuar profundizando en las temáticas planteadas en los tres Coloquios anteriores (2015-2017) así como los debates críticos y teóricos formulados en y desde esos encuentros, se convoca a participar en el IV Coloquio de Literaturas no realistas y fantásticas, organizado por el Departamento de Literatura del Ce.R.P del Litoral. Invitamos, en este sentido, a continuar trabajando y a generar espacios de intercambio entre referentes educativos de las diversas instituciones del C.E.S., Centros Regionales de Profesores, I.P.A., Institutos de Formación Docente y Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación (UdelaR), entre otras.

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Femicidio mediático, el crimen de la joven francesa Laëtitia Perrais atrajo a buitres y carroñeros

Jablonka y la construcción de un relato

La desaparición de la joven Laëtitia Perrais, violada, descuartizada y arrojada a un estanque en enero de 2011 se convirtió en una cause célèbre, como la llaman los franceses. Medios de comunicación mediante, el caso conmovió a la sociedad francesa. Aunque casi enseguida la policía detuvo al asesino, el cuerpo (más exactamente la cabeza, los brazos y las piernas) tardó dos semanas en aparecer y recién en abril se pudo completar la desmembrada anatomía cuando por fin encontraron el busto atado a un bloque de hormigón. Durante seis semanas Laëtitia abrió los informativos de la noche y fue tapa de los diarios. Hubo concentraciones —las llamadas «marchas blancas»—, el presidente Sarkozy recibió a la familia y la joven tuvo un entierro multitudinario.cultura1704
Con la crónica policial como punto de partida, el historiador Ivan Jablonka construye un relato que se pretende a la vez literatura e Historia. El asesinato, la cobertura televisiva de la búsqueda del cuerpo, la reacción social, la espectacularización y utilización política del crimen, el juicio y la condena del asesino, y el drama sordo que reveló la historia de la víctima y de su hermana melliza son las piezas que componen el libro Laëtitia o el fin de los hombres.
En una época que valora los géneros híbridos, Jablonka reivindica la libertad del historiador para escribir. No por casualidad su obra anterior se llama La Historia es una literatura contemporánea. Manifiesto de las ciencias sociales (2014). Para el autor hay que conciliar las ciencias sociales y la creación literaria y ello supone escribir de manera más libre. Laëtitia o el fin de los hombres es un ejemplo de esa convicción. El libro fue muy bien recibido por el público y la crítica de su país. Ganó los premios Médicis y Le Monde, y el Prix des prix, que antes habían obtenido Emmanuel Carrère por Limonov y Pierre Lemaitre por Nos vemos allá arriba.
VÍCTIMA Y HEROÍNA
La obra traza el fugaz itinerario de una joven de la periferia, de un pueblo pequeño no lejos de la capital y la rescata del anonimato al que estaba destinada de no haberse cruzado una noche con Tony Meilhon, un criminal reincidente que vivía entre la cárcel y el robo, el alcohol y la cocaína.
Jablonka no quiso que el asesino lo encandilara y ocupara el centro del relato. «No conozco relato de crimen que no valore al asesino a expensas de la víctima. El asesino está ahí para narrar, para expresar su arrepentimiento o para pavonearse. […] Mi libro solo tendrá una heroína: Laëtitia», advierte en las primeras páginas. Pero, además, el autor se propone tratar un hecho de la crónica policial como un objeto de investigación. El caso revela, tanto en la víctima como en el verdugo, costados sombríos de la familia y de la clase social a la que ambos pertenecen: tienen padres alcohólicos y abusadores, y pasaron por instituciones de protección social que no lograron rescatarlos de la desestructuración familiar.
Desde pequeñas Laëtitia y Jessica, su gemela, conocieron la violencia. Vivían en una casa en la que el padre borracho pegaba, y la madre depresiva crónica lloraba. Cuando las niñas tenían tres años, el padre violó a la madre. El hombre terminó en la cárcel, la mujer internada y ellas en un hogar sustituto. A partir de ese momento las hermanas estuvieron en manos de los servicios de protección a la infancia. Se transformaron en un caso judicial.
GARRA MASCULINA
Jablonka recupera el expediente de las mellizas en los servicios sociales. Los documentos encierran una historia de bajo rendimiento y ausentismo escolar, de falta de higiene, de abandono e inocencia herida. La historia de las Perrais, remite, como sostiene Jablonka, a un hecho social mayor que ellas. Su vida resume la vulnerabilidad de los niños y la violencia de género que padecen las muchachas de su clase social. Para Laëtitia y Jessica los hombres son amenaza y agresión. La «garra masculina» está presente en los golpes que Perrais descarga sobre su mujer; y más tarde reaparece en Jessica, en el abuso sexual del padre del hogar de acogida que las recibió al fin de la infancia. En Laëtitia la garra aprieta hasta la muerte. En un día Meilhon la conoce, la seduce, la viola, la estrangula, la apuñala y, finalmente, con una sierra la convierte en un amasijo de carne rota. Para él, Laëtitia no es más que un objeto sexual desechable.
La historia personal y familiar del asesino también es sórdida y desgraciada. La madre fue violada en la adolescencia por su propio padre; se casó con un hombre violento y alcohólico con quien tuvo una niña y dos varones. Meilhon fue el menor. El matrimonio terminó cuando la mujer, que había aguantado maltrato y palizas, supo que el marido abusaba de la hija. Meilhon abandonó el liceo, se fue de la casa y se dedicó a robar. Pronto, él mismo recomenzó el círculo de golpes y abandono. Tuvo un hijo que terminó, al igual que las gemelas Perrais, bajo la protección de los servicios sociales y fue dado a un hogar de acogida.
EJE PATRON-SARKOZY
Jablonka trabaja sobre las tres injusticias que la protagonista sufrió en su corta vida: rastrea la violencia de la infancia, reconstruye la circunstancia del asesinato y analiza la transformación de su muerte en un espectáculo. Esta última operación tuvo dos protagonistas destacados: el Presidente de la República y Gilles Patron. La familia Patron, con quien vivían las mellizas, se convirtió en sujeto de entrevista permanente. Patron fue el hombre del momento. Convocaba a las marchas, se entrevistaba y fotografiaba con Sarkozy. Jablonka habla de un «eje Patron-Sarkozy».
Padre de tres hijos y abuelo de otros tantos nietos, Patron forjó un personaje público modelo. Locuaz, severo, dignísimo en su dolor, clamaba por el endurecimiento de las penas. «No pongan en libertad a criminales sexuales reincidentes, saben bien que lo van a volver a hacer. Aplíquenles la pena máxima, para que no haya más casos Laëtitia», exigió en una oportunidad, a los gritos, subido a una silla, micrófono en mano, frente al Palacio de Justicia.
El personaje se desmoronó cuando Jessica lo denunció por haber abusado de ella durante años. Patron admitió las relaciones sexuales con la joven pero argumentó que siempre habían sido consentidas. Aunque hubo fuertes sospechas de que también había abusado de Laëtitia y de amigas de las hermanas, la justicia no pudo probar el delito y lo condenaron solo por la violación a Jessica.
La intervención de Sarkozy en el caso fue tan directa e intensa que, a juicio del autor, inauguró una nueva era política en su país, la del crimino- populismo. El Presidente atacó con vehemencia a los jueces a quienes acusó de inoperantes y débiles y prometió sanciones para los que no cumplieran con su deber. Su ofensiva provocó una huelga general de la magistratura y mereció una tapa de Charlie Hebdo en la que en el estilo blasfemo característico de la revista, Sarkozy es representado como un buitre que sostiene un brazo de Laëtitia en el pico. Como si con la representación gráfica no alcanzara, la imagen tiene un epígrafe: «Desmembrada por un bárbaro, hallada por un carroñero». Organizado en escenas breves, con saltos cronológicos, personajes secundarios y un lenguaje preciso y ágil que no desdeña, sin embargo, la información, Laëtitia o el fin de los hombres se lee como una novela policial y un ensayo de la sociedad francesa contemporánea.
LAËTITIA O EL FIN DE LOS HOMBRES, de Ivan Jablonka. Anagrama/Libros del Zorzal, 2017. Barcelona, 415 pág. Distribuye Gussi.

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Inauguración de la muestra fotográfica “Ambiente en su tiempo: decadencia y resistencia”

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Mañana martes se concretará la inauguración de la muestra fotográfica “Ambiente en su tiempo: decadencia y resistencia” de la artista brasileña Conceicao Praun, en el marco del Programa de Actividades Culturales de la sede Salto, Cenur Litoral Norte de la Universidad de la República.
La misma tendrá lugar en el día de mañana martes 17 de abril a las 16:00 horas en el piso cero de la sede universitaria, contando con la presencia de la artista y degustación de bocados orgánicos.

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Una novela de iniciación, de lo que será una carrera literaria con muchos y notables logros

Más John Banville.

“No me interesan las novelas, no me gustan y, de hecho, no me considero un novelista. A medida que envejezco, me doy cuenta de que soy un poeta que escribe en prosa” declaró John Banville en una entrevista, y la reedición de su novela Regreso a Birchwood, escrita en los inicios de una trayectoria que lo llevó a ganar el Irish Book Award en 2005 y el Premio Príncipe de Asturias en 2014, podría respaldarlo si no mediara una quincena de novelas entre las que se encuentra la llamada Trilogía de las revoluciones: Copérnico (1976), Kepler (1981) y La carta de Newton (1982), además de otra decena de novelas policiales firmadas bajo el seudónimo de Benjamin Black. banville
El amplio reconocimiento a las virtudes de un estilo preciso y audaz al mismo tiempo, ha traído esta vieja novela publicada en 1973, en la que sin duda Banville puso a prueba su capacidad de novelar una trama con reminiscencias familiares y la de sostener el lenguaje en el libre juego de la percepción, con los resultados irregulares de la mayoría de los ensayos. El comienzo es netamente proustiano, en el tono y la intención de evocar una granja familiar en el campo irlandés, con especial atención a los comportamientos de la luz sobre la flora y el paisaje, a las descripciones bucólicas atravesadas por la intimidad de los recuerdos. Gabriel Godkin regresa a la gran casa familiar para encontrarla convertida en una penosa ruina de la que es su único heredero. A medida que se interna en la historia de la familia, el retrato de los padres y de los abuelos, de una tía paterna que arriba con su pequeño hijo, se adensa en una espesa trama de silencios, celos y locuras que jalonan una decadencia económica y moral. Es la zona de mayor interés porque en su recorrido Banville despliega una serie de recursos a veces líricos, por momentos patéticos y no exentos de humor negro, con los que alcanza un grado de expresividad imprevisible. Es un hogar sin amor en el que todos los miembros viven de espaldas a las necesidades de los otros, pero es el lugar en el que Gabriel Godkin descubre el mundo y da rienda a sus primeras aventuras, también él a merced de los secretos que lo involucran, pero desconoce. Luego la novela da un giro radical y cuando el padre se dispone a enviar a Gabriel a un internado, el muchacho huye de la casa y con el pretexto de ir en busca de una hermana perdida —en la infancia y en una alusión anodina de las primeras páginas de la novela—, se integra a una compañía de circo. A partir de entonces el relato transita por todos los clichés de los circos errantes, con sus carretas coloreadas, sus personajes extravagantes, seductores y crueles, sus aventuras tunantes, la comedia de pícaros, la nostalgia de los caminos, la precariedad y el hambre, entonces masivo y acentuado por la gran hambruna irlandesa del siglo XIX. El relato pierde vigor, se vuelve previsible y finalmente inverosímil. Una tercera parte, notoriamente breve, se apura a revelar unos secretos familiares que deberían dar al relato una vuelta de tuerca si el pase del tornillo no hubiese quedado definitivamente mellado. La novela está malograda y no luce más que en su primera parte, pero tiene el valor de la huella en el camino de un escritor que supo conseguir muchos y mejores logros.
REGRESO A BIRCHWOOD, de John Banville. Alfaguara, 2017. Buenos Aires, 238 páginas. Distribuye Penguin Random House.
(El País)

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Extendieron al 20 de abril el llamado a propuestas artístico culturales para el “Sistema de Circulación Cultural 2018”

Hasta el 20 de abril se extendió el plazo para las inscripciones de propuestas artístico-culturales que deseen integrar el Sistema de Circulación Cultural 2018.
Esta propuesta es llevada adelante por la Dirección Nacional de Cultura junto a las Direcciones de Cultura de las Intendencias, y tiene el objetivo de promover la circulación de bienes y servicios culturales por todo el territorio nacional. Para eso se han conformado circuitos de circulación que abarcan las distintas regiones del país. Comprende música, teatro, títeres, circo, literarias, danza, artes plásticas, formación artística, talleres de gestión cultural, entre otros. En 2017, el Sistema de Circulación Cultural del corredor turístico Pájaros Pintados permitió la presentación de 36 propuestas y 62 artistas, impactando en más de 60.000 espectadores de todas las edades, en unas 12 localidades. Las bases y el formulario de inscripción están disponibles en la web de la Intendencia de Salto (www.salto.gub.uy). Por consultas los interesados se pueden dirigir al teléfoo 473 29898 int. 176 o a través del e-mail: secretariacultura @salto.gub.uy
OBJETIVOS DEL SISTEMA
En procura de garantizar los derechos culturales de toda la población, la Dirección Nacional de Cultura, en trabajo mancomunado con las direcciones de cultura de las intendencias, han conformado diferentes circuitos de circulación de bienes y servicios culturales por las distintas regiones del país. El Sistema de Circulación Cultural tiene por objetivo central promover y facilitar la circulación, por todo el territorio nacional, de las más diversas expresiones artístico-culturales, democratizando el acceso al disfrute y a la creación de bienes y servicios culturales de toda la ciudadanía, así como el fomento y la generación de las mejores condiciones para el desarrollo cultural de cada región.
El programa apunta a la circulación de propuestas artísticas, apoyos para la mejora de infraestructuras culturales tanto edilicias como técnicas, capacitación de recursos humanos dirigida a artistas, técnicos, gestores culturales, actores comunitarios y agentes dinamizadores de nuevos públicos; aportando al sistema educativo en su conjunto, herramientas para la formación de nuevas audiencias así como material pedagógico para el desarrollo de los diferentes programas educativos. El sistema busca contribuir a la conformación de temporadas y programaciones con agendas sostenidas, en distintos puntos del país; facilitar la circulación artístico-cultural, garantizar el acceso a propuestas culturales por parte de públicos de todo el país; promover la formación de audiencias. y la inclusión del sistema educativo a las experiencias artístico-culturales y estimular los procesos de profesionalización en la gestión cultural en el ámbito público y privado; entre otros aspectos.
EXTIENDEN PLAZO HASTA EL 20 DE ABRIL
En este marco, se extendió hasta el 20 de abril el plazo para las inscripciones de propuestas artístico-culturales que deseen integrar el Sistema de Circulación Cultural 2018. Las bases y el formulario de inscripción están disponibles en la web de la Intendencia de Salto (www.salto.gub.uy). Por consultas los interesados se pueden dirigir al teléfoo 473 29898 int. 176 o a través del e-mail: secretariacultura @salto.gub.uy

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Algunos apuntes de abril

Eduardo Galeano: Este viernes 13 se cumplieron tres años del fallecimiento del escritor Eduardo Galeano, autor de “El libro de los abrazos”, “El fútbol a sol y sombra”, “Las venas abiertas de América Latina”, entre tantos más. Lo recordamos hoy con un brevísimo párrafo extraído de un extenso discurso pronunciado por el Prof. Académico Ricardo Pallares, en el año 2013, cuando Galeano recibiera de parte de la Academia Nacional de Letras el Premio Día del Libro: “Como se ve, su prosa -no obstante tener sencillez sintáctica y léxica- es cuidada y resultado de una ardua elaboración y corrección sin las cuales no sería posible. En cuanto a los contenidos, lejos de quedarse en la impugnación, da curso a varias formas de la ternura solidaria y comprensiva de lo primordial, de la inocencia de los pueblos y sus gestos, de sus dioses y costumbres, de sus leyendas y sus mitos, de los modos y maneras de vivir, de amar y sucumbir…”.

“¡Bernabé, Bernabé!”: Un 11 de abril ocurrió la “matanza de Salsipuedes”. Se conoce así al ataque que en 1831 se realizó en nuestro país contra indígenas charrúas por parte de tropas del gobierno dirigidas por Fructuoso Rivera. Fue a orillas del arroyo Salsipuedes Grande, afluente del río Negro. Una vez más, desde esta página de EL PUEBLO recomendamos la lectura de “¡Bernabé, Bernabé!”, la novela histórica de Tomás de Mattos (publicada por primera vez en 1988) que en su momento generó gran polémica y que, con una mezcla de historia y ficción literaria, narra precisamente estos episodios.

Alberto Prósper: Un año se cumplió el pasado lunes del fallecimiento de Alberto Prósper. Falleció con 36 años. Si bien no alcanzó a publicar un libro individual, cuentos y poemas suyos aparecieron en varios medios, tanto de Salto como del exterior. Había estudiado literatura, música y fotografía, y acostumbraba además a escribir notas sobre variados temas culturales, que en su mayoría publicó en su blog “Salto y Yo”. Fue también el traductor de la novela “El viejo y el mar”, de Ernest Hemingway, que lanzó la editorial Cruz del Sur en el año 2012.

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Se escucharán en mayo “Los Sonidos de la Aldea”

En Sala Zitarrosa y con “Papino” Ciocca presente

Será en la noche del 5 de mayo. Según hemos podido saber, se vienen ajustando detalles para un evento musical de relevancia que tendrá lugar en Sala Zitarrosa y que contará, entre los diversos números artísticos provenientes de distintos puntos del país y Argentina, con la participación del cantautor salteño Ruben Ciocca Breventano. Espectáculos confirmados hasta el momento: Washington Carrasco y Cristina Fernández, Rubén Olivera, Nacho Suárez, Luis Lagos (Argentina), Yamandú Palacios, Solipalma (Rocha), Enrique Rodríguez Viera (Tacuarembó), Tantomán (Paysandú), Ruben “Papino” Ciocca (Salto), Federico Miralles, Martín Palacio Gamboa, Verónica Loos (Rivera), Maine Hermo, Carlos Garbarino, Horacio Pérez, Omar Perdomo (Lavalleja). Esta parece ser la consigna del evento que tendrá entrada libre y gratuita y la conducción de Pablo Silveira Artagaveyta: “Pensar que es posible «defender la alegría» y los sueños como nos dijera Benedetti hace de esto el motor para impulsar los Sonidos de la Aldea. Porque nos ha hecho creer que Un otro Mundo Posible crece desde el pie. Inmersos en un tiempo que necesita hacer correr la voz y transformar el oído. Hacer visible lo silenciado, hacer oído lo invisible. Volver ineludible el nosotros y nosotras. Porque la memoria del sonido aún respira futuro”.

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En la Casa de Horacio Quiroga se rindió homenaje al escritor de Cuentos de la Selva en Misiones

En la Casa de Horacio Quiroga, escritores, artistas y autoridades se reunieron el en el mes de febrero ante el 81 Aniversario del mítico cuentista. Por la mañana.
El homenaje al autor de Cuentos de la Selva, fue organizado por el Grupo Fanáticos de los Cuentos de Horacio Quiroga, la dirección de Cultura de la Municipalidad de San Ignacio, y la Sociedad Argentina de Escritores filial Misiones.homenaje-quiroga-91ha3ub4v0m0
Como todos los años, se realizó un ofrenda floral al pie del busto de Horacio Quiroga, el acto contó con palabras alusivas al tema del periodista Alberto Mónaca.
También, de acuerdo a la tradición, se realizó la plantación de un árbol a cargo representantes de la Fundación Temaikén.
Entrega de Premios del Concurso
El Encuentro finalizó con la entrega de los premios y certificados para los ganadores del Certamen de Poesia y Cuento de Horacio Quiroga, cuyo jurado estuvo compuesto por el escritor y periodista Esteban Abad y las profesoras Laura Montenegro y Rocío Brizuela.
Ganadores en Poesía
Primer Premio: Mi lugar- Delsia Camacho, Uruguay
Segundo Premio: Érase un hombre – Hugo Farías, Posadas.
Tercer Premio: Romance de San Ignacio – Ernesto Errecar, Garupá.
Primera Mención: Kaaguy Porá – Matías Cárdenas, Santa Fe.
Segunda Mención: Pinceladas – Bárbara Saulesleja, San Miguel, Buenos Aires.
Ganadores en Cuento
Primer Premio: Mujer a la deriva – Carmen Irene Vera, Puerto Esperanza.
Segundo Premio: El mapa – David Pau, Eldorado.
Tercer Premio: El entierro – Karina Barrionuevo, Eldorado.
Primera Mención: Lluvia de Monte – Erni Vogel, Puerto Rico.
Segunda Mención: Jaula – Rodrigo Fernandez Gutierrez, Tucumán.

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El jueves 19 en el Larrañaga, a las 20 horas, estreno d“Lorca: el duende viene por dentro”

El Grupo Teatral “SINTAPUJOS” presenta el estreno de un espectáculo-show a todo color y alegría en una noche de boleros, flamenco y poemas invocando al duende que siempre evocaba Federico García Lorca, cuando el montaje de un show emanaba la alegría de vivir.Mirtha
Por eso Sintapujos quiere homenajear al gran poeta universal: Federico García Lorca realizando una puesta en escena a todo ritmo y musicalidad, en donde no falta el son y el zapateado flamenco unido a la melodía de los boleros y de poemas cuyas letras perduran en el colectivo universal y siempre transmiten emociones a flor de piel.
Lorca decía que al duende hay que buscarlo en las últimas habitaciones de la sangre, es el espíritu de la tierra, por eso el duende sube por dentro desde las plantas de los pies.
Es así que la emoción entra por los pies. De ahí su gran enamoramiento con el flamenco.
Sintapujos no descuida nada para que su montaje esté a la altura de lo que fue el gran escritor granadino. Por eso todo será zapateado flamenco, abanico, mantón, canto y verso a todo ritmo y color.
Participan de este show, Marcela Cavallo y Juli Montes en baile flamenco; Mirtha Pírez en los boleros y Natalia y Oscar Bibbó en los poemas.
Será un show imperdible envuelto en fandangos y sones, pasión, sensualidad, luz, creatividad y amor, en una producción para el recuerdo, con patrocinio de la Intendencia de Salto, a través de su Departamento de Cultura.
Entradas anticipadas a $ 170.- en venta en Office 2000, en sus dos locales.
El día de la función a $ 200.- En venta en el propio Teatro.

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Conociendo a Carmen Isabel Molinas Bonilla

Uno de los valores fundamentales de una revista cultural es el de hacer posible que el público conozca creadores nuevos. Y puede ocurrir, incluso, que una revista editada en el exterior nos permita conocer autores que caminan entre nosotros. Es lo que sucede, por ejemplo, con la Revista Cultural Ámsterdam Sur, publicada en Holanda por el salteño Jorge Menoni, de la que nos hemos ocupado en diversas ocasiones.
Del último número de esta publicación, hoy elegimos a Carmen Molinas. Confesamos que es la primera vez que leemos textos suyos y creemos que lo mismo ocurrirá con varios lectores de EL PUEBLO.Carmen Molinas

Carmen Isabel Molinas Bonilla: Maestra, Psicopedagoga, Especializada en Educ. Inicial. Maestra de Escuelas públicas y privadas de Salto y de Montevideo. Profesora en: Liceo Piloto, Liceo Nocturno, Colegio Inmaculada Concepción, Colegio Salesianos e Instituto Normal de Salto. Profesora de la Lic. en Educación. UCUDAL. Mdeo. Coordinadora del Sector Inicial del Colegio Misericordista. Mdeo. Fundadora y Directora general de Jardín de Infantes “Les Petits” y de “Pocitos Day School” Mdeo. Uruguay. Investigadora psicopedagógica. Disertante en Congresos y Eventos Internacionales de Educación, Psicopedagogía y temas relacionados.

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Se prepara el IV Coloquio Salteño de Literaturas No Realistas y Fantásticas

Como ocurre desde el año 2015, docentes del Centro Regional de Profesores vienen preparando un “Coloquio de Literatura Fantástica”, del que participa un buen número de estudiantes, docentes y público en general no solamente de Salto sino también proveniente de diferentes puntos del país. Será en el mes de junio, por lo que en próximas ediciones iremos ampliando la información. Pero importa ir sabiendo que las ponencias pueden ser presentadas hasta el 31 de mayo y que tanto para ponentes como para asistentes la inscripción es libre y gratuita, expidiéndose certificado de participación al finalizar el Coloquio. Hasta el momento los organizadores han dado a conocer lo siguiente:
“Con el objetivo de continuar profundizando en las temáticas planteadas en los tres Coloquios anteriores (2015-2017) así como los debates críticos y teóricos formulados en y desde esos encuentros, se convoca a participar en el IV Coloquio de Literaturas no realistas y fantásticas, organizado por el Departamento de Literatura del Ce.R.P del Litoral. Invitamos, en este sentido, a continuar trabajando y a generar espacios de intercambio entre referentes educativos de las diversas instituciones del C.E.S., Centros Regionales de Profesores, I.P.A., Institutos de Formación Docente y Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación (UdelaR), entre otras. Los ejes temáticos que se plantean para este Coloquio son los siguientes:
– Perspectivas actuales de lo fantástico uruguayo y/o latinoamericano.
– Estrategias metodológicas y didácticas de la literatura fantástica.
– Figuraciones de lo insólito en escrituras realistas y no realistas uruguayas y latinoamericanas.
– El cine, las series y cómics y su acercamiento a diversas perspectivas de lo fantástico.

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Las voces femeninas de la murga “Falta y Resto” se presentarán en el Ateneo

El viernes 13 del corriente se presentarán a la hora 21.00 en el Ateneo de Salto las voces femeninas de la murga “Falta y Resto” y a su vez María Soledad Castro Lazaroff brindará la charla “Murga y Género”
La murga en nuestro país es un espacio donde convergen el baile, la actuación, el canto y la música como medios de expresión de ideas, pensamientos y sentimientos.
El espectáculo tiene tradicionalmente un contenido político: “es una de las mejores expresiones del sistema de valores nacional, además de ser quizás la más uruguaya de las manifestaciones del muy uruguayo ritual carnavalero” .WhatsApp Image 2018-04-10 at 18.49.22

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Muestra plástica textil “Pi Arte Diseño” en El Andén

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El próximo sábado 14 de abril se inaugurará en la sala teatral El Andén, la muestra plástica textil “Pi Arte Diseño” a iniciativa del docente, plástico y actor teatral Pablo Sánchez.
Se tratará de un número afuera de 30 prendas intervenidas plásticamente, buscando el diálogo entre lo cotidiano y lo artístico expresivo.
Lo sugerente como canal enocional a traves de la mancha y el color. Desde las sensaciones buscar sensaciones en el otro.

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“Sintapujos” presenta : “Lorca: el duende viene por dentro”

Un montaje que profundiza en el legado sonoro del poeta de Fuentevaqueros: Federico García Lorca con las emociones y sus letras a flor de piel.
Flamenco, boleros, poesía y sones , con la participación de Marcela Cavallo, Juli Montes, Natalia Bibbó, Mirtha Pírez y Oscar Bibbó.Lorca
El Grupo Teatral “SINTAPUJOS” homenajea al más grande poeta universal de todos los tiempos: Federico García Lorca con su espectáculo-show: “LORCA: EL DUENDE VIENE POR DENTRO”.
Un show a todo ritmo y a toda musicalidad, a todo son, a todo zapateado flamenco, a todo abanico y todo mantón, todo canto y todo verso, en un montaje que emana alegría de vivir.
El influjo de Lorca presente, este jueves 19 de abril a las 20 horas,en el Teatro Larrañaga. “SINTAPUJOS” presenta este homenaje al gran poeta español: Federico García Lorca , en un show imperdible envuelto en fandangos y sones, pasión, sensualidad, luz, creatividad y amor , en una producción para el recuerdo, con un guión y dirección de Oscar Bibbó y el Patrocinio de la Intendencia de Salto, a través de su Dirección de Cultura.
Entradas anticipadas a $ 170.- en venta en Office 2000 , en sus 2 locales.
El día de la función a $ 200.- en venta en el propio Teatro.

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Jornada de sensibilización

La Dirección de Turismo de la Intendencia de Salto junto al Corredor de los Pájaros Pintados invita a trabajadores en contacto con turistas a conocer los principales atractivos y servicios del litoral del río Uruguay. El ciclo de jornadas permitirá analizar la importancia de cada uno de los actores en la cadena de valor y de esa manera, adquirir un papel protagónico en el desarrollo turístico de la región.Invitación Vf (2)
El capital humano es clave en todo desarrollo turístico por lo que fidelizar clientes pasa también, y nada menos, por fidelizar trabajadores. A partir de lo cual lograr no solo estabilidad laboral, que es un bien del trabajador, del empleador y de quien usa el servicio pues encuentra y reencuentra caras conocidas, sino que apoyarse en la solvencia de la experiencia, la capacidad técnica de la formación y el recurso de la memoria compartida en instancias mutuas ayuda a seguir avanzando. Sobre eso trata, nada menos, este ciclo de jornadas en el Palacio Córdoba que permitirá que trabajadores en contacto con turistas conozcan atractivos del Corredor de los Pájaros, se informen, aprendan sobre los mismos y permitan luego potenciarlos en el diálogo con el visitante. Aspectos sobre los cuales estamos convencidos hay que potenciar pues el cara a cara, el mano a mano termina siempre siendo decisivo no solo para la elección, sino para la satisfacción del cliente, o la eventual demanda insatisfecha y la búsqueda del consenso que permita articular soluciones y potenciar acuerdos. Cada trabajador es una cara de todo el Corredor, es una voz que nos defiende, es una trayectoria que nos potencia. Por lo que todo lo que podamos invertir en su capacitación deberá tener la convicción de la inversión y la búsqueda de la excelencia. A su vez la concreción de un trabajo mancomunado del Corredor permitirá la interacción entre los trabajadores, la búsqueda de un objetivo común y la permanencia en el tiempo de la idea de articular juntos pensando que se pueden seguir conquistando destinos, mercados y preferencias con la capacidad que el Corredor (y sus incontrastables resultados) pueden alcanzar. Fechas 13, 20 y 27 de abril de 2018. Lugar: Palacio Córdoba, Uruguay 202.
Horario: 18:30 a 21 hs.
Informes e inscripciones: secretariaturismo@salto.gub.uy – Cupos limitados.

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Renzo Teflón se confiesa: «La música está llena de humor»

Acaba de sacar un nuevo y extraño disco, «Unknown»

Renzo Teflón Guridi, ex líder del grupo Los Tontos, célebre en los años 80 por unir rock, política y humor —un mix que les generó muchos fans y algunos enemigos—, acaba de publicar como solista el disco Unknown, compuesto, ejecutado, producido, programado, mezclado, sampleado y masterizado por él, donde rinde homenaje explícito a Paul McCartney en el tema «Sing the Changes» y a la poeta Idea Vilariño en «¿Quién?». En otras canciones del disco se deslizan silentes Eduardo Mateo y Prince, además del heavy metal, el brit pop, el retro-tecno y un sonido próximo al spaghetti western (en «Unknown West»). Y, a juicio del músico, también están Ennio Morricone, la banda Chic como referente de la música disco, Giovanni Giorgio Moroder, los franceses Daft Punk y Alan Parsons, entre otros, todos homenajeados de manera elíptica. renzo

Teflón toca bajos, guitarra eléctrica y guitarra acústica; programa teclados y batería. Sus letras son directas, sin metáforas. El disco, que alude a la calidad de «desconocido» del autor, es un documento. Como tal resulta creíble: habla desde la primera persona. La entrevista tuvo lugar en la casa del músico, con el álbum sonando. A partir de los temas del disco, el músico disparó reflexiones musicales. Pero también surgieron apuntes extramusicales.
—Es un disco largo, 16 canciones.
—Yo no pensaba grabar un álbum. Mi padre estaba muy enfermo, mi madre estaba afrontando sola el cuidado. Yo dejé mi trabajo para también dar una mano y quedarme con él, en el 2012. Y en las pausas, arriba en mi cuarto, empecé a grabar Unknown. Armé una base y agregué instrumentos. Toqué bajos, guitarras. Los teclados son programados.
—La canción «Luego existo» está escrita contra el hiperconsumo, como «José Mercado», de Serú Girán, o «Wonderful Day in a One Way World» de Peter Gabriel.
—Sí, me acuerdo. La hice de un arranque, salió todo junto, letra y música. No lo pensé mucho. Yo leía mucho a Quino, que era muy crítico de la sociedad de consumo. Leí los libros de humor gráfico de Quino, no sólo Mafalda. Me acuerdo de Ni arte ni parte, libro en el que criticaba el negocio del arte.
—¿Te gustaba el comic?
—Sí, por ejemplo Batman año cero, de Frank Miller.
—Famoso por Sin City.
—También vi la película.
MATEO Y LOS BEATLES.
—Volvamos al álbum. La canción «Lo-fi», por ejemplo.
—Es una canción rara porque empieza siendo electrónica y termina siendo tocada. El título va a contrapelo de hi-fi. Es la base de una canción que decía «lo-fi and flying saucer is all I have in my mind». No me animé a cantarla y quedó así. Hay una guitarra española sola al final.
—¿Y «Unknown»?
—Es hard rock.
—¿La forma en que está cantada puede tener que ver con Eduardo Mateo en el disco Cuerpo y alma?
—Puede ser. Mateo por supuesto que está presente en todo el álbum. Hay otras canciones así.
—Una amiga me dijo que suena al tema «Nombre de bienes», de Mateo, y coincido.
—Yo también [risas]. En ese disco también está «El boliche», parece que estuviera enojado, como que se estaba burlando del boliche.
—Dice «el boliche, la pinta y el camba».
—Sí, todo lo que rodea ese ámbito bohemio. Mateo iba al boliche pero no en ese plan. Mateo era él mismo y nunca dejó de ser él, siempre se comportó igual.
—En la época de Los Tontos, ¿lo llegaste a conocer?

—No a conocer pero sí a saludar. Compartí escenario con él. Un día lo saludé y le dije «Mateo, sos un genio». No me dio mucha pelota y siguió de largo. Dos veces le dije eso. Y una vez me pidió plata por la calle, para una sopa. «¿No tendrás una moneda para una sopa?»…
—¿Y en la canción «Sing the Changes (Paul McCartney)»?
—Acá hago un mix, Harrison-McCartney. Entre «Sing the Changes», de Paul, y «Here Comes the Sun», de George. Esta canción es de The Fireman [banda creada por McCartney y Joke Youth, miembro y productor de Killing, N. de R.]. Es una canción que es de McCartney y no es a la vez porque la publicó como The Fireman. Es un tema pop y hay otros temas así en mi disco, «A Little cure» también lo es.
—¿Qué te gustó de esta canción?
—La letra. Dice «canta los cambios», «siente la calma en el trueno», «todos los caminos conducen al cielo», «lápices de colores, pinta el cuadro», «y todos tienen el asombro de los niños». Me pareció una letra preciosa. Y yo le puse abajo el arreglo de «Here comes the sun». ¿Querés que la ponga de vuelta? [tararea] Ésta es de la mejor época de Los Beatles, cuando se separaron [risas]. Los Beatles hicieron todo. Todos los géneros los inventaron ellos, todo lo que conocemos como rock ya lo habían hecho Los Beatles.
—Incluyendo a George Martin ¿no?
—Sí, claro. Yo leí los libros de Martin, te los recomiendo. Uno se llama With a Little Help from My Friends, que habla de la grabación del álbum Sgt. Pepper’s. Y después hay otro que se llama All You Need Is Ears, «todo lo que necesitas es orejas». Si querés saber cómo eran las cosas, cómo se hacían, tenés que leerlo. Están en inglés pero es un inglés fácil, plain english, se le entiende. Te envío por inbox del Facebook una entrevista a Martin, ahí dice que invirtió toda su vida en la música. Dice «yo necesito música y todo el mundo la necesita».
—Claro, salvo los que tienen sordera al ritmo, al tono, que son pocos.
—Y creo que nunca es total.
—Buena parte de las canciones del disco están en inglés.
—Yo estudié. Siempre mantuve el nivel de inglés, de niño, de joven y de adulto. La vez pasada fui al Anglo a que me hicieran una prueba para ver en qué año empezar y me ubicaron en tercero de adultos.
«MILICOS Y TUPAMAROS».
¿En el tema «Blues de la volketa» te referís al nombre de tu estudio?
—Sí, es arriba, un sucucho de tres por dos, esa es La Volketa desde el 2008. Cambió de nombre, ahora se llama «Electrisk Kat» que puede ser en noruego o en danés, significa lo mismo, Gato eléctrico. Y el logo del estudio hace referencia a un gato así.
—»Somos huérfanos de una guerra sucia». [Escuchamos la letra]
—Es la guerra entre milicos y tupamaros. Eso le hizo un mal tan grande a nuestra sociedad que todavía lo estamos padeciendo. Yo no tengo nada contra los tupamaros, no tengo nada contra quienes tuvieron que comerse la «cana» como mi padre. A esos los respeto. Mi viejo estuvo diez años en la cárcel de Libertad. Era del brazo armado, andaba con los fierros. Mi padre fue un preso en democracia, cayó en 1972. Esto no lo pongas.
—¿No?
—O ponelo. Como quieras.
—Se sabía pero vos no lo habías dicho.
—Sólo lo dije una vez hace dos años, 2016. Y porque me lo preguntó Leonardo Haberkorn en una entrevista. Yo no iba a hablar de eso, me tomó por sorpresa, pero hablé.
—Ser preso político forma parte de lo público. ¿Por qué no decirlo?
—Quería brillar con luz propia, no quería sacarme boleto con ser hijo de preso político, eso de «pobrecito» no lo quería. Y yo quería lo que tenemos ahora, democracia, libertad de expresión. Me guste o no me guste lo que esté tocando el que está arriba del escenario, me alegro de que esté tocando. «No estoy de acuerdo con lo que dices pero defenderé con mi vida tu derecho a decirlo» [cita de memoria una frase adjudicada a Voltaire]. Y aquella frase «si se pone de pie para señalar algo que está mal pero no pide sangre para remediarlo, entonces es rock and roll».
—Es de Pete Townshend.
—No sabía. Es la mejor definición de rock que leí en mi vida… Bajo la dictadura existía la censura y había que llevar las letras a Jefatura. Pero igual pasaron algunas cuantas. Y también prohibieron a muchos. A Daniel Magnone entre otros, por ejemplo. Tuvo que dejar de tocar, ya nadie se acuerda de eso.
—¿Y la canción « A Little Cure»?
—Ésta es pop británico, inspirada en una amiga. Pero el disco intenta no parecerse a nada. Salió así, sui generis…
—No como la banda argentina [risas].
—Ah, pero me gusta Sui Generis. Está bueno Pequeñas anécdotas sobre las instituciones, mi disco preferido, me llega. «Tango en segunda», «Para quién canto yo entonces». Es realmente bueno. Es una canción tierna la que compuse. No tengo mucho más para decir.
—¿Volviendo al álbum, el tema «Disco Unknown»?
—Es mi reconocimiento a Chic y a la música disco. En esta parte [señala él la rítmica funk] me inspiré en Daft Punk. En 2013 la banda publica Random Access Memories. Yo lo estaba escuchando por internet, fue una inspiración, con grabación analógica. Por eso participó Giorgio Moroder. Fue un disco grabado en cinta y usaron músicos sesionistas. Adoro la banda, son mis ídolos. Hay teclados programados. Lo escuchaba todos los días. Me gusta toda la obra desde Homework.

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Ya circula “Locura al aire”, una nueva película de Alicia Cano

“Locura al aire”es la nueva película de la cineasta salteña Alicia Cano, que hace algún tiempo tuviera exitosa repercusión con su película “El Bella Vista”. En el caso de este nuevo trabajo, la dirección y el guion son compartidos con Leticia Cuba. El pre estreno de “Locura al aire” se realizó este pasado jueves 5 en la Sala Zitarrosa, en el marco del festival de Cinemateca, en tanto el estreno en cines está previsto para el día 19 del presente mes en forma simultánea en Salto (Cine de Daymán) y varias salas de Montevideo. Justamente el día 19, Alicia Cano estará en Málaga pues la película fue aceptada en un importante festival de cine de aquel lugar y allí estará para presentarla. De una entrevista realizada días pasados por Radio Uruguay y que puede leerse en radiouruguay.uy extraemos: “Comienza este jueves el 36º Festival Internacional de Cinemateca. Una de las propuestas uruguayas de la programación es la película “Locura al aire”, que recoge la vivencias del colectivo de usuarios de salud mental y psicólogos que gestiona la Radio Vilardevoz, la emisora comunitaria del Hospital Vilardebó. Alicia Cano, codirectora de la película, contó que se trata de un retrato colectivo, una película coral que al mismo tiempo se interna en el mundo de la locura a través de historias personales. `Es una película que busca interpelar cómo nosotros nos vinculamos con la locura`, dijo”. Ampliaremos.

Alicia Cano

Alicia Cano

“No sobra nada”
Con este título y con el subtítulo “Un narrador artiguense que se las trae”, Pedro Peña comenta días pasados en El País Cultural la última novela del escritor artíguense radicado en Salto Luis do Santos: “El zambullidor”. Parte central d ela nota son estas líneas: “La ficción transcurre en un lugar costero del interior, cerca de la frontera con Brasil. El elemento dominante es el río. Como la selva en las narraciones de Quiroga o el campo en las de Espínola, el escenario es central en el desarrollo de la acción. La novela narra en primera persona la historia de un niño que vive con su familia cerca de la costa. Es un mundo hostil y el protagonista debe aprender a golpes a valerse por sí mismo. Su padre es el primer zambullidor. Su oficio es encontrar a los muertos que el río se traga, en lo que puede interpretarse como la manifestación de un pacto entre la naturaleza y el hombre, una conexión mística en la que se abisma un poco más cada vez. Otros personajes destacados son la madre, siempre amorosa y dispuesta. Y Emilio, el compañero de aventuras de la infancia, que vuelve a la narración muchos años después para probar que el paso del tiempo solo produce olvidos. Pero el personaje más enigmático es Martinidad, un solitario pescador que vive en la costa y que llega a la familia después de rescatar al perro del protagonista de la mordedura de una víbora: “Martinidad se acercó al perro, sacó el cuchillo largo de cuerear carpincho y sin que temblara el pulso le cortó la oreja derecha de un solo golpe.

Luis Do Santos

Luis Do Santos

La sangre brotó hasta dejar un reguero humeante entre los pastos. Después lo levantó en brazos con algo parecido a la ternura. ‘Me lo llevo a ver si lo puedo salvar’, creo que dijo, la voz infestada del cigarro, hablándole al Titán apagado, a los árboles, al río, al silencio mismo, sin mirar a nadie.” Su presencia desbarata la poca armonía que existe entre padre e hijo y anuncia el desenlace de la narración. Ocho capítulos breves, desarrollados en poco más de noventa páginas, alcanzan para dejar planteada una historia interesante y dinámica. El lenguaje duro y bello es otra cualidad de esta novela corta o nouvelle. La escritura es directa y esencial. No sobra nada. Nada queda por decir. Habrá que estar atento a la futura obra del narrador artiguense, que ha dado un excelente puntapié inicial en la cancha de la mejor narrativa nacional”.

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Hilda Lizarazu se presenta por primera vez en Concordia en el escenario de Pueblo Viejo

El Jueves 12 de abril, a las 21.30hs., Hilda Lizarazu, una de las mujeres referentes del rock nacional llega a Pueblo Viejo (Ale, Nº 230) para interpretar lo mejor de su música.
Hilda Lizarazu, ganadora del premio Gardel 2016 a Mejor Album Cantante Femenina Pop, y quien a lo largo de su carrera formó parte de bandas como Suéter y Los Twist, fue corista de Charly García y durante doce años la voz y líder del grupo Man Ray; presentará en el escenario del Espacio Cultural sus trabajos “En Vivo” y “Las vueltas de la vida”.
A comienzos del 2017, Hilda Lizarazu transformó el sonido de sus presentaciones en formato dúo junto a Federico Melioli.
Las canciones emblemáticas del rock argentino son homenajeadas por Hilda en su espectáculo, donde canta versiones de Man Ray, Charly Garcia y Los Twist y clásicos de su repertorio solista. Tantas vueltas que tiene la vida, con su carrera musical hacen que los recitales de Hilda sean dinámicos, cadenciosos y alegres, cantando entre todos canciones que forman parte del acervo cultural de todas sus épocas
Las localidades son limitadas atendiendo a la capacidad de la sala, y las entradas anticipadas están a la venta. Por consultas y reservas comunicarse al (0345) 4215289, vía Whatsapp al 3454192481o en el Facebook de Pueblo Viejo.
«LAS VUELTAS DE LA VIDA»
En el 2015 edita el CD de estudio «Las Vueltas de la vida» (ganador del premio Gardel 2016 al mejor álbum artista femenino pop). 10 canciones originales y 2 nuevas versiones de “Los hermanos” de Atahualpa Yupanqui y “La Balsa” de Nebbia y Tanguito.
Grabado y mezclado en el barrio de San Telmo en el estudios de Lito Vitale, “Las vueltas de la vida” es un trabajo entusiasta, optimista con sonoridad “tracción a sangre”, tomando distancia estética de sonidos electrónicos reemplazándolos por instrumentos de vientos, cuerdas y voces reflejando en su totalidad la personalidad de esta dama que nos canta que muchas veces los problemas «Tienen solución».
El disco cuenta con la participación musical de Lito Vitale, Fabiana Cantilo, Emme, Claudia Puyò, Palo Pandolfo, entre otros. Escuchando su voz, Hilda, nos transporta por diferentes lugares sonoros, imágenes, ritmos y emociones desde la descriptiva «Adorable Buenos Aires», buscando poesía y libertad dentro de su POP hecho en Argentina.
El primer corte, y primer tema del disco, «Lucia La Equilibrista», Hilda cuenta y canta sobre una acróbata responsable de liberar de su encierro al emblemático oso de Moris.
Un homenaje más al rock argentino, imperdible!

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Se convoca a actores y a actrices para integrar el Elenco Teatral Departamental

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La Dirección de Cultura de la Intendencia de Salto convoca a actrices y actores para la integración al Elenco Teatral Departamental de Salto. Podrán presentarse actores profesionales o amateurs, independientes o pertenecientes a colectivos teatrales, residentes en Salto y mayores de 18 años.

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Leonardo Garet apunta y dispara contra la Compañía de Jesús cordobesa

Por “afrenta al ser humano y a la cultura”

Para explicar este asunto quizás convenga, en primer lugar, recordar
quién fue Osvaldo Pol.
Fue un sacerdote jesuita (nacido en Córdoba, Argentina, en 1935), profesor de Ética y Estética de las Universidades Católica de Córdoba y del Salvador (Buenos Aires) y autor de varios libros de poemas. Considerado uno de los mayores poetas argentinos contemporáneos, Osvaldo Pol vivía en la Residencia Mayor de la Compañía de Jesús, de su Córdoba natal. Osvaldo Pol
Es el autor de poemas tan buenos como este, titulado La experiencia:

La experiencia consiste

en intentar que el pájaro

regrese desde

el extremo opuesto de la noche y pose su cansancio
sobre tu abierto pecho adolescente.

Lo tomas en tus manos,
lo acaricias,
extraes de sus alas todo el viento
y mientras él se entrega a lo innombrable
tú te dejas volar.

Es fácil la experiencia. Leonardo Garet
Lo difícil
es dar con el momento
que te permita asesinar al pájaro
sin morir a su lado de tristeza.
En segundo lugar, conviene decir que Osvaldo Pol y el poeta salteño Leonardo Garet estuvieron unidos por una muy estrecha amistad por más de veinte años.
Palabras del poeta cordobés están en la contratapa del libro “Cantos y Desencantos” (2000), del salteño.
Y se podría agregar, por ejemplo, que el libro de Garet “Vela de armas” (2003) fue publicado en Córdoba y presentado en aquella ciudad por el propio sacerdote poeta.
Pero sucede que el 19 de setiembre de 2016, Osvaldo Pol falleció.
En su cuarto de la Residencia Mayor de la Compañía de Jesús falleció.
Y después, quien vino a ocupar ese dormitorio tiró a la calle todas las pertenencias de Pol: libros, documentos, diplomas, objetos personales varios.
Todo fue hallado dentro de una caja de cartón, en la vereda, junto a un árbol, por un transeúnte cuya curiosidad lo llevó a revisar esa “basura”.
El asunto que venimos narrando en esta nota puede leerse, en detalles, en un artículo de Leonardo Garet titulado “Osvaldo Pol en las sierras de Córdoba”, publicado recientemente en el número 15 de la Revista Cultural Ámsterdam Sur
(www.amsterdamsur.nl).
Allí plantea Garet: “¿Quién será ese curita ignorante, irrespetuoso, soberbio, que entró al cuarto donde vivió Osvaldo Pol y tiró lo que encontró?
¿Los jesuitas de la Compañía de Jesús de Córdoba lo saben?
¿Nadie de todos los colegas de la Compañía sintió responsabilidad, o respeto?
Ustedes predican…¿qué cosa?”. Y finaliza confesando que hasta hace poco pensaba rastrear, mediante gestiones ante la Compañía de Jesús cordobesa, poemas que Osvaldo Pol habría dejado inéditos.
Sin embargo, concluye, “No sabía que tenía que dirigirme al transeúnte casual, o quizás al recolector de basura de Córdoba.
Señores de la Compañía de Jesús de Córdoba: esta afrenta al ser humano y a la cultura no se limpia con Padrenuestros”.

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Apertura de la milonga “Rincón del Tango” este jueves 5 de abril

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Este Jueves 5 de abril se llevará a cabo la apertura oficial de la milonga “Rincón del Tango”.
La misma se llevará a cabo en el Museo del Hombre y la Tecnología a partir de las 19hs con entrada libre y gratuita.
Dicho evento es organizado por el Departamento de Cultura de la Intendencia de Salto. La docente a cargo: Angelina Diaz.
El formato de la milonga será tradicional, con una pista abierta y amplia para bailar de forma libre.
La musicalización será en base a tandas de tangos, valses y milongas.
Asimismo se contará con servicio de cantina.
Se invita a participar y apoyar a todo el público amante del género, también a quienes deseen concurrir a observar, conocer y disfrutar de un buen momento de baile.

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Llega a Salto éste fin de semana Valeria Deragna presentando “En mis zapatos”

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Este fin de semana nos visita la actriz mendocina Valeria Deragna para presentar su unipersonal “En mis zapatos” una propuesta feminista sobre la importancia de tomar decisiones trascendentes en la vida. Valeria personifica a una mujer muy parecida a nosotros. Acércate a ver esta comedia teatral que la ciudad te ofrece este fin de semana, viernes 6 a partir de las 21 horas en el CCAP (Lavalleja 48).
El sábado 7 la presentación será a la hora 21.00 en el Cine4Daymán – Reservas 099765897 – Previas: $150 Día Evento $200.

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Presentaron el libro “La definición justa”, un diccionario raro y tan singular como su propio autor

Ambrose Bierce contra todos

(Cultural, El País)
No hay diccionarios completos, pese a que los hay de todo tipo y de casi todo: de economía, de medicina, de símbolos y por supuesto de lenguas. Y hay diccionarios raros, tan singulares como sus autores. Está, por ejemplo, el del francés Gustave Flaubert, que entre las tribulaciones amorosas de Emma Bovary y los dilemas espirituales de San Antonio tuvo tiempo de comenzar aunque dejó inconcluso un Diccionario de lugares comunes, con definiciones tan sarcásticas como las de «nervioso»: «Se usa cuando no se sabe nada de una enfermedad» u «obrero»: «Siempre honrado, cuando no hace huelgas», o tan sublimes como la de «disección»: «Ultraje a la majestad de la muerte». fotocultura
Más acá en el tiempo, sorprendió con un diccionario el argentino César Aira. Su Diccionario de autores latinoamericanos, ampliamente elogiado por Enrique Vila-Matas, arremete contra un montón de vacas sagradas y hace emerger a un puñado importante de autores menores o que no siendo menores fueron marginales al canon; para Aira, Sábato fue una especie de bluff y Arlt el mejor novelista argentino, por citar dos ejemplos.
Pero si hay un diccionario del que pueden extraerse definiciones memorables una y otra vez, ese es sin duda el del estadounidense Ambrose Bierce titulado El diccionario del diablo, del que acaba de salir traducida una edición íntegra en Galaxia Gutenberg.
EL GRINGO AMARGO
Ese generoso compendio de misantropía que luego fue Ambrose Gwinett Bierce —periodista, editorialista y narrador— nació en Ohio en 1846 en una familia de granjeros calvinistas. Los nombres de sus once hermanos también empezaban con la letra «a», un detalle que ciertamente hace pensar en diccionarios. Los datos más relevantes que se conocen de la vida de Bierce tienen que ver con su matrimonio, una relación no muy bien avenida que dio tres hijos pero terminó en divorcio (y del que sin duda obtuvo material para muchas entradas de su libro más famoso); con su trabajo como periodista sobre todo en la ciudad de San Francisco (estuvo a las órdenes del magnate William Randolph Hearst, dueño del Examiner e inspirador del filme El ciudadano de Orson Welles); con su pasaje por la Guerra de Secesión del lado de los unionistas; y con su misteriosa desaparición en tierras de Chihuahua alrededor de 1914, cuando con más de setenta años fue a pelear por la Revolución Mexicana y se le perdió el rastro.
Bierce, amigo de Mark Twain e inspirador de Lovecraft, fue conocido como el «amargo» por su evidente capacidad de ver el lado oscuro de lo humano antes que cualquier otro. Su experiencia como topógrafo en el marco de la guerra civil, inspeccionando y relevando los posibles campos de batalla, y el hecho de haber combatido en algunas de las más cruentas no fue precisamente de ayuda para cambiar su visión negativa acerca de la naturaleza humana. Pero al igual que ocurriría con Salinger o con Hemingway a propósito de la Segunda Guerra Mundial, el pasaje por la guerra le permitió a Bierce escribir algunos relatos memorables. «El incidente del Puente del Búho» es uno de los mejores ejemplos de manipulación inteligente hacia los lectores (el otro en esa dimensión podría ser el náutico Benito Cereno de Melville): muestra cómo un civil esclavista es condenado a muerte por ahorcamiento en el medio de un puente y aunque lo vemos cumplir su sueño de evadirse, esquivar los disparos, nadar hacia la orilla, regresar a su casa y ver una posible imagen de la felicidad, el relato nos estaba contando otra cosa. Niveles de impotencia parecidos asoman en otros relatos bélicos como «Uno de los desaparecidos» o «El caso del desfiladero de Coulter», éste último con un componente terrorífico, mismo que encontramos en el críptico «Un habitante de Carcosa» donde un muerto que camina termina hallando su tumba.
SIN CENSURA
Pero Bierce no solo relató tragedia. Buena parte de su obra tiene que ver con un ingenio cargado de cinismo, sorna y absurdo, una efervescente destilería de veneno por la cual no solo cobró buenos salarios sino que tuvo la libertad de encarar como quiso, sin censura, aunque las cartas de lectores incomodados por su estilo fueran numerosas. Por ese lado viene el Diccionario del diablo, libro que se fue armando por entregas y a modo de folletín en distintos medios de prensa. Poco antes de desaparecer Bierce reunió su obra en doce volúmenes y por alguna razón dejó afuera una porción significativa del diccionario. Esta edición a cargo de Ernest J. Hopkins, profesor de periodismo de la Universidad de Arizona, lo presenta íntegro.
Para dar cuenta de cómo es este libro y porqué sigue vigente no hay más que anotar algunas de sus entradas. «Abdomen, s. Altar que guarda el objeto de la más sincera de las devociones del hombre»; «Amistad, s. Barco lo bastante grande para llevar a dos cuando hace buen tiempo, pero solo a uno cuando empeora»; «Cadáver, s. Persona que manifiesta el grado más elevado posible de indiferencia que puede aceptarse para corresponder a la solicitud ajena»; «Celoso, adj. Indebidamente preocupado por la conservación de algo que sólo puede perderse si no merece la pena conservarlo»; «Entrevista, s. En periodismo, confesionario donde la vulgar insolencia presta oído a las necedades de la vanidad y la ambición»; «Impunidad, s. Riqueza»; «Política, s. Lucha de intereses disfrazada de debate de principios. Gestión de los asuntos públicos con vistas al beneficio privado»; «Noviazgo, s. Tímidos sorbos que dan dos almas sedientas a una copa de vino que ambas pueden vaciar fácilmente pero ninguna está en condiciones de rellenar»; «Religión, s. Acogedor árbol en el que han anidado todos los pájaros confusos»; «República, s. Forma de gobierno en la que se administra una justicia igualitaria a cuantos puedan pagársela»; «Virtudes, s. Ciertas abstinencias»; «Voto, s. Instrumento y símbolo del poder de un hombre libre para quedar como un necio y arruinar a su país».
Algunos vocablos tienen más de una entrada, y no todos tienen definiciones tan ingeniosas y breves.
En algunos casos Bierce añade poesías y anécdotas de otros autores o cita autores apócrifos inventados por él y aunque muchas resulten ser entradas de peso no hay como sus sentencias más concisas y lapidarias.
En su totalidad, El diccionario del diablo evidencia dos cosas: una capacidad de escritura notable —por su léxico, contundencia y originalidad—, y un espíritu totalmente desencantado con la humanidad y sobre todo con su facción bienpensante. Un recuento no exhaustivo permite comprobar que la mayor parte de sus dardos se reparten entre tres categorías: las relaciones interpersonales (amor, amistad, pareja, hijos y todas sus variables emocionales y sexuales), la política (y su telón de ideologías, personajes, guerras y finanzas) y la vida espiritual (donde de la religión a la filosofía la picadora de Bierce no deja monumento en pie).
El diccionario del diablo en su conjunto no es para leer de un tirón, no solo porque ningún diccionario en principio lo es, sino porque esta lectura en particular puede resultar agobiante. El sarcasmo, la sátira, la ironía, el cinismo, la burla y la crítica amarga de Bierce hacia todo y todos puede hacer reír al comienzo, incluso por su cualidad sorpresiva. Pero a medida que avanza se aprecia mejor que esta no es para nada la obra de un humorista, sino la de un soldado kamikaze de una revolución personal y perdida. Dijo Bierce que el humor es un vino dulce y el ingenio un vino seco y que bien sabemos cuál prefiere el conocedor auténtico. A su salud.
EL DICCIONARIO DEL DIABLO de Ambrose Bierce. Galaxia Gutenberg, 2017. Barcelona, 360 págs. Trad. de Vicente Campos. Distribuye Océano.

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Una publicación que deja a la banda al desnudo, se trata de una crónica-reportaje que no evita los asuntos difíciles

El año 2016 marcó el retorno a los escenarios del grupo La Trampa lo que constituyó un sacudón en el ambiente cultural del Uruguay. Fueron cinco Teatros de Verano con entradas agotadas —unas veinte mil personas— como respuesta de un público que nunca recibió una comunicación oficial de la separación de la banda, demostrando así un alto grado de fidelidad y adhesión. la trampa

Fundada en 1991 fue, en su origen, un proyecto llevado adelante por el tecladista Sergio Schellemberg y el guitarrista Garo Arakelian cuando compartían salones en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República. Un ámbito donde lo que más sonaba eran las canciones de Silvio Rodríguez y Pablo Milanés. Era la música tomada como acto de militancia que no permitía distracciones mientras Arakelian se sentía identificado con el álbum Love de The Cult y con bandas como The Sisters of Mercy o The Damned. Entre esos compañeros que coincidían con los gustos de Garo se encontraba Schellemberg, que sintió una “empatía intelectual y amistad instantánea” con Arakelian. Ese comienzo es narrado en detalle por Ignacio E. Martínez en el libro La Trampa. Sin miedo en la oscuridad, finalista de los premios Bartolomé Hidalgo 2017. De esa unión rebelde ante la música casi hegemónica que se escuchaba en esas aulas surge una de las bandas más importantes del rock uruguayo.
En el comienzo La Trampa fue un quinteto con el que llegaron a grabar un demo de cuatro canciones y un videoclip del tema “Vals” que aún hoy se puede ver en Youtube. A los fundadores Arakelian y Schellemberg se sumaron Martín Rosas en voz, Gabriel Francia en bajo y Nicolás Rodríguez en batería. Luego ingresaron Alejandro Spuntone en voz y Carlos Ráfols en bajo, músico que había integrado la banda ADN. La batería es el puesto en el que más músicos han tocado en la banda. Luego de Rodríguez, Álvaro Pintos y Javier Villanustre ocuparon ese lugar en el que actualmente se desempeña Irvin Carballo. Ya con Spuntone como cantante graban el primer álbum Toca y obliga (1995). La banda se movía en el ambiente under, con una propuesta algo oscura que iba desde la vestimenta negra hasta las letras y música. Desde el comienzo no querían ser otra banda de rock al estilo de las que surgieron luego de la dictadura. Incursionaron en otros estilos como el tango y la milonga para lograr esa voz propia. El primer disco pasó a ser un álbum de culto luego del éxito que llegó a partir de su segundo trabajo, Calaveras (1997), en cuya portada aparece el símbolo de la banda, esa estrella de cinco puntas con un ojo en el medio que, con los años, pasaría a estar en varias camisetas de sus seguidores.

CRISIS.

En agosto de 2001 Schellemberg anuncia su voluntad de abandonar el grupo. La banda no solo perdía a su tecladista sino a uno de los dos compositores de sus canciones. En Resurrección (1999), último álbum en el que intervino, los teclados se habían concentrado en crear texturas musicales más que en llevar un papel protagónico. Durante la grabación de ese álbum en Buenos Aires Schellemberg sufrió mucho la separación de su familia. Ese fue un argumento poderoso para abandonar el proyecto: las cosas que se estaba perdiendo de vivir con sus hijos. A partir de Caída Libre (2002) la banda resuelve seguir sin tecladista y las canciones son compuestas en forma exclusiva por Garo.
Como en todo grupo de rock, la voz del cantante marca una de las señas que lo identifica. Sin Spuntone, sin su forma de cantar e interpretar las canciones de Arakelian, sería difícil reconocer a La Trampa. Pese a ser el líder indiscutido del grupo, al que en alguna entrevista Martínez llamó “el dueño” sabiendo que eso provocaba molestia al guitarrista, La Trampa es mucho más que un proyecto personal de Arakelian. Guarda cierta similitud a lo que ocurre con The Who donde, desde la muerte del bajista John Entwistle, el guitarrista Pete Townshend es creador exclusivo de las canciones pero sin la voz del cantante Roger Daltrey. ¿Puede seguir llamándose The Who? Como alguna vez dijo Roger Waters, los nombres de las bandas también son grandes marcas.
Martínez no escapa a los temas difíciles. Relata choques entre los miembros del grupo o dramas familiares como los que vivió Spuntone. En el caso del álbum Laberinto (2005) hay opiniones encontradas de algún integrante del grupo y de quien fuera su productor, Fernando Cabrera, sobre la angustia que le genera a Garo ser el creador exclusivo de la banda. Con frases precisas, Martínez logra desnudar el carácter del guitarrista. Cuando habla de la época en que se separó de su mujer, alcanza con decir que “Le molestaban los gemidos automáticos de las prostitutas, así que se colocaba sus auriculares con música para no escucharlos”. El bajista Diego Varela, que ingresó a la banda luego de la partida de Carlos Rafóls en 2007, tuvo momentos complicados en la convivencia con Arakelian. Una vez quiso interactuar con el guitarrista sobre el escenario, pero recibió como respuesta un “Quedate quieto, esto no es una banda de funk”. Garo es siempre sincero en sus conclusiones. Afirma que el ingreso de Varela a La Trampa “fue un error” y que nadie le dijo que iba a ser socio limitándose a ser un músico contratado. Esas confusiones también ocurrieron con la integrante de la banda Vendetta, Laura Romero, guitarrista que ingresó para tocar en las actuaciones en vivo presentando el álbum El mísero espiral de encanto (2008) para, según Arakelian, bajar los niveles de testosterona de La Trampa. Hoy reconoce que fue otro error, que la inclusión de una mujer no fue una solución y que tampoco Romero entendió lo que era la banda.

DETRÁS DEL VIDRIO

El libro escapa a la opción de contar intimidades para satisfacer el morbo del lector.
Si esas historias, que ocurrían del otro lado del vidrio, son sacadas a luz es en aras de una visión completa de lo que es La Trampa.
Las diferentes versiones sobre un mismo hecho, logradas a través de esas cuarenta entrevistas, enriquecen el resultado y constatan que siempre hay varios, o por lo menos dos lados de una historia. No era fácil lograr esa independencia dado que el libro, para lograr una mayor difusión entre los fans, debía tener la aceptación y apoyo de los miembros de la banda. Habla muy bien de Arakelian que aceptara mostrar las luces y las sombras de esa historia que lo tiene como protagonista. La Trampa. Sin miedo en la oscuridad no es una biografía complaciente pero tampoco un libro que pretenda explotar el sensacionalismo para captar lectores.
Es una historia contada con buen pulso que recurre a las voces de protagonistas y actores de reparto en la vida de La Trampa, para encontrar esos rincones no tan visibles que terminan explicándola. Algo que los fans, que agotaron las entradas en cinco Teatros de Verano, agradecerán.
Para el público en general es un interesante documento que permite entender el complejo funcionamiento de una banda de rock.

LA TRAMPA. SIN MIEDO A LA OSCURIDAD, de Ignacio E. Martínez. Fin de Siglo, 2017. Montevideo, 229 págs.
(Suplemento Cultural, El País)

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Se editó un nuevo número de la Revista Cultural Ámsterdam Sur

Con importante presencia de salteños

Apareció en estos días (con lo que llegó a su 15º número) la Revista Cultural Ámsterdam Sur, que dirige desde Holanda el salteño Jorge Menoni. Así, “la Ámsterdam”, como se la conoce en el ambiente intelectual, permite una vez más al lector encontrarse con lecturas nuevas de autores de vasta trayectoria así como con otros muy poco o nada conocidos, algunos radicados en Europa y otros en distintos países americanos, sin que falte en cada número participantes de Salto.

Pero especialmente esta edición número 15, correspondiente a “Primavera-Verano 2018”, viene cargada de voces salteñas. Sucede que entre las notas que integran la sección “Literatura” (artículos de crítica literaria) aparece una de Leonardo Garet (dedicada al poeta cordobés Osvaldo Pol) y otra de José Luis Guarino (sobre el libro Cantata a Salto, de Enrique M. Castellanos, nota que apareciera en Diario El Pueblo en setiembre de 2009); en la sección “Poesía” se incluyen poemas de Enrique M. Castellanos y de Carmen Molinas Bonilla; y en “Cuentos y Relatos” hay dos de Noeli Belzarena Testa, dos de Carmen Molinas Bonilla, dos de Fernando Silva, dos de Luis do Santos y uno de Jorge Menoni.
Completan la Revista los siguientes contenidos: “Adán y Adriana Buenos Aires”, por Robert Lemm; “En las venas de Borges corría sangre oriental”, por Washington Daniel Gorosito; “¿Todas son Renée?”, por Lilián Toledo; “Me acuerdo de Banjul”, por Javier Claure C.; “Fragmento del libro Llegó sin permiso”, por Pablo Garrido; y “La perla y el pez”, por Jorge Castellón. Además, cuentos y relatos de: Pedro Burgos, Amílcar Bernal Calderón, Fernando Chelle, y Fernando Sorrentino. También poemas de: Alejandra Darriulat, Jan de Jager, Silvia Toco, Fernando Chelle, Alan Ojeda, Washington Daniel Gorosito, Osvaldo Pol, María del Carmen Aquino y Mario Mele. Y las columnas: “De Ámsterdam a Berlín: ¿Y si la única patria fuera la lengua?”, de Amira Armenta y “Apuntes para una posible memoria”, de Juan Carlos Tajes.
Bueno es recordar que la Revista Cultural Ámsterdam Sur nació en el año 1994 en formato papel, para transformarse desde 2002 en una edición únicamente digital. Por el gran esfuerzo de quienes la impulsan y logran una publicación de muy alto nivel en general y, como si eso fuera poco, por el notable impulso de difusión a los creadores de literatura salteños, pero además, como dice Jorge Menoni, “por un 2018 de lecturas y escrituras creativas y por una y mil noches más”, es que EL PUEBLO se suma a su difusión e invita a leerla en
www. amsterdamsur.nl

Se cumplió la Peña de Folclore y Tango
El público acompañó. Los artistas supieron aprovechar, para exhibir sus condiciones y para intercambiar experiencias con otros artistas, un ámbito que no tienen con demasiada frecuencia. Los organizadores se sienten satisfechos con esta primera experiencia, a la que no dudan en calificar como exitosa. Nos referimos a la “Primera Gran Peña de Folclore y Tango” que se cumplió en la noche del pasado miércoles en el Museo del Hombre y la Tecnología. Por todo lo dicho ya se piensa en nuevas instancias similares, para lo que se están ajustando fechas tentativas a fin de lograr que en lo posible se realice quincenalmente. La idea surgió del folclorista Juan Carlos Emmenegger y fue inmediatamente apoyada por el Departamento de Cultura de la Intendencia.

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Crónica de una emigración campo-ciudad, que también tocará fibras del lector uruguayo

Sergio del Molino y una España en peligro

Pocos en Uruguay no tendrán al menos un ascendente español, llegado más o menos de casualidad, escapando del hambre o la guerra civil, o del tedio y la vida endogámica de un caserío perdido de Galicia. Todos conocen esas historias con mayor o menor cercanía, y por eso el libro La España vacía de Sergio del Molino (Madrid, 1979) le tocará fibras a cualquier lector uruguayo, porque es un largo y apasionado ensayo que explora el vaciamiento del campo profundo español ocurrido en el siglo XX, y el vínculo social traumático, pasado y actual, con la gran ciudad. Narrado en primera persona y en un tono personal, del Molino recorre en auto esa España profunda durante meses y describe lo que ve y lo que oye, cita a los que ya escribieron sobre el tema, y elabora sus propias teorías y conjeturas. “Conforme pasa el tiempo y los españoles se alejan más y más de sus orígenes rurales, las mitologías familiares que componen esa España vacía mental también se diluyen. En parte, se hacen más fuertes, porque los mitos son más mitos cuanto más brumosa es su narrativa. A medida que se pierden fechas, nombres y referencias concretas, se gana en sugestión y en capacidad para amarrar nuevas identidades. (…) La infancia es una patria poderosa, pero la infancia de los padres y de los abuelos lo es mucho más”.sergiodelmolino
El libro logra captar el interés. El lector quiere, entre otras cosas, saber más sobre el tema, sobre las centenas de referencias que va dejando a lo largo del libro, y sobre el propio autor. Una simple búsqueda en la web lo muestra en una charla Ted X del 2016: gordito despeinado, de lentes, barba y pinta de buenote, que apenas abre la boca engancha al público con su profundidad y soltura expositiva. Emociona y duele enterarse que este hombre aún joven sufrió la reciente muerte de un hijo —leucemia, poco antes de cumplir dos años— y que eso originó su novela más conocida y premiada, La hora violeta (2013). Que quizá esa durísima experiencia explica en parte la profundidad del texto y su aplomo. En la conferencia del Molino advierte sobre “un sentimiento de desarraigo muy grande, que se va transmitiendo de padres a hijos, y que va generando una corriente sutil a la que no hemos prestado mucha atención”. En Uruguay ese desarraigo también lo vivieron los de reciente ascendencia española. Quizá el libro también ayude a explicar unas cuantas cosas sobre la identidad uruguaya.
Por eso al leerlo muchos entenderán una palabra perdida de un padre o una abuela.
Un gesto, una mirada, un juego de barajas.
Un recuerdo contado al pasar. Porque los uruguayos también son hijos de esa España vacía.
LA ESPAÑA VACÍA. Viaje por un país que nunca fue, de Sergio del Molino. Turner, 2016. Madrid, 300 págs. Distribuye Océano.
(Suplemento Cultural El País)

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A sala colmada se estrenó “La Firma” de Salomón Reyes

La obra del creador mexicano radicado en Salto Salomón Reyes se estrenó este jueves con una sala colmada y se augura muy buena afluencia de público para las funciones siguientes. “La Firma tuvo su estreno nacional.
Muchísimas gracias a los que nos acompañaron anoche. la firma001
Les dejamos algunas imágenes y les recordamos que siguen las funciones. Vuelve el espectáculo al Centro Cultural Academias Previale a las 21 hrs. y el sábado aterrizamos en el Cine4 Daymán a las 21 hrs.
Los esperamos. Seguro, seguro, se van a reír un rato, comentó Reyes.

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Celebrando sus 30 años APLAS inauguró muestra de Carolina Cunha

Como estaba previsto, el pasado viernes 23, en el marco de las celebraciones por los 30 años de APLAS, Asociación de Artistas Plásticos de Salto (trayectoria que fuera reseñada por EL PUEBLO en su edición del miércoles 21), quedó inaugurada en su propio local la muestra “Natura Naturans”, de Carolina Cunha. Conforma la exposición un buen número de trabajos realizados durante el año 2017 y primeros meses del presente. Como ha dicho la artista, se trata de “un conjunto de obras que tiene un hilo conductor vinculado a una manera de sentir y vivir la naturaleza, y su forma de expresarla”. Por algunos días más aún se podrá visitar la muestra en el local de la calle 19 de Abril casi Julio Delgado. La artista junto a otra de sus obras
Ante otro Día Internacional del Teatro
Este martes 27 se celebró un año más el Día Internacional del Teatro. Es habitual que el Instituto Internacional de Teatro seleccione a determinadas personalidades de distintos países para que sean las encargadas de escribir un mensaje alusivo. Este año, una de las figuras elegidas en representación de América fue la escritora mexicana Sabina Berman. Este es su mensaje:
“Podemos imaginar…
La tribu caza pájaros lanzando pequeñas piedras, cuando el enorme mamut irrumpe y ruge – y al mismo tiempo un pequeño humano ruge como el mamut. Luego, todos corren…
Ese rugido de mamut proferido por una mujer humana –quiero imaginarla mujer– es el inicio de lo que nos hace la especie que somos. La especie capaz de imitar lo que no somos. La especie capaz de representar al Otro. Saltemos 10 años, o 100, o mil. La tribu ha aprendido a imitar a otros seres y representa al fondo de la cueva, en la luz temblorosa de la hoguera, la cacería de esa mañana. Cuatro hombres son el mamut, tres mujeres son el río, hombres y mujeres son pájaros, árboles, nubes. Así, la tribu captura el pasado con su don para el teatro. Más asombroso: así la tribu inventa posibles futuros: ensaya posibles formas de vencer al enemigo de la tribu, el mamut. Los rugidos, los silbidos, los murmullos –las onomatopeyas de ese primer teatro—se volverán lenguaje verbal. El lenguaje hablado se volverá lenguaje escrito. Por otro derrotero, el teatro se volverá ritual y luego cine. Y en la semilla de cada una de estas formas seguirá estando el teatro. La forma más sencilla de representar. La forma viva de representar. El teatro, que mientras más sencillo más íntimamente nos conecta a la capacidad humana más asombrosa, la de representar al Otro. Hoy celebramos en todos los teatros del mundo esa gloriosa capacidad humana de hacer teatro. De representar, y así capturar nuestro pasado para entenderlo –o de inventar posibles futuros para la tribu, para ser más libres y más felices.
Hablo por supuesto de las obras de teatro que realmente importan y trascienden el entretenimiento. Esas obras de teatro que importan, hoy se proponen lo mismo que las más antiguas: vencer a los enemigos contemporáneos de la felicidad de la tribu, gracias a la capacidad de representar.
¿Cuáles son los mamuts a vencer hoy en el teatro de la tribu?
Yo digo que el mamut mayor es la enajenación de los corazones humanos. Nuestra pérdida de la capacidad de sentir con los Otros: de sentir compasión. Y nuestra incapacidad de sentir con lo Otro no humano: la Naturaleza.
Vaya paradoja.
Hoy, en la orilla final del Humanismo –de la era del Antropoceno—de la era en que el humano es la fuerza natural que más ha cambiado y cambia el planeta– la misión del teatro es inversa a la que reunió a la tribu originalmente para hacer teatro al fondo de la cueva: hoy debemos rescatar nuestra conexión con lo natural. Más que la literatura, más que el cine, el teatro –que exige la presencia de unos seres humanos ante otros seres humanos– es maravillosamente apto para la tarea de salvarnos de volvernos algoritmos. Puras abstracciones. Quitémosle al teatro todo lo superfluo.
Desnudémoslo.
Porque mientras más sencillo el teatro, más apto para recordarnos lo único innegable: somos mientras somos en el tiempo, somos mientras somos carne y huesos y un corazón latiendo en nuestros pechos. Somos aquí y ahora solamente. Viva el teatro.
El arte más antiguo. El arte más presente. El arte más asombroso. Viva el teatro”.

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Próximo fin de semana se presentará “La Firma” – obra teatral de Salomón Reyes

Con el elenco conformado porJorge Menoni, Paola Monzón, Germán Lagos, Angelina Díaz y Enna Reyes, vestuario y producción de Valeria Schneider, dirección, Dramaturgia y Concepto: Salomón Reyes Producción General: Acelerador de Teatrones el jueves 29 y viernes 30 en el Centro Cultural Academias Previale se llevará a cabo la obra teatral “La Firma”. Cupos limitados. La función comenzará a las 21.00 horas.
El sábado 31 se presentará en el Cine 4D Daymán.
Vale decir que la obra está escrita por el mismo director, Salomón Reyes.
“La Firma” es esencialmente un teatro rúbrico y absurdo de Salomón Reyes.la firma001
Reyes es director, guionista, productor y gestor cultural. Ha realizado un puñadito de obras de teatro y algunos cortometrajes premiados. Es director de un festival de cine y programador y gerente del Cine4Dayman.
Es una comedia absurda que aborda, a través de tres historias improbables, el acto simple, comprometedor y simbólico, de firmar o no, un documento. Zabala, un gestor de barrio, trata de convencer a Ambrosia para que le firme el papel que la convertirá en empresaria exitosa.
Lorenzo llega a la inmobiliaria del Arq. Berumen para firmar el contrato del mejor negocio que ha logrado en su vida.
Tres hermanos que nunca se han visto, se reúnen para definir el destino de las cenizas de su madre que acaba de morir.

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Celebraron ayer el Día Mundial del Teatro, visto como el arte que “genera la posibilidad de conexión universal”

Hablaron Pablo Sánchez y Beatriz Corbella

El Día Mundial del Teatro fue creado en 1961 por iniciativa del Instituto Internacional del Teatro (ITI), sin embargo, su primera celebración oficial fue el 27 de marzo del año siguiente.
El teatro es una disciplina muy dúctil desde la que se pueden trabajar innumerables temas y problemáticas, enseñar a ver educar, e inclusive crear realidades.
“En el día del teatro que hoy se celebra deberían estar abiertos todos los teatros del mundo con fuegos artificiales para festejar con algarabía” – Beatriz Corbella
“Pienso que es una posibilidad de conexión universal. De intercambio cultural. De valorar la posibilidad del juego entre realidad y ficcion.teatro001
El teatro como posibilidad de cuestionamiento y de espejo humano. El teatro como el espacio donde es posible transformar la realidad.
Si bien no soy seguidor de los «días de»; me parece que en este caso las energías se cruzan para construir” – declaró el actor y creador Pablo Sánchez.
INSTITUTO INTERNACIONAL DE TEATRO
El Instituto Internacional del Teatro es la organización artística más grande del mundo. Se creó en 1948 por artistas, expertos teatrales y la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco, por su sigla en inglés).
La ITI es actualmente una organización sin fines de lucro.
En conmemoración del Día Mundial del Teatro, profesionales, organizaciones y centros teatrales, así como las escuelas de artes escénicas rinden homenaje a esta forma de expresión. También pretenden concienciar a los gobiernos y a las instituciones lo valioso de este arte para la ciudadanía.
La Unesco cada año emite desde su sede un mensaje internacional con el fin de promover este arte.
La encargada para emitir el mensaje este lunes fue Isabelle Huppert, una de las actrices francesas con más fama internacional.
Cuando se celebró el medio siglo de vida del Día Mundial del Teatro, el ITI y la Unesco escogieron a John Malkovich para que difundiera su mensaje en 2012.
Solo dos españoles han pronunciado el discurso anual a propósito de la conmeración, Antonio Gala en 1987 y el director general de la Unesco, Federico Mayor en 1991.
“El teatro conmueve, ilumina, incomoda, perturba, exalta, revela, provoca, trasgrede.
Es una conversación compartida con la sociedad.
El teatro es la primera de las artes que se enfrenta con la nada, las sombras y el silencio para que surjan la palabra, el movimiento, las luces y la vida».
El teatro (palabra que procede del griego theatron que significa ‘lugar para contemplar’) hace reír, llorar… mueve nuestras emociones y por ello, desde hace más de 50 años tiene su propio día en el calendario.
El Instituto Internacional del Teatro instauró el 27 de marzo como Día Mundial del Teatro en 1961.
En su primera celebración en 1962 fue el poeta, dramaturgo y cineasta francés Jean Cocteau quien había sido elegido miembro de la Academia francesa y miembro honorario del Instituto Nacional de Artes y de Letras de Nueva York, quien pronunció el famoso Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro.
Esta celebración de carácter anual se conmemora en toda la comunidad teatral internacional (con este motivo se suelen organizar diversos eventos nacionales e internacionales) y cada año, el Instituto Internacional del Teatro invita a una figura cultural de renombre para compartir sus reflexiones sobre el teatro y la cultura.
El primer invitado fue Jean Cocteau. Le siguieron personajes como: Arthur Miller, Pablo Neruda, Richard Burton, Antonio Gala, Humberto Orsini o Darío Fo.
El mensaje del 50 aniversario del Día Mundial del Teatro fue realizado por el actor estadounidense John Malkovich, quien se preguntó ¿Cómo vivimos?
A lo que respondió: ’Que su trabajo sea convincente y original. Que sea profundo, conmovedor, contemplativo y único. Que nos ayude a reflexionar sobre qué significa ser humano, y que esa reflexión sea bendecida con corazón, sinceridad, honestidad y gracia’.

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Este miércoles 28 se cumplirá la primera gran peña de folclore y tango en el Museo del Hombre y la Tecnología

Gestores culturales de Salto con el respaldo del Departamento de Cultura de la Intendencia de Salto están organizando la primera gran peña de folclore y tango.
La misma se realizará en las instalaciones del Museo del Hombre y la Tecnología este miércoles 28 de marzo a partir de las 21.00 hrs. museo
Hace mucho que los artistas locales no tienen oportunidad de mostrar su arte, salvo esfuerzos personales. Ahora tendrán la oportunidad de actuar en una fecha muy importante para nuestro departamento
como lo es semana de turismo ya que muchos turistas llegan a estas tierras.

Debemos destacar que la entrada tendrá un costo de $50 y habrá un buen
servicio de cantina.
Reiteramos, la cita es este miércoles 28 de marzo a las 21.00 hrs en el Museo del Hombre y la Tecnología ubicado en la intersección de las calles Brasil y Zorrilla de San Martín, entrando por calle Brasil.

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Saltoncito ilustrado, recuperación editorial del homenaje de un plástico a un sapito inolvidable

Dos Artistas Siempre Vigentes

Es casi un capricho: un pequeño libro de imágenes, cero palabras, con los dibujos y bocetos que el artista plástico Guillermo Fernández hiciera para ilustrar la fábula-novela infantil Saltoncito, de Paco Espínola, en 1971. Saltoncito, aquel sapito que volaba sobre el lomo de un búho en busca de su papá, tan misterioso como triste y encantador, al punto de marcar un mojón difuso en nuestra memoria -siempre llena- de adultos. Tan simple y eficiente como poético y atractivo.
A diez años de la muerte de Guillermo Fernández, ocurrida en 2007 en un accidente de tránsito, el Museo Nacional de Artes Visuales montó una retrospectiva. Y al explorar los archivos del maestro aparecieron los más de 170 bocetos que hiciera para Saltoncito. “La interrogante que surgió es por qué tantos para un libro tan breve. Es que para Guillermo el encargo fue un desafío, un reto, y probablemente, una gran responsabilidad”, cuenta una de las alumnas de su taller, la diseñadora gráfica María Laura Fernández Goñi, en la contratapa de la publicación.
“Guillermo está todavía un poco oculto como artista, y su obra fraccionada. Este libro, al igual que la retrospectiva, busca sumar, poner a la luz y acercar al público, ayudar a que se lo conozca más”, contó Juan Manuel Díaz, ilustrador, alumno y sobrino del artista. “Tengo la suerte de estar en la familia y acceder al archivo, quería hacer algo al respecto” añadió Díaz –coautor del proyecto de publicación- consultado para esta reseña. Hecatombe, que se estrenó como editorial con este título, nació con la intención de publicar artes visuales en Uruguay, “libros que nadie estaba esperando”. Y encontró en estos dibujos entrañables la síntesis de lo que busca y postula, explicaron sus fundadores, el fotógrafo Diego Vidart y la diseñadora gráfica Caro Curbelo.cultural
Guillermo Fernández (Montevideo, 1928) se formó en el Taller Torres García, del que llegó a ser docente. Es precisamente ésta, la docencia, una de las facetas destacadas de su vida y su legado. Sus alumnos lo recuerdan como un tipo entusiasta, curioso y de perfil bajo, que supo cultivar un estilo propio y buscó transmitir esa pasión en sus clases. Francisco “Paco” Espínola falleció en Montevideo el 26 de junio de 1973, un día antes del golpe de Estado. Autor de cuentos, novelas y obras de teatro, su relato infantil “Saltoncito” fue publicado por primera vez en 1930. Guillermo Fernández le dedicó varios retratos, donde se ve su figura larga y angulosa, llena de carácter.
Quien ojea un ejemplar de Guillermo Fernández ilustra Saltoncito queda diferente, porque toca fibras muy próximas: memoria, belleza, curiosidad. Sensaciones que vuelven a pasar por el corazón.
Esta primera edición de la flamante editorial Hecatombe es arriesgada, así que acompañemos un capricho tan necesario. Y entrañable, como la foto de contratapa del niño Guillermo a los 6 o 7 años, en cuya mirada se adivina todo.
GUILLERMO FERNÁNDEZ ILUSTRA SALTONCITO. Hecatombe, 2017. Montevideo, 96 págs. Distribuye Escaramuza.

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Facundo Pedrini, el periodista detrás de las placas de Crónica en notable entrevista del diario La Nación

Lo que todos vemos

Las placas rojas de Crónica TV se han convertido en un emblema de la cultura popular argentina, en un modo de contar las historias. Un clásico del periodismo informativo del cable hecho marca. La interrupción de la transmisión, la música -esa marcha militar que reconfiguró su significado- y el titular latiendo. Ahí puede llegar una noticia contada con la mayor objetividad posible o disparates que rozan lo bizarro y ponen en jaque el moralismo. Cómo olvidar «Mueren dos personas y un boliviano».
Hoy, uno de los responsables de las placas es Facundo Pedrini: un pibe de 29 años que dice ser un periodista gráfico atrapado en la televisión. Pedrini -que es alto, despeinado y de barba, viste camisa arremangada metida dentro del pantalón formal- es el vicedirector de noticias de Crónica TV, propiedad del Grupo Olmos, y escribe en medios gráficos como Anfibia, MU y Hecho en Buenos Aires. Oriundo de Ramos Mejía, hace 10 años que trabaja en el canal, pero hace tres que se hizo público. La triple fuga de los hermanos Lanatta y Víctor Schillaci en la primavera macrista le dio -sin querer- una identidad como el hombre que en la actualidad está detrás de las clásicas placas rojas.
-Esas no fueron estrictamente mis placas -aclara rápido, mientras toma gaseosa en un bar de mesas de madera curtida, cuadros en blanco y negro y un televisor con noticias-. No soy el hombre de las placas. Hay un colectivo que labura muy fuerte.
Una cosa no quita la otra. Pedrini no es el único que escribe placas. No todas las placas de impacto de Crónica son de su autoría, pero las del tráiler realista veraniego nacieron de él.
-La cobertura que hicimos de la fuga tenía otro enfoque: una mirada burda. El mundo entraba en pánico, pero había una cosa bastante torpe en ese «dónde están». Entonces apelamos a los Reyes Magos, al Dakar. Le encontramos una banquina -explica con un hablar pausado: cada palabra parece dibujarse cuando la pronuncia-. Ese trabajo estuvo por encima de las placas, que simplemente narraron una película.
Las placas fueron creadas por Héctor Ricardo García (fundador de la señal) junto con Mario Gavilán (primer director de noticias). Dicho de otro modo: las placas están desde que existe Crónica. A pesar de su antigüedad, podrían tomarse como un horizonte que colaboró en definir la identidad narrativa de Twitter en el país: informar desde una subjetividad socarrona. Quizá por eso resulte paradójico que el canal que nutrió de chistes y memes internet -las redes sociales sobre todo- haya llegado tarde a la comunidad del pajarito.
Al momento de la triple fuga, Crónica TV no tenía cuenta oficial y Pedrini fue subiendo a la suya las placas que colgaba al aire. Una excompañera de la facultad vio la catarata de tuits y le propuso entrevistarlo. La nota salió disparada y Pedrini ocupó el lugar que los Lanatta y Schillaci dejaron vacío en los portales cuando fueron encontrados.
Crónica siempre está
Facundo tiene 20 años y mira a su madre dormirse. El cuerpo se va relajando sobre ese sillón de cuerina pegajosa. Las paredes blancas, los azulejos manchados, el olor a desinfectante. Él mira a las mujeres que aguardan su turno para realizarse el tratamiento de quimioterapia en el Hospital Británico. Cuando su madre se deja vencer por el sueño, empieza a escribir: cuentos, cartas que no entregará a nadie, crónicas sobre esas mujeres enfermas, igual que su madre. Lo que escribe -todo lo que ahí escribe- es triste.
Tiempo después, la enfermedad se llevó a su madre y varios de esos textos fueron a parar a su blog, Luz de patio. Aún hoy Pedrini sigue subiendo relatos a esa web. Algunos son ensayos escriturales que, dice, necesita que estén ahí. No tiene la intención de que alguien los lea.
Mientras todo eso pasaba, cursaba el primer año de la carrera de Comunicación en la Universidad del Salvador y entraba a trabajar en Crónica TV como telegrafista, el encargado de generar todos los caracteres que aparecen en la pantalla: un taquígrafo digital. Su ingreso en el canal -que se dio por medio de un amigo- significaba una oportunidad laboral en un mercado que ya comenzaba a estrecharse. Nada más.
-No pensé que iba a estar tanto tiempo. De alguna manera todo se terminó en mi vida menos Crónica. Me mudé, me dejó mi novia, me volví a enamorar, se murió mi vieja y estuve un tiempo afuera -vivió seis meses en España, donde hizo un doctorado en Periodismo Político-. Crónica tuvo la variable constante ante esa fugacidad. Es un lugar para volver. Con las placas de la triple fuga, Pedrini se convirtió en un ser visible.
-La exposición para quien no suele tenerla es vista con una doble vara -dice-. Están los que se alegran y los que se quejan del porqué.
Por las placas de la triple fuga, Pedrini escribió un libro. La televisión le permitió salir de ella misma. Publicado por Ediciones B, Argentina: una historia en placas recorre los hechos emblemáticos de la historia nacional a partir de los títulos colorados. Carlos Ulanovsky fue el autor del prólogo y allí dijo: «En su trabajo diario, Pedrini contribuye a desdramatizar la realidad que bastante pesada es. Cada placa roja constituye en sí misma una pequeña historia de seis u ocho palabras que nace y muere con la instantaneidad propia del medio televisivo, pero que debe ser recordada».
-Puede que hoy las placas tengan más reputaciones que antes -dice Pedrini al respecto-. Pero se debe a una necesidad de la audiencia, no en la naturaleza de sí mismas. Tiempo después, vino el teatro: una adaptación del libro en la que Pedrini fue el protagonista de su propia historia ficcionada.
No se arrepiente de haber sido un actor de la avenida Corrientes, pero dice que no lo volvería a hacer.
-No soy eso -sentencia-. Vos sabés cuándo estás jugando y cuando estás persiguiendo un sueño.
En esa carrera, los caminos de Pedrini se bifurcaron cada vez más. Comenzó a escaparse de la televisión con mayor frecuencia. Sus colaboraciones en medios se volvieron habituales y ahí encontró el lugar donde expresar sus ideas. Suele escribir sobre temas vinculados a derechos humanos y violencia de género.
Ese compromiso social -que basta con chequear su cuenta de Twitter para comprobar que viene desde hace tiempo- se volvió masivo cuando el último recital del Indio Solari en Olavarría se convirtió en un apocalipsis. Mientras en la mayoría de los noticieros se buscaban responsables, Pedrini en Crónica -y por fuera del canal, mediante una campaña en internet- se cargó la búsqueda de los chicos perdidos tras el show. Tituló que los vecinos liberaran el wifi y pidió buscar a los pibes extraviados en lugar de a los culpables. Estableció prioridades.
Pedrini publicó su libro en 2016Pedrini publicó su libro en 2016 Fuente: Archivo
Su mirada personal también la hizo placa cuando tituló sobre fondo negro -de luto- «Ganó Miguel Del Sel», cuando el humorista triunfó en las PASO en Santa Fe. Hoy se arrepiente de ese acto apresurado, porque las placas no son la extensión de su diario íntimo.
-La lógica del minuto a minuto te quita relectura. El repentismo tiene doble filo. Hay cosas que se escapan -explica sobre el oficio de escribir placas-. La mirada del titulador no puede estar por encima del recurso. Es difícil porque todos tenemos una mirada de las cosas.
Cuando le pregunto si hay un manual de estilo dice que no, pero que hay cosas que no se tocan al momento de pensar un título: la fe, los ídolos populares, la familia. Lo sagrado.
-Creo que las placas no han cambiado tanto con los años. Lo que cambia es la lectura y la necesidad de definirlas a partir de parámetros actuales.
Hace seis meses -desde que ocupa el puesto de vicedirector de noticias- Pedrini trabaja cerca de 12 horas diarias. Cuando no lo hace, está pendiente de lo que pueda pasar: al momento de coordinar esta entrevista avisa que durante la charla deberá estar mirando su teléfono en caso de que suceda algo o lo soliciten. Vive a un ritmo frenético. Y, a esa velocidad, las placas se convirtieron en su canal para contar historias.
-Me atraen las historias porque ahí radica el verdadero oficio del comunicador, el que observa como un framer a la gente. El drama del tipo que no puede salir de la casa porque tiene un árbol en la puerta. La mujer que ve una mancha y piensa que es una virgen. Esa es la mitología moderna.
Ese es, también, el lugar que ocupa Crónica TV y sus placas rojas en la cultura popular argentina: el de mito viviente. Y Facundo Pedrini es, en su tiempo, el trovador que narra las historias.
(LA NACIÓN)

 

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Contextualización histórica de un gran clásico frente a una novedosa puesta en escena montevideana

La Bella Durmiente, la actualidad de un clásico

El argumento de La Bella Durmiente es quizás uno de los más conocidos que han sido llevados al ballet. Sin embargo, llegar un poco despistado a ver cualquiera de las adaptaciones de esta obra puede causar sorpresa, ya que uno no entiende quién es esa Hada Lila tan poderosa, o qué hacen al final del cuento personajes de otras historias como Caperucita Roja, El gato con botas, el Pájaro Azul o la princesa Florine, según las diferentes versiones. También se puede uno preguntar cómo es que este en apariencia simple cuento de hadas cuyas versiones más famosas son las del francés Charles Perrault (1697) y los alemanes hermanos Grimm (1812) ha pasado a la historia del ballet como la máxima obra del repertorio clásico, como la joya por excelencia, la síntesis del ballet de Petipa de fines siglo XIX. fotocultura¿Cómo es que artistas de la talla de Anna Pávlova, Vaslav Nijinsky, George Balanchine o Alexander Benois han sido categóricos al afirmar que La Bella les cambió la vida?
En el convulsionado año 1881 asesinan a Alejandro II de Rusia, el último zar que continuó la línea “occidentalizadora” iniciada por Pedro el Grande. Lo sucede su hijo Alejandro III, un nacionalista conservador, feroz partidario de la monarquía absoluta pero limitador de sus gastos excesivos, que sentía un gran desprecio por la cultura occidental y las costumbres cortesanas. Autoconsiderado un “ruso verdadero”, profundamente religioso y defensor de los pensamientos eslavófilos, Alejandro III prefería una vida simple y despreciaba San Petersburgo. Restableció la costumbre de que los cortesanos usaran largas barbas, tradición que terminó con las reformas de Pedro el Grande (de quien se dice que en pos de occidentalizar a la corte, andaba siempre con una tijera para cortarle la barba a los cortesanos que se negaban a abandonarla) y por primera vez en doscientos años, el ruso (y no el francés) volvía a ser el lenguaje de la corte.
Una de las tantas reformas que realizó fue la de eliminar el monopolio de los Teatros Imperiales en 1882. Para el mundo de las artes esto fue realmente importante ya que por primera vez los teatros se abrían a nuevas propuestas y a compañías privadas. Su objetivo era rusificar el arte, abrir los teatros para que se produjera ese tipo de “arte nacional”, y no los espectáculos que por lo general se presentaban, los cuales según el crítico Alexander Ostrovsky eran “muy europeos por su vestuario, hábitos y costumbres”.
También, al liberalizarse los teatros Rusia comenzó a llenarse de un nuevo tipo de espectáculos que eran muy comunes en la Europa del momento: los ballets–féeries. Éstos consistían en una gran cantidad de números de acrobacias y efectos especiales (muchas veces sin conexión entre ellos), que se sucedían durante horas. Muchos señalan que más que ballets parecían un circo. Generalmente liderados por italianos, quienes eran conocidos por su técnica virtuosa, daban más importancia a los efectos visuales que a la danza misma. Y esta nueva moda, de la que se señalaba que ofrecía una forma artística más accesible y que reflejaba el gusto popular, causó furor en Rusia, aunque los más puristas la despreciaron, ya que consideraban que reflejaba la decadencia y democratización de la cultura del oeste. Como respuesta a esta tendencia es que nace La Bella.
GRAN ÉXITO
La puesta en escena fue la más lujosa que había tenido el teatro, se le destinó una cuarta parte del presupuesto anual del año 1890 para todos los Teatros Imperiales. Homans señala que así como Fabergé reprodujo la corte en miniatura, La Bella la puso sobre el escenario.
Enseguida del estreno la obra se convirtió en un éxito de taquilla tal que ocupó casi el 50% de las funciones de la temporada de ese año del Mariinsky. Y las dos temporadas siguientes se siguió presentando una gran cantidad de veces, algo que era inusual.
Sin embargo gran parte de la crítica de ballet no coincidió. Consideraron la obra más un desfile de decorados que danza. Señalaron que sólo buscaba éxito de taquilla. Además era una obra que abandonaba el drama, tal como solían tener los ballets, por lo que muchos lo consideraron el fin del ballet. También tuvieron reparos con la música. No la consideraban muy bailable (igual que muchos bailarines). Naturalmente los nacionalistas también rechazaron la obra.
Los que sí parecieron encantados fueron los críticos de música. Con una mirada en retrospectiva, la historiadora Roslavleva parafraseando una cita del famoso crítico Stasov sobre la ópera Iván Susanin de Glinka señala: “se puede decir que Tchaikovsky pensó que sólo estaba creando un ballet sobre un cuento de Perrault. Pero en realidad él estaba creando una nueva escuela de ballet ruso, alentando a nuevas generaciones venideras. Él estaba creando un gran trabajo sinfónico de la música rusa como un todo”.
Con una mirada en retrospectiva el historiador Scholl señala: “El trabajo de colaboración de esta producción concebida y ejecutada a la manera de una ópera Wagneriana fue, largamente, ignorado por los críticos que rápidamente lo identificaron en sus orígenes con el género bajo (féerie). Los aspectos Wagnerianos de esta producción no fueron reconocidos hasta que la próxima generación de colaboradores, proclamarían a La Bella Durmiente como un verdadero Gesamtkunstwerk ballet”.
LA BELLA DEL SODRE
Hasta el momento, el Sodre bailó una sola vez La Bella Durmiente y fue en 1959, de la mano del gran maestro y coreógrafo Yurek Shavelevsky. Después la versión y los decorados se perdieron, y cincuenta y nueve años después la obra llega con la coreografía del argentino Mario Galizzi, los vestuarios de la reconocida modista española Ágatha Ruiz de la Prada, y los telones del uruguayo Hugo Millán.
La coreografía de Galizzi sigue la versión clásica, pero con particularidades, como todas. Agrega algunos personajes como una séptima hada (varias versiones lo hacen), quita varios de los personajes de los cuentos de Perrault (mantiene a Pulgarcito y la famosa variación del Pájaro Azul). El personaje de Carabosse no está hecho con mímica como en la versión original sino bailado.
Pero quizás lo más novedoso de esta puesta sea el extravagante vestuario de Ruiz de la Prada. En las versiones clásicas o “puristas” el vestuario es clave en la obra, porque es, junto a los decorados, el que indica que se ha pasado del siglo XVII al XVIII. Al preguntarle a la diseñadora sobre cómo esto se podrá ver en una coreografía que sigue la línea clásica, fue muy evasiva en su respuesta limitándose a señalar: “en la reinterpretación constante está la esencia del arte. Y me siento feliz de poder aportar mis ‘agathismos’ a una obra tan icónica”.
También al preguntarle si en el vestuario, siguiendo la línea de la coreografía de Galizzi (y de la de Petipa), aparecía alguna referencia a la corte versallesca, su respuesta fue más evasiva aún: “Fíjese usted si me gusta Luis XIV y Versailles, que me he empezado a leer las Memorias de Saint-Simon”. Ella señaló que su vestuario está inspirado en “mi propio estilo y sus juegos de color, de teatralidad. También hay cierto inequívoco guiño a la Bauhaus”.
En estos días, precisamente, se puede ver cómo el trabajo de estos tres artistas del siglo XXI -Galizzi, Ruiz de la Prada y Millán- se combina para poner sobre el escenario la coreografía más clásica del siglo XIX.
(Publicado por el Suplemento Cultural del diario El País)

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MIGUEL ABUELO: A 30 AÑOS DE SU IDA

Poeta, cantante, compositor, patrón del rock argentino. Líder total de Los Abuelos de la Nada, con temas propios que hasta el día de hoy gozan de amplia salud, tal el caso de «Cosas mías» e «Himno de mi corazón». Se formó al lado de otros pioneros en el momento de su apogeo, como Tanguito, Litto Nebbia, Pajarito Zaguri, y Javier Martínez. Surgiendo bien de abajo pasó su infancia viviendo en un albergue hasta la edad de cinco años, cuando finalmente el director del orfanato lo recibió en el seno de su propio hogar. Ahí empezó su gusto y placer por la música en general. Hijo de una humilde madre soltera que llegaba desde el interior argentino a Buenos Aires, Virginia Peralta, nació el 21 de marzo de 1946, en medio de la pobreza. Nunca conoció a su padre. Se destacó por su fuerza y entrega en letras polémicas y atrapantes, poniéndolo de manifiesto siempre en sus shows que resultaron muy comprometidos. Se llamó Miguel Abuelo. Hoy a 30 años de su partida.Miguel Abuelo. 1

ENTRE LA PENSIÓN y LA CUEVA
Exactamente en 1966, Miguel Abuelo traba amistad con el periodista y escritor Pipo Lernoud, con Pajarito Zaguri y con Moris Birabent, en los fondos al aire libre de la Pensión Norte, donde habitualmente ensayaban Los Beatniks, uno de los primeros grupos del auténtico rock argentino. En esos momentos, Miguel escribía poemas, cuentos y letras de canciones, uniéndose al movimiento artístico que se había generado en La Cueva, famoso centro de leyenda de la Avda. Pueyrredón, de extensos divagues de la madrugada -que a veces duraban hasta que apareciera la claridad. Allí, pudo intercambiar ideas y formarse al lado de figuras del momento, siempre en el género rockero. Ubicado en la pensión, el tiempo pasa y Miguel se muda junto a Pipo, a la casa de los padres de Lernoud. Estaba a punto de formar Los Abuelos.

RECLUTA LOS MÚSICOS EN PLAZA FRANCIA
Un año más tarde, Miguel Abuelo lanza Los Abuelos de la Nada, lo que sería la primera integración, buscando músicos en Plaza Francia -un sitio donde los jóvenes hippies porteños se juntaban en los últimos años de los sesenta- De esa forma se inició la agrupación con Miky Lara en guitarra rítmica, Eduardo Fanacoa – teclados, Alberto Lara en bajo, Héctor Lorenzo – batería, y Claudio Gabis en primera guitarra, quien sería tiempo después componente del trío Manal; registrando el primer disco simple de Los Abuelos, «Diana divaga» en CBS Columbia, 1968. En el lado B del sencillo toca Norberto Aníbal «Pappo» Napolitano Esta primera época de Los Abuelos de la Nada estaba ligada más que nada a la llamada psicodelia de esos tiempos. En 1970 Miguel decide abandonar el grupo y se retira, cediéndole la batuta a Pappo, que con el lineamiento blues graba su primer álbum «Underground» para el sello Mandioca. Luego la banda se desintegra por diferentes circunstancias. Miguel forma la agrupación El Huevo, pero no pasa mucho y emigra a España.

RESURGEN LOS ABUELOSLos Abuelos de la Nada. 4
Después de su periplo europeo, Miguel vuelve a Argentina y a principios de 1981 junto a Cachorro López, reflotan Los Abuelos de la Nada, con el propio Miguel como cantante y Cachorro como bajista. Se convertirían en poco tiempo en la revolución del rock de la vecina orilla. El primer álbum «Los Abuelos de la Nada», el cual sería editado en 1982, es producido por Charly García. A fines de ese año, ya siendo primeras figuras en su estilo y con tremenda repercusión de «Sin gamulán» se presentan en el magistral evento «Buenos Aires Rock», hacen presentaciones en estadios ante multitudes y mucho más. El 26 de marzo de 1986, cinco días después de haber cumplido sus 42 años, Miguel Abuelo deja de existir, debido a un avanzado estado de VIH, tras una operación de vesícula que se le había realizado. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.co

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Bajo la consigna “Somos todas, mujeres en lucha” se cumplió destacada muestra en Museo Gallino

Bajo la consigna “Somos todas, mujeres en lucha” el pasado jueves 22 se marzo se presentó en el Museo Gallino una selección de obras del acervo del museo celebrando el mes de la mujer.
En la oportunidad se registró la actuación del coro de padres del Colegio y Liceo Salesianos.
La actividad estuvo pensada como un homenaje a la mujer, la mujer que, en el arte, en la maternidad, en la casa en el trabajo es hacedora silenciosa y presente.
En el Museo Irene Olarreaga Gallino, orgullo de Salto, emblema, desde sus cimientos de belleza, se pensó con el acervo, allí existente, mostrar al público la participación, de mujeres que descollaron en la plástica desde , la hija de un presidente, como Petrona Viera, a la más nuestra, Laci Duarte, que se abrió paso desde la dura campaña de Salto de la mitad del Siglo XX a la iconografía en homenaje a la madre, a la artista, a la hija, de pintores nuestros.
Retrato de Marosa, de Margarita Muñoa, una vez inaugurada la muestra en un acto sencillo, se escuchó al coro de Padres del Colegio y Liceo Salesianos, que le dio broche de oro a la jornada de disfrute y rememoración.

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Este miércoles será la “Primera Gran Peña de Folclore y Tango”

En el Museo del Hombre

La cita es en la noche de este próximo miércoles en el Museo del Hombre y la Tecnología. Será la “Primera Gran Peña de Folclore y Tango”. La idea surgió de Juan Carlos Emmeneger, alguien de vasta trayectoria en nuestra música popular. En diálogo con EL PUEBLO, Emmeneger rememoró con nostalgia “aquellas peñas que se hacían antes, con cantina, empanadas y vino, por ejemplo en Salto Uruguay cuando teníamos el grupo Salto Oriental, donde llegaron a ir cerca de mil personas”. Comentó asimismo que la idea es “luchar para imponer el canto nuestro, de la patria, incentivarlo y sobre todo quererlo, ese canto que habla de las costumbres del país. Uno ve muchos grupos de cumbia, de rock, tocando en varios lados, pero no se ve tanto folclore…”.

Una vez propuesta la idea a las autoridades departamentales, “el Departamento de Cultura aceptó inmediatamente, siendo Roberto Lucero de alguna manera un nexo; la Intendencia brinda el apoyo logístico, lugar, amplificación y promoción”, comentó el artista. Dijo también que se pretende que esta sea la primera de una serie de peñas que puedan realizarse cada quince días, las que incluso se piensa que puedan llegar a ser fuente de trabajo para los artistas, aunque aclaró que “no en esta primera, esta será sin que los artistas cobren, el dinero de las entradas será principalmente para el Museo”.
En realidad son alrededor de treinta los números artísticos que han manifestado voluntad de participar de esta primera instancia, “muchos son conocidos y otros que yo ni siquiera conozco, hay muchachos jóvenes que tal vez sea la primera vez que van a un escenario”, dijo Emmeneger.
Está previsto la hora 21.00 para el inicio. Las entradas tienen un costo de $ 50 y entre los artistas confirmados hasta el momento están: Ruben “Papino” Ciocca, los Hermanos Martínez, Joaquín de Souza, Eduardo Bisio, Juan Carlos Emmeneger, los bailarines de tango Angelina Díaz y Gary Etchegaray, el recitador Héctor Curbelo Peña y el grupo de danzas Transitando Huellas de la Profesora Cecilia Lanzieri.Museo

Tío Eugenio Jazz Band llega a Salto
En Semana de Turismo Salto recibirá a una de las mejores bandas de jazz emergentes de la región. Se trata de la sanducera Tío Eugenio Jazz Band, que ofrecerá dos recitales: el viernes 30 en Cine4Dayman a las 21 horas y el sábado 31 de Marzo, a la misma hora, en el Centro Cultural Academias Previale (Lavalleja 48). Entradas anticipadas: $170. Día del Evento: $200 Consultas:
099765897 / 099737214

También en Turismo: “La firma”
“La firma” una comedia rúbrica y absurda que aborda, a través de 3 historias improbables, el acto simple, comprometedor y lapidario, de firmar o no, un documento. Será presentada los días jueves 29 y viernes 30 de Marzo en el Centro Cultural Academias Previale y el sábado 31 en Cine4 Dayman. Funciones:
21 horas.
Elenco: Jorge Menoni, Paola Monzón, German Lagos, Angelina Díaz y Enna Reyes. Vestuario y Producción: Valeria Schneider. Dirección, Dramaturgia y Concepto: Salomón Reyes. Producción General: Acelerador de Teatrones. Entradas anticipadas: $170 Día del Evento: $200. Cupos limitados (40 lugares). Entradas al 099765897

Sobre la Poesía
El pasado miércoles fue celebrado el Día de la Poesía. Vale entonces recordar estas brevísimas pero intensas palabras de uno de los mayores poetas de la literatura universal, Jorge Luis Borges:
“Hay personas que sienten escasamente la poesía; generalmente se dedican a enseñarla. Yo creo sentir la poesía y creo no haberla enseñado; no he enseñado el amor de tal texto, de tal otro: he enseñado a mis estudiantes a que quieran la literatura, a que vean en la literatura una forma de felicidad”.

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Se presenta la murga Hacha y Tiza en pueblo viejo

La murga ganadora del concurso de murgas de salto se presentará este sábado 24 de marzo en el escenario de Pueblo viejo en Concordia

A partir de las 22hs. del Sábado 24, día en el que se conmemora el aniversario del golpe cívico-eclesiástico-militar del año 1976, y donde se recuerda a los fallecidos y desaparecidos civiles, la murga joven de la vecina ciudad, pondrá en escena su espectáculo llamado “Lo Normal”.aaaaaa
La murga Hacha y Tiza fue formada en el año 2013, concursando en el certamen de murga joven. Pasando a concursar en el año 2014 y 2015 en la competición de murga de mayores y retorna a los escenarios en este carnaval 2018.
Este año el espectáculo que propuso la murga y con el cual se llevó el máximo galardón del carnaval Salteño trata de “Lo Normal”, enmarcado en las cosas cotidianas que calificamos de normales y las que no a lo largo de la vida, las elaboradas pretensiones de normalidad. La oposición entre la naturalidad y la normalidad.
Por consultas y reservas comunicarse al (0345) 4215289, vía Whatsapp al 3454192481o en el Facebook de Pueblo Viejo.

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El arte del tapiz en APLAS

Tela tejida, entrelazando lanas y urdimbres.
En el arte del tapiz se conjugan la técnica, el diseño y el color.
Para el estudio de esta técnica el material que vamos a utilizar es la lana que, con su textura y color, lograremos una hermosa composición y a medida que vamos creando vamos incorporando además varios materiales como fibras vegetales, papel, cuero, telas, etc
El tapicista tiene en sus manos un lenguaje, un medio de expresión que es muy cálido, muy expresivo; en cada duite que se teje un poco de sí se acumula como un pasado.
El arte del tapiz es uno de los nuevos talleres que se inician a partir de este año en APLAS. Está a cargo de Cecilia Suárez, artista salteña con años de trayectoria en este arte. Días Viernes desde las 16 a las 19 hs en la sede de APLAS.

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ACISA tiene nuevos cursos y talleres y este año pueden inscribirse por igual los videntes, ciegos y de baja visión

CISA (Asociación de Ciegos de Salto), abrió a toda la sociedad las inscripciones para los cursos que se dictarán en dicha asociación a partir del 2018.
Este año, se da la particularidad de que los cursos que anteriormente eran exclusivos para personas no videntes, ahora serán abiertos a la población en general, videntes y no videntes.
De esta forma, se busca que la asociación sea una casa de puertas abiertas a toda la población y no exclusivamente para ciegos. Sus integrantes, esperan que con esta nueva forma de trabajar pueda desarrollase una mayor integración en la sociedad en general.

Así, las personas videntes puedan conocer como es el mundo de los ciegos, como se desenvuelven en sus actividades diarias y como pueden hacer uso de una computadora o realizar una tarea específica.
También, se busca que las personas ciegas y de baja visión puedan interactuar durante los cursos con todo tipo de personas y conformar un grupo de estudio muy diverso en cualquiera de los talleres que se dictan en ACISA.
Las clases comenzaron el pasado 5 de marzo pero las inscripciones continúan abiertas y los interesados pueden arrimarse por el local de ACISA para comenzar los cursos en cualquier momento.
NUEVOS CURSOS Y ABIERTOS A TODA LA POBLACIÓN
EL PUEBLO consultó a uno de los integrantes de la Asociación de Ciegos de Salto, José Luis Sica, quien comentó que este año se incorporaron nuevos cursos y talleres a ACISA y con el objetivo de lograr una mayor integración entre las personas no videntes y de baja visión con el resto de la sociedad se optó porque esos talleres sean abiertos a toda la población.
Entre los cursos, destacó trabajos en pantasote, en madera, los clásicos talleres de Braille, manejo del bastón, entre otros.
Una de las novedades que se destacan para este año es la incorporación de un grupo de gimnasia con un docente especializado y abierta a todo público también. Además, se hará un curso especial de recreación para personas no videntes.
DATOS DE INTERÉS
La asociación esta abierta de 9 a 11 horas y de 15 a 17 horas en su local ubicado en calle 8 de Octubre Nº 2083 y el teléfono de contacto es el 473 20671.

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GRUPO LITERARIO HORACIO QUIROGA

VENENO

Una de las copas de cristal estaba casi repleta, la otra, horizontal e inmóvil, vertía todavía algunas gotas de líquido. El mantel blanco, apelotonado en un bulto cargado de platos sucios, tenedores y restos de comida, frutillas, chocolates y servilletas con rastros de labial, absorbía los restos del vino envenenado que se abría camino directamente hacia el precipicio del borde de la mesa y que moría en el piso de mármol. La mancha del líquido descansaba sobre las baldosas apenas veteadas como un mar rojo, playo y quieto; un cuerpo, acantilado que formaba la costa donde terminaba el charco del cabernet contaminado y una cartera, peñasco que rompía la monotonía de aquel paisaje. Dentro de la cartera el frasco vacío de un antídoto ya bebido y la advertencia de un amante en una carta. Un par de zapatos golpeteaban el silencio del aire con aroma a rosas y un grito ensayado pedía auxilio a destiempo de una actuada muerte. Un hombre, enfermo de celos, corría y pensaba “Si no es mía no es de nadie”; y una mujer acostada en el piso, conteniendo la respiración, esperaba el momento indicado para escapar.

Juan Pablo Nickleson

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PENGUIN RANDOM HOUSE GRUPO EDITORIAL

No muestro lealtad a ningún estilo. Simplemente escogeré aquel que me permita transmitir lo que quiero en ese momento.EH404916
David Bowie es mucho más que un cantante que vendió ciento treinta y seis millones de discos, mucho más que un artista que experimentó con multitud de estilos y definió la cultura pop. Como dijo su biógrafo David Buckley, «cambió más vidas que ninguna otra figura pública». Con su perturbador alter ego, Ziggy Stardust, y canciones como «Starman» o «Space Oddity», desafió las reglas de la música y se convirtió en icono de su generación y referente de las generaciones presentes y futuras.
Su larga carrera artística está íntimamente ligada a su biografía personal. Este libro se adentra en todos los aspectos de su vida, en sus enigmas y anécdotas.
Como un jeroglífico, Bowie es un misterio que todos queremos desvelar y nadie mejor que María Hesse, la autora del fenómeno Frida, para acometer este desafío. Hoy Bowie sigue fascinando más que nunca.

 

A María Hesse siempre le han gustado los niños y la ilustración. En el año 2004 se diplomó en Magisterio de Educación Primaria, especializada en Educación Especial, en la Facultad de Ciencias Educación de la Universidad de Sevilla. Sin embargo, después de unos años trabajando como docente, comprendió que la ilustración era una pieza muy importante en su vida, así que se matriculó en la Escuela de Arte de San Telmo (Málaga) y desde entonces se desempaña como ilustradora. Frida Kahlo. Una biografía es su primer álbum ilustrado.maria-hesse-16
Fran Ruiz (Málaga, 1981) es profesor de Geografía e Historia en un instituto de Secundaria. Estudió Historia del Arte en la Universidad en Málaga, donde trabajó un año como becario de colaboración. Ha escrito en la revista universitaria La Buhardilla y colabora habitualmente en la revista Manual de Uso Cultural.
Bastante antes de todo eso, un día no fue al colegio porque estaba enfermo y se topó con el videoclip Ashes to Ashes de Bowie. Todavía no ha conseguido salirse de él.

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El Profesor Aldo Rodríguez recientemente culminó su doctorado en Educación.

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“La investigación educativa es un arma muy potente que tiene que desarrollarse más y más en nuestro país”

Luego de realizar su maestría, el Profesor Aldo Rodríguez – que desde hace muchos años viene desarrollando trabajos de investigación en materia de educación – hace pocos días logró culminar su carrera de doctorado. Nos comparte su experiencia y el convencimiento de que la decisión tomada y los nuevos logros le abrieron una infinidad de ventanas al mundo y a otras culturas, replanteándose a su vez cambios de paradigma en los procesos de enseñanza – aprendizaje.

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Mujeres en la Revolución Oriental – charla en el Instituto de Formación Docente

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Se realiza hoy en el Instituto de Formación Docente una charla sobre las Mujeres en la Revolución Oriental.
Pocas veces se refiere a las mujeres cuando se relata el proceso de la independencia, pero eso no se debe a que no hayan tenido participación.
Hubo mujeres en los frentes de batalla y en los campamentos militares. Las mujeres participaron en todo el proceso de la revolución.

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“Donde manda marinero” – banda tributo a Calamaro

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“Donde manda marinero” es una nueva banda liderada por Manuel Llobet que está a pocos pasos de hacer su primera presentación en el ámbito artístico local. En entrevista Llobet nos cuenta cómo nace su propuesta musical y habla de su admiración por el cantautor argentino Andrés Calamaro a quién le rendirá tributo al incursionar en su cancionero.

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30 años de la Asociación de Artistas Plásticos Salteños (1988-2018)

Este año APLAS cumple 30 años ininterrumpidos de labor incentivando la promoción de las artes plásticas y visuales, integrando agentes locales, regionales e internacionales.
La idea de formar una Asociación de Artistas Plásticos y Visuales Salteños surge en el año 1987, a partir de un grupo de integrantes del taller que dirigía el Maestro Gustavo Alamón” en la ciudad de Salto. En el año 1988 se obtiene la personería jurídica, persiguiendo sin fines de lucro, promover la cultura en todas sus manifestaciones artísticas bajo el lema “La Cultura es Patrimonio de Todos”.
Es la más antigua asociación de un colectivo de artistas plásticos de distintos talleres de la ciudad de Salto, líder en difundir la cultura en general, totalmente abierta a la comunidad, receptiva y defensora de todas las formas expresivas.
El Espacio Cultural de APLAS en un sitio de referencia de vanguardia, avalada por su amplia trayectoria y múltiples reconocimientos.
Fueron fundadores: Vilma Texeira Núñez, Stella Barla, Elsa Trolio, Horacio Rosete, Oscar Ambrosoni, Hugo López, Mercedes Robaina, Cristina Juanena, Angelina Robaina, Ana Luisa Canali, Ángel Carbonell, Helena Lagaxio, Miriam Silva de Lagaxio, Martha Ambrosoni, Shirley Texeira Núñez, Elena Cámpora, Delcia Mirasson de Roascio, Celina Savio de Brites, Carolina Blqnco, Mercedes González, Jorge Roldán, Gustavo Alamón, Roberto Torrens, Juan Carlos Conti, Mercedes Calero, Elsa Manitto, Adán Zacarías, Rúben Antunez, Graciela Darriulat, Lellis Dias, Laura Salaberry, Graciela Rundie, Mabel Urroz, Martha Milans, Zelmira Ugartamendia, Maura Rodríguez, Zully Amaro.
APLAS cuenta con un área de Talleres y con una Sala de Exposiciones, denominada “Vilma Texeira Núñez” en honor de quien fuera fundadora y primera Presidente. aplas
Su objetivo es la formación y divulgación del arte en todas sus formas, con un fuerte énfasis en proyectos que promuevan la identidad local y nacional, a través de la innovación artística y aplicación de nuevas tecnologías aplicadas al arte, el compromiso social de acercar el arte a la comunidad, de nuclear a todos los artistas y ser nexo para promover sus carreras. Es así que en el correr de los años continúan destacándose artistas que integran y/o participan de las actividades de APLAS.
Brinda asesoramiento en eventos y apoyo a Instituciones, Escuelas, encarando una política de integración y servicio, participando de entrevistas, programas televisivos y radiales, en organización de bases y participación como jurados de concursos, trofeos…
APLAS ha sido promotora en conjunto con la Intendencia de Salto de las “Bienales de Artes Plásticas y Visuales de Salto”, años 2010-2011 y 2012-2013, proyectos ganadores de los Fondos de Incentivo Cultural, declaradas de Interés Nacional por los Ministerios de Educación y Cultura, de Relaciones Exteriores, de Turismo y Deporte y de interés Departamental por la Junta de Salto.
En el área de talleres actualmente se dictan clases de Expresión Plástica para niños, Expresión Integrada para niños, adolescentes y adultos con diversidad funcional, Pintura y Dibujo, Escultura, Restauración de Muebles y Acabados, Cerámica, Tallado en Madera, Vitrofusión y Tapiz, contando con un destacado plantel de profesores.
Durante el correr de este año, APLAS se ha propuesto festejar sus “30 años”, brindando a la comunidad una serie especial de exposiciones, charlas, talleres y seminarios de arte.
El día viernes 23 de marzo a las 20 horas, en la Sede de 19 de Abril 377, se inician estos homenajes con la apertura de una gran muestra inédita “Natura Naturans”.
Invitamos a todos a disfrutar y sorprenderse con esta nueva exposición que nos presenta la artista salteña Carolina Cunha.

Natura Naturans

Esta muestra es producto del trabajo realizado durante el año 2017 y los primeros meses del 2018, por Carolina Cunha.
Es un conjunto de obras que tienen un hilo conductor vinculado a una manera de sentir y vivir la naturaleza, y su forma de expresarla.
Natura Naturans es un término latín acuñado durante la Edad Media que significa “naturaleza que madura” o más vagamente, la naturaleza haciendo lo que hace la naturaleza. IMG_1709
Ciertos elementos de la naturaleza la han maravillado y ha empleado en sus obras de manera recurrente; pero a partir de esta colección pone de manifiesto su atracción por la flora nativa del Uruguay. No obstante, incorpora flora exótica y otra, con particular apariencia, producto de su fantasía y que por momentos pareciera expresar profundos sentimientos.
Emplea una interesante variedad de materiales y técnicas como tintas ecológicas, sunography (fotograbado) y la incorporación de objetos en sus trabajos, como acostumbramos ver en sus obras.

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Nueva muestra de Artistas Unidos en el Mercado 18 de Julio

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El grupo de artistas plásticos “Artistas Unidos” – liderados por José Román Cuello presentarán una nueva muestra en el mercado 18 de Julio; recordamos que desde el año 2002 vienen proyectando sus exposiciones (haciendo una o dos por año). Son once los artistas que harán exposiciones de sus trabajos relativos a la pintura, caricaturas, esculturas en madera y hierro. Es posible que también José Román – aparte de exponer sus cuadros – haga una muestra fotográfica con postales de Salto.

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Velada poética y musical en el patio del Teatro Larrañaga

El elenco teatral departamental de la Intendencia de Salto invita a la Velada poética y musical que tendrá lugar en la tardecita de este miércoles 21 de marzo, en el patio del Teatro Larrañaga.
El plantel femenino del elenco se encuentra trabajando en el acondicionamiento y decoración del lugar, para dejarlo en las mejores condiciones para este encuentro.
Participan de la velada varias disciplinas artísticas, como se detalla a continuación.
INTERPRETACIÓN DE POESÍAS FEMENINAS
Actúan: Marita Damiano, Gulma Olguín, Celina Neira, Claudia Córdoba, Patricia Cattani, Mayra Cánepa, María Ana Pérez. Dirige: Zully Vallarino. Invitadas: Martha Peralta y María Luisa de Francesco.
EXPOSICIÓN DE ARTES PLÁSTICAS Y ARTESANÍAS
Expositores: Isabel Elgarte, Walter Martínez, Elena Zunini, Francisco García.
DANZA Y EXPRESIÓN CORPORAL
A cargo de alumnas de la Profa. Cristina Gaudín.
MÚSICA
Actuación de María Fernanda, Gaby Costa y Pichón Dutra. La actividad forma parte de la agenda programada por el Mes de la Mujer y se llevará a cabo el miércoles 21 de marzo a las 20.30 horas en el Teatro Larrañaga, con entrada libre y gratuita.
MUJER / ARTEEN EL MUSEO MARÍA IRENE OLARREAGA GALLINO
Presentación de la Muestra Mujer/Arte, que comprende una selección de obras del Museo María Irene Olarreaga Gallino en homenaje a las pintoras que integran su acervo, como Lacy Duarte, María Freire y Petrona Viera. También forman parte de la muestra obras de autores masculinos pero sobre temas femeninos.
En la oportunidad actuará el Coro de Padres del Colegio y Liceo Salesianos.
La actividad será el jueves 22 de marzo a las 20.30 horas en el Museo (Uruguay 1067), con entrada libre y gratuita.
CHARLA LITERARIA: HEROÍNAS Y VÍCTIMAS
Otra de las actividades programadas por el Mes de la Mujer es la Charla Literaria: Heroínas y Víctimas, en la que las profesoras Paola Borges y Ángela Russo analizarán distintas representaciones femeninas: Medea, Penélope, Emma, Cata.
Será este viernes 23 de marzo a las 20 horas en la Biblioteca Departamental “Felisa Lisasola” (Artigas esq. 25 de Agosto), con entrada libre y gratuita.

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En el marco del Día Mundial de la Poesía se cumplirá en Salto“Al aire libro”

Este 21 de marzo, día Mundial de la Poesía, invitemos a leer leyendo. Más de 300 ciudades de 25 países nos unimos para tomarnos las calles con el silencio de la lectura. Intervención. Presencia de la literatura en las calles. Manifestación del gozo literario. Simultánea mundial. Acción poética. Personas, colectivos, organizaciones. Lectores, promotores de lectura, escritores, colectivos artísticos, bibliotecas, amantes de la literatura. Ciudades y poblaciones del mundo en conexión. ¡Pasa la voz!¡Paz a la voz!. Intervención másPresencia de la literatura en las calles más manifestación del gozo literario másSimultánea mundial más Acción
poética más Personas máscolectivosmás organizaciones más Lectores, promotores de lectura más escritores+ colectivos artísticos+ bibliotecas+amantes de la literatura=El mundo en conexión. Festejamos el Día Mundial de la poesía el 21 de marzo leyendo en las calles de más de 300 ciudades y 15 países. “Éste año son más de 25 puestos de lectura organizados por el PNL en Salto y por profesoras de Idioma Español en diferentes liceos, escuelas, CERP y Biblioteca de Inspección Departamental, centros de lectura de la ciudad y de la zona rural. Creo que es una hermosa experiencia, tenemos que leer en las calles, más poesías, más lecturas callejeras en forma libre. Sin prisas y organizandónos como más nos guste”- afirmó la referente de lectura.al aire libro 001
DÍA MUNDIAL DE LA POESÍA
La poesía es una manifestación de la diversidad en el diálogo, de la libre circulación de las ideas por medio de la palabra, de la creatividad y de la innovación. La poesía contribuye a la diversidad creativa al cuestionar de manera siempre renovada la forma en que usamos las palabras y las cosas, y nuestros modos de percibir e interpretar la realidad. Merced a sus asociaciones y metáforas y a su gramática singular, el lenguaje poético constituye, pues, otra faceta posible del diálogo entre las culturas.
“La decisión de proclamar el 21 de marzo como Día Mundial de la Poesía fue aprobada por la UNESCO durante su 30º periodo de sesiones, que se celebró en París en 1999. “De acuerdo con la decisión de la UNESCO, el principal objetivo de esta acción es apoyar la diversidad lingüística a través de la expresión poética y dar la oportunidad a las lenguas amenazadas de ser un vehículo de comunicación artística en sus comunidades respectivas.Por otra parte, este día tiene como propósito promover la enseñanza de la poesía; fomentar la tradición oral de los recitales de poéticos; apoyar a las pequeñas editoriales; crear una imagen atractiva de la poesía en los medios de comunicación para que no se considere una forma anticuada de arte, sino una vía de expresión que permite a las comunidades transmitir sus valores y fueros más internos y reafirmarse en su identidad; y restablecer el diálogo entre la poesía y las demás manifestaciones artísticas, como el teatro, la danza, la música y la pintura.

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«Marx nunca fue padre de la Teología de la Liberación», dijo un teólogo y sacerdote brasileño

Leonardo Boff, que estuvo de paso por Montevideo.

Muchos, sobre todo los más jóvenes, ignoran casi todo sobre una teología muy polémica que generó muchos malentendidos en América Latina.
Muchos creyeron, con terror, que la Iglesia Católica se estaba llenando de comunistas, o que algunos curas locos estaban abrazando ideas sospechosas. El movimiento se llamó Teología de la Liberación y reunió a varias vertientes católicas y protestantes. Comenzó a consolidarse a fines de los años 60 y tuvo, entre sus fundadores, al teólogo y sacerdote brasileño Leonardo Boff, que estuvo de paso por Montevideo.
Hombre de andar lento pero firme, se despliega con perspicacia. Apenas comienza un interrogante se intuye que el entrevistado ya conoce la pregunta y espera su turno con calma. Tiene una mirada reconciliada no exenta de autocrítica sobre el pasado que le tocó batallar. Porque cuestiones teológicas que podrían parecer discusiones bizantinas o fantásticas adquirieron en América Latina una novedad y una relevancia que hoy, al menos entre los jóvenes, parece olvidada. leonardo boff
A 50 años de estos hechos, y sin la ceguera que impuso la bipolaridad de la Guerra Fría, Boff discute algunos mitos y aclara otros sobre lo que muchos consideraron, aun hablando bajito, un pensamiento teológico original.
SABIDURÍA DEL POBRE.
—¿Cómo entiende la Teología de la Liberación desde el presente?
—Ahora veo más claro los contextos donde nace. La juventud hablaba de liberación en Francia, en Estados Unidos y en América Latina. Todo esto contaminó también a los grupos de iglesia que estaban interesados en cambios sociales, porque los niveles de pobreza y de explotación eran muy visibles. Entonces, a fines de los años 60 va surgiendo un pensamiento cuyo punto de arranque fue el peruano Gustavo Gutiérrez, cuando estaba en Brasil estudiando el golpe militar del 64, y ahí se encontró con Hélder Câmara, quien decía que el desarrollo de América Latina es el desarrollo del subdesarrollo, y que teníamos que sustituir desarrollo por liberación. Analizando el desarrollo como proceso de opresión de las clases obreras por las clases dominantes emergió la palabra liberación, que ya estaba en la cultura y que se transformó en un discurso teológico.
—¿Cómo entraron en la reflexión la pobreza y la explotación?
—Lo primero fue la sensibilidad ante las cuestiones sociales. La pregunta era cómo desde la fe cristiana se puede ayudar al pueblo oprimido, que era primeramente obrero, después entraron los negros, los indígenas, las mujeres, todo ese mundo del sufrimiento. Cómo la fe cristiana puede ayudar para que ellos se hagan sujetos y protagonistas de su liberación. No es que la Iglesia, como siempre ha hecho, vaya al pobre y haga asistencialismo, paternalismo, ayuda. Aquí es al revés. Nos abrimos al pobre, lo consideramos sujeto real y podemos aprender de él, porque decir que el pobre es ignorante es ser ignorante. El pobre sabe mucho. Pero tenemos que reforzar lo que él tiene dentro. Si él se articula con otros pobres, organiza movimientos, puede empezar un camino que llamamos de liberación. Y ahí entra la fe cristiana. La fe puede tener varios usos, un uso de resignación, decir que es voluntad de Dios la pobreza y la riqueza. Aquí no. La religión es una protesta contra esa situación que Dios no quiere y cómo desde la fe cristiana sus comunidades pueden organizarse para crear movimientos que se liberen.
—¿Cuáles fueron los primeros pasos?
—Fue surgiendo en distintos lugares de América Latina. Aquí en Uruguay con Juan Luis Segundo, con Hugo Assman en Bolivia. Pero el primero que lo elaboró teóricamente fue Gutiérrez en 1971. Y yo, que no lo había conocido todavía ni a él ni a Segundo, publiqué mi Jesús Cristo libertador en 1972. Desde la práctica de Jesús, de la opción por los pobres, de crítica a la riqueza y a los ricos y del «felices los pobres», el libro fue la tentativa de elaborar una visión de Cristo que se compromete y cuya muerte no es voluntad del Padre sino consecuencia de una práctica que creó un conflicto doble: con la religión legalista de ese tiempo y con las fuerzas de ocupación; y que murió en ese contexto, un contexto de compromiso y liberación.
—Este nacimiento ¿cómo se fue articulando con ese movimiento mayor?
—Antes de la reflexión había grupos de cristianos que estaban articulados, apoyados por Hélder Câmara, por Paulo Freire con su pedagogía, que ya actuaban como cristianos trabajando en las periferias, organizando grupos, alfabetizándolos y comunicando que tienen que ser ellos protagonistas de su vida y su liberación. A partir de lo que existía de práctica hemos iniciado la reflexión. No al revés. Muchos ya militaban en grupos de izquierda, partidos, movimientos, y varios obispos proféticos como Câmara, como el cardenal Evaristo Arns, daban una cobertura ideológica, eclesial, de autoridad, para que no fueran perseguidos por la policía política, porque el argumento era: todos los que hablan de la transformación de la sociedad son marxistas y por eso son enemigos del Estado y hay que perseguirlos. Y la Teología de la Liberación apareció —en la lectura de ellos— como un Caballo de Troya por el que el marxismo iba a penetrar en América Latina. Marx nunca fue padre ni padrino de la Teología de la Liberación. Pero en el contexto de la Guerra Fría se permitía esa lectura, de ahí la vigilancia y persecución de esta teología.
—Esta vigilancia y persecución en algún momento provocó un resquebrajamiento en el interior mismo de la Iglesia. Usted fue silenciado. ¿No había también una necesidad de liberación hacia adentro de la Iglesia?
—Inicialmente no era hacia adentro de la Iglesia. Yo fui el primero que lo intentó hacia adentro. Pero al comienzo fue una teología bastante pacífica porque tenía la cobertura de la Iglesia oficial, los obispos, pero simultáneamente estaban los obispos conservadores y, por supuesto, los militares. Roma aceptó el discurso de ellos. Como eran épocas de Guerra Fría, con la vieja Europa alarmada con el fenómeno del marxismo, veían un riesgo. Entonces nos perseguían, nos vigilaban. Muchos fueron apresados, interrogados, torturados. Incluso el secretario de Hélder Câmara fue muerto. Yo fui el primero que lanzó la pregunta: la Iglesia no puede simplemente exigir liberación a la sociedad, ella misma tiene que ser un espacio de libertad y liberación. Pero no lo es porque los laicos no tienen lugar en la Iglesia, las mujeres son invisibles y hay una concentración extrema de poder. Eso a la luz del Evangelio, de lo que entendemos hoy por democracia y participación. La Iglesia también tiene que ser liberada.
—¿Cuál era el lugar de los cristianos en esa época de efervescencia y de contradicción?
—En Brasil, una gran parte de la pastoral católica universitaria creó a comienzos de los 60 la Acción popular, un movimiento político de izquierda donde muchos fueron a la lucha armada, y luego perseguidos, presos, exiliados. Y otros grupos similares. Había conciencia de que esa opresión era sistémica, que no era algo meramente pacifico e histórico sino producido por un sistema económico que explotaba a las personas, el capitalismo. Que había que optar. Pero nosotros siempre olvidábamos el contexto más grande, el de la Guerra Fría, y el de la represión sistemática a todos los que no se alineaban a esto. Éramos perseguidos al interior de la Iglesia por los conservadores y al exterior por los militares o la derecha. Todos lo hacían con buena voluntad. Yo incluso discutía con el cardenal Ratzinger que decía: nosotros lo hacemos para defender al pueblo porque si entra el marxismo ateo se acaba el cristianismo, la Iglesia y ustedes van todos a prisión. Era lo que fascinaba a los europeos: el miedo. Nosotros no, el enemigo concreto que teníamos era el capitalismo real. Hubo incomprensión, y de nuestra parte ingenuidad.
—¿Cómo se despierta de esa ingenuidad?
—Lento nos fuimos dando cuenta. En Brasil fueron los primeros, quizás. Entraron en la guerrilla pero no lucharon con armas. Pero en Perú, Colombia, América Central fue mayor la participación de cristianos en luchas armadas. Hoy hay que hacer una fuerte crítica a todo esto. Pero una cosa sí conseguimos: elevar la conciencia del pueblo, de que la pobreza no es natural ni querida por Dios sino producida por un sistema que vive de la explotación del trabajo, de las personas, de la naturaleza.
(El País, Cultural)

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