La novela “La uruguaya”, del argentino Mairal, se “expande como un virus” por el mundo

Montevideo, 24 feb (EFE).- La novela “La uruguaya”, que nace del “cariño” de su autor, el argentino Pedro Mairal, por Uruguay, donde hoy será presentada, se “expande como un virus” por América Latina y Europa, donde será traducida al italiano, el francés y el holandés, explicó hoy a Efe el escritor.“Mairal, ganador del Premio Clarín en 1998 por su novela “Una noche con Sabrina Love” e incluido por el jurado de Bogotá39 entre los mejores escritores jóvenes latinoamericanos, narra en “La uruguaya” la historia de Lucas Pereyra, un argentino que viaja todos los días a

Una mujer lee el libro "La Uruguaya", del escritor argentino Pedro Mairal, que fue presentado ayer, viernes 24 de febrero de 2017, en Punta del Este (Uruguay). La novela "La uruguaya", que nace del "cariño" de su autor, el argentino Pedro Mairal, por Uruguay, donde hoy será presentada, se "expande como un virus" por América Latina y Europa, donde será traducida al italiano, el francés y el holandés, explicó hoy a Efe el escritor. EFE/Ana Paula Chain.

Una mujer lee el libro “La Uruguaya”, del escritor argentino Pedro Mairal, que fue presentado ayer, viernes 24 de febrero de 2017, en Punta del Este (Uruguay). La novela “La uruguaya”, que nace del “cariño” de su autor, el argentino Pedro Mairal, por Uruguay, donde hoy será presentada, se “expande como un virus” por América Latina y Europa, donde será traducida al italiano, el francés y el holandés, explicó hoy a Efe el escritor. EFE/Ana Paula Chain.

Montevideo a buscar dólares. Asimismo, el personaje principal vive una historia de amor extramatrimonial en Uruguay, ya que allí conoció a una chica en un verano en el departamento de Rocha, al sureste del país. En palabras del autor, la novela “se expande como un virus”, ya que “La uruguaya” también está ya disponible en Argentina, Chile, Colombia, México, Uruguay y España. Consultado sobre la motivación de escribir sobre estos temas, Mairal explicó que surgió del “cariño” que tiene por Uruguay y del conocimiento de parte de Montevideo. Quería usar este espacio para una historia, me parecía que Montevideo tiene una escala más humana que Buenos Aires, que es monstruosa y además para mí está saturada de asociaciones emocionales”, señaló el autor en ese sentido. Mairal, que nació en la capital argentina, aseguró que “cada esquina” de esa ciudad le trae algún recuerdo, por lo que “mover a un personaje por Buenos Aires” es más complicado porque “todo está saturado de recuerdos y demás”. Asimismo, explicó que los porteños ven con “cierta ingenuidad” a Montevideo. Me parece que para los argentinos -o por lo menos para los porteños, porque no sé cómo será para los demás- cruzar a Uruguay tiene algo de pasar al ‘paisito’, donde todos son buenos y no te va a pasar nada”, expresó. Hay una idea medio sonsa (tonta) de Uruguay, como ingenua”, añadió Mairal en ese sentido y afirmó que sabía que “cuánto más metiera al personaje en eso, más se iba a encontrar con una Montevideo más áspera”. Por otra parte, el argentino está trabajando para adaptar su novela al cine, ya que tiene previsto filmar una película sobre “La uruguaya”. Según contó, el proyecto terminará a “mediados de año” para poder filmar en noviembre en Rocha y Montevideo. Lo más difícil del guión es conseguir hacer la parte introspectiva del personaje, porque el libro tiene algo de confesión a su mujer”, apuntó el autor.“En este sentido, aseguró que muchas partes de la historia son fáciles de filmar, aunque otras son más difíciles.“”Lo difícil es hacer toda la culpa del tipo (el protagonista), su pasión, los recuerdos con su mujer, las dificultades con su mujer que él de alguna manera está recordando… Eso es más difícil, es como un mar de fondo que estamos viendo cómo logramos hacerlo en cine”, subrayó. En tanto, aseguró que “probablemente” el compositor uruguayo Jorge Drexler hará una canción inspirada en el libro, algo que está “apalabrado”. La uruguaya” será presentada este jueves en Punta del Este, el principal destino turístico de Uruguay, donde Mairal tendrá un ida y vuelta con los lectores que se acerquen al Espacio Cultural WMW, donde se realizará el evento. Consultado sobre el éxito de la novela, el autor argentino aseguró que le “encanta” que su obra coseche buenas críticas entre el público, pero que es algo que no puede controlar. Hay libros que yo digo: ‘con esto la rompo y esto va a ser un best seller absoluto’ y de repente no pasa nada. Hay otros libros que digo: ‘bueno, vamos a ver qué pasa con este libro, si lo quieren publicar’ y de golpe son muy expansivos y viajan solos”, explicó. En este sentido, dijo que escribe sus libros de “la mejor manera posible”, pero que lo que pasa después depende del azar y del “boca a boca”. Según el autor, uno de los mayores logros de “La uruguaya” es haber logrado conquistar a lectores por fuera del ambiente literario. Saltar por fuera de ese cerco del ambiente literario no es fácil y me parece que no se puede fabricar, pasa o no pasa.
A mí me encanta que pase”, concluyó Mairal.

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La Bienal Sur llega a Madrid para “destruir muros” gracias al arte

Madrid, 24 feb (EFE).- La Bienal Sur, un evento internacional de arte contemporáneo que se llevará a cabo en más de 30 ciudades de Latinoamérica, Europa y otras regiones del mundo, busca “destruir muros” a través del arte, tal y como explicó hoy su director general, Aníbal Jozami. En este mundo donde se plantea construir muros, el arte y la cultura tienen que dar ejemplo y unir esfuerzos para destruirlos”, señaló el sociólogo y docente argentino. La bienal, presentada en Madrid por artistas y comisarios internacionales, se llevará a cabo de forma simultánea en Buenos Aires, Caracas, Tokio y Madrid, entre otras ciudades. Buenos Aires será el epicentro de esta manifestación artística, aunque para el director general de Industrias Creativas de la ciudad, Diego Radivoy, lo importante es que en cualquiera de los recintos se proyectarán las exposiciones del resto de los países.

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Centro MEC Salto invita para ver esta noche “Gilda” en el marco de la gira de verano de Efecto Cine

Cine de verano en Plaza Artigas

“Gilda, no me arrepiento de este amor” es una película biográfica argentina estrenada el 15 de setiembre de 2016, dirigida por Lorena Muñoz y coescrita por Muñoz y Tamara Viñes.
El filme se basa en la vida de la cantante argentina Gilda, autora e intérprete de grandes éxitos musicales. Perdió la vida en un accidente automovilístico en setiembre de 1996.
La cinta muestra la vida íntima y poco conocida de Miriam Alejandra Bianchi, quien se convirtió en ídolo de la canción popular en su país bajo el nombre artístico de Gilda. Rescata la autenticidad, el carisma y la reivindicación de los derechos femeninos en sus canciones durante dos etapas de su vida: una muestra a Gilda cuando era niña y adolescente junto a su padre, inspiración artística de la cantante; y la otra en su madurez, cuando decide comprometerse con su propio sueño y hacerlo realidad.
Gilda es interpretada por la cantante y actriz uruguaya Natalia Oreiro en su vida adulta y por Ángela Torres en la adolescencia.
En numerosas ocasiones a lo largo de su carrera, Oreiro mostró interés en interpretar a Gilda en el cine, pero los proyectos cinematográficos naufragaban por la resistencia del hijo a retratar la vida de su madre. Sin embargo, la directora, Lorena Muñoz y Oreiro aunaron esfuerzos y juntas lograron convencerlo, dando sobradas muestras de porqué ellas eran las indicadas para encarar la propuesta.
En cuanto el proyecto se definió, Natalia Oreiro aceptó protagonizarlo complacida: “Yo soy Gilda”, aseguró la actriz. Para la uruguaya, la cantante argentina siempre había sido una referencia, no solo en lo artístico: “Gilda y yo éramos parecidas. Ella estaba casada, tenía un marido, dos hijos, era maestra jardinera, de clase media. Y un día se dio cuenta de que algo le faltaba”.
Por su parte, Lorena Muñoz también vio en este ícono de la música popular a la mujer que había detrás del mito, reconociendo su valentía y talento. Así, el film tiene una marcada impronta femenina, tanto en la visión como en el relato y en las personalidades de las mujeres que le dan vida desde sus distintos talentos.
A puro pedal, cuidando el ambiente
Salto podrá disfrutar de una función de cine al aire libre, con proyección en Full HD, sonido de alta fidelidad, pantalla inflable gigante y el sistema Efecto Pedal, único de su tipo en todo el hemisferio sur, que implica que el 100% de la electricidad necesaria para realizar la proyección será generada por el pedaleo de los asistentes en las bicicletas de dicho sistema.
La gira nacional “Verano a Pedal 2017” es auspiciada por la Dirección de Centros MEC, la Dirección Nacional de Energía del Ministerio de Industria, Energía y Minería, UTE, ANTEL y el Ministerio de Turismo.

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Aunque algunos piensen suprimir la formación artística: «La Música, eje de la Educación»

Sumamente interesante nos pareció el artículo que a continuación compartimos con los lectores de EL PUEBLO, escrito por Mª Antonia Casanova y publicado recientemente en España (www.periodico escuela.es).
En tiempos en que mucho se discute, allá y acá, sobre la pertinencia o no de la inclusión del arte en la formación del individuo, en tiempos en que incluso se pone en tela de juicio su importancia y su valor, y hasta se llega a afirmar por parte de algunos que es necesario quitar esos contenidos para dar mayor espacio a lenguas extranjeras o asignaturas más instrumentales, viene bien oír esta otra campana. La autora del artículo, Mª Antonia Casanova, es Directora de María Antonia CasanovaFormación del Instituto Superior de Promoción Educativa de Madrid, y profesora asociada de la Universidad Camilo José Cela (Madrid). Ella tiene la palabra.
LA MÚSICA, EJE
DE LA EDUCACIÓN
«Ofrecer como asignatura específica una segunda lengua extranjera, en lugar de o además de Educación Artística…». Reproduzco literalmente una posibilidad que recoge la normativa oficial de la Administración educativa de una de nuestras Comunidades Autónomas, por la cual pareciera que no importa que se suprima la educación artística de Primaria… Supongo que porque no se considera importante: ni la Plástica, ni la Música, reduciendo mucho todas las facetas de este fundamental ámbito educativo. A la vista de esta norma, sigue habiendo aprendizajes de primera y de segunda o de última, porque se supone que se pueden eliminar sin que se resienta la educación integral. Voy a señalar, someramente, algunas de las ventajas que ofrece la educación musical para la formación de la persona. Y, después, cada centro, cada familia o cada docente decidirá si es posible hacerla desaparecer del currículum o no. En principio, todas las investigaciones neurocientíficas recientes reconocen las aportaciones de la Música para la mejora del aprendizaje general en el sujeto. Muy sintéticamente, resumo algunas conclusiones importantes de estos estudios: al nacer, las neuronas ya están establecidas, pero durante la infancia, los axones y dendritas crecen y desarrollan las conexiones sinápticas, a partir de los estímulos que reciben. Por ello, la interconexión dentro del cerebro se expone a constantes reorganizaciones denominadas, globalmente, como plasticidad neuronal. Las columnas de neuronas se conectan formando una red que afecta a ambos hemisferios, facilitando las transmisiones de información entre ellas. Así, se desarrollan uniones celulares estrechamente relacionadas con los estímulos, lo cual constituye el principio del aprendizaje. En este sentido, se comprueba que la educación musical produce modificaciones en la conexión sináptica de conjuntos de células neuronales, lo cual deriva en que cambia el cerebro, pues aumenta el tamaño de la parte anterior del cuerpo calloso, que es mucho más grande en músicos, sobre todo en los que comenzaron su entrenamiento antes de los 7 años (hasta un 25% mayor). En general, todos admitimos que en el hemisferio izquierdo se concentran los aprendizajes lógicos, analíticos, verbales, racionales…, mientras que en el derecho están localizados los intuitivos, sintéticos, espaciales… Bien, pues la Música estimula ambos hemisferios, por lo que una adecuada metodología musical (el ritmo, la melodía, la armonía) desarrollará los dos en paralelo y, de este modo, siempre será el mejor medio para el máximo desarrollo de las potencialidades de la persona en su totalidad. Son muchas las conclusiones a las que llega la Sociedad para la Neurociencia, pero simplemente apunto (para los que piensan que la Música es una pérdida de tiempo en la escuela) algunas, como que el entrenamiento musical fortalece el aprendizaje de currículos estándar como matemáticas y ciencias, que se relacionan fuertemente con el razonamiento espacio temporal, o que la música tiene importante influencia sobre la actividad, la productividad y el incremento de la activación y la atención selectiva. Igualmente, diversos autores afirman que la música potencia la habilidad de resolver problemas de tiempo, espacio y secuencia. ¿Qué más se le puede pedir a una materia curricular? Creo que ninguna ofrece tantas ventajas como esta. Pero seguimos, dejando ya sentadas las bases de su importancia, siendo consciente de que me dejo muchos otros aspectos positivos sin comentar. La música es un lenguaje universal, como otros lenguajes artísticos. Favorece la comunicación entre personas de culturas diversas, pues las conecta sensorial y emocionalmente. No necesita del conocimiento de un idioma para establecer esa relación. Todos disfrutamos con obras de autores de cualquier parte del mundo. Comprendemos sus mensajes y somos capaces de disfrutarlos y reproducirlos. De hecho, los integrantes de una orquesta, incluido su director, pueden no entenderse verbalmente, pero sí lo hacen cuando interpretan una partitura. Al dirigirse directamente a la emoción y a los dos hemisferios cerebrales, llega a lo más íntimo de cada persona, de cada niño o niña. Con la música se siente capaz de participar, expresarse, compartir acciones, disfrutar…, conjuntamente con otros, lo cual eleva su autoestima y le ayuda a superarse en campos diferentes de los que se consideraba desterrado. Tenemos cercano el ejemplo de la orquesta de instrumentos reciclados de Cateura (Paraguay), cuyos chavales ofrecen conciertos en todas partes del mundo. Chavales, insisto, excluidos de la educación sistémica en casi todos los casos. Por otra parte, en España más de 200 jóvenes con discapacidad se han incorporado a 14 orquestas sinfónicas, participando en 22 conciertos y 14 ciudades, incluyendo su actuación en el Auditorio Nacional de Madrid. Y qué decir de la orquesta West-Eastern Divan, creada por Daniel Baremboim y Edward Said en 1999, que reúne a 73 músicos israelíes, palestinos, jordanos y libaneses con objeto de acercar a árabes, judíos y palestinos a través de la música, en un excelente ejemplo de convivencia pacífica. Hay más. Parece que la música fue una expresión anterior al lenguaje verbal, dado que aparecen flautas y otros instrumentos con una antigüedad de 6000-8000 años antes del homo sapiens. Este hecho se relaciona con la capacidad que tienen, ahora mismo, las personas para recordar canciones incluso de su niñez, mejor que otros hechos de su vida, por importantes que hayan sido. Las que padecen Alzheimer se olvidan de casi todo, o de todo, menos, en muchos casos, de la música de su infancia. Podríamos seguir aportando datos en favor de la educación musical durante páginas y páginas. Pero ya lo dejo. Solamente expongo a la consideración del mundo educativo la importancia de la educación musical tanto para lograr un mejor y mayor aprendizaje general, como para el propio desarrollo integral, a la vez que para alcanzar una convivencia de los diversos en igualdad de oportunidades para todos. Desde la ética, la estética, la emoción, la inteligencia, la creatividad y la sociedad… Hay que enseñar y aprender Música.

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La UCU contacta a empresarios para asesorar en ideas de innovación que les permitan ser más competitivos

Emilio Oteiza y Álvaro Sorondo, docentes responsables de la consultoría, explicaron a EL PUEBLO junto al magister Emilio silva, Director de la universidad Católica en Salto, los objetivos de la consultoría que ofrece el Centro de Apoyo a la Innovación empresarial de la UCUDAL:
INICIATIVA CONJUNTA
Esto es una iniciativa que tiene la Universidad Católica y que funciona en las tres sedes que tiene la UCUDAL en el país, es decir Montevideo, Salto y Punta del Este y se llama Centro de Apoyo a la Innovación Empresarial (CAIE). La iniciativa cuenta con el apoyo de la Agencia Nacional de Investigación e Innovación (ANII) y estamos desarrollando este centro que tiene como objetivo apoyar a las empresas y a los empresarios que tengan ideas para llevar adelante, ya sea desarrollar nuevos productos, nuevos mercados, nuevos procesos. Todas cosas que se engloban dentro de lo que se llama la innovación, pero generalmente las ideas que tienen los empresarios, que son muchas porque estos siempre están con muchas ideas en sus cabezas, muchas veces cuesta llevarlas a la práctica por limitaciones de distinta índole pero que básicamente las podríamos resumir en dos grandes rubros, falta de recursos económicos y falta de recursos en general.
Muchas veces en nuestras conversaciones con empresarios encontramos, primero que ideas no es lo que falta. Hay muchos empresarios con muchas ideas y lo que si es que tenemos la dificultad de poder llevarlas a cabo y la mayoría de las veces la excusa es económica, es decir “no tengo el dinero para poder llevarlas a cabo”. Pero a veces el empresario también reconoce que si tuviera mayor certeza de que la idea es viable, estuviera convencido de que tiene la capacidad. Las personas, la infraestructura, el equipamiento y los recursos para llevarla adelante, que el mercado es real y no ficticio, cuando se dan todas estas condiciones la plata aparece.
HAY EMPRESARIOS CON IDEAS
Vale decir que el problema no es económico sino que está faltando alguna otra cosa. Tenemos empresarios con ideas, pero esas ideas cuesta transformarlas en realidad, en procesos nuevos, para hacerlas más eficientes, en ahorro de energías, en mercados de exportación y demás. Nosotros lo que buscamos es actuar en esa problemática, es decir, ayudar y trabajar junto con los empresarios para que juntos podamos superar esas dificultades. Esto es falta de capacidad de empresario, falta de tiempo, pero también falta de dinero, porque tenemos la posibilidad de trabajar en proyectos en los cuales no sólo ayudemos al empresario a dar los pasos que tiene que dar, asesorándolo, ayudando a bajar a tierra sus ideas, adoptando metodologías de trabajo para que trabaje de una manera más ordenada y en definitiva pueda llevar adelante sus ideas, sino que además está la posibilidad de que la parte económica se resuelva de alguna manera gracias al apoyo que tenemos de la ANII,
Vale decir que el gran objetivo, tanto del Centro CAIE, como de la Universidad Católica y de la ANII es lograr que nuestros empresarios sean más competitivos a través de generar nuevos productos, de abrir nuevos mercados, de tener proyectos y empresas más eficientes. Todo eso que nosotros englobamos bajo el término de innovación significa ayudar a nuestras empresas.
NO HAY LIMITANTES PERO SE ADAPTAN MÁS LAS PYMES
Sorondo explicó que en realidad la consultoría está orientada a pequeñas y medianas empresas, porque tenemos pensado que hay determinado perfil de empresas que encajan mejor en nuestra propuesta, porque si bien no hay una limitante estricta, es sabido que las grandes empresas ya tienen resuelto este tema que nosotros de alguna manera venimos a suplir.
Las que tienen más dificultades en los recursos sobre los que nosotros actuamos son las pequeñas y medianas, allí es donde está el grueso de las empresas que nosotros podemos ayudar.
Tampoco hay una limitación de rubros, sino más que nada que la empresa haga el “clic” para dar el paso. Es más, no siempre es necesario más tecnología o nuevas tecnologías, sino que el empresario sienta que “ahora es el momento” o ahora tenga esta gente que me puede ayudar a concretar la idea que siempre he tenido. Eso pasa en cualquier tipo de emprendimiento, tanto industrial, como de comercio o de servicio y dentro de los servicios, tanto de turismo como de cualquier otro.
Hay empresarios que se sienten muy solos en este sentido y nosotros podemos ayudar en cuanto tenemos experiencia en materia de herramientas de gestión que sirven para ordenar un poco las cosas, a encauzar las distintas actividades que pueden ser importantes para concretar estas ideas.
ASESORÍA Y ACOMPAÑAMIENTO
Esto es básicamente un servicio de acompañamiento y auditoría, señaló por su parte Oteiza y la particularidad que tiene es que en lugar de intentar nosotros de imponer un manual de innovación,en realidad estamos trabajando a la inversa. Hace meses que estamos hablando con distintos empresarios, principalmente del interior del país, viendo las realidades y que cosas necesitan.
Una de las cosas que vimos es que prácticamente todos los empresarios con los cuales hemos conversado innovan y no sólo esto, sino que muchos de ellos empezaron sin nada y hoy han logrado con mucho trabajo y orgullo construir sus empresas a partir de llevar ideas nuevas al mercado, de intentar hacer cosas nuevas que antes no hacían y eso es innovar. Vale decir nos dimos cuenta que los empresarios innovan todo el tiempo, sólo que no usan ese nombre, sino que usan otros nombres.

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Cine latinoamericano se lleva dos Osos de Plata y varios premios en Berlinale

Elena Garuz
Berlín, 18 feb (EFE).- El cine latinoamericano cerró hoy su participación en la 67 edición de la Berlinale con dos Osos de Plata, para «Una mujer fantástica», del chileno Sebastián Lelio, y para el cortometraje mexicano «Ensueño en la pradera», de Esteban Arrangoiz Julien, así como varios premios de jurados independientes.
La cinta «Una mujer fantástica», coproducida por Chile, España, Estados Unidos y Alemania, se llevó el Oso de Plata al mejor guión para esta historia centrada en el rechazo social a una mujer transgénero, firmada por Lelio y Gonzalo Maza.
El filme, cuya buena recepción, interés y conexión por parte del público resultó algo «inesperado» para su director, obtuvo asimismo el Teddy a la mejor película de la Berlinale, galardón que distingue el cine de contenido homosexual o con especial sensibilidad hacia la comunidad LGTB.
La cinta sumó también una mención especial del Jurado Ecuménico que sigue el festival.
La película se centra en la figura de Marina -interpretada por la actriz transexual Daniela Vega-, que por el hecho de ser transgénero es vetada por la familia de su novio, Orlando -encarnado por Francisco Reyes-, y totalmente excluida cuando llega la hora de darle el último adiós al que fuera su pareja.
En tanto, el Oso de Plata Premio del Jurado de cortos recayó en el filme mexicano «Ensueño en la Pradera», obra que trata de reflejar las difíciles condiciones de vida que sufren muchos mexicanos y el impacto de la violencia en los habitantes de los pequeños pueblos.
En la rueda de prensa tras la gala de entrega de premios, Arrangoiz denunció que su país vive una etapa «muy oscura» marcada por la violencia que se está grabando en el imaginario de los niños, al tiempo que llamó al Gobierno de su país a invertir más en educación y cultura como «única manera de salvar a las nuevas generaciones» de esta lacra.
En la cinta, en la que un joven regresado de Estados Unidos conversa en el campo con una chica que nunca ha dejado México, Arrangoiz recurrió a la mezcla ficción y documental como apoyo para contar su historia.
En tanto, el corto «Centauro», del argentino Nicolás Suárez, una película del oeste greco-creole que transcurre en la Pampa Argentina, recibió una mención en la misma categoría.
El filme «The Jungle Knows You Better Than You Do», de la directora colombiana Juanita Onzaga y coproducido con Bélgica, se llevó el Premio Especial al mejor cortometraje del jurado internacional de la sección Generation 14plus, dotado con 2.500 euros.
Por otra parte, la película «La libertad del diablo», del mexicano Everardo González, centrada en víctimas y victimarios de la violencia en México, ganó el premio de Amnistía Internacional para documentales de la Berlinale, donde se proyectó en la sección Berlinale Special.
El filme, que optaba también al premio al mejor documental, constituye un crudo y doloroso retrato de una sociedad gobernada por el miedo y la inseguridad y ofrece una selección de los testimonios que se esconden detrás de cifras y titulares estremecedores, pero abstractos.
En tanto, el filme «Pendular», de la brasileña Julia Murat, corpoducida por Brasil, Argentina y Francia, ganó el premio de la Federación Internacional de la Crítica Cinematográfica -FIPRESCI-, en la sección Panorama.
El filme presenta a una joven pareja que se muda a una planta de una fábrica abandonada, donde, con una cinta naranja, divide el espacio en dos partes iguales: en una, él instala su taller de escultura, la otra se convierte en estudio de danza para ella.
El arte y la intimidad se mezclan en este ambiente, donde los protagonistas pierden poco a poco su capacidad de distinguir entre sus proyectos artísticos, el pasado de cada uno y su relación amorosa. El Premio de la Paz recayó en el documental «El pacto de Adriana», en el que la realizadora chilena Lissette Orozco se sumerge en el pasado de su tía Adriana Rivas y su paso por el cuartel Simón Bolívar como secretaria del jefe de la Dirección de Inteligencia Nacional (DINA, policía secreta de la dictadura chilena), el general Manuel Contreras.

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Maluma donará ganancias de Festival de Viña del Mar a afectados por incendios

Viña del Mar (Chile), 20 feb (EFE).- El cantante colombiano Maluma, una de las principales estrellas que actuarán en el Festival de la Canción de Viña del Mar, anunció hoy que donará todas las ganancias que recaude en el evento a los damnificados por los incendios que azotaron el centro y el sur de Chile.
«Una parte de mi corazón es de ustedes, Chile, por eso el 100 % de mis ganancias de este festival de Viña del Mar irá a manos de la fundación «Desafío Levantemos Chile», que se encargará de darle ayuda a quienes viven esta calamidad. Es lo mínimo que puedo hacer por mis hermanos chilenos», escribió Maluma en la red social Instagram.
El artista, una de las figuras del reguetón a nivel mundial, explicó que tomó la decisión tras reunirse con el director del certamen, Álex Hernández, que le enseñó imágenes de los incendios que hace dos semanas arrasaron más de 500.000 hectáreas y se cobraron la vida de once personas y dejaron pérdidas por millones de dólares.
«Me mostró cientos de historias de afectados por los incendios, conmovedores rostros de familias que perdieron absolutamente todo. Hoy me pongo en sus lugares y decido aportar un grano de arena a esta situación», afirmó el colombiano.
La fundación que eligió el cantante colombiano para donar sus ganancias, ‘Desafío Levantemos Chile’, es una asociación que surgió para ayudar a reconstruir lo que se perdió en el terremoto que sufrió el país en febrero de 2010 y que actualmente tiene proyectos a lo largo de todo el país en diversas áreas, como educación, cultura o infraestructuras.
Maluma, la principal estrella del festival, actuará el viernes, pero llegó este lunes a Viña del Mar para pasar la semana en la Ciudad Jardín.

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Artesanos de arpa paraguaya, la identidad musical que se resiste a desaparecer

María Sanz.
Asunción, 17 feb (EFE).- Protagonista indiscutible de polkas, guaranias y otras músicas folclóricas de Paraguay, el arpa paraguaya nace del trabajo de los artesanos concentrados en la ciudad de Luque, próxima a Asunción, que mantienen viva una tradición que se resiste a desaparecer. Entre tablones, sierras sin fin, virutas de madera y serrín, el luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpas, recorta las piezas para unirlas en un

ACOMPAÑA CRÓNICA:PARAGUAY MÚSICA ASU01. LUQUE (PARAGUAY), 16/02/2017. El luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpa, durante una entrevista con Efe en su propio taller en Luque (Paraguay) hoy, jueves 16 de febrero de 2017. Entre tablones, sierras sin fin, virutas de madera y serrín, el luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpas, recorta las piezas para unirlas en un rompecabezas de precisión milimétrica, que al terminar de armarse dará forma al instrumento nacional de Paraguay.  EFE/Andrés Cristaldo Benítez

ACOMPAÑA CRÓNICA:PARAGUAY MÚSICA ASU01. LUQUE (PARAGUAY), 16/02/2017. El luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpa, durante una entrevista con Efe en su propio taller en Luque (Paraguay) hoy, jueves 16 de febrero de 2017. Entre tablones, sierras sin fin, virutas de madera y serrín, el luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpas, recorta las piezas para unirlas en un rompecabezas de precisión milimétrica, que al terminar de armarse dará forma al instrumento nacional de Paraguay. EFE/Andrés Cristaldo Benítez

rompecabezas de precisión milimétrica, que al terminar de armarse dará forma al instrumento nacional de Paraguay. Tablas de madera de cedro, autóctona, y chapas de pino importadas de Canadá conforman la caja de resonancia del arpa, sobre la que se coloca la cabeza, repleta de clavijas para la treintena de cuerdas que, en promedio, posee el instrumento, y que Díaz afina una a una mediante una aplicación en su teléfono móvil. Las cuerdas se tensan paralelas a una columna, también de madera, que une la cabeza a la caja de resonancia, y que a veces está tallada con diferentes motivos del país, como por ejemplo el cuerpo de una mujer indígena. Díaz explicó a Efe que todas las piezas se unen mediante un pegamento elaborado a base de gelatina de repostería y agua, se fijan a través de abrazaderas de cuero hechas a la medida del arpa, y se dejan secar a media sombra o, en invierno, con una fogata cercana. El proceso, en el que cada pequeño detalle influye en el sonido final que saldrá del instrumento, suele tomar entre 15 y 22 días y el arpa se vende habitualmente por unos 3 millones de guaraníes (unos 500 dólares), dijo Díaz. A su taller, instalado en el fondo de su casa en Luque, han llegado encargos procedentes de Japón, como las arpas para la artista nipona Mika Agematsu, intérprete de música popular latinoamericana, y también de otros países como España o Estados Unidos.
El primer encargo que tuve para exportación fue en 1987 y tenía que mandar 20 arpas a España y otras 20 a Estados Unidos. Entonces estaba solo, era más joven y trabajaba unas 14 o 15 horas al día para poder llegar a la fecha del encargo”, recordó. Ahora Díaz trabaja con la ayuda de su hijo Rolando, de 18 años, que afirmó que el arpa es un instrumento muy versátil y no solo sirve para acompañar la música folclórica de artistas paraguayos reconocidos como Félix Pérez Cardozo o Emiliano R. Fernández, sino que puede adaptarse a diversos estilos. Rolando aspira a continuar con la tradición familiar de fabricación de instrumentos para impedir que desaparezca una cultura asociada a la ciudad de Luque, donde también se construyen guitarras. Nuestro objetivo es que se valore nuestra cultura y siga vigente la artesanía. Hoy en día muchos jóvenes solo buscan un trabajo que les dé mucha ganancia y no se dedican a su cultura y tradición”, declaró. Además de la falta de interés de las nuevas generaciones, la fabricación artesanal de arpas enfrenta otra amenaza: la irrupción en el mercado de productos de origen chino, que se fabrican a nivel industrial y tienen menores costos, explicó a Efe Miguel Villalba, constructor de guitarras.““Villalba integra junto con los Díaz la cooperativa de luthiers Oñondivepa (“todos juntos”, en guaraní), y aseguró que, a diferencia de los instrumentos artesanales, los fabricados a nivel industrial duran apenas medio año y no pueden repararse.
Además de aportar mayor la calidad y armonía de los sonidos, los artesanos, como Rolando Díaz, destacan que fabricar a mano un arpa paraguaya representa una seña de identidad y “un lujo espectacular”, al ver cómo “el fruto del sacrificio se va por todo el mundo”.

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Horacio Quiroga moría hace 80 años

1937 – 19 de febrero – 2017

Una madrugada de 19 de febrero como la que acaba de pasar, a los 58 años de edad, Horacio Silvestre Quiroga Forteza sumaba un eslabón más en la larga cadena de muertes trágicas que rodeó su vida: hace hoy exactamente 80 años que se quitaba la vida al beber un vaso de cianuro en el Hospital de Clínicas de Buenos Aires, tras enterarse que sufría cáncer de próstata. Respecto a su vida, el rasgo que mejor puede definirla quizás sea el de autenticidad. Puramente auténtico fue su tiempo vital en la selva: integrado totalmente a las plantas y los animales, navegando peligrosas corrientes de ríos (aún sin saber nadar), realizando experimentos mecánicos y científicos, plantando, construyendo con sus propias manos (desde una casa o una embarcación hasta su propio calzado)… De su obra, ¿qué más decir que se trata de una de las más originales y trascendentes que se han escrito en lengua española? Y cabría preguntarse además: ¿es posible separar una obra tan llena de selva y muertes trágicas de una vida como la de su autor? La respuesta es no. Y eso también se llama autenticidad. Cabe además en una fecha como la de hoy, repetir un concepto que venimos manejando en esta página desde hace mucho tiempo (incluso hace unos días, cuando recordábamos los 100 años de la aparición de Cuentos de amor de locura y de muerte): es notable el cada vez más creciente interés que despierta una obra aún cuando el autor hace ya mucho tiempo que murió, es decir que no está detrás de ella para intentar imponerla. Es ni más ni menos que una muestra de que la obra se sostiene por sí misma, y eso se debe simplemente a que su valor es muy grande.
Quiroga fue siempre fiel al hecho de haber sido él mismo: El que sigue es un párrafo extraído de una extensa conferencia brindada en Salto (Auditorio de Casa Quiroga) hace dos años, por el escritor montevideano Guillermo Lopetegui, especialista en la obra de Quiroga: “…Pero si a algo fue siempre fiel, es al hecho de haber sido él mismo, tanto cuando escribió ‘urgido por la necesidad’ como cuando el oficio en sí era su válvula de escape una vez que retornaba cansado y sudoroso del monte; una vez que los padres de alguna María Esther, Ana María o ‘la chica de Lomas’, le cerraran las puertas en la nariz; una vez que recordara, sin mencionarlo, las pasadas muertes de sus seres queridos. Entonces Quiroga era joven y temía a que ‘la muerte nos siegue verdes’, pues consideraba que aún no acababa de cumplir con su obra; más bien que -en medio de la travesía que lo llevó al fracaso de París mientras iba escribiendo su diario de viaje y pensaba en su futuro y también en la muerte- recién la estaba iniciando”.
El recuerdo en versos de Alfonsina Storni: Impactada por la noticia del suicidio de su íntimo amigo (hay quienes afirman que también existió una relación amorosa), la poeta Afonsina Storni (quien se suicidaría a los 46 años, un año y nueve meses después que Quiroga) escribió estos versos:
Morir como tú, Horacio, en tus cabales,
y así como en tus cuentos, no está mal;
un rayo a tiempo y se acabó la feria…
Allá dirán.
Más pudre el miedo, Horacio, que la muerte
que a las espaldas va.
Bebiste bien, que luego sonreías…
Allá dirán.
(El poema puede leerse, en tamaño ampliado, en la pared Norte del Mausoleo de Casa Quiroga, Avda. Viera y Maciel).

La enseñanza de Quiroga
No solamente Quiroga enseña a escribir con el ejemplo, es decir que permite que se aprenda a escribir leyéndolo. A eso se suma que se preocupó por dejar explícitamente escritos diez puntos que entendió serían (o deberían ser) eje para quien pretenda escribir cuentos. Son esos puntos lo que se conoce como “Decálogo del perfecto cuentista”. Creemos que recordar esas enseñanzas es una de las mejores maneras de recordar y homenajear su genio:
I: Cree en un maestro -Poe, Maupassant, Kipling, Chejov- como en Dios mismo.
II: Cree que su arte es una cima inaccesible. No sueñes en domarla. Cuando puedas hacerlo, lo conseguirás sin saberlo tú mismo.
III: Resiste cuanto puedas a la imitación, pero imita si el influjo es demasiado fuerte. Más que ninguna otra cosa, el desarrollo de la personalidad es una larga paciencia
IV: Ten fe ciega no en tu capacidad para el triunfo, sino en el ardor con que lo deseas. Ama a tu arte como a tu novia, dándole todo tu corazón.
V: No empieces a escribir sin saber desde la primera palabra adónde vas. En un cuento bien logrado, las tres primeras líneas tienen casi la importancia de las tres últimas.
VI: Si quieres expresar con exactitud esta circunstancia: “Desde el río soplaba el viento frío”, no hay en lengua humana más palabras que las apuntadas para expresarla. Una vez dueño de tus palabras, no te preocupes de observar si son entre sí consonantes o asonantes.
VII: No adjetives sin necesidad. Inútiles serán cuantas colas de color adhieras a un sustantivo débil. Si hallas el que es preciso, él solo tendrá un color incomparable. Pero hay que hallarlo.
VIII: Toma a tus personajes de la mano y llévalos firmemente hasta el final, sin ver otra cosa que el camino que les trazaste. No te distraigas viendo tú lo que ellos no pueden o no les importa ver. No abuses del lector. Un cuento es una novela depurada de ripios. Ten esto por una verdad absoluta, aunque no lo sea.
IX: No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir, y evócala luego. Si eres capaz entonces de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino
X: No pienses en tus amigos al escribir, ni en la impresión que hará tu historia. Cuenta como si tu relato no tuviera interés más que para el pequeño ambiente de tus personajes, de los que pudiste haber sido uno. No de otro modo se obtiene la vida del cuento.

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Ballet Nacional de Uruguay lanza temporada 2017, que estrenará el Hamlet Ruso

Montevideo, 16 feb (EFE).- El Ballet Nacional de Uruguay lanzó hoy su temporada 2017, que trae cambios para esta compañía y que se estrenará con el “Hamlet Ruso”, luego de una reciente gira por España que superó los 17.000 espectadores e incluyó funciones en el Liceo de Barcelona y en los Teatros del Canal de Madrid. Así lo anunció el director del Ballet Nacional del Sodre (BNS), el exbailarín argentino Julio Bocca, que aseguró que tal como sucede con las empresas que se van “renovando todos los años”, el cuerpo de baile que dirige desde 2010 “también está en esos cambios”. En una rueda de prensa que se celebró este jueves en el hotel Sofitel de Montevideo, Bocca detalló cada una de las obras que compondrán la programación 2017 de la compañía, así como los proyectos a futuro, que tienen como objetivo final posicionar al cuerpo de baile entre los diez mejores del mundo. El director argentino se refirió a la gira que realizó la compañía de ballet en España durante diciembre y enero, algo que describió como “maravilloso”.
“A partir de la función en el Liceo (de Barcelona), empezaron a llegar llamadas, contratos, invitaciones a Dubai, a China, Nueva York… Creo que fueron uno, dos o tres escalones que hemos subido en este trabajo que venimos haciendo”, apuntó Bocca en relación a la exitosa gira que reunió a 17.000 espectadores en un total de 16 funciones. “Salir a España costó 300.000 dólares y trajimos de vuelta 50.000 dólares de ganancia. La cultura no es el fútbol (…), pero también trae dinero”, afirmó el exbailarín argentino. En este sentido, Bocca subrayó que cree que “se están haciendo bastantes cosas” de las que le gustaría que se “hablará más” y se “supiera más”. “Me gustaría que la cultura esté más presente porque creo que va a ayudar a mejorar el país, la inseguridad y creo que son cosas que es necesario que estén todo el tiempo”, agregó en ese sentido. Además, Bocca anunció que la compañía oficial de ballet de Hong Kong (China) encargó a los talles del Servicio Oficial de Difusión, Radiotelevisión y Espectáculos (Sodre) la elaboración de telas para sus espectáculos, algo en lo que actualmente se está trabajando desde el país suramericano.
Concretamente, la programación 2017 del BNS comenzará con la presentación del “Hamlet Ruso”, que se estrenará el próximo 23 de marzo, y seguirá con obras como “Don Quijote”, “Gala VI” (compuesta por “Theme and Variatons”, “Encuentros” y “Chacona”, tres estrenos nacionales), “Romeo y Julieta” y “El Cascanueces”. Asimismo, Bocca anunció la presencia de invitados internacionales como la bailarina italiana Alessandra Ferri y los argentinos Herman Cornejo y Paloma Herrera, entre otros.
Además de sus funciones en Montevideo, el BNS realizará una gira nacional, otra por el interior de Argentina, así como presentaciones en Buenos Aires, Tenerife (España), Vicenza (Italia) y otras ciudades del mundo. Por otra parte, en noviembre la compañía de baile uruguaya se encargará de abrir el Festival de Danza de Cannes en Francia. Con respecto a las salidas internacionales del cuerpo de baile, el presidente del Sodre, Doreen Ibarra, aseguró que “incentivan la cultura” y llevan a “cada rinconcito del mundo lo que significa este pequeño país (Uruguay), que tiene un desarrollo democrático, cultural y educacional muy importante”.
“El ballet ha crecido mucho trabajando con amor, disciplina y buscando siempre la excelencia. Vamos por mucho más”, sostuvo Ibarra, que además reiteró que el Sodre trabajará para posicionar al BNS entre las diez mejores compañías del mundo.
“Vamos en ese camino y lo vamos a completar con Julio Bocca y con todo el elenco del BNS”, concluyó el presidente del Sodre.

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De pluma salteña para el mundo: aparecía hace 100 años una obra fundamental

“Cuentos de amor de locura y de muerte”

Fundamental para las letras no solo latinoamericanas sino de la lengua española toda: maestría en el estilo narrativo (fuerte, preciso, contundente, conmovedor) y en la elección de la anécdota (interesante, original, creíble, siempre sentida como cercana o al menos visualizada desde cerca), son algunos de los puntos más altos en “Cuentos de amor de locura y de muerte”, uno de los más famosos libros de cuentos de Horacio Quiroga, publicado por primera vez en 1917.

“…de amor de locura y de muerte” (sin coma)
Aquella primera edición de 100 años atrás, incluye 18 relatos. Para las siguientes ediciones, el propio autor realiza algunas modificaciones en los cuentos y excluye Los ojos sombríos, El infierno artificial y El perro rabioso. El tema que sobresale en la mayoría de los cuentos es el que se desprende del mismo título de la obra. En ese sentido, interesa destacar que el propio Horacio Quiroga quiso que el título no llevara coma después de la palabra “amor”, lo que otorga al enunciado un claro sentido de unidad entre el amor, la locura y la muerte, una especie de fusión entre los tres componentes.
Traducciones
Es Horacio Quiroga uno de los narradores latinoamericanos cuyas obras mayor cantidad de traducciones, a los más diversos idiomas, han recibido a lo largo de los años. Y las siguen teniendo. “Cuentos de amor de locura y de muerte” no es la excepción. Esa es una muestra del interés creciente que despierta una obra aún cuando el autor hace ya mucho tiempo que murió, es decir que no está detrás de ella para intentar imponerla. Es una muestra de que la obra se sostiene por sí misma: simplemente porque su valor es muy grande. Realmente un deleite para la vista es acercarse a las vitrinas con libros de la “Sala de Traducciones”, ubicada en “Casa Quiroga”, de nuestra ciudad.
Aspectos llamativos en la obra
(Extraido de Wikipedia) “La obra trata principalmente de la muerte, aunque toca otros temas como la humanización de los animales, siendo estos quienes junto a un pensamiento enteramente racional dirigen las respectivas historias. Pero aunque los animales portan raciocinio, este acaba con la fuerza bruta del hombre. Otro tema abordado es el de la deshumanización del hombre que cede su voluntad a los instintos más primitivos. Siguiendo sus impulsos surgen los problemas y la trama de varios cuentos. El tercer tema es la apariencia. Horacio Quiroga hace que el lector tenga una primera visión, que finaliza con la de quien escribe”.

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Cuentos incluidos en la primera edición (1917)
Una estación de amor
Los ojos sombríos (relato no incluido en siguientes ediciones)
El solitario
La muerte de Isolda
El infierno artificial (relato no incluido en siguientes ediciones)
La gallina degollada
Los buques suicidantes
El almohadón de plumas
El perro rabioso (relato no incluido en siguientes ediciones)
A la deriva
La insolación
El alambre de púas
Los Mensú
Yaguai
Los pescadores de vigas
La miel silvestre
Nuestro primer cigarro
La meningitis y su sombra

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Dos fotógrafos brasileños y uno chileno, fueron premiados en el World Press Photo

Amsterdam, 13 feb (EFE).- Los trabajos de los fotógrafos brasileños Lalo de Almeida y Felipe Dana y del chileno Tomas Munita fueron galardonados hoy en Amsterdam por la organización World Press Photo, que destaca cada año las mejores imágenes periodísticas a nivel internacional.
Tomas Munita se hizo con el primer premio en la categoría «Historias de la vida diaria» gracias a su serie fotográfica sobre el funeral del líder revolucionario cubano Fidel Castro, que falleció el pasado 25 de noviembre.
El periodista chileno, que publicó su trabajo en el periódico The New York Times, dedicó varios días a seguir la comitiva que llevó los restos de Castro por toda la isla a modo de homenaje. El título de la serie, «Cuba al borde del cambio», es toda una declaración de intenciones.

AMSTERDAM (HOLANDA) 13/02/2017.- El ganador del World Press Photo of the Year, Burhan Ozbilici (d), y el director de la organización World Press Photo, Lars Boering, tras anunciar el ganador en Amsterdam (Holanda) ayer, 13 de febrero de 2017. Una instantánea del asesino del embajador ruso en Ankara, con la pistola aún en la mano y el cuerpo del diplomático tendido en el suelo en segundo plano, ha ganado hoy el World Press Photo, el premio más importante del fotoperiodismo internacional. EFE/Jeroen Jumelet

AMSTERDAM (HOLANDA) 13/02/2017.- El ganador del World Press Photo of the Year, Burhan Ozbilici (d), y el director de la organización World Press Photo, Lars Boering, tras anunciar el ganador en Amsterdam (Holanda) ayer, 13 de febrero de 2017. Una instantánea del asesino del embajador ruso en Ankara, con la pistola aún en la mano y el cuerpo del diplomático tendido en el suelo en segundo plano, ha ganado hoy el World Press Photo, el premio más importante del fotoperiodismo internacional. EFE/Jeroen Jumelet

En una de las imágenes, una enorme bandera cubana preside la escena mientras los asistentes, en fila, observan cómo los restos de Castro pasan a su lado. El mal estado de las casas que se ven al fondo contrasta con los teléfonos inteligentes que algunas personas alzan entre el público para inmortalizar la escena.
Tanto el director de World Press Photo, Lars Boering, como el presidente del concurso, Stuart Franklin, coincidieron en destacar otra instantánea casi simétrica de la misma serie en la que decenas de campesinos, ataviados con sus sombreros y con banderitas cubanas en la mano, aguardan en la carretera a que la comitiva pase mientras una espesa niebla lo cubre todo.
«Son imágenes que tienen poesía porque cuentan una historia, pero no de una manera obvia», remarca Franklin, mientras que para Boering el hecho de retratar «los cambios de un país» es algo que solo está al alcance de «quien ha pasado tiempo investigando las cosas bien».
Por otro lado, Lalo de Almeida fue premiado con el segundo premio en la categoría «Historias de asuntos contemporáneos» por su serie de imágenes sobre las consecuencias del virus del zika en niños brasileños.
«Para mí es siempre una cuestión delicada. ¿Cómo retratar enfermedades? Almeida lo hace de una forma muy amable», explicó Boering, porque el fotoperiodista consigue su objetivo «sin centrarse en imágenes excesivamente dramáticas».
Los bebés salen en blanco y negro, con sus madres y en diferentes situaciones, como en una consulta médica, recibiendo una ducha o tomando un biberón.
«Vimos muchas fotografías de niños víctimas del zika», recordó Franklin, pero la serie de Almeida tenía de particular que el reportero no intentó que los niños «tuvieran un aspecto ‘freak’», sino todo lo contrario, fue «muy respetuoso y tuvo un ojo muy empático».
El otro galardonado brasileño fue Felipe Dana, que recibió el tercer premio en la categoría «Noticias de actualidad» por una foto tomada en Mosul en noviembre de 2016 durante una batalla entre tropas iraquíes y combatientes del grupo terrorista autodenominado Estado Islámico.
Dana, que cubrió este conflicto para la agencia estadounidense Associated Press, captó con su cámara las llamas producidas por la explosión de un coche bomba, que se ve al fondo de la imagen. En primer plano, tres soldados iraquíes se protegen detrás de un convoy, que alza al aire una bandera nacional. Franklin aseguró que dicha imagen «es muy difícil de tomar» y reconoció que, tras terminar la evaluación del concurso, acudió a la página web de la agencia de Dana para observar su trabajo. «Tenía curiosidad y creo que tiene un ojo fantástico», concluyó el presidente del certamem. World Press Photo repartió hoy otras decenas de premios. El máximo galardón se lo llevó el fotoperiodista turco Burhan Ozbilici por «Asesinato en Turquía», que captó al asesino del embajador ruso en Ankara, Andréi Kárlov, el pasado 19 de diciembre. Ozbilici compareció emocionado por el galardón y dijo que aquel día tuvo «dos posibilidades: quedarme y hacer mi trabajo de periodista o salir corriendo», pero que sintió «la responsabilidad de representar» a su profesión, por lo que decidió continuar disparando con su cámara a pesar de que el terrorista llegó a apuntar con su arma hacia el público.

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Premio internacional honra en EE.UU. al académico y poeta argentino Ambroggio

Miami (EE.UU.), 13 feb (EFE).- El poeta argentino radicado en Estados Unidos Luis Alberto Ambroggio, reconocido con un nuevo premio internacional de poesía convocado hoy en Miami, dijo a Efe que con la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca es el «momento» para los hispanos «de unirnos y defender nuestro idioma».
Miembro numerario de la Academia Norteamericana de la Lengua y correspondiente de la española, Ambroggio dijo a Efe que el español de los hispanos de EE.UU. es «una realidad» que «nadie nos puede sacar» y forma parte de las mismas raíces del país.
Al anunciar el primer Certamen Internacional de Poesía Luis Alberto Ambroggio, la organización sin ánimo de lucro Hispanic Heritage Literature/Milibrohispano.org señaló que quiere rendir tributo al poeta argentino-estadounidense, autor de libros como «Todos somos Whitman» y «Estados Unidos hispano».
Al concurso, dotado de un único premio en metálico de 2.000 dólares, más la publicación de la obra, pueden presentarse autores de cualquier nacionalidad que presenten sus trabajos en español.
En sus declaraciones a Efe, Ambroggio indicó que una fundación de su familia hizo una donación a la Hispanic Heritage Literature Organization y esta decidió usar una parte para crear el nuevo premio, lo que fue una «grata sorpresa».
El plazo de recepción de los trabajos, que deben ser poéticos pero de tema y estilo libre, va desde el 1 de marzo al 30 de julio de 2017 y el premio será entregado el 17 de noviembre.
El jurado está integrado por los Mairym Cruz Bernal (Puerto Rico), Ana Cecilia Blum (Ecuador), Lucha Corpi (México) y Urayoán Noel (Puerto Rico), así como por la poeta colombiana Pilar Vélez, presidente de Hispanic Heritage Literature Organization.

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Chile lucha por el Oso con su retrato de la exclusión a una mujer transgénero

Gemma Casadevall. Berlín, 12 feb (EFE).- El director chileno Sebastián Lelio volvió hoy a la competición de la Berlinale con «Una mujer fantástica», un retrato de la exclusión social a las personas transgénero, que compartió jornada con otro rompedor personaje femenino, en el filme polaco «Pokot».
«Una mujer fantástica», con la actriz Daniela Vega a modo de «alter ego» Marina, la mujer a la que, por el hecho de ser transgénero, se niega hasta el derecho a dar el último adiós a quien fue su pareja, colocó a Chile en la lucha por los Osos del festival.
Fue la primera representante de América Latina a competición en esta Berlinale -le seguirá «Joaquim», de Marcelo Gomes, el próximo jueves- y acudió arropada por el éxito logrado en 2013 por Lelio con «Gloria», Oso de Plata a su gran actriz, Paulina García.
Vega, puntal de la película como lo fue su antecesora de «Gloria», encarna en esta coproducción chileno-española-alemana a una transgénero a la que la familia del fallecido quiere expulsar de su entorno, ya que en su momento no pudieron evitar su existencia.
A la exclusión que sufriría en circunstancias parecidas una mujer a la que se considerase culpable de la ruptura de un matrimonio dado por santo se suma la ambigüedad sexual.
Sobre ella caerán también las sospechas tanto de médicos como de policías, que parten de la base de que algo raro debe envolver la muerte accidental de quien fue su pareja, puesto que, a sus ojos, lo suyo no podía ser una relación de amor o sexo normal.
A las humillaciones de quienes dicen cumplir con su trabajo se sumarán las de la familia del hombre con quien compartió Marina un periodo de su vida, más dispuestos a echarla a golpes del funeral que a compartir con ella el duelo por la muerte inesperada.
Lelio opta por dejar sola a su Marina, de sacudida a sacudida, con su rostro atravesado por el dolor, el llanto o la rabia, con apenas algún momento de respiro procedente de una mano amiga.
No explica cómo se conocieron Orlando y Marina, ni tampoco explica mucho del entorno de esta.
En lugar de arroparla con la complicidad que probablemente le habría dado un Pedro Almodóvar -por ejemplo-, la deja a merced de la soledad sin paliativos, como exponente de rechazo crudo que, en la vida real, sufren las personas transgénero.
Chile ha sido una cinematografía de peso en las últimas ediciones en la Berlinale -al éxito de «Gloria» siguieron en 2015 el Gran Premio del Jurado para «El Club», de Pablo Larraín, y el de mejor guión para «El botón de nácar», de Patricio Guzmán-.
Ahora regresó con «Una mujer fantástica», un filme en el que Lelio rinde de nuevo tributo a un personaje que no se rinde.
La polaca Agnieszka Holland volvía asimismo al festival con «Pokot» -»Spoor»-, dos décadas y media después de haber competido con «Gorackza», ahora como cineasta consolidada tras sus nominaciones al Oscar por «In darkness», «Europa, Europa» y Angry Harvest».
Su filme presenta a una mujer no domesticable, una jubilada y activista medioambiental, que vive entre bosques polacos y pretende llevar con precisión de una Miss Marple las investigaciones por los «asesinatos» de jabalíes, ciervos y todo ser animado no humano.
Holland recorre esos bosques con la cámara, husmeando entre malezas como haría uno de sus animales amigos o con espléndidas vistas panorámicas tomadas desde un dron.
Los enemigos de su justiciera jubilada son cazadores, legítimos o furtivos, los policías corruptos que les amparan y matones locales que convierten sus cotos de caza en prostíbulos.
Es una película basada en una novela de Olga Tokarczuk, que acompañó a la cineasta a la Berlinale para respaldar su tesis del «holocausto ecológico».
Lo que funciona en un libro no siempre se acomoda al formato cinematográfico y a Holland se le acaba echando encima un reparto de papeles bastante maniqueo entre la Miss Marple vegetariana y sus aliados, frente a la legión de crueles cazadores.
Fuera de competición se exhibió «Viceroy’s House», dirigido por Gunrinder Chadha, quien como hizo en «Bend it like Beckham» traza una historia entre rivalidades históricas, étnicas y sociales, esta vez trasladada al momento en que de la marcha pacífica de Gandhi se pasa a la división entre India y Pakistán.
Un compendió histórico sobre la independencia india, con algún toque de Bollywood, con un virrey británico bienintencionado y brechas insalvables entre musulmanes, hindúes y sijs

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Varias actividades prepara el Centro Cultural Academias Previale

El Centro Cultural Academias Previale (CCAP) comenzó un año con intensas actividades y prepara otras de importancia para los meses venideros. Es así que en la ex Radio Cultural (Lavalleja 48), donde funciona el Centro, este pasado miércoles, jueves y viernes se realizó un Open Showroom, en una mini feria de creadores, con cierre musical realizado en la noche del viernes. Previale
Sus responsables, la Mtra. Gisella Pinato y el Prof. Silvio Previale dialogaron con EL PUEBLO (compartiremos más expresiones suyas en próximas ediciones) y adelantaron que “para el año ya hay propuestas de danzas en todas sus especialidades con grupos dirigidos por Iara Gomez y Silvia Montaña, con propuestas para todas las edades”. Asimismo, dijeron que “Uni 3 Salto nos ha propuesto contar con el espacio del CCAP para sus ensayos y presentaciones del coro, y otras actividades durante el 2017”.
Clases de Jardinera
Entre las novedades para el presente año, dijeron los docentes responsables que “comenzará este año un curso Preescolar (Educación Inicial) para niños de entre 1 y 5 años; es un curso de jardinera con orientación a las artes (danza, música, plástica), en dos turnos (matutino y vespertino) para el cual ya se reciben inscripciones. Todos los cursos y talleres tienen cupos limitados, por lo que se ruega la inscripción temprana. No se cobra matrícula de inscripción”. Además de la tendencia a la formación artística, Gisella Pinato enfatizó en que se apostará a la educación en el cuidado del medio ambiente, algo de lo que mucho se habla pero que es necesario que los niños lo tengan presente desde la etapa preesolar.
Espinosa, Carnelli, Jazz…
En otro orden, Previale adelantó que “en el mes de abril contaremos con la presencia del destacado músico salteño, radicado en Francia, Omar Espinosa, para realizar espectáculos musicales. Será seguramente junto a un par de músicos invitados, de Salto, que Omar nos ha propuesto y que ya estamos contactando”, comentó, y agregó que “tendremos además la visita del italiano Luciano Carnelli, a quien una vez ya trajimos a Casa Quiroga, un acordeonista que toca la (acordeón) verdulera, lo que no es común allá en Italia, claro que la de él es una verdulera eléctrica…”. Informó también que se está preparando, para mayo, “un mes de jazz”, lo que será difundido en próximos días.

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Se anuncia curso sobre Patrimonio Cultural Inmaterial

La Facultad de Ciencias Económicas y el Área de Gestión Cultural del Ministerio de Educación y Cultura vienen difundiendo la realización de un “Curso de postgrado en Gestión del Patrimonio Cultural Inmaterial”. El comunicado expresa: “El Patrimonio Cultural Inmaterial. ¿Cuáles son sus componentes? ¿Qué es la salvaguardia del PCI? ¿Cómo se gestiona? ¿Bajo qué enfoques? Sumate a nuestra propuesta de formación junto a destacados especialistas y empezá a desarrollar tu propio proyecto de gestión del patrimonio cultural inmaterial. Avalan UNESCO y Crespial”. Allí se lee además la siguiente información: “Cuerpo docente: Marian Moya (Argentina), Frédéric Vacheron (Uruguay), Adriana Molano (Colombia), Mónica Lacarrieu (Argentina), Jordi Treserras (España), Lucía Durán (Ecuador) y Silvina Freiberg (Argentina). Plan de estudios: – Introducción a la Gestión del PCI. – Introducción a la Convención para la Salvaguardia del PCI. – Políticas Culturales y Patrimoniales. – PCI y Participación Comunitaria. – Seminario de Turismo Cultural. – Perspectivas urbanas y gestión del PCI. – Diseño y gestión de proyectos culturales y PCI”.
Más información en: gestionculturalvirtual@eco.uncor.edu

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Unesco realiza concurso de cortometrajes para acercar mujeres a las ciencias

Montevideo, 10 feb (EFE).- La Unesco en Uruguay lleva adelante una convocatoria dirigida a la región latinoamericana para presentar cortometrajes que reflejen el vínculo entre las mujeres y las ciencias y así incentivar la participación femenina en esta área, explicó hoy a Efe la coordinadora del organismo Zelmira May.

«La idea del trabajo es la popularización de la ciencia, acercarla al público, que es uno de los fuertes de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) y, por ende, también de nuestra oficina regional para América Latina y el Caribe», aseguró May.
En este sentido, May, que es coordinadora regional del departamento de Gestión de Riesgos, explicó que el foco principal está puesto en el tema de género, especialmente en la participación femenina en las ciencias.
La Unesco en Uruguay indicó en un comunicado que uno de los objetivos del concurso es «modificar el estereotipo existente y la participación de las mujeres (…)», así como «acotar la brecha de género» que caracteriza al sector.

Aunque May sostuvo que la región latinoamericana en particular no es de las zonas donde las mujeres están menor representadas, «sí es una realidad que el género femenino está en minoría representado» en el área científica.
«Entonces, también se busca llamar la atención de las propias mujeres para involucrarse en los temas científicos y estudiar ciencias», apuntó.
Los cortometrajes se pueden presentar hasta el 15 de marzo y deben incluir animación, para lo que se pueden utilizar distintas técnicas, como ser dibujos animados, stop motion, rotoscopía, animación por computadora, entre otras.
Posteriormente, un jurado integrado por expertos del área de ciencias, diseño y comunicación de Unesco evaluarán las piezas audiovisuales, que no deben exceder los cinco minutos.
El cortometraje ganador recibirá un premio de 3.000 dólares, aunque todos los filmes que cumplan con las pautas serán publicados por la Unesco.
Actualmente, la Oficina Regional de la Unesco en Uruguay lleva adelante el proyecto STEM and Gender Advancement (Saga), que tiene como objetivo relevar datos sobre la participación de las mujeres en el área de las ciencias, el ámbito educativo y laboral.
Según señaló May, al proyecto Saga le resta un año más de trabajo, cuando será publicado en su totalidad.

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Guido Silva y sus “Poesías a Lucy”

(2da. Parte)

Aquello que “de poeta y de loco todos tenemos un poco”, decíamos en la edición del pasado domingo que le quedaba muy bien a Ramón Guido Silva, aquel hombre que recitando sus poemas a viva voz recorría las calles de Salto (aunque era concordiense) principalmente en los años 50 y 60 y tal vez un poco más, al punto de convertirse en un verdadero personaje popular. Y comentábamos en la ocasión que fue todo un hallazgo haber dado con un librillo, de muy humilde confección, titulado “Poesías a Lucy”, editado en 1966. Los doce poemas allí reunidos son una suerte de respuesta a un par de cartas enviadas por Lucy al poeta, de Montevideo a Salto. Es eso lo que se explica en el propio libro, donde además están reproducidas las cartas. En la edición de hoy, además de algunos poemas, transcribimos esas dos cartas que los inspiraron y reiteramos lo ya dicho hace unos días: ¿Existió esa mujer llamada Lucy? ¿Y le escribió esas dos epístolas a Silva? ¿O es todo parte de su imaginación e invención poética? Al menos para nosotros, quedara la duda.
Carta 1: “Después de dormir un poco leí su poema bellísimo y amargo. Quedé sin palabras. ¿Era real entonces lo que yo imaginaba tantas veces? Había alguien en la tierra digno de ser amado. ¡Qué tarde, qué terriblemente tarde aparece usted tras de su ángel que jamás me pasó inadvertido, Ramón Silva! ¡Qué mal lo recibí la primera vez! ¡Fue como descargar sobre una rosa toda la miseria humana que me abarcaba entonces! ¡Cómo me perdonó! ¡Qué nobleza de corazón! Se lo prometo. No lo podré olvidar nunca. No devorará el tiempo lo que no devora nadie. Tal vez lo precisara para seguir. Pero es cruel. Se me moriría, me lo quitarían, jamás pude poseer nada, voy en busca de paz y mire lo que encuentro, una torre de sol de donde he de caer fatalmente. ¿Dónde está usted ahora? Dónde su ángel que desgarró mi piel más pura, donde su mirada de angustial presagio, o de pronto sus ojos prometiendo tanto, risueños y apacibles, infinitamente hechos para el amor. Me duele el corazón más serio. Me duele su rostro de ayer y su voz de niño que promete no volver a decir esto ni lo otro. Más que ayer, más que nunca estoy, está usted dentro de mi vida, de esta pobre vida mía, usada para hacer mal justamente donde más quisiera hacer bien. Ya me pasó antes. Aquella vez fui más inocente que nunca. Esta no sé. Porque lo veía bien, y aquilataba todo su valor. Después, sentir que me estaba esperando hasta tan tarde, ver como trataba de salvarme, me hizo quererlo más aún. Quién iba a decirme que iba a leer esa carta quien leyó tantas en el tren la otra mañana!! Qué diferente es esta, no escapa a mi comprensión la sangre que hay en sus palabras, qué verdad es lo que está sucediendo. Jamás a mí me importó que me despreciaran. Más, me reí siempre de aquellos que tomaron mis defectos bondadosamente. Pero aquí no. Nos pasa lo mismo. El domingo, de noche, Silva, amigo querido, celebremos este dolor con un poco de estar juntos. Yo también me condené. Seguiré mi camino, llevando, a rastras mi pobre suerte, diciéndome: tendría razones para ser feliz. La escondida joya, empezó a brillar y me ha cegado. ¡Hombre! Ten piedad de Dios. ¡Dios! Ampara la piedad del hombre. Guía los pasos angélicos de este niño mío, guía su corazón, no lo apartes de mi recuerdo nunca, ha de limpiarme siempre saber que ha existido en la zona más clara de mi ser su efecto indestructible, su mano generosa. Deja de ser hombre, se va haciendo etéreo, desde el cielo de su color es la primera nube. Gracias otra vez por el poema de su vida. Gracias por haber posado sus ojos en mi pobre soledad. Gracias por haber dado vida a esta muerte que estamos viviendo. Gracias por tanto mal y por tanto bien. No lo dejo aún. Espero muchas veces sentir la voz de su corazón. ¡HASTA NUNCA! ¡ESTO ES EL SUEÑO!”
Carta 2: “Silva amigo: no me quiso dar su mano, y no sabe qué mal hizo. Creo que sé por qué. Creo que no me equivoqué nunca frente a ciertas cosas. Si usted mereciere explicación, si no se cerrase así, me la hubiera dado. Pero ya es tarde. Le faltó fe. No quiso siquiera ser mi amigo. Solo le preocupaba ayudarme. Y lo hizo; y hoy que realmente no lo veré más solo me queda decirle: gracias, Silva, perdón por no haberle inspirado la fe necesaria para que se sintiera feliz. Cómo se equivoca usted cuando desconfía. ¿No comprende que precisamente usted es quien en este preciso momento no debe acercarse a mí? No hay peligro por otro lado. No soy tan oscura como se permite creer. Soy o no soy. Pero ya es tarde. Me resultó casi fácil borrar con un gesto tanta idea de cosa perdurable. Le faltó vivencia, y a mí, tolerancia. Otra vez, Silva, le doy mis sentidas gracias y le prometo devolver en cuanto pueda tanto favor. El tiempo nos reencontrará, aunque creo que cada vez crecerá más y no un muro de palabras, sino un muro de silencios. El ruiseñor volverá a su noche, y las caricias pérfidas, serán olvidadas por otras, más pérfidas aún. Es hora de ser claro. De decir las sombras que nos ocupan, de enseñar nuestra copa de vino y la borra amontonarse en lo más recóndito del alma. De decir por una vez que todo es una trampa formidable y maldita, que uno es el títere feliz con el que juegan las cosas. Me queda de usted el mejor de los recuerdos, fue el hermano blanco que guió mis horas de infortunio, el príncipe purísimo que presidió mi desolación en estos días, el enamorado triste y doloroso, el romántico lago donde enterré mis sueños… Sus cartas me robaron el corazón. Me queda el eco decantado de sus cánticos puros. Nada más. Las he destruido esta mañana. Creí ver gotear sangre de todas ellas. La palabra amor se dividía dolorosamente. Y la palabra lástima aparecía en cada trozo destrozado. Y la palabra cielo, y la palabra noche, me seguirían torturando durante mucho tiempo. Y el recuerdo de su voz inolvidable, y de sus manos de terciopelo herido, incrustándose en el fondo más íntimo, será solo lo que quede de todo esto, tan irreal, tan impoluto, y tan, a pesar de todo, enormemente bello. Felices fiestas. Y adiós. Hasta el sueño…definitivo. – Fines de 1951 –Montevideo”.

ENCUENTRO
“Dicen que no nos queremos…”, cantabas!
Azules ojos, tornábanse los tuyos.
Te entreveía, en medio de mi alma anhelada,
y de mi tempestad, te halagaban, sus mágicos arrullos!

Sollozo iridisado tus cartas: gemas puras!
Cincel la angustia cierta, del sorpresivo encuentro.
De pronto entre nosotros, había miradas duras,
y huía furioso y raudo, el firmamento.

Una noche, besé tu cuello níveo.
“Qué delicado eres”, me dijiste.
Yo caminaba al borde de un suspiro,
y en el tráfago de la ciudad desapareciste!

TE TUVE
Flor! Suspenso. “Trabajo”.
-Peso leve-
“Fardo”.
Qué dulcemente duele!
Te tuve.
Fuiste carne sonrosada.
Un alba fugaz, anduve
a tu sombra perfumada…!
Te tuve.
Caíste en mis sueños!
…Por octubre, noviembre…¡diciembre!
…allá en Montevideo.

Y TE TOCA
La inmortalidad a mi lado. Te toca.
Te toca! Busto y línea! Mi ser!
Huella misteriosa
de un excelso placer!
¿Me amabas? No lo sé.
-Yo busco en todo la verdad oculta-
“Llegué!”
Vivo la Verdad y me gustaaaa!
Te tocó! Eres feliz.
Yo soy así! GUIDO.
En mi reino, el servir,
Es mi linaje. Y recibo…

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Investigación de Mario Trindade recuerda algunos detalles del hecho

En base a una investigación de Mario Trindade y al cumplirse hoy 171 años de la batalla de San Antonio. Nos permitimos hoy recordar algunos aspectos de esta gesta histórica de la que poco saben las actuales generaciones y ha sido una gesta que se registró en suelo salteño, teniendo como uno de sus protagonistas a quien posteriormente fuera llamado “el héroe de dos mundos”, José Garibaldi.
Introducción
El presente informe tiene como objetivo aportar al conocimiento de detalles posteriores al combate de San Antonio e intentar esclarecer lo que durante mucho tiempo fue motivo de leyendas sobre el destino final de los restos de los legionarios fallecidos el 8 de febrero de 1846. La redacción de datos referidos a la investigación histórica directamente vinculados a analizar los hechos y el contexto político escapa a los objetivos, si bien se ha consultado todas las bibliografías disponibles a los efectos de enmarcarlo en la cronología adecuada, el mismo no tiene otra pretensión que de exponer la realidad histórico social y los acontecimientos; con estudio de las evidencias materiales que llegaron hasta nuestros días. Cuanto más tiempo pasa de los hechos, más se acentúan entonces el sentido de leyenda de los

Giuseppe Garibaldi, el  héroe de dos mundos

Giuseppe Garibaldi, el
héroe de dos mundos

detalles a la época del personaje, tal vez por el desconocimiento de las fuentes históricas, fenómeno que podrá ser abordado convenientemente por otros campos de la investigación. Lo concreto es que en este escenario la leyenda y el mito que ocuparon el lugar de la evidencia documental y material se revierten indefectiblemente cuando la certeza de las pruebas y los nuevos aportes separan el folklore de la realidad histórica. La investigación de campo merece su lugar; el método aséptico requiere certezas de escenario para el estudio imparcial y sistemático. Los documentos otorgan el marco; la lectura crítica de estos las pistas para el desarrollo de las investigaciones. Las que están en curso y las que vendrán. Para ello resulta imprescindible la protección de los restos materiales que ilustran inequívocamente los distintos periodos históricos. El combate producido sobre las costas del arroyo San Antonio, conocida después como “Batalla de San Antonio” se produce el 8 de febrero de 1846 cuyos detalles ya han sido publicados por diversos autores en América y Europa. Como afirmábamos previamente, los pormenores del hecho, el escenario sociopolítico no es tema de análisis en el presente trabajo, aunque es obvio, que resulten insoslayables. Si bien se debió recurrir a la bibliografía disponible, más abundante de lo que se presumía para contextualizar el objetivo de esta investigación, la misma está centrada en pesquisas de campo específicamente en el lugar donde ocurrieron los hechos de referencia, la consulta de diferentes archivos y entrevistas personales. La investigación se inicia en el año 1990 luego de recoger diversos testimonios sobre los restos de los legionarios abatidos durante el enfrentamiento. La documentación relativamente abundante sobre el hecho de armas no menciona el lugar donde habrían sido sepultados los legionarios dos días después del combate cuando se inspecciona el lugar.
(Comunicado de José Garibaldi al ministro de guerra y marina D. francisco Joaquín Muñoz)
Exmo. Señor.
Salto, febrero 12 de 1846.
Aunque escribí a V.E. con fecha 10 del corriente. Reitero para anunciarle lo que no me había sido posible: el coronel Santander, mandado por el general en jefe sobre el campo de la batalla de San Antonio para enterarse y dar razón del estrago del combate, relato a ese señor en mi presencia lo que sigue: “he encontrado a distancia del campo de batalla dos receptáculos de cadáveres del enemigo (soldados de Servando Gómez ) en dos zanjas diferentes; en el primero contamos sesenta y tantos y en el segundo ochenta y seis, sin contar la rastrillada grande de cadáveres o heridos que el enemigo llevaba para afuera, y en los cuales se hallarían ciertamente los oficiales muertos”.
“… se han traído a este pueblo mucho armamento y municiones del enemigo, la caja de guerra de su infantería queda en nuestro poder hecha pedazos. Del enemigo no se sabe noticias…”. Agregando al final del comunicado “…el pueblo del Salto y particularmente las Sras. han manifestado mayor interés por nuestros heridos, han pedido que sean repartidos en las casas donde están cuidados perfectamente”. En comunicación fechada en Salto el día 10 de febrero a Francisco Joaquín Muñoz, luego de relatar pormenores de la batalla, Garibaldi describe lo que sigue:
“…la legión tuvo 30 muertos y 53 heridos; el enemigo ha tenido sin duda más pérdida, particularmente en su infantería que fue totalmente derrotada…”.
Como desprende de ambos comunicados de Garibaldi, no se menciona en ningún momento el destino de los cuerpos de los legionarios. Recién en el siglo XX con la construcción del monumento se retoma el interés por el tema a través de los medios de prensa.
Dos años después de los acontecimientos bélicos que los tuvieran como protagonistas Anzani y Garibaldi se embarcan para Europa en 1848. Del diario de Anzani surge la nómina de fallecidos y algunos datos sobre los mismos.
1. Sargento José Calvi 46 años, soltero.
2. Legionario José Gnecco, 23 años, soltero.
3. Legionario Agustín Dazzo, 24 años, soltero.
4. Legionario Juan Bautista Biaggio, 21 años, soltero.
5. Legionario Luis Tortarolo, 21 años, soltero.
6. Legionario Lorenzo Traversa, 25 años, soltero ,(de Liguria)
7. Legionario Francisco Revello, 29 años, soltero,( de Liguria)
8. Legionario Bernardo Demarini, 33años, soltero.
9. Cabo Juan Sufro, 38 años, soltero (Piamontés) de él dice Garibaldi en sus memorias:

Acuarela Villa Salto del siglo XIX

Acuarela Villa Salto del siglo XIX

“en el principio del combate fue herido de tres balazos que le quebraron la piernas y le desfiguraron la cara. Lo ayudé a montar el caballo en la retirada pero no llegó a Salto, su cadáver fue encontrado en aguas del Uruguay (Pág. 177)
10. Corneta José Poggi, alias scanavino2, 17 años , soltero.
José Guerzoni en su “Garibaldi” se remitió a los “Recordi” de Cayetano Sachi, con respecto a este joven en el día del combate de San Antonio: era pequeño, de pelo rojo, alentó durante el combate continuamente con su corneta. Fue herido por un jinete enemigo de varios lanzazos. Tira su clarín, desenvaina el facón y Poggi prendido de la pierna de jinete le iba (sic) golpeando con furiosas cuchilladas y mordeduras hasta que cayó rodando por el suelo con la cabeza partida de un hachazo en instantáneamente también caía el hombre de Gómez de un balazo mortal.
11. Legionario Vicente Pittaluga, 39 años, soltero.
12. Legionario Juan Sasso, 33 años soltero.
13. Legionario Luis Rossi, 29 años, soltero.
14. Alejandro Gabán 39 años, casado,(veneciano) La cita José Bollo que atesorara las memorias del Dr. De la Legión Bartolomé Odiccini: “fue herido mortalmente en el estómago de un balazo, se encontró perdido y a sabiendas de su próximo final no quiso auxilio a lomo de caballo para que este fuera usado por otro con posibilidad de salvación, diciendo que era mejor subiera un camarada vivo que un cadáver…”
Pidió por favor que le ultimaran pronto que era preferible a que lo ultimaran con torturas sus enemigos. Ninguno de los compañeros quiso hacerlo. 2 días después se hallo su cuerpo mutilado y degollado.
15. Legionario Policarpo Seghino, 23 años, soltero.
16. Legionario Antonio Berruti, 35 años, soltero. (Originario de Liguria, llegó herido a Salto falleciendo posteriormente)
17. Legionario Juan Bautista Bacilo, 23años, soltero.
18. Legionario José Grillo, 37 años, soltero.
19 Legionario Agustín Otonello, 20 años, soltero
20. Legionario Juan bautista Rebagliatti, 38años, soltero.
21. Sargento Juan Bautista Rodino, 39 años, soltero.
22. Legionario Antonio Piovano, 44 años, soltero.
23. Legionario Luis Venzano, 22 años, soltero.
24. Legionario Esteban Assalino, 23 años, soltero.
25. Legionario Carlos Germano, 28 años, soltero.
26. Teniente Bernaldino Suárez, 30 años, soltero.
En cuanto a los heridos Garibaldi en su parte de batalla elevado al ministro el 10 de febrero de 1846 agrega 53 heridos, dice textualmente “30 muertos y 53 heridos” es confirmado por Báez a su superior Anacleto Medina que rectifica el número de muertos expresado por Garibaldi. Según J. Vollo no solo legionarios cayeron en la acción sino 37 jóvenes de la caballería de escolta de Báez en cargas de lanza.

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“La máquina de ser feliz”, nuevo sencillo del músico argentino Charly García

Buenos Aires, 6 feb (EFE).- El músico argentino Charly García vuelve al panorama musical con un nuevo sencillo, «La máquina de ser feliz», que hizo público hoy, informó Sony Music.
Se trata del primer corte promocional de su nuevo álbum de estudio, «Random», que estará disponible a partir del próximo 24 de febrero y que será el decimotercero de su carrera en solitario.Argentina's rock singer and composer Garcia performs during an open-air concert in Lujan
En este tema, el cantante participó en la grabación de la mayoría de los instrumentos, así como con la voz principal.
Este será el primer disco en siete años del músico, ya que publicó su último trabajo a finales de 2010, bajo el título de «Kill Gil».
García, de 65 años, sufrió dos hospitalizaciones a finales del pasado año y reapareció en enero en un vídeo casero en el que canta junto a su compatriota Ramón Bautista «Palito» Ortega.
La última lo mantuvo ingresado tres días, hasta el 31 de diciembre, para realizarse un examen médico exhaustivo tras sufrir un cuadro de fiebre alta y deshidratación.
Nacido en Buenos Aires el 23 de octubre de 1951, el rockero tiene una amplia carrera musical, que incluye la grabación de 41 discos, y en su haber destacan premios como el Grammy a la Excelencia Musical.
A principios de 2016 había tenido que ser operado en la cadera, lesión que se unió a otras graves dolencias que ya había padecido en el pasado, como el preinfarto diagnosticado en noviembre de 2013, antes de ofrecer un concierto en Bogotá.
En 2012, el cantante se desmayó durante un recital en la provincia argentina de Córdoba, y en 2011 tuvo que suspender una actuación en Bolivia por un cólico provocado por piedras en la vesícula.

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Artistas visuales argentinos se unen para impulsar un proyecto colectivo

Buenos Aires, 5 feb (Efe).- Varios artistas visuales de renombre internacional se han unido para poner en macha un proyecto en La Pampa argentina que desembocará en la creación de un libro colectivo con la intervención de todos los participantes en el proyecto.
Denominado «Trabajo de Campo», el proyecto artístico parte de la base de que la colaboración colectiva es la mejor forma de transmitir la experiencia y las habilidades prácticas para incentivar la producción creativa, según los responsables de la iniciativa, los fotógrafos Marcelo Brodsky, Alejandro Chaskielberg, Nicolás Janowski.
El taller se desarrollará del 22 al 29 de abril en la localidad argentina de San Antonio de Areco, en la Pampa húmeda, y en el mismo se hará investigación de archivo y se producirá y editará un libro entre todos los participantes, que compartirán un proceso en el que se repiensa el pasado, se interviene, se fotografía y se escribe.
Marcelo Brodsky es un artista y activista vinculado a los derechos humanos. Su ensayo Buena Memoria, sobre los recuerdos colectivos de los años de la dictadura argentina, se ha exhibido más de 250 oportunidades en todo el mundo de manera individual y grupal.
En 2008 Brodsky recibió el Premio por los Derechos Humanos otorgado por Bnai Brith Argentina y en 2014 le fue entregado el Jean Mayer Award de Tufts University Global Leadership Institute, a la vez que fundó Acción Visual, organización dedicada a incorporar la cultura visual en campañas de derechos humanos y el trabajo en la educación visual.
Alejandro Chaskielbrg es fotógrafo, videoartista y docente. Director de fotografía graduado en el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina, recibió, entre otros premios, la beca BURN Emerging Photographer Grant, otorgada por la Fundación Magnum, y el premio World Photographer of the Year 2011.
Además, Chaskielbrg es profesor visitante del Tokyo Institute of Photography y del International Summer School of Photography ISSP, en Letonia. Su ultimo libro fue premiado por la Editorial RM (España-México) con el Premio RM Fotolibro Iberoamericano.
Nicolás Janowski es comunicador visual y licenciado en Antropología por la Universidad Autónoma de Barcelona (España). Entre otros galardones y distinciones recibió en 2014 el Premio Repsol y el Syngenta en 2012.
Janowski es consultor y asesor para varias de las principales instituciones de fotografía contemporánea de Latinoamérica y actualmente se desempeña como director artístico de Photographic Museum of Humanity, plataforma dedicada a la fotografía contemporánea lanzada en 2012 a la que actualmente pertenecen 5.000 fotógrafos que cuentan con más de 300.000 visitantes al año.
La Pampa húmeda, subregión de 600.000 kilómetros cuadrados de praderas que se encuentra en Uruguay, el estado brasileño de Río Grande del Sur y parte de Argentina, recibe, junto con la Pampa seca, el apelativo de Granero del Mundo porque sus «excedentes» sirvieron, desde el siglo XIX y hasta los años 90, para alimentar a gran parte de la población humana mundial.

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César Pérez Gellida, de la novela negra castellana a la masonería argentina

Nerea González. Buenos Aires, 5 feb (EFE).- Tras haberse convertido en todo un nombre propio de la novela negra en España, César Pérez Gellida dio el salto Atlántico y se mudó a Buenos Aires y con él se vino su personaje por excelencia, el policía Ramiro Sancho, que en breve se verá envuelto en una trama que explora la masonería en Argentina.
«A grandes males» (Suma de Letras), el libro que cierra la trilogía «Refranes, canciones y rastros de sangre», está terminado hace tiempo y llegará a las librerías españolas en marzo, mientras que en Argentina, donde transcurre buena parte de la trama, habrá que esperar hasta 2018.CÉSAR PÉREZ GELLIDA, DE LA NOVELA NEGRA CASTELLANA A LA MASONERÍA ARGENTINA
Dos años atrás, cuando a su mujer le hicieron una oferta laboral «de esas que no se pueden rechazar», Gellida (Valladolid, 1974) no sabía nada sobre el Palacio Barolo, contó a Efe el escritor desde una de las salas de la novena planta de este emblemático edificio, uno de los más famosos y enigmáticos de Buenos Aires, ahora también parte del universo literario gellidista.
«Cuando empiezo a plantearme seguir escribiendo dentro del género negro, el reto que me planteo es salir de la estética del homicidio y del asesinato como eje principal que justifica la propia novela negra», explicó.
«Al arrancar ‘Sarna con gusto’ (primera novela de la trilogía ‘Refranes’), lo primero que digo es: ‘no voy a tocar nada que tenga que ver con el homicidio y el asesinato como eje principal del argumento’. Por lo tanto, en ‘Sarna con Gusto’ la trama vertical es la historia de un secuestro, en ‘Cuchillo de palo’ es el asunto de la trata y en ‘A grandes males’, que es la tercera, tiene que ver con la masonería, sobre todo con el universo de Dante», continuó.
Casi «milagrosamente» para un autor para el que los escenarios reales son un asiento fundamental de la escritura, la «fortuna» trae a este vallisoletano a la ciudad donde se levanta el Palacio Barolo, un edificio de principios del siglo XX diseñado por el arquitecto italiano Mario Palanti a las órdenes de un empresario que quería trasladar allí los restos de Dante.
La estructura del edificio sigue las partes de la «Divina Comedia» y, desde los pomos de las puertas hasta las agujas del ascensor, todo esconde significados ocultos, señaló Gellida, relacionados con la masonería.
«Gracias a la masonería el ser humano ha conseguido evolucionar a pesar de otros poderes fácticos, como puede ser la Iglesia católica, que es o ha sido muy reaccionaria, o los totalitarismos, las monarquías y los distintos estados que no querían para nada soltar las riendas del poder», apuntó Gellida.
Este es el hilo que hará saltar a Ramiro Sancho de las calles de Valladolid a las de Argentina, en lucha contra la organización criminal de la Congregación de los Hombres Puros.
Sí que se mantienen, sin embargo, otras de las constantes que han construido el estilo de este escritor: el estilo «cinematográfico» que sumerge al lector en la escena, un proceso previo de documentación exhaustivo, el relato en 360 grados para tocar la perspectiva de víctimas, victimarios e investigadores y, por supuesto, las canciones.
Al igual que ya ocurrió con la primera trilogía, donde el Sancho se enfrentó al sociópata narcisista homicida y melómano Augusto Ledesma, «Refranes, canciones y rastros de sangre» tendrá banda sonora y contará con, al menos, una canción inédita compuesta por Iván Ferreiro y Julián Saldarriaga (guitarrista del grupo Love of Lesbian) con letra de Gellida: «Gris acero sobre Buenos Aires».
«En ‘A grandes males’ hay 20 temas que están escritos por mí. En las anteriores novelas tiene mucha importancia la poesía pero las canciones son canciones que existen. Me he atrevido y he considerado alternar porque tiene sentido con la trama porque hay un personaje, no quiero adelantar nada, que escribe estas canciones», compartió.
No hay planes, por el momento, de regreso a Valladolid. Tampoco idea concreta sobre si volverá a la cosmovisión que ha encerrado, hasta ahora, todos sus libros, más allá de la novela en la que está trabajando ahora mismo.
Esa obra es a la vez precuela y secuela del libro que escribió antes de la trilogía «Refranes», «Khimera».
«Hasta hace muy poco, lo que iba diciendo en todas las entrevistas es que con esta novela se cerraba esta ‘octología’. Porque todo esto pertenece a un mismo universo y hay personajes que van y vienen, aunque ‘Khimera’ se desarrolle en un futuro cercano», indicó.
«Pero estoy barajando ahora otra posibilidad que puede que se transforme en una «decalogía» si existe el término. No lo sé, lo estoy valorando y el escenario tampoco lo tengo claro pero bueno, puede haber algo más», adelantó.

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Argentino Óscar Martínez, orgulloso tras el Goya de «El ciudadano ilustre»

Buenos Aires, 5 feb (EFE).- El actor argentino Óscar Martínez se mostró orgulloso y «muy contento» de que la película «El ciudadano ilustre», que él protagoniza, recibiera anoche el premio Goya a mejor película iberoamericana al imponerse a «Desde allá» (Venezuela), «Las elegidas» (México) y «Anna» (Colombia).
«Nos enorgullece haber podido participar, haber puesto tanto en esa película. Uno siempre anhela el éxito en el sentido de que guste, llegue, conmueva, movilice, que entretenga.
Y en este caso se cumplió», señaló Martínez en declaraciones al canal Todo Noticias.
El intérprete, quien no asistió a la gala de entrega en España, confesó que estaba «casi seguro» de que el Goya tenía que ser para «El ciudadano ilustre» porque sus directores, los argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn, ya estuvieron a punto de llevarse el galardón en 2011 con «El hombre de al lado».
«Yo les dije: esta vez vayan, porque van a ganar», reveló.
Es el tercer Goya consecutivo para la cinematografía argentina tras los logrados por «Relatos salvajes», de Damián Szifrón, y «El clan» de Pablo Trapero.
Este sábado, Duprat y Cohn dedicaron el premio al coguionista, Andres Duprat, y al mismo Martínez, a quien destacaron como una parte «esencial» del proyecto por su brillante interpretación de Daniel Mantovani, un Premio Nobel de Literatura que regresa a su pueblo natal tras más de 30 años de ausencia y debe hacer frente a un extraño recibimiento.
El actor se mostró «muy contento» de que la cinta que protagoniza haya sumado tantos reconocimientos «en distintos lugares del mundo».

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Guido Silva y sus «Poesías a Lucy»

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Con una verdadera curiosidad nos encontramos estos días revolviendo libros y papeles: un librillo de muy humilde confección (12 páginas en un pequeño formato de 15 x 12 cm.), titulado «Poesías a Lucy» y que en su tapa luce como nombre del autor simplemente «Guido». Al adentrarnos en él supimos que se trata de una publicación de Ramón Guido Silva, este salteño del que en otras oportunidades ya nos hemos ocupado, al que muchos recuerdan ver en las calles de nuestra ciudad recitando sus creaciones a viva voz o pintando cuadros. Un hombre al que le queda a la medida aquello que dice que «de poeta y de loco todos tenemos un poco».

«Historia del Libro»
Se abre el libro con la inscripción «La flor de loto aureola la superficie del estanco» junto a una foto del autor con la inscripción «Guido (foto de la época)». La época es 1966, año de publicación de este libro. Sigue a esto un párrafo que bajo el título «Historia del Libro» y fechado «Febrero 15 de 1966», expresa: «Finísima poetisa encontrada en Montevideo. Hube de ser su hermano en trance difícil./ Llevaba consigo una hija de un año de edad. Y una hermana de unos doce años./ Hice cuanto pude. ‘Me porté como quien soy’ (parodiando a García Lorca). Mas: no en el sentido de su célebre romance. Sino en el sentido del cumplimiento caballeresco, de socorrerla en su desamparo./ de nuestro encuentro, quedan para la Belleza, -plasmada en lágrimas irisadas- dos de sus magníficas cartas, y las poesías de este libro./ Estas, sus cartas, pertenecen al mundo! Son históricas. Pertenecen al drama inmenso de GUIDO./ pertenecen pues a la historia de la Cultura./ El tiempo gira sus banderas en el viento. Los colores de las banderas, son siempre hermosos!! Son los colores!/ Viva la Vida! Viva el SUEÑO! La verdad no puede ser acallada. Sea su fuerza avasalladora!!».
Las cartas de Lucy
En las siguientes páginas aparecen justamente esas «Dos Cartas de Lucy», fechadas «Fines de 1951 – Montevideo» (cuyo contenido compartiremos en próximas ediciones) y acerca de las que puede plantearse la interrogante: ¿existió realmente una mujer llamada Lucy que envió de Montevideo a Salto estas cartas al poeta Guido Silva o es todo parte de su imaginación poética?
Prólogo
A esto sigue un breve «Prólogo», fechado «Febrero 1 de 1966» que expresa: «Estas poesías del metro de ‘MI AMADA EN VERDE’, son el fruto necesario a un romance purísimo./ como todo, ¡pasó!/ Y pasó así, como las cartas lo dicen. /Sus cartas./ Las mías fueron destruidas por ella según lo dice./bien! Todo lo digo. Guido soy. Su belleza dolorosa. Su trance angustioso./ ¡Todo! La guerra contra mí de los enemigos de la patria, y de los pueblos dignos del mundo, la contaba en sus filas. Lo supe ha poco tiempo. Pero lo bello quedó!/ No muere nunca!! Ella lo dijo por mi belleza moral./ Yo lo digo por su belleza poética. Por la belleza de sus cartas, por lo bello de aquel partir’ supremo ante las naves imperiosas y ¡jamás! en calma, del Amor!!/ Dios sea loado».
Contratapa
Un total de doce poemas breves es lo que contienen las siguientes páginas, poemas con distintas fechas de composición (de noviembre de 1964 a febrero del 1966), que también compartiremos en próximas ediciones. En contratapa se leen estas palabras del autor: «NOTA- Quienes conocen mi obra poética –acostumbrados a su variedad en la medida y vasto aliento conjuntamente, en mis poemas sinfónicos- se preguntarán al primer instante temiendo por la calidad de mi obra al encontrarse con estas tres cuartetas que se proyectan al infinito en variadísima y nutrida temática. Se preguntarán de golpe por un ‘adocenamiento’ de mi obra en cuestión. Mas: lo contrario! El extracto, la ‘sustancia’, se guarda en pequeño frasco…Concentradas así, estas poesías, en este, su ‘estuche poético’, que como lo digo en el prólogo, amaneció con el tema MI AMADA EN VERDE, llevan la potencia atómica de su pensamiento. En un ‘rayo de luz’ cristalizado se da el mensaje inefableeeeeeeeee!!!!!!- Y encuéntrome muy a mi agrado en su creación. Y al principio, luego de concebir las primeras, por largo tiempo no abordé otro tipo de realización. Hasta que fuéme permitido alternar con el estilo romancesco. Ahora trabajo indistintamente, en uno y otro estilo. Quiero decir: alternadamente. El mensaje se plasma como lo veréis pues siempre: ágil, concreto, sutil: ¡PERMANENTE! Esto es: SABIO. Amaos los unos a los otros».
Concordiense
Aunque muchos lo creen salteño, Ramón Guido Silva había nacido en Concordia en 1918 y falleció en Villaguay (Entre Ríos) el 20 de setiembre de 2013, a los 95 años de edad.

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Argentina y Chile celebran juntos el bicentenario del cruce de los Andes

Buenos Aires, 2 feb (EFE).- Políticos argentinos y chilenos celebraron juntos en la frontera entre sus países (a la altura de la provincia argentina de San Juan) el Bicentenario del Cruce de Los Andes, uno de los grandes hitos del proceso de independencia liderado por el general José de San Martín.

Cruce de los Andes

Cruce de los Andes

Este acto conmemorativo tuvo lugar tras una expedición que emuló la travesía realizada por el general argentino José de San Martín hace 200 años para lograr la independencia de Chile de la Corona española, aclaró el Ministerio de Seguridad argentino en una nota de prensa.
La ministra de Seguridad argentina, Patricia Bullrich, junto con su ministro del Interior, Obras Públicas y Vivienda, Rogelio Frigerio; se sumaron en este día de travesía, que culminó en la localidad de Valle Hermoso, cercana a la frontera con Chile, y en la que se encontraron con autoridades del país transandino tales como el cónsul chileno, Raúl Andrés Sanhueza Carvajal.
Bullrich reconoció durante la ceremonia estar «muy emocionada» por «saber que por este mismo lugar pasó San Martín hace 200 años», recogía el texto.
«Tal como lo hicieron en su momento, debemos buscar de la misma manera afianzar los lazos entre los argentinos», indicó, y añadió la responsabilidad de su Gobierno para «administrar» el país «por el bienestar de todos los ciudadanos», así como de «tomar decisiones que beneficien a toda la sociedad».
El cruce de la cordillera de los Andes de 1817 es uno de los episodios históricos más destacados dentro de la campaña militar encabezada por el general José de San Martín para lograr la independencia de Chile.
Otra expedición llevada a cabo por 65 hombres y una mujer culminó hoy en el Paso del Planchón (provincia de Mendoza, al sur de San Juan), donde se produjo una ceremonia entre los ejércitos suramericanos tras tres días de expedición por la cordillera en la que los argentinos portaron 22 mulas, 25 caballos y 11 vehículos que representaban los que llevó el general con escuadrón.
Con motivo de la ceremonia, instalaron una placa en conmemoración a la fecha.
El pasado 24 de enero, el presidente argentino, Mauricio Macri, encabezó un acto de homenaje a este acontecimiento histórico al norte de la provincia de Mendoza, donde se reunió con autoridades argentinas, peruanas y chilenas.
El próximo 12 de febrero, Michelle Bachelet, presidenta de Chile, participará en los actos de celebración que se producirán en su país con motivo de este hecho histórico.

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Inicia Montevideo de las Artes, con 20 funciones de clásicos y contemporáneos

Montevideo, 3 feb (EFE).- La quinta edición del Festival Montevideo de las Artes ofrecerá desde hoy y hasta el próximo 19 de febrero 20 funciones de textos clásicos y contemporáneos en un amplio abanico de géneros que van desde el drama a la comedia.
El festival se desarrollará de manera simultánea en dos escenarios, en el Zavala Muniz del teatro Solís y en el del centro cultural Florencio Sánchez, que serán anfitriones cada uno de 10 funciones.
Hoy a las 21:00 hora local (00:00 GMT) se presentará en el teatro Florencio Sánchez la obra «Espectros, un drama familiar», de Henrik Ibsen, dirigida por Fernando Alonso, mientras que en el Solís se dará una función de «Flor nueva de antiguas risas», de Roberto Fontanarrosa, con la dirección de Jorge Bolani y Eduardo Cervieri.
Ambos teatros tendrán además una función mañana y otra el domingo, y la programación de la semana entrante comenzará el jueves.
El teatro Florencio Sánchez cerrará este festival el domingo 19 con la obra «Lo que los otros piensan», de autoría y dirección de Domingo Milesi, y el teatro Solís dará fin a Montevideo de las Artes el mismo día con «Muñeca rota, un policial sinfónico», de la autora Lucía Trentini, que también es la directora.
El ingreso a la sala Zabala Muniz del teatro Solís tiene un costo de 100 pesos uruguayos (unos 3,60 dólares), y la entrada para el Florencio Sánchez es gratuita, y además este último contará para todas sus funciones con un ómnibus que saldrá desde la sala Verdi para transportar al público que lo desee. El festival es organizado por el departamento de Cultura de la Intendencia de Montevideo, en conjunto con la Sociedad Uruguaya de Actores y la Federación Uruguaya de Teatros Independientes en el marco del Programa de Fortalecimiento de las Artes.

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Tina Ferreira con EL PUEBLO: «Venimos para hacer feliz a la gente»

Como es sabido, estuvo en Salto días pasados la actriz y vedette Tina Ferreira: el sábado 21 para conducir (junto a Petru Valensky) la elección de la reina del Carnaval celebrada en Parque Harriague y el sábado siguiente (junto al conjunto Señor Candombe) para desfilar en las Llamadas Locales al Puerto y luego realizar un espectáculo en un escenario montado en Plaza de los Recuerdos, lo que se viene realizando en el marco de una gira nacional. Justamente, unos minutos antes de subir a ese escenario, intercambió algunas palabras con EL PUEBLO:
Actividad intensa en Montevideo
Respecto a sus actividades en Montevideo expresó: «Estoy muy bien; estoy saliendo con la comparsa Nigeria, lo que
implica desfile inaugural, escenarios, teatro de verano, llamadas… y después estoy, como ven, con Señor Candombe Tinahaciendo la gira nacional de carnaval con esta propuesta y estoy trabajando con el diario El País en un ciclo que se llama ‘Carnaval con Tina, la visión’, que apunta a descubrir de la mano de los actores, tanto artistas como gestores culturales, qué carnaval nos espera de acá a cinco o diez años».
Las Llamadas de Salto
Consultada acerca del nivel que exhiben las comparsas participantes en las Llamadas al Puerto de nuestra ciudad, dijo la vedette: «Tuve el gusto de poder presentarlas en el concurso de las reinas en el Parque y pude ver que el nivel es bueno…Eso desde la perspectiva musical; ahora, desde la perspectiva de las estructura me encantó (el desfile), súper cuidado todo. Fue un desfile casi completamente iluminado en todas las cuadras y eso es muy importante para el artista, te permite no descansar aunque quieras. El ritmo de la comparsa puede ser mucho y a veces el cuerpo te pide un descanso, y el hecho que esté totalmente iluminado todo hace que ese descanso no exista y que actúes todo el contexto. Después, desde la perspectiva social, me fascinó; son las cuadras justas, con la cantidad de gente justa. En cuanto a la participación del público, yo soy de interactuar mucho con la gente, me divierto con ellos y ellos se divierten conmigo. Se genera una sinergia entre todos, aunque esté bailando con una persona sola sé que están todos participando, mirando, bailando… Así que me pareció genial y estoy muy agradecida al Intendente por la invitación, por haber tenido la posibilidad de hacer feliz a la gente, porque en definitiva eso es lo que venimos a hacer».
Otras veces en Salto
No es la primera vez que la artista pisa suelo salteño para presentar sus espectáculos o desempeñarse profesionalmente dentro del Carnaval. Recuerda que: «Estuve hace unos años atrás, no recuerdo bien la fecha pero creo que alguna vez estuve actuando de jurado y otra vez vine a actuar en estas mismas Llamadas al Puerto, pero sin dudas que ahora están mucho mejor, es mucho más lindo ahora».

FICHA Nombre de nacimiento: María Cristina Ferreira. Nacimiento: 14 de mayo de 1972 (44 años), Pando, Uruguay. Hijos: Mauro. Ocupación: Vedette, bailarina, actriz, presentadora. Premios artísticos: Premio Revelación del Concurso de Llamadas, Uruguay (1991). Premio Mejor Vedette del Concurso de Carnaval de Uruguay (1993, 1995, 1998, 2000, 2001 y 2007). Premio Morosoli (2001). Sitio web: www.tinaferreira.com.uy

FICHA
Nombre de nacimiento: María Cristina Ferreira.
Nacimiento: 14 de mayo de 1972 (44 años), Pando, Uruguay.
Hijos: Mauro.
Ocupación: Vedette, bailarina, actriz, presentadora.
Premios artísticos: Premio Revelación del Concurso de Llamadas, Uruguay (1991). Premio Mejor Vedette del Concurso de Carnaval de Uruguay (1993, 1995, 1998, 2000, 2001 y 2007). Premio Morosoli (2001).
Sitio web: www.tinaferreira.com.uy

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Brasileña Ligia Amadio asume como primera directora de la Filarmónica Montevideo

Montevideo, 31 ene (EFE).- La maestra brasileña Ligia Amadio, considerada como una de las más destacadas de la actualidad en Suramérica, fue presentada hoy en el Teatro Solís de Montevideo como la primera directora titular y

La presentación de la nueva directora artística de la OFM, Ligia Amadio, asiste hoy, martes 31 de enero de 2017, a su presentación oficial en el cargo, que se realizó en la Sala  Delmira Agustini del Teatro Solís de Montevideo (Uruguay). EFE/Federico Anfitti

La presentación de la nueva directora artística de la OFM, Ligia Amadio, asiste hoy, martes
31 de enero de 2017, a su presentación oficial en el cargo, que se realizó en la Sala
Delmira Agustini del Teatro Solís de Montevideo (Uruguay). EFE/Federico Anfitti

artística de la Orquesta Filarmónica de la capital uruguaya. “Estoy absolutamente entusiasmada y con la perspectiva de estar conviviendo con esta maravillosa orquesta y con el publico uruguayo, que adoro, y muy animada con las perspectivas artísticas de nuestra programación”, dijo Amadio a la prensa tras su presentación. Según la directora, la temporada que viene dejará un lugar “privilegiado” para el músico uruguayo. “Vamos a hacer hincapié en la música uruguaya, en los compositores y solistas uruguayos, además de la gran música internacional, que también es siempre parte de loas temporadas de las orquestas”, dijo. Asimismo, respecto a las políticas de descentralización de la Intendencia de la ciudad, Amadio dijo que el objetivo de la Filarmónica será “elevar la orquesta lo máximo posible a un publico distinto del público del Solís”. “Todo el público tiene el derecho de escuchar a la Filarmónica y la música clásica, porque la gente a veces dice que no le gusta la música clásica porque no la conoce, porque no tiene oportunidad de convivir con esta música”, aseguró la directora brasileña. Concretamente, la orquesta ofrecerá a lo largo de 2017 un total de 39 conciertos entre los que se incluyen varios en iglesias, en municipios y al aire libre como parte de dicha política de descentralización, además de los 20 de la temporada oficial y otros conciertos extraordinarios (en el Día de la Mujer o por el aniversario del tango “La Cumparsita”). Siguiendo la línea de las políticas de igualdad de género impulsadas por la ciudad, también habrá tres directoras invitadas que liderarán la orquesta en conciertos especiales. “Es una innovación porque las mujeres están siempre muy alejadas de los podios”, dijo Amadio. La directora brasileña, que lleva trabajando ya tres meses en la organización de la temporada, se estrenará el próximo 12 de febrero en un concierto en la rambla de la ciudad que rendirá homenaje a los ritmos latinoamericanos. Amadio, que ya trabajó el Uruguay al frente de la orquesta del Auditorio Nacional, cuenta con experiencia en América, Europa y Asia y ha sido la primera mujer galardonada en 30 años de existencia del Concurso Internacional de Tokio en 1997, además de contar con importantes premios a la direc

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Cine iberoamericano tendrá especial presencia en 20º festival Punta del Este

Montevideo, 31 ene (EFE).- La localidad uruguaya de Punta del Este (sureste del país) presentó hoy la 20ª edición de su festival internacional de cine, que exhibirá entre los días 12 y 19 de febrero una programación de 60 títulos a nivel mundial, poniendo especial atención al cine regional e iberoamericano.
En el acto de apertura del domingo 12 de febrero se expondrá la cinta “Elis”, del realizador brasileño Hugo Prata, sobre la vida de la mítica cantante Elis Regina, premiada ya en el pasado Festival de Gramado donde obtuvo el premio a la mejor actriz para Andeia Horta.
El certamen discernirá los Premios “Mauricio Litman” en las categorías de: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz y menciones especiales en otros rubros como Guión, Edición, Fotografía y Música.
El jurado estará compuesto por el director peruano Francisco Lombardi; el guionista y realizador argentino Alejandro Chomski; el actor brasileño Werner Schunemann; la intérprete uruguay Mirella Pascual (Uruguay); y el escritor y guionista uruguayo Pablo Vierci.
En la jornada de clausura se presentará el estreno especial de la película “Jackie”, del chileno Pablo Larraín, sobre la vida de Jackeline Kennedy Onassis, y que ha recibido diversas distinciones en el Festival de Toronto y Venecia, y además su protagonista, Natalie Portman, ha sido nominada al Oscar de Hollywood.
Asimismo, habrá un reconocimiento al Festival de Lima, que en el 2016 festejó su vigésimo aniversario, y recibirá la distinción la directora del Festival, Alicia Morales, junto a la exhibición del film “Oscuro Animal”, película ganadora de dicha edición.
Entre las figuras internacionales presentes en el evento, destaca la presencia del actor brasileño Reginaldo Faria, a quien se le tributará un homenaje especial.
El certamen contará también con la presencia del actor argentino Gastón Pauls; el intérprete argentino Pablo Rago; la actriz argentina Ana María Picchio; el realizador y guionista español Rodrigo Sorogoyen; y la actriz española Marta Nieto entre otros asistentes.
El festival está organizado por la Intendencia de Maldonado, departamento (provincia) en el que se inscribe Punta del Este, a través de la Dirección General de Cultura y está auspiciado por el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay y el Ministerio de Turismo del país sudamericano.

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Más de 800 obras, principalmente de Iberoamérica, optan al Premio Ribera Duero

Valladolid (España), 30 ene (EFE).

Ochocientos cuarenta y cinco autores de treinta y seis países, en su mayor parte de España y Latinoamérica, concurren al V Premio Ribera de Duero de narrativa breve, dotado con 50.000 euros (53.460 dólares), informaron hoy fuentes de la organización.
Más de la mitad de los relatos, de autores noveles y consagrados, han sido remitidos desde el extranjero, principalmente de países hispanohablantes como Argentina, Colombia, Cuba, México y Perú, pero también de otros que no tienen al castellano como idioma materno, casos de Canadá, Sudáfrica, Israel, Lesoto y Mongolia.
Los ganadores de las anteriores ediciones fueron la argentina Samanta Schweblin, con “Siete casas vacías” (2016); la mexicana Guadalupe Nettel por “El matrimonio de los peces rojos” (2015); y los españoles Marcos Giralt Torrente, autor de “El final del amor” (2014), y Javier Sáez de Ibarra, con “Mirar al agua” (2013).“El nombre del ganador de esta quinta edición se conocerá el 6 de abril en Madrid durante un acto que se celebrará en la Casa Encendida, centro cultural y sede de la Fundación Obra Social y Monte de Piedad de Madrid.
El galardón, uno de los mejor dotados en su género, ha sido convocado por el Consejo Regulador de la Denominación de Origen Ribera del Duero, con sede en Roa (Burgos, norte de España), en colaboración con el sello editorial Páginas de Espuma.

 

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Uruguay tendrá a partir de marzo su primera Escuela de Oficios del Carnaval

Montevideo, 30 ene (EFE).- Talleres de murga, percusión, candombe, baile, coreografía, maquillaje artístico y vestuario son algunos de los cursos que se dictarán en la primera Escuela de Oficios del Carnaval de Uruguay, que a partir de marzo iniciará actividades en Montevideo, informaron hoy fuentes oficiales.
Se trata de una iniciativa que fue rubricada por el Instituto Nacional de Empleo uruguayo (Inefop) y los directores de agrupaciones carnavalescas, destacó la Presidencia de la República en un comunicado.
Además, se impartirán cursos de gestión empresarial, escenografía, audio, iluminación, logística y talleres de orientación laboral.
Esta escuela llevará el nombre de Antonio Iglesias (1932-2008), uno de los exdirectivos de la organización Directores Asociados de Espectáculos Carnavalescos Populares del Uruguay (Daecpu), exdirigente de la Federación Obrera del Vidrio y víctima de la dictadura uruguaya (1973-1985).
De igual manera, en esta institución el Inefop ofrecerá asistencia técnica y talleres de orientación laboral, así como financiación de actividades de formación y profesionalización de oficios vinculados con el carnaval.
El carnaval uruguayo es la principal fiesta popular del país y es considerado, con sus más de 40 días de duración, el más largo del mundo.

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Lesuit recorre Latinoamérica en busca de inspiración para su nuevo disco

Cris Terceiro
Buenos Aires, 28 ene (EFE).-“Que las canciones sean una fotografía del viaje”. Esa es la filosofía del cantautor español Pablo Perozo, más conocido como Lesuit, quien desgrana en una entrevista con Efe los entresijos de su gira por Latinoamérica. Creo que lo diferente de toda esta gira es que estoy presentando canciones nuevas y estoy viendo cómo la gente reacciona a esas nuevas canciones y qué ‘feedback’ tengo, porque ese ‘feedback’ va a definir mucho el material que va a componer mi nuevo trabajo”, dijo. Finalizada la presentación en España de “Tiempo”, su primer disco, era el momento para Lesuit de cruzar el Atlántico y mostrar su música en una región con gran influencia en sus temas. Tenía muchas ganas desde hace tiempo de visitar América porque creo que en mis canciones hay mucha influencia. Casi un 80 % de la música que he escuchado en los últimos años viene de aquí”, agregó. “Tras su paso por el Festival Internacional Serenadas, celebrado en Uruguay el pasado mes de enero y dedicado a la música de autor iberoamericana, las sensaciones de este joven artista independiente no pueden ser mejores en su llegada a Buenos Aires. “Una ciudad en la que le esperan tres conciertos únicos antes de seguir rodando por La Plata, el Festival de Música Independiente de Necochea, Mar del Plata, y un largo etcétera hasta llegar a Chile y Brasil. Ahijado artístico del músico uruguayo Jorge Drexler, Lesuit sueña ahora con seguir creciendo en solitario. “Se conocieron en Madrid como “profesor y alumno” y de esa relación nació su primer sencillo, “El tiempo”, y un disco “ecléctico” que combina diferentes estilos y maneras de componer. Contar con Jorge (Drexler) en el primer disco te ayuda a posicionarte y que la gente te mire con una perspectiva distinta a la de un autor nuevo”, remarca un Lesuit agradecido de poder contar con “un referente” tan consolidado en su primer trabajo. Se trata de “uno de los pilares de la nueva canción” que junto a Fito Páez y Charly García, entre otros, han influido notablemente en este creador de canciones de 28 años. Un artista que asegura que acercarse a América Latina le sirve también para empaparse de sus ritmos, sus gentes y sus artistas. Hay un circuito de música y escritores de canciones súper interesante y creo que todo ese movimiento está haciendo que también amplíe mi manera de componer”, agregó. Impresiones que espera volcar de lleno en el nuevo álbum que prepara.“ Un disco más conceptual” para “diferenciarse” de otros artistas independientes y lograr abrirse camino con “canciones que sean una fotografía del viaje” que emprendió hacia el Cono Sur. Un vínculo con esta latitud que este músico independiente con sello propio aguarda renovar con “asiduidad” hasta combinar dos mundos, América y España, que tienen mucho que ofrecerle. Lesuit piensa que en España existe una tradición musical “por la que hay que seguir peleando”, a la vez que ve en Latinoamérica “muchas oportunidades” de llegar “a un público muy amplio”. Aquí la música está mucho más presente y arraigada en el día a día y, en España, por desgracia se ha perdido esa tradición de juntarnos a comer y después cantar, algo que aquí sí pasa”, apuntó.
El cantautor se sorprende de la presencia y el respeto que la música tiene a este lado del océano. Lesuit seguirá haciendo kilómetros por el Cono Sur latinoamericano durante las próximas semanas en busca de convivencia con otros artistas de raíces muy diversas que den ese empuje final a un nuevo disco que ansía ver la luz más pronto que tarde.

Buenos Aires (Argentina), 28/01/2017.- Fotografía sin fecha cedida por el cantautor español Pablo Perozo, más conocido como Lesuit. "Que las canciones sean una fotografía del viaje". Esa es la filosofía de Lesuit, quien desgrana en una entrevista con Efe los entresijos de su gira por Latinoamérica. EFE/Jorge Alvarino/Pablo Perozo

Buenos Aires (Argentina), 28/01/2017.- Fotografía sin fecha cedida por el cantautor español Pablo Perozo, más conocido como Lesuit. “Que las canciones sean una fotografía del viaje”. Esa es la filosofía de Lesuit, quien desgrana en una entrevista con Efe los entresijos de su gira por Latinoamérica. EFE/Jorge Alvarino/Pablo Perozo

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Exposición de acuarelas conmemora el Año Nuevo chino en Montevideo

Montevideo, 28 ene (EFE).- Una exposición de acuarelas de los signos del zodiaco chino conmemora en Montevideo el Año Nuevo entrante, con el Gallo de Fuego como signo distintivo, con el fin de “difundir a los uruguayos la cultura china”, explicó hoy a Efe el artista uruguayo de ascendencia china, Luis Sei Fong.“La muestra, titulada “Año Nuevo chino”, expone los doce animales del zodiaco chino en 13 acuarelas a color y 12 en blanco y negro y tiene lugar en el Museo de Historia del Arte de Montevideo hasta el próximo 16 de febrero, fecha que coincide con el fin de los festejos del año chino.
Mi objetivo es difundir la cultura china a los uruguayos, enseñar a los uruguayos a que no somos tan diferentes”, subrayó el autor.“Asimismo, remarcó que su estilo pictórico es “una mezcla” de las pinturas occidental y china por lo que intenta explicar a los occidentales cómo es la pintura china y viceversa. Explicó que su método para plasmar todos los animales del zodiaco chino pasó por hacer bocetos, observar vídeos y referencias fotográficas e ir “componiendo a los animales en su hábitat” para ir estudiando los hábitos de ellos.“ Cuando uno pinta, debe averiguar la época, los hábitats, las comidas que hacen los animales para poder hacerlo de la forma más real. Y además adaptarlo de acuerdo a la pintura china, a la estación y al tiempo en el que nacen los animales”, especificó el artista. Comentó que cada animal zodiacal tiene una serie de características propias “que indican cómo va a ser la persona a lo largo de su vida”. En concreto, resaltó que el gallo, el animal de este año del horóscopo chino, “es valeroso, constante, trabajador y la naturaleza lo dotó de la corona, es el rey del gallinero, por su cresta”. El experto, tanto en pintura occidental como oriental, recalcó que la gran diferencia entre ambas artes radica en “el horror al vacío”, ya que la primera tiende a “llenar todo el espacio” de la lámina, mientras que la oriental se caracteriza por el uso del blanco. La pintura occidental vendría a ser como que tiene un horror al vacío, porque llenan todo el cuadro. Los grandes pintores como Velázquez, Goya, Sorolla cubren todo el espacio. Ésa es una de las características que diferencian la pintura china, pues tiene como característica el tratado del espacio negativo”, detalló. El año nuevo chino se inicia hoy y será el año del gallo de fuego, siendo esta fecha determinada por el calendario lunar solar utilizado tradicionalmente en China.EXPOSICIÓN DE ACUARELAS CONMEMORA AÑO NUEVO CHINO EN MONTEVIDEO

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«El Retrato de Hoy»

Así se llama el segmento, de tres o cuatro minutos de duración, que se irradia en Radio Libertadores, los sábados a la hora 11, dentro del programa «Peces de Colores». Se lee allí una pequeña reseña sobre algún salteño destacado, sea en su ámbito profesional o como simple personaje popular. Es así que pasan en este «Retrato»: médicos, políticos, artistas, etc. En la edición de hoy presentamos tres de esos «Retratos», de personalidades de nuestra cultura, tal cual fueron leídos en la audición radial.
Leído el 19/11/16: «Suerte que estos retratos los hacemos con palabras y no dibujados, porque si no, nos daría vergüenza hacer el retrato de hoy, que es de alguien que magníficamente manejó las líneas, los trazos, el dibujo. Nació en Salto el 16 de setiembre de 1909. Periodista de humor, historietista y caricaturista. Hizo escuela y liceo aquí en Salto, después se fue a la capital a estudiar Arquitectura pero se dio cuenta que no era lo suyo y abandonó la carrera. ¡Lo suyo era la historieta fina, la caricatura, el humor inteligente! Era poseedor de una chispa, de una ocurrencia, fantástica. En 1941 (es decir cuando solo tenía 32 años) recibió el Premio de la Comisión Municipal de Cultura por sus 50.000 historietas y un Segundo Premio por su Afiche de Carnaval. Dos veces contrajo matrimonio: con Alba Turcatti y con Marta Burgos. Tuvo una hija, Alicia. Haciendo notas de humor sobre los más diversos temas –sobre todo políticos- trabajó en varios medios de importantísima presencia a nivel nacional: El Diario, La Mañana, El Popular, Época, Justicia, Marcha… la revista Fútbol Actualidad, Radio El Espectador, y tantos más. Fueron varios los seudónimos con los que firmó sus trabajos, ¿le digo algunos?: Pelo, Jess, Marcos Tuáin, Pepe Repepe, y el más famoso, por supuesto: Peloduro, nombre además de su famosa revista y de la tira cómica más famosa del país, nacida en 1933. Si recomendables son sus historietas y notas humorísticas, no menos recomendable es su libro «Diccionario del disparate», publicado en 1967, simplemente porque es notable. Actualmente, la sala de exposiciones ubicada en el subsuelo de Casa Quiroga de aquí de Salto lleva su nombre. Falleció en Montevideo el 15 de agosto de 1965. Su velatorio tuvo lugar en la Asociación de la Prensa del Uruguay. El Retrato de hoy es de Julio Suárez Sedraschi, «Peloduro».
Leído el 24/12/16: «Y en estos días de fiesta, de copas y de música, el Retrato debe ser el de alguien para quien las reuniones en las que pudiera compartirse una copa y un baile al ritmo de la música –de su música-, fueron el centro de su vida y para quien eso se convirtió poco a poco en su principal sustento, aunque también supo ganarse la vida durante mucho tiempo como peón rural. Como un músico callejero y popular se lo podría definir, como un acordeonista autodidacta y de gran talento musical. Un hombre que nació el 19 de octubre de 1902, en el barrio Artigas y llevó siempre, orgullosamente, el apellido de su madre. Un hombre que vivió sin embargo su infancia en Mataojo, cerca de los cerros de Carumbé. Muy poco, casi nada asistió a la escuela, porque ya desde pequeño trabajó en tareas de campo. Cuentan que fue allí, en una de las estancias en que trabajó, que recibió su primer instrumento musical: una verdulera de una sola hilera. Y allí… empezó todo. Se casó tiempo después con Flor de Liz Rodríguez, y de este matrimonio nacieron dos hijas María Eusebia y Santa Celeste. Tocaba el acordeón en remates y ferias de ganado, en fiestas familiares (casamientos, cumpleaños), en bailes, en carreras de caballos. Figura con el Nº 14 entre los socios fundadores de la Asociación Salteña de Músicos y Afines (ASDEMYA), institución que aún perdura por supuesto y que en el año 2012 lo homenajeó colocándole su nombre a la biblioteca de la sede e inaugurando allí un busto suyo. Pero el talento musical de este hombre trascendió, a tal punto que recibió el reconocimiento del mayor estudioso de la música que dio este país, el musicólogo Lauro Ayestarán, que se interesó por ejemplo por realizar registros fonográficos de su música y lo menciona en su libro «El Folcklore Musical Uruguayo». Son muchos los que lo recuerdan, para muchos es imborrable la imagen de este personaje salteño con su tradicional verdulera y su casco de guerra verde de juguete, alpargatas blancas y medias de seda hasta las rodillas. Son muchos los que lo recuerdan regalando su música en fiestas de carnaval a este hombre, que falleció el 4 de abril de 1983, a la edad de 80 años, aquí en Salto. El Retrato de hoy corresponde a Aquilino Pío».
Leído el 31/12/16: «Un 31 de diciembre, como hoy, pero hace 138 años, nacía Horacio Quiroga, el salteño más universal, el de fama más extendida en el tiempo y en el mundo. Pero no nos vamos a referir a él, porque a esa ya tan grande fama poco podría aportar este Retrato. Hablamos hoy de un amigo suyo. Salteño y artista también, pero no escritor, sino dibujante. Un hombre que nació 9 años después que Quiroga, nació en el año 1887, que vivió sus primeros años en Salto y luego se trasladó con su familia a Buenos Aires, pero aún siendo muy joven decidió irse a vivir a Misiones y allí, sobre todo allí en la selva misionera es que mantuvo una estrecha amistad con Horacio Quiroga. Fue ilustrador de libros de Quiroga. Y al igual que su amigo le gustaban mucho los trabajos manuales y especialmente trabajar la tierra y junto a Quiroga, en la selva, elaboraron yateí (que es un dulce de maní y miel) y además fabricaron macetas especiales para el trasplante de la yerba, y también inventaron juntos un aparato para matar hormigas, y destilaron naranjas y se dedicaron a la extracción de caucho, y fabricaron mosaicos. Tantas cosas hicieron, además de haber compartido seguramente horas de conversación sobre arte, literatura y dibujo Porque, como les decía, este hombre fue un gran pero gran dibujante aunque aquí en Salto su nombre muy poco diga para la gran mayoría. Y prueba de su importancia es que cuadros suyos ocupan importantes lugares en muy destacados museos argentinos: como el Museo Nacional de Bellas Artes de la República Argentina, el Museo Nacional Argentino del Grabado, el Museo Eduardo Sívori, el Museo de la Boca, o el Museo Provincial de Artes de La Plata. En Uruguay se exhiben cuadros de su autoría en el Museo Nacional de Bellas Artes (de Montevideo) y también en Casa Quiroga (aquí en Salto). Este hombre a quien corresponde el Retrato de Hoy falleció en Buenos Aires en el año 1965 y se llamó Carlos Giambiagi».

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Escritora argentina, entre ganadores de Premio Literario Casa Américas 2017

La Habana, 26 ene (EFE).- Escritores de Ecuador, Colombia, Cuba, Argentina, Perú y Brasil se alzaron hoy con los galardones principales de la 58 edición del Premio Literario Casa de las Américas 2017, anunciado este jueves en La Habana.
Con unas 400 obras en concurso, el jurado del certamen premió la novela «Incendiamos las yeguas en la madrugada», del ecuatoriano Ernesto Carrión, por lograr un crudo retrato social cuya intención no es solo sondear un paisaje urbano «estratificado y violento», sino que con un relato dinámico «arroja luces» sobre una situación humana observable en todo el continente latinoamericano.
En el género poesía, el cubano Reynaldo García ganó el premio con el poemario «Esto es un disco de vinilo donde hay canciones rusas para escuchar en inglés y viceversa», elegido por la «expresiva claridad» de exposición y su escritura depurada «no desprovistos de un delineado humor y una serena ironía». El jurado distinguió con su fallo el ensayo de tema histórico-social titulado «América pintoresca y otros relatos ecfrásticos de América Latina», del colombiano Pedro Agudelo Rondón.
En literatura testimonial, el texto premiado fue «Lloverá siempre», de la argentina Liliana Villanueva, que contiene una entrevista con la periodista y escritora uruguaya María Esther Giglio «manejada con originalidad, sin preguntas» con un «atrapante lenguaje coloquial, abierto, sincero», valoró el jurado.
En tanto que el Premio de estudios sobre la presencia negra en la América y el Caribe Contemporáneos recayó en el libro «Una suave, tierna línea de montañas azules», del cubano Emilio Jorge Rodríguez.
La literatura brasileña entregó el premio «Casa» a la novela «Outros cantos», de Maria Valéria Rezende, quien a partir de sus memorias de viajes rememora sus elecciones y sacrificios personales cuando trabajó en la alfabetización de adultos en el nordeste de su país.
Los premios especiales, en el caso de poesía José Lezama Lima correspondió a «Mística del tabernario», de Raúl Vallejo, de Ecuador y el de ensayo Ezequiel Martínez Estrada fue para «Cuestiones y horizontes.
De la dependencia histórico-estructural a la colonialidad/descolonialidad del poder», del peruano Aníbal Quijano.
Asimismo, el reconocimiento de narrativa José María Arguedas lo obtuvo «Tríptico de la infamia», del colombiano Pablo Montoya.

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La Cumparsita se adhiere a la marca país Uruguay Natural por su centenario

Montevideo, 27 ene (EFE).- El Museo del Tango La Cumparsita se adhirió hoy a la marca país Uruguay Natural con el fin de fortalecer la importancia que representa el centenario de la composición del tango más famoso del mundo, creado por el músico uruguayo Gerardo Mattos Rodríguez.
La ministra de Turismo de Uruguay, Liliam Kechichián consideró «muy importante» que la marca país acompañe al Museo del Tango ya que los 100 años de La Cumparsita van a guiar «buena parte del accionar cultural, turístico y de posicionamiento» de Uruguay en 2017.
«(El museo) es un lugar que va a ser emblemático en este año y nosotros creemos que el gran paraguas de la marca país genera mucho prestigio y va a ayudar al posicionamiento de un año que tiene toda esa carga emocional del centenario del tango más importante para los uruguayos», expresó la ministra durante el acto de adhesión al emblema Uruguay Natural.
El Museo del Tango se encuentra en el mismo lugar en el que se bailó por primera vez La Cumparsita hace 100 años y cuenta con una colección de elementos referidos al famoso tango uruguayo.

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Les Luthiers asegura que calidad y fidelidad marcan 50 años de vida del grupo

Quito, 26 ene (EFE).- El grupo argentino Les Luthiers atribuye a la calidad y fidelidad a su estilo su permanencia sobre los escenarios durante cincuenta años, un aniversario que celebran con una gira en la que presentan Chist!, un espectáculo con el que han aterrizado en Ecuador, país que no visitaban hace trece años.
Al ser consultado en rueda de prensa sobre las razones del éxito del grupo para mantenerse cincuenta años sobre las tablas, Marcos Mundstock, integrante de Les Luthiers, aseguró que es una «pregunta que no tiene respuesta» y en la cual prefieren no hurgar demasiado para no «matar la gallina de los huevos de oro».
No obstante, a renglón seguido apuntó que el grupo siempre ha tenido «buen estilo humorístico», que todos han sido «buena gente», que tienen «buena formación musical» y que desde los inicios gustaron de hacer cosas novedosas, de calidad y bien elaboradas.
Tildó como una «bendición» para su trabajo el no haber perdido actualidad no solo en los temas, sino en el estilo humorístico y musical y el no haber sido afectados por el cambio de comportamiento que las nuevas tecnologías han incrustado en la sociedad.
Lo propio señaló Carlos López, otro integrante del grupo, quien apuntó que, si bien los medios de acceso al humor han cambiado y están a disposición de todos a través de las nuevas tecnologías que facilitan, por ejemplo, la realización de los chistes conocidos como «memes», la calidad marca la diferencia.
»Hacer buen humor, humor de calidad, sigue siendo una cosa difícil, como hacer calidad en cualquier cosa por más que los medios sean más fáciles, más accesibles, más directos», dijo al asegurar que tienen muchos años de oficio en los que han refinado la calidad de su trabajo, a la que han llegado -coincidieron- con esfuerzo.
Para Horacio Turano, integrante del sexteto, otro de los «secretos» del éxito es haberse mantenido fieles a un estilo «que puede competir tranquilamente, sin asustarse, con todo lo nuevo que aparezca» en las redes sociales.
Consideró que no escribir sobre un político en especial es algo que ha beneficiado al grupo que, por ejemplo, tiene una pieza, escrita hace veinte años, protagonizada por políticos corruptos y en la que se aborda el cambio de la letra del himno de un país que, sin embargo, se sigue repitiendo una y otra vez.
Pese al paso del tiempo y al surgimiento de distintas tendencias políticas, esa obra -en la que no han cambiado una sola palabra- sigue recibiendo el apoyo del público, dijo al tiempo de asegurar que no escriben sobre ningún político en particular.
Ello no quiere decir que no estén al tanto de ellos, como Carlos Núñez, miembro del grupo que aseguró que se ríe «a carcajadas con cada» trino en Twitter del presidente de Estados Unidos, Donald Trump.
En la rueda de prensa, Carlos López, también parte del grupo, que se presentará este fin de semana en Ecuador, aseguró que ellos no pueden dar felicidad, pero les hace mucho bien saber que la gente sale contenta de sus dos horas de espectáculos: «Es lo poco que podemos hacer para mejorar el mundo en que vivimos», anotó.
Les Luthiers presentarán el viernes y sábado, en Quito, una antología que incluye distintas obras, no precisamente las mejores, según aclararon, de sus últimos cincuenta años, con una «interesante» variedad de géneros musicales y humorísticos.
En política, los integrantes de Le Luthiers dijeron tener criterios distintos, ninguna posición como grupo, así como cada uno dijo tener sus distintos momentos especiales recogidos en el último medio siglo.
En uno de esos recuerdos, Carlos López, atesora el haber comido con Gabriel García Marquez, un ajiaco (plato latinoamericano) sentado en el piso, mientras en la memoria de Marcos Mundstock, florece el hecho de que España les haya dado la nacionalidad por sus méritos artísticos.
Jorge Morana, autor del título «Chist!», aseguró que éste es una invocación al silencio con un vocablo que tiene casi incluido la palabra chiste, aunque Marcos Mundstock comentó que le pusieron así a la obra porque titularlo «hagan silencio, que vamos a hacer humorismo, era muy largo».

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Hoy: poemas de José Luis Guarino

Un cuento de Noelí Belzarena Testa y un fragmento de un ensayo de Rosa Dotta Ruiz (sobre Marosa di Giorgio) hanGuarino ocupado en anteriores ediciones esta sección “Salteños que publican en el exterior”.

Hoy es el turno de la poesía.
Es el turno de José Luis Guarino y de algunos poemas suyos que se mantenían inéditos hasta que hace poco tiempo fueron publicados en la Revista Ámsterdam Sur (www.ams terdamsur.nl).

Anhelo
Tener en mis manos
una gota de eternidad
siquiera
para regar el chasquido
de la hoja
paloma muerta
sobre la tierra
Quietud
Yo sé que cada día me canso
y me gustan cada vez más los ocres

No me vengan con que el ruiseñor
es dueño de los párpados verdes
recién despiertos
dejen que el río tenaz
siga cavando
su perfil de piedra

me he enamorado
de la sombra del árbol
y de la cabellera del sol
flotando en el filo del horizonte
Abuelo
El abuelo ha vaciado su cara
en el molde de sus pasos
y la tarde le abre un lugar
en su regazo

cuando el viento cruje su vieja fatiga
o gime el silencio
una flauta de ausencia
entonces se le caen los ojos
en un crepúsculo de piedra
cuna de adioses
sin previsibles retornos.

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Verano: tiempo en que lo artístico parece morir en Salto

El escritor, ¿deja de escribir cuando llega el verano?; ¿deja de pintar, de hacer dibujos o esculturas el artista plástico desde unos días antes de las fiestas tradicionales hasta marzo? Lo mismo cabría preguntarse respecto al músico, al hombre de teatro, etc. Sin lugar siquiera a la más mínima duda, la respuesta es no, al menos para quienes entienden al arte, ante todo, como una actividad del espíritu que, como tal y por lo tanto, no repara en calendarios ni en registros de temperatura y desconoce a qué se le llama época de escuela y vacaciones.
El anterior planteo surge ante la comprobación, año tras año, de que las propuestas artístico-culturales prácticamente mueren en Salto desde los días cercanos a la Navidad hasta avanzado el mes de marzo y, a veces, aún después (la excepción la hacen aquellas actividades vinculadas al Carnaval y algunas otras muy pero muy puntuales y escasas). Así como los artistas no cesan en su creación, tampoco cesa la avidez del público que consume este tipo de “productos culturales”, como se le suele llamar: conciertos musicales, obras de teatro, exposiciones de pintura, entre tantos otros.
Muchas veces, el argumento para esta carencia ha sido el siguiente: “son meses en los que la gente está para otra cosa”.
Sin embargo, creemos que si fuese así, no habría un público de alrededor de cuatrocientas personas cada noche dispuestas a mirar películas en el Festival de Cine que se realizó, por segundo año consecutivo, hace pocos días en Parque Solari. Y es tan solo un ejemplo. “Son muchos los salteños que se van de Salto en esta época, entonces el público sería escaso”, es otro de los argumentos que hemos oído. Creemos sin embargo que si son muchos quienes se van, también son muchos los que se quedan y, además, así como salteños visitan otros lugares, es sabido que un número importante de gente de otras ciudades llega a la nuestra. Incluso, de esos visitantes que llegan, son unos cuantos los que frecuentemente se interesan por conocer aspectos de nuestra cultura y lamentablemente hay que decirles: “no, por ser verano no hay nada”. Y además explicarles: “tenemos tal museo y tal otro… pero no abren en enero”.
Por supuesto que no desconocemos que hacer funcionar un museo, subir una obra al escenario del Larrañaga u organizar cualquier otro tipo de muestra o exposición requiere de algo fundamental que se llama “gestión”, lo que implica sencillamente gente que trabaje.
En el caso de la Intendencia, esa gente son sus funcionarios, con los que surge otro inconveniente: las licencias anuales. Pero… ¿no habrá alguna forma de prever esta situación? ¿No es posible manejar los recursos durante el resto del año para llegar al verano con personal suficiente que permita ofrecer más servicios? Lugares adecuados hay, desde el hermoso Teatro de Verano hasta los patios y jardines de algunos museos o de la Biblioteca Departamental y tantos más: parques, plazas, costaneras. Artistas dispuestos a participar seguro que también hay. Falta gestión. Y es un problema al que, aunque se sucedan distintas administraciones, parece que no se le encuentra solución.

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Presentan lo que será la primera película paraguaya rodada en inglés

Asunción, 23 ene (EFE).- El Centro Cultural El Cabildo, el brazo cultural del Congreso, presentó hoy los detalles sobre la película «Eskaton», que se convertirá en el primer filme paraguayo rodado en inglés, de la mano del director estadounidense Eric «Doc» Benson, y del paraguayo Marcelo Torcida, informó la institución.

Cientos de miles de personas de varias naciones, participaron de la fiesta

Cientos de miles de personas de varias naciones, participaron de la fiesta

El proyecto, que se presentó en una rueda de prensa, contará con financiación de Estados Unidos y su realización creará 85 puestos de trabajo directos, destacó Torcida, conocido por dirigir en Paraguay «Felices los que lloran», premiada en varios festivales.
El cineasta agregó que el título del filme, «Eskaton», hace referencia al concepto de que toda acción tiene su consecuencia, según un comunicado del Cabildo.
Por su parte, el director Eric Benson afirmó que Paraguay es «un tesoro cultural con un gran potencial», que solo necesita convertirse en un producto que pueda ser vendible en el mercado.

La directora de la Casa de las Artes Visuales, Ana Martini, añadió en esa comparecencia que la industria cinematográfica de Paraguay precisa de un marco jurídico que la regule, e insistió en la necesidad de contar con una ley del cine, actualmente en estudio en el Congreso.
Además, algunos estudios se están equipando con la tecnología necesaria para la producción y edición de sonido de películas producidas en Paraguay y en la región, lo que permitirá ahorrar costos, según explicó el músico Willy Suchart, también presente en la conferencia de prensa.

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Festival Santiago a Mil finalizó con presencia de 332.000 espectadores

Santiago de Chile, 23 ene (EFE).- La 24ª versión del Festival Internacional Santiago a Mil concluyó tras haber ofrecido 344 funciones teatrales y 81 presentaciones artísticas, con la participación de grupos teatrales de 26 países, informaron hoy los organizadores.
La edición 2017 del Festival, realizada bajo el lema «Sin Fronteras», contó con visitantes provenientes de países de los cinco continentes, entre ellos Haití, República Democrática del Congo, Palestina, Siria, Líbano y Hungría, que asistieron por primera vez.
»Con nuestro lema ‘sin fronteras’, nos hicimos cargo de lo que está pasando en el mundo, en nuestro país, en nuestras ciudades que se han poblado de migrantes», afirmó Carmen Romero, directora ejecutiva de la Fundación Santiago a Mil, que organiza el evento.
»También de la porosidad de las artes escénicas contemporáneas. El festival buscó convocar, acoger, reunir y la respuesta calurosa del público, en las salas y espacios públicos, nos confirmó que tomamos el camino correcto», precisó Romero en un comunicado.
Durante 20 días, las principales ciudades de Chile fueron testigos de las 156 funciones gratuitas y 188 pagadas. Entre las sorpresas del evento destacan el dúo musical compuesto por Daymé Arocena, representantes de la música cubana que compartió escenario con la destacada artista nacional, Ana Tijoux.
También bajo la premisa de que no existen fronteras entre las artes escénicas se presentó la exposición Paisajes imaginados del artista haitiano Edouard Duval-Carrié, que reúne pinturas, grabados, instalaciones y esculturas que adaptan la iconografía habitual de la isla y que logro congregar 5.000 personas.
Otro hito de Santiago a Mil 2017 fue la presencia de uno de los directores de teatro más grandes de la escena europea contemporánea, el alemán Thomas Ostermeier, con las aclamadas obras «Die Ehe der Maria Braun» (El matrimonio de María Braun)con más de 2.900 espectadores y «EinVolksfeind» (Un enemigo del pueblo), de Ibsen, con más de 2.800 asistentes en la capital chilena.
En salas, la versión 2017 de Santiago a Mil convocó a 55.500 personas, con un aumento del 14 % de público en relación con la edición 2016. Entre los espectáculos con mayor cantidad de público destacan «Sutra» con 4.492 concurrentes, «BlancheNeige» (Blancanieves) con 3.723 personas.
Entre los montajes internacionales que atrajeron más público destacan también Death comes through the eyes (La muerte a través de los ojos) de la ZouzakTheater Company, Tarascones dirigida por Ciro Zorzoli y Campo Minado de Lola Arias, ambos argentinos.
En el caso de las obras chilenas, lideraron Donde viven los bárbaros de Pablo Manzi, Xuárez, dirigida por Manuela Infante y Feos, de Guillermo Calderón y dirigida por Aline Kuppenheim.
En los espectáculos gratuitos la participación de espectadores fue elevada: 232.021 personas se reunieron para tomarse el espacio público y disfrutar de los espectáculos de Santiago a Mil 2017. Entre las presentaciones que reunieron mayor cantidad de personas se cuenta: «Dundu – Luz de vida» con 39.300 asistentes, «The color of time» con 35.700, «Arktika» con 31.300, «31 Minutos: Romeo y Julieta» con 28.500, «Inti Illimani Histórico – Bailando» con 18.100 y «los Monjes Shaolin» con 14.100 espectadores.
La jornada de despedida incluyó con un homenaje al fallecido dramaturgo chileno, Juan Radrigán y su obra «Fantasmas borrachos en concierto», un clásico de la dramaturgia local, que se presentó en la Plaza de la Constitución ante 2.500 espectadores que presenciaron esta historia de amor, muerte y marginalidad que bien retrata el universo creativo de Radrigán.

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«Neruda no compartiría grosería de Trump», dice el actor que encarna al poeta

Javier Ureta Ibáñez.
Santiago de Chile, 22 ene (EFE).- Luis Gnecco, el actor que da vida a Pablo Neruda en la película homónima del cineasta chileno Pablo Larraín, afirmó hoy que el poeta «no compartiría la superficialidad y la grosería» del nuevo presidente de Estados Unidos, Donald Trump.
«Los valores que defiende el señor Trump irritarían a una persona tan sensible y de tanto compromiso con los valores humanos como Neruda», declaró Gnecco en una entrevista con Efe para promocionar el estreno de la cinta, que ya ha empezado a distribuirse en Estados Unidos. La cinta, un cóctel cinematográfico entre parodia y género policial, narra la persecución que sufrió Neruda entre 1947 y 1949, después de que este acusara al Gobierno del presidente Gabriel González Videla de traicionar al Partido Comunista. Para preparar el personaje, Luis Gnecco (Santiago, 1962) tuvo que bucear a fondo en la personalidad del premio Nobel de Literatura para la sensibilidad que le acompañó durante toda su vida, pese a que tanto Larraín como el propio actor han aclarado que no abordaron al poeta desde una perspectiva realista. «Siempre supe que no iba a hacer al Neruda histórico. Él tuvo una vida muy vasta; hubiese sido imposible retratarla entera, y para mi gusto, habría sido incluso un poco aburrido. Pusimos a Neruda al servicio de la ficción», confesó. Sin embargo, durante el proceso de preparación del personaje, en el que Gnecco tuvo incluso que engordar 12 kilos, inició un proceso de documentación que le permitió descubrir que ficción y realidad no se diferencian tanto. «Yo era muy ignorante en cuanto a Neruda. Le conocía como la mayoría de los chilenos y la mayoría de los hispanohablantes, de lo que te enseñan en la escuela y algún poema suyo».
»Leí mucho sobre él, mucha biografía, entrevisté a mucha gente y al final muchos que le conocieron me dijeron que el personaje perfectamente podría ser el Neruda real», apuntó. Gnecco se enfrentó al reto de interpretar al escritor que ganó el premio Nobel en 1971 -dos años antes de su muerte- y está considerado uno de los más grandes poetas de todos los tiempos.
»¿Se refleja el alma de Chile en ‘Neruda’? Sí y no. Sí, porque es una película que tiene un sarcasmo muy nerudiano, y él era 100 % chileno. Y no, porque se aleja de todo esto y toca un tema tan universal como la construcción del mito propio», apuntó. En esta ocasión, Luis Gnecco y el actor mexicano Gael García Bernal vuelven a ponerse a las órdenes de Larraín, como ya hicieron en 2012 en la cinta «No», que relata el entorno social que envolvió el referéndum que sacó del poder al dictador Augusto Pinochet.
«Que te dirija Pablo es una grata experiencia. Nos conocemos de varias películas, somos íntimos amigos, nos queremos mucho y entonces el trabajo siempre se hace desde la amistad, el cariño y la confianza».
«Él siempre te hace explorar nuevas zonas y lo bueno es que las explora contigo. Trabajar con Pablo Larraín es lo mejor que te puede pasar», aseguró. El protagonista de «El bosque de Karadima» también se refirió a García Bernal, su adversario en «Neruda», donde encarna al inspector que persigue al poeta.«Nos hicimos amigos en la película y surgió una complicidad muy interesante. Su rol demandaba una gimnasia actoral muy especial para interpretar a un personaje ridículo, que por un lado pretende ser un campeón pero por otro es vacío en todo momento. Sólo Gael puede dar cuenta de ese ridículo. Otro se hubiese perdido en un personaje paupérrimo», explicó Gnecco. Tras el éxito cosechado en Chile, que desembocó en una nominación a Mejor Película de Habla No Inglesa en la pasada edición de los Globos de Oro, «Neruda» dio el salto a unos pocos cines estadounidenses, pero su buena acogida ha propiciado que se expanda a 75 salas más.
«Estamos muy expectantes en esta segunda etapa, porque viene acompañada por muy buenas criticas y mucho interés en conocer la obra de Larraín».
«Pablo puede comenzar una carrera internacional, yo creo que ya lo ha hecho, y seguirá reafirmando su identidad. Es un director novedoso, iluminador, interesantísimo», concluyó Gnecco.

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Festival de Cine en Parque Solari busca llenar un vacío

Salomón Reyes, organizador del evento

Salomón Reyes

El pasado fin de semana se cumplió en Parque Solari una nueva edición del Festival Nox, festival de cine de terror, organizado por el cineasta y productor cultural Salomón Reyes (mexicano radicado en nuestra ciudad).
Es el segundo año consecutivo que se realiza en el mes de enero y la idea es justamente ofrecer un producto cultural en un mes en el que decaen las propuestas. A propósito, en reciente diálogo con EL PUEBLO, decía Reyes: “en enero las principales actividades culturales terminaron, además no hay fútbol uruguayo, tampoco la selección uruguaya está jugando Eliminatorias, el carnaval todavía no llegó…hay como un vacío y entonces la idea es posicionar este festival”.
Y no tenemos dudas que es una actividad que se va a posicionar, teniendo en cuenta que este año el número de asistentes fue bastante superior al de 2016, concentrándose en el Parque alrededor de 400 personas cada noche.
En ex Bodega Harriague
Asimismo, a los galpones de la ex Bodega Harriague también se trasladó el festival en la noche de este pasado viernes. Es un muy buen lugar para este tipo de eventos según los organizadores y, en la medida que se logren algunas mejoras logísticas, está en los planes continuar realizando actividades allí, en ese espacio de fuerte impronta histórico-cultural para Salto.

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Se preparan “Miércoles musicales en Casa Quiroga”

Días pasados compartíamos algunos pasajes del diálogo mantenido recientemente con el Director de la Banda Departamental de Música, Óscar Bordagaray. Transcribimos hoy una segunda parte en la que Bordagaray anuncia actividades que se vienen planificando y reflexiona sobre la imprescindible formación de un músico.
Miércoles musicales en Casa QuirogaCasa Quiroga
Bordagaray dijo a EL PUEBLO, como primicia, que se viene pensando en actividades para lo que resta del verano, concretamente la idea es “hacer ensayos al aire libre para que la gente vea cómo se ensaya, como te equivocás, cómo corregís, y a la vez la idea es incorporar gente que quiera participar con nosotros de esos ensayos, que lleven sus instrumentos y participen en una especie de encuentro musical. Estamos pensando en algo así como “Miércoles musicales en Casa Quiroga”, en los espacios verdes preciosos que hay allí, además la idea es invitar a distintos músicos salteños”.
Cabe agregar que desde hace algún tiempo, el lugar de ensayos de la Banda dejó de ser el tradicional local de calle Zorrilla casi Brasil (parte del Museo del Hombre y la Tecnología) para pasar a ser Casa Quiroga (Avenida Viera y Maciel).
Lo económico es limitante de la formación del músico
En cuanto a la formación de los músicos que integran la Banda dijo su director: “El Director de Cultura está muy interesado en tratar de buscar por medio de las carreras musicales que hay en la Facultad o en los contactos con el MEC en Montevideo, qué podemos hacer, qué se puede encontrar, cuáles instructores pueden venir pero que tampoco eso genere mucho costo, porque siempre termina siendo limitante contabilizar, es decir lo económico, cuando cuantificás un movimiento siempre tenés muchos “peros”. Por eso los músicos tenemos que tener mucha inventiva para ver cómo buscar, cómo generar para poder hacer algo”.

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Viaje a la imaginación es la propuesta de la obra chilena-española Nómadas

Santiago de Chile, 20 ene (EFE).- Un viaje a la imaginación es la propuesta de la obra «Nómadas», de la compañía chilena-española La Llave Maestra, un espectáculo que ha recorrido varios países, y que este fin de semana se presentará en Santiago.
«Los tres personajes recorren sus miedos, esperanzas, sueños e ilusiones, en un universo onírico de maletas, cajas de cartón baúles y rollos de plástico», señaló a Efe sobre este montaje artístico, la actriz española Edurne Rankin.
La artista agregó que la atmósfera que logra crear la obra «transforma» la realidad en un «baile de emociones y un deleite para los sentidos».
Con un poco más de 75 minutos, este montaje logra crear una experiencia sensorial única en el espectador gracias a la mezcla de las luces con la música, y la capacidad expresiva de los actores.
El director de «La llave maestra», el chileno Álvaro Morales, aseguró que este espectáculo «utiliza escenas poéticas y cómicas que envuelven los sentidos, entusiasman la imaginación y nos despiertan las ganas de viajar sin utilizar texto alguno».
«Nómadas», junto a «Delirios de papel» y «Bestiario», son las obras destacadas de «La llave maestra», siendo esta última premiada en 2012 con el sello de calidad «Quality label» por la Red Europea del Mimo y Teatro Gestual, por su aporte al teatro gestual.
Según cuentan los miembros de esta compañía, los constantes viajes que deben realizan motivaron la creación de Nómadas, que ha sido señalada por críticos culturales como un montaje «único y onírico».
La obra, que se encasilla en el teatro visual y de objetos, es protagonizada por Edurne Rankin García, Patxi Larrea y Aintzane Baleztena.
Este montaje se presentará en el Festival Internacional Santiago Off, un certamen que reunirá entre el 19 al 28 de enero, a más de 60 obras oriundas de Chile, Uruguay, Bolivia, Perú, México, Argentina, Brasil, Colombia, España, Francia y Reino Unido.
De igual forma, «La llave maestra» ha montado sus obras en festivales de Turquía, España, Brasil, Holanda, Bosnia, Argentina, Costa Rica, Taiwán y Chile.
En el último país destaca la intervención que tuvieron en noviembre pasado en la novena versión del Festival Cielo del Infinito, el encuentro de artes multidisciplinarias más austral del mundo, que se celebra en la austral ciudad de Punta Arenas.

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Hoy: fragmento de un ensayo de Rosa Teresita Dotta Ruiz

Salteños que publican en el exterior

Hace algunos días iniciábamos en esta página una sección titulada “Salteños que publican en el exterior”, que pretende mostrar textos, de variados géneros, escritos por salteños y publicados recientemente en medios extranjeros.
El pasado jueves compartimos un cuento de Noelí Belzarena Testa. Cambiando de género, hoy es el turno de un ensayo (un breve fragmento en realidad) sobre la poesía de Marosa di Giorgio escrito por Rosa Teresita Dotta Ruiz y publicado en www.cllicr evista.com. Esta revista digital es justamente dirigida por Rosa Dotta y su esposo (también salteño) Héctor Sabarrós Souto, desde Buenos Aires, ciudad en la que residen desde hace ya varios años.
CUANDO LO COTIDIANO SE VUELVE MÁGICO
“La huerta familiar, recreada a través de múltiples formas, se manifiesta y reinventa indefinidamente en Los papeles salvajes, de Marosa di Giorgio.
Una tierra que, aún precisada por límites geográficos claros (la poeta nombra las chacras salteñas según el apellido de sus propietarios italianos), se extiende en el entramado literario más allá de ese territorio hasta llegar a la Toscana de sus abuelos. Ese mundo agrario se exhibe en las infinitas posibilidades que tienen las criaturas que lo habitan de transmutarse e intercambiar roles en un universo que no reconoce fronteras lógicas.
Los papeles salvajes, suma poética de Marosa di Giorgio (1932-2004), es la tierra de la infancia labrada en la escritura; son los frutos y las flores de esa misma tierra los que acompañan la pintura del relato con manifestaciones que escapan a los fenómenos propios (o racionales) de la vida.
Son también los animales de la huerta los que ocupan los lugares protagónicos, a manera de fábula, pero rompiendo también las reglas de comportamiento esperable de cada una de las especies. En un intercambio permanente de funciones, necesidades, pulsiones y sentimientos entre los distintos reinos (animal, vegetal, mineral), tanto los hombres como los animales, las verduras, las frutas y las flores habitan un universo divino y humano, al mismo tiempo.
Como si surgieran de una conciencia integradora, las formas de vida creadas por la poesía marosiana responden a un mismo nivel de importancia. Como todo el mundo está naciendo (recuerda Marosa), la transmutación es un episodio más de la cotidianidad de estos huertos salvajes.
Hija y nieta de inmigrantes (italianos y vascos), la poeta recibe la marca de la nostalgia de aquello que, a pesar de no haber sido vivido personalmente, conserva su total intensidad: el desarraigo del que deja su lugar y procura hermanarse a través de una red sentimental con el destino que lo acoge.
Cuando le preguntaron a Marosa cuál sería su definición de Los Papeles salvajes, ella dijo que son la rememoración transfigurada de la infancia”.

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¿Qué le gustaba a Alfredo Zitarrosa?

Se cumplió un año más de su muerte

Se cumplió este martes un año más de la muerte del gran cantautor uruguayo Alfredo Zitarrosa, ocurrida el 17 de enero de 1989. En una oportunidad, ante la pregunta de un periodista sobre qué le gustaba hacer, respondió: z
“Pensar, leer, escribir, disentir de buena fe; fumar, beber, tomar mate, caminar, la temperatura de 25 grados, pescar, criar animales y plantas, los colores verde y ocre, los olores a nafta, a bosta fresca, a limón, a humo de madera; el razonamiento de los niños, las posaderas de mi mujer, buscar un acorde en la guitarra, mis buenos recuerdos, los malos también, cuando son claros; estar solo, viajar en ómnibus por la ciudad, el truco y la carambola, mi perro, mis manos – a veces – que se parecen a las de mi hija, algunos objetos que conservo: cajitas, huesos, dibujos, papeles escritos, libros que he leído mucho… ¡Mil cosas más! El campo a toda hora, el ruido de un motor afinado, las ciencias naturales, algunas voces humanas (la mía no), mi lugar de trabajo, la gente honrada, sincera y generosa; los limpios, y por sobre todo, compartir con ellos todo lo que más aprecio y hasta casi todo lo que amo” (nota publicada en su momento en el Diario Clarín de Buenos Aires). Zitarrosa había nacido en Montevideo el 10 de marzo de 1936.

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“Sirtaki”: Ballet de Santiago realiza intervención urbana

Santiago de Chile, 16 de enero (EFE).- El Ballet de Santiago realizó hoy una intervención urbana al mostrar la característica danza griega ‘sirtaki’ en el frontis del Teatro Municipal de Santiago junto a el ballet de Zorba, el griego.
La presentación contó con la participación de decenas de personas quienes lograron disfrutar de la música y el espíritu griego que da vida a la obra del neoyorquino Lorca Massine.

El Ballet de Santiago, encabezado por el primer bailarín estrella, Rodrigo Guzmán (c), realiza hoy, lunes 16 de enero de 2017, una intervención urbana con el ballet Zorba el Griego y su característica danza 'sirtaki', frente al Teatro Municipal de Santiago, Chile. EFE/Elvis González

El Ballet de Santiago, encabezado por el primer bailarín estrella, Rodrigo Guzmán (c), realiza hoy, lunes 16 de enero de 2017, una intervención urbana con el ballet Zorba el Griego y su característica danza ‘sirtaki’, frente al Teatro Municipal de Santiago, Chile. EFE/Elvis González

El bailarín estrella, Rodrigo Guzmán, quien interpreta a Zorba, señaló que el propósito de la actividad es «acercar un poquito más a la gente, que venga al teatro».
Agregó, además, que durante este año han tenido la oportunidad de representar a Chile en distintas ciudades de Brasil y Colombia.
«La obra es muy exitosa y se decidió salir a la calle a hacer una pequeña muestra para que participara la gente», aseveró Guzmán.
El ballet de Santiago pretende revivir el espíritu de una creación que hace más de cinco décadas conquistó a los lectores de la novela escrita por Nikos Kazantzakis.
«Es muy bonita, una inyección de optimismo con un muy lindo mensaje», comentó Guzmán.
Está presentación es la antesala del reestreno de la obra, presentada por primera vez en Chile en 2013, y que en esta oportunidad contará con cuatro presentaciones entre este martes y el miércoles.

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La ciudad Argentina de Mar del Plata acogerá el Festival de Cine de Surf

Buenos Aires, 15 ene (EFE).- La ciudad de Mar del Plata, uno de los puntos turísticos más importantes de Argentina, acogerá esta semana la primera edición del Festival de Cine de Surf, un encuentro que busca difundir trabajos audiovisuales centrados en ese deporte.
La muestra cinematográfica se realizarán los próximos viernes y sábado, al aire libre y con entrada gratuita, cuando caiga la tarde a las afueras de Mar del Plata (400 kilómetros al sur de Buenos Aires), destino turístico conocido por sus anchas playas y uno de los puntos más populares para la práctica del surf en Argentina.
«Es la primera edición que hacemos en Argentina de una modalidad de festivales que se hace alrededor de todo el mundo. Los festivales de cine de surf están en pleno auge en todo el mundo, Mar del Plata no tenía el suyo y por eso nos embarcamos en organizarlo», dijo a Efe Santiago Mejía, surfer, realizador audiovisual y organizador del festival.
La muestra ofrecerá una selección de realizaciones audiovisuales argentinas y extranjeras que tienen como eje argumental a esta disciplina deportiva.
Entre los largometrajes, distingue el argentino «Península Mitre», que retrata la aventura de dos hermanos surfers, conocidos como Gauchos del Mar, que recorrieron las costas de la sureña provincia de Tierra del Fuego con sus tablas a cuestas.
También se exhibirá, entre otras películas extranjeras, «Viejo perro», de Rodrigo Farías Moreno, un documental sobre los inicios del surf en Chile.

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Preparan rodaje de “La redención”, el segundo filme del director de “Latas vacías”

Asunción, 14 ene (EFE).- El cineasta paraguayo Hérib Godoy, director de la taquillera “Latas vacías”, prepara el rodaje de su segundo filme, “La redención”, centrado en la historia de la Guerra del Chaco, que entre 1932 y 1935 enfrentó a Paraguay y Bolivia.
La grabación de la película comenzará el lunes en la ciudad de Coronel Oviedo, en el departamento de Caaguazú (centro), donde se localizará la mayor parte de la película, informó este sábado la productora del filme. La película narrará la historia de un excombatiente de la Guerra del Chaco que padece una enfermedad terminal y recibe la visita de la nieta de un excamarada, con la que comenzará a refrescar sus recuerdos para dar con el paradero del abuelo de la joven.
Para el largometraje, que tiene previsto su estreno en 2017, Godoy ha contado con actores conocidos en Paraguay, como Juan Carlos Notari, destacado actor de teatro y radionovelas, y Lali González, famosa por su papel en la película “7 cajas”, donde trabajó a las órdenes de Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori.
Además, repetirá con el actor protagonista de “Latas vacías”, Aníbal Ortiz, y trabajará con veteranos intérpretes de larga trayectoria en el país, como Ramón del Río, conocido por “Hamaca paraguaya”, de la directora Paz Encina, o Emilio Barreto, protagonista de la película “Guaraní”, de Luis Zorraquín. Godoy cosechó gran éxito en 2014 con su película “Latas Vacías”, basada en el mito de la “plata yvyguy” (“plata bajo tierra”, en guaraní), según el cual durante la Guerra de la Triple Alianza (1864-1870), que enfrentó a Paraguay contra Argentina, Brasil y Uruguay, las familias paraguayas más adineradas enterraron su dinero y sus joyas a lo largo de las entonces activas vías ferroviarias para evitar que cayeran en manos de los Ejércitos invasores.

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Mercosur olvidó a los indígenas, dice director de documental “Nación Guaraní”

Asunción, 15 ene (EFE).-El cineasta paraguayo Marcos Ybáñez, embarcado en la filmación de un documental sobre los últimos nativos guaraníes, dijo a Efe que el Mercosur se olvidó de integrar a las comunidades indígenas, y que esos pueblos se ven obligados a buscar su propia integración al margen de los Estados.
«El Mercosur se olvidó de la integración cultural de los indígenas, integró a los Estados, pero no a los pueblos indígenas. Los dejó atrapados en sus fronteras», declaró Ybáñez.
Ybáñez se encuentra dirigiendo «Nación Guaraní», un documental que denuncia el descalabro social y cultural sufrido por esa gran comunidad tras la llegada de los occidentales y el posterior diseño de fronteras y Estados.
La cinta es un viaje a través de Paraguay, Bolivia, Argentina y Brasil, donde se calcula que hay entre 120.000 y 150.000 nativos guaraníes, según sus datos. El documental, que se quiere estrenar en 2018, recoge imágenes del Encuentro Continental del Pueblo Guaraní, celebrado en Argentina en 2015, evento que se viene organizando desde 2006. «Fue un encuentro muy importante porque se hizo la refundación de la Nación Guaraní con una serie de estatutos, una especie de Mercosur», dijo Ybáñez.
De acuerdo con Ybañez, de ese tipo de encuentros surgirán las políticas para evitar que esas comunidades sigan siendo desplazadas de sus tierras a causa de las grandes explotaciones dedicadas a la soja y al ganado.
«Se habla de la crisis de refugiados en Europa, pero en América hay un desplazamiento de pueblos indígenas a causa de ese desarrollo», dijo Ybáñez, autor del documental «Los guaraníes inventaron el fútbol» (2014), donde se sostiene que ese fue el primer pueblo en practicar el balompié.
Para el realizador, esos desplazamientos obligan a las comunidades nativas guaraníes, así como a otros pueblos indígenas, a vivir en asentamientos y colonias precarias en las afueras de las ciudades.
Subrayó que, debido a las mismas causas, se da el fenómeno de que esos grupos se trasladan a las ciudades por una cuestión de supervivencia. Ybáñez puso el ejemplo de Paraguay, donde los centros urbanos tienen como nuevos vecinos a indígenas que viven de la mendicidad al ser expulsados de sus tierras de cultivo.
«En Paraguay se da el fenómeno de que se les aparta de la tierra y se ven obligados a marchar a las ciudades. Unos 5.000 indígenas viven en ciudades de Paraguay en situación de pobreza extrema», dijo Ybáñez. El realizador llamó la atención sobre el hecho de que en Paraguay es oficial el idioma guaraní, junto al español, pero aclaró que la mayoría de la población, de origen mestizo, ha dejado de lado a los pueblos nativos.
«El paraguayo actual está negando sus raíces, habla la lengua guaraní, pero desconoce su historia y su propia cultura», dijo.
«Nación Guaraní», producción autofinanciada que se comenzó a rodar hace dos años, explora también el mito guaraní de la «tierra sin mal», que se refiere a los territorios que buscaba ese pueblo nómada para encontrar alimentos, agua y recursos.
Sin embargo, y según el realizador, ese sueño se convirtió en el reverso de esa moneda al contacto con los «civilizadores».
«Lo que encontraron fue la tierra del mal», señaló Ybañez. El equipo de Ybáñez ha filmado hasta la fecha a nativos guaraníes en Paraguay, Argentina y Brasil, quedando pendiente el rodaje en Bolivia y en la zona de Venezuela donde habita la reducida comunidad ñengatú, de la familia lingüística tupí-guaraní. El realizador apuesta por ofrecer al público «una realidad sin maquillaje de lo que está pasando» y a su vez defender «los esfuerzos de esas comunidades para que no desaparezca su modo de vida tradicional».
Ybáñez subrayó que «Nación Guaraní» tiene como inspiración «El abrazo de la serpiente», la exitosa película del colombiano Ciro Guerra, estrenada en 2015 y que muestra el Amazonas a través de la mirada de los pueblos indígenas.
«Es el reto del cine, narrar algo nuevo», dijo Ybáñez.

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Unos 1.500 músicos internacionales clausuran festival de Jazz en Uruguay

Montevideo, 15 ene (EFE).- Unos 1.500 músicos provenientes de seis países darán hoy la clausura a la décima edición del festival de jazz internacional «a la calle», que se desarrolla en la ciudad de Mercedes (suroeste), en donde durante una semana sus calles se convirtieron en el escenario de las agrupaciones.
Según explicó a Efe Horacio Acosta, uno de sus organizadores, esta iniciativa se desarrolla desde el 2007 con el objetivo de «educar al público» en general sobre este género musical que «es muy duro de escuchar».
«Si no tenemos educación es una música muy dura para escuchar. Históricamente se ha considerado el jazz como música de elite, nosotros la consideramos como música de gueto, ya que los músicos son gente muy generosa», expresó.
Agregó que la iniciativa de «volcar esa información» a las calles de esa ciudad es con la intención de generar públicos para músicas populares «mas elaboradas».
»En un principio hubo reacciones hostiles desde el punto de vista cultural y luego la gente fue asumiendo que el jazz puede mejorar nuestros ritmos autóctonos», aseguró. Una de las características que identifican a este festival es la presencia de las agrupaciones musicales por las distintas calles y avenidas de esta ciudad uruguaya, que en esta ocasión serán músicos provenientes de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, Estados Unidos y Uruguay.
En ese sentido, Acosta valoró que durante la semana de actividades, además de los toques en vivo, se desarrollaron actividades gratuitas como foros, charlas, clínicas y talleres sobre este género musical orientado al público en general.
Además, detalló que el proceso de selección de las bandas dura alrededor de un año, por un jurado que está integrado por músicos de Argentina, Brasil, Chile y Uruguay, quienes reciben propuestas de unas 200 agrupaciones de todo el mundo.

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Un agradecido a la vida por vivir gracias a la música

Con Óscar Bordagaray, Director de la Banda Departamental

Oscar Bordagaray es desde hace más de diez años el Director de la Banda y Orquesta Departamental de Música. Sobre su funcionamiento y sobre otras cuestiones más generales de la música conversó por extenso con EL PUEBLO. En esta edición compartimos la primera parte del diálogo mantenido, del que publicaremos otros pasajes en próximas ediciones.
“Soy uno de los pocos músicos del Uruguay que vive de la música”

Bordagaray comenzó la conversación reflexionando de esta manera: “Soy uno de los pocos músicos del Uruguay que Bandavive de la música, me formé dentro de la música, hice una carrera militar pero me pagaban por músico, y cuando eso se termina me presento a un concurso en la Intendencia y lo gano en el año 2005, y entonces sigo en la música y se me paga un sueldo en virtud de la música. Por eso soy un agradecido a la vida por ser de los pocos músicos en Uruguay que puede vivir gracias a la música”.
“Falta abrir un poco más la mente”
“La música en el Uruguay se está abriendo paso lentamente –prosiguió-, es una cultura difícil, no hay mucha proyección de futuro. Ahora, por medio de la Universidad han venido carreras y se está ampliando mucho, pero quizás al nivel cultural para apostar a esos grandes proyectos de país todavía le falta abrir un poco más la mente, porque te recibís pero después el campo laboral es muy poco, entonces también necesitás de repente de la voluntad política para que te den un salvavidas para salir a trabajar…”.
“En la Banda hay blancos, colorados, frenteamplistas, independientes, pero salimos como músicos”
Respecto a la realidad de la Banda que dirige sostuvo que “venimos mejorando mucho; es bueno aclarar que nosotros salimos a la calle como músicos, en la Banda hay blancos, colorados, frentistas, independientes, de todos los colores, pero salimos como músicos, entonces al Intendente de turno lo tenemos que defender a muerte. Y además en el caso de Andrés Lima, que hay que decir la verdad: Andrés Lima la quiere recuperar a la Banda, la quiere mejorar. Yo hice un proyecto hace mucho tiempo, en otras administraciones, que se lo fue retocando, y me lo han reconocido. Después los músicos quisieron aportar otras cosas y se hizo una nueva reunión, una tripartita, con el gremio que también ha apostado mucho a la Banda y con la misma Intendencia. Así que la evaluación que hacemos es buena y apunta a mejorar, tenemos la palabra del Intendente de que va a haber algún posible concurso para cubrir algunos lugares. También queremos ver cuáles son los músicos que podemos sacar del Conservatorio Departamental para ir complementando la Banda. Antiguamente, en la época de Peruchena, la Banda se conformaba y se completaba con músicos del Conservatorio. Pero los últimos músicos que entraron ya hace entre dieciséis y dieciocho años, son Leonardo Martínez, Fernando Severo y Cristian Cano. Después nunca más pudimos crear un concurso para que disputaran la gente del Conservatorio o abierto para el resto de la ciudadanía”.
Necesidad de concursos para cubrir lugares
Explicó el entrevistado que “en la Intendencia hay un escalafón docente, en ese escalafón docente está el músico, pero en el escalafón administrativo, el escalafón mayor digamos, es decir donde te liquidan el sueldo, se va un músico y queda abierta la vacante para que entre un carpintero, un pintor, un chofer, alguien de computación. Es decir que no hay un sub escalafón donde se diga: se va un saxofonista y se hace un concurso para que entre un saxofonista; se le ha dado ingreso a otra gente y no se ha cubierto la falta de músicos”. Sin embargo se mostró esperanzado en que “hay voluntad del Intendente Lima para largar un concurso, que es lo que precisa la Banda, ya elevé las bases al Director de Cultura, así que hay voluntad de mejorar este año”. Aparte del concurso, otra modalidad para el ingreso de músicos, según indicó Bordagaray, sería la designación directa: “yo puedo hacer un expediente solicitando la contratación de tal músico y después el Intendente resuelve”. En cuanto a las horas que deben trabajar los integrantes de la Banda, dijo que “la Banda está dentro de la legislación de las 30 horas normales de todo funcionario pero hay que aclarar que la Banda está full time…”. asimismo, comentó que “es una Banda de gente veterana, donde el promedio de edad de los más jóvenes, que son muy pocos, cuatro o cinco, anda en treinta y ocho años, después hay músicos de casi sesenta años”.

 

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A los 91 años falleció el cantante folclórico argentino Horacio Guarany

Buenos Aires, 13 ene (EFE).- El cantante folclórico argentino Horacio Guarany, ganador de más de una decena de Discos de Oro y referente del género, falleció hoy a los 91 años tras sufrir un paro cardiorrespiratorio.
«Con profundo dolor tengo que confirmar que nuestro maestro, ha partido a otros festivales celestiales. Gracias Guara por todo», señaló hoy el representante del músico, Rubén López, en la red social Twitter.HoracioPUEBLO1401
Según indicó la Agencia de Noticias Nacional Télam, Guarany padecía desde hace años severos problemas cardiovasculares por los que había sido internado en reiteradas ocasiones en la Fundación Favaloro.
Nacido en la provincia de Santa Fe (este) el 15 de mayo de 1925 y descendiente de española y argentino, Eraclio Catalín Rodríguez publicó el primero de sus cerca de sesenta discos a los 32 años bajo el nombre de Horacio Guarany.
Entre los principales galardones que recibió a lo largo de su carrera se encuentra el Premio Konex Platino en 1985, que le reconoció como el cantante masculino de folklore más importante de la historia en Argentina del momento.
Guarany se exilió en España en la década de los setenta tras sufrir amenazas y atentados por parte de la AAA Alianza Anticomunista Argentina, fuerza parapolicial surgida en el Gobierno de María Estela ‘Isabelita’ Martínez de Perón (1974-1976).
Además de su carrera musical, Guarany participó en diversos largometrajes, entre ellos ‘El grito en la sangre’, película argentina estrenada en 2014.

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Pablo Trapero lanza el VII webfestival de cine francés MyFrenchFilmFestival

París, 13 ene (EFE).- El cineasta argentino Pablo Trapero lanzó hoy la VII edición del festival de cine francés por internet MyFrenchFilmFestival, cuyo Jurado de Cineastas preside este año.
Una decena de largometrajes y cortometrajes de los géneros más variados, subtitulados en diez idiomas, compiten por el premio que otorgará el equipo que preside Trapero (San Justo, 1971) y por los que decidirán el público y la prensa internacional.
Con el objetivo de mostrar lo mejor de la más reciente producción cinematográfica nacional, este certamen, que en 2017 contabilizó más de 6,5 millones de proyecciones visionadas en 206 países, presentará además nueve cintas fuera de la sección competitiva.
América Latina, Rusia, India y África son las principales regiones del globo donde los internautas tendrán acceso gratuito para ver todas las películas, mientras que en el resto la gratuidad solo concierne a los cortometrajes.
La vida de las mujeres, el paso de la infancia a la edad adulta y la existencia de personajes inquietantes, el amor y la amistad, la familia y una sección nocturna que promete ser sulfurosa y humorística componen los seis ejes temáticos de la temporada 2017.
Con Trapero, considerado también en Francia como uno de los más creativos e internacionales realizadores latinoamericanos, debatirán sus colegas Rebecca Zlotowski, Bertrand Bonello, Fabrice Du Welz y Shlomi Elkabetz.
A su paso por París para presidir la velada inaugural, el director de «El clan», éxito que le dio en 2015 un absoluto reconocimiento nacional e internacional, celebró en declaraciones a Efe haber podido darse el lujo de ver tantas películas.
«Que me inviten a ser jurado y que yo pueda aceptar es el mejor regalo que me pueden hacer.
Me pone en situación como cuando era estudiante de cine e iba los festivales a ver películas», comenta el autor de «Elefante blanco» (2012), que lamenta no tener tiempo de ver cine en los festivales donde va a promover sus propias obras.
«Conocía este festival pero no lo había practicado. Me parece super original, un certamen que permite al público elegir una película desde su casa, verla y dejarse conmover por lo que cuenta, pues a veces es muy difícil ir a un festival o al cine», estima el director, que ultima en estos momentos su primer filme en inglés. Según confirma a Efe, su debut en Hollywood será con «Thin Skinned Animal», adaptación de la novela policiaca «Death of a Thin-Skinned Animal», escrita en 1976 por Patrick Alexander, y rodará sus exteriores principalmente en Berlín, aunque también servirán de telón de fondo países como Afganistán y Kirguizistán.

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Pablo Trapero confirma que está a punto de rodar su primer film en inglés

París, 13 ene (EFE).- El director argentino Pablo Trapero confirmó hoy que su próxima película, la primera que ruede en inglés, será «Thin Skinned Animal», que afronta como un desafío múltiple aunque recuerda en una entrevista con Efe que cada creación es siempre un reto.
Filmar en inglés y fuera de Argentina «es un desafío» y un cambio de escala, concede el realizador de «Mundo Grúa» (1999), que celebra los «universos muy afines» de este filme con sus trabajos anteriores, pero es consciente de que «su nivel de exposición» y sus presupuestos prometen ser de entrada mucho mayores.
«Es un proyecto muy lindo que justamente -subraya- tiene un poco que ver con ‘El clan’», su último éxito, que en 2015 le dio un rotundo reconocimiento nacional e internacional y entre otros premios el León de Plata al mejor director en Venecia y el Goya a la mejor película iberoamericana.
Como en «El Clan» o también en «Carancho» (2010) y «El bonaerense» (2002), hay en él «un poco de género y de realidad», explica Trapero en París poco antes de asistir a la inauguración del festival online MyFrenchFilmFestival, cuyo jurado preside este año.
La noticia de que ultima ahora su debut en Hollywood con la adaptación de la novela policiaca «Death of a Thin-Skinned Animal», escrita en 1976 por el británico Patrick Alexander y producida por Las compañías Studiocanal y Working Title, fue divulgada ayer desde Los Ángeles por el medio especializado «Deadline».
Ciudad donde precisamente estuvo el cineasta hace dos días, antes de volar a Buenos Aires para cambiar las maletas y traer consigo a París a su hijo Mateo, con quien llegó «hace un rato», para asistir a la velada inaugural del certamen, que preside la ministra francesa de Cultura, Audrey Azoulay.

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Hoy: un cuento de Noelí Belzarena Testa

Salteños que publican en el exterior.

Es nuestra intención ir mostrando en sucesivas ediciones algunos textos, de variado estilo y género (cuentos, ensayos, poemas) escritos por salteños y publicados últimamente en medios extranjeros. No son pocos los coterráneos que vienen publicando sus creaciones en revistas de otros países (tanto latinoamericanos como de Europa), en especial en formato digital. Y es buena cosa que EL PUEBLO pueda ser nexo para llegar a su lectura. Hoy compartimos el cuento titulado “¿Cómo atraparé el horizonte?”, de Noelí Belzarena Testa, recientemente publicado en www.amsterdamsur.nl
¿Cómo atraparé el horizonte?
El abuelo se paseaba nervioso por la orilla del océano. Era una hermosa tarde del fin del verano. De vez en cuando las espumosas olas le mojaban los pies calzados con sus viejas alpargatas. Eso no le importaba a él, ese contacto con el agua era más que conocido. Había nacido en ese lugar tan espectacular y apartado de la costa oceánica uruguaya. La arena, el mar, los lobos marinos, formaban parte de su hogar. Su medio de vida era la pesca, pero ya con sus setenta y seis años encima se le estaba haciendo difícil su trabajo. Pero como él decía: – Tengo el maravilloso paisaje que me acompañará hasta mi muerte. Le alcanzaba con disfrutar los amaneceres y atardeceres, las aves, el viento, los lobos marinos que se arrimaban amigablemente a la costa. Pero la ansiedad de ese día en particular se debía a que su nieto adolescente venía a pasar una semana de visita. Hubiera sido lindo, decía el abuelo, que la familia entera pudiera reunirse en la playa, pero esto era como esperar un milagro. Su hijo,- el padre del muchacho – se había ido muy joven del lugar, decía que era un sitio inhóspito y que acababa con las aspiraciones de cualquiera que quisiera progresar. Pero aún así pasaban unos pocos días del verano con el abuelo, sobre todo cuando la playa se llenaba de turistas y todo se volvía divertido y glamoroso. El abuelo se conformaba con las visitas que le hacían, para él era como recibir un regalo, sobre todo cuando venía Martín, su nieto. Es un joven tan inteligente, éste si que va a llegar lejos- decía el abuelo. Cuando el chico llegó encontró al anciano caminando lentamente hacia la cabaña. Se saludaron efusivamente, los ojos del abuelo se llenaron de lágrimas de emoción.
-Bueno, bueno…abuelo no te pongas así. Sabes que ahora que estoy grande ya puedo viajar solo y visitarte seguido.
-¡Que alegría tenerte acá! dijo el anciano, y aferrado fuertemente al brazo del muchacho entraron a la cabaña.
El abuelo ya tenía pronta la cena, prendió el viejo farol a kerosene que iluminó tenuemente la habitación multiuso como él la llamaba.
-Te arreglé la cama más confortable m’hijo.
-Pero abuelo no es necesario, yo puedo dormir bien en cualquier lado.
-No, dijo el abuelo sonriendo graciosamente- eres mi invitado de honor.
Comieron con apetito, pescado frito con papas, un clásico del abuelo. Luego Martín lavó los platos y se fueron a acostar. Martín se durmió pronto, arrullado por el agradable sonido que provenía del mar, lo sintió como una dulce canción de cuna. Al día siguiente lo despertó el aroma a pan recién horneado. Se incorporó en la cama para ver el mar desde la ventana. Y allí estaba, majestuoso y furioso.
– Hoy está picado dijo el abuelo asomándose con una bandeja que olía deliciosa.
-Humm… ¡que rico!, ¿Qué me trajiste?
-Lo de siempre, el pan casero que me sale muy bien, miel y una buena taza de café con leche.
-Gracias abuelo, ¿hoy vamos a pescar?
-No…, vamos a sentarnos afuera para charlar un rato; el océano está bravo.
Se sentaron en la hamaca de madera que el abuelo tenía en la galería de la cabaña, y Martín comenzó la charla.
-Abuelo, sabes que me gusta ir al liceo, papá dice que es el único medio de sobresalir en la vida. Yo no creo que sea tan así. Los profesores son buenos y nos ayudan con la tarea. La profesora de idioma español a veces nos ponía deberes donde debíamos forzar la imaginación y la lógica.
-Y… ¿Cómo es eso? dijo el abuelo.
-Verás un día nos puso una redacción cuyo título era ¿Cómo atrapar el horizonte?
-¿y? …. ¿tú qué escribiste?
-Busqué en el diccionario, y decía: “horizonte es la línea que aparentemente separa el cielo de la tierra, vista de cualquier ángulo esta línea aparece a la altura de los ojos del espectador”. Hice mi redacción, me ayudó papá, pero no quedé muy conforme. Pensé que cuando viniera a visitarte hablaríamos, porque tu eres muy observador y la naturaleza es parte de tu vida ¿no es así abuelo?
-La verdad m’hijo que yo te puedo dar opiniones simples porque como sabes nunca he salido de este lugar y mis conocimientos son muy escasos. Pero, te digo algo seguro, el horizonte no se puede atrapar. Más allá del horizonte que vemos hay otro y luego otro y así hasta el infinito, el horizonte es inalcanzable. Cuando estoy en el mar y lo miro, parece que él también me mira, es maravilloso, cada vez amo más la naturaleza. Esa línea azul que parecería que fuera el principio del infinito es misteriosa y cautivante, porque en el cielo y en la tierra no hay límites, éstos están en la mente de las personas.
Cuando el hombre se aparta de la naturaleza se queda sin horizontes para ver, porque en las ciudades el horizonte se pierde en el cemento. El hombre de ciudad ya no mira el cielo nocturno para ver las estrellas, no tiene el mar para verlo juntarse con el cielo todos los días.
-Es muy interesante tu pensamiento abuelo. Mi redacción no fue por ese lado. Escribí sobre la vida de las personas, que se puede llegar al horizonte que cada uno se haya marcado a través del estudio y la superación intelectual. Es un tema para reflexionar. Pero, ¡yo quiero atrapar un horizonte! La conversación quedó inconclusa. Se aproximaba el mediodía y se pusieron a cocinar. El nieto no se perdía los movimientos rápidos de las manos de su abuelo manipulando las verduras y limpiando el pescado. Siempre le decía que solo se saca del mar lo que se va a comer. Y, así pasaron los días entre la pesca, las recetas del abuelo y valiosas charlas sobre la naturaleza, y la vida que ambos tenían. Llegó el día de la partida y con mucha pena Martín se fue, no sin antes asegurarle al abuelo que en las próximas vacaciones estaría por allí nuevamente. Pasaron los años, con visitas cada vez más frecuentes de Martín. El abuelo envejecía y Martín terminaba su educación secundaria. Ese verano Martín vino con sus padres como todos los años. Cuando las vacaciones llegaron a su fin, Martín se lo dijo.
-Papá, tenemos que hablar.
-Si hijo, pero apúrate a arreglar tu equipaje.
-Pero…. lo que quiero decirte es que no me voy, me quedo con el abuelo, ¡por fin he podido atrapar el horizonte!

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“Gardel siempre estaba un paso adelante”

Una nueva historia del tango. (Publicado por El País Cultural).

Para describir a Héctor Benedetti podríamos recurrir a esa elocuente expresión, “tanguero viejo”, que retrata no a cualquier aficionado al género sino a los más devotos y constantes. Benedetti es un tanguero devoto y constante aunque de ninguna manera viejo.
Nació en 1969 y su vida está consagrada en una inmensa medida al tango; escuchando, comparando, investigando, escribiendo. Mucho es lo que ya publicó sobre el tango —también es autor de ficciones— y su criatura más reciente es Nueva historia del tango. De los orígenes al siglo XXI, publicada por la editorial Siglo XXI.
El título tiene algo de saludable y provocador: proponer una nueva historia parece afirmar, a la vez, que las otras historias del tango ya son viejas. Sin embargo el propósito de Benedetti fue más discreto, aunque sin duda ambicioso: llenar ciertos nichos vacíos en esa historia y hacer con ellos una interpretación seria del género y de su evolución. “El proyecto nació de una sugerencia editorial” dice Benedetti, “no contar la historia del tango como una sucesión de biografías, que es lo que ha solido ocurrir, sino como un movimiento artístico cuyo desarrollo fue bastante laxo, sin cortes netos ni puntos de inflexión”.
NO A LAS DÉCADAS REDONDAS.
—Tu libro cuestiona ciertos mitos que parecían intocables.
—Derribar mitos no fue mi propósito pero terminó siendo una consecuencia de haber reinterpretado la historia de cierta manera. No se trataba de confrontar en forma permanente con otros textos, que los hay muy buenos y muy serios. Pero a veces estos textos son demasiado técnicos, como el que publicó el Instituto de Musicología, y otras veces sus autores están muy enojados. La idea sustancial era hacer un libro de divulgación del tango como el recorrido de un movimiento artístico y replantear la cuestión de la periodización porque la tendencia ha sido tomar décadas redondas; por ejemplo, qué ocurrió entre 1930 y 1940 cuando en realidad el 1º de enero de 1931 no pasó nada nuevo que permitiera decir “aquí comienza algo diferente”. En todo caso, convivían manifestaciones de distintas épocas anteriores, las nuevas tardaban en aparecer, mucho iba quedando en el camino y todo se daba como un proceso lento y complejo.
—Y también dejaste de lado el recurso biográfico.
—Sí, porque eso hubiera significado sacar a cada artífice del tango —ya fuera cantor, compositor, letrista o bailarín— de su contexto, sin atender a la realidad de su tiempo.
—¿A qué te referís?
—A que aquellos artistas estaban muy atentos a lo que ocurría musicalmente no sólo entre sus propios colegas sino también fuera del país; y además a lo que sucedía en otros movimientos artísticos. Hacia mediados de los ’30 y entrados los ’40 una persona como Homero Manzi abrevaba en géneros poéticos no relacionados exactamente con la cancionística. El modernismo influyó mucho en Cadícamo, el ultraísmo incidió enormemente en Homero Expósito.
—¿Y en cuanto a la música?
—Estaban muy conectados con las novedades de Europa y de Estados Unidos. Eso ocurría con Francisco Lomuto, Francisco Canaro, Roberto Firpo, todos ellos tenían orquestas de jazz al mismo tiempo que sus propias orquestas de tango. Muchos de los discos que grababan tenían de un lado un tango y del otro, un tema de jazz.
—Pero en los tangos que ellos tocaban, ¿reconocés influencias del jazz?
—Sobre todo en Osvaldo Fresedo y en Lomuto, pero es cierto que en una proporción reducida. No podemos escuchar a Fresedo y decir “esto es jazz”, porque no es así. Aunque por ejemplo Fresedo tomó un foxtrot lento, “Isla de Capri”, y lo transformó en un tango. O Gardel, que cuando se estrena por primera vez una película hablada de origen norteamericano, La divina dama, él toma un vals de esta película, lo hace traducir y lo graba. Lo que demuestra que estaba permanentemente a la caza de novedades. Y cuando mucho después viaja a Nueva York y graba “Rubias de New York”, “El día que me quieras”, “Por una cabeza” —quizás los temas más famosos de su repertorio— los arreglos orquestales suenan más a tango europeo que a tango nuestro: hay pocos bandoneones, los arreglos son lentos, los temas están hechos en función de películas.
EL MAGO INQUIETO.
—Hablemos de Gardel.
—Claro. Es importante señalar que Gardel no fue un invento de su época ni mucho menos de una época posterior. Gardel era “Gardel” en vida. Siempre estaba un paso adelante. Cuando aquí recién se empezaba a experimentar con el cine sonoro él ya estaba filmando en Francia y en Estados Unidos. Su plan al volver a Buenos Aires, poco antes de su muerte, era entre otras cosas para grabar los poemas de Evaristo Carriego en un formato más grande —como los que se usaban para la música clásica— y agregando un fondo musical. Era una persona evolucionada, con otras inquietudes si se la compara con el medio del tango de esa época.
—¿Por qué?
—Hacia 1935, cuando él muere, el tango estaba atravesando una etapa muy crítica por culpa de varios años seguidos de una especie de inercia artística. Nadie lo reconocía abiertamente pero se comenzaba a sospechar que el interés por el tango no se iba a sostener mucho tiempo más. No es casual que en esos años varios cantantes y orquestas modificaran la relación entre el tango y otros géneros, aumentando la proporción de música “latina”, como los boleros, los sones cubanos, el samba brasileño. Por otra parte, algunos intérpretes tradicionales, para tratar de recuperar a su público, comenzaron a probar fórmulas como el “tango sinfónico” sobre la base de un concepto erróneo de lo “culto”. Al mismo tiempo, otras agrupaciones retrocedieron hacia formas primitivas de ejecución, evocando los conjuntos de la Guardia Vieja que habían perimido por lo menos quince años antes. Hacia la segunda mitad de la década del ’30 comienza a producirse una verdadera renovación del género, fluctuante pero renovación al fin, que luego quedará asociada en el imaginario popular a la dorada década del ’40.
EL MITO DEL PROSTÍBULO.
—Vayamos a los mitos establecidos que tu libro pone en cuestión, por ejemplo el origen prostibulario del tango.
—Es un origen improbable porque oficialmente, al menos en la ciudad de Buenos Aires, no estaba permitido bailar en los prostíbulos; para eludir los edictos policiales lo que se hacía era anunciar el lugar como salón de baile y las chicas esperaban atrás. Sin embargo, aunque creo que el tango nació en ambientes marginales —aunque habría que definir qué son los márgenes— esa marginación duró muy poco tiempo. Casi inmediatamente, y para eso hay que acudir a esos primeros testimonios del momento en que el tango toma una dirección clara como tal, esos testimonios no hablan de ambientes de baja estofa sino de estratos de mayor nivel cultural o de buen poder adquisitivo: clases medias e incluso clases medias altas, niveles superiores al que seguramente tuvo en sus comienzos.
—¿De qué época hablamos?
—Alrededor de 1880, muy temprano. En esos testimonios no se menciona a los arrabales sino al barrio de Flores, a la recién fundada ciudad de La Plata, a bailes en ocasión de reuniones sociales, o a teatros o salones “decentes”. Los supuestos ambientes marginales no han quedado registrados.
—¿Y respecto del origen africano del tango?
—Efectivamente, la palabra “tango” tiene su origen en alguna lengua africana. Y con esto se tiende, y se ha tendido, a relacionar la palabra con aquello que designa.
—Aunque como dijo el musicólogo Carlos Vega, las cosas no tienen necesariamente el mismo origen de las palabras que las nombran.

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Jorge González se convierte en leyenda en la Cumbre del Rock chileno

Javier Ureta. Santiago de Chile, 8 ene (EFE).- El exvocalista de la mítica banda chilena Los Prisioneros, Jorge González, ofreció hoy su última actuación y se elevó a los altares de la música chilena en la décima edición de la Cumbre del Rock, celebrada este sábado en el Estadio Nacional con la participación de más de cuarenta grupos.
González brindó a las más de 35.000 personas que se congregaron en el recinto un último concierto especial, íntimo, en el que hubo momentos en los que se limitó a observar emocionado como el público cantaba sus éxitos.
Postrado en una silla, visiblemente desmejorado por el infarto cerebral que sufrió hace casi dos años, alzó su voz valiente una vez más para entonar «Trenes, trenes, trenes», el sencillo de su último trabajo en solitario.
A medida que avanzaba el show comenzaba a acrecentarse la figura de González, leyenda inmortal del rock chileno con Los Prisioneros, la banda que desafió a la dictadura de Augusto Pinochet.
Es por eso que críticos como Felipe Cussen, especialista en literatura y música de la Universidad de Santiago, destacan la «vasta importancia» de su obra y su influencia en artistas chilenos como Javiera Mena o Pedro Piedra.
«No se puede hablar de que dejará un vacío cuando existe un legado tan grande de discos que todavía podemos seguir descubriendo y escuchando por mucho tiempo», comenta.
Otros músicos que habían amenizado previamente el festival, como la banda López, aprovecharon su actuación para agradecerle su aportación a la música chilena.
«Yo aprendí a cantar con Jorge González. Mis primos tocaban la guitarra y yo cantaba sus canciones. Si estoy aquí es por él», confesó el líder del grupo, Álvaro López.
Las canciones de González están tan presentes en el imaginario colectivo de Chile que el estadio se fundió en una sola voz cuando el cantante subió las revoluciones del concierto, dejó de lado la calidez de sus primeras composiciones e interpretó los viejos himnos de Los Prisioneros.
De hecho pasó callado buena parte de su clásico «Tren al sur», viendo como el estadio se estremecía al cantar.
Y en el momento más emotivo de la noche, el estadio entró en trance para entonar por última vez «El baile de los que sobran», una composición que trascendió el estatus de mera canción para convertirse en el himno de la juventud chilena durante las protestas contra la dictadura en los años ochenta.
Tras un recital en el que afloraron las emociones en todos los asistentes, González agradeció con una simple sonrisa la entrega de la Orden del Mérito de manos del ministro de Cultura chileno, Ernesto Ottone.
Ottone también otorgó a otra figura de la música chilena, el vocalista de Los Tres, Álvaro Henríquez, el premio Icono del Rock.
Henríquez fue el mejor compañero posible en la noche de González, a la que también se unieron otras estrellas de la música chilena como Joe Vasconcellos, Javiera Mena o Chancho en Piedra, que homenajearon a la recientemente fallecida Carrie Fisher con el disfraz del personaje que le dio la fama, la princesa Leia de Star Wars.
En total, más de catorce horas de música que hicieron bailar, recordar y emocionarse a los miles de asistentes al Estadio Nacional, espectadores privilegiados de la transición de cantante a leyenda del rock sudamericano de Jorge González.

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Director de cine paraguayo de «Latas vacías» ya prepara su próxima película

Asunción, 7 ene (EFE).-
El director de cine paraguayo Hérib Godoy, autor de la cinta «Latas vacías», una de las películas más taquilleras de 2014 en el país sudamericano, ya trabaja en su nuevo film «La Redención», una historia basada en la Guerra del Chaco entre Paraguay y Bolivia durante los años 30.
Después de triunfar con su cinta basada en la en el mito de «plata yvyguy» («plata bajo tierra», en lengua guaraní), Godoy vuelve con un historia sobre el último conflicto bélico de Paraguay a través de la unión de personajes.
En ese sentido, la película versará sobre la historia de un excombatiente de la Guerra del Chaco y la nieta de otro ya muerto, quienes se unen para buscar el cuerpo del fallecido abuelo y compañero de trinchera y revivir los momentos de aquellas batallas. Con esta historia, que tiene guión de Néstor Amarilla Ojeda y la producción de Aline Moscato, Godoy buscará revivir el éxito de su anterior largometraje.
Godoy cosechó gran éxito en 2014 con su última película «Latas Vacías», la cual participó en diversos festivales de cine en Latinoamérica e incluso fue una opción a considerar para los Oscars en 2015.

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