Nox Film Fest: se conocen los premiados

Dio a conocer los resultados de su trabajo el Jurado que actuó en la cuarta edición del festival de fantasía y terror, Nox Film Fest, evento que desde el 9 al 12 de este mes se desarrolló tanto en el Ateneo (dadas las inclemencias del tiempo) como en el Parque Solari (su ámbito natural). El jurado estuvo conformado por Valentina Lellin, Lucio A. Rojas y Rodofo Santullo, y los premios otorgados fueron los siguientes:

Mejor largometraje: “Punto muerto”, de Daniel de la Vega; Mejor cortometraje: “Cerdita”, de Carlota Martínez; Mejor cortometraje fantástico: “Le Blizzard”, de Álvaro Rodríguez; Mejor cortometraje iberoamericano: “La peste”, de Guillermo Carbonell; Mejor cortometraje uruguayo: “Abendlied”, de Jorge Menoni; Mejor actriz de largometraje: Mirta Wons (“Pendeja, payasa y gorda”); Mejor actor de largometraje: Germán De Silva (“No sabés con quién estás hablando”); Mejor actor de cortometraje: Iñake Irastorza (“Antxni”); Mejor música para película: Luciano Onetti (“Abrakadabra”); Premio Especial Mujeres del Terror: Beatriz Olcina (“Sigue contando”). Alfredo Zitarrosa
Vale recordar que la Dirección general del evento es del mexicano, radicado en Salto desde hace ya varios años, Salomón Reyes.
1989 – 17 de enero – 2019
Alfredo Zitarrosa moría un día como hoy, hace 30 años
La muerte vino por Alfredo un 17 de enero, como hoy, de hace 30 años. A poco estaba de cumplir 53 años cuando la muerte vino por él.
“Hoy anduvo la muerte buscando entre mis libros alguna cosa… Hoy por la tarde anduvo, entre papeles, averiguando cómo he sido, cómo ha sido mi vida, cuánto tiempo perdí, cómo escribía cuando había verduleros que venían de las quintas, cuando tenía dos novias, un lindo jopo, dos pares de zapatos, cuando no había televisión, ese mundo a los pies, violento, imbécil, abrumador, esa novela canallesca escrita por un loco… Hoy anduvo la muerte entre mis libros buscando mi pasado, buscando los veranos del 40, los muchachitos bajo la manguera, las siestas clandestinas, los plátanos del barrio, asesinados, tallados en el alma… Hoy anduvo la muerte revisando mi abono del tranvía, mis amigos, sus nombres, las noches del café Montevideo, las encomiendas por la Onda con olor a estofado, revisando a mi padre, su Berreta, su Baldomir, revisando a mi madre, su hemiplegia, al Uruguay batllista, a Arístides querido, a mis anarcos queridos bajo bandera, bajo mortaja, bajo vinos y versos interminables… Hoy anduvo la muerte revisando los ruidos del teléfono, distintos bajo los dedos índices, las fotos, el termómetro, los muertos y los vivos, los pálidos fantasmas que me habitan, sus pies y manos múltiples, sus ojos y sus dientes, bajo sospecha de subversión…”. Pero cabe preguntarse si realmente lo encontró, si halló la verdadera sustancia de vida que tenía él, porque sucede que a cada momento, más allá de los años transcurridos, alguien dice unos versos suyos, ensaya algunos de sus acordes o tararea No te olvides del pago…es decir, Alfredo Zitarrosa sigue estando. Claro, la muerte no lo encontró.
“…no halló nada… No pudo hallar a Batlle, ni a mi padre ni a mi madre, ni a Marx, ni a Arístides, ni a Lenin, ni al Príncipe Kropotkin, ni al Uruguay ni a nadie. Ni a los muertos Fernández más recientes… A mí tampoco me encontró… Yo había tomado un ómnibus al Cerro e iba sentado al lado de la vida…”. Y está, sobre todo, en el recuerdo y el afecto de este país.7-26

Falleció el escritor Saúl Ibargoyen
El pasado miércoles 9 falleció en Ciudad de México, donde residía desde 1976, el escritor uruguayo Saúl Ibargoyen. Periodista, poeta, narrador y ensayista. Dirigió el sello y revista Aquí Poesía (Montevideo); fue Jefe de Redacción y Subdirector de la revista Plural (2da. época, México). Colaborador de El entrevero, Archipiélago, Tinta seca, Casa de las Américas, Excélsior, Plural, entre otras publicaciones. Su obra ha sido traducida al inglés, francés, alemán, ruso, bielorruso, portugués, árabe y esloveno. Premio Nacional de Poesía “Carlos Pellicer” 2002. Premio Nacional XXXIV Juegos Flores de San Juan del Río, Querétaro, 2004. Entre los premios más importantes recibidos en Uruguay cabe destacar los otorgados por el Ministerio de Educación y Cultura. Miembro de la Academia de las Letras de Uruguay desde 2008.
Sus principales poemarios son “El pájaro en el pantano” (1954), “Palabra por palabra” (1969), “Exilios” (1978), “Basura y más poemas” (1991) y “El escriba de pie” (2002). Había nacido en Montevideo el 26 de marzo de 1930.

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El Japón que sobrevivió a las bombas atómicas, desde la mirada de un viajero uruguayo

De Hiroshima a Nagasaki: huellas de uranio

(EL PAIS CULTURAL)
n una calle no muy transitada de Hiroshima detenemos nuestra caminata nocturna frente a una pequeña placa. En la esquina hay un pequeño supermercado de 24 horas, o conbini, como le dicen en Japón. Detrás de la placa se levanta un edificio chico vestido con baldosas grises y nada podría hacer que esta cuadra pareciera menos interesante.
Sin embargo, leemos la placa y al igual que debe hacer casi cualquier turista, miramos hacia arriba, al cielo oscuro y estrellado, para imaginarnos un flash inabarcable. Es que exactamente seiscientos metros por encima de nosotros estalló Little Boy. Esta placa indica el hipocentro, el punto donde estalló la primera bomba atómica arrojada sobre población civil.foto cultu
Cuatrocientos ochenta y nueve kilómetros en tren hacia el sur hay otro hipocentro, algo menos recordado: Nagasaki. Está marcado con un alto monolito negro que apunta hacia el sitio en el aire donde estalló Fat Man, la segunda bomba, y está rodeado por amplios círculos concéntricos escalonados con pasto, que sugieren la onda expansiva. Pero como fue la segunda, tuvo menos prensa y es menos recordada, por lo que hay poco turista atómico, a pesar de que tiene un mejor museo y memorial que el de Hiroshima. Hasta en las desgracias, ser el primero tiene sus ventajas.
Ese fenómeno del destaque de una ciudad sobre otra empezó cuando en mayo de 1946, nueve meses después de la bomba, The New Yorker envió al periodista John Hersey a Hiroshima, a hacer un extenso reportaje sobre las víctimas. El estadounidense estuvo un mes en la ciudad y siguió las experiencias de seis sobrevivientes. Cada uno de ellos contaba su vivencia del horror del día en que estalló Little Boy y cómo, por azar, milagro o la razón que se quiera, se salvó para ser testigo del infierno desatado. Sin embargo, señala Hersey, lo que tenían en común entre ellos y los demás sobrevivientes que fue encontrando, era una suerte de orgullo por la forma en la que habían salido adelante después de una experiencia que no tenía puntos de contacto con nada que la humanidad hubiese visto hasta ese momento.
Mientras paseamos por el parque del castillo de Hiroshima, a pleno mediodía, un japonés veterano nos sigue en bicicleta hasta que nos alcanza. “¿De dónde vienen?” nos pregunta curioso y contento. Cuando le respondemos, exclama “¡Uruguay!” (porque todos los japoneses lanzan exclamaciones con frecuencia) y luego nos dice, literalmente, “Bien-va-nido”. Y se despide con un saludo y más sonrisas.
No es el único que en Japón reacciona de esa forma. Y es común que cualquiera sepa que Uruguay está en Latinoamérica y que se habla español, ya sea por referencias futbolísticas, por Mujica o por simple cultura general. En Nagasaki, el dueño del hostal en el que nos quedamos es un joven que nos pregunta cómo conseguir mate, ya que quiere probarlo después de haber visto cómo lo toman Messi y Suárez.
En Hiroshima el clima relajado de sus calles y habitantes y su buena disposición parecen hablar de una ciudad que no solo cuida la gigantesca cicatriz que le dejó la fisión nuclear de un kilo de uranio enriquecido, sino que la muestra con una mezcla de solemnidad y orgullo nacional. No en vano cuidan y exhiben las ruinas del domo Genbaku, esqueleto de un antiguo edificio público y una de las pocas cosas que quedaron más o menos en pie en los alrededores del hipocentro.
Hacia el final de su libro, Hersey escribe: “Un sorpresivo número de personas en Hiroshima seguían más o menos indiferentes con respecto a la ética de usar la bomba. Posiblemente estaban demasiado aterrorizados por ella como para pensarlo…”. Ahí aparece otro factor que descubrió el periodista: la idea de que atravesaban el horror atómico en nombre del emperador y de su imperio.
Ese factor no aparece mencionado en el estremecedor Museo de la Paz de Hiroshima, donde solamente se dice que Japón inició la guerra del Pacífico con el ataque a Pearl Harbor, en 1941. Es cierto que el foco del museo es la recreación del momento de la bomba, eso que los sobrevivientes describían solo como un flash enceguecedor, las consecuencias horrendas que la guerra llevó a la población civil y la concientización sobre la carrera nuclear e incluso el mercado negro de esas armas en este siglo. Pero por otro lado, afirman los textos del museo, Estados Unidos podría haber amenazado con la bomba en lugar de arrojarla como forma de justificarle a su propia población los dos mil millones de dólares que habían invertido para desarrollarla.
El grito de guerra Tenno heika, banzai, o Larga vida al emperador, que menciona Hersey como algo que se repetían algunas de las víctimas de la bomba, tampoco aparece en I Saw It (Lo vi), un manga de Keiji Nakazawa. Se vende en el museo de Hiroshima y tiene la virtud de haber sido el primer cómic que recreó en primera persona el horror de todo lo que siguió a la mañana del 6 de agosto de 1945. Es una historieta de veinticuatro páginas que cuenta explícitamente lo que vio el autor, lo que perdió su familia, la miseria de los años siguientes y cómo se convirtió en historietista, o mangaka. Nakazawa hizo después un manga más ambicioso y fundamental para entender esta tragedia, Gen Piesdescalzos, que luego fue adaptada al animé.
En I Saw It hay una escena que tal vez ayude a entender la actitud japonesa ante la catástrofe y cómo se reconstruyeron estas Hiroshima y Nagasaki que respetan sus cicatrices, pero que reciben con alegría y orgullo a los turistas. Es la secuencia en la que la madre de Nakazawa crema el cuerpo de su bebé, muerto por desnutrición, y luego sostiene su cráneo. “Mi madre miró a las llamas sin derramar una lágrima”, dice el autor. “Supongo que no tuvo tiempo de llorar, porque era lo único que podía hacer para mantenerse viva y alimentarnos”.
Es de noche, otra vez, y a la orilla del río Motoyasu, que cruza Hiroshima, se paran decenas de niños y un profesor. Para un extranjero es raro ver a esa hora tantos niños con un solo adulto responsable. Varios de ellos nos saludan amablemente y luego todos entonan una canción, al mismo tiempo que en la otra orilla algunos adultos encienden y colocan lámparas rojas en el agua. Mientras siguen su delicada y melancólica canción, caminan a la par de las lámparas, llevadas por la corriente. Nosotros seguimos sus pasos y atendemos a todo lo que hacen. Es inevitable y parece una lección involuntaria, como todo en estas dos ciudades.

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Biografía imperdible sobre Al Capone, figura compleja del Crimen Organizado en los Estados Unidos de Norteamérica

Al Capone, Vida y Leyenda. Gánster feroz, esposo feliz

En junio de 1895 el matrimonio formado por Gabriele y Teresa Capone llegó a Estados Unidos. Provenían de un pueblo de las afueras de Nápoles, y traían consigo a sus dos primeros hijos, Vincenzo, de tres años, y Raffaele, de diecisiete meses, y el denodado empeño de establecerse con éxito en la tierra de todas las promesas. Gabriele no solo desembarcó con un oficio a cuestas (era panadero, aunque al poco de llegar tuvo que ganarse la vida como peluquero), sino que cargaba un tesoro de alguna manera extraño para aquellos tiempos: sabía leer y escribir. al capone

Pronto se instalaron en Brooklyn, primero en las zonas más periféricas, pero fueron cambiando de lugar hasta afincarse en un barrio trabajador, donde la mezcla de nacionalidades no provocaba problemas en la convivencia y los inmigrantes se respetaban entre sí, sin importar el país de donde fueran oriundos. Allí nacieron sus otros seis hijos, el primero de ellos en 1899, quien fue bautizado Alphonse y a quien toda la familia llamaría Al. “Con diez o doce años pasaba por un joven de dieciséis o dieciocho”, escribe Deirdre Bair, la autora de Al Capone. Su vida, su legado y su leyenda. “Al igual que sus hermanos, era más alto que la mayoría de los italianos y de adulto, según quien lo dijese, medía un metro setenta y cinco o cerca de un metro ochenta. Cuando estaba en la flor de la edad pesaba más de cien kilos, alrededor de ciento quince, pero como era muy musculoso, llevaba bien el sobrepeso”. En plena adolescencia Al conoció a Johnny Torrio, un italiano que manejaba una pequeña organización encargada de extorsiones a comerciantes, y que administraba los ingresos de una red de garitos y prostíbulos en Brooklyn. No tardó mucho para que se incorporara a la misma y se convirtiera en uno de los miembros preferidos del líder, y cuando este marchó a ampliar sus negocios a Chicago, lo encomendó a otro capo, el calabrés Frankie Yale. Trabajando en uno de los tantos tugurios de Yale y tras piropear a una muchacha, Al recibió tres tajos en la cara, cargando desde entonces con su célebre apodo, Scarface (Caracortada), y con el inútil esfuerzo por disimular las cicatrices de su mejilla izquierda.

EL NUEVO ROCKEFELLER

Pendenciero, mujeriego empedernido, Al conoció a Mary Josephine Coughlin, a quien todos llamaban Mae, cuando trabajaba como operario en una fábrica de cajas de cartón y ella se desempeñaba como administrativa en el mismo lugar. “Era una guapa chica irlandesa, de pelo rubio y ojos verdes…”, la describe Bair, y la muchacha se enamoró perdidamente. Al poco tiempo quedó embarazada y a fines de 1918 nació Albert Francis Capone (Sonny), único hijo de la pareja, quien soportó desde bebé y hasta bien entrada su adolescencia serios problemas de salud: Al le había contagiado sífilis a Mae y si bien ella nunca desarrolló síntomas, le había transmitido la enfermedad al niño. Al poco tiempo Al viajó a Chicago y se incorporó a la nueva organización de Torrio, quien tras asesinar a su cuñado (Giacomo “Big Jim” Colosimo) se había apoderado de la mayor red de prostíbulos de la ciudad y, aprovechando la recién promulgada Ley Seca, de la masiva distribución de bebidas alcohólicas. En 1925 tres hombres de un grupo rival, llamado Banda del Lado Norte, entre los que estaba “Bugs “Moran, atentaron contra Torrio, quien salvó su vida de milagro. Con algo más de cuarenta años de edad y una fortuna considerable, este decidió retirarse de sus negocios y dejar en su cargo a Capone, su más fiel y capacitado lugarteniente. En poco más de cinco años Capone se hizo con una fabulosa fortuna, tan abultada que un periodista de la época escribió que era algo así como “el Rockefeller de unos 20.000 puntos de abastecimiento antiprohibicionista”, al mando de cerca de mil hombres. En 1926 los ingresos brutos de lo que ya se conocía como la Organización, “procedentes de las extorsiones y la prostitución se estimaban, calculando por lo bajo, en 105 millones de dólares al año (serían aproximadamente 1.377 millones en 2015)”. Y con apenas treinta años, el patrimonio de Capone alcanzaba los 550 millones de dólares actuales.
Pero si de redondear cifras se trata, es inevitable este dato obtenido de una consultora de la época: “entre 1920 y 1930 hubo alrededor de 700 muertes relacionadas con las bandas”, y se creía que Capone era el responsable “directa o indirectamente” de unas doscientas. Apenas pisar Chicago, Al demostró no solo su capacidad de mando y sus agallas para enfrentarse a cualquier enemigo que se cruzara en su camino, sino también su habilidad para darle a la Organización una estructura financiera de primer orden, que se regía con las mismas estrategias del capitalismo más salvaje y eficaz. Simultáneamente, también había reunido a su familia en una enorme casa donde convivían su esposa, su hijo, su madre (el padre había fallecido en 1919) y sus hermanos menores, aunque por lo general él permanecía escondido en uno y otro aguantadero, poniéndose a salvo de las permanentes amenazas de las bandas rivales.

SANGRIENTO SAN VALENTÍN

Extrovertido, manirroto, ampuloso en su indumentaria (gustaba vestir trajes amarillos o verdes, usar varios anillos, llevar un cinturón con hebilla de diamantes), Al se convirtió, más allá de todas las sospechas que caían sobre sus brutales prácticas, en una suerte de héroe popular, uno de los personajes más conocidos y solicitados por la prensa de todo Estados Unidos. Saludado por amplias franjas de la población que veían en sus permanentes desafíos a la Justicia y a la policía una suerte de revancha de las infamias de un sistema que caminaba hacia la peor crisis de su historia (el Crac del 29 o Gran Depresión), vivió su efímero esplendor con intensidad, siempre rodeado de mujeres, guardaespaldas y matones de toda calaña. En marzo de 1928, poniendo distancia de los riesgos cada vez mayores de su actividad, compró una fastuosa residencia en Palm Island, en la Biscayne Bay de Miami Beach, Florida, con treinta metros de costa de su exclusiva propiedad donde amarraba su lancha a motor y su yate de diez metros de eslora. Primero instaló a Mae y a Sonny, pero pronto el resto de su familia comenzó a pasar largas temporadas. Desde allí planeó una sanguinaria operación para acabar con la vida de su archienemigo “Bugs” Moran. El 14 de febrero de 1929 concretó lo que se conocería como la Masacre de San Valentín. Ese día, algunos de sus sicarios disfrazados de policías tendieron una trampa a siete hombres de la Banda del Lado Norte, los hicieron colocar contra una pared y los acribillaron brutalmente, pero Moran no estaba entre ellos. Esta matanza y el asesinato de Jake Lingle, un periodista del Chicago Tribune en un principio favorito de Capone, “pero años después ejecutado muy probablemente por orden suya, por rebasar los límites de lo que Capone quería que se supiera de él y de la Organización”, causaron tal impacto en la opinión pública que la inicial corriente de simpatía volcada sobre el también llamado Enemigo Público nº 1, empezó a decaer precipitadamente. Y entre tanto, los principales empresarios de Chicago comenzaron a financiar una serie de investigaciones sobre las actividades de quien se había convertido en un inescrupuloso competidor que jamás había pagado un dólar de impuestos.
(EL PAÍS CULTURAL)

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Gran pérdida para el teatro y la cultura salteña ¿Por qué la Intendencia cesó a Raúl Rodríguez Da Silva?

Hace poco más de un año (edición del 23/11/17), cuando hablábamos en esta página de la rica historia, y también presente, del teatro salteño, reflexionábamos: “…seguimos lamentando la pérdida (desconocemos realmente cuáles fueron los motivos) del taller de teatro municipal que brindó en nuestra ciudad (Ateneo) hasta hace algún tiempo Raúl Rodríguez Da Silva, director de amplia y reconocida trayectoria en varios países de Latinoamérica y de Europa…”.
Raúl Rodríguez Da Silva había asumido dicho cargo docente por concurso, a comienzos del año 2013 (como también lo hicieron, siempre hablando de teatro, Zully Vallarino, Pablo Sánchez y Roberto Lucero), concurso que dispuso como una de las primeras medidas al asumir su cargo, el entonces Director de Cultura, Prof. Académico Leonardo Garet. El suyo fue en aquella instancia un altísimo puntaje, de los más altos entre los concursantes para todas las disciplinas a las que se convocó. (Dicho sea de paso, hace algún tiempo, varios orientadores de talleres nos hicieron saber su preocupación porque las actas con los resultados de aquel concurso estaban “desaparecidas”).Raúl Rodríguez Da Silva
Hoy estamos en condiciones de decir que el cese de Rodríguez Da Silva se debió puramente a una decisión de las nuevas autoridades de la Intendencia (entiéndase Andrés Lima como Intendente y Jorge de Souza como Director de Cultura), cuyos motivos ni el propio docente tiene del todo claro.
LO CESARON POR TELÉFONO
Hace algunos días, consultado por EL PUEBLO al respecto, el docente comentó: “En realidad las nuevas autoridades me cesaron. Argumentaron un tema económico. Todo lo hicieron por teléfono, luego de algunas conversaciones muy alentadoras que yo había tenido con el Director (Maestro Jorge De Souza) y Subdirector de Cultura (en ese entonces Profesor Regino López)…Creo que Zully Vallarino (quien ocupara luego el cargo de Coordinadora de los Talleres Artísticos, actualmente orientadora del “Elenco Departamental de Teatro”) fue la encargada de darme la mala noticia…”.
Pero al considerar las posteriores contrataciones que realizó el Departamento de Cultura para, entre otros cargos, nuevos orientadores de talleres, así como el llamado realizado en estos días, es que el argumento económico no llega a convencernos. Y es por ello que, púbicamente, trasladamos a las autoridades la pregunta del título de esta nota.
DEJÓ SU HUELLA EN SALTO
Durante el tiempo que se desempeñó en nuestra ciudad, Rodríguez Da Silva, duraznense por nacimiento y sanducero por adopción, dejó una muy buena huella trazada. Realizó varias e importantes presentaciones, incluso en el Teatro Larrañaga (donde actuaron, por citar tan sólo un par de ejemplos, la profesora Yiya Migliaro y el arquitecto Juan Carlos Ferreira, entre varios referentes más de nuestra cultura, junto a jóvenes y adolescentes que hacían sus primeras armas), actividades a las que siempre quiso llamar “muestras” y nunca “puestas en escena” ni “obras”, por entender que sus alumnos (tampoco los llamaba “actores”) estaban en pleno proceso de aprendizaje y que ello implicaba una necesaria carga de humildad y bajo perfil.
Respeto por la seriedad, la pasión y el profesionalismo para enseñar, admiración por su nivel intelectual, enorme cariño por su forma de ser amable y humilde, así como agradecimiento por su permanente aliento a superase, es lo que predomina en el recuerdo de quienes han sido sus alumnos. “Te enseñaba las bases del teatro, para que recién después, quien quisiera, pudiera innovar”, “exigía bastante y te hacía entender lo necesario que es exigirse para crecer”, “no te enseñaba solamente cosas prácticas de la actuación, además te hacía leer mucho y hasta escribir”, son algunas de las cosas que nos han señalado quienes lo tuvieron como docente en nuestra ciudad.
FERVIENTE ADMIRADOR DEL TEATRO RUSO
Asimismo, nos viene a la mente el acto realizado el 22 de noviembre de 2013, al descubrir en el hall del Teatro Larrañaga, por iniciativa suya, una placa recordatoria de Stalisnavsky, maestro del teatro ruso y uno de los mayores referentes de esta disciplina artística a nivel mundial. Sobre la vida y obra de Stalisnavsky, especialmente sobre aspectos de su teoría del teatro, también realizó interesantes charlas en nuestro medio. Raúl Rodríguez Da Silva, hombre además vinculado a la política (fue nada menos que candidato a la Presidencia de la República por el partido Asamblea Popular en 2009), cuenta con una larga y fecunda trayectoria dentro del ámbito teatral nacional y con proyección internacional. La afinidad con el teatro ruso es una de sus características y desde Rusia le llegan con frecuencia invitaciones para dirigir obras e impartir enseñanzas, lo que significa, según él, “de alguna manera introducir la dramaturgia latinoamericana en el arte ruso”.
POR EL BIEN DE SALTO…
La placa colocada en el hall de nuestro Teatro Larrañaga quedará seguramente para siempre, así como sus enseñanzas en el buen número de salteños que asistieron a sus cursos en los dos años, aproximadamente, que trabajó aquí. Por la dedicación con la que trabajó, creemos que no merecía el hecho en sí (el cese) ni la forma en que se dio (por teléfono). Por el bien del teatro y la cultura en general de Salto, es de esperar que las actuales autoridades revean su postura. O que nuevas autoridades que en el futuro puedan llegar, lo tengan en cuenta.

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Montevideo se prepara para WeComm, el primer Congreso de Comunicación Digital

(Montevideo, Uruguay) Poco a poco, las luces de la Rambla de Montevideoempiezan a encenderse para recibir WeComm, el primer Congreso Internacional Comunicación Digital, que se llevará adelante en las instalaciones de Kibon Avanzael próximo 7 y 8 de mayo.
El evento es organizado por OGreat Marketing Digital, una agencia local, en asociación con la Cumbre Mundial de Comunicación Política, organizadora de exitosos eventos en América y el ámbito de Interacción por excelencia de las mejores prácticas de comunicación política en el mundo.
El Congreso, que ha sido declarado de interés por el Ministerio de Turismo y Deporte del Uruguay, surge con el fin de romper con la estructura tradicional de los seminarios de comunicación, sumando paneles de debate, análisis y discusión de actualidad, además de talleres prácticos, buscando proporcionarle a profesionales, emprendedores y estudiantes de comunicación las herramientas necesarias para alcanzar la profesionalización.
“Hoy en día, para toda organización, sea cual sea el rubro, es fundamental el vínculo con sus clientes a través de las plataformas digitales. No contar con presencia activa supone estar en desventaja con respecto a los competidores. La inversión digital en los países de Europa supera el 50%, porcentaje que dista y mucho del de los países latinoamericanos, lo que refleja que aún hay mucho por hacer”, explicaron en un comunicado desde la organización.
En este contexto nace WeComm, cuyo desafío es el de visibilizar la relevancia del campo digital y la importancia que ha tomado a nivel internacional, apostando a generar un contenido de valor y destacado.
Como conferencistas, ya fueron confirmados consultores, politólogos, periodistas, asesores y empresarios de México, Argentina, España, Ecuador, Chile y Uruguay, quienes brindarán sus conocimientos aportando una mirada fresca e innovadora orientada a construir los cimientos para el crecimiento de la Comunicación Digital en América Latina.

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Se realizó el Fogón de Guayabos en homenaje al izado de la primera bandera artiguista

En Plaza Artigas

Se llevó a cabo este jueves 10 de enero, en la Plaza Artigas, el Fogón de Guayabos, activida02d dedicada a recordar y homenajear el triunfo de las fuerzas artiguistas en la batalla de Guayabos, ocurrido en enero de 1815, hecho que puso fin a la dominación porteña en la Provincia Oriental.
Se trata de una iniciativa del departamento de Cultura de la Intendencia de Salto con la participación del Grupo de Apoyo a la Tradición Salteña y la Comisión de Amigos del Patrimonio, quienes realizaron una reseña histórica sobre los acontecimientos recordados. La actividad contó además con la presencia de integrantes de Regimiento de Blandengues de Artigas, quienes hicieron entrega de la Bandera Federal. Seguidamente, la actividad se trasladó al Mercado 18 de Julio, con la actuación de varios 01artistas locales.
La marcha a caballo que estaba prevista como parte de estas actividades debió suspenderse debido al estado del tiempo y a los pronósticos meteorológicos adversos, pero se mantiene la realización del acto protocolar de izado de la Bandera Federal, que será el domingo 13 de enero a las 19 horas en Paso del Potrero de Arerunguá. Participarán autoridades y representantes institucionales y sociales y habrá un acto artístico-cultural con números musicales y una muestra de elementos históricos de la época.
Cabe recordar que el 13 de enero de cada año fue declarado el Día de la Primera Bandera de José Artigas mediante la Ley 19.571.

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La 4ª Edición del Nox Film Fest retoma sus actividades a partir de este viernes en el Parque Solari

Se está llevando a cabo la 4ta. Edición del Nox Film Fest bajo la dirección de Salomón Reyes, un evento de relieve internacional al que han acudido cineastas de diferentes partes del mundo.Afiche
Días pasados el evento – que inicialmente fue organizado en el Parque Solari – fue trasladado al Ateneo de Salto por razones climáticas.
La organización informó a EL PUEBLO que a partir de este viernes, debido a la mejora del tiempo se retomarán las actividades en el Parque Solari. Recordamos que es un festival que puede ser vivido en familia, una oportunidad única de recreación y de disfrute.

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Poeta: la faceta menos conocida de Alba Roballo

La cigarra de Eunomo”, libro de Julio Garet Mas, publicado en 1954 y reeditado recientemente por Ediciones Aldebarán, entre los acertados comentarios sobre la vida y obra de más de treinta poetas uruguayas mujeres, nos trae a la memoria personalidades olvidadas, al tiempo que arroja luz sobre cosas no siempre conocidas. Es este el caso que nos ocupa hoy, el de la faceta de creadora de poesía de Alba Roballo, a quien sí se recuerda frecuentemente, sobre todo por sectores de izquierda, como una abogada de importante militancia política.

Hay que tener presente que fue dirigente fundadora del Frente Amplio, electa diputada y senadora y fue, además, la primera mujer ministra en nuestro país. Hace poco tiempo, más precisamente los primeros días de setiembre del pasado año, la Cámara de Diputados le rindió un homenaje al cumplirse 110 años de su nacimialba.roballo-777x437ento.
Se nos ocurre razonar que cuando aparece “La cigarra de Eunomo”, Alba Roballo se encontraba en plena actividad, tenía 46 años (había nacido en Isla Cabellos, hoy Baltasar Brum, departamento de Artigas, en 1908 y falleció en Montevideo en 1996), por lo que seguro leyó lo que el autor escribió sobre ella. Vale la pena compartirlo: “Alba Roballo…Publicista, oradora, jurisconsulta… Imagínasela comúnmente en la atmósfera agitada y febril del periodismo de combate, en la tribuna ideológica o en su bufete; no todos saben que acude a diario a solucionar problemas ajenos –ajenos y oscuros; de los desheredados, en especial-; es menos conocida todavía su faceta lírica. Este último aspecto suyo tiene enorme significación, sin embargo; fue quizá el primero en manifestársele, allá en su pueblo rural, Cabellos, tan apacible y tan dramático. La niña aquella, de rara vivacidad, con claro fulgor en la frente, ¿qué experimentó al entrar en la vida: el despertar del canto, en su garganta, o la crispación de sus puños ante la injusticia? Acaso ella misma lo ignore. Lo exacto es que dio, muy joven, un volumen de versos, “Se levanta el sol”, pujante, rebelde, pletórico, y también que publica ahora “La tarde prodigiosa”, todo un libro por su honda emoción, por la calidad de sus poemas y por su unidad.
Dolor, cansancio, zozobra, desesperanza hay en su nueva obra. He aquí a la mujer fuerte –dispensadora de consuelos y de ayuda, galvanizadora de voluntades-, a solas con su angustia, que es la de una sensibilidad extrema y la de una inteligencia poderosa. Angustia guardan, sobre todo, estas páginas; encierran una ansiedad que no consigue salvar límites infranqueables, contienen el eco de una sombría auscultación. En cada canto y cada estrofa, revelan un sentido audaz de la imagen y unas pocas veces dada facultad de síntesis.
Alba Roballo, con sus inquietudes sociales y su obra poética, pertenece al linaje de los espíritus “agonistas” que capta en “El sayal y la púrpura” el sugestivo y medular Eduardo Mallea. Es uno de nuestros valores aún no aquilatados por la crítica”.
Las páginas de “La cigarra de Eunomo” dedicadas a ella finalizan con su poema “El país que no quiero nombrar”:
Allí en profundidad, en el mirar distante, en el andar pausado, golpeándome en las sienes como un presentimiento de las manos y en el temor secreto de los huesos.
Pensamiento tenaz, premonición oscura, que vivo tercamente, resignada amando en despedida toda cosa,
besando el aire, hundiéndome en toda claridad de la mañana, quemando mis vigilias noche a noche
y bebiendo mi llanto gota a gota. Devorando caminos, arboledas, siguiendo el viaje de nubes volanderas y el canto de este mar, sus ruidosas gaviotas,las calles olvidadas, los muros florecidos, los plátanos quemados por el viento, un pedazo de cielo en mi ventana; las remotas candelas de la tarde,
la eterna hechicería de la luna.
Mis nuevas bodas con las cosas viejas, mis viejos sueños en encuentros nuevos.

Vivo y sé bien que voy muriendo, vivo y tan solo tu apretado abrazo
me puede sostener en este miedo.
En este desolado pasar, en el que cada paso
me acerca a los linderos de cipreses.
De ese lugar que no quiero nombrar porque su nombre tiene toda la angustia de mi sangre viva que ama arboledas, caminos, las ventanas abiertas a los cielos,
las casitas perdidas entre pinos, el arenal al viento,
las rocas, las marinas rías.
Y este último regreso
que a mi tejado dieron
en nidos y en rumor
las golondrinas.

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Casos reales y míticos del comisario Croce, la despedida de Ricardo Piglia por la puerta grande

Cuentos escritos con la mirada

Antes de morir Ricardo Piglia dejó preparados varios libros con la intención de que fueran publicados en fecha póstuma y los doce cuentos que integran Los casos del comisario Croce es uno de ellos. Lo escribió con Tobii, un programa sueco que convierte las pupilas del ojo humano en mouse, de modo que, si se fija la vista sobre una letra en un teclado de pantalla durante varios segundos, queda señalizada, y un pestañeo sustituye al clic. Lo escribió con la mirada porque el ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica) le había dejado el resto del cuerpo paralizado, y la mirada era todo lo que podía animar el último año de su vida.
La atención sobre el mundo visible y el desciframiento de las superficies fue el modo en que Piglia reunió su trabajo crítico con la imaginación de la literatura policial, dos géneros que homologan sobre pesquisas diferentes, análisis y métodos de investigación, a menudo puramente deductivos y audaces. La realidad vista desde el lugar del otro, el carácter dinámico de la interpretación, intuiciones, corazonadas, juegos asociativos y la perseverancia del rastreador, dieron forma a los hábitos de Piglia, de su alter ego Emilio Renzi y del comisario Croce, un personaje que apareció en su novela Blanco nocturno y comparece en estos relatos tardíos para recuperar casos policiales de origen real o legendario, para poner a prueba alguna tesis literaria y rendir homenajes.cultura
Croce es un personaje pampeano, en la mayoría de los cuentos está en vías de retirarse o ya desocupado, y se mueve por zonas rurales, los pueblos de la provincia de Buenos Aires, a veces la ciudad de La Plata o la capital. Es deudor de una tradición que hace pie en los cuentos policiales de Bustos Domecq, el seudónimo de Borges y Bioy Casares, y también en los de Rodolfo Walsh. Todos reclamaron el enigma en la tradición inglesa, los motivos autóctonos del crimen y la ambientación criolla de personajes y secuencias. Pero Piglia es un narrador de fuerte carácter intelectual y sus relatos asumen el artificio de secuencias y diálogos, como a su modo lo hizo Chesterton en los cuentos del Padre Brown. “Me gustaba que aquel trozo de madera fuese una cara, pero también me gustaba que aquella cara fuese un trozo de madera” diría Chesterton en su autobiografía, a propósito de la fascinación por los títeres de su infancia. El género puede ser presentado como el artefacto de una ilusión y en esa clave de juego literario están concebidos estos cuentos de Ricardo Piglia, incluso el breve prólogo, una curiosa consideración del delito escrita por Karl Marx en 1857. “El filósofo produce ideas, el poeta poemas, el cura sermones… El delincuente produce delitos.” Pero no solamente: “produce, además, el derecho penal y, con ello, al mismo tiempo, al profesor encargado de sustentar cursos sobre esta materia… toda la policía y la administración de justicia… Los cerrajeros jamás habrían podido alcanzar su actual perfección si no hubiese ladrones. Y la fabricación de billetes de banco no habría llegado nunca a su actual refinamiento a no ser por los falsificadores de moneda…
Lo que en este mundo llamamos el mal, tanto el moral como el natural, es el gran principio que nos convierte en criaturas sociales, la base firme, la vida y el puntal de todas las industrias y ocupaciones, sin excepción”.
La mayoría de estos “casos” son retratos en los que Piglia introduce ironías y derivas literarias, menos concentrado en resolver los enigmas por una lógica estricta que en recrear episodios, relacionar ideas y apuntar procedimientos de investigación. El caso Pesic, un marinero yugoslavo que en 1978 fue acusado de cometer un crimen en un bar de alternadoras en el puerto de Quequén, ocupa a Croce en el primero de los relatos, “La música”; un supuesto film pornográfico de Eva Duarte lo compromete en “La película”; Croce resuelve la falsa identidad de la víctima de un antiguo crimen en “La excepción”, descubre el paradero de un ingeniero reportado como desaparecido en “El impenetrable”, acompaña la devolución de la virgen de Luján en manos de un falso predicador, en “La promesa”, y atrapa a los responsables de un extraño abuso cometido contra una mujer en Mar del Plata (“La señora X”). “El jugador” es el desafío narrativo de un breve y famoso ensayo de su autoría, titulado “Tesis sobre el Cuento”, en el que a partir de una anotación de Chéjov para un relato —“Un hombre, en Montecarlo, va al casino, gana un millón, vuelve a casa, se suicida”—plantea que un buen cuento siempre cuenta dos historias, una en superficie y la segunda, implícita. Chéjov nunca escribió ese cuento, pero Piglia ambientó la historia en Necochea y resolvió la paradoja con argumentos algo forzados y sorpresivas evidencias.
Los homenajes regresan a dos figuras iconográficas de la literatura argentina. Leandro Lezin, el astrólogo de Los siete locos y Los lanzallamas, de Roberto Arlt, después del derrocamiento de Perón se ha integrado a la resistencia contra la llamada “Revolución libertadora” y planea alcanzar el poder. “Estamos en una situación inmejorable —le dice a Croce, durante una entrevista clandestina, en “El Astrólogo”— Tenemos un líder carismático y está lejos, podemos pedir cualquier cosa en su nombre… Vamos a liquidar y a sobornar a quienes haga falta… Pero sobre todo vamos a comprar voluntades, negociar con almas; comerciar hoy es igual a hacer política, estamos en la era de los grandes negociados. La corrupción es el rostro humano del sistema, el engranaje emocional de la maquinaria abstracta del capitalismo, su eslabón débil. Los coimeros, los avivados, los ventajeros, los estafadores, los usureros son nuestros aliados, están en todos lados, en las oficinas, en las empresas, en los ministerios, y realizan por su cuenta las mismas trapisondas que el poder económico hace todos los días en escala gigantesca…”
En “La conferencia” el invitado es Borges, cuando a mediados de los años cincuenta se presentaba en los pueblos de la provincia de Buenos Aires para discurrir sobre autores y temas que convocaban a unas pocas personas. Croce es invitado a sumarse a los cinco oyentes del escritor —Piglia transcribe fragmentos centrales de la conferencia sobre la literatura policial— y antes de que Borges tome su próximo tren a Tandil comparten una cena en la que ambos se identifican con la figura del baqueano y el rastreador, plantean un crimen hipotético y conversan sobre sus profesiones.
En “El Tigre” Emilio Renzi refugia a Croce en el Delta durante la represión al peronismo, comparecen nuevos casos, y en “La resolución” y “El método” Piglia suma otros apuntes, interesado en recuperar sus anotaciones más relevantes sobre el personaje y sus métodos, antes de cerrar definitivamente los ojos.
LOS CASOS DEL COMISARIO CROCE, de Ricardo Piglia, Anagrama, 2018. Barcelona, 177 págs. Distribuye Gussi.
(EL PAIS CULTURAL)

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Frankenstein y los soles del impresionismo, evento climático modifica la historia del hombre y el arte

Clima, cultura y sociedad

Es un hecho irrefutable que en las últimas décadas la superficie del planeta ha ido calentándose. La controversia gira en discernir si dicho calentamiento es consecuencia de la actividad humana. Entre científicos, hay casi consenso de que sí: la deforestación de bosques y la generación de dióxido de carbono en fábricas o motores, y en menor medida metano en basurales y actividades ganaderas, estarían entre las causas. Ateniéndose a lo que afirma el paleoclimatólogo William F. Ruddiman, esto último estaría ocurriendo desde el Neolítico. foto cultu

Los pocos que aún discrepan sostienen que el efecto es parte de un proceso natural, no antropogénico. Ninguna de las alternativas debería sorprender; la primera, porque el esquema económico actual de sociedad de consumo va claramente en contra del delicado equilibrio de un planeta a todas luces finito; la segunda, porque ya hace tiempo que se sabe que el clima de la tierra es dinámico, afectado por múltiples causas: actividad solar, oscilaciones de la órbita de la Tierra, deriva continental.

UNA LARGA HISTORIA

La ciencia no dispone de datos fehacientes sobre el clima en los albores de nuestro planeta. Cuando la tierra se formó, hace 4600 millones de años, la escasa radiación solar que llegaba a su superficie hubiera implicado 30 grados menos de temperatura; pero abundan los indicios de que hace 4000 millones de años ya había océanos líquidos. Esa “paradoja del Sol débil” —originalmente sugerida por Carl Sagan— se resuelve suponiendo una atmósfera distinta a la actual, con 100 veces más dióxido de carbono, y potente efecto invernadero. Ya con los humanos en su superficie, el clima siguió alternando entre períodos fríos y cálidos en un proceso que se repite aproximadamente cada cien mil años. En las costas de Portugal, a la altura de Lisboa, hay pedruscos que llegaron allí desde Escandinavia, viajando en icebergs durante la última glaciación, hace unos 15 mil años.

“El imperio del clima es el primero, el más poderoso, de todos los imperios”, escribió Montesquieu en El espíritu de las leyes; lo reafirman los españoles Jorge Olcina y Javier Martin Vide en La influencia del clima en la historia (Arco Libros, Madrid, 1999): “La historia de la humanidad no hubiera sido la misma con un ambiente atmosférico siempre igual”. Climas fríos o exceso de lluvia afectaron el destino de monarcas e imperios y cambiaron el curso de guerras. Y por arriesgado que resulte atribuir causas climáticas a sucesos históricos, hay ejemplos interesantes en lo cultural: ¿pudieron ser la ciencia ficción, los impresionistas y las bicicletas una consecuencia indirecta de un cambio climático?

La evidencia muestra que entre los años 900 y 1350 Europa fue un continente en extremo caluroso. Se podía cultivar cebada en Islandia y tener viñas en Noruega. Hacia 1120, el monje William de Malmesbury describía con orgullo el crecimiento de sus vides en la zona central de Inglaterra, cosa que no volvió a ser posible hasta 1950. En ese “Óptimo Climático Medieval” surgieron las primeras universidades (como lugares públicos de discusión, posiblemente en espacios abiertos) y se construyeron las majestuosas catedrales góticas (como la de Chartres, cuyo financiamiento fue en base a donaciones de agricultores enriquecidos por estupendas cosechas). Fue en esos años que, con mejores condiciones de navegabilidad, los vikingos exploraron las tierras que rodean las frías aguas del Atlántico Norte, llegando a Groenlandia e incluso con la posibilidad de que Leif Ericsson haya alcanzado la península del Labrador, destronando así a Cristóbal Colón como primer europeo en América.

El antropólogo Brian Fagan plantea que, en un ambiente así, el gran enemigo es la sequía. Pudo ser la causa de que Angkor Vat, la capital del vasto imperio Khmer, fuera abandonada a finales del siglo XV (a la civilización maya pudo haberle pasado algo similar). También fue lo que impulsó a las hordas de Genghis Khan a invadir China en 1220 en procura de agua y pasturas frescas. Fagan sostiene que cuanto más grande y populosa es una civilización, más vulnerable es a los cambios medioambientales. “Nuestra dependencia del clima es mayor que la de un clan paleolítico”, afirma.

El Óptimo Medieval coincidió con una mayor actividad magnética del Sol. En 1851 el astrónomo alemán Heinrich Schwabe notó que la actividad del astro posee ciclos (el menor de los cuales tiene un período de once años), caracterizados por la presencia de manchas acompañadas por fáculas, regiones brillantes cuya luminosidad incrementa la energía que irradia la estrella (al revés de lo que indica el sentido común). Al Óptimo Medieval le siguió una “Pequeña Edad del Hielo” en la cual las manchas solares casi se desvanecieron y que tuvo dos mínimos: el de Maunder entre 1645-1715 y el de Dalton a fines del siglo XVIII. El último año en que no se observaron manchas fue 1810. En los años siguientes, el tiempo fue inusualmente frío (por lo menos en el hemisferio norte, donde se llevaron registros); las temperaturas medias bajaron desde 1809 y no se recuperaron hasta 1821.

EL AÑO SIN VERANO

El ya gélido ambiente tuvo entonces un inesperado catalizador: el volcán Tambora, en la isla de Sumbawa (actual Indonesia). Según los cronistas, al mediodía del 5 de abril de 1815 se oyó un ruido seco, similar a un cañonazo. Días después ocurría el mayor cataclismo geofísico de los últimos diez milenios: la montaña comenzó a lanzar rocas del tamaño de un auto. En los meses siguientes, expulsó más de 50 kilómetros cúbicos de material pétreo a la atmósfera. Su altura se redujo de 4300 a 2850 metros. El cielo permaneció oscuro durante semanas y la temperatura media descendió tres grados. Las partículas más finas permanecieron en la estratósfera en forma de aerosoles. El fuerte viento las esparció a nivel mundial. En setiembre, astrónomos europeos observaron que el brillo de las estrellas había disminuido.

Las anomalías climáticas de 1816 terminaron en un desastre agrícola de alcance mundial. En un artículo para “Scientific American” (junio de 1979), Henry y Elizabeth Stommel concluyen que las temperaturas medias en Nueva York se correspondieron “a las que ordinariamente se hubieran esperado en un punto situado a 200 millas al norte de la ciudad de Quebec”. En Europa, nevó durante todo julio (pleno verano boreal) y las recién esquiladas ovejas se congelaban en los desolados campos. Pájaros entumecidos por el frío podían ser atrapados con las manos. Los campesinos franceses, que venían remontando con sacrificio las secuelas de las guerras napoleónicas, tuvieron que resignarse a cosechas paupérrimas. Los envíos de trigo a París eran acompañados por milicias armadas. Casi no hubo vendimia y la humedad provocó una epidemia de tifus. En Irlanda, llovió más de cien días seguidos y la cosecha de papas (alimento fundamental) se perdió. Los supersticiosos llegaron a la conclusión de que el Sol se estaba apagando. La gente imploraba a Dios, por más que los diarios trataran por todos los medios de calmar esos ánimos apocalípticos.
(EL PAÍS CULTURAL)

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Reyes Magos

Los Reyes Magos”, así la tradición cristiana nombró en el Antiguo Oriente a los sacerdotes eruditos (considerados “magos”) que tras el nacimiento de Jesús de Nazaret, llegaron a homenajearlo, trayéndole regalos de gran valor (sobre todo simbólico) como oro, incienso y mirra.

Melchor, Gaspar y Baltasar son los nombres que aparecen (al menos por primera vez) en el famoso mosaico de San Apollinaire Nuovo (Rávena, siglo VI), en el que se distingue a los tres magos con vestimenta de estilo persa, sus nombres encima y representando distintas edades. reyes-magos
Es recién en el siglo XI que el rey Baltasar aparece con tez negra y los tres reyes pasan a representar, además, las tres razas de la Edad Media (Melchor encarnará a los europeos, Gaspar a los asiáticos y Baltasar a los africanos).
Esta página de EL PUEBLO se suma hoy a la festividad de lafecha con un clásico de la poesía popular rioplatense, el poema “Reyes Magos”, escrito por Héctor Gagliardi (Buenos Aires, 1909-1984).

REYES MAGOS
¡Si vos no te portás bien, le digo a los Reyes Magos
que te dejen sin regalo y te quedás sin el tren!…
Es que mi vieja, también, un poco se aprovechaba…
¡porque esa noche llegaban los tres Reyes de Belén!
La carta la había mandado sin faltas de ortografía,
así los Reyes veían de que era un chico aplicado.
Hice todos los mandados, me lavé hasta las orejas,
porque ese día mi vieja me tenía acorralado.
La luna hacía brillar el lustre de mis zapatos… y si ellos fueran chicatos ¿quién les podía avisar?
Por eso al irme a acostar, puse la almohada a los pies
y me acosté del revés para poder vigilar…

¡Cuando más lo precisaba me vengo a quedar dormido!
Me desperté a los maullidos del gato de la encargada…
Ya entraba la madrugada de un radiante seis de Enero,rm
y un trencito, el más diquero, del umbral me saludaba…

Lo habían dejado de frente ya listo para marchar…
con éI me iba a despertar a mi madre alegremente
¡Qué alegría que uno siente! -explicarlo yo no puedo-
¡unas ganas de ser bueno, de ser bueno hasta la muerte!
Al que dejaron sin nada fue al hijo de la de al lado…
¡Cómo se habrían olvidado! Siempre “Muy bueno» sacaba…
Con nosotros no jugaba porque enseguida tosía,
y los Reyes no sabían que el padre no trabajaba…

Yo comprendí su dolor cuando me vio con el tren:
se acercó a mirarlo bien y después lo acarició….
A mí me daba calor de que me viera jugar y en casa lo invité a entrar y él también se divirtió..·
¡Cuantos Reyes han pasado por la puerta de mi vida.
y a mi alma dolorida cuántas veces la he dejado como un zapato gastado esperando a su Melchor que le dejara el amor para un mundo envenenado!
Esta noche por los cielos llegarán los Reyes Magos;
vendrán trayendo regalos a los chicos que son buenos, pero hay otros pibes buenos en otro lado de la tierra, que por culpa de una guerra.. ¡no han de pasar los camellos!
Señor: yo aprendí a rezar arrodillado con mi vieja;si nunca te fui con quejas hoy me tenés que escuchar:
¿Por qué tienen que pagar esos pibes inocentes, de que en el mundo haya gente que sólo piensa en matar?
Ellos ¿qué saben de guerras?… ¡ellos quieren Reyes Magos!
¡y ellos en vez de regalos tienen un miedo que aterra!
Si vos pararas la guerra, pasarían los camellos.
¡Yo te lo pido por ellos! ¡por los pibes de mi tierra!

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Ibermedia 2019

El Programa Ibermedia de estímulo al desarrollo y la coproducción de películas de ficción, documentales y de animación realizadas en nuestra comunidad iberoamericana ha anunciado las fechas de presentación de proyectos para la Convocatoria 2019.
Los solicitantes de ayudas podrán presentar sus propuestas del viernes 1 de febrero al martes 23 de abril de 2019, hasta las 23:59 horas según el huso horario del país de la productora. En breve, en esta misma web, daremos a conocer las bases completas para las líneas de Coproducción, Formación y Desarrollo.
El Programa Ibermedia propone un proceso formativo que abarcaría desde el desarrollo de ideas cinematográficas, pasando por la evolución de los proyectos, hasta la reescritura de los guiones resultantes, poniendo énfasis en los flujos de trabajo entre los autores y productores.
Las propuestas fecundas en creatividad, originalidad y potencial impacto serán acompañadas en su crecimiento y transformación. El único requisito para ello será el compromiso de los autores, productores y gestores con la obra audiovisual, condición necesaria para que las historias se conviertan en películas singulares y dialogantes con diferentes públicos.

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Temporada Coral en el SODRE Gala Gospel

Dirección Esteban Louise
Redición del gran éxito que en 2018 agotó entradas semanas antes de la función.
El gospel es la música religiosa estadounidense que surgió de las cientos de iglesias protestantes o evangélicas afroamericanas en el siglo XVIII y que se hizo muy popular durante la década de 1930. A diferencia de los himnos cristianos, la fuerza de este estilo radica en el ritmo y alegría que tiene esta música de alabanza. Es un género FotoSodrecaracterizado por el uso dominante de coros con un uso excelente de la armonía.
Actividad coral
Fecha:
23-02-2019
Lugar:
” Auditorio Nacional Adela Reta, sala Eduardo Fabini
Platea alta $450 l Platea baja $380 l Tertulia y Palcos Platea alta $330 l Galería baja y Palcos tertulia $250l Galería alta central $160 l Galería alta lateral y Palcos galería baja y alta $60. –

http://www.sodre.gub.uy/

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El músico Hugo Fattoruso se convirtió en embajador de la marca país Uruguay Natural

El reconocido artista uruguayo Hugo Fattoruso suscribió el convenio de marca país que lo incorporó al grupo de embajadores de Uruguay Natural para fortalecer el distintivo. El objetivo del programa es involucrar a aquellos compatriotas destacados por su desempeño y sus logros en diferentes disciplinas que sean reconocidos en Uruguay y el mundo. Cultura
En una ceremonia en la que participó el director ejecutivo de Uruguay XXI, Antonio Carámbula, entre otras autoridades nacionales, se desarrolló el 29 de diciembre en Punta del Este el acto de entrega del reconocimiento como embajador de la marca país Uruguay Natural al artista compatriota Hugo Fattoruso. El evento incluyó un espectáculo ofrecido por el propio compositor y Laura Canoura, artista uruguaya de destacada trayectoria local e internacional.
El proyecto Embajadores de Marca integra la estrategia impulsada por Uruguay XXI para fortalecer la marca país. El objetivo es involucrar a aquellos uruguayos destacados que, por su desempeño y sus logros, son reconocidos dentro y fuera de fronteras.
En el caso de Fattoruso, se trata de un músico polifacético con una trayectoria ininterrumpida de más de 60 años, destacado como solista y también como integrante de bandas consideradas fundamentales en el repertorio de la música uruguaya, como Los Shakers, Opa, Barcarola, al tiempo que colaboró con artistas como Jaime Roos y Rubén Rada, entre otros. A través de este convenio, Uruguay XXI apoya al embajador en actividades de promoción de la marca país. Además, le facilita su participación en eventos internacionales que se consideren adecuados para la difusión de la marca, incluidas promociones y colaboración en las gestiones necesarias para proyectos comunes. Los embajadores también están autorizados a utilizar el nombre e imagen de marca país y el logo de Uruguay Natural en su comunicación.
Otros representantes uruguayos distinguidos como embajadores son: la bailarina María Noel Riccetto, los gastrónomos Diego Ruete y Hugo Soca, los músicos del Cuarteto de Nos, Juan Campodónico, Luciano Supervielle y Daniel “Tatita” Martínez, el surfista Ignacio Pignatario y el director y coreógrafo Martín Inthamoussú.
www.presidencia.gub.u

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Pueblo Belén también se hace ver en el Arte y la Cultura

Pueblo Belén se ha hecho ver en el año que acabamos de dejar atrás, en especial sobre finales del año. Nos referimos a que lo ha hecho en cuestiones artísticas y culturales, es decir, se ha hecho ver para bien. Es que en este ámbito, de vez en cuando nuestros pueblos muestran el valor de su gente. Yendo hacia atrás en el tiempo, es insoslayable el hecho de que nada menos que Carmelo de Arzadum y Lacy Duarte (dos referentes indiscutidos de las artes plásticas nacionales y con fuerte trascendencia internacional) nacieron en la zona de Mataojo. Volviendo al presente, puMural de José Urbano ede mencionarse a Elder Silva Rivero, uno de los poeta uruguayos más reconocidos y laureados dentro y fuera del país, como un verdadero símbolo de Pueblo Lavalleja, localidad que hace unos años dio su nombre al salón comunal. Pero la idea es hablar de Belén. De Belén hoy. Y en primer lugar queremos recordar que una de las figuras de la narrativacontemporánea salteña es Alcides Flores, que nació en Belén (en 1961) y es autor de dos muy buenos libros de cuentos (además de otras publicaciones colectivas): “Historias de Tapellara” en 2011 y “Después de las Palabras” en 2016.

JOSÉ URBANO, TIENE POEMA…
Pero Pueblo Belén también ha dado y sigue dando motivos de inspiración para los creadores. Uno de ellos es un personaje popular: “el loco” José Urbano. En primer lugar, este personaje inspiró a Alcides Flores para escribir estos versos:
De tanto andar por el monte
se fue haciendo su sendero
y en la libertad del campo
alborotaba los teros.
Es por eso que me esmero
recordando a José Urbano
un loco lindo y querido
sin dudas un gran hermano.
De tanto mirar estrellas
equivocó su camino
y se ganó tierra adentro
para ganarle al destino.

…Y TIENE MURAL
Luego, el artista José Gallino, destacado muralista (autor de murales como el de Edinson Cavani y el Cero Pelo en el muelle de alta creciente), se encargó de pintar, en Belén mismo, como no podría ser de otra manera, un mural en grandes dimensiones de José Urbano, un personaje pintoresco, “un loco lindo”, que inspira artistas y que por eso, además de un lugar en la memoria y el afecto de los belenenses, ya tiene poema y mural.

HORNO PARA CERÁMICAEn plena construcción del horno
En Belén vive Francisco García, docente de Cerámica contratado por la Intendencia de Salto para dictar talleres tanto en aquella localidad como aquí en la ciudad. Los talleres de aquí los dicta en las piezas de la parte posterior del Teatro Larrañaga y en el patio. Y allí, en el centro del patio, hace algunos meses los alumnos construyeron un horno a leña para el horneado de sus trabajos en cerámica. Pero resulta que ahora también los alumnos de Belén se animaron, ellos mismos pusieron manos a la obra y construyeron su propio horno, elemento que ayudará enormemente en una de las etapas fundamentales del proceso de creación con cerámica.

Y TAMBIÉN CINE…
“Campo”, cortometraje creado en lengua de señas se filmó en Belén. A propósito, en estos días, desde Holanda, el escritor Jorge Menoni reflexionaba en su cuenta de Facebook: “con nada se puede hacer mucho…cuando el talento sustituye al dinero…Trabajamos con energía y de corazón para que las cosas salgan bien y de mucha calidad. Esto pasó en mi ciudad natal, el Salto uruguayo.… «Campo» es el primer cortometraje realizado en lengua de señas. “Campo” se filmó en locaciones del Pueblo Belén, departamento de Salto, Uruguay, en una tapera vieja, en la calle, en la costa del río Uruguay, en un viejo bar. «Los recursos daban para un sólo día de rodaje, entonces filmamos más de 17 horas y volvimos agotados, pero felices».

LA PRESENCIA DE ELADIO DIESTE, PÁEZ VILARÓ, GUIDO CASTILLO…
Finalmente, si hablamos de Belén y su valor artístico y cultural, y sin entrar siquiera en el terreno del valor histórico (de ser el pueblo más antiguo al norte del Río Negro o conservar trincheras como testigos de lo que esa zona vivió en tiempos de guerras, etc.), no resistimos la tentación de hacer mención a la Escuela Nº 74, de Yacuy (lugar conocido por muchos como Chacras de Belén). Es esta escuela un caso notablemente excepcional en el país, ya que además de poseer un paisaje extraordinario, con espléndida vista al Río Uruguay, confluyen allí tres firmas de primer nivel: Eladio Dieste, porque suyo es el plano del edificio, Carlos Páez Vilaró, porque en el salón principal un mural de su autoría ocupa la totalidad de una pared y Guido Castillo, pues integrado al cuadro se encuentra la frase suya: “El campo, viejo y niño, es siempre inocente y sabio”. Belén, en el arte y la cultura, realmente se hace ver, y para bien. Merece celebrarse.

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Tres versiones del Saint Kilda, isla vacía y remota, tierras inspiradoras para el arte pero inhabitables para el hombre

Las Islas Hébridas aparecieron en mi vida gracias a la música. Mi papá, un dentista de barrio que tenía una discoteca importante, oía discos incluso cuando atendía a sus pacientes, a quienes a veces hacía callar para que no superpusieran sus quejas a la voz de Sinatra o al violín de Heifetz. Su universo musical estaba hecho básicamente de compositores románticos: Beethoven, Schubert, Schumann, Liszt, Chopin, Bruckner, Brahms, Tchaikovski, pero también Felix Mendelssohn. Y entre los discos que tenía en casa había uno de ese último compositor que incluía Die Hebriden, Opus 26, pieza a la que también se suele mencionar como Fingal’s Cave (y en castellano como Obertura “Las Hébridas” o La Gruta de Fingal). fotocultuSegún me enteré más tarde, Mendelssohn viajó por Inglaterra invitado por un millonario y luego pasó a Escocia, donde tuvo ocasión de visitar Staffa, que, con 33 hectáreas, forma parte de las llamadas Hébridas Interiores. Ahí se encuentra la llamada Gruta de Fingal, una caverna de basalto, cuyas altas paredes repiten el eco del mar rompiendo contra las piedras. Esa visión sobrecogedora dio origen a la pieza que Mendelssohn terminó de escribir el 16 de diciembre de 1830. Revisada dos años después y dedicada a Friedrich Wilhelm IV de Prusia, la obra fue estrenada en Londres el 14 de mayo de 1832.

NOMBRES EUFÓNICOS.

No sabía qué eran las Hébridas, pero como siempre estoy atento a la eufonía de ciertas palabras —y, de acuerdo con mis estándares, la palabra “Hébridas” tiene lo suyo—, busqué en un diccionario. A los once años, me enteré de que así se nombra un extenso archipiélago de unas cuatrocientas islas e islotes situadas en racimos sobre la costa occidental del norte de Escocia; también que ese archipiélago está dividido en dos grupos: las Hébridas Interiores, entre las que destacan Skye, Mull, Islay, Jura y Staffa, y las Hébridas Exteriores, de las que retuve los nombres de Lewis, Harris, Berneray, North Uist, South Uist y, fundamentalmente, Saint Kilda, un nombre lo suficientemente eufónico como para querer saber más. Es el grupo de islas más lejanas de todo el archipiélago. Está conformado por Hirta —o Hiort— (habitada desde la Edad de Bronce hasta 1930), Soay y Dùn (de los que no se conoce instalación humana), Stac Levenish, Stac Lee y Stac an Armin (islotes nunca habitados) y Boreray (cuyos únicos vestigios humanos datan de la Edad de Hierro). Averigüé que sus primeros pobladores fueron probablemente navegantes provenientes de Noruega; que en algunas historias el nombre genérico con que aparecen era Skildir, una antigua palabra nórdica que significa “escudo” y que algún copista holandés registró mal ya que, en 1583, se convirtió en Skildar; que en 1592, un nuevo error de otros copistas transformó en Saint Kilda, y que ya en tiempos históricos ese grupo de breves islas perteneció a los MacLeod de Harris, quienes recaudaban en especies la renta de sus magras tierras a los desdichados pobladores que allí vivían. Cuatro décadas después estaba parado enfrente de una librería en Cardiff, en el sur de Gales, y Saint Kilda volvió a cruzarse conmigo. Esta vez, en un libro que los encargados del local destacaban como “recomendado del mes”. Se trataba de la traducción inglesa de Atlas der abgelegenen Inseln (2009), de la escritora, diseñadora de libros y editora alemana Judith Schalansky. Ese día no lo compré, pero me prometí hacerlo. Dos años después, para mi sorpresa, descubrí en una librería de Buenos Aires que ya había una edición castellana, traducida por Isabel G. Gamero. En el prólogo, la autora explica que su atlas, como todos los atlas, era el resultado de un viaje de aventuras y descubrimientos, pero en una biblioteca. Y refiere una fantasía previa: “En mi imaginación, estas islas eran un lugar paradisíaco y utópico, representan además una aspiración, compartida probablemente por todos los humanos: la de encontrar el lugar perfecto, lejos del mundanal ruido, un espacio único para recuperar la tranquilidad, encontrarse a uno mismo y poder concentrarse, por fin, en lo que verdaderamente importa”. Schalansky de inmediato confesaba su decepción: “Sin embargo, en mi viaje no encontré ningún escenario idílico que calmara mi agitada existencia; todo lo contrario, en ocasiones deseé no haber descubierto algunos de estos lugares inquietantes y desolados, donde sólo abundaban hechos terribles y completamente desdichados”. El libro de Schalansky, titulado Atlas de islas remotas. Cincuenta islas en las que nunca estuve y a las que nunca iré (Capitán Swing/Nórdica Libros), está organizado por océanos: Glacial Ártico, Atlántico, Índico, Pacífico y Antártico. En cada uno —que, a la vez, constituyen secciones—, las islas se distribuyen de manera irregular, reservándose las páginas pares para la isla en sí. Allí se consigna el país al que pertenece, su superficie, el dato poblacional, su distancia a otros puntos de referencia, algunos datos de naturaleza histórica y un breve texto que refiere hechos vinculados a algo ocurrido en esa isla. En el caso de Saint Kilda se señala que esas islas están a 60 kilómetros de la Isla de Harris, correspondiente a las Hébridas Exteriores y a 160 kilómetros de la costa de Escocia. Se consigna que están deshabitadas, que entre 1826 y 1827 allí hubo una epidemia de viruela, que a partir de 1850 sus habitantes empezaron a emigrar a Australia, que en 1891 se dio el último caso de tétanos neonatal y que en 1930 fueron definitivamente evacuadas. Me llamó la atención eso del “tétanos neonatal” y busqué datos en una enciclopedia médica: “El tétanos neonatal es una infección causada por el bacilo de Nicolaier, un anaerobio telúrico, que la mayoría de las veces se contrae por vía umbilical. Todavía está presente en numerosos países en vías de desarrollo. […] La mortalidad es elevada, sobre todo si el comienzo es precoz (menos de 7 días), el período de invasión es corto y los paroxismos son frecuentes. Las complicaciones son múltiples, en especial respiratorias, cardiovasculares, metabólicas y nutricionales”. Volví al texto de Schalansky: “Saint Kilda, no estás en esta tierra, tu nombre no es más que el silbido de los pájaros que malviven en los acantilados de esta roca, último confín de Inglaterra, el punto más distante de las Islas Hébridas; sólo se puede llegar hasta aquí cuando el viento noroeste sopla de forma continuada. El único pueblo que permanece de pie está formado por dieciséis casuchas, tres cobertizos y una iglesia; en el cementerio yace el futuro de la isla: todos los niños nacen sanos, pero en su cuarta o quinta noche se niegan a recibir alimentos, sus llantos se escuchan en todo el pueblo. Al sexto día, sus paladares se vuelven rígidos y sus gargantas se atoran, tanto que les resulta imposible ingerir nada. Sus músculos se retuercen y sus mandíbulas cuelgan sin fuerzas; miran al exterior atónitos y no pueden dejar de bostezar, sus labios agrietados dibujan extrañas muecas. Dos tercios de los recién nacidos, especialmente los varones, mueren entre el séptimo y el noveno día; algunos se van antes, otros después: el más joven falleció a los cuatro días y tan sólo uno logra llegar a su vigésimo segundo día. Algunos lo atribuyen a la alimentación, a la carne untuosa de los fulmares y al aroma a almizcle de sus huevos, que da suavidad a la piel de los isleños, pero agria la leche materna. Otros opinan que está en la sangre, debilitada por la endogamia. Y, por último, otros sostienen que los niños se ahogan con el humo de los braseros de turba que calientan las habitaciones, que se intoxican con el cinc de los tejados o quizás por el sebo rosado con el cual se encienden las lámparas de aceite.

(EL PAÌS CULTURAL)

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Horacio Quiroga, “El hombre que nos enseñó a tener frío” Mañana se cumplen 140 años de su nacimiento

El 31 de diciembre de 1878 nacía el salteño más famoso y más universal: Horacio Quiroga. Mañana se cumplen entonces 140 años, una buena ocasión para recordar estas palabras escritas por el argentino Juan Forn, tituladas “El hombre que nos enseñó a tener frío”: “Horacio Quiroga adoraba a Martínez Estrada como a un hermano menor y le regaló una hectárea de su propia tierra en Misiones, para tentarlo de que fuera su vecino. La desmontó él mismo a machete limpio, le mandó por correo el título de propiedad y los planos de la casita de madera que podía construirle con sus manos. Hasta los muebles le ofrecía hacer (y eran famosamente cómodos los muebles que hacía Quiroga, con ayuda del mensú devenido carpintero Jacinto Escalera). Martínez Estrada tenía un trabajo de cuarta en el Correo Central y detestaba el ambiente literario de Buenos Aires, pero no se decidía a partir a Misiones, así que Quiroga apeló a un último recurso para convencer a su melómano amigo: le mandó un violín hecho en madera de timbó. “Era tan chato de pecho y espalda como el propio Quiroga, tenía un clavijero prehistórico, las efes labradas torpemente a gubia y emitía un sonido de gato en celo, mitad hipnótico y mitad horripilante.” Martínez Estrada entendió con el corazón estremecido que así sería la vida como vecino de Quiroga en Misiones, pero se libró de escribir esa carta cruel porque su amigo apareció por Buenos Aires. Venía a hacerse ver por los médicos una molestia que no lo abandonaba. Horacio QuirogaEra un cáncer terminal, pero no se animaban a decírselo. Lo tenían de residente en el Hospital de Clínicas con permiso ambulatorio, mientras le hacían creer que lo sometían a estudios y lo preparaban para una operación. Un día vagando por el sótano del hospital encontró un paciente llamado Batistessa. Lo tenían ahí escondido por su aspecto físico, causado por una neurofibromatosis conocida como elefantiasis. Quiroga exigió que Batistessa fuera sacado del sótano y trasladado a su habitación, y en las horas muertas le contaba historias de la selva. Un día Batistessa oyó hablar a los médicos y fue a decirle a Quiroga que la operación proyectada era una simple y dolorosa postergación de la muerte. Quiroga avisó que salía a caminar, fue a una ferretería a comprar cianuro, regresó al hospital, mezcló el polvo en un vaso con whisky y se lo tomó. “Se mató como una sirvienta”, dijo Lugones, que un año después se suicidaría de igual forma en el Tigre. “No se vive en la selva impunemente”, escribió Alfonsina Storni en un poema que le dedicó antes de suicidarse ella también, en los acantilados de Mar del Plata. Ni Lugones, que había sido su maestro y protector, ni Alfonsina, que había sido su amante, acompañaron las cenizas del difunto al Uruguay. Borges, en cambio, que había dicho que Quiroga era “una superstición uruguaya, que escribía mal lo que Kipling escribió bien”, sí fue de la comitiva. Eran fechas de Carnaval y contó que el corso se interrumpía al paso del cortejo y que los niños pedían tocar la urna de madera de algarrobo en donde el escultor ruso Stepan Erzia había tallado la cara del difunto. A veces los opuestos coinciden: a Arlt le pasó algo parecido con Quiroga; él también lo había escarnecido; en una aguafuerte sobre la fundación de la SADE, creada para defender los derechos de los escritores, escribió: “La idea debe ser de Quiroga, hombre que gasta barba sefaradí y una catadura de falsificador de moneda que espanta”. Pero cuenta Onetti que, el día en que murió Quiroga, Arlt estaba sentado al fondo de una larga mesa, ignorando con fiereza los comentarios sobre el muerto, hasta que llegó su amigo Kostia y contó que tres días antes se había cruzado con Quiroga por la calle. Iba vestido como un clochard, la barba le devoraba más de la mitad de la cara, venía siguiendo desde el Parque Japonés a la última mujer que siguió por la calle, una beldad que cortaba la respiración. Era la famosa viuda de Gómez Carrillo, que por entonces noviaba con Saint-Exupéry. Kostia se lo estaba diciendo cuando el francés salió del Hotel Plaza al encuentro de su dama y la abrazó. Quiroga, contemplando la escena, murmuró: “Me hubiera gustado ser aviador”, y se fue, envuelto en su sobretodo con el pijama abajo en pleno enero, rumbo a su cama en el Hospital de Clínicas. Desde el fondo de la mesa, detrás del humo de su cigarrillo, se oyó la voz de Arlt: “He cambiado mi opinión de Quiroga”. No podía ser de otra manera. Quiroga había dicho: “Soy el primer infectado por Dostoievski en América del Sur”. Arlt fue el siguiente. Como Arlt, Quiroga carecía de lo que algunos llaman tacto, otros hipocresía y otros relaciones públicas. A los veinte años partió de Montevideo a París vestido como un dandy, en camarote propio. Volvió tres meses después, en tercera clase, con los pantalones raídos y las solapas levantadas para que no se viera que no tenía cuello en la camisa. “¿Por qué escriben como españoles si son argentinos?”, le dijo en la cara a Larreta cuando llegó a Buenos Aires. “No soporto los gauchos de Carnaval”, le dijo a Lugones. Escandalizó a Manuel Gálvez con su Historia de un amor turbio, basada en su relación con Ana María Cires, la muchacha que se llevó a vivir a Misiones y le dio dos hijos y después se suicidó de manera atroz. A esos hijos los crió en el amor a la selva, dejándolos dormir solos arriba de un árbol o sentarse durante horas al borde de un precipicio, para horror de su madre. Cuando ella murió, volvió con esos hijos a Buenos Aires, vivió primero en un sótano de la calle Canning y después en un caserón en Vicente López, donde tenía un coatí llamado Tutankamón, un búho llamado Pitágoras y el yacaré Cleopatra, además de una enorme canoa aerodinámica que calafateaba infinitamente y que no parecía una embarcación, sino una criatura de las aguas. Lo acusaban de escribir para asustar a la gente, de traer la selva a la ciudad, de arrimar la barbarie a la civilización. Cuando publicó su famoso decálogo del perfecto cuentista, Nalé Roxlo dijo que parecía el manual del maestro ciruela escrito por el Viejo Vizcacha. “Es un anarcoindividualista que se conforma con su propia libertad. No le importa que todos los hombres sean libres”, dijo Alvaro Yunque cuando lo invitó a la URSS y Quiroga le contestó que prefería volverse a la selva. Y eso hizo, con una segunda esposa treinta años más joven que él, que prefirió abandonarlo antes de enloquecer. Tampoco en la selva lo entendían: se burlaban del hermoso laberinto de bambúes que había hecho para su segunda esposa, con un jardín de orquídeas en el medio. Las cuadrillas que pasaban y lo veían deslomándose al sol le gritaban: “¿No tiene personal, patrón? ¡No le robe trabajo a los peones!”. Supo adorar por igual a Tolstoi y a Dostoievski, a Jack London y a Thoreau, a Maupassant y a Baudelaire (“ebanistas capaces de sacar de un solo golpe de garlopa trece rizos de viruta”). Hablaba como si siempre tuviera fiebre y padeció frío hasta en la selva misionera.
En la última carta a sus hijos les dijo: “Busco lo que casi nunca se encuentra. Soy capaz de romper un corazón por ver lo que tiene adentro, a trueque de matarme yo mismo sobre los restos de ese corazón”. Martínez Estrada escribió después de su muerte: “Con él aprendimos a contar en serio”, y si miramos la literatura desde acá, no hay manera de no estar de acuerdo”.

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La coordinación entre materias propició que estudiantes del liceo IBO desarrollaran proyectos de investigación

El trabajo en proyectos es una línea de trabajo impulsada en toda la Administración Nacional de Educación Pública, más allá de que siempre hubo docentes que la desarrollaron en solitario o con colegas. En el caso de la educación secundaria, esta forma de encarar el vínculo de los adolescentes y jóvenes con el conocimiento se baja a tierra a través de diversas modalidades y mecanismos. En el caso del liceo Instituto Batlle y Ordóñez (IBO) del Prado montevideano, los estudiantes de sexto año deben desarrollar proyectos de investigación sobre distintos hechos de la realidad social, que involucran conocimientos de diferentes áreas del saber.alumnos de sexto año del Liceo IBO
Cuando faltaba poco para terminar los cursos y egresar de la educación media, los estudiantes de los 17 proyectos de los cuatro grupos de sexto presentaron los resultados obtenidos ante sus compañeros, pero no fue la primera instancia de intercambio. Por ejemplo, tres estudiantes de la orientación Derecho pueden explicar perfectamente el proyecto de huerta que desarrollaron estudiantes de sexto de Agronomía, que como estuvo compuesto solamente de seis jóvenes, recibió ayuda de otras clases. Mayra Capalvo, Natali Grimau y Mariana Souza contaron a la diaria que ayudaron a sus compañeros de Agronomía desde el principio. Por ejemplo, participaron en la cortada de pasto para que hubiera lugar para la huerta, lo que hicieron a mano o con tijeras. En una segunda instancia, también los ayudaron a recolectar bidones vacíos para realizar el camino que lleva hasta la huerta, ubicada en el amplio patio del liceo. Ese fue el proyecto final del año para los estudiantes, en el que no sólo estudiaron la forma de armar la huerta junto con la profesora de Química, sino que también analizaron qué beneficios a la salud traen los alimentos que cultivaron. Además, en una muestra de proyectos realizada en octubre, cocinaron con lo producido para mostrar que es posible comer de forma más saludable; por ejemplo, prepararon una torta de chocolate con remolacha, que intensifica el sabor.
De la huerta al laboratorio
Alicia Rodríguez, la profesora de Química que fue tutora del proyecto, contó que años atrás en el liceo existía una huerta, que era del centro de estudiantes, y que desde hace un tiempo un grupo de profesores intentaba reactivar una iniciativa similar. Después de una primera experiencia en 2017, este año la huerta tomó más fuerza después de recibir los insumos necesarios por parte de un proyecto del Municipio C, por ejemplo, un montón de tierra y orientación sobre por dónde comenzar. Según recordó la profesora, aprovecharon esa instancia para analizar los componentes y las características del suelo del patio desde el punto de vista químico; luego recibieron lombrices californianas y composteras para producir fertilizantes a partir de residuos orgánicos como la yerba del mate, misión con la que también colaboraron varios actores del liceo.
Cuando empezaron a plantar se toparon con dificultades propias de los cultivos, como la presencia de hormigas, y también vieron que algunas plantas se secaban. Por lo tanto, con el acompañamiento de la profesora de Química, comenzaron a diseñar soluciones, como ahuyentadores orgánicos, que lograron espantar las plagas.
Como el proyecto se basa en una de las premisas de la Organización de Naciones Unidas para la Alimentación y la Agricultura, que dice que en un espacio pequeño y a partir de la reutilización se pueden lograr todos los nutrientes necesarios para el organismo, en el laboratorio de química hicieron los análisis para evaluar que la huerta realmente los tuviera. “El resultado es maravilloso”, evaluó Rodríguez mientras mostraba las plantas de lentejas para obtener proteínas, que quedaron escondidas en medio de las abundantes plantaciones. “Esto de los proyectos está bueno porque ves que los chiquilines se enganchan con un objetivo, pero, por ejemplo, el curso de química lo dimos todo desde la huerta. Todo lo que ellos hicieron en el laboratorio tiene conexión con lo que estaban haciendo en el espacio de huerta”, agregó. Para 2019 el desafío está puesto en que la iniciativa se sostenga.
Acoso callejero
Mariana Souza, estudiante de sexto de Derecho del IBO, desarrolló junto con otras compañeras un proyecto que trató sobre acoso callejero y contó a la diaria que eligieron el tema porque observaban que estaba “muy naturalizado”, además de que les ha tocado sufrirlo en carne propia. Al empezar a investigar notaron que “había una ausencia desde el punto de vista teórico y de normativa”, y decidieron contactarse con la Asesoría para la Igualdad de Género de la Intendencia de Montevideo (IM), que estaba trabajando en el programa “Ciudades seguras” para generar una política pública. Además, se pusieron en vínculo con el Colectivo Catalejo, que también estaba trabajando en la temática. “Estas dos organizaciones nos aportaron información y datos estadísticos; eso nos permitió tener una base para poder ver cómo era el panorama”, recordó Souza.
En el marco de las actividades del proyecto, con el apoyo de la IM y del Colectivo Catalejo realizaron un taller de sensibilización en la escuela técnica marítima de UTU, cuyos estudiantes son en su mayoría varones, lo que “fue un desafío” para el grupo de estudiantes, según manifestó Souza. “Los resultados del taller fueron buenos, estuvieron bastante receptivos, por suerte”, agregó.
A nivel de la difusión de la investigación, las jóvenes se propusieron informar sobre qué es el acoso callejero y qué efectos produce, y a eso apostaron principalmente en el stand que colocaron en la muestra de octubre. Además, con el seguimiento de la profesora de Derecho, crearon un proyecto de ley, ya que constataron “una carencia de normativa, porque no es algo tomado como un delito sino sólo como una falta”, contó la estudiante.
Otras violencias
Otro de los proyectos trató sobre la vulneración de derechos humanos en la vejez. Mayra Capalvo y Natali Grimau, integrantes del equipo que lo desarrolló, señalaron que visualizaron esa problemática “materializada en Montevideo a través de la violencia hacia los adultos mayores”. Según relataron, en primera instancia acudieron a organismos como el Instituto Nacional de las Personas Adultas Mayores (Inmayores) para ver qué datos había sobre la problemática, pero se encontraron con que no había información estadística sobre ese tema en Uruguay, por lo que decidieron realizar su propio trabajo de campo. El grupo de liceales realizó encuestas a adultos mayores para saber qué porcentaje había sufrido violencia, de qué tipo de violencia fueron víctimas y quiénes eran usualmente quienes la ejercían. “A través de ese trabajo vimos que 60% de adultos mayores que entrevistamos había sufrido algún tipo de violencia; la más frecuente son la psicológica y la física, y también encontramos abandono”, relataron las estudiantes.
No obstante, también se toparon con violencia estructural y química, que es la que se da cuando se cambian las prescripciones médicas sin consulta previa. Según agregaron, este tipo de violencia no sólo la ejerce quien cuida del adulto mayor sino también los propios profesionales de la medicina, que “ven síntomas como producto de la vejez e ignoran otras cosas que pueden llegar a afectar a la persona”. Sin embargo, a partir de su investigación concluyeron que quienes más ejercen la violencia sobre personas mayores suelen ser los propios familiares, lo que es un problema a la hora de denunciar, “porque si la persona vive con el familiar que lo maltrata no hay una seguridad habitacional para que quien denuncia tenga un lugar al que concurrir”. “Hicimos una entrevista a una mujer adulta y nos contó que ella había sufrido violencia por parte de su hija y la pareja de su hija, pero como vivía con ella y la quería, lo permitía porque no le quedaba otra. Decía: ‘Está mal, yo lo sé, sufro con esto, pero es mi hija’”.
(la diaria, Educación)

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Comentarios y noticias de Hollywood

ADIÓS A SPARROW
Las malas noticias se le agolpan a una de las estrellas más rutilante y cotizadas de Hollywood, hablamos de Johnny Depp, a quien recordaremos por su participación en la exitosa saga de “Piratas del Caribe”. Ante johnny-depplos insistentes rumores sobre un cambio de rumbo en el proyecto de futuro, responsables de Disney han confirmado la desaparición de Jack Sparrow y por lo tanto de Johnny Depp de la saga.
Ha sido Sean Bailey, uno de los máximos responsables de The Walt Disney Studios quien se ha encargado de confirmar los insistentes rumores que hasta la fecha se habían vertido sobre la desaparición de Johnny Depp de la saga “Piratas del Caribe”, además de su legendario personaje Jack Sparrow.
Bailey afirmó que quieren dar una nueva orientación a la exitosa saga de piratas, aportando nuevas energías y vitalidad, acorde a los tiempos que corren. En su exposición, no quiso detallar nada respecto a Depp, pero todo apunta a que si desparece Jack Sparrow como protagonista, sería sustituido por una mujer pirata.
Todo apunta a que las insistentes apariciones de Johnny Depp en las revistas del espectáculo acusado de malos tratos o mostrando un comportamiento errático, ha obligado a Disney a realizar un lavado de cara en uno de sus buques insignia de la pantalla grande.
EL MÁS RICO
El ahora magnate estadounidense George Lucas está en el corazón de varias generaciones degeorge-lucas espectadores, y no es para menos para el creador de la saga cinematográfica más rentable de la historia del séptimo arte, nos referimos a “La Guerra de las Galaxias” (Star Wars), que se encuentra culminando su tercera trilogía, y con varios spin off, sumado a varias series animadas televisivas.
Mientras eso sucede, Lucas acaba de ser marcado como el personaje del mundo del espectáculo más rico de los Estados Unidos, con una fortuna que ronda los 4.500 millones de dólares.
Según la prestigiosa revista Forbes, que ha hecho el estudio y balance del último año, ha determinado que efectivamente George Lucas de 74 años de edad se ha situado en lo más alto de la lista de mega millonarios, todo ello gracias al empujón financiero que supuso la venta de LucasFilms a Disney en el año 2012, por la nada despreciable cantidad de 4.050 millones de dólares.
Steven Spielberg ocupa la segunda posición con la nada despreciable cantidad de 3.700 millones de dólares, mientras que la primera mujer para sorpresa de muchos, es Oprah Winfrey, que a sus 64 años de edad tiene una fortuna estimada de 2.800 millones de dólares.
TOCANDO FONDO
Fue en octubre de 2017 cuando trascendió que Kevin Spacey, protagonista de la exitosa sekevin-spaceyrie de Netflix, “House of Cards”, se vio envuelto en denuncias del también actor Anthony Rapp (Star Trek), abusos que sufrió cuando tan solo contaba con 14 años de edad, noticia que cogió por sorpresa a la meca del cine, donde Spacey es uno de los pesos pesados de Hollywood.
Ahora acusado formalmente y apartado de Hollywood, vuelve a aparecer compartiendo un mensaje de inocencia interpretando a su más famoso personaje Frank Underwood.
Echando la mirada atrás recordamos la delicada información donde trascendió la denuncia del actor Anthony Rapp, por la que un Kevin Spacey con 26 años de edad, acosó sexualmente a Rapp con 14 años en una fiesta que ofreció en su residencia de Nueva York. Spacey al conocer las declaraciones afirmó no recordar aquel suceso, mostrándose escandalizado por ese tipo de sucesos a la vez que pidió disculpas a Anthony Rapp si se produjo aquel incidente. A partir de aquel momento, Spacey fue apartado de todos sus proyectos, siendo despedido de la exitosa serie Netflix, y ahora casi de una manera enfermiza y cuando acaba de ser acusado por la fiscalía de Massachusetts, de abusar de un joven periodista de 18 años tras proporcionarle grandes cantidades de alcohol.
El documento compartido por Spacey muestra un actor interpretando su personaje de Frank Underwood de “House of Cards”, donde emite una larga disertación en la que se declara inocente de todas las acusaciones que han caído sobre él, llegando incluso a afirmar que todo es una conspiración.
CONTRA LOS FOTÓGRAFOS
Los principales estudios de Hollywood se disputan a la que es considerada una de las actrices más atractivas de Hollywood, Scarlett Johansson de 34 años de edad, a la que hemos visto en varias películas dscarlett-Johanssone la casa Marvel interpretando a su personaje de “Viuda negra”, con una fama a sus espaldas de terminar sus romances casi con la misma celeridad que con la que los comenzó.
Su atractivo reside tanto dentro de la pantalla como fuera, y en este caso cuando se encontraba en Argentina acompañada de su nueva pareja, el guionista y cómico del programa Saturday Night Live, Colin Jost, increpó a la prensa que la esperaba.
Ahora hemos visto la cara más amarga de Johansson, que tras pasar unos días de vacaciones en Argentina y cuando se disponía a abandonar el país de una manera discreta, vestida con un mono como si saliera de trabajar, una gorra y unas gafas de sol, fue descubierta por los paparazzi, momento en el que arremetió contra ellos, casi como si no quisiera que su imagen glamorosa se enturbiara con ese aspecto tan descuidado que llevaba.

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Novedad editorial: Se reeditó “La cigarra de Eunomo”, libro de Julio Garet Mas, del año 1954

Acaba de salir de imprenta una reedición del libro “La cigarra de Eunomo”, de Julio Garet Mas, realizada por Ediciones Aldebarán y con notas de su hijo, Leonardo Garet. En “La cigarra de Eunomo”, cuya primera edición es de 1954, Garet Mas estudia la obra poética de más de 30 poetisas uruguayas, convirtiendo al libro en la “Primera muestra de poesía escrita por mujeres en Uruguay”.

Juana de Ibarbourou, Idea Vilariño, María Eugenia Vaz Ferreira, Susana Soca, las salteñas Margarita Muñoa y Marosa di Giorgio, son algunas de las autoras estudiadas. En la Revista Nacional (Montevideo, Nº 184, Tomo LXII), en abril de 1954, se leía sobre este libro: Se trata de breves ensayos en que el autor hace uso de su noble y rica prosa y de su agudo sentido crítico para poner en valor la obra de figuras que han sido consagradas, de otras próximas a laLa nueva edición, 2018plenitud, y de otras que, no obstante haber tenido menor difusión, ofrecen, sin embargo, en su obra, rasgos distintivos que anuncian la presencia de temperamentos poéticos de excepción. Debe señalarse el verdadero interés que ofrece este cuadro crítico de nuestra poética femenina, y lo que él significa como elemento de información dentro y fuera del país. Estos verdaderos medallones poéticos están finamente trabajados y enriquecidos con transcripciones de poemas o estrofas que demuestran el valor lírico de las personalidades que estudia el autor. “La cigarra de Eunomo”, libro cuyo título tiene origen en una parábola de Rodó, debe ser difundido para honra de la cultura de la mujer uruguaya, y también para la del autor, de quien ha dicho el ilustre escritor argentino Ricardo Rojas, que es “un poeta de inspiración, un artista por su disciplina y un hombre por sus sentimientos”.
Esta reedición de 2018 acerca a los lectores a las obras de tantas buenas poetisas uruguayas y a la fina pluma crítica de Garet Mas, alguien que con igual constancia y destacado nivel cultivó tanto la poesía como la crítica literaria. La reedición se convierte entonces en descubrimiento y redescubrimiento, valoración y revalorización; nada mejor que eso como galardón de fin de año para la literatura uruguaya.

Héctor Galmés, vale la pena leerlo
Hace unos días, el 21 concretamente, se cumplió un año más del nacimiento de Héctor Galmés, un o de los más importantes narradores uruguayos, aunque no lo suficientemente difundido. Desde hace algunos años, felizmente, su nombre figura en los programas de estudio de Literatura en Educación Secundaria (por ejemplo, aparece entre los uruguayos, como autor optativo, en el plan de 4to. año). No es extensa la obra de Galmés. Está compuesta por cuatro novelas (“Necrocosmos”, 1971; “Las calandrias ciegas”, 1977; “Final en borrador”, 1985 y “La siesta del burro”, 2006, póstuma) y un libro de cuentos (“La noche del día menos pensado”, 1981). Pero le bastó ese número de libros para convertirse en “uno de los mayores representantes de la narrativa uruguaya de la segunda mitad del siglo XX. Autor de cuatro novelas magistrales, audaces, poéticas y cargadas de sugestivas resonancias sobre los uruguayos de las décadas predictadura, es también el creador genial de un puñado de cuentos perfectos” (palabras de contratapa de “Héctor Galmés – Narraciones Completas”, obra de 592 páginas publicada por Ediciones de la Banda Oriental en diciembre de 2011, con prólogos de Elvio Gandolfo y Heber Raviolo).
Diciembre puede ser una buena excusa para leerlo o releerlo. Simplemente porque vale la pena disfrutar de sus narraciones.
Héctor Galmés nació en Montevideo el 21 de diciembre de 1933 y falleció, también en lHéctor Galmésa capital, a los 52 años de edad, el 12 de enero de 1986. Fue profesor de literatura en liceos de Dolores, Soriano, y de Montevideo. Dio clases de literatura española e hispanoamericana en el Instituto de Profesores Artigas desde la segunda mitad de los años 1970 hasta 1985. Su primera novela, Necrocosmos, fue publicada en 1971. En 1977 publicó Las calandrias griegas y en 1985 Final de borrador, novelas que junto con la primera conforman una trilogía cuya temas centrales son la imaginación y el declive de las fuerzas creadoras.
Como crítico y ensayista publicó, en la primera mitad de los años 1970, sus trabajos en la revista Maldoror, cuyo consejo de redacción integraba. Como investigador, clasificó la correspondencia de Eduardo Acevedo Díaz en la Biblioteca Nacional de Uruguay, a fines de la misma década. Colaboró con el semanario Correo de los Viernes durante los últimos años de la dictadura cívico-militar en Uruguay (1973-1985), y también en otros medios de la época. Tradujo del alemán, anotó y preparó ediciones de Fausto (1972) y Las cuitas de Werther (1977) de Goethe y La metamorfosis (1975) de Kafka.En 1981 reunió sus cuentos en La noche del día menos pensado, en la misma tónica que sus novelas, más la inclusión de elementos fantásticos en algunos de ellos. Hasta entonces, solo había publicado cuentos en algunas antologías colectivas. En forma póstuma, Ediciones de la Banda Oriental (EBO), editorial en la que aparecieron todos sus libros y traducciones, publicó en 2006 su novela La siesta del burro junto a su cuento Sosías. Estos textos fueron reconstruidos por Heber Raviolo sobre la base de los papeles que Galmés dejara a su muerte en 1986. En 2011 se editó su obra de ficción completa, más un par de cuentos inéditos, en un volumen titulado Narraciones completas.

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Lo que García Márquez aprendió de ‘Mary Poppins’

Después de 54 años, se estrena la continuación de Mary Poppins, la película de Disney de 1964 basada en la novela de Pamela Lyndon Travers. En El regreso de Mary Poppins, que se podrá ver en América Latina a partir del 25 de diciembre, vuelve la niñera más famosa de Londres. Incluso quienes no han visto el filme original conocen, a grandes rasgos, la historia: una niñera con poderes mágicos baja del cielo para cuidar a los niños de una familia. Sin embargo, menos conocida es la influencia de Mary Poppins y de otros éxitos taquilleros cinematográficos en la obra de Gabriel García Márquez, sobre todo en su novela Cien años de soledad (1967). cultura

A menudo se asume que la obra más conocida del escritor —la que mejor ejemplifica el género del realismo mágico, que mezcla la narración de la realidad cotidiana con sucesos de magia— fue influida por obras literarias como El reino de este mundo (1949) de Alejo Carpentier o Pedro Páramo (1955) de Juan Rulfo. Es una verdad parcial. Aunque el estilo de García Márquez le debe mucho a la literatura, se suele olvidar la gran influencia que tuvo el cine en su obra.

Gracias al cine, García Márquez aprendió a unificar magia y realidad. Algunos elementos de Mary Poppins, que se estrenó en México cuando el escritor colombiano comenzaba el manuscrito de Cien años de soledad, tienen relación directa con el realismo mágico de su novela. Además, con algunas de las películas que triunfaban en el mundo en aquel entonces, como Mary Poppins, el escritor aprendió una lección aún más difícil: combinar la calidad artística con el éxito comercial.
El cine marcó la vida y obra de García Márquez. En 1955, era el crítico de cine del periódico El Espectador de Bogotá, donde reseñaba los principales estrenos. Ese año se mudó a París, donde escribió su segunda novela, El coronel no tiene quien le escriba, cuya influencia más directa es el neorrealismo italiano de dos películas de Vittorio de Sica, que reseñó con entusiasmo en su momento: Ladrones de bicicletas (1948) y Umberto D. (1952).

Otros filmes de la época tuvieron una clara influencia en Cien años de soledad. Por ejemplo, en Milagro en Milán (1951), también dirigida por De Sica, los fantasmas son personajes de la vida diaria, como ocurre en la casa de la familia Buendía en la novela. En Los pájaros de Alfred Hitchcock se anticipa el súbito vuelo de cientos de aves que se estrellan contra las paredes de las casas en Macondo. Y en Mary Poppins flores silvestres se transforman en mariposas, muchas de ellas amarillas, como las que siguen a Mauricio Babilonia.

Asimismo, como revelan varias cartas de su archivo personal escritas en los años sesenta, García Márquez se preguntaba a menudo cómo crear una obra artística de alta calidad literaria que fuera también exitosa entre los críticos y el gran público. En su correspondencia escribía con asombro sobre los libros superventas de Julio Cortázar, Carlos Fuentes y Mario Vargas Llosa.

Conciliar el arte con las ventas era una de las inquietudes de García Márquez. Para lograrlo, se inspiró no solo en clásicos literarios, sino también en la cultura popular y en productos de consumo masivo. Esas diversas influencias las puso al servicio de Cien años de soledad.

Cuando escribía su novela, a fines del verano de 1965, se estrenó Mary Poppins en Ciudad de México. Allí vivía el escritor con su esposa y sus dos niños –de 3 y 5 años–, mientras trabajaba como guionista para productores como Gustavo Alatriste, quien financió tres películas de Luis Buñuel, en donde también aparece la magia: Viridiana (1961), El ángel exterminador (1962) y Simón del desierto (1965).
En noviembre de 1965, la revista semanal Siempre!, que García Márquez leía, publicó una nota sobre el éxito taquillero de Mary Poppins: “La euforia, el entusiasmo, la histeria casi que se ha apoderado de los niños de México por la película de Walt Disney”. Las colas en los cines, se afirma en el artículo, eran como “las de los repartos de pan” en Europa durante la Segunda Guerra Mundial. Para entonces, cuando el filme protagonizado por Julie Andrews abarrotaba los cines mexicanos desde hacía trece semanas, el escritor admitía en una carta de ese mismo mes que después de varios intentos Cien años de soledad estaba “saliendo como un chorro, sin problema de palabras”.

En una entrevista de ese año, el autor afirmó que Cien años de soledad pretendía ser comercial: “La escribo […] con la firme voluntad de incurrir en todos los lugares comunes tradicionales”, incluidos “el melodrama” y “los amores de folletín”. Y la fórmula fue acertada: su novela se convirtió en la segunda obra literaria en español más leída después de El Quijote, está traducida a 45 idiomas y ha vendido más de 50 millones de ejemplares. Cien años de soledad se volvió un éxito global.

Además de reconocer en Mary Poppins el feliz encuentro entre gran público y obra artística, el escritor tomó algunos otros elementos creativos para su novela, como transformar la magia en una cuestión cotidiana. Quizás el mayor parentesco creativo entre la novela y la película esté en la mujer que García Márquez subió al cielo: Remedios, la bella. El ascenso celestial de este personaje, envuelto en sábanas de bramante, se ha convertido en un ejemplo clásico del realismo mágico de la literatura latinoamericana, mientras que el descenso del cielo de la niñera agarrada de un paraguas, cuyo nombre en español es María, es una imagen icónica de la cultura popular.
Remedios, como Poppins, es una mujer virginal con cierto desapego hacia los mortales. Las dos mujeres, Remedios y Mary, no son seres “de este mundo”. Igual que la niñera, Remedios actúa como si fuese “prácticamente perfecta en todo” y ambas tienen una lucidez que les permite ver “la realidad de las cosas más allá de cualquier formalismo”.

En una versión anterior de la novela, el escritor resaltaba todavía más el aura virginal de Remedios. Su nombre original era Rebeca de Asís, lo que sugiere que su atractivo radicaba más en la espiritualidad que en una belleza que hipnotizaba a los hombres. Al igual que el monje de quien tomó el apellido, san Francisco, Rebeca debió ser una asceta desconectada del mundanal ruido, de la misma manera que Poppins vive aislada en las nubes. Rebeca debía que ser tan ermitaña que García Márquez, al revisar una de las versiones de su manuscrito, eliminó unas palabras en las que describía que el personaje no se lavaba el pelo, quizás para que los lectores no la imaginaran sucia y maloliente.
En el mundo mágico de Poppins y Remedios, otros personajes vuelan. Las niñeras fuera de la casa de la familia Banks ascienden arrastradas por un ventarrón, mientras Poppins baja del cielo. También las personas levitan hasta el techo al no poder parar de reír, como un cura en Cien años de soledad levita al beber chocolate.

Las similitudes entre las bellas, altivas y voladoras Remedios y Poppins, además de la influencia de otras películas de la época sobre el realismo mágico de Cien años de soledad, nos recuerdan que acaso el mayor logro de un artista sea nutrirse de toda clase de influencias artísticas y experiencias personales y, luego, adaptarlas a su propia obra sin dejar rastro de su origen.

Álvaro Santana-Acuña es profesor del Whitman College y autor de «Ascent to Glory: How the Novel ‘One Hundred Years of Solitude’ Became a Classic» (en prensa).

CIEN AÑOS DE SOLEDAD, CINE, GABRIEL GARCÍA MÁRQUEZ, PELÍCULAS, REALISMO MÁGICO
(The New York Times en Español)

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Obra plástica del salteño Mario Perillo con poema de Jorge Arbeleche fue seleccionada para una importante muestra

Lo que se ve en esta imagen es la obra creada en conjunto entre el poeta Jorge Arbeleche y el artista plástico salteño Mario Perillo, obra recientemente seleccionada para formar parte de la “Muestra del Poema Ilustrado Nancy Bacelo 2018”, que quedó inaugurada en Montevideo el pasado martes.

La convocatoria, que partió de la Casa de los Escritores del Uruguay (y tuvo el patrociniArbeleche y Perilloo del Ministerio de Educación y Cultura y la Fundación Nancy Bacelo) llamaba a “Presentación de trabajos integrados de poesía y artes plásticas”.

El poema debía ser inédito y estar integrado a (contenido en) la obra pictórica.
El Jurado estuvo integrado por Juan Mastromatteo, Gerardo Ciancio, Gustavo Wojciechowski y Adelaida Fontanini (como veedora por la Casa de los Escritores) y según se lee en el acta de resolución, tuvo especialmente en cuenta “la integración armónica entre lo textual y lo visual” así como “la calidad formal y técnica de las dos disciplinas demostradas en los trabajos presentados”.

AUTORES SELECCIONADOS
La lista completa de los autores de las obras seleccionadas es la siguiente:

Marcos Ibarra/
Marisa Canut Guevara

Daniela Méndez Guerrero/ Mario Alberto Melusso

Elisa Penino /
Álvaro Ferolla

Mario Raúl Perillo /
Jorge Arbeleche

Marina Pose/
Eduardo Nogreda

Silvia Scarlato /
Adriana Querejeta

Lala Severi /
Gabriela Onetto

Carlos Seveso /
Luis Bravo
Susana Zurbrigg / Betty Chiz

COMO AQUELLO QUE DOS VECES SE HIZO EN SALTO…
La idea de conjunción entre ambas disciplinas artísticas nos trajo a la memoria una actividad que se realizó en Salto durante dos años consecutivos (2003 y 2004) en el Mercado 18 de Julio, en la que participaron escritores (seleccionados por Leonardo Garet) y artistas plásticos (seleccionados por César Rodríguez Musmanno), en la creación de obras que integraban los lenguajes plástico y literario.
El resultado de aquellas experiencias son cuadros (algunos de muy buen nivel) que hoy lucen en diversas instituciones de nuestra ciudad.
Finalmente, con la promesa de ampliar la información sobre este tema en próximas ediciones, digamos que por tratarse de un salteño, en el caso de Mario, y de alguien que ha participado y colaborado en innumerables actividades realizadas en nuestra ciudad, como el caso de Jorge, la noticia ha provocado en el ambiente cultural de Salto una generalizada e inmensa satisfacción.

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Relatos de Edith Pearlman./ Larga caminata por las calles de cualquier ciudad con pequeños cuentos con el aliento de extensas novelas

A sus 82 años, Edith Pearlman (Providence, Rhode Island, 1936) es otro de esos curiosos casos, como así ocurrió con Lucia Berlin, James Salter o Cynthia Ozick, en los que la fama golpea a la puerta de un gran escritor después de décadas de labor prácticamente anónima. Autora de unos doscientos cincuenta cuentos, muchos foto culturafueron publicados en revistas, otros en The New York Times, y finalmente editados por sellos independientes en libros de escasa circulación. En 2011 algo más de treinta relatos fueron antologados en el volumen Visión binocular, con un inmediato éxito de público y de crítica (entre otros galardones obtuvo el National Book Critics Circle Award). La traducción al castellano también demoró su tiempo, y recién este año aparecieron en España el antes mencionado (Anagrama) y una segunda recopilación, Miel del desierto (Alianza de Novelas, sin distribución en nuestro país).
Los especialistas han comparado esta obra con las de John Updike y Alice Munro y los puntos de contacto resultan elocuentes tanto en su calidad como en ciertos mecanismos narrativos. Pero Pearlman no disimula su pertenencia a la extensa y brillante tradición de la literatura judía en Estados Unidos, que amalgama nombres esenciales como los de Isaac Bashevis Singer, Saul Bellow, Philip Roth, E.L. Doctorow y la citada Ozick. A diferencia de lo que ocurre con Singer, los personajes de Pearlman parecen haber perdido casi todo arraigo religioso. Alejadas de Bellow y de Roth, sus criaturas no se distinguen por una condición de tinte picaresco, apoyadas en vagabundeos emocionales y desobediencia frente a algunos dispositivos litúrgicos. Y a diferencia de Doctorow y de Ozick, tampoco registran una mirada crítica o heterodoxa ante lo que justamente les da identidad como nación en tierra ajena. Pero en todos los casos, y siempre como inapelable conciencia histórica, los sobrevuela y une la ominosa sombra del Holocausto.
Algunos de estos relatos se ambientan en la ficticia Godolphin, una zona de clase media alta ubicada a las afueras de Boston, donde se dan cita profesionales, egresados de Harvard, docentes, todos de sólida cultura y de estudiada y añeja estirpe. Otros tienen lugar en tierras más o menos lejanas: algún difuso país centroamericano, Polonia, Francia, Israel, aunque a todos los articulan el origen común del judaísmo, los azares de una diáspora que da comienzo en la primera mitad del siglo XX, y la presencia mayoritaria de mujeres no solo en tanto voz narradora, sino como ejemplo de una forma de interpretar el mundo solo atribuible a una manifiesta sensibilidad femenina.
LA PALABRA FELICIDAD
Se trata entonces, y más allá de su extracción social, de personas corrientes inmersas en situaciones corrientes. La gastroenteróloga jubilada que se muda a una zona apartada para enfrentarse al avance del cáncer y de la muerte (“Independencia”), la niña que espía a sus vecinos sin saber a ciencia cierta qué une a la pareja que vive en un edificio cercano (“Visión binocular”), la pareja de ancianos que empieza a cometer pequeños hurtos y luego dona lo robado, en un intento por recuperar sus lejanos años juveniles (“Fechorías”), las hermanas mellizas que observan perplejas el avance de la enfermedad de su padre y la extraña relación que une a su madre con una tía (“Educación en casa”), la exiliada polaca que ocupa el Ministerio de Sanidad de un remoto país, recorre algunas de sus poblaciones más desamparadas y anhela jubilarse y radicarse en Jerusalén (“Vaquita”): todo acontece con morosa serenidad hasta que de pronto una palabra, un gesto asordinado, una conducta fortuita, parecen desacomodar todas las piezas de un mundo que hasta entonces funcionaba con cierto orden, con cierta predictibilidad.
Es este un universo donde los detalles, una ventana, una calle, un objeto en apariencia trivial, cobran la misma importancia que tenían para Flannery O’Connor (“para el escritor de ficción, el juicio debe partir de los detalles que ve y de la manera en que los ve… Al decir que la ficción procede por el uso de detalles, no me refiero a la simple y mecánica acumulación. El detalle tiene que estar controlado por algún propósito general, y cada detalle tiene que estar al servicio del escritor”) o para Raymond Carver (“Es posible, en un poema o en una historia corta, escribir sobre objetos cotidianos utilizando un lenguaje coloquial y dotar a la vez a esos objetos —una silla, persianas, un tenedor, una piedra, un anillo— de un inmenso, incluso asombroso poder…”).
La destreza de Pearlman para incorporar pequeñas cosas a sus relatos es exquisita. Así, en “Si el amor lo fuera todo”, una mujer joven viaja al Londres de la Segunda Guerra para encargarse de un grupo de refugiados, entre los que destaca “una niña (que) tenía el pelo color luz de lámpara”. O en “Educación en casa”, cuando la narradora evoca el hogar de su infancia y confiesa que “Siempre que veo la palabra ‘felicidad’ pienso en aquel rincón”. O en “Una mujercita”, cuando un hombre mayor recuerda la imagen de una carnicería italiana con cerdos faenados en el escaparate: “Allí colgados para que todo el mundo pudiera verlos, cabeza abajo, como Mussolini”.
SOÑAR DESPIERTA
Cada uno de estos cuentos tiene el aliento de una novela. No son breves, casi siempre están generosamente poblados y el tiempo puede resultar equívoco: un solo episodio logra cobijar la síntesis de toda una vida, un instante parece develar un pasado y un porvenir capaces de abarcar largas décadas. Unos pocos días de unas cortas vacaciones pueden encerrar las claves de una existencia, como pasa en “Yayuski”, acaso la mejor pieza del libro, en la que dos primos adolescentes despiertan al sexo en un grupo familiar marcado por las distancias, y en el que se entremezclan la prohibición, el deseo y la muerte.
Consultada acerca del origen de sus historias, Pearlman declaró en una reciente entrevista que ellas surgen de “la memoria, la experiencia, la observación, el sueño, la invención y el pretexto. (…) Hago muchas miradas silenciosas: en largas caminatas por las calles de la ciudad aquí y en el extranjero; en parques y restaurantes y hospitales; en refugios para personas sin hogar y baños públicos. Hablo (pero principalmente escucho) a todos: íntimos, parientes, amigos, conocidos y extraños. Yo leo. Yo sueño despierta”.
“Para mí”, sostuvo más adelante, “una historia corta es una conversación entre el escritor y el lector. Como solo el escritor puede hablar, debe cuidar de respetar al lector, evitar decirle qué pensar, decir lo menos posible e implicar el resto con metáforas, elipsis, diálogos alusivos, pausas. Luego, el lector toma parte activa en la conversación, proporcionando lo que el escritor solo sugirió. En general, la prosa sobreexcitada empuja al lector a un lado y destruye el equilibrio de la conversación”.
VISIÓN BINOCULAR, de Edith Pearlman, Anagrama, 2018. Barcelona, 505 págs. Tr. de Amado Diéguez Rodríguez. Distribuye Gussi.
(EL PAIS CULTURAL)

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Amalia

Creemos que es uno de los hechos que no admite ni la más mínima polémica, lo que no es poco decir en estos tiempos de divisionismos y confrontación. Al contrario, fue total la aceptación, además de este generalizado comentario que recorrió las calles: muy merecido reconocimiento. Nos referimos a que el pasado martes se nombró oficialmente “Mtra. Amalia Zaldúa Rivas” al Auditorio de Casa Quiroga. Amalia
Muy acertado también el lugar elegido, pues no se pensó en placita ni rincón insignificante alguno, sino en uno de los mejores espacios que tiene Salto en cuanto a acústica y uno de los que recibe permanentemente mejor nivel de espectáculos de música, de teatro, de danzas y artísticos en general. Y Amalia es persona de arte, ante todo.
Su aporte a la cultura no se reduce (¡como si fuera poco!) a sus años al frente del Coro Cantares, con el que supo poner el nombre de Salto en lo más alto a nivel nacional y del extranjero; hay que sumar a ello su labor de más de 30 años como maestra y profesora (en Educación Secundaria y Formación Docente), así como su valiosa incursión en la Literatura.
Salto le dio una muestra de su agradecimiento al declararla como Ciudadana Ilustre el 28 de abril de 2013. La ceremonia se realizó en el Teatro Larrañaga y la convirtió en la primera persona en recibir tal distinción de parte del pueblo y gobierno de Salto.
Amalia Zaldúa Rivas nació en 1927 en el departamento de Tacuarembó: “fue por casualidad, porque vivíamos afuera y era más cercano ir a Tacuarembó para que mi madre tuviera familia; vivíamos en el departamento de Salto pero más cerca de Tacuarembó…cuando llegó el momento de ir a la escuela, mis padres me mandaron con unos tíos que vivían en un paraje precioso de Tacuarembó, de sierras, y ahí fui a la escuela primer y segundo año. Esa es una experiencia muy dura para una niña, separarse de su familia, pasé bien pero fue duro”.
A pesar de haber incursionado en otras ramas del arte, en la vida de Amalia la música es primordial: “…simplemente porque siempre me gustó la música. Empecé con el piano y después el coro, la voz humana siempre me encantó. Escuchar la armonía de la voz humana es para mí una cosa incomparable…”.
No es tan conocida en ella la faceta de escritora. Confiesa que escribió desde siempre, en 2007 publicó el libro de relatos “Los largos veranos” y durante varios años asistió al Taller Literario Horacio Quiroga, que orientaba Leonardo Garet. Es más, cuando este taller deja de funcionar, la casa de Amalia (a veces también la de Myriam Albisu) pasa a ser el lugar de reunión de un nuevo grupo surgido allí: el “Grupo Literario Horacio Quiroga”, grupo que en mayo de este año publicó el libro “Cuentos y Poemas de Salto”, en el que se incluyen nueve relatos suyos. “En la adolescencia, como todo adolescente, escribía pavadas…. Y novelas, estaba en tercero del liceo y recuerdo que había escrito una novela. Estaba como pupila en un colegio religioso pero salía para ir al liceo. Entonces llevaba los capítulos y los pasaba, ¡mirá que buena alumna haciendo distraer a las compañeras…! (risas); Amalia, Amalia, pasame otro capítulo de tu novela, me decían”.
Amalia es de las personas que lee y escribe de todo un poco, aunque prefiere leer novelas y biografías, entre los novelistas siempre recuerda a Vargas Llosa y García Márquez: “…cuando salió Cien años de soledad me pasé todas las vacaciones leyendo ese libro y descifrando aquella familia tan impresionante. Pero la lectura como distracción, no con espíritu analítico ni nada por el estilo…”. Siempre le gustaron los cuentos, aunque “hubo una época, cuando estuve enamorada y sufriendo por el amor, que me salían poemas”. Sostiene que la dedicación al arte y sobre todo a la creación la “ayuda a mantener las neuronas sanas, a mantener en movimiento el pensamiento, si no, la persona muere”. Y en el arte todo está muy unido. En la vida de Amalia, el coro y la literatura siempre han transitado de la mano: “…fijate que por ejemplo las obras corales están basadas en letras, la música sacra por ejemplo es una cosa maravillosa, porque de pronto son los salmos, los responsorios que están puestos en música por esos músicos maravillosos, y tenés que entrar en ese mundo literario, y las canciones populares lo mismo, tenés que interpretar las letras, que con la música forman un todo que también es maravilloso”.
La trayectoria de Amalia en el ámbito educativo y artístico de Salto es de un grandísimo valor, sin lugar a dudas. Pero a ello debe agregarse un elemento que en personas así, lamentablemente escasea en estos tiempos y que a ella le sobra: la humildad. Amalia es una ser por demás sensible, solidario y de perfil muy bajo, es una persona muy grande que vive en un cuerpo de pequeña estatura, una persona de la que como sociedad sentimos o deberíamos sentir orgullo. Está felizmente entre nosotros como una más, igual a cualquiera de nosotros, pero cuando ya no estemos, su legado seguirá vivo y vigente, seguramente impulsando a nuevas generaciones. Su nombre, ahora grabado en la entrada del Auditorio ayudará a eso.

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El Auditorio de la Casa Quiroga pasará a denominarse a partir de hoy martes 18, “Mtra. Amalia Zaldúa Rivas”

En merecido reconocimiento a la Ciudadana Ilustre de Salto, directora y fundadora del Coro Cantares

Hoy martes 18 el Departamento de Cultura de la Intendencia de Salto, la Junta Departamental y la Comisión Honoraria del Centro Cultural Casa Quiroga realizarán un homenaje a la Maestra, escritora y Ciudadana Ilustre Amalia Zaldúa, fundadora y directora del Coro Cantares, nominando el auditorio de la Casa Quiroga “Mtra. Amalia Zaldúa Rivas”.

La ceremonia dará comienzo a las 19 y 30 oportunidad en que tendrá lugar el descubrimiento de la placa amalia zalduacorrespondiente por parte de la homenajeada, a quien acompañarán representantes de las entidades organizadoras, familiares y público en general.La larga trayectoria de Amalia Zaldúa en el quehacer educativo y cultural de nuestro Salto; la proyección local, nacional e internacional de su grupo coral siempre atento a dar brillo a los acontecimientos sociales, culturales, históricos, religiosos de nuestro suelo; su presencia a lo largo y a lo ancho del país, su reiterada presencia en diversos lugares de los pàíses vecinos, Argentina, Brasil, Paraguay y aún más lejos: Vaticano, Roma y España en varias oportunidades, la hgan convertido en embajadora de la cultura salteña en buena parte del mundo.
Lo mismo puede decirse de su inquietud por presentar en Salto coros de los países sudamericanos, como así también de numerosos países europeos que deleitaron y enriquecieron con sus interpretaciones a nuestro público. Es de estricta justicia, pues, este reconocimiento a Amalia, que además de los motivos ya anotados, hacen propicio los noventa años de vida que acaban de cumplir con incansable actividad en nuestro medio, lo que dará motivo al encuentro con un público que valora su inmenso aporte a la cultura salteña.

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Cierre del Taller de Danzas Folclóricas

Este lunes 17 de diciembre a las 21 horas se realizó la velada de cierre del Taller de Danzas Folclóricas del Departamento de Cultura de la Intendencia de Salto, a cargo de la profesora Cecilia Lanzieri. El espectáculo será con entrada libre en el teatro Larrañaga.
La presentación se llevó a cabo en dos partes: la primera mostrando el trabajo académico del año y la segunda el trabajo junto a la familia de los asistentes al taller, entre ellos hermanos, padres, madres y abuelos.
Dos grupos participaron fueron premiados el pasado mes en el campeonato “Universal Dance” realizado en Córdoba. Los bailarines salteños representaron a Salto y al país obteniendo importantes reconocimientos.taller danzas 001
Con gran éxito y concurrencia se celebró el cierre del ciclo 2018 de la milonga «Rincón del Tango” organizada por El Departamento de Cultura a través de la tallerista Angelina Diaz.
Una noche especial se vivió en el Museo del Hombre y la Tecnología, comenzando a las 19hs con un taller práctico orientado por la docente junto a su partenaire de baile Gary Etchegaray.
El mismo denominado «Recursos para la improvisación de Milonga» dirigido a niveles principiante e intermedio. Tomaron la clase muchos aprendices del taller y milongueros provenientes de Concordia, que posteriormente se quedaron a disfrutar de bailar en la milonga.
También se realizó la correspondiente entrega de certificaciones a los participantes de los talleres quienes manifestaron la gratitud el anhelo de continuar aprendiendo el próximo año.
Una buena participación tanto de asistentes del Taller de Tango como público en general que se acercó a bailar y mirar pese al clima.
«Rincón del Tango» es un espacio que apuesta a fortalecer nuestro patromonio a través del baile popular.
En cada edición atrajo a más adeptos y público nuevo, generando nuevos intercambios socioculturales y fuertes lazos grupales. Estos espacios habilitan al desarrollo de la cultura y del tango cómo genero en constante crecimiento. Por lo tanto esperamos continúe dicho éxito el próximo 2019.

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Más que una vía fluvial con su nombre, el legado de un italiano que aportó belleza a un Uruguay en crecimiento

La arquitectura de Luigi Andreoni

El 25 de agosto de 1876, Montevideo amaneció sin una nube. No era un día cualquiera; era un día festivo en el que se conmemoraba la Declaratoria de la Independencia. En la pequeña ciudad de entonces se veían pocos habitantes en las calles, pues la mayoría había acudido a los festejos en la zona del Paso del Molino. Un joven de veintidós años con un escueto equipaje acababa de bajar del vapor que lo había traído desde su Italia natal. Era uno más de los tantos inmigrantes que llegaban a estas costas en busca de una nueva vida. Su único capital era su título universitario. Deambuló por las soleadas calles silenciosas y la primera impresión que recibió de la ciudad fue de tristeza y soledad. Sin embargo, aquí se afincó y pasó el resto de su vida.

Cincuenta años después así rememoraba el ingeniero Luigi Andreoni —creador de obras emblemáticas de Montevideo como el Hospital Italiano o la Estación Central General Artigas— su arribo al Uruguay, en una extensa entrevista que le realizara para el diario El Día el periodista Vicente Salaverry.

DISPUESTO A TODO

Giovanni Giuseppe Luigi Andreoni Negri nació en Vercelli el 7 de octubre de 1853. Su padre, Pietro, fue ingeniero y su madre, Eloisa Negri, provenía de una familia de profesionales por lo cual no es raro que el joven eligiera hacer una carrera universitaria. Fue a la escuela en su pueblo natal, y luego continuó sus estudios en Turín y en Nápoles, en la Escuela Real de Aplicación, donde se recibió de Ingeniero Civil en 1875 con brillantes calificaciones. Tomó la decisión de venirse a América, y parte del motivo estaba en la semblanza que dio de su padre en el citado reportaje: “…era conmigo exigente y autoritario. Yo con tal de tener libre albedrío me hubiera ido a Canadá o Calcuta lo mismo que a Uruguay…”.
Lo primero que hizo al llegar fue ir al consulado de Italia para autenticar y traducir su título universitario. Dándose cuenta del crecimiento urbano que estaba experimentando Montevideo, visualizó un nicho laboral como Agrimensor, para lo cual tuvo que rendir un examen ante un sorprendido tribunal que se deslumbró por su nivel académico. Ello le valió además de la patente de Agrimensor, la invitación para dar clases de matemáticas en la Escuela Naval.
Los comienzos sin duda fueron duros. En esos primeros años Luigi Andreoni hizo de todo: trabajó como agrimensor y como profesor, presentó un proyecto arquitectónico para construir un Palacio de Gobierno, recibió el encargo de proyectar la Iglesia de Florida (proyecto que efectivamente realizó pero que luego se construyó con variantes introducidas por otros técnicos) y el Cabildo Eclesiástico. En la década del ‘80 empezó a trabajar en el Ferrocarril Uruguayo del Este, explotó una calera en Pando, pidió la concesión de una línea tranviaria en Montevideo y aceptó el ofrecimiento de Melitón González para dirigir honorariamente las obras del Faro del Cabo Polonio en el este del Uruguay. Desde entonces comenzará su vínculo con Rocha y este hecho asociará su nombre fundamentalmente a una obra: el canal Andreoni. Pero para ello aún faltaban algunos años.
Andreoni estaba dispuesto a todo para ganarse la vida y para mantener a su familia. Se había casado el 2 de junio de 1877 con Rosa Ladriere. Al poco tiempo vinieron los hijos; en 1879 nació Mario Manuel, que también sería Ingeniero, y en 1880 nació Matilde Dominga. Su estadía en Rocha le permitió relacionarse con los vecinos de la zona y posibilitó que le encargaran el plano de mensura y loteamiento del ejido de la ciudad. A partir de entonces, atento y perspicaz, fue tomando conocimiento del potencial de esta zona, de su rica geografía, de la existencia de las “tierras malsanas” como se les llamaba a los bañados y del proyecto para realizar un puerto de aguas profundas en el paraje conocido como La Coronilla. Sí, el mismo proyecto que se retomará, una y otra vez cíclicamente durante más de un siglo. Pero su sueño de juventud era hacer arquitectura: “Yo me había hecho ilusiones de trabajar planeando y aun, dirigiendo casas”, rememoraba el ingeniero en su vejez. Eso se cumplió en 1884 cuando tuvo su primer gran encargo de importancia: la vivienda para Don Félix Buxareo, hoy sede de la Embajada de Francia en la esquina de Andes y Uruguay. La realización de este palacete para una familia tan importante lo puso en el tapete de la alta sociedad. Ocho años habían pasado desde su llegada y aquel joven que bajó del barco con una pequeña maleta bajo el brazo ya tenía treinta años y acababa de ganar el concurso para hacer un hospital para la comunidad italiana, obra que marcará un antes y un después en su carrera como arquitecto y que se convertirá en un hito sobresaliente para la ciudad: el Hospital Italiano Umberto I, obra de gran complejidad. Ubicado en una zona alejada del centro en ese momento, sobre un Bulevar Artigas que era más una idea que una realización, Andreoni lo planteó como un edificio de monumentalidad contenida, organizado en base a tres patios que aseguraban aire, luz y espacios verdes. Estilísticamente lo resolvió con un manejo solvente del lenguaje clásico. La tan característica logia que se eleva sobre el Bulevar Artigas hasta hoy día, conformada por la sucesión rítmica de arcos de medio punto apoyados sobre columnas apareadas, la amplia escalinata de mármol con aire palaciego sobre Avenida Italia y las reminiscencias paladianas que emana este edifico, han hecho del mismo un punto notable de la ciudad. Luego llegó a su vida el proyecto para el Club Uruguay, notable edificio de tres niveles, que resalta por su lujo y fineza y que fue antaño la sede de la alta burguesía montevideana. Por sus salones pasó la historia y las grandes personalidades que visitaron la ciudad, desde el tenor Enrico Caruso a Eva Duarte de Perón. A estos edificios hay que sumar una extensa lista de propiedades unifamiliares y para renta, entre las que destaca la vivienda para la Sucesión Vaeza frente a la Plaza Matriz y actual sede del Partido Nacional. Pero hay más. En la misma Ciudad Vieja y a pocas cuadras del Club Uruguay, realizó el edificio para el entonces Banco Inglés del Río de la Plata, en la esquina de Zabala y 25 de mayo, con sus potentes fachadas ondulantes. Construyó su propia casa en la calle La Paz y Magallanes y cerró este ciclo de tan solo seis años y en el que se cuentan más de veinte proyectos, con el encargo de una imponente construcción por parte de la empresa The Central Uruguay Railway Ltd.

LA ESTACIÓN CENTRAL

En paralelo a su labor como arquitecto, Andreoni había forjado una trayectoria importante como ingeniero ferroviario. Había llegado a ser gerente del Ferrocarril Uruguayo del Este, empresa en la que trabajó desde 1881 a 1889 y luego pasó a ser Jefe del Ferrocarril Nordeste del Uruguay. Por lo tanto no es raro que hayan recurrido a él para que proyectara la estación de cabecera de la empresa inglesa. Sin duda fue importante para su carrera personal, pero sobre todo lo fue para la ciudad por varias razones. En primer lugar por su escala e impronta urbana. Una vez inaugurada con gran pompa el 23 de junio de 1897, esta zona de Montevideo estrechamente ligada al puerto se transformó en un punto neurálgico de la ciudad. En segundo lugar, por su complejidad programática y por ser un gran ejemplo de la llamada “arquitectura del hierro”.

La resolución proyectual que adoptó Andreoni generó dos grandes sectores. Uno, el conformado por los edificios de acceso, oficinas generales y alas de viajeros. Ellos constituyen las fachadas que dan a la ciudad y es el lugar por excelencia para la sensibilidad arquitectónica de Andreoni. Constituyen la cara “culta” del edificio y como tal son tratados con un lenguaje ecléctico.
El otro sector es el espacio del andén, el lugar por excelencia para que se luzca el ingeniero. Sin grandilocuencias, la cubierta sobre los andenes cubre un gran espacio vacío, techado con una bóveda metálica de 47,5m de luz, 120 metros de largo y 20,5 de altura. Por último, estos edificios constituían “las nuevas puertas de la ciudad”, como afirma el arquitecto e historiador de la arquitectura Kenneth Frampton. Para los ojos de la época eran sinónimo de modernidad; un país que se jactara de ser “moderno”, mostraba con sus estaciones ferroviarias que estaba acorde con los tiempos que corrían.

(EL PAIS CULTURAL)

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Una salteña entre ellos: MEC entrega el miércoles los Premios a las Letras 2018

El próximo miércoles 19, en Montevideo (Espacio Idea, San José 1116), se llevará a cabo la ceremonia de entrega de los Premios a las Letras 2018, que anualmente otorga el Ministerio de Educación y Cultura de nuestro país. Cerca de cuatrocientos autores en las modalidades édita e inédita se presentaron este año para los Premios Nacionales de Literatura, Premio Ópera Prima y para el Premio a Ensayo sobre Investigación y Difusión Científica.

Una salteña obtuvo Mención
Entre quienes han sido distinguidos se encuentra la salteña Rosario Lázaro Igoa, quien obtuvo una Mención en la categoría Narrativa Édita por su libro “Peces mudos”. A ella le realizamos a comienzos de este año una extensa entrevista cuyas partes sustanciales fueron publicadas en la edición de EL PUEBLO del 11 de marzo. Asimismo, es una de las escritoras que representó a Salto, en el mes de octubre, en la actividad denominada “ASalto Literario”, en el marco de la 41º Feria del Libro de Montevideo.

Pedro Peña, Primer Premio en Literatura Infantil y Juvenil
El escritor y profesor de Literatura maragato, Pedro Peña, obtuvo el primer premio en la categoría “Literatura Infantil y Juvenil” por su libro “El libro de los mitos. Historias del Lago” (Editorial Montena – 2016). Peña ha demostrado, siempre que tuvimos oportunidad de conversar con él, un gran interés por la literatura de Salto. Sin ir más lejos, hace poco tiempo publicó en un medio capitalino una reseña sobre “Lagartos”, uno de los últimos libros publicados por Leonardo Garet.
Cierre del Taller de Danzas Folclóricas
Mañana lunes a las 21 horas, en el Teatro Larrañaga y con entrada libre y gratuita, se realizará la actividad de cierre del Taller de Danzas Folclóricas del Departamento de Cultura de la Intendencia, que orienta Cecilia Lanzieri. La presentación tendrá dos partes: la primera mostrará el trabajo académico del año y la segunda el trabajo junto a la familia de los asistentes al taller (hermanos, padres, madres y abuelos). Vale recordar que dos grupos fueron premiados el pasado mes en el campeonato “Universal Dance”, realizado en Córdoba, en el que estos bailarines representaron a Salto y al país.

Concierto previsto para hoy fue suspendido
Hasta nuevo aviso y debido a los pronósticos oficiales de tormenta para hoy domingo 16, se suspende el concierto que se había programado en Plaza Treinta y Tres enmarcado en las actividades “Atardeceres en concierto”, que impulsa el Departamento de Cultura de la Intendencia.

Rognoni – Fausto
Juan Carlos Rognoni es la respuesta al Acertijo que planteamos en la edición del pasado jueves respecto a quién había sido el músico que nos escribió para informarnos que alguna vez “le puse acordes y melodías a todo lo que escribió Fausto (Carcabelos)”. Rognoni recordó que se reunían en Agraciada al 1000 (cuadra en la que ambos vivieron), reuniones de las que participaban Carlos Ardaix, el bajista Lidio Ángel Da Col, entre otros amigos, y que “hay una cinta con un tema obre su muerte escrito por el Bocha (Ardaix), que la tiene el Bacho (Da Col), pero nunca se pudo pasar a un cassete, nos acompañó el Cacho Humedes”, y se lamentó de que “no he podido encontrar un cuaderno en el que tenía varias letras escritas por Fausto”

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De lunes a viernes de 8 a 19 horas, entrada libre Muestra del Museo del Carnaval en Palacio Córdoba

La muestra del carnaval llega a Salto por decimoprimer año consecutivo, aunque esta vezDSC_9151 la exposición estará en el Palacio Córdoba (Uruguay 202) hasta la primera semana del mes de febrero de 2019.
Esta muestra contempla a artistas carnavaleros del interior del país que participan o participaron en el carnaval de Montevideo. Ernesto Lasiú, en representación del Sindicato Único de Carnavaleros del Uruguay (SUCAU), agradeció el apoyo permanente del equipo del Museo del Carnaval que continúa apostando a llevar las muestras a todos los departamentos del interior del país.
El encargado del montaje de la muestra, Gonzalo Alonso, enfatizó en que en esta DSC_9150oportunidad exhibirán a nueve personajes del carnaval montevideano que nacieron, se formaron y participaron por primera vez en los carnavales del interior. Destacó que desde Montevideo existen carnavales en todo el país y la gente del interior, cuando participa en los concursos de la capital, hace su aporte con lo aprendido en su lugar de origen.
Para el presidente de la Comisión Honoraria de Carnaval, licenciado Fabián Bochia, esta muestra implica marcar mojones culturales y aprender cómo se trabaja en la órbitaDSC_9158 profesional.
Es la continuidad institucional de llevar adelante una tarea cultural y permite acercar a la comunidad salteña una actividad que destaca “el esfuerzo de los carnavaleros del sur del país que han hecho un instrumento cultural y socializante enorme y maravilloso en el que nos reflejamos todos los uruguayos”.

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Espectáculo de Danzas en el Centro Cultural Casa Quiroga

Este sábado 15 de diciembre, a las 20.30 horas, tendrá lugar en el Centro Cultural Casa Quiroga la 13a. Fiesta Gitana, un espectáculo variado de danzas a cargo de la Profesora y Tallerista María Cristina Gaudín. La propuesta comprenderá ritmos gitanos, folklóricos, contemporáneos y danceAbility.
El evento contará con la participación del Elenco de Danzas Españolas, los talleres artísticos del departamento de Cultura de los barrios Calafí y Cien Manzanas, y del Hogar Millán, la Primera Escuela del Interior de Danzas Españolas Regionales y Flamenco, junto a artistas y academias invitadas.13 Fiesta Gitana
Las primeras ediciones de la Fiesta Gitana se realizaron en el Gran Hotel Concordia, un espacio emblemático de Salto. En esta oportunidad, el escenario se armará en el patio de Casa Quiroga, lo que permitirá disfrutar otro espacio cultural de nuestra ciudad, ubicado en avenida Viera esquina Maciel.
RITMOS Y ARMONÍAS, DANZA Y MOVIMIENTO
El espectáculo presentará una selección de música y bailes dentro de las cuatro categorías de la danza española moderna, que son: las danzas regionales, el flamenco, la Escuela Bolera o danza clásica española y la danza española neoclásica, que corresponde al renacimiento de la danza clásica española a finales del siglo XIX.
Específicamente el flamenco se refiere a una expresión artística nacida de la mezcla de muchas culturas: la árabe, la judía, la de los gitanos que llegaron a Andalucía en el siglo XV.
Además, a partir de siglo XVI, el cante flamenco se enriqueció con aportes del folclore del centro y sur de América, lo que se denomina “los cantes de ida y vuelta”. Esa gran variedad de influencias marcó la evolución de sus ritmos y armonías, y hoy se considera al flamenco como un arte puro y mestizo al mismo tiempo.
Además, se podrá disfrutar de una muestra de los talleres de DanceAbility, metodología en la que se formó la Profesora Cristina Gaudín y que significa danza integrada, intercambio de experiencias y cuerpos diversos donde todos pueden bailar y experimentar en movimiento. Personas con discapacidad, bailarines, estudiantes de danza, psicomotricistas, artistas, deportistas, trabajadores del cuerpo en general, se reúnen a bailar e investigar diversas posibilidades de movimiento. Desde su creación en 1979, la Compañía Joint Forces y su director Alito Alessi, han mantenido como propósito cultivar el común desarrollo de la danza y el movimiento para la expresión creativa de todas las personas.

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Comentarios de cine

FELIZ CUMPLEAÑOS
Si decimos Issur Danielovitch Demsky no es que estemos haciendo un trabalenguas o nuestro teclado esté estropeado, estamos hablando de la leyenda viva del Hollywood dorado, Kirk Douglas, protagonista de cintas enmarcadas como clásicos del séptimo arte como “Espartaco”. El actor, prodkirk-douglasuctor e ícono de varias generaciones ha cumplido 102 años y se muestra agradecido por poder prolongar su estancia entre su familia con una salud más que aceptable.
Parece cierto que Kirk Douglas tiene una salud de hierro, sobre todo tras tener que enfrentarse a graves problemas familiares donde en los últimos años una de las parejas más conocidas de Hollywood como son la formada por los actores Michael Douglas y Catherine Zeta Jones, pasó por malos momentos, a lo que habría que añadir el cáncer detectado al famoso actor en la garganta, además de añadir la nota más triste del encarcelamiento de su hijo mayor, Cameron Douglas por posesión y tráfico de drogas.
Ahora todo solucionado, con Cameron en libertad, Michael y Zeta de nuevo emparejados, el patriarca de la familia, Kirk Douglas, celebra por todo lo alto su 102 cumpleaños, uniéndose así a otras leyendas con vida de la época dorada de Hollywood, como son Sophia Loren y Sidney Poitier.
Sorprende la vitalidad de Kirk Douglas, que tras superar el siglo de vida ha concedido una entrevista donde afirma estar escribiendo su libro número 12, alertando sobre las políticas de Donald Trump y detalla que desea un mundo más justo sin tanta diferencia entre ricos y pobres.
GLOBOS DE ORO
Cuando falta exactamente un mes para que se celebre la esperada gala de entrega de los premios que concede la Asociación de la Prensa Extranjera de Hollywood, los Globos de Oro a celebrarse en próximo 7 de enero, acaba de hacerse pública la lista de nominados, donde cintas taquillera como “Ha nacido una estrella” o “Pantera Negra” de Marvel están entre ellos. La lista queda como sigue.globos-de-oro
Mejor película: Drama – Black Panther – Infiltrado en el KKKlan – Bohemian Rhapsody – El blues de Beale Street – Ha nacido una estrella
Mejor película: Comedia o musical – Crazy Rich Asians – La favorita – Green Book – El regreso de Mary Poppins – Vice
Mejor actriz: Drama – Glenn Close – Lady Gaga – Nicole Kidman – Melissa McCarthy – Rosamund Pike
Mejor actor: Drama – Bradley Cooper – Willem Dafoe – Lucas Hedges – Rami Malek – John David Washington
Mejor actriz: Comedia o musical – Emily Blunt – Olivia Colman – Elsie Fischer – Charlize Theron – Constance Wu
Mejor actor: Comedia o musical – Christian Bale – Lin Manuel Miranda – Viggo Mortensen – Robert Redford – John C. Reilly
Mejor actriz de reparto – Amy Adams – Claire Foy – Regina King – Emma Stone – Rachel Weisz
Mejor actor de reparto – Mahershala Ali – Timothee Chalamaet – Adam Driver – Richard E. Grant – Sam Rockwell
Mejor director – Bradley Cooper – Alfonso Cuarón – Peter Farrelly – Spike Lee – Adam McKay
Mejor guion – Roma – La favorita – El Blues de Beale Street – Vice – Green Book
Mejor película de animación – Los Increíbles 2 – Isla de Perros – Mirai – Ralph Rompe Internet – Spider-Man: Un nuevo universo
Mejor película extranjera – Capernaum – Girl – Never Look Away – Rompa – Shoplifters
Mejor banda sonora – Un lugar tranquilo – Isla de perros – Black Panther – First Man – El regreso de Mary Poppins
Mejor canción original – Black Panther – Dumpling – A Private War – Boy Erased – Ha nacido una estrella
¿DE NOVIA?
Con tan solo 22 años de edad la actriz estadounidense Chloe Moretz, se ha convertido por derecho propio en una de las profesionales más jóvenes e influyentes, donde su compromiso con distintas cchloe-moretzausas políticas y sociales la ha llevado a convertirse en una de las jóvenes actrices más influyentes de Hollywood, y a pesar de ello tiene tiempo para el amor, que ha encontrado con la modelo Kate Harrison.
A pesar de su corta edad, Chloe tiene las ideas muy claras, como cuando manifestó recientemente que en sus inicios en Hollywood tuvo una experiencia traumática donde su compañero de reparto le manifestó que estaba gorda y que nunca tendría una relación con ella, lo que en la etapa de adolescencia de la actriz la impactó e incluso llegó a llorar por ello. Tras superarlo, la actriz aboga hoy por una mujer fuerte y ajena a los mensajes hirientes que aún perduran en el mundo del espectáculo.
Mientras esto sucede, la vida amorosa de la actriz acaba de sorprender a sus fans, donde tras una relación inestable con Brooklyn Beckham que no terminó bien, ahora ha sido captada en situación amorosa con la modelo Kate Harrison, hija del actor Gregory Harrison.

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El Tango celebró su día y Salto acompañó

El pasado martes y en diversas partes del mundo, el Tango vivió “su” día. Sucede que lo que allá por 1977 comenzó en Argentina como una celebración “Nacional”, al ser paulatinamente adoptado por otros países, se convirtió en el “Día Internacional del Tango”. Es el 11 de diciembre, fecha elegida por ser la de los nacimientos de Carlos Gardel (en 1890) y del director de orquesta Julio de Caro (en 1899).

Salto no estuvo ausente al homenaje y celebración, que en definitiva pretende realzar la importancia del Tango en nuestra cultura. Es así que el mismo martes 11 en el Teatro Larrañaga se llevó a cabo el cierre de los talleres deTalleristas en Teatro Larrañaga, el martes.tango-danza con un espectáculo denominado «En un abrazo de Tango». Se presentaron todos los participantes de los talleres de tango de Salón y Tango Nuevo que brinda el Departamento de Cultura de la Intendencia de Salto (con la orientación de Angelina Díaz), además de invitados especiales como el grupo juvenil NeoTango y el Cuarteto Tango Nuestro.
El Tango, esa inigualable “comunicación erótica”

“Es virtualmente imposible que, después de varios tangos, dos cuerpos no empiecen a conocerse. En esa sabiduría, en ese desarrollo del contacto, se diferencia el tango de otros pasos de baile que mantienen a los bailarines alejados entre sí o sólo les permiten roces fugaces que no hacen historia. El abrazo del tango es sobre todo comunicación, y si hubiera que adjetivarlo diría comunicación erótica, un prólogo del cuerpo a cuerpo que luego vendrá, o no, pero que en ese tramo figura en los bailarines como proyecto verosímil. Y cuanto mejor se lleve en el baile la pareja, cuanto mejor se amolde un cuerpo al otro, cuanto mejor se correspondan el hueso del uno con la tierna carne de la otra, más patente se hará la condición erótica de una danza que empezó siendo bailada por rameras y cafishos del novecientos y que sigue siendo bailada por el cafisho y la ramera que unos y otros llevamos dormidos en algún rincón de las respectivas almitas y que despiertan alborozados y vibrantes cuando empiezan a sonar los acordes de El choclo o Rodríguez Peña” (Mario Benedetti, del libro “La borra del café”, 1992).

Se reeditó en España el libro “Un viaje a Salto”, de Circe MaiaUn viaje a Salto

“Un viaje a Salto” es un libro de Circe Maia, poeta nacida en Montevideo en 1932, pero cuya vida ha transcurrido mayormente en Tacuarembó. Lo publicó originalmente en el año 1987. Sus libros son, casi en la totalidad, de poemas en versos; sin embargo, “Un viaje a Salto” es un relato en prosa que trata sobre el encarcelamiento de su marido durante la dictadura militar. Hace poco nos llegó la noticia de una reedición realizada por Rebeca Linke Editoras, prestigiosa editorial española, y el pasado jueves 6 tuvo su presentación en público en Montevideo, concretamente en la Biblioteca Nacional.
Sin dudas una muy buena noticia para la literatura uruguaya con un hecho que además, de alguna forma, involucra también a nuestra ciudad. Vale agregar, que en este año que va culminando, en España se publicaron también dos antologías poéticas de Circe Maia.

Acertijo

El pasado domingo, esta página de Cultura de EL PUEBLO recordó a dos hombres de letras, salteños, fallecidos trágicamente a comienzos de diciembre de 1969: Fausto Carcabelos y Víctor Lima.
Sobre el tema fueron varios los comentarios que recibimos, especialmente de personas que los conocieron. Pero uno de esos comentarios era de alguien que nos escribió textualmente: “¿Sabías que a todo lo que escribió Fausto yo le puse los tonos y las melodías? No digo la música porque nunca escribí una partitura, pero sí los tonos y melodías…”.
¿Quién es este músico? Dejamos planteado el acertijo, que por supuesto develaremos en próximas ediciones. Una pista: tocaba la batería y acaba de jubilarse de un empleo público que nada tiene que ver con lo artístico – musical. Otra pista: ese empleo es cercano a las pistas (y no es un juego de palabras).

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Designación del Auditorio de Casa Quiroga como Maestra Amalia Zaldúa

El departamento de Cultura de la Intendencia de Salto y la Comisión de Amigos de Casa Quiroga invitan al acto de designación del Auditorio del Centro Cultural Casa Quiroga con el nombre de la Maestra Amalia Zaldúa. Este nombramiento fue aprobado por la Junta Departamental de Salto y responde a una solicitud de la mencionada comisión, con la adhesión de la Asociación Marosa di Giorgio.Casa Quiroga

La inquietud fue presentada en virtud de la fecunda trayectoria de Zaldúa, que ha significado un importante aporte cultural para el departamento. No solo fue maestra de numerosas generaciones de salteños, sino también escritora y fundadora del Coro Cantares, que alcanzó prestigio en Salto y realizó giras dentro y fuera del país.

El acto se realizará el día 18 de diciembre a las 19.30 horas en el Centro Cultural Casa Quiroga (Av. Líber Seregni esq. Maciel), y comprenderá el descubrimiento de una placa y la actuación, entre otros, del Coro Ostinato y el Coro Canta Conmigo.

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«En un abrazo de tango»: martes 11 en el Teatro Larrañaga

Este martes 11 de diciembre, a las 20 horas, se realizará en el Teatro Larrañaga la muestra anual del tatango01 ller de tango y milonga que imparte el departamento de Cultura de la Intendencia de Salto, denominada «En un abrazo de tango».

El espectáculo es el fruto del trabajo realizado a lo largo de todo el año, que comprendió clases y también las típicas Milongas, que se realizaron en forma quincenal en el Museo del Hombre y la Tecnología.

Angelina Díaz, docente a cargo del taller, señaló que el nombre de la muestra «expresa los fundamentos trabajados durante el año que tienen que ver con el abrazo, con el caminar y la musicalidad, porque consideramos que este género nace juntamente desde ahí, desde el abrazo y el contacto dialógico con el otro».

Díaz agregó, en referencia al tango y la milonga, «no solo es una danza escénica sino un estilo de vida que representa nuestra cultura rioplatense, y la idea de la muestra es reunir todas estas cualidades».tango02

La muestra contará con la participación de los asistentes al taller y, como invitados, el cuarteto «Tango Nuestro» y el conjunto de jóvenes salteños «Neotango».
El evento se realiza con entrada libre y gratuita, por lo que será una buena oportunidad para concurrir a la principal sala de nuestro departamento y celebrar esta danza, precisamente en la fecha en que se conmemora el Día Internacional del Tango, por ser la fecha de nacimiento de Carlos Gardel.

ÚLTIMA MILONGA DEL AÑO
Además, el jueves 13 de diciembre, a las 19 horas, se realizará la última milonga del año en el Museo del Hombre y la Tecnología, como cierre de este ciclo de talleres artísticos. La actividad comprenderá una clase abierta a todo público y luego cierre con baile, también con entrada libre y gratuita.

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Por Fausto y Víctor Lima. Aquel diciembre que a Salto vistió de luto

Empezaba diciembre, año 1969, y Salto se vestía de luto: primero Fausto Carcabelos y enseguida Víctor Lima aparecían muertos. Fausto había nacido en 1940 y fue periodista de este diario. Justamente, compañeros de EL PUEBLO publicaron, en 1970, “El libro de Fausto”, en el que reunieron (con prólogo de su DireVictor Lima, una de sus fotos más difundidasctor, Esc. Enrique Cesio) un conjunto de variados textos suyos. Víctor había nacido en 1921 y su trascendente obra literaria-musical nos exime de mayor presentación.
Hoy simplemente los recordamos y homenajeamos con palabras escritas por Jesuina Sánchez, poeta salteña radicada en Paysandú:
“Para Fausto Agustín Carcabelos: Era el año 69 y tus creaciones comenzaban a triunfar. Se hacían discos. Mi canción «Tengo en el cielo una niña» ya estaba grabada junto a temas recitados por tu amigo Carlos Ardaix. El primero de diciembre te pedí la partitura de mi canción y me dijiste “Apurada, no pienso morirme pronto, hay tiempo”. Fue la última vez que te vi. El 3, desapareciste y el 5, el Río Uruguay, devolvió tu cuerpo enganchado en un espinel del Club Remeros. Esa misma noche, nuestro amigo Víctor Lima, se escapó del Hospital y se arrojó al río. Creo que enloquecí cuando en la mañana del 6 el cuerpo de Víctor estaba en la morgue del Cementerio Central. Han pasado 49 años y todo sigue vivo en mí. Los necesito. Ya nada fue igual a partir de entonces. Hoy, sólo tengo para ofrendar los versos que nacieron para nuestro amigo común y esta sensación de soledad que traspasa alma, mente y cuerpo:
Se llamaba Víctor y no era alegre
pero sembraba por las calles la alegría,
amaba la belleza de un poema,
el río, el sol, el vuelo de palomas,
la risa de los niños en la tarde,
el perfume de jazmines tempraneros,Fausto Carcabelos, placa en el Cementerio Central
los pinos altos, el color del cielo…
un vaso de buen vino… un cigarrillo
esfumándose en la charla de un amigo.
Se llamaba Rolando, era poeta,
trotamundo de soles y quimeras,
prendía sueños en las nubes,
cantaba a las ciudades y a los ríos.
Su canto era verdad, era esperanza,
era amor pleno y total hacia los hombres.
Se llamaba Lima, el solitario, el loco,
el soñador de cosa imposibles,
de sueños sin edad, de anhelos puros…
Se fue una mañana como hoy…
Era diciembre, y el río lo llamaba.
Se recostó a dormir sobre la espuma.
Yo lo llamaba simplemente: amigo”.
VÍCTOR LIMA SERÁ HOMENAJEADO HOY EN CASA QUIROGA
El Departamento de Cultura de la Intendencia de Salto ha organizado un homenaje a Víctor Lima que se cumplirá hoy, a la hora 19 en Casa Quiroga (Avda. Líber Seregni y Maciel) con entrada libre y gratuita. Participarán: Mirtha Píriz y Clara di Donato, Juan Carlos Emmeneger, grupo de danzas Andante, Orquesta Departamental de Música y Coro Departamental de Música.

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Memorias proyectadas: Bitácora, un proyecto que registra procesos creativos de los artistas contemporáneos

Instituto Nacional de Artes Escénicas en Youtube

(Publicado por “la diaria”)

El proyecto Bitácora, del Instituto Nacional de Artes Escénicas (INAE), registra procesos creativos de artistas contemporáneos, a los que se puede acceder desde su canal de Youtube o su web, habilitando un ámbito sostenido de trabajo que estimula nuevas líneas de lectura, a la vez que traza una memoria y expande sus alcances creativos, sociales y educativos.
Muchos coinciden en que una obra se crea a partir del acontecimiento y la experiencia. Y mientras unos asumen las fórmulas y otros se ríen de lo que inventan, las artes escénicas se reformulan frente al desencanto de los grandes relatos, la alienación del presente y la necesidad de conquistar otras formas de comprensión. foto cultu (la diaria)Este desafío de crear nuevas categorías para pensarnos ha impulsado distintas iniciativas: entre las institucionales, en 2014 el INAE lanzó el proyecto Bitácora, que apunta a registrar los procesos creativos de artistas contemporáneos. Si bien durante cinco días investigan y ensayan su proyecto, el resultado final es un video –de 30 minutos– que compendia este trabajo junto a una entrevista en la que el director habla de sus referencias, intereses y motivaciones.
Sobre el escenario, los actores intercambian sensaciones, impresiones sobre las fobias, la inducción y la sugestión. “A veces recurrimos a la literatura y al cine como inspiración inductiva, en la búsqueda de la textura conceptual, ya que no hay que representar, sino apropiarse. Y así el trabajo es ameno, provocador”, dice Roberto Suárez al comienzo del video. A la derecha, se despliegan nombres de artistas consagrados y emergentes que replican la misma dinámica.
“Me parece muy bueno que se lleven adelante este tipo de registros, ya que sin ninguna duda van a servir para posibles investigaciones”, dice el historiador Nicolás Duffau. Para él, esta construcción no responde a una “memoria del presente”, sino a una memoria activa, ya que “no hay memoria que no sea, a la vez, presente y pasado”. Por eso, cree que esta modalidad de archivo se vuelve beneficiosa para estudiar el pasado, y se entusiasma con que se pueda “hacer más de esto en todas las disciplinas”.
En el caso de la directora Mariana Wainstein, Bitácora intenta mantener vivo un espacio, algo tan efímero como el teatro, mientras documenta una instancia de reflexión, un sistema de trabajo, y “hasta te diría que es mirar por la cerradura a un espacio muy íntimo y creativo como es la etapa de ensayos. Cuando un artista habla allí posiblemente esté disfrutando y sufriendo la incertidumbre y el caos, que quizá no coincida con el resultado final de puesta en escena. Y si alguien que está interesado en el oficio ve este material puede llegar a crearse un diálogo a partir de un texto o una metodología”.

Comunitario
José Miguel Onaindia –director del INAE– cuenta que el instituto selecciona los proyectos y les entrega la sala para que puedan investigar y crear, cualquiera sea la etapa en la que se encuentren, y, como no se piensa como sala de ensayo, sino de experimentación, tampoco importa si la obra se estrena. “Nos interesa que vengan los artistas, hagan su investigación con las condiciones propuestas por el INAE –que también brinda una contribución económica–, y la condición es que el último día, con el equipo de grabación de Gabriel Peveroni, se haga un registro audiovisual de lo que el artista decida, para contar con una memoria audiovisual de los trabajos de investigación, que están disponibles en la web y la videoteca del INAE”, dice.
Entre los impulsos de esta iniciativa, para el director se vuelve central la posibilidad de interpelar al medio, colaborar con las próximas generaciones –“tienen fuentes para conocer cómo se realizaron determinadas puestas”–, dialogar con otros artistas, con investigadores y con la comunidad en general, ya que “si alguien no quiere ir al INAE a ver un video completo, y tiene una duda, puede tener acceso a ver cómo trabaja un artista de danza o de teatro. Sabemos que esto no cuenta con una gran masividad, pero creemos que podemos impactar en mayor medida: puede tener intereses pedagógicos, históricos, lingüísticos, sociológicos y, por supuesto, para las críticas o historiografías de las artes escénicas”.
De este modo, una de las prioridades de su gestión es que el INAE no se vuelva una oficina burocrática, ya que se mantiene como un centro de investigación artística, que apuesta a que los artistas se reúnan y ensayen, y a recibir referentes extranjeros. Como parte de estos desafíos, pronto llegará la primera bitácora con una extranjera: la actriz y directora argentina Natalia Menéndez, junto con un grupo de El Galpón, trabajará El pequeño poni (2016), una obra del español Paco Bezerra sobre una pareja que debe lidiar con sus propios miedos y prejuicios ante el acoso escolar que padece su hijo.
Este registro, que promueve la reflexión del quehacer de la práctica misma, cuestiona, inevitablemente, los esquemas habituales y, como insistía el teórico argentino Osvaldo Pellettieri, se acerca a una concepción del teatro como práctica social, instrumento de conocimiento y toma de conciencia. Según el director y dramaturgo Gabriel Calderón –coordinador del INAE entre 2013 y 2015, y propulsor del proyecto–, se trata de un espacio neutral en el que se reúnen la poética, la narrativa y cierta metafísica que se comienza a construir en relación con el ensayo. “Cuando vas a un espacio neutro tenés que ver qué sucede; la mirada del otro y el cambio de coordinadas espaciales te ayudan a reflexionar si lo que vos pensás, en relación con la creación, está sucediendo realmente, y después en pensarse y construirse a uno mismo”. En esta línea, concibe las bitácoras más allá de su valor documental: “cuando vi la de Roberto [Suárez] me pareció buenísimo poder conocer su ejercicio, su ensayo, cómo cuenta. También me acuerdo mucho del trabajo de Levón [director y actor de la Comedia Nacional]. Creo que es muy importante ver los procesos de los demás”. Esto es algo que refuerza la dramaturga Sofía Etcheverry, que las define como una excelente oportunidad de reflexión y “testeo de prácticas escénicas”.

No comercializar el desconocimiento del otro
A Leonor Courtoisie (actriz, directora) le interesa plantear preguntas o hipótesis para que desarrollen los actores, y ver cómo reaccionan ante el material, evitando así lo que el dramaturgo argentino Mauricio Kartun llama la condena de “el cuentito” (aquello imprescindible que los autores cuentan al espectador porque sin él la obra les resulta incomprensible). Dice que en la Escuela Multidisciplinaria de Arte Dramático cursó actuación cuando en verdad quería dirigir, pero en el país no había cursos gratuitos de dirección. “La gente hacía asistencias, iba al teatro, leía, dirigía, y así aprendía. Si me pienso ocho años atrás, tener la posibilidad de acceder a un material tan vasto y con diversas poéticas como este habría sido increíble, porque los libros sobre el tema son de personas que no tienen nada que ver con el contexto de producción local, además de que está buenísimo entender las formas de abordaje, porque de alguna manera son parte de una historia, hay una tradición, una forma, y entender de dónde viene y cómo se maneja cada persona es alucinante”. Como ejemplo, recuerda la participación de Levón y Luciana Achugar (performer y coreógrafa), dos personalidades a las que admira. También destaca la posibilidad de reconocer la importancia del proceso más allá de los resultados, lo que permite pensar al artista como alguien que hace una práctica y que utiliza determinadas herramientas para articular un oficio.
En ese mismo sentido, a Marianella Morena (dramaturga, directora) la provoca esta posibilidad de conocer desde qué lugar se crea, porque “ya no es la caduca representación o la presentación de un texto en sociedad”. Es algo que ha motivado un cambio en su relación con el otro; ahora le interesa que estos procesos lleguen al espectador y no sólo a los destinatarios habituales (estudiantes, artistas, periodistas).

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Comentarios y noticias del cine de Hollywood

PAPÁ POR SIEMPRE
Muchos quedarán sorprendidos al conocer la noticia por la que el actor y comediante estadounideddie-murphyense Eddie Murphy acaba de ser padre de su décimo hijo. Lo cierto es que el actor de 57 años de edad, protagonista de cintas como “Un detective suelto en Hollywood” y original del barrio de Brooklyn, acaba de anunciar el nacimiento de su nuevo hijo, fruto de su relación con la modelo Paige Butcher de 39 años.
Pocos datos han trascendido del feliz acontecimiento, donde la pareja Murphy-Butcher siempre han mantenido si vida privada en una marcado segundo plano, pero en esta ocasión ha trascendido que el bebé ha sido un varón que ha pesado algo más de tres kilos y ha recibido el nombre de Max Charles Murphy.
Sorprende la larga lista de hijos que tiene el actor, fruto de su relación con cuatro mujeres, donde el mayor de sus descendientes tiene 28 años de edad.
BODA PARISINA
La mística romántica parisina sigue brillando, ya son varias las parejas que pusieron su mirada en Francia para confirmar su relación casándose. Kim Kardashian y Kanye West, Angelina Jolie y Bradt Pitt fueron solo algunas parejas que dieron el “sí quiero” allí, con suerte dispar. Ahora es la discreta pareja formada por los actores Katie Holmes y Jamie Foxx quienes planean la ceremonia nupcial.Katie Holmes y Jamie Foxx
Cinco años han pasado desde que Katie y Jamie iniciaran su relación a la sombra del ex de la actriz, Tom Cruise, que aparentemente incluyó una clausula en el contrato de divorcio por la que Katie mantendría en el más absoluto anonimato cualquier relación hasta pasado un tiempo prudencial.
Atada de pies y manos, Kati y Jamie han tenido que esconderse de las cámaras y los medios de comunicación como si de unos adolescentes se trataran, pero con la cláusula finiquitada, desde hace un tiempo ambos ya pueden expresar sus sentimientos al mundo entero.
Fue aproximadamente hace una año cuando la relación se hizo oficial, donde además distintos portales compartieron imágenes inéditas de Katie y Jamie paseando amorosamente por las playas de Malibú, en California, sin importarles la presencia de los paparazzi, lo que indicaba que ya se encontraban cómodos de cara al público, los medios y quizás también a Tom Cruise.
Ahora la relación cada vez más consolidada ha llegado a un nivel en el que ambos podrían darse el “sí quiero” en cualquier momento, y así lo ha trasmitido el círculo de amistades más próximo a la pareja, quienes además afirman que París es la ciudad elegida.
HANKS EN PINOCHOtom-hanks
El actor californiano de 62 años de edad, Tom Hanks, uno de los grandes de Hollywood, siempre se ha mantenido en un segundo plano para tratar temas delicados así como para abordar temas personales, como el cáncer por el quepasó su esposa recientemente. Hanks es una persona de carácter, forjado tras muchos años en la industria del espectáculo, y ahora tiene la capacidad para elegir papeles, como el de Geppetto para la próxima adaptación de “Pinocho” que elaborará Disney.
UN SUPERVIVIENTE
En varias ocasiones se ha visto al actor irlandés Jamie Dornan realizar declaraciones sobre su papel protagonista en la saga “Cincuenta Sombras de Grey”, que van desde el agradecimiento que le ha ofrecido la oportunidad del papel de Christian Grey, encumbrándole a lo más alto, pero también los malos momentos que en oJamie_Dornancasiones ha pasado por la relación de su imagen con “solo sexo”. Ahora de nuevo el actor, en pleno estreno de una nueva película de “Robin Hood”, vuelve a reivindicarse para otros registros.
Recordamos declaraciones de Dornan en las que afirmaba que cada vez está más convencido de querer abandonar ese estereotipo que tienen de él los espectadores, añadiendo que no le agrada que cada vez que te vean por la calle la primera imagen que se les pasa por la cabeza es alguna relacionada con “Cincuenta Som bras de Grey”.
Poco a poco se va desligando de esa imagen, y ahora sabemos que su llegada a Hollywood no fue fácil, algo que ocurrió hace diez años, donde tuvo que recurrir a su espectacular anatomía como modelo para firmas como Calvin Klein, mientras tocada las puertas de los principales estudios sin éxito.
Lo que realmente le dio el empujón definitivo fue su papel de Paul Spector en la serie televisiva británica “La caza” en compañía de Gillian Anderson, para luego si ser objeto de deseo para protagonizar la obra de la autora E. L. James.
HOSPITALIZADOgerard-butler
El actor británico de 49 años de edad Gerard Butler, protagonista de la conocida “300” y “Dioses de Egipto”, acaba de sobresaltar a sus muchos fans al trascender que durante su estancia en distintos países del Caribe realizando labores humanitarias, tuvo que ser ingresado de urgencia en Santo Domingo tras encontrarse con un malestar los últimos días, lo que le ha obligado a ser sometido a distintas pruebas, con un diagnóstico de diverticulitis, una dolencia abdominal.

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“Morosoli de Oro” para Mario Delgado Aparaín

El escritor Mario Delgado Aparaín recibió el pasado sábado el “Morosoli de Oro”, otorgado por la Fundación “Lolita Rubial”, de Minas, Lavalleja), uno de los mayores galardones que en nuestro país se otorga en el ámbito de la cultura. Delgado Aparaín es escritor, docente y periodista, nació el 28 de julio de 1949 en Florida. Varios de sus cuentos y novelas ya son clásicos en la literatura nacional contemporánea, por ejemplo las novelas “La balada de Johnny Sosa” o “No robarás las botas de los muertos”, o el cuento “Terribles ojos verdes”, que hace algunos años obtuvo el Premio Juan Rulfo, uno de los más prestigiosos a nivel del continente.Mario Delgado Aparaín

Así daba la noticia CW 33 La Nueva Radio, en su “Portal de noticias de la 33”, un medio de Florida, su ciudad natal:
“Se llevó a cabo una nueva edición de la entrega de los Premios de la Cultura Uruguaya Morosoli 2018, a cargo de la Fundación “Lolita Rubial”, y la máxima distinción, el Morosoli de Oro, que este año correspondió al escritor floridense Mario Delgado Aparaín.
El evento se efectuó pasado sábado 1 de diciembre en el teatro Lavalleja de Minas, entrega que distingue áreas como artes plásticas, ciencias sociales, letras, música, artes escénicas, ciencias jurídicas, economía, periodismo y ciencia y tecnología.
El Morosoli de Oro reconoció la trayectoria del periodista y escritor Mario Delgado Aparaín, el autor de La balada de Johnny Sosa (1987) y No robarás las botas de los muertos (2002) –entre tantas otras obras– que ha desarrollado un sostenido registro de la oralidad y la cadencia de sitios perdidos, desde la que reivindica a sujetos olvidados por el mundo y la historia”.

Invita el Depto. de Cultura de la Intendencia
“Rincón de Tango” y “En un abrazo de Tango”
El Departamento de Cultura de la Intendencia invita a participar de la milonga “Rincón de Tango”, que significará el cierre del ciclo 2018. Últimas fechas: Jueves 6 y jueves 13 de diciembre, desde las 19 horas, en el Museo del Hombre y la Tecnología (Calle Brasil esq. Zorrilla. Entrada por Brasil). Entrada libre y gratuita. Asimismo, el próximo martes 11 de diciembre a partir de las 20 horas, en Teatro Larrañaga y también con entrada libre y gratuita, se llevará a cabo el cierre de los talleres de tango-danza en un espectáculo denominado «En un abrazo de Tango». En esta instancia se presentarán todos los participantes de los talleres de tango de Salón y Tango Nuevo que brinda el Departamento de Cultura a través de la tallerista Angelina Diaz. Conjuntamente acompañarán invitados especiales como el grupo juvenil NeoTango de Salto dirigido por Angelina Diaz y Gary Etchegaray y el Cuarteto Tango Nuestro.

Mañana culminan las inscripciones en el Conservatorio Departamental de Música
Mañana viernes 7 finalizan las inscripciones para el año 2019 en el Conservatorio Departamental de Música de Salto. Las mismas comenzaron el pasado martes y el horario es de 8:00 a 12:00. El Conservatorio “Mtro. Bautista Peruchena” es dirigido por la Profesora Beatriz Volpi Heguaburo y se ubica en Zorrilla 91, casi Brasil.
Requisitos de inscripción: de 12 a 35 años (menores acompañados de un mayor), C. I., Carnet de Salud. Por consultas dirigirse al 47340738

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Otra lectura de ¡Bernabé, Bernabé! Western Oriental y trágico: todos somos charrúas, mirada de la identidad uruguaya a partir de Tomás de Mattos

Nada o muy poco sé de mis mayores charrúas: gente difusa que prosigue en mi carne, oscuramente. Sus hábitos, rigores y temores. Tenues como si nunca hubieran existido y ajenos al trámite del arte, forman parte del tiempo, de la tierra, del olvido.

¿Cómo puede ser? El lector que eche un vistazo y capte las raras letras que forman el nombre del autor de esta pequeña nota, no verá ni en su secuencia ni en cualquier permutación nada charrúa. ¿Acaso sabría el lector indicar de forma segura y certera hacia algo en su mundo y decir “Esto es charrúa”? Visto desde la distancia geográfica, el sustantivo “charrúa” como tal y su adjetivo tienen poca presencia y menos descendenci, aparte de la famosa garra que se declara presente en los estadios donde los jugadores uruguayos con su infaltable Maestro salen a buscar la gloria, los momentos de autoestima derivada de los logros colectivos en directo.tomas de mattos

BANDERAS DE GUERRA
Ahí está siempre, o se la requiere, si no se la usa como medida, la “garra charrúa”. Elevada a niveles míticos por hijos y nietos de italianos, españoles, catalanes, húngaros, eslavos, alemanes y guaraníes, esa garra impresiona al espectador que mira de lejos como si de una bandera de guerra se tratara. Y lo es. Los descendientes de todos aquellos, que serán, entre otros, descendientes de perpetradores y de víctimas, de matones de todo bando, así como de los masacrados, salen a darlo todo, a matarse, a llevarse encima la patria, el honor, la imagen y el amor propio colectivo. ¡Qué hermosa es la garra charrúa!
Pero cuando se apagan las luces del espectáculo, cuando los héroes vuelven a sus laburos en Barcelona, Roma, São Paulo o Canelones, si decimos “charrúa” estamos hablando necesariamente de ¡Bernabé, Bernabé! de Tomás de Mattos. Y resulta fácil, y mucho más al cumplirse una generación desde su publicación en 1988, utilizar, por no decir empantanar, la novela en discusiones muy actuales que izan banderas como “genocidio”, “exterminio”, “limpieza étnica”, en el seno de discusiones no menos actuales en torno a temas de identidad, culpabilidad y justicia, mirando hacia el mundo de 2018, usando argumentos basados en versiones noveladas de eventos de 1831.
¡Bernabé, Bernabé! es una novela, ya sus primeras páginas avisan que no se trata de crónica, ni de reconstrucción del pasado. Es una manera de hablar de Núremberg una generación y media después de los juicios contra los nazis, el momento jurídico e histórico en el cual se codificó el concepto de genocidio.
Pero como novela, el libro de Tomás de Mattos, otro gran Maestro uruguayo, se nos presenta como una discusión de temas bíblicos, no menos de lo que son las obras de Dostoievsky, de Faulkner (¡Absalom, Absalom!) y de muchos otros grandes de la literatura mundial. Traición, fratricidio, lucha por primacía ante la Madre Patria, el eterno conflicto entre Caín y Abel. Porque en la Biblia, recordemos, Caín queda para seguir la raza, y todo cronista es, necesariamente, hijo de Caín, como lo es todo lector, y todo ser humano. El comentario bíblico, la exégesis ofrecida por el escritor uruguayo, es universal, y toma los eventos, los personajes y los intereses que existieron en la Banda Oriental en aquel pasado, claro y vago siempre, como pretexto y pre-texto. La técnica cervantina de un texto que se nos presenta como reflejo de un texto “verdadero” que contiene al menos parte de lo “real” y “verídico” abre el espacio donde se proyecta la relevancia universal de la novela que utiliza el relato, que a su vez refleja algunos datos de lo que fuera una crónica. Porque nada es verdad total, pero la verdad existe. Y cabe recordarlo en 2018.
La verdad es que un gaucho mata a su padre adoptivo y Bruto mata a Julio César porque Caín mató a Abel. Asesino, cadáver, tierra, sangre, cuento, memoria, todo queda. Parte del tiempo, de la tierra, del olvido. Y bien colocado en esa trinidad, Tomás de Mattos crea una obra de arte. El escritor de verdad, en todo sentido, es un ser que pertenece a su sociedad, pero siempre le es ajeno. Y ajenidad conjuga la mirada universal, que es, si de un artista se trata, la que funciona a través del nervio ético. Al despertar en sus lectores la sensibilidad ética (incómoda, por cierto), el autor está fungiendo de chamán, con su tribu que no puede no seguir la trama, absorta, envuelta y complicada en ella de una manera inextricable. Está haciendo un servicio superior a su gente.

ESTÁN ACÁ
¡Bernabé, Bernabé! no ha perdido su jugo literario. La novela se lee como novela histórica, con un fuerte toque subversivo ante la tradición epistolar decimonónica. Y se lee, de manera no menos marcada, como un western oriental. El lenguaje rico, a veces cargado al borde de lo florido, nunca impide seguir la corriente caudalosa de la narrativa. Sabemos hacia dónde va la cosa, y no podemos despegarnos. Sabemos qué es lo que el autor nos está causando, y nos ofrecemos como chivos expiatorios para ese viaje al matadero. Es el proceso antiguo de la tragedia griega. ¿Acaso puede haber alguien que no sepa cómo terminan esas obras antiguas, que no eran sino un purgante moral colectivo? Como el gran futbolista que se coloca ante el balón para un penal, y le dice al arquero “La mando hacia la izquierda”, lo hace y anota el gol, Tomás de Mattos sabe que sabemos, sabe a dónde va, sabe que somos sus cómplices, atraídos sin manera de escapar, adictos al relato, y conscientes del proceso moral que hemos de sufrir. Por esto mismo, como en toda su obra, estamos ante el efecto escenográfico católico: de nuevo, vamos a la cruz, para el bien de la Humanidad.
Y esa Humanidad incluye a los charrúas. Porque la pregunta relevante no es, ahora, “¿quién le hizo qué a quién?” ni “¿dónde y cómo acabaron los charrúas?” Sabemos la respuesta, y quizás por ahí en el Río de la Plata haya quien no quiera saberla, pero no por ello pierde su veracidad. Los charrúas están acá, humanos que fueron y que son. Están acá en la garra charrúa, en las venas de los uruguayos, y en las mil y una maneras que tiene la Historia para que nada se acabe del todo. Los hechos y deshechos del pasado, glorioso, trágico, cantado, contado o tapado por las mil artimañas de los humanos, no pueden evitar que el asesino y la víctima terminen compartiendo todo: la historia, la memoria, la sangre, el tiempo, el olvido, la novela, la conciencia. Como el Rey David y Absalom —parientes de otro judío, el de los episodios relatados en los evangelios, grandes novelas de otros tiempos— como Bernabé, Tomás de Mattos, el Maestro Tabárez y los charrúas que prosiguen en la carne de todos, luchando, buscando dejar un rasgo, algo que permanezca.

(EL PAÍS CULTURAL)

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Con elementos de la tradición, la ciudad de París renueva espacios artísticos y que el espectador se sumerja en ellos

París recargado: la vida está en otra parte

(EL PAIS CULTURAL)

Cuando viví en París a mediados de los años 80, los barrios céntricos alrededor de la Île de la Cité, en ambas riberas del Sena, todavía conservaban algo del desaliño y la espontaneidad popular que los había caracterizado. En el viejo barrio judío de Le Marais había cafés algo sórdidos con aserrín en el piso y jubilados pobres que iban a tomarse un vino o un pastis mientras leían el diario; por la plaza de Châtelet iba y venía cada día, como un preso dentro de una celda, un hombre de sobretodo negro que tenía largos monólogos en voz baja consigo mismo; en algunos callejones del Barrio Latino los árabes vendían falafeles y kebabs; y al costado del Café de la Paix, cada tarde una pareja de enamorados de mediana edad se besaba largamente, ajena al mundo, como metida dentro de una campana de cristal y a punto de comenzar a levitar. paris
Casi cuarenta años después no quedan rastros de aquella vida cotidiana. Los barrios emblemáticos del París de las leyendas urbanas se han convertido en escenografías de Hollywood para turistas con dinero y escaso desarrollo sensible. Los cafés y restaurantes, además de ser caros y lujosos, ostentan una decoración fría, a veces casi cursi en su pretenciosidad histórica de representar lo auténtico francés, con una atmósfera de ritualidad estricta y con clientes de elegancia formal. Allí los africanos o asiáticos son como mucho quienes lavan los platos. Lo mismo puede decirse de las tiendas con su minimalismo de mercancías exclusivas y precios que pretenden ser pruebas contundentes de su calidad.

Pero no hay cambios que no contengan una metáfora de la evolución humana. Hoy el ayuntamiento tiene dificultades para contener la enorme profusión de ratas en los jardines que rodean a Notre- Dame, un fenómeno convertido en sí mismo en atracción turística: decenas de personas van allí cada tarde para fotografiar y ver correr las ratas.

ATELIER DES LUMIÈRES
Inevitablemente, el París de Toulouse-Lautrec, Pissarro, Cartier-Bresson y aun Cortázar, ha desaparecido. La ciudad verdadera, colorida y espontánea, la de venas pulsantes, la que combina los sufrimientos del mundo que da origen a las oleadas de inmigrantes con la audacia estética, está en otra parte. Viejos barrios obreros y marginales como Belleville, Ménilmontant, Crimée o Porte de Clignancourt concentran ahora la verdadera vitalidad de un París que nunca ha dejado de ser un centro de renovación creativa. Además de los mercados y las tiendas de productos asiáticos, de los pequeños restaurantes árabes, pakistaníes, latinoamericanos y hasta chino-peruanos de comida rápida; además de las terrazas repletas de clientes franceses y extranjeros en cafés y locales nocturnos, están los talleres de artistas y los de diseño, los cafés-librerías y los centros de actividad cultural alternativa. Y por si fuera poco, por las calles de esos barrios florece ahora un arte callejero y anónimo más sofisticado que los viejos grafiti: no solo pinturas o grabados de esténciles complejos, sino también mosaicos e intervenciones de color en objetos de la vía pública.

Fue por esas calles donde primero vimos el gran afiche de un lugar llamado Atelier des Lumières con el nombre de Klimt y la imagen de una de sus pinturas más conocidas.
En los días siguientes observamos versiones gigantes de ese mismo afiche en algunas estaciones del metro, encontramos anuncios en periódicos y hasta en cada folleto turístico. Era una campaña de publicidad cara, bien organizada. Y debo confesar que a esta altura tengo grandes prejuicios contra las producciones que se manejan de esa forma en el mercado. Por lo tanto no la puse entre mis prioridades de cosas para ver durante los pocos días que estaría en la ciudad, cosa que sí hizo mi mujer. Si me dejé arrastrar por ella hasta la muestra fue justamente por lo raro del lugar: la vieja fundición de hierro de un viejo barrio obrero, a pocas cuadras del cementerio Père- Lachaise, un sitio que en mi cabeza era completamente marginal para lo que han sido en París los lugares de exhibición de arte. Otro prejuicio que no coincidía, sin embargo, con la certeza de que la vida en la ciudad estaba ahora en otra parte.
Como era de esperar había mucho público. La propaganda había logrado taladrar en la gente la idea de que se trataba de uno de esos eventos glamorosos que nadie en su sano juicio podía dejar pasar. Por su aspecto, los visitantes no integraban solamente el pequeño grupo interesado en arte, sino una tribu amplia y ecléctica de familias, turistas en bermudas, jubilados y jóvenes viajeros alojados en albergues baratos. Y he aquí la maniobra genial hecha por la campaña publicitaria de la muestra. Una publicidad que hasta el último minuto me había hecho pensar, como quizá a la mayoría del público, que íbamos a encontrarnos con obras presentadas convencionalmente. Haber descripto el verdadero carácter del espectáculo al que seríamos sometidos hubiera sonado para muchos demasiado raro. Los publicistas saben que al gran público no se lo atrae con transgresiones ni fenómenos nuevos. Y sin embargo, al acceder a los 1.660 metros cuadrados de la antigua fundición de Plichon, con sus paredes de 10 metros de altura y una superficie total de 3.300 metros cuadrados entre el piso y el techo que sirven de pantallas a los 140 video proyectores láser de alta resolución, lo que vimos fue que ese público masivo era por completo hipnotizado dentro del espectáculo. Y si digo “dentro” es porque todo, no solo las paredes, el piso y el techo eran objeto de las proyecciones, sino también los rostros y los cuerpos de la gente. Es lo que los realizadores denominan “exposición o arte digital inmersivo”, una modalidad de exposición total donde el espectador se encuentra literalmente inmerso dentro de las imágenes en movimiento y la música que las acompaña.

DEL NEOCLÁSICO AL SECESIONISMO
Pero no basta con una tecnología inmersiva tal para capturar las emociones del espectador. La magia que se introdujo en nuestros cuerpos surgió a la luz desde la penumbra y, sorprendentemente, iluminó algo dentro de nosotros. Nos atrapó la proyección de líneas arquitectónicas clásicas que comenzaron a delinearse por todos lados al compás de la Obertura de Tannhäuser, de Wagner.
Algo majestuoso y potente que pasó con rapidez por imágenes de esculturas de la antigüedad griega y romana para reaparecer en grandes frescos cuyos colores comenzaron a surgir lentamente como si estuvieran siendo creados en ese mismo instante. Se trataba de los frescos del Museo de Historia del Arte de Viena, uno de los primeros museos de bellas artes y artes decorativas del mundo, realizados por Hans Makart, pintor oficial de la casa imperial, y por su joven alumno Gustav Klimt para la inauguración de ese palacio neoclásico en 1891.
Y de pronto el rigor neoclásico pareció disolverse. En algunos lugares vimos por un momento viejos documentales mudos con escenas de trabajadores en los muelles, en carros que transportaban toneles o en fundiciones de hierro que fueron similares y contemporáneas del lugar donde nos encontrábamos. Mensajes en blanco y negro que intercalaban documentos sociales junto a las coloridas fachadas de Viena que comenzaron a llenarse de formas orgánicas, de composiciones florales y de motivos vegetales estilizados en los que predominaba el verde y el dorado.
Y mientras todas esas formas se desarrollaban como si estuvieran siendo pintadas o grabadas en ese momento, nunca me pareció tan bello el Narciso de las nieves, uno de los valses de Johann Strauss que más había abominado hasta ese día. (…)

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¡Qué novela nos estamos perdiendo!

Me refiero a la novela “Los que viven después”, de José María Delgado (ver reseña en edición de EL PUEBLO del 7/10/18). Y nos estamos perdiendo de su lectura (que traerá seguramente el disfrute en simultáneo y su justa valoración a posteriori) por la sencilla razón que, pese a ser escrita por un salteño, muy pocos saben de su existencia. Y esto puede resultar entendible, pues se trata de la obra que Delgado dejó inédita y que ahora, este año, con el agregado de un prólogo y notas explicativas, ha publicado Leonardo Garet (como parte de la “Biblioteca de Autores Salteños”) gracias a que los originales le fueron proporcionados por la hija del autor, Bibil Delgado de Reyes. Pero más allá de esa entendible razón de desconocimiento de esta novela en particular, nos parece importante insistir con algo que ya hemos planteado en otras oportunidades: la deuda que Salto sigue teniendo con José María Delgado. Una cabeza suya esculpida en bronce por Juan Sebastián Moncalvi se encuentra en la “Sala de Escritores Salteños” de Casa Quiroga, pero poco o nada más de él luce en esta, su ciudad natal (sí existe una calle que recuerda a su padre, Julio Delgado).
Es que cuando de nombrar a los mejores escritores de Salto se trata, parece que las posibilidades se agotaran en “Quiroga, Amorim y Marosa”, tres nombres repetidos casi de memoria, casi automáticamente, como si no existiera posibilidad de ampliar la lista. La verdad es que a José María Delgado se lo recuerda poco, muy poco. O se recuerda su nombre como el de un médico lejano en el tiempo, o como el destacado dirigente del CLos que viven despuéslub Nacional de Fútbol (una tribuna del Gran Parque Central lleva su nombre), pero nada o casi nada como el muy buen escritor que fue, en los distintos géneros que cultivó. La calidad de su obra (varios libros publicados) no ha sido nunca valorada con justicia; sí son prueba de ella los importantes premios obtenidos, dentro y fuera del país, y su nombramiento como integrante de la Academia Nacional de Letras. Encontrarnos con “Los que viven después” significa entrar en un mundo construido con un lenguaje sencillo y a la vez cargado de connotaciones de toda índole, una forma de contar los sucesos en la que, con gran sabiduría (muy naturalmente, para nada forzado) confluyen rasgos propios de la crónica con otros de la narración literaria en su más pura expresión y otros, por momentos, cargados de un lúcido tono poético.
“La acción transcurre exclusivamente en los lugares donde vive el protagonista: un pueblo litoraleño, el monte, un reformatorio, una estancia, la cárcel, la colonia, la ciudad (vive en dos piezas subterráneas), la quinta de los Albunquerque, y en el tren en que lo llevan a la guerra. Después, una plaza es el escenario de un concierto de homenaje con la exaltación marmórea del protagonista. El pueblo de los inicios remite a Salto, aunque al autor no le importa señalarlo sino con alusiones, como en el caso d esu primera novela, Doce años” (Fragmento del prólogo de Leonardo Garet).
Leer “Los que viven después”, la novela que Delgado nunca llegó a publicar, puede ser una buena puerta para ingresar a sus otras obras y conocer su valor, así como para descubrir la interesantísima biografía de un salteño al que aún no hemos reconocido plenamente. En cuanto a la novela en sí, es una gran novela de la que no deberíamos perdernos. Ni Delgado merece la indiferencia de Salto, ni los lectores amantes de la buena literatura merecen privarse de conocer a Delgado.
¿Quién fue José Ma. Delgado? Fue poeta, novelista y ensayista. Nació en Salto el 10 de junio de 1884. En Salto cursó Primaria y Secundaria, en Montevideo cursó el Seminario del Sagrado Corazón y Facultad de Medicina. Obtuvo el título de Médico Cirujano 1908).
Entre sus libros cabe mencionar: “El relicario” (poemas), “La princesa Perla Clara” (teatro), “Metal” (poemas), “Por las Tres Américas” (crónicas de viajes realizados como dirigente deportivo), “Soca, apología del maestro” (donde reconoce como gran maestro en la medicina al Dr. Francisco Soca), “Vida y obra de Horacio Quiroga” (con Alberto Brígnole), “Juan María” (novela), “Doce años” (novela ambientada en Salto), “Las viñas de San Antonio” (novela), “La más pequeña” (novela), “Los que viven después” (novela que dejó inédita, publicada en 2018). Varias son las cartas que Horacio Quiroga le envió desde Argentina comentando algunas de sus obras.
Fue además dirigente del fútbol uruguayo (Presidente del Club Nacional de Fútbol desde 1911 hasta 1921 y desde 1929 hasta 1932).
Falleció en Montevideo en 1956.

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Parricidas de la ciencia, desde la literatura, Charles Darwin y Noam Chomsky en la mira de un francotirador

La despedida de Tom Wolfe

(EL PAÍS CULTURAL)

En el mundo de la ficción literaria actual una institución como el señor Charles Darwin pudo soportar –sin enterarse, claro está- las diatribas del inimitable excéntrico colombiano Fernando Vallejo, dominador del arma del lenguaje que en La tautología darwinista y otros ensayos de biología (Taurus, 2002) impugna la teoría del origen de las especies que el naturalista inglés llevó a libro en 1859.foto cultura
Según esa teoría todas las especies han evolucionado a partir de un proceso de selección natural. En diversas apariciones públicas Vallejo ha hablado del darwinismo como de una perogrullada, estafa, pseudociencia, etc., afirmando que Darwin ni siquiera supo definir qué es una especie. Ahora bien, si las credenciales científicas de este novelista nacido en Medellín en 1942 no son muchas (Vallejo es Licenciado en Biología, sin embargo) qué queda para las de Tom Wolfe, escritor estadounidense también excéntrico y también inimitable que en su último libro, El reino del lenguaje (2016), deja a Darwin a la altura de un felpudo, y luego pasa a Noam Chomsky, para colocar a este en el mismo lugar.
Thomas Kennerly Wolfe Jr. nació en 1930 y murió el 14 de mayo de 2018. Publicó casi una veintena de libros entre novelas y ensayos. En estos últimos se permitió hablar de casi todo (arquitectura, drogas, movimiento hippie, política, historia del arte moderno, religiones y sectas, capitalismo, etc.) desde el lugar del periodista observador y bien informado. Quizá su libro de no ficción más notorio haya sido El nuevo periodismo (1973), nombre con el que bautizó al movimiento que en los años sesenta del siglo XX inyectó modalidades y estrategias de la literatura de ficción al periodismo tradicional. No fue el único. Truman Capote, Gay Talese, Norman Mailer o Joan Didion estaban también en una lista que incluía latinoamericanos como Gabriel García Márquez, Tomás Eloy Martínez y un tempranísimo Rodolfo Walsh.

DOS HOMBRES, DOS SOMBRAS
El reino del lenguaje se divide en seis capítulos que a su vez pertenecen a dos partes bien diferenciadas; en los tres primeros Wolfe arremete contra Darwin y en los otros tres contra Chomsky. Se basa para ello en un torrente de información sobre vida y obra de estos individuos y de dos personas que, respectivamente, les hicieron sombra y al final borraron o empañaron sus éxitos. En el caso de Darwin fue Alfred Russel Wallace, y en el de Chomsky fue Daniel L. Everett, académicos o investigadores con perfil más bajo a los que Wolfe llama “papamoscas”, no para indicar lo que piensa de ellos sino cómo fueron vistos por los otros, los que alcanzaron inmerecida fama.
Los casos son así. Alfred Wallace (1823-1913) era un naturalista, explorador y biólogo británico de formación autodidacta y clase media baja, que trabajaba en la misma línea que Darwin: el concepto de evolución de las especies a través de la selección natural. A comienzos de 1858, enfermo de malaria en una isla del archipiélago malayo, Wallace escribe su teoría y se la manda por correo nada menos que al propio Darwin, rogándole que se la haga llegar al decano de los naturalistas británicos, Sir Charles Lyell, de la Royal Society de Londres. La entregó, por supuesto. Pero Darwin llevaba más de veinte años trabajando en lo mismo y aún no había escrito nada. Lyell, su amigo y Caballero como él, le dio tiempo y ayuda y pergeñaron un plan maestro: la salida conjunta de tres trabajos –dos de Darwin y el de Wallace- a la luz pública. Quedaban “bien” con Wallace, pero Darwin tenía nombre y posición y pasó a la historia. Ese es el comienzo; Wolfe se deleita contando cómo fue el final y cómo la historia se dio vuelta una y otra vez.
El segundo caso tiene que ver con Noam Chomsky (Filadelfia, 1928), un intelectual carismático, activista político y profesor de lingüística en el Instituto Tecnológico de Massachusetts, que revolucionó las teorías sobre el lenguaje cuando propuso la suya en 1957: que hay una gramática universal y un órgano del lenguaje que posibilita adquirir este de forma instintiva, con independencia del aprendizaje y las particularidades culturales de los hablantes. Señaló que lo que diferencia al lenguaje humano en todos los casos es su recursividad: la capacidad de insertar un pensamiento/frase dentro de otro y de otro y de otro en una subordinación inteligible. Esa teoría sedujo y funcionó hasta la llegada de Daniel L. Everett, estadounidense nacido en 1951, profesor de fonética, fonología y catedrático de lingüística que un día se fue a vivir al Amazonas para adentrarse en la vida diaria de una tribu singular: los pirahá. En 2005 este hombre, ex colega y admirador de Chomsky, publica en la revista académica Journal of Current Anthropology un artículo afirmando que en la lengua de los pirahá no hay recursividad y que era la propia cultura de esta tribu la que estructuraba su lenguaje y no esa supuesta “gramática universal” que Chomsky aseguraba que era común a todas las lenguas. De esta bomba, de los contraataques chomskianos y de los futuros best sellers de Everett, que no paró ahí, sigue hablando Wolfe, haciendo que rivalidades científicas se conviertan en atrapantes historias novelescas para los lectores.

UN HOMBRE, UN ESTILO
Entre las particularidades del tono discursivo de Wolfe están la ironía, el cinismo, el humor. Se burla de sus personajes, cuenta intimidades desagradables, se las da de erudito, y marca la cancha con sus constantes preguntas retóricas, sus calificativos en cursiva, sus interjecciones y sus patentadas expresiones onomatopéyicas (brrrr, zzzz, ¡baam!, ¡UUUF!, riiiippp, ploc-ploc). Es el estilo desenfadado y urticante que lo hizo famoso y que por más información que reúna nunca resulta asfixiante, porque sabe manejar los tiempos y porque su léxico es atractivo.
El punto en que convergen las historias de este libro tiene que ver con el lenguaje, “el más grandioso artefacto humano”, “una auténtica arma nuclear”. Y por supuesto Wolfe tiene que aportar alguna definición precisa sobre qué cosa es el lenguaje, aunque sea tautológica, evidente, antes de cerrar este libro divertido y enfático: “La mnemotecnia es el lenguaje. A lo largo de la historia del lenguaje -y no viene al caso mencionar las habituales conjeturas paleontológicas de cuándo fue- el hombre ha convertido objetos, actos, pensamientos, conceptos y emociones en códigos, convencionalmente conocidos como palabras. […] Pero ya hay entre seis y siete mil sistemas diferentes de mnemotecnia, más conocidos como lenguas, que hoy en día abarcan el mundo entero. Las lenguas, y solo ellas, son el lenguaje…, sencilla y claramente”.
Mientras no se descubra algo más, quién podría discutírselo.

EL REINO DEL LENGUAJE
De Tom Wolfe. Ed. Anagrama, 2018. Tr. de Benito Gómez Ibáñez. Barcelona, 176 págs. Distribuye Gussi.

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Fin de año con intenso movimiento cultural

Muchas y muy variadas fueron las actividades culturales que se desarrollaron en Salto en los últimos días. Es habitual que eso suceda cuando se aproxima fin de año, un gran movimiento, incluso con actividades superpuestas en día y hora, pero que pronto comenzará a decaer gradualmente, a medida que suben los grados del termómetro y para muchos empiezan las vacaciones, al punto que llegaremos, en poco más o menos de un mes, prácticamente a un vacío en este sentido.

Si hablamos de lo que pasó en estos días, podemos mencionar, tan solo a modo de ejemplo, la puesta en escena de la comedia “Extraños Hábitos”, a cargo del grupo La Galera en Teatro Larrañaga, o la presentación en el Hotel ArtesConcordia de los libros del matrimonio formado por Carmen Molina Bonilla y su esposo Fernando Silva (“Las muescas de los días” el de ella y “Los Pasos y sus Ecos” el de él), o el lanzamiento en el Palacio Córdoba del libro “Entre dos guerras”, de Matías Cunha. A esto se debe agregar, en el plano musical, los conciertos ofrecidos en el Chalet Las Nubes impulsados por su propia Comisión (otro se realizará mañana, a las 21 hrs. Con actuación del grupo Deja Vú), o las Galas de Tango así como otros conciertos al aire libre que ha brindado el Departamento de Cultura de la Intendencia. Y reiteramos, que lo que estamos mencionando son solamente unos pocos ejemplos.

LO QUE SE VIENE
Lo que está previsto realizarse desde ahora hasta fin de año también es mucho. Lo iremos difundiendo y comentando en próximas ediciones, en tanto hoy damos a conocer una síntesis de lo más inmediato.

Teatro…Hoy jueves

El Taller Departamental de Teatro pondrá en escena esta noche, a la hora 20:30 en Teatro Larrañaga, la obra “La historia oculta en la colmena de la abeja haragana”, también basada en cuentos de Horacio Quiroga, en homenaje a los 100 años de “Cuentos de la Selva”. La obra es realizada por el grupo de 1er. año y la dirección es de Zully Vallarino.

Horacio en el Mercado 18 de Julio

Entre las actividades previstas para próximos días, vale mencionar la intervención artística del colectivo de talleristas del Departamento de Cultura. Serán dos días: mañana viernes y el sábado, en el Mercado 18 de Julio, donde los diferentes talleres dictados realizarán una muestra de cierre del año tomando como eje central la figura de Horacio Quiroga. Justamente, la intervención se titula «HORACIO». Los organizadores así lo explican: “Se trata de un tránsito sensorial (luces, sonidos, texturas, olores) por una atmósfera quirogueana. Viernes 30 de noviembre y sábado 1 de diciembre. Mercado 18 de Julio. Horario de los tránsitos: 20, 20.30, 21, 21.30, los dos días. El colectivo de talleristas está integrado por Marcelo Cattani, Grayling González, Ricardo Lagos, Betania de Souza, Pablo Sánchez, Cecilia Lanzieri, Angelina Díaz, María de los Ángeles Arias, Cristina Gaudín, Zully Vallarino, Francisco García, Néstor Sánchez, Elsa Trolio, Yony Pinasco, José Reyes. Entrada libre y gratuita”.

Horacio en su Casa

A propósito de Quiroga y de la Dirección municipal de Cultura, es bueno recordar que mañana viernes 30 es el último día para visitar en Casa Quiroga (Avda. Líber Seregni y Maciel), la muestra fotográfica “Horacio Quiroga – Del banquete a la selva – Fotos de una vida”, inaugurada el 6 de este mes. Las fotografías pertenecen al acervo de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, de la República Argentina y es una selección de algunas que pertenecieron a María Elena Bravo, segunda esposa de Horacio Quiroga.

Cine de Miedo y Fantasía

Una de las pocas movidas importantes que sí tiene Salto durante el verano, además del Carnaval, es el Festival Internacional de Cine de Miedo y Fantasía, que desde hace unos años se viene desarrollando en el parque Solari: el Nox Film Fest. El próximo será del 9 al 12 de enero, y los organizadores (con Salomón Reyes a la cabeza). Están anunciando que ya quedan pocos días para cerrar la convocatoria. Leamos su invitación a participar: “Si tienes una película de terror, miedo, fantasía y subgéneros, inscríbela al Nox Film Fest, el único festival de cine de género al aire libre del Uruguay. El plazo vence el 9 de diciembre de 2018 a las 0:00 hrs (Uruguay).
Puedes inscribir tu proyecto a través de nuestra plataforma en Festhome (https://festhome.com/f/3302/2).
El Nox es una experiencia cinematográfica y divertida que ocurre en el verano uruguayo. Es un evento gratuito, al aire libre y dirigido principalmente a un público familiar y juvenil. Las películas inscriptas, participan de nuestro certamen internacional que otorgará premio Nox 2019 a Mejor Largometraje, Mejor Cortometraje y Menciones a dirección, actuación, música, guión, etc”.

Coro: curso y concierto

Mañana viernes 30 y sábado 1º se dictará un Curso de Dirección Coral dirigido a directores de coros, estudiantes de dirección coral, profesores de música y estudiantes de música en general. Los interesados deben inscribirse vía mail a corodepartamentaldesalto @gmail.com. En este marco, el domingo 2 se desarrollará un taller de preparación de obras corales a cargo de Meridies y su directora. Está dirigido a directores de coros, coreutas, cantantes profesionales y amateurs. Asimismo, el domingo 2, el Estudio Coral Meridies brindará un concierto con entrada libre y gratuita a las 19 horas en el Ateneo de Salto.

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Pedro Olalla sobre la crisis de la Democracia “La ciudadanía no tiene vías para expresarse”, lecciones de la vieja Grecia para que los pueblos vivan en armonía

(EL PAIS CULTURAL)

Tras el triunfo de Bolsonaro en Brasil muchos se preguntan qué hará, pero pocos se interesan en las razones que lo llevaron al poder. Es decir, por qué la gente lo votó. Ahora se sabe que una parte significativa de sus votantes no comparten todos sus puntos de vista, ni sus opiniones extremas. En realidad votaron contra algo que iba más allá de él. Se manifestaron, por casi la única vía que tienen, como reacción hacia algo grande y sordo, un sistema político alejado de la gente y que suele privilegiar sus propios intereses.FOTO CULTU
Uno de los grandes problemas actuales, por lo menos en Occidente, es el descrédito de la clase política, reflejado en la mala imagen de los políticos. Gobernantes y gobernados están cada vez más alejados. El helenista Pedro Olalla, nacido en Oviedo y radicado hace dos décadas en Grecia, intuyó el problema. Sobre todo luego de la bancarrota de Grecia en 2008, crisis que trajo pobreza, tragedias y un desmantelamiento del Estado griego. Olalla vio cómo los griegos ya no tenían control sobre su destino; esas decisiones las tomaban los bancos acreedores. En términos políticos, era el fin de la democracia. Algo paradójico, pues se estaba muriendo en el mismo lugar donde había nacido hacía más de 23 siglos. En realidad doblemente paradójico: en el siglo VI antes de Cristo, cuando todavía nadie hablaba de democracia, el griego Solón impulsó la seisachtheia, por la cual la esclavitud por deudas debía ser erradicada. De hecho la abolió, dando el primer paso hacia lo que hoy conocemos como democracia, pues buscó corregir la desigualdad económica avanzando hacia la igualdad política. Solón hablaba de dignidad humana, de democracia, de ciudadanía. Algo que hoy los griegos han perdido, pues son casi esclavos de sus acreedores.
Olalla rescató la esencia de aquella vieja democracia y la trajo al presente. Con naturalidad hace hablar a Aristóteles, a Solón, a Pericles, a Clístenes, a Platón y los sitúa ante los problemas que enfrenta hoy la idea de democracia. El libro Grecia en el aire, Herencias y desafíos de la antigua democracia ateniense vistos desde la Atenas actual (Acantilado, 2015) hace eso, interpelar a los demócratas actuales con las ideas de la vieja democracia. También lo exploró en el libro Historia menor de Grecia, Una mirada humanista sobre la agitada historia de los griegos (Acantilado, 2012). Por último acaba de publicar De senectute política, Carta sin respuesta a Cicerón (Acantilado, 2018), preocupado porque el poder político actual tiende a actuar en beneficio propio si no es controlado con demandas firmes por sus ciudadanos, entre otros asuntos. Libro que presentó en Montevideo, junto al estreno del documental Grecia en el aire, basado en el libro homónimo.
La charla transcurrió en la Fundación Tsakos, que financió la realización del documental.

GRIEGOS INCONSCIENTES
—Presentaste tu último libro en la Facultad de Arquitectura de la Udelar, un edificio que tiene en su frente, sobre una columna, un capitel corinto traído de la antigua Grecia.
—En realidad fue traído de una ciudad del norte de África, de la actual Argelia, pero representa igual al mundo grecorromano. Y adentro de ese edificio tenemos nada menos que una réplica de la Victoria de Samotracia. Esa sí que es una referencia griega.
—Una presencia bien concreta.
—Sí, pero aunque no estuviera en ese lugar sino en otro, los ecos del mundo griego los tenemos en todas partes. En realidad somos una especie de griegos inconscientes, pues tenemos toda esa velocidad adquirida de la cultura griega, la llevamos en nosotros sin saberlo, y nos vamos dando cuenta de ella de a poco y nos parece algo nuevo, cuando en realidad, cuando rascamos algo, descubrimos de dónde vienen las ideas con las cuales funcionamos. Esa es la gran diferencia de la civilización griega frente a otras civilizaciones como la china, las precolombinas, la egipcia. De forma permanente nos llegan ecos, nos interpela.
—Y es lo que plasmas en tus libros.
—El gran tema de estas tres obras es tratar de vincular lo ético, lo político y lo filosófico. Es decir, el pensamiento para ser mejores en términos éticos, y para poder transformar y hacer más justo el mundo en que vivimos. El reto fundamental para lograr eso es recuperar la ciudadanía, ser ciudadanos en el sentido de personas libres, implicadas, conscientes y portadores activos de esa esencia política que conforma a toda sociedad.
—En un mundo que cambia muy deprisa.
—Que plantea muchas interrogantes ante las cuales no tenemos respuestas. No sabemos qué pasará en muchas dimensiones de la vida, qué sucederá con los recursos, con la riqueza –que cada vez corre hacia menos manos-, con cosas que parecían inamovibles durante siglos como las instituciones sociales, el matrimonio, el sistema del trabajo, el sistema del dinero, el acceso a los bienes de primera necesidad. Son cosas que parecen sacudirse y que van a tener que engendrar paradigmas nuevos. Pero sí hay algo que podemos responder con seguridad frente a toda incertidumbre, y es que las decisiones las tomarán aquellos que tengan el poder para hacerlo. Y eso nos pone ante la situación de pensar si nos interesa o no tener ese poder. Porque está claro que quien toma las decisiones lo hace siempre en beneficio propio. Y no será lo mismo si las tomamos entre toda la sociedad, en conjunto, que si las toman una serie de particulares, o los que tienen más dinero.
—Tú afirmas en el libro Grecia en el aire que las democracias actuales en realidad son oligarquías. O sea, que las decisiones las toman unos pocos.
—Sí, las democracias parlamentarias actuales pusieron el poder en manos de una oligarquía que ha seguido perpetuándose en él, y que periódicamente, a través de mecanismos como el voto o los referéndums, se asoma al conjunto de la sociedad para investirse de soberanía. Pero que en el fondo sigue gobernando, en el mejor de los casos, como un despotismo ilustrado. Es decir, sigue gobernando desde sus posiciones y desde sus intereses, y administrando con un cierto paternalismo lo que le corresponde al resto de la sociedad. Pero el gran reto de la democracia –no es un reto sencillo, supone profundos cambios en la mentalidad y en la sociedad- es hacer eficaz lo que llamamos soberanía popular. Que la voluntad política resida en el conjunto de los ciudadanos, algo que no se ha conseguido en las democracias modernas. Aunque se haya universalizado, ampliado la base de votantes, la figura del ciudadano no tiene peso político.
—Lo que genera frustración.
—Sí, allí donde hay conciencia. Ese es el paso previo. Porque la verdadera democracia es algo muy difícil de llevar a cabo, necesita de la virtud política del ciudadano, su conciencia y su deseo de participación activa en los asuntos públicos, algo que exige mucha energía y responsabilidad. Pero mucha gente está dispuesta a abdicar de eso y dejar todo en manos de representantes en los cuales confiar, más o menos. En ese sentido siempre habrá representantes dispuestos a ejercer esa función. Pero si queremos aproximar a gobernantes y gobernados, que la gente se identifique con su propio gobierno, ser nosotros mismos dueños de nuestro destino, hay que avanzar en busca de esa virtud política.
—La situación actual ofrece muchos ejemplos de gran frustración de la gente a la hora de votar. Aparece el voto enojado, contra, y surgen los candidatos anti sistema como Trump, o como Bolsonaro, de quien se sabe muy poco.
—Y lo que se sabe no parece muy prometedor.
(…)

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El laureado cantante uruguayo Jorge Drexler tras ganar los premios Latin Grammy: «Voy a ser un outsider toda la vida»

El cantautor uruguayo conversó con El País, sobre los reconocimientos, la industria y las canciones

Pocos días después de haber arrasado en los 19° Grammy Latino, donde ganó los premios a mejor álbum de cantautor por Salvavidas de hielo, y a canción y grabación del año por “Telefonía”, Jorge Drexler dice que todavía está “aterrizando”, porque lo que le pasó en Las Vegas fue “una demencia”. Drexler ya había ganado un par de gramófonos con su disco anterior, Bailar en la cueva, pero esta vez la balanza parecía estar mucho más inclinada a favor de los reguetoneros y cantantes de ritmos urbanos. drexler

Charla con El País desde España, sentado en su estudio de trabajo, y dice que no hay ninguna foto suya en la sala en la que está. De hecho, admite que le horroriza ir a la casa de colegas que tienen sus propias caras por todas las paredes y, en la era de las redes sociales, opina que “a nadie en su sano juicio le gusta ver fotos propias”. Drexler es un outsider, y de eso fue parte de esta charla.

—Más allá de los premios, ¿cómo se viven, desde adentro, este tipo de ceremonias?

—La ceremonia transcurre en un estadio de básquetbol, lleno hasta la manija y donde no jugás de locatario. El público está volcado a favor de un sector de la música, y creo que todo el mundo estaba esperando que los grandes vencedores de la noche fueran del área más urbana. Bueno, todos pensábamos que Rosalía iba a ganar muchas cosas, porque en España tiene una fuerza enorme, y a mí me encanta, me encantó su disco. Entonces al principio estás casi pidiendo disculpas, además de que hay mucho lobby por país. Cada vez que sube uno de Colombia, por ejemplo, alguien grita “¡Viva Colombia!”, y todos los colombianos gritan. Y nosotros somos el país que tiene menos lobby de todos (se ríe). Estás muy solo en esas fiestas, y cuando pasan todos los nominados hay ovaciones para todas las canciones menos para la tuya, que además es la única —me di cuenta estando ahí— que no tiene videoclip. Tiene un lyric video, que yo lo quiero mucho y lo hizo nuestra diseñadora, y que debe haber salido baratito; y todas las otras canciones tienen megaproducciones, 40 bailarines, drones y yates. Entonces vos decís: “¿Qué hace esta cancioncita en medio de ese mundo?”.

Telefonía de Jorge Drexler
VIDEO | «Telefonía», de Jorge Drexler, con su lyric video
—Hace unos meses charlábamos de la subjetividad de los premios, y me decías que eran “entidades calientes”. Y antes de esta entrevista de ahora, repasaba una nota de El País de Madrid después del Oscar, en la que hablabas de lo que era ser un outsider que había llegado a meterse en esa ceremonia. Y es curioso porque pasaron más de 10 años, tu popularidad creció, pero ante eventos tan mainstream, vos seguís siendo un outsider.

—Yo creo que voy a ser un outsider toda la vida, la verdad. La gente igual lo ve de afuera, y si tenés una información parcial de los premios, parece que uno está habituado, integrado a lo mainstream. Pero realmente yo era un bicho raro ahí. Y basta ver las cifras de streaming o la cantidad de público que me va a ver, para darte cuenta que yo no soy un artista masivo. No he jugado nunca a eso, ni ha sido mi intención ni el resultado de lo que he hecho. Más que tener mucho público en un lugar, yo tengo muy poquito público en muchos lados, y el mío es un trabajo por extensión. Esto es más una guerra de guerrillas que un gran enfrentamiento mediático, digamos.

—Volví a repasar tus primeros discos, después de haber recorrido Salvavidas de hielo en distintas instancias, desde el estudio de grabación en México hasta ahora. Y es como si toda la carga solemne de tu primera poesía, se hubiese ido desprendiendo en función de una sensibilidad que va más al grano. ¿El reconocimiento a “Telefonía” tiene que ver con eso, con que en momentos donde cuesta rescatar lo esencial de la música, es una canción de amor simple, directa?

—Bueno, para empezar, vos viste el proceso del disco y que está basado en una premisa experimental. Lo que a mí me sorprende mucho de todo esto —y ahora voy a lo que decías vos— es que este es el disco más raro que he hecho. La primera vez que lo escuchás parece muy limitado, porque está limitado en la fuente de sonido, tiene un solo instrumento, entonces tenés que entrar con una lupa para ver los detalles. No es un disco que lo veas colorido, grande, variado: es un disco que está hecho en una baldosita. Pero además, y no me había fijado porque no tengo mucha perspectiva de lo que escribo, es cierto que voy perdiendo grandilocuencia con los años. Y eso, en otros artistas, lo considero algo bueno: a mí me gusta cuando aumenta la capacidad de síntesis de alguien, y si te puede decir una cosa muy profunda con palabras sencillas, lo prefiero. Esa es la búsqueda que estoy haciendo, de cosas más esenciales. Y “Telefonía” es una canción directa.

«Es cierto que voy perdiendo grandilocuencia con los años. Y eso, en otros artistas, lo considero algo bueno»

Jorge Drexler
Cantautor
—Y es muy inocente: podría haber sido escrita a tus 20.

—Es inocente y tiene mucha ironía, y tiene sentido del humor. Vos decís: “Que viva la telefonía en todas sus variantes. Pensando estaba que te me escabullías, cuando vi tu nombre en la llamada entrante. Bendita cada onda, cada cable, bendita radiación de las antenas”. Es decir, el tipo empieza a irse al carajo en el elogio de ese método de comunicación. Lo único que le importa es el mensaje; cambian los tiempos, el atuendo, el nombre de los amantes, pero va a lo esencial. Y lo esencial es tan básico como: “I just called to say I love you” (se ríe). Te he llamado para decirte, y ya lo sabés pero te lo voy a repetir, que te quiero. No sé, yo la escribí y me pareció muy naif, muy directa, con esa ironía entre líneas. Por ejemplo, si algún día alguien sincroniza esta canción con una publicidad telefónica —que ya me la han pedido, y he dicho que no porque me lo prometí a mí mismo cuando la escribí—, perdería por completo su valor, porque se volvería un elogio lineal de la tecnología. En ese sentido, yo soy un gran admirador de Maslíah: me cuesta mucho trabajar en una línea directa, me gusta mucho más tener un punto de distancia e ironía con las cosas.

—Y además la pensaba en comparación con otros temas del disco. “Silencio”, por todo el trabajo experimental que tiene en lo musical, podría ser una candidata de más peso para ganar un premio; o “Estalactitas”, que tiene unas imágenes riquísimas, eso del “perfume de un ciclón dormido”, o el “carmín completamente arrebatado”.

—O “Movimiento”, que tiene una visión más antropológica del desarrollo del ser humano. Evidentemente. Ahora, te voy a decir una cosa que es muy importante, y que nunca terminé de entender. La elección del single suele ser automáticamente la canción más jovial del disco, con un mensaje más directo y un estribillo más claro. En ese sentido, responde “Telefonía”, como respondía “Universos paralelos”. Pero el paso del tiempo me llevó a tener la humildad de decir: no sé elegir los singles, no es lo mío y se lo voy a dejar a mi equipo de trabajo.

(EL PAIS)

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La Poesía no se vende porque la Poesía no se vende

Hace pocos días, a propósito del “Premio Cervantes” (nada menos que el más importante en lengua española) obtenido por la uruguaya Ida Vitale, un medio capitalino comentaba algo así: “el Premio Cervantes a la uruguaya Ida Vitale disparó el número de personas que llegan a las librerías a preguntar por sus libros, pero no los compran cuando se enteran que son de poesía”.
Es que si estableciéramos un orden de venta en las librerías (dicho sea de paso, ya una especie en extinción), podemos decir que lo más vendido son los libros llamados “de autoayuda”, le siguen las novelas, algunos escalones más abajo los libros de cuentos y muchos, muchos escalones por debajo, los libros de poesía. Ida 2
Y si intentáramos buscar explicaciones a este fenómeno, sin pretender profundizar demasiado, podríamos hacer las siguientes conjeturas. En el caso de los libros de autoayuda, quizás se explique por la búsqueda en ellos de respuestas u orientaciones al generalizado desconcierto que reina en la vida de estos tiempos, es decir, a una necesidad más espiritual que intelectual. En cuanto a las novelas, estas permiten en general, ser leídas de a poco (unas páginas ahora, otras más tarde, otras mañana…) y entre lectura y lectura, uno puede distraerse, hacer otras cosas; hasta “tirado” en la playa, atendiendo al mismo tiempo la trama y el paisaje circundante, puede leerse una novela; algo similar se podría aplicar a los cuentos, aunque la condensación narrativa de ellos es mayor e implica por tanto más concentración, el lector tiene menos oportunidad de distraerse (con el facebook o el whatsapp, por ejemplo) pues tiene que estar listo para recibir el golpe final de un momento a otro, a menudo inesperadamente (en términos boxísticos, “la novela te gana por puntos y el cuento por knock out”, dijo sabiamente Cortázar).Ida 1
Pero vayamos al punto: ¿cuál es la posible explicación a que se vendan tan poco los libros de poesía? En primer lugar, se trata de una relación texto – receptor (poema – lector) que requiere intimidad, máxima concentración, un alto grado de razonamiento, sensibilidad y tiempo suficiente para dejar decantar cada idea leída, justamente, cosas que en estos tiempos el público está cada vez menos dispuesto a ofrecer.
Pero además, la poesía (la “buena” poesía deberíamos decir), cuando es auténtica, como lo es la de Ida Vitale, no se prostituye, no rebaja su precio a la necesidad de lo que la gente quiere que diga ni cae en hacer lo que la gente quiere que haga, es decir: que se permita ser leída atendiendo a su vez el celular o, directamente, que entregue todo su contenido ya digerido, sin exigir razonamiento alguno.
Hagamos una salvedad: la “poesía” (llamémosle así por generosidad) que sí se vende es la que dice lo que la gente quiere que se le diga, la que está llena de clichés, lugares comunes y sensiblería. En ese sentido (el de prostituirse o venderse al bajo precio de determinadas circunstancias) es que la auténtica poesía no se vende, no acepta semejante deshonestidad intelectual.
No, no acepta venderse así. Y es por eso que, ahora sí hablando económicamente, en el mercado de las librerías, la buena poesía no se vende.
La explicación, a nuestro entender, está en el título de esta nota: la poesía no se vende porque la Poesía (así, con mayúscula) no se vende. Un dato más y no menos importante: pese a este panorama, en Uruguay, lo que más se escribe hoy en día en el plano estrictamente de la Literatura, es poesía.

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Jueves 6 de diciembre en el Aula Magna Encuentro de Coros en la sede Salto UdelaR

Seis elencos estarán participando del Encuentro de Coros a realizarse el próximo jueves 6 de diciembre a partir de las 19:30 horas en el Aula Magna de la sede Salto Cenur Litoral Norte de la Universidad de la República.
El evento es organizado por el Coro de la sede Salto Udelar y la entrada es de carácter libre y gratuita.
ENCUENTRO DE COROS
Invita: Coro de la Sede Salto – Cenur Litoral Norte – Udelar
Jueves 6 de Diciembre – 19.30hs
Aula Magna – Sede Salto – Cenur Litoral Norte – Udelar (Rivera y Misiones)
Coros a participar:
– «Canta Conmigo» Directora: Carolina Guarino; Pianista: Williams Tonna.
– «Coro Río Uruguay» Directora: Beatriz Harreguy.
– «Ostinato» Directora: Carolina Guarino. Asistente de Dirección: Dimas Svedov.
– Estudiantes de la Cátedra de Dirección de Coros de la EUM (Escuela Universitaria de Música)
– «Coro de niños» Directora: Carolina Guarino
– «Coro de la Sede Salto – Cenur Litoral Norte»

COROS:
Canta Conmigo
Directora: Carolina Guarino
Pianista: Williams Tonna
– «Canten señores cantores» – Folclore Argentino
– «La luna y el carnaval» – Angel Luis Derman
– «María va» – Antonio Tarragó Ros; Arr. Vivian Tabbush
Coro Río Uruguay
Directora: Beatriz Harreguy
Pianista: Jannet Suárez
-»Ave María» – Julio Caccini.
-»Aún es tiempo de Soñar» – César Banana Pueyrredón.
-Amándote – Jaime Roos

Ostinato
Directora: Carolina Guarino; Asistente de Dirección: Dimas Svedov
-»Ave María no morro» – Letra: Herivelto Martins; Música: José Acácio Santana
-»Vidala para mi sombra» – letra y música: J. Espinosa; Arr. Liliana Cangiano
-»Crece desde el pie» – Letra y Música: Alfredo Zitarrosa; Arr. Lilián Saba

Coro de niños
Directora: Carolina Guarino
-»Dulce sonar de campanas»
-»Din din don»

Estudiantes de la Cátedra de Dirección de Coros de la EUM (Escuela Universitaria de Música)
Directores: Lucas Martínez, Facundo sanchez, Gianina Tornini, Williams Tonna, Nátali Costa y Sebastián Ruiz.
-»¡Ay, ay, ay!» – María del Carmen Aguilar
-»Greenleaves» – María del Carmen Aguilar
-»Un cazador» – María del Carmen Aguilar
-»Nesta Rua»- María del Carmen Aguilar
-»La Zandunga» – María del Carmen Aguilar
-»Ride the Charriot» – W. H. Smith

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Jornada Abierta por los 70 años de la Declaración Universal de los Derechos Humanos

Martes 11 de diciembre a las 19:00 horas en UdelaR Salto

El martes 11 de diciembre a las 19 horas en sala de Consejo Directivo de la sede Salto del Cenur Litoral Norte de la Universidad de la República, se realizará la Jornada abierta “70 años de la Declaración Universal de los Derechos Humanos”.
Se cumplen 70 años de la “Declaración Universal de los Derechos Humanos”, ocurrida en París, Francia y el evento será recordado en todo el mundo. En Salto, las Cátedras Historia de las Ideas y de Derecho Público I de la Facultad de Derecho de la sede Salto del Cenur Litoral Norte de la Universidad, con motivo del trasceAfiche 70 añosde la declaración universal de los derechos humanosndente acontecimiento realizarán una Jornada el día martes 11 de diciembre a las 19 horas en sala de Consejo Directivo.
Fue la primera vez que una comunidad organizada de Naciones elaboró y aprobó una Declaración de Derechos del Hombre y sus Libertades fundamentales. A través del tiempo transcurrido, ha constituído un faro que ha iluminado las esperanzas para todos aquellos que creen en la posibilidad de vivir en una Tierra en la que el respeto, la tolerancia y la comprensión pueden regir las relaciones entre los seres humanos. Se desarrollarán los contextos externos ocurridos desde aquella fecha, los avances y eventuales retrocesos y las actualizaciones que han transcurrido desde entonces.
La Jornada va dirigida a todos los que de una manera u otra integran la sociedad civil salteña y, por supuesto, a instituciones, docentes, estudiantes y público en general, siendo la entrada libre y gratuita.
Preámbulo de la Declaración
El próximo 10 de diciembre de 2018 se cumplen 70 años de la adopción por parte de la Asamblea General de la Organización de las Naciones Unidas (ONU) de la Declaración Universal de los Derechos Humanos. En su Preámbulo se expresa:
“La libertad, la justicia y la paz en el mundo tienen por base el reconocimiento de la dignidad intrínseca y de los derechos iguales e inalienables de todos los miembros de la familia humana.
El desconocimiento y el menosprecio de los derechos humanos han originado actos de barbarie ultrajantes para la conciencia de la humanidad; y que se ha proclamado, como la aspiración más elevada del hombre, el advenimiento de un mundo en que los seres humanos, liberados del temor y de la miseria, disfruten de la libertad de palabra y de la libertad de creencias.
Los derechos humanos sean protegidos por un régimen de Derecho, a fin de que el hombre no se vea compelido al supremo recurso de la rebelión contra la tiranía y la opresión,
Considerando también esencial promover el desarrollo de relaciones amistosas entre las naciones.
Los pueblos de las Naciones Unidas han reafirmado en la Carta su fe en los derechos fundamentales del hombre, en la dignidad y el valor de la persona humana y en la igualdad de derechos de hombres y mujeres; y se han declarado resueltos a promover el progreso social y a elevar el nivel de vida dentro de un concepto más amplio de la libertad. Los Estados Miembros se han comprometido a asegurar, en cooperación con la Organización de las Naciones Unidas, el respeto universal y efectivo a los derechos y libertades fundamentales del hombre, y una concepción común de estos derechos y libertades es de la mayor importancia para el pleno cumplimiento de dicho compromiso.
La Asamblea General, proclama la presente Declaración Universal de Derechos Humanos como ideal común por el que todos los pueblos y naciones deben esforzarse, a fin de que tanto los individuos como las instituciones, inspirándose constantemente en ella, promuevan, mediante la enseñanza y la educación, el respeto a estos derechos y libertades, y aseguren, por medidas progresivas de carácter nacional e internacional, su reconocimiento y aplicación universales y efectivos, tanto entre los pueblos de los Estados Miembros como entre los de los territorios colocados bajo su jurisdicción.

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AS.IM.SA realiza mañana su exposición de talleres culturales

Desde la hora 16, todos invitados

Mañana viernes, desde las cuatro de la tarde, la Asociación Impedidos de Salto (AS.IM.SEn un paseo A) abre sus puertas a la comunidad para exhibir los trabajos realizados a lo largo del año en el marco de los diferentes talleres culturales que allí se imparten. Consultada al respecto por EL PUEBLO, la coordinadora de talleres, Susana Barla, dijo que “será la exposición de lo realizado en el año en los talleres prácticos. Estos talleres son Peluquería, Tejido, Computación, Manualidades, Música, Gastronomía, Carpintería, Recreación y Yoga. Mientras está la exposición y la gente recorre, los chiquilines van a realizar la demostración de Música y de Yoga, música que tiene también una parte de teatro”.

Vale enfatizar que los trabajos expuestos también pueden ser adquiridos por el público, de modo de recaudar fondos para actividades de la propia institución; “hay trabajos para la venta, por ejemplo en Carpintería otros años los chiquilines se llevan uno o dos trabajos para ellos y el resto se vende todo, este año Gastronomía ofrecerá tartas de dulce de leche y coco y budín inglés”, comentó la Coordinadora.

CONOZCAMOS MEJOR AS.IM.SA
La Asociación Impedidos de Salto (AS.IM.SA) funciona desde el año 1985 y está actualmente ubicada en calle Brasil 425, casi Julio Delgado, en una muy cómoda y remodelada casa, que cuenta con varios salones para los distintos cursos, una amplia cocina (para el taller de Gastronomía), sala de recreación y baños esParticipando de un tallerpeciales para la población que recibe. “Tenemos cincuenta y un alumnos; más o menos el 50% viene por convenio con BPS y el resto particulares, es decir chiquilines que no tienen pensión. También hay un taller que se dicta por fuera de BPS, que es el de Belleza, ese viene por CODICEN”, explicó Barla, y agregó que quienes asisten allí son personas desde los catorce años y sin límite de edad, como personas de casi setenta años y no necesariamente que tengan una discapacidad. Cualquier persona puede asociarse y asistir a los talleres; el valor de la cuota es de 50 pesos mensuales. En cuanto a las discapacidades, dijo que “se trata de discapacidades intelectuales, la institución en principio se formó por la discapacidad motriz. Nosotros seguimos utilizando la sigla AS.IM.SA, pero la palabra ‘impedidos‘ es una palabra muy fea; en su momento, en el 85, se admitía esa palabra pero ahora se prefiere decir ‘en situación de discapacidad‘. Tenemos gente de baja visión, no videntes, con síndrome de Down, sordos, epilépticos, esquizofrénicos… Entre nuestras actividades por ejemplo el último viernes de cada mes festejamos los cumpleaños y hasta bailamos. También se les sirve merienda preparada por Gastronomía. Por otra parte, hacemos paseos, hemos ido a Termas de Guaviyú, Arapey, Daymán, a la Agronomía, San Antonio, Belén…Hay gente que nos dice: ¿y por qué van a un pueblo?, y nosotros decimos: porque los chiquilines no conocen. Algunos conocían como único camino el de la casa al hospital…”.

Inscripciones para 2019
Además de reiterar la invitación a todo Salto para visitar la muestra de mañana viernes, de 16 a 18 horas, una buena oportunidad para conocer más de cerca la institución, Susana Barla enfatizó en que están abiertas las inscripciones para los cursos del próximo año. Las mismas comenzaron el pasado lunes 19 y se extienden hasta el 14 de diciembre, en el horario de 14 a 17, para lo que se requiere presentar Cédula de Identidad, carnet de vacunas y recibo de pensión (en el caso de quienes la reciben).

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En la tierra y en el cielo de Nicaragua, buscando la combinación perfecta para mejorar el mundo

Con el poeta y místico Ernesto Cardenal: «Esta dictadura está siendo peor que la de Somoza»

(EL PAIS CULTURAL)

La lluvia diluvial que cae en Nicaragua en estos primeros días de octubre evoca el castigo bíblico por el que Dios decide inundar la tierra para lavar la iniquidad en que se han sumido los seres humanos. En la ciudad donde vive Ernesto Cardenal (Granada, Nicaragua, 1925) realmente mana agua en estos días.foto cultura
Su historia sería imposible de ser imaginada por el más ingenioso de los escritores. Poeta, exsacerdote, creador de una comunidad contemplativa popular en el archipiélago de Solentiname, escultor, político, ministro de cultura durante el gobierno de la revolución sandinista, son algunas de las facetas de la personalidad más conocida y de mayor prestigio que ha brindado su país.
Increpado públicamente por el papa Juan Pablo II en su visita a Nicaragua en 1983, su figura encarnó las contradicciones del diálogo entre marxismo y cristianismo propiciado a partir del concilio Vaticano II (1962-1965).
A su extensa obra poética se agregan sus variados ensayos y sus extensas memorias. Con 93 años acaba de lanzar, en la editorial Anamá de Nicaragua, la que anuncia como su última obra: Así en la tierra como en el cielo, donde continúa una poesía inspirada en la ciencia, meditando sobre el cosmos y el misterio de “la creación de Dios que cada vez se nos revela más grande”.
De respuestas breves y pausadas, el poeta nicaragüense transmite con precisión y autenticidad las convicciones que han alimentado su peculiar recorrido, que lo vuelve un referente también para las nuevas generaciones.
El 19 de junio -junto a la reciente Coordinadora Universitaria por la Democracia y la Justicia- le envió una carta al uruguayo José Mujica pidiéndole que sumara su voz a la denuncia de la crisis de derechos humanos y terrorismo de Estado en Nicaragua. Mujica se sumó.

UNA UTOPÍA PERDIDA

-Cuando uno mira su larga historia llaman la atención los cambios, sus “conversiones” ¿Qué es la conversión para usted? ¿Qué implica?
-La conversión es una entrega a Dios, es renunciar a todo por Él. Aquello que el místico español San Juan de la Cruz llamaba “el desapego de todo”. Es como una botella que tiene un líquido pero para que pueda entrar otro líquido en ella debe vaciarse antes; entonces la conversión es vaciarnos para que entre Dios en nosotros. Para mí fue lo más grande de mi vida, cuando hice una renuncia de todo por la voluntad de Dios, cuando tenía 31 años. Luego tuve una segunda conversión cuando fui a Cuba, en 1970, como jurado de Casa de las Américas, donde vi la revolución en vivo. Aquello fue una conversión al pueblo y a la revolución.

-Tras casi 40 años de aquella revolución y ante la vista de esta catástrofe en la que se encuentra su país, ¿el sandinismo es una revolución perdida?
-En el tercer tomo de mis memorias hablo largamente sobre la revolución perdida, como me gusta llamarla, porque ya no existe la revolución. Es como un sueño que tuvimos, del que no queríamos despertarnos nunca. Lo más bello que he tenido en mi vida ha sido la revolución y lo más triste que terminara. Y todo esto ocurrió cuando perdimos las elecciones. Fidel Castro lo había dicho ya, que íbamos a correr el riesgo de perder las elecciones, pero había que hacerlas de cualquier manera porque decía que era un país que estaba en guerra y un país que está en guerra quiere la paz.

-¿Cómo explica esta pérdida?
-La revolución se pierde por esta intervención de los Estados Unidos. Las administraciones de Ronald Reagan y de George Bush impusieron un bloqueo económico. Días antes de las elecciones Bush señaló que si ganaban los sandinistas seguiría el bloqueo. Ante el bloqueo económico y la injerencia patrocinando a la Contra durante ocho años, por los muertos de la guerra, jóvenes y grandes, el pueblo de Nicaragua prefirió ese cambio y perdimos las elecciones. Fue una gran desmoralización. Tras este fracaso electoral, que era una victoria moral para la revolución, ocurre, sin embargo, otra catástrofe. Muchos se desmoralizaron y otros se corrompieron. Fue lo que el pueblo llamó “La piñata”. Y ahora tenemos una dictadura, lo contrario de una revolución.

-¿Cómo ha vivido la relación entre religión y política?
-A mí me gusta hablar de una relación entre mística y revolución. No diría política, es algo que nunca me ha gustado. Yo participé en una revolución. Por otro lado he cultivado una religión contemplativa, la mística de Dios amor. Y todo esto nunca se ha contrapuesto en mi vida, la mística y la revolución. Dios amor es también Dios revolución.

UNA CAUSA INVENCIBLE

-Luego de tantos años, ¿cómo ha sido el diálogo cristianismo-marxismo? ¿Fecundo, desparejo, desilusionante?
-Fue muy fecundo. La revolución ganó mucho con ese diálogo. Fue algo bueno para Nicaragua, pero también para Cuba donde influyó la revolución sandinista por ese dialogo entre religión y marxismo. También Polonia se interesó por lo que estaba viviendo Nicaragua, porque ellos estaban teniendo un conflicto muy grande entre la religión y el comunismo; me pidieron consejo para ver cómo conseguir esa armonía que nosotros estábamos teniendo. Fue lo que no vio el papa polaco Juan Pablo II, que era una revolución hecha con los cristianos, que no perseguía a la iglesia. En aquella época, a quienes venían del bloque soviético se les ponía en cuarentena, aislados, para que fueran conociendo lo que íbamos teniendo en Nicaragua, que era otro tipo de marxismo, sin sectarismo ni dogmatismos, como el que tenían los soviéticos. Eso también fue un producto del dialogo que mantuvimos marxistas y cristianos alrededor de la revolución.

-¿Cómo ve a la iglesia hoy? ¿Está aun vigente la teología de la liberación?
-Se puede decir que la teología de la liberación terminó, o casi, con el funesto pontificado de Juan Pablo II y el del papa Ratzinger que siguió su misma línea, que consistió en el desmantelamiento del concilio Vaticano II, haciendo que la iglesia retrocediera cien o doscientos años. Fue entregar la iglesia al Opus Dei, a los Legionarios de Cristo, también fue un anti Medellín y un anti teología de la liberación. Pero, por otro lado, mientras haya pobres habrá teología de la liberación, dijo Mons. Casaldáliga en el Brasil y así hemos creído nosotros. Éramos soldados derrotados de una causa invencible. El espíritu sigue vivo en los mártires y los santos siguen vivos.

-Usted se pregunta en su último libro Así en la tierra como en el cielo: ¿tenemos un rol en el universo? ¿Cuál sería este rol?
-La construcción del reino de Dios en la tierra. Mejorar el universo, llevarlo hacia Dios. La evolución que estamos teniendo es una evolución del universo hacia Dios, ese es nuestro rol, participar en esa construcción del reino.

-¿Cuáles son los caminos de salida que percibe para Nicaragua?
-La pareja presidencial de Daniel Ortega y su mujer Rosario Murillo son dueños de todo el país, hasta de la justicia. La única salida es que se vayan Ortega y Murillo y se acabe la dictadura que estamos teniendo, que está siendo peor que la de Somoza.

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La vida de novela de una artista excepcional y la importancia de vivir según las propias decisiones

Biografía de Leonora Carrington (1917-2011)

Joanna Moorhead, la autora de Leonora Carrington. Una vida surrealista es inglesa, periodista y pariente de Leonora. Creció en una familia en la que Leonora, treinta y tres años mayor que ella, estaba ausente físicamente, pero muy presente en el papel de oveja descarriada. No sabía nada de su vida y su arte cuando se topó en una fiesta con una mexicana, historiadora de arte, que se asombró ante su desconocimiento de quien, afirmó, era una de las artistas más importantes del siglo XX. El encuentro la llevó a decidirse a viajar a México y conocer a su prima. Leonora tenía 89 años y viviría hasta los 94. Fascinada desde el primer encuentro, Moorhead viajó con asiduidad a México para conversar con ella. Juntas planearon el libro que Leonora quiso que se publicara después de su muerte. De esta situación surgen las principales fortalezas y debilidades de esta biografía hecha con admiración, afecto y voluntad reivindicadora, y que terminó publicándose en el contexto de los festejos por el centenario del nacimiento de Leonora. Moorhead dedica el libro a sus cuatro hijas con un mensaje contundente: “Espero que viváis siempre como lo hizo Leonora: según vuestras propias decisiones”. foto cultu

Es posible sospechar que por momentos, sin proponérselo, la periodista resulta cómplice de su biografiada. Moorhead delinea una figura poderosa, que la obra de Carrington y los testimonios de quienes la conocieron confirman. Terminado el libro, parece evidente que Leonora quiso guardar silencio sobre zonas de su vida y que Moorhead se atuvo a su deseo. Tenemos, entonces, fundamentalmente la visión que Leonora, ya mayor, enfrentada a su muerte, fue elaborando sobre su vida. Moorhead aporta la historia familiar y el conocimiento íntimo de las costumbres de la clase alta inglesas de comienzos de siglo XX. No trata especialmente de comprender los conflictos y desafíos de la artista, los elementos que la nutrieron, las resistencias que enfrentó, sus logros, sus cambios, las transformaciones en la recepción de sus cuadros, su literatura, sus esculturas. Algo de todo esto está, pero al pasar, porque el interés central es la personalidad de esta prima recuperada. Una fascinación similar, aunque diferente porque no realiza una biografía, parece haber alimentado la novela que Elena Poniatowska tituló Leonora (Seix Barral, 2011). Esta “vida de novela” está alimentada con el glamour un poco apolillado de la clase alta inglesa y el muy excitante de los surrealistas de las décadas del treinta y cuarenta. Y con algunas acciones espectaculares: la desolada huida de Francia ante el avance del nazismo, un episodio de locura, la salida de Europa hacia Nueva York gracias a un casamiento arreglado con el poeta mexicano Renato Leduc y el posterior salto a México. Allí Leonora inició una nueva vida: se casó de nuevo con el fotógrafo húngaro Imre Emerico (Chiki) Weisz y tuvo dos hijos. En 1968, luego de la brutal represión a los estudiantes organizada por el gobierno mexicano, volvió a irse: mantuvo una vida itinerante por EEUU durante los setenta y ochenta para regresar después, definitivamente, a México.

Moorhead recrea la vida de la familia de Leonora en Lancashire: repasa los ritos y los límites a los que Leonora fue sometida por sus padres recién enriquecidos y con aspiraciones de ser admitidos en el círculo de la aristocracia. Esboza las figuras del padre, autoritario, y la madre, previsible y desconcertada, los tres hermanos varones, las diferencias en la educación de niños y niñas. Señala las carencias y las potencialidades (no visibles para la joven) de esta formación discriminadora: las lenguas y el arte eran el ámbito propio de las muchachas. Cuenta las rebeldías de Leonora y deja constancia de su deseo y necesidad de pintar. Se detiene en el encuentro de la joven de 20 años con Max Ernst cuando, en 1937, el ya reconocido pintor surrealista viajó a Londres a exponer su obra en la Mayor Gallery. Luego de que fracasara la ambición parental de “casarla bien”, un año antes Leonora había logrado que la dejaran trasladarse a Londres a estudiar pintura con Amédée Ozenfant. Moorhead cuenta el deslumbramiento mutuo y el amor vivido por Leonora y Max Ernst. Este, 26 años mayor que ella, estaba en uno de los momentos más altos de su creatividad y oficio. Ernst la introduce en el mundo del arte, las ideas y la política. En cierto sentido actuó como Pigmalión, pero estaba casado y llevaba una vida amorosa diletante e inestable. Fue, obviamente, rechazado por la familia de Leonora y perseguido por su influyente padre. Ese año Leonora dejó a los suyos y se fue a París donde se encontró con Ernst.
Leonora Carrington pintaba todo el tiempo y, por períodos, escribía. Parecía no dar importancia a su obra literaria. Perdió y recuperó “El pequeño Francis”, un relato maravilloso, un roman à clef, en el que la crítica ha descubierto los sentimientos de la autora en la difícil situación amorosa vivida con Ernst. Escrito en los primeros años de su vida con Ernst, fue publicado por primera vez en traducción francesa en 1986 y en el inglés original en el volumen The House of Fear en 1988. En 1938 publicó “La casa del miedo”, un pequeño folleto con ilustraciones e introducción de Ernst: un texto en el que despliega su singular imaginación y otro de los muchos testimonios artísticos de su relación con Ernst. Carrington realiza en su literatura (en inglés, francés y español) y su pintura una operación estética similar: inserta acontecimientos y emociones vividos en un mundo maravilloso en el que los animales y la naturaleza tienen un lugar protagónico. Combina el mundo de la fantasía celta de su infancia, los cuentos de hadas, las imágenes de la Biblia, con la tradición ocultista que había conocido en la academia de Amédée Ozenfant en 1936 y profundizado con Max Ernst y en contacto con el mundo surrealista.A comienzos de 1939 Ernst y Carrington se trasladaron a Saint-Martin-d’Ardèche, al sur de Francia y, por un breve tiempo pensaron estar en el paraíso. Compraron una casa de campo y la transformaron en una obra de arte. Cada uno se dedicó a su pintura y se pintaron uno a otro en cuadros notables que el libro de Moorhead reproduce. Leonora aprendió a amar la cocina. Pero Ernst era ciudadano alemán, perseguido por el hitlerismo y rechazado en Francia a partir de la declaración de guerra y la invasión nazi. Fue apresado en dos oportunidades. Leonora quedó sola y angustiada en un país ajeno y en guerra. Moorhead relata la huida hacia España con la ayuda de unos amigos y la locura que se va apoderando de Leonora y que se desata incontenible en Madrid. La familia pudo intervenir y fue internada en una residencia psiquiátrica de lujo en Santander, en donde le aplicaron un medicamento antipsicótico, el Cardiazol, cuyos efectos siniestros la artista logró contar en un relato excepcional titulado “Memorias de abajo”. Lo pudo hacer unos años después, cuando había huido de Europa y se encontraba en Nueva York. Esa versión, escrita en inglés, se perdió. La crítica coincide en señalar que Pierre Mabille, en libro (Le Miroir du merveilleux, 1940) y persona, al que Leonora había conocido en París y recuperado en México, fue quien le permitió madurar un lenguaje simbólico, tomado fundamentalmente del ocultismo, para decir su descenso a la locura y su renacimiento al volver al mundo.
LEONORA CARRINGTON, UNA VIDA SURREALISTA, de Joanna Moorhead. Turner, 2017. Madrid, 230 págs. Traducción de Laura Vidal. Distribuye Océano.
Joanna Moorhead es una periodista británica nacida en Lancashire que suele publicar artículos sobre crianza y vida familiar en The Guardian. Su parentesco con Carrington la impulsó a escribir este primer libro con el que ha obtenido una importante recepción crítica.

(EL PAIS CULTURAL)

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El “Nobel en lengua española” “Premio Cervantes” para una uruguaya: ¡Grande Ida Vitale!

Hace once años, cuando presenté mi poemario «Más azul que los peces», quise incluir en la primera página, a modo de acápite, estos versos: «Todo es azul/ lo que no es verde/ y arde». Son de la poeta Ida Vitale y quise hacerlo (además de que vi en ellos un guiño, una clave o una pista para lo que esencialmente expresaba el libro) porque quería tener allí algo de quien consideraba una de las mayores poetas uruguayas y de la lengua española contemporánea. Quizás por eso, es que mi alegría tuvo un agregado más cuando supe el resultado de la edición 2018 del Premio Cervantes. En estos últimos tiempos, nos hemos ocupado de ella en reiteradas ocasiones, sobre todo cada vez que obtenía un premio. Fueron muchos, muchísimos los galardones que recibió dentro y, en especial, fuera del Uruguay (“Los premios me están haciendo pasar de anónima a existir”, comentó Ida hace pocos días). ida-vitale-3

Recuerdo cuando en 2015 comentamos en esta página de EL PUEBLO que había recibido el «Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana», otorgado por el Patrimonio Nacional y la Universidad de Salamanca. Pero sucede que días pasados, amanecimos con la noticia que había recibido el “Premio Cervantes”, nada menos que el mayor premio que existe en lengua española, lo que algunos llaman “el Nobel de la lengua española”. Más que merecido lo tiene esta poeta nacida en Montevideo en 1923 y radicada en Estados Unidos. Hace algunos años, escribía el crítico literario Pablo Rocca: «Pocos ejemplos se encuentran por estas latitudes de coherencia y lucidez como el de Ida Vitale. Desde La luz de esta memoria (1949) y aún antes, en olvidados textos juveniles, mostró un claro y raro dominio del oficio de escribir. Se destacó –también tempranamente- como crítica y traductora de literatura de diversas lenguas; ha participado en congresos y lecturas de poesía; fue convocada en varias ocasiones a integrar jurados internacionales; su labor ha sido reconocida en todo el mundo de lengua española y, cada vez más, fuera de él».
Ida Vitale tiene 95 años, representa la poesía esencialista y es quizás la última representante de la “Generación del 45” que conformaron, entre otros, Juan Carlos Onetti, Carlos Maggi, la salteña María Inés Silva Vila, Mario Bendetti, Mario Arregui, Amanda Berenguer, Idea Vilariño.
Más allá de insistir, como se viene haciendo en las últimas horas, con el orgullo que significa para el Uruguay el “Premio Cervantes” (hasta ahora solamente un uruguayo lo había obtenido: Juan Carlos Onetti, en 1980), nos parece bueno cerrar esta nota con las siguientes palabras del poeta Rafael Fernández Pimienta: “Espero que el aumento de lectores de poesía sea proporcional a los festejos por el merecido Cervantes que ha recibido Ida Vitale”.
Y por supuesto, mejor aún nos parece celebrar leyéndola, desde ya:

FORTUNA
Por años, disfrutar del error
y de su enmienda,
haber podido hablar, caminar libre,
no existir mutilada,
no entrar o sí en iglesias,
leer, oír la música querida,
ser en la noche un ser como en el día.
No ser casada en un negocio,
medida en cabras,
sufrir gobierno de parientes
o legal lapidación.
No desfilar ya nunca
y no admitir palabras
que pongan en la sangre
limaduras de hierro.
Descubrir por ti misma
otro ser no previsto
en el puente de la mirada.
Ser humano y mujer, ni más ni menos.

GOTAS
¿Se hieren y se funden?
Acaban de dejar de ser la lluvia.
Traviesas en recreo,
gatitos de un reino transparente,
corren libres por vidrios y barandas,
umbrales de su limbo,
se siguen, se persiguen,
quizá van, de soledad a bodas,
a fundirse y amarse.
Trasueñan otra muerte.

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Jorge Drexler fue el gran ganador de los premios Grammys Latinos que se entregaron el jueves en Estados Unidos

Los ganadores de los Grammy Latinos 2018, la lista completa premios en la 19 edición de los galardones

Los premios Grammy Latinos se entregaron este jueves en Las Vegas en una gala donde triunfó Jorge Drexler, al llevarse tres gramófonos de oro: canción del año y grabación del año por Telefonía, y mejor álbum cantautor por Salvavidas de hielo. Consulta el listado completo de ganadores: Mejor álbum vocal pop tradicional: El drexlerimperio reguetonero de J Balvin. Rosalía, el fenómeno más exótico de los premios. Hazte sentir, de Laura Pausini.
Mejor álbum de salsa: 25/7, de Víctor Manuelle. Mejor fusión / Interpretación urbana: Malamente, de Rosalía. Mejor nuevo artista: Karol G. Mejor álbum de música norteña: Guerra de Poder, deCalibre 50 y Los ángeles existen, de Pesado (doble ganador).
Mejor álbum del año: México por siempre, de Luis Miguel. Mejor álbum pop contemporáneo: F.A.M.E, de Maluma. Mejor álbum de música urbana: Vibras, de J Balvin. Mejor canción del año:
Telefonía, de Jorge Drexler-
Mejor canción urbana: Dura, de Daddy Yankee, Urbani Mota Cedeno, Juan G. Rivera Vázquez y Luis Jorge Romero.- Mejor grabación del año: Telefonía, de Jorge Drexler. Mejor álbum cristiano (en portugués): Som da minha vida, de Fernanda Brum. Mejor álbum pop contemporáneo en lengua portuguesa: Noturno, de Anaadi. Mejor álbum de rock o múnizsica alternativa en lengua portuguesa: Lenine em trânsito, de Lenine.
Mejor álbum de samba/pagode: Amor e música, de Maria Rita. Mejor álbum de música popular brasileña: Caravanas, de Chico Buarque. Mejor álbum de música sertaneja: Elas em evidências, de Chitâozinho Xororó. Mejor canción en lengua portugesa: As caravanas, de Chico Buarque. Mejor álbum instrumental: Identidad, de Miguel Siso.
Mejor álbum folclórico: Musas, Vol. 2, de Natalia Lafourcade. Mejor álbum de tango: Vigor tanguero, de Pedro Giraudo. Mejor álbum de música flamenca: Al este del cante, de Arcángel.
Mejor álbum de jazz latino / jazz: Naturaleza universal, de Hermeto Pascoal Big Band. Mejor álbum de música de raíces en lengua portuguesa: +AR, de Almir Sater Renato Teixeira.
Mejor álbum cristiano (en español): Setenta veces siete, de Alfareros. Mejor álbum de música latina para niños: Imaginaré, de Claraluna. Mejor álbum de música clásica: Mágica y misteriosa, de Claudia Montero. Mejor obra / composición clásica contemporánea: Luces y sombras. Concierto para guitarra y orquesta de cuerdas, de Claudia Montero.
Mejor arreglo: Se le ve, de Milton Salcedo. Mejor diseño de empaque: Diferentes tipos de luz, de Carlos Sadness. Mejor álbum de cumbia / vallenato: Esto es vida, de Silvestre Dangond. Mejor álbum tropical contemporáneo: Vives, de Carlos Vives. Mejor álbum tropical tradicional: A mi qué – Tributo a los clásicos cubanos, de José Alberto El Canario y El Septeto Santiaguero.
Mejor álbum de fusión tropical: Como anillo al dedo, de Aymee Nuviola. Mejor canción tropical:
Quiero tiempo, de Juan Carlos Luces y Víctor Manuelle. Mejor álbum cantautor: Salvavidas de hielo, de Jorge Drexler: Mejor álbum de música ranchera / mariachi: México por siempre, de Luis Miguel.
Mejor álbum de banda: Los gustos que me doy, de Banda Los Recoditos. Mejor álbum de música tejana: Tex Mex Funk, de Roger Velásquez y The Latin Lengendz. Mejor canción regional mexicana: Probablemente, de Christian Nodal. Mejor álbum de rock: Expectativas, de Bunbury.
Mejor álbum pop / rock: Geometría del rayo, de Manolo García. Mejor canción de rock: Tu vida, mi vida, de Fito Páez. Mejor álbum de música alternativa: Claroscura, de Aterciopelados.
Mejor canción alternativa: Malamente, de Antón Álvarez Alfaro, Pablo Díaz-Reixa y Rosalía. Mejor ingeniería de grabación para un álbum: 50 años tocando para ti, de Rafa Sardina. Productor del año: Linda Briceño.
Mejor vídeo musical versión corta: Pa dentro, de Juanes. Mejor vídeo musical versión larga: En letra de otro, de Pedro Capó.

(EL PAIS DE MADRID)

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En chalet “Las nubes”

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Canto, guitarra, piano, brillante concierto de la Escuela Universitaria de Musica de la UdeLar

El próximo viernes 16 de Noviembre a la hora 19.30 se realizará en el Chalet “Las Nubes”, Monumento Histórico Nacional, el Concierto de cierre de las cátedras de canto, guitarra y piano de la Escuela de Música de la Universidad de la República que se encuentra bajo la dirección de la Prof. Cecilia Latorre Vizconte.
En esta oportunidad, se ofrecerá un selecto repertorio que será disfrutad por el público asistente.
Se invita al público a asistir a este concierto en Chalet “Las Nubes”, Avda. Enrique Amorim 1700-Entrada libre y gratuita.

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Ximena Machiavello al Mundial de Danzas en EEUU

Desde hace algún tiempo se viene hablando bastante en Salto de Ximena Machiavello, la bailarina de 14 años que clasificó para el certamen mundial de danzas a cumplirse en Estados Unidos en los próximos días. xmEl pasado sábado, Ximena estuvo en el programa “Peces de Colores”, de Radio Libertadores. Lo que a continuación compartimos con los lectores de EL PUEBLO es un fragmento de esa entrevista.

-¿Desde cuándo practicás danzas?
Tengo catorce años y hago danzas desde los seis años. Actualmente hago Árabe, Jazz y Ballet.

-Y esto de estar en un Mundial, ¿cómo surge?
Primero surgió la idea de participar de la competencia All Dance, clasificatoria al International Word. Fue un empuje de las compañeras, las profes, y sobre todo mi familia. La idea fue creciendo hasta que acepté, me inscribí y comencé con una coreografía y un vestuario. Hubo dos clasificatorias, una en Montevideo y la otra en Salto, yo participé en la de Salto y obtuve 74 puntos sobre 100, entonces clasifiqué al Word. O te ibas al Internacional en Panamá, o al Word en Estados Unidos.

-¿Qué presentaste para clasificar?
Presenté una coreografía de danza Contemporánea, la idea era presentar Árabe pero pensé que siempre quise hacer una coreografía de Contemporánea, entonces ¿por qué no ahora que tengo la oportunidad?

-Bien…y clasificaste al Word, ¿que será concretamente dónde y cuándo?
Eso será el 19 de este mes en Orlando.

-¿Qué características, al menos en general, tendrá ese certamen?
La competencia All Dance Word va a ser en Orlando y van bailarinas de todo el mundo, de Europa, Sudamérica, África, Asia, Oceanía; son cinco días de competencia todo el día. Así que supongo que serán más de mil bailes a examinar. Yo voy a participar el primer día y el resto de los días los tengo para una especie de cursos intensivos que te los dan también durante todo el día y que también te permiten ganar becas o audiciones.

-Y de esta competencia es que sale un campeón mundial de danzas…
Sí, una ganadora mundial que puede ser una solista, un dúo, un grupo, son diferentes categorías. Sale el grupo campeón, el dúo campeón, el solista campeón. Pero si comparás todas las coreografías, sale un campeón-campeón.

-Se habla mucho estos días del “sueño de Ximena” de ir a EEUU… ¿qué falta para cumplirlo?
Dinero, lo que ahora necesito en realidad es dinero…

-¿Cuánto?
La última vez me dieron la noticia que me faltaban aún 1.710 dólares, pero a través de colaboraciones como rifas, venta de hamburguesas… estamos llegando.
Lo de las hamburguesas se les ocurrió s mis profes y a mis padres, ellos le llamaron Hamburguesa Solidaria, la estuvimos promocionando por una semana más o menos y se vendieron más de 260 hamburguesas, así que fue un éxito.

-Sabemos que desde hace un tiempo tu mamá, Elis Yorio, está radicada en Estados Unidos, suponemos que la vas a ver…
Esa es la idea sí, aparte de ir a bailar y competir, voy al reencuentro con mi madre.
COLABORACIÓN A TRAVÉS DE ABITAB

En el día de ayer, Elis Yorio nos comunicó que ya está habilitada la cuenta de Abitab para colaborar con “Xime Machiavello al Mundial”.
Es la cuenta Nº 94162

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Libros cartoneros confeccionados en la Unidad Número 20

“El sol apaga su luz y
No podemos mirar otro paisaje Ni la lluvia que preña la tierra
Ni la noche que llora luciérnagas.
No se escuchan calandrias
Sólo zumbidos de moscas
Siempre estamos solos y hoy, mucho más
Miro más lejos, no encuentro el horizonte No veo nada, todo es hielo y alambres.
Mis lágrimas se mezclan con la lluvia
Me aferro a ella, esa palabra es una extraña atracción Que ejerce sobre mí
El sonido de la palabra, libertad”
(Ana, Jonathan, Antony, Jerusalén, Diana y William)

EL PAS para la Paz : creando alas ante una sociedad que condena

Personas privadas de libertad escriben sus propias obras literarias en el marco del programa “Aprender siempre”

A una década de implementarse el Programa Aprender siempre – una alternativa educativa que atiende a las personas en contextos de encierro – éste ha recibido el reconocimiento de UNESCO por parte de la Embajada de Corea.
El premio respondió a la labor llevada a cabo en la Unidad No. 20 de Salto donde las personas privadas de libertad llevan su proceso de rehabilitación.
Son tres los talleres que funcionan en el Programa Aprender Siempre; de Escritura, Lectura y Libro Cartonero que llevan adelante la Referente de Lectura María Luisa De Francesco y Valeria Gallino, el Taller “Cuentacuentos” que lo desarrolla De Francesco junto a Selva Blanco y el Teatro del Oprimido a cargo de Leticia Pou y Néstor Chiriff.
El Programa PAS llega como un haz de luz, una fuerza de esperanza para estas personas que atraviesan un momento difícil de sus vidas y desean fervientemente reinsertarse en la sociedad.WhatsApp Image 2018-11-14 at 17.15.36

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Yamandú Canosa, que es Premio Figari a la Trayectoria, representará a Uruguay en la Bienal de Venecia 2019

(12 de noviembre de 2018 |

Escribe: Débora Quiring en Arte | Foto: Marcelo Isarrualde, la diaria)
En los 70, Yamandú Canosa (1954) comenzó a estudiar Arquitectura y, en paralelo, a organizar exposiciones individuales. En esa época, recuerda que el dibujo como disciplina artística se transformó “en una herramienta de comunicación urgente” y disruptiva. Al poco tiempo (1975) se trasladó a Barcelona, y desde ahí se dedicó a trabajar ejes transversales, como la identidad cultural, la memoria y la experiencia, y participó en exposiciones colectivas de museos como el Reina Sofía (Madrid), el Sprengel (Hannover) y el Dalí (Estados Unidos), entre varios otros. En 2011, la Fundación Suñol de Barcelona organizó una importante retrospectiva de sus últimos 20 añoyamandu canosas de trabajo (El árbol de los frutos diferentes), y unos años antes (2007) recibió el premio Pedro Figari en reconocimiento a su trayectoria.
Si el equipo seleccionado para la Bienal 2018 se había propuesto tomar la palabra y comenzar a hablar de temas que creían urgentes, a la vez que se planteaba una posición con respecto a la dimensión cultural de la arquitectura, este nuevo proyecto llamado La casa empática apunta a la historia de los mestizajes y las migraciones, concebida desde la arquitectura y la ubicación geográfica del pabellón uruguayo.
“Para hacer un proyecto como este, que aspira a ser global, como primer gesto me interesó colocar el pabellón uruguayo en el predio de Venecia, y descubrí que se ingresaba por el sur, lo cual es muy significativo”, dice Canosa desde Barcelona. El artista plantea que, frente a la pequeña proporción del pabellón en relación al de otros países, pronto surgió esta propuesta de casa, un espacio que ya se advierte como empático, y luego pensó cómo se podría adjetivar la palabra con una serie de ideas en las que ha estado trabajando estos últimos años, vinculadas al territorio, el paisaje, la cartografía y la transversalidad.
El proyecto, dice, incluye una intervención en la fachada del pabellón, a partir de cuatro planos de color, con cuatro imágenes, “que es como un anuncio de lo que se encontrará adentro”: en el interior “se entienden las claves enigmáticas, y se dibuja un paisaje que se estructura alrededor de la línea del horizonte que atraviesa los cuatros muros, y propone un paisaje global. Así, en cada muro hay un color que lo diferencia y que cuenta con un plano que hace de territorio, que está acotado por una frontera pero se trata de una frontera fallida; esta es la hipótesis utópica que proponemos”.
Así es como Canosa, combinando múltiples técnicas, diseñó un proyecto sobre cuatro muros que se armonizan con el horizonte, ya que este “es la bisagra que organiza todas las imágenes”. Allí, el visitante encontrará fotos, dibujos, óleos y una gran diversidad de tipologías formales. “Hace unos años hice una exposición retrospectiva que se llamaba El árbol de los frutos diferentes, y el nombre se refería a que cada obra y disciplina era distinta. Me gusta contextualizar y contraponer fotografías con dibujos, con pintura, con dibujos murales, con frases, para que, todo junto, conforme un paisaje diverso”. Por eso, advierte que él no es un purista de la disciplina: “Utilizo aquella con la que me siento a gusto, y las voy mezclando, porque el cruce de disciplinas y estilos nombra la complejidad de la realidad a la que nos enfrentamos cada día. Ya que es compleja, y no unitaria, como a veces puede sugerir algún estilo artístico, que parece reducir la realidad a una sola versión, cuando los input que recibimos siempre son dispersos, diferentes y contradictorios. Esa tipología de mi experiencia con la realidad y con la vida intento que también aparezca en cómo yo enfrento la creación”.

Urgencias
Sobre los 70, dijiste que era necesario dibujar y construir sentido para sobrevivir instintivamente. ¿Esto se continúa en el presente?
En su momento, en Uruguay hubo una generación nueva que buscaba con urgencia. En ese sentido, en los últimos años el dibujo ha tenido un repunte muy importante como disciplina, y vuelve a ser un sitio en el que la inmediatez se convierte en una relación mucho más directa que todos los procesos que hay detrás de ciertas psicologías. Estamos en momentos de urgencias, y es necesario buscar atajos de comunicación. En cuanto a esta instalación, esperamos que interactúe de un modo fresco y que el espectador pueda ingresar a esa construcción de sentido –abierto– que proponemos, para que así comunique. Y es que el arte, de por sí, cuenta con una vocación empática; se construye con la mirada del otro.
Este ejercicio de pensar los vínculos y las tensiones entre el arte y la vida han sido parte de sus búsquedas. Sobre esto, recuerda que hacia fines de los 80 comenzó a ensayar ejercicios que “borraran” su estilo, en una práctica con la que aspiraba a ganar más ámbitos de libertad: “Muchas veces los artistas nos creamos maneras y estilos que limitan y encierran, y por eso en un momento comencé a intentar escapar y a pintar y dibujar también de otra manera. En mis procesos creativos fui buscando las maneras de incorporar esas diferencias, esas estrategias formales a veces contradictorias. Pero no se trata de la libertad por la libertad o de hacer cualquier cosa que se te ocurra; todo esto debe estar dentro de un aparato conceptual que lo sustente y que vaya construyendo fragmentos de una realidad compleja. Este fue un proceso muy lento y al principio costó que se comprendiera, pero con el tiempo los que siguen mi trabajo se acostumbraron a ese plasticismo formal y al modo de abordar cada obra. Lo importante es que se juntan en un sitio preformal y su formalización es diferente en cada ocasión, aunque, claro, siempre es el otro el que acaba la obra”.
¿Cómo trabajar estos márgenes? El artista reconoce que otro de los aspectos que se mantienen a lo largo de sus obras es la construcción del lugar, la experiencia del migrante, el construir desde el lugar mestizo. “No sólo es una decisión estética y formal, sino que se cruza con la construcción del mundo más allá del arte. En ese sentido no te diría que es angustioso, sino que quizás es la manera más cómoda que tengo de explicar mi lugar en el mundo y la construcción de ese lugar. Por eso soy tan defensor de la complejidad, porque la experiencia del migrante está vinculada a ella”.
Y así, a partir de la búsqueda de nuevas disciplinas, se acercó a la fotografía. Pero aclara que no es fotógrafo, ya que sólo fotografía; transmite imágenes, iconografía. “Todos los artistas visuales tenemos un resorte óptico en la mirada que nos hace tomar microfotos mentales constantes, y vamos encontrando composiciones o resquicios de sentidos en cosas que son cotidianas. En ese sentido, la fotografía tiene la particularidad de capturar encuentros iconográficos. Y nunca produzco las fotos, son testimonios de miradas. Cuando se cruza una fotografía y un dibujo se da un diálogo muy bonito porque se crea una narrativa, y ese contrapunto que hay entre una y otra disciplina me interesa muchísimo. Y no soy capaz de hacer video y proyección, si no también lo sumaría”.
Para él, una cosa es fotografiar, pintar o dibujar en el estudio –“muchas veces voy haciendo varias cosas al mismo tiempo”– y otra es la obra instalada, ya que en ese momento es cuando se construye la narrativa. Por eso, le interesa que una obra dialogue con la que está al lado y con las demás, pero que en ese recorrido el espectador siempre deba hacer un reset continuo de eso que está viendo: “Una obra le habla desde una disciplina y la otra desde una disciplina distinta, o de la misma pero desde una tipología formal muy diferente. El fin es que la mirada nunca se acostumbre y que esté siempre atenta, que no se adormezca la percepción. Me interesa que la interactividad que establezcan mis instalaciones sea de continua alerta, porque cada obra te vuelve a despertar la atención, y nunca te podés relajar porque no has visto esa tipología en las obras anteriores. O sea que se renueva continuamente. Ese lío también nos habla de lo que se da en la realidad. Y el contrapunto también es muy importante para valorar, porque dos cosas distintas se pueden valorar mutuamente, pero si son iguales, están de acuerdo. Se valora en la diferencia. El acostumbramiento adormece, pero el otro siempre es diferente, y por eso es necesario acostumbrarse a esto y empatizar con él”.
Cuando reflexiona sobre su producción, en muchas ocasiones se refiere a una “geografía del imaginario”, jugando con la idea del paisaje y con la contradicción implícita de estos términos; plantea que por un lado está la geometría, que pertenece al mundo de lo concreto y de la lógica, y por otro el imaginario, “que pertenece a un territorio mucho más ambiguo y que tiene que ver con cuestiones más vinculadas a la subjetividad. Y se parece al inconsciente óptico, que es un concepto del arte que me interesa muchísimo, porque habla sobre cómo nuestra manera física de mirar construye nuestra subjetividad. Un viaje desde lo físico a todas las subjetividades; es nombrar al cuerpo como objeto subjetivo. Y la geometría del imaginario también va por ahí”.

(Publicado en: la diaria)

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El túnel que todavía se sigue cavando, Operación Estrella: protagonismo femenino en el mundo de los tupamaros

Josefina Licitra y la Fuga de Cabildo

En el conjunto de libros sobre la cárcel política en Uruguay 38 estrellas, La mayor fuga de una cárcel de mujeres de la historia, de la periodista argentina Josefina Licitra tendrá un lugar si no pionero, original. Razones no le faltan porque narra una historia extraordinaria: la fuga de 38 guerrilleras por un túnel excavado desde el exterior de Cabildo, una cárcel administrada por monjas, en el medio de Montevideo. foto cultura

En la mayoría de la abundante literatura sobre el MLN-Tupamaros el protagonismo es de los hombres y esta, en cambio, es una historia de mujeres. Además, Licitra refiere asuntos de los que habitualmente no se habla en los libros del género, por ejemplo la posición subalterna de las militantes en el MLN, al que pertenecían casi todas las fugadas, y la sexualidad –más precisamente la homosexualidad- en las organizaciones guerrilleras y entre las presas políticas.
En las entrevistas que ha dado, la autora subraya que su interés por la historia nació justamente de que se trataba de un episodio en el que las mujeres estaban en el centro. Buscó información del episodio en internet y solo encontró vacío. Ella, en parte, lo explica porque dos meses después de la “Operación Estrella” ocurrió la masiva fuga de presos de la cárcel de Punta Carretas conocida como “El Abuso”. Su impacto no solo opacó el más modesto de Cabildo sino que convenció al presidente Pacheco Areco de confiarle a las Fuerzas Armadas, a través de las llamadas Fuerzas Conjuntas, la dirección de la lucha antisubversiva. La autora sostiene que el olvido no obedeció solo a razones circunstanciales. El silencio sobre la fuga le reveló una condición histórica: “sucedió en un tiempo en el que las mujeres eran vistas, incluso en los movimientos de izquierda, con un prisma que las llevaba al redil de las ‘pequeñas cosas’”. Como ejemplo de ello están las Actas Tupamaras que refuerzan en la organización política el rol subordinado que la sociedad asignó a las mujeres: eran buenas como correo, para dar apariencia de normalidad y cobertura a un local, en la relación con el vecindario y como sostén afectivo de los militantes varones. Y aunque el documento les reconoce su capacidad militar (“la mujer suele ser un buen soldado”) de hecho les negó la de dirigentes.

RELATO CORAL

El texto de Licitra se distingue por una eficiente combinación del suspenso propio del relato policial con una gran sensibilidad y talento para registrar la riqueza y variedad de las historias de vida que recoge. Es una obra coral en la que para retratar a sus personajes a la autora le importa tanto la trayectoria militante como la personal. Las que se van a fugar son jóvenes que se unieron a la lucha armada, que conocen las privaciones de la vida en la clandestinidad, que participaron en acciones militares; también son mujeres con amores intensos y contrariados, que tienen hijos (o han decidido no tenerlos) y algunas ya son viudas de militantes caídos en enfrentamientos con la policía. Cabildo concentraba a los principales cuadros femeninos de la organización: Graciela Jorge, sumada a la militancia estudiantil desde Paysandú, muy cercana a Raúl Sendic; Alicia Rey Morales, respetada militante (Licitra lamenta no haber podido entrevistarla) quien un año después de la fuga se plegó al pacto que su marido, Héctor Amodio Pérez, hizo con los militares y se esfumó para siempre; las gemelas Topolansky (la autora siente una franca simpatía por María Elia, “la Parda”, como la llaman sus compañeros, uno de los personajes más destacados del relato). También estaba Mirtha Fernández, viuda reciente de Fernán Pucurull, muerto de un balazo en el cuello cuando huía de una ratonera, y Yessie Macchi, quien ya se había fugado una vez de Cabildo y volvió a ser de la partida. Por fuera del grupo de tupamaras pero unidas a ellas, las anarquistas. Una joven Elena Quinteros elige no fugarse para no pasar a la clandestinidad (“yo quiero volver a la actividad sindical”, argumenta) y una aún más joven América García, tampoco se va por el túnel. Madre con 20 años, esperaba a su segundo hijo, una niña que nació y murió poco después en el Hospital Militar, en un confuso acto de mala práctica. El interés de Licitra por el mundo de las mujeres no se circunscribe a las presas, también se detiene en las carceleras. Seres grises y de edad indefinida (“Todas las monjas tenían esa cualidad: parecían flotar en una bruma de tiempo, como si la ausencia de pecado las hubiera arrojado a un devenir seco de todo, también de materia”). La cárcel que muestra 38 estrellas tiene una fuerte marca de género: como si quisieran demostrarle a las presas que en el pecado se lleva la penitencia, las carceleras obligan a estas jóvenes rebeldes que se salieron del hogar a cumplir con todos los ritos y clichés femeninos: deben vestir pollera, guardar silencio y hacer labores. Tienen prohibido fumar, tomar mate y escuchar la radio.

FORTALEZA Y DEBILIDAD

El hecho de que el “Operativo Estrella” no haya sido un episodio transitado por la literatura testimonial (a excepción del libro Historia de 13 Palomas y 38 estrellas que Graciela Jorge publicó en 1994 y tuvo circulación reducida), ni por el cine, benefició a Licitra porque como ella apunta sus entrevistadas ofrecieron una narración llena de matices, contradicciones y complementaciones, condición que pierden los testimonios, cristalizándose, a fuerza de repetirse. La autora obtiene testimonios francos que se atreven a una mirada autocrítica con un asunto tabú en la historia de las presas políticas: el embarazo en la cárcel de Yessie Macchi, producto de la relación fugaz y clandestina con un compañero de cautiverio, tema que ya había sido trabajado en otro libro pionero, Las rehenas, notable trabajo de Marisa Ruiz y Rafael Sanseviero (Fin de Siglo, 2012). Donde 38 estrellas exhibe ligerezas es en la información sobre hechos y personajes del país y la época. Los ejemplos son numerosos: el fundador del Frente Amplio aparece como Leonel Seregni; los trabajadores azucareros de Bella Unión, los “peludos”, son campesinos explotados por empresas extranjeras, entre otros errores, que con seguridad se hubieran evitado, con una documentación y verificación de datos más rigurosa. 38 ESTRELLAS, LA MAYOR FUGA DE UNA CÁRCEL DE MUJERES DE LA HISTORIA, de Josefina Licitra. Seix Barral, 2018. Montevideo, 190 págs. Distribuye Planeta

(EL PAIS CULTURAL)

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¡Y resulta que Eloísa Esquiú Barroetaveña era Julio Garet Mas!

Decimos Segunda Parte porque ya el pasado domingo y bajo este mismo título nos ocupábamos del tema. Explicábamos hace una semana que acaba de publicarse una reedición del libro “Parnaso Femenino – Breve florilegio de poetisas argentinas contemporáneas”, que había aparecido por primera vez en 1936, en Argentina y con el nombre de Eloísa Esquiú Barroetaveña como autora. Pero que en la reedición de ahora, de Ediciones Aldebarán, a cargo de Leonardo Garet, aparece por primera vez aclarado que ese nombre no es más que el seudónimo que para esa ocasión utilizó su padre, el poeta Julio Garet Mas (Montevideo, 1899 – Salto, 1984), cosa que mantuvoEl-libro en secreto toda su vida. Es decir, Eloísa Esquiú Barroetaveña nunca existió. Pero también adelantábamos hace siete días, que este libro es un caso absolutamente novedoso, que encierra una historia mucho más rica que la de sus páginas (en las que aporta datos biográficos y una selección de poemas de 21 poetisas argentinas), no solamente por el descubrimiento de que el nombre de la autora era el seudónimo de Garet Mas, sino por lo curioso hasta del origen de ese nombre de mujer inventado. En la siguiente explicación dada por Leonardo en el prólogo, verán ustedes, lectores, que todo parece una verdadera novela: “En una ciudad del norte argentino en donde había estado varias semanas, mi padre se encontró con un caso de rivalidad y encono irreconciliables entre dos familias. Tan extemporánea versión de los Montescos y Capuletos de Romeo y Julieta, le sugirió darle un giro insospechado y concibió a Eloísa –nombre histórica y legendariamente asociado a Abelardo, para cantar con ella el triunfo del amor por sobre los prejuicios sociales – uniendo, para desconcierto de la ciudad y la provincia, el apellido de las dos familias irreconciliables, Esquiú Barroetaveña. Nunca se aclaró el caso y él lo guardó con llave. Pasados casi ochenta años de la publicación, la hostilidad entre las familias debe haber cesado, los descendientes no recordarán el caso y a nadie le importará o afectará el tema. De cualquier forma la aclaración que se realiza podría significar una retroactiva tranquilidad de conciencias. Pasados treinta y cuatro años de la muerte de mi padre, Eloísa se saca la máscara y las poetas que él había elegido, vuelven a tener sus voces juveniles”.

A esto agreguemos, que resulta más que simpático y risueño leer varias de las cartas y notas de prensa (también incluidas en esta reedición) en las que destacados intelectuales de la época, felicitan por el libro a la “Señorita Eloísa Esquiú Barroetaveña”. Por ahora, a este nuevo libro (en reproducción facsimilar de aquel de 1936) sólo nos resta augurarle el mayor éxito, en divulgación y lecturas. Por un lado, porque significa un grandísimo aporte al estudio de la literatura argentina; por otro, porque en tiempos donde todo el mundo, por mínimo y hasta a veces intrascendente que sea lo que haga, quiere ganar protagonismo a cualquier precio, Garet Mas tuvo la enorme humildad de no querer inscribir su nombre en este valiosísimo trabajo. Simplemente, merece que se lo aplauda de pie.

LIBRETA DE APUNTES
UNO: En próximas ediciones estaremos compartiendo con los lectores de EL PUEBLO un interesante artículo que nos enviara especialmente para esta página el periodista y escritor salteño, radicado en Carmelo, Daniel Abelenda Bonnet. El tema es la llamada “Ley de Trabajo Obrero”, o “de las 8 horas”, de cuya entrada en vigencia se cumplirán próximamente 102 años (aprobada por el Parlamento el 17 de noviembre de 1915, entró en vigencia el 1º de enero de 1916).
DOS: Vale recordar que está abierta la muestra fotográfica “Horacio Quiroga – Del banquete a la selva – Fotos de una vida”, muestra pertenece al acervo de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, de Argentina, selección de fotografías que pertenecieron a María Elena Bravo, segunda esposa de Quiroga. Lugar: Casa Quiroga (Avda. Líber Seregni y Maciel). Horario de visita: de lunes a viernes de 10 a 19:30 y sábados de 14 a 19 horas. Abierta hasta el 30 de noviembre.
TRES: Hemos recibido la información que por estos días está cumpliendo 100 años de vida la Biblioteca “José Enrique Rodó”, de Juan Lacaze, departamento de Colonia.
Vaya desde aquí el afectuoso reconocimiento a quienes aportaron y aportan a la noble tarea de preservarla, en especial a su Comisión Directiva, presidida actualmente por Juan Cervantes.
CUATRO: Un día como el de ayer, pero del año 1834, nacía José Hernández, autor del clásico rioplatense “Martín Fierro”. En su homenaje, cada 10 de noviembre se festeja en la Argentina el Día de la Tradición.

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El asesino y sus vacíos: historia apenas contada, una novela que está basada en entrevistas a un serial killer porteño

Entre noviembre de 2014 y diciembre de 2015, cada quince días el escritor Carlos Busqued (Presidencia Roque Sáenz Peña, Chaco, Argentina, 1970) visitó en el hospital psiquiátrico del recinto penal de Ezeiza a Ricardo Melogno, quien en la primavera de 1982, en el barrio bonaerense de Mataderos y en menos de una semana, asesinó a cuatro taxistas de sendos balazos a quemarropa y en la cabeza. Melogno tenía por aquel entonces veinte años, hacía un tiempo que vivía en situación de calle, había estado al frente de un expendio de leche y pan que le había puesto su padre, había pasado por la colimba, había estado nueve meses preso por encubrimiento en un batallón y, por ello, se había salvado de ir a las islas Malvinas cuando Leopoldo Galtieri le declaró la guerra al Reino Unido.FOTOCULTU
Si bien el modus operandi de Melogno era simple y fue reiterativo, la policía no pudo encontrar un móvil para las muertes: el homicida se quedaba solo con los documentos de las víctimas, pero no robaba dinero ni otras pertenencias. Sin pistas, los casos se resolvieron de forma expeditiva: días después de los asesinatos, uno de los hermanos de Melogno se presentó en Tribunales, pidió hablar con Miguel Ángel Caminos, el juez de la causa, y le dijo quién era el asesino y dónde podía encontrarlo.
El muchacho venía de una familia disfuncional: padre ausente, madre mística y golpeadora (“Mi madre usaba la religión como arma: me recagaba a palos pero me decía que no me pegaba ella, era que Dios me castigaba a través de ella”), una adolescencia sin expectativas, secundaria incompleta, intentos de suicidio, los primeros delirios, los primeros conflictos con lo real. En 2014, más de treinta años después de su detención, el equipo terapéutico que lo atendía le sugirió que escribiera la historia de su vida como forma de organizar sus recuerdos. Entonces pidió para hablar con alguien que lo ayudara.
ESA AVENTURA DE LO RARO.
En 2008 una novela de Busqued, Bajo este sol tremendo, resultó finalista del Premio Herralde y fue publicada ese mismo año. Es la historia de un hombre que debe viajar a Lapachito, un desolado pueblo chaqueño, a reconocer los cadáveres de su madre y de un hermano, asesinados por el concubino de la mujer. La crítica recibió con halagos el libro, destacando la crudeza de un relato cruzado por una fantasmagoría funesta, acaso excesiva. El año pasado el director Adrián Caetano la adaptó al cine bajo el título de El otro hermano, con las actuaciones de Daniel Hendler y Leonardo Sbaraglia (“Cuando la vi, dije: No pueden ser tan hijos de puta”, le contó el escritor a Malena Rey, periodista de Los Inrockuptibles. “Es como que te hubieras comprado una suprema napolitana con papas fritas y le sacás el queso, la salsa, el orégano, las papas, la suprema. ¿Para qué compraste mi novela si podrías haber escrito la misma mierda con los guionistas de mierda que tenías?”)
Diez años tardó el autor en volver a publicar, y lo hizo con Magnetizado, el libro que recoge más de noventa horas de diálogo con un hombre que con seguridad no saldrá con vida de la cárcel. “No es una novela”, sostiene Busqued en la misma entrevista. “Tampoco es una crónica. Es un relato con un origen no novelesco. Tiene un lugar medio incómodo, difuso. Necesitaba encontrar qué era lo que justificaba la existencia del libro. Y me terminé decidiendo por la extrañeza, esa aventura de lo raro que vive él. Ese creo que es el aporte genuino.”
El volumen se abre con una breve entrevista al juez Caminos, continúa con una síntesis de lo conversado con Melogno (algo más de cien páginas de unas iniciales quinientas), y se cierra con una docena de páginas en las que M.R., una psiquiatra que lo atendió durante siete años en la Unidad 20 del Hospital Borda, intenta trazar un diagnóstico y, producto de la confusión que este sigue provocando ante toda aproximación clínica, finalmente arriesga sin demasiada convicción un dictamen de parafrenia, cuadro en el que conviven delirios psicóticos y conductas en apariencia normales.
«YO TENGO UNA HISTORIA».
Melogno recorre y reconstruye episodios de su juventud y de sus interminables años en prisión, él también sin poder explicarse a cabalidad el porqué de sus cuatro homicidios (“Yo tengo una historia. Esa historia tiene muchos vacíos, que fueron llenados por forenses, psiquiatras, médicos. Yo acepté ese relleno de los demás”). Los recuerdos, no obstante su falta de sentido, son vívidos y aparecen en su discurso sin conmoción aparente. Las noches de los asesinatos son evocadas en sus mínimos y arbitrarios detalles (pasa todo el día en un cine de barrio, en determinado momento sale a caminar, se detiene en una esquina, elige al azar el coche que abordará, da una dirección más o menos cercana, mata al llegar a destino, fuma en el interior del taxímetro, va a cenar y por último vuelve al descampado donde duerme hasta el día siguiente).
Los fragmentos más desgarradores del libro son los dedicados a dar cuenta del inhumano tratamiento psiquiátrico al que fue sometido desde su detención. En el Borda permanece desde 1987 a 2011, para ser trasladado luego a Ezeiza. Semanas enteras de tres inyecciones diarias, recluido en una celda de metro y medio por dos y una plancha de cemento por cama; insulinoterapia, Halopidol, Rohipnol, Rivotril, Artane, partes de un coctel que por años le fue suministrado por un sistema penitenciario infame.
(EL PAIS CULTURAL)

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