Fue más que una obra de teatro. El público aplaudiendo de pie reconoció la trayectoria de las nueve divas argentinas que se presentaron en el Larrañaga.

 

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Adriana Aguirre, Naanim Timoyko, Noemí Alan, Beatriz Salomón, Patricia Dal, Silvia Peirou, Sandra Smith, Pata Villanueva y Mimí Pons, nueve divas de la televisión y el teatro argentino desplegaron todo su glamour y encanto sobre las tablas del teatro Larrañaga como solían hacerlo hace más de treinta años en los más grandes teatros de Buenos Aires.
La obra “Extinguidas” de José María Muscari, que se estrenó en Salto la noche del sábado, llegó a un público que las vio y las admiró durante la década de los 80 y 90 y las aplaudió de pide, por la obra en sí pero también en reconocimiento a la basta trayectoria de cada una de ellas.
Previo al espectáculo, las artistas argentinas brindaron una conferencia de prensa en Salto Hotel y Casino donde charlaron largo y tendido con la prensa local que las aguardaba y entre risas y chispazos entre ellas, brindaron una conferencia que de por sí misma fue todo un espectáculo, dando cuenta el porque fueron grandes estrellas y porque volvieron a brillar.

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César…

Este jueves último falleció el arquitecto, el artista plástico (a él le gustaba definirse como “artistaplasticoaquitecto”)… falleció el “Ojito” César Rodríguez Musmanno, el que dejó tantas obras en Salto y en tantas otras partes del mundo, el que le gustaba como a pocos el mostrador de boliche (en cada regreso a Salto tenía siempre un tiempo para la pasada por El Pibe o El Vasco) y allí, copa mediante, además de leer diarios, conversaba con quien se acercara, sobre los más diversos temas: arte, política, actualidad del país en general, con esa sencillez que como tantas veces se ha dicho, es característica de los espíritus más grandes. Falleció el ideólogo de importantes edificios para esta ciudad y el creadorCésar de inolvidables murales (el muralismo era para él uno de los caminos de su tan ansiada “democratización” o “apertura de cultura para todos”).
Cuando hace unos años me tocó emprender la tarea de llevar adelante la dirección de una revista de crítica sobre temas culturales, tuve con César algún que otro enfrentamiento de ideas bastante duros, pero fue (¡y qué falta que hace eso ahora!) una pugna con mucha altura de la que, al menos yo, salí enriquecido. Después, él con su parecer y sus argumentos y yo con los míos, seguimos viéndonos, saludándonos, respetándonos, como debe ser. Esas son las cosas que demuestran caballerosidad, algo que también debe destacarse de César.
El apodo del afecto, “el Ojito”, resuena en todo salteño
Mucho se está hablando y escribiendo por estas horas sobre su vida y su obra. En el caso de esta página de Cultura de EL PUEBLO, no será esta la única nota que le dediquemos. En tanto hoy, como homenaje, hemos seleccionado los siguientes datos, extraídos de la solapa del libro “Primeros años del siglo XX” (Tomo Nº 12 de la Colección Escritores Salteños, 2007), preparado por el Ac. Leonardo Garet:
“César Rodríguez Musmanno nació en Salto el 5 de setiembre de 1927. El apodo del afecto, “el Ojito”, resuena en todo salteño que conoce la trayectoria de este hombre que ha recorrido el mundo con su mensaje de formas y colores; artista plástico, arquitecto y docente, aprendió los primeros trazos con José Cziffery y José Echave. Cofundador con Julio C. Zino de la Galería de Arte (Estudio 2). Trabajó en Salto intensamente como artista plástico y como arquitecto. Fue director de obras y director de planificación de la Intendencia Municipal de Salto. En 1965 inició su experimentación de “integraciones plásticas”, en 1980 se radicó en Montevideo. Ejerció la docencia en la Facultad de Arquitectura y en la Universidad del Trabajo. Ha realizado innumerables exposiciones de sus obras, individuales y colectivas. Recibió distinciones en Salones del Interior y en la Bienal de Salto. Publicó con Leonardo Garet, el libro “Bares en lluvia” (2004). Socio Honorífico de CUAP-AIAP-UNESCO, Presidente de la Comisión Uruguaya de Artistas Plásticos. César se encuentra en plena y renovada actividad creadora”.

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Se presentó en conferencia de prensa la obra teatral “extinguidas” que se estrenará esta noche en el teatro Larrañaga

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Elenco de la obra “extinguidas”

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Arq. Ana Lucía Cocco obtiene 2do. Premio General en la Fiesta de la Patria Gaucha 2017

La arquitecta salteña Ana Lucía Cocco recientemente fue acreedora del 2do. Premio en el concurso de diseño de fogones realizado en la nueva edición de la Patria Gaucha llevado a cabo en el departento de Tacuarembó
Se trató del Puesto-Posta “San Borja”, Estancia Nuestra Señora de los Tres Reyes del Yapeyú inspirado en la ambientación de fines del siglo XVII y principios S. XVIII. Ubicación: Vaquería del Río Negro, Banda Oriental del Ríosegundopremio001 Uruguay entre ríos Queguay Grande y Negro. El diseño es de carácter genérico, en base a documentos de textos de la época.
El Fogón de Curtina obtuvo el 2º Puesto General en la Fiesta de Patria Gaucha 2017, y su representación del puesto Jesuita de San Borja obtuvo el 2º puesto en doce aparcerías participantes.
La Fiesta de “ La Patria Gaucha” se realiza anualmente en el mes de marzo en la ciudad de Tacuarembó, y es organizada por la Intendencia Municipal. Tradicionalmente, la locación del evento ha sido la Laguna de las Lavanderas en los accesos a la ciudad.
Su edición Nº 30 del año 2016 convocó ochenta mil personas entre nacionales y extranjeros, atraídos por su Festival de Música folklórica y su “Gran Premio Patria Gaucha”, evento por el cual se compite en varias categorías: fogones que recrean escenarios de los siglos XVIII al XX incluyendo concurso gastronómico de época, diversas pruebas de campo, desfile de caballería, elección de personajes como La Flor del Pago, Paisanito y Paisanita. La ciudad también se hace presente ya que la comisión organizadora de la fiesta conjuntamente con la Asociación Empresarial de Tacuarembó, invitan a los comerciantes a participar en el “Concurso de Vidrieras” en el centro de la ciudad.
PROYECTO ARQUITECTÓNICO
El Proyecto Arquitectónico propone la recreación de un sector significativo del puesto: el centro espiritual representado en su Capilla Menor y su área común de Plaza, con edificaciones complementarias que albergan actividades de la vida diaria como el Rancho Cocina, el Rancho-Despensa, los corrales, el Cementerio, el Fogón, etc. No se incluyeron las viviendas de las familias Tapes por razones de espacio, ya que normalmente se construían algo alejadas de la Capilla; de todos modos, los ranchos de fajina de Cocina y Despensa son representativos de su tipología y técnica constructiva.
Partido Arquitecónico e Implantación
El Fogón se encuentra en el Lote Nº 6 dentro del predio de la Laguna de las Lavanderas.
El Partido Arquitectónico es una recreación libre basada en relatos descriptivos de la época, y manifiesta la influencia del trazado de los Pueblos Misioneros a los cuales pertenecían: la implantación de las construcciones sigue una Planta en forma de “U” dejando al centro un espacio abierto común, ubicándose en forma estratégica con respecto al curso de agua (simbolizado por la Laguna) como defensa, vía de comunicación y control de abastecimiento de agua.
Todas las zonas en contacto con el terreno circundante se cerraron, ora con muros de piedra o se protegieron con cercos de palos de monte.
La optimización de los recursos materiales disponibles se evidencia en la utilización de los elementos constructivos en piedra, tanto en el exterior de las construcciones como en el interior.
En el exterior: observando desde el frente al fondo del predio, sobre la medianera derecha, el muro de piedra se constituye en forma continúa en límite del terreno, parte del testero en la vivienda del Sacerdote, testero principal en la Capilla y cerco en el corral:
Todos los materiales de construcción son locales, tal como podrían encontrarse en la época: piedra arenisca, paja, ladrillos de adobe cocido, morteros de adobe crudo pisado en sitio, troncos de monte, cañas tacuaras, cueros de vacunos, canastos tejidos vegetales, tientos de cuero, etcétera.
Otros materiales, equipamientos, o utensilios presentes, tales como tejidos de algodón, vestimenta, menage, herramientas, instrumentos musicales y libros podían fácilmente traerse del Casco de la Estancia a la que pertenecía el Puesto o intercambiarse con otros Pueblos Misioneros.
Técnicas Constructivas
Se respetaron las Técnicas Constructivas Tradicionales de la época en piedra, construcción de paredes en ladrillos de adobe cocido asentado con mortero de barro crudo y Fajina (paja y tacuara revestida en barro crudo). Los techados se realizaron sobre cerchas de troncos cubiertas por quinchados de paja, o caña tacuara cortada sobre troncos de desmonte.

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“Padres por una infancia feliz” promueve muestra fotográfica en pasaje del Mercado 18 de Julio

Un grupo de padres denominado “Padres por una infancia feliz” presentó a la Fundación Salto Grande un proyecto vinculado a la sensibilización de los derechos del niños enfocados en las capacidades diferentes y la inclusión.
El proyecto que fue aprobado consiste en una muestra fotográfica que se llevó a cabo en uno de los pasajes del Mercado 18 de Julio que fue inaugurada el pasado 21 del corriente conmemorándose el Día Mundial del Síndrome de Down. Los niños protagonistas de la muestra fueron Emilia, Fabricia, Florencia, Alejo, Matías, Octavio, Juan Diego, Benjamín, Bautista y Luciano. El proyecto desde su origen apuntó a una filosofía integradora y la primera reunión con el grupo de padres se hizo con las autoridades de la Intendencia a fin de que la muestra tuviera carácter itinerante. El Director de Cultura Mtro. Jorje de Souza en el marco de inauguración destacó el doble propósito del proyecto que fue emprendido por los padres ya que el espacio pretende concientizar acerca de las capacidades diferentes, la inclusión y el compromiso social; también el rol ejecutor de la Intendencia frente a las propuestas. “Somos agradecidos de haber formado parte de esta iniciativa” – enfatizó el jerarca. La temática merece ser visualizada desde un ánimo integrador. La muestra estará a merced del público durante un mes.

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“Somos tan distintos e iguales” Representantes de la Asociación Down de Salto reflexionan sobre los avances de la sociedad en la inclusión de las personas con discapacidad

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Carolina Abogadro y Paola Silva son desde hace varios años integrantes y caras visibles de la Asociación Down de Salto; compartieron una reflexión sobre el comportamiento actual de la sociedad frente a la temática de las capacidades diferentes y la inclusión. Coincidieron en que en estos últimos años se ha dado una mayor apertura y que la ciudadanía en su conjunto se ha mostrado más solidaria y comprometida con esta realidad.
“Considero que en estos años se ha evolucionado para bien; el concepto de discapacidad cambió. Se ha transformado en un concepto social de discapacidad en la cual la sociedad es la que discapacita al otro. Por ejemplo si tengo un problema de movilidad y no tengo un acceso mediante una rampa, es el ámbito o la ciudad que me está discapacitando a mí.” – subrayó Abogadro.
En cuando a la sensibilización de la sociedad frente al tema de la discapacidad, el pasado 21 de marzo – en el marco del Día Internacional del Síndrome de Down se pudo apreciar que varias instituciones educativas se sensibilizaron con el tema.

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Llegaron los nuevos “Power Rangers” al cine junto a una película inquietante de ciencia ficción, “Life: Vida Inteligente”

Muchos que fueron niños hace unos años, han esperado con expectativa la llegada de estos míticos personajes que cada tarde abrían las puertas a la imaginación y a la aventura desde la televisión, y que finalmente hoy se los puede ver en la gran pantalla.
Los “Power Rangers” han logrado sobrevivir a varias generaciones de chicos, cambiando a sus protagonistas de la pantalla chica, y en esta nueva propuesta, se pretende el reencuentro con sus viejos fans en la búsqueda de nuevas generaciones que los sigan en la lucha por la defensa del planeta. La expectativa se fue generando además por una power rangersinteligente y medida campaña publicitaria y de merchandising. Pero la espera terminó, el día llegó, y llegó al Cine de Salto Shopping esta película que viene recogiendo buenas críticas y abriendo las puertas a la llegada de más películas que intenten resucitar definitivamente a los Power Rangers.
SINOPSIS. Billy, Zack, Kimberly, Trini y Jason son un grupo de adolescentes con las típicas preocupaciones de su edad. Pero todo cambia cuando, después de entrar en contacto con un extraño objeto, descubren que tienen superpoderes. De la noche a la mañana, se convierten en en superhéroes, así que deciden aprovechar sus increíbles cualidades para salvar el mundo. Y es que, Angel Grove, la pequeña ciudad en la que viven, y el resto del planeta están en peligro por culpa de una amenaza alienígena.
Los cinco jóvenes se convertirán entonces en los Power Rangers: Billy (RJ Cyler) será el ranger azul, Zack (Ludi Lin) se convertirá en el Ranger Negro, Kimberly (Naomi Scott) se transformará en la Ranger Rosa, Trini (Becky G.) será la Ranger Amarillo y Jason (Dacre Montgomery) el Ranger Rojo. Juntos tendrán que luchar contra la malvada villana alienígena Rita Repulsa (Elizabeth Banks), para evitar que la Tierra caiga en sus garras.
Esta adaptación de la famosa serie de televisión de los años 90 está dirigida por Dean Israelite. Dentro de su reparto encontramos además a Bryan Cranston en el papel de Zordon.
LIFE: VIDA INTELIGENTE
El film arranca con un suntuoso plano-secuencia en plena etapa culminante de una excursión a Marte cuyo objetivo máximo es recoger muestras para dilucidar si existe alguna forma de vida. Allí encuentran una pequeña célula que, una vez estimulada, empieza un rápido proceso de crecimiento, generando festejos y celebraciones.
Pero cuando esa pequeña criatura devenga en una suerte de estrella de mar transparente y con un instinto de supervivencia a prueba de todo, las sonrisas mutarán por preocupación, y la vuelta a casa se volverá bastante más difícil de lo esperado. Ni hablar cuando mute en una suerte de pulpo con tentáculos viscosos.
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El film se ubica lejos del romance meloso de “Pasajeros”, la espectacularidad de “Gravedad” o las disquisiciones filosóficas de “Interestelar”. Por el contrario, elige abrazarse a los tópicos de una historia de terror clásica, con personajes delineados a puro trazo grueso que irán cayendo uno tras otro ante los tentáculos del villano mientras intentan sortear las inclemencias mecánicas y del entorno.
Siempre desesperante, con un ritmo tenso e intenso, y una pátina de corrección política ilustrada en el carácter cosmopolita de la tripulación (norteamericanos, rusos y japoneses), “Life: Vida inteligente” difícilmente sorprenda por su originalidad, pero es uno de esos relatos bien contados, prolijamente filmados y noblemente entretenidos que justifican el costo de la entrada.
SINOPSIS. Roy Adams (Ryan Reynolds), David Jordan (Jake Gyllenhaal) y la tripulación de la Estación Espacial Internacional viajan a Marte con el objetivo de comprobar si las muestras recogidas en el planeta rojo presentan indicios de vida inteligente. Cuando uno de los científicos a bordo examina la única célula encontrada, todo el equipo presencia un hecho insólito: la prueba incuestionable de que hay vida extraterrestre. Ante su asombro, deciden examinar y establecer el primer contacto con el organismo alienígena. Desgraciadamente, el grupo de astronautas descubrirá demasiado tarde que esta forma de vida es más inteligente de lo que esperaban, hasta tal punto que sus vidas podrían estar en grave peligro. Si ese ente microscópico llega a la Tierra podría poner en peligro toda existencia humana. ¿Cuál es exactamente la amenaza a la que se enfrentan? ¿Cómo le harán frente?
Se trata de un thriller de ciencia ficción dirigido por Daniel Espinosa. A los actores mencionados, se suman Rebecca Ferguson, Hiroyuki Sanada y Ariyon Bakare.

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Hará una gira por todo el país con “Extinguidas” en compañía de grandes figuras del espectáculo argentino. Mimí Pons: “Tengo el mejor de los recuerdos y amo profundamente a Uruguay”

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 Mimí Pons en breve en el Larrañaga con “Extinguidas”

Volver a Uruguay – esta vez con la posibilidad de recorrer todos los teatros de nuestro país le causa una gran emoción a Mimí Pons, ya que se remueven las fibras de su ser al recordar sus presentaciones junto a su hermana – la querida y desaparecida Norma Pons, en los escenarios de nuestra capital.
Dejando escapar una afecto muy especial y sin dobleces… Mimí intercambió algunas frases con EL PUEBLO y manifestó su algazara por regalar su presencia en el Teatro Larrañaja junto a grandes figuras del espectáculo argentino como son Beatriz Salomón, Adriana Aguirre, Noemí Alan, Pata Villanueva, Luisa Albinoni, Naanim Timoyko, Silvia Peirou, Sandra Smith y Patricia Dal. Ya desde el inicio de la charla confesó el gran amor que siente por nuestro país e insta a nuestro público a acompañarlas en esta obra de José María Muscari, un acontecimiento para no perderse.

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De “El cementerio universal de los vivos”, pasando por “El cazador de eternidades” hasta “El Río de papel”

Amor, creatividad, tiempo y muerte en la narrativa de Jorge Menoni

En ediciones anteriores dábamos cuenta de la aparición de una nueva novela del salteño radicado en Holanda Jorge Menoni. Se titula “El Río de papel” y es la tercera novela de este autor. Antes estuvieron “El cementerio universal de los vivos” y “El cazador de eternidades”. Exclusivamente para EL PUEBLO, Menoni escribió las siguientes líneas que establecen un paralelismo entre sus novelas:
“Salvo mi primera novela, “El cementerio universal de los vivos”, publicada por la Editorial Sarandí de Diario EL PUEBLO de Salto en 1991 que fue inspirada en viajes a la Europa que acababa de llegar, las dos novelas siguientes, “El cazador de eternidades” y la reciente “El Río de papel” si bien fueron escritas en Ámsterdam, su trama y desarrollo transcurren en mi Sur de nacimiento, teniendo como margen el Río Uruguay a la altura del Salto Oriental.
La temática en las tres novelas se asemeja, tocan temas transcendentales como el amor, la creatividad, el tiempo y la muerte. En determinados momentos se entremezclan en un intento vano por recuperar ese instante perdido del alma humana fuera del tiempo, un instante limpio, el más amado, el que acontece una sola vez.
En el “Cementerio Universal de los vivos” los hechos se desrealizan y el amor, la muerte o las vivencias cotidianas de los personajes tanto alcanzan estados sublimes de conciencia como caen en el descreimiento o se disuelven en la nada, el vacío, la soledad de la existencia, ahogados por sus propios fantasmas interiores. Si el espejo recrea la ficción de las cosas, qué sucede detrás, cundo lo importante no son los sucesos sino su fascinación. Aparentemente la única solución vital es acceder al preciso lugar donde se comunica el deseo con lo realizable, el cementerio universal de los vivos.
“En el Cazador de eternidades”, Menoni se deja guiar por dos de sus obsesiones de infancia, los libros de Jorge Luis Borges y las películas de Norma Jeans. Juntos recorren un triángulo vivencial entre Ámsterdam, Venecia y su Termal Sur de origen en la persecución vana de un testamento primario donde estaría escrito el destino de los humanos o al menos ese ligero atisbo de una última realidad.
Busca a ciegas su historia íntima porque también sabe que esto es justamente lo que no se ve, lo que no se dice, lo que no escucha, lo que aún no se ha vivido, lo oculto de sus propios límites. Lo conocido es su propia trampa, su prisión, el pasado impredecible.
En su reciente novela El Río de papel va aún más allá de sus novelas anteriores y pone en tela de juicio la leve frontera entre sueño y realidad.
La nostalgia lo conduce luego de muchísimos años de ser un habitante del mundo a su lugar de origen donde recrea una historia casi fantástica.
Un escritor, mitad humano, mitad ficción, escapado de las páginas del libro El río de papel, se rebela contra su creador concibiendo otro personaje completamente ficticio, que corroboraría su existencia en el mundo real a través de sus memorias. La línea del río que divide su lugar de nacimiento en dos países será el entorno físico donde este hombre “de papel” tendrá vida propia. Un mundo metafórico y poético en el que alterna con los humanos poniendo en tela de juicio la frontera entre realidad y ficción en una cita con lo fantástico”.
Pasó el Día Internacional de la Poesía y llega el del Teatro
El pasado martes 21 se celebró el Día Internacional de la Poesía. Así fue propuesto en 1999 por la Unesco. El objetivo cada 21 de marzo es “consagrar la palabra esencial y la reflexión sobre nuestro tiempo”. Este evento se recuerda con actos destacados en importantes capitales del mundo como París, Ámsterdam, Berlín y Bogotá. En Europa es llamado Primavera de los Poetas y en Colombia la Común Presencia de los Poetas.
27 de Marzo: Día Mundial del Teatro
En tanto cada 27 de marzo de recuerda el Día Mundial del Teatro. Este año, el mensaje alusivo ha sido escrito por el mexicano Francisco Hinojosa y expresa:
“Sin ninguna experiencia previa, salvo la de haber asistido de niño al teatro, a los diecisiete años dirigí una obra actuada por amigos y compañeros de la preparatoria. Se presentó de manera informal en la escuela y también en una sala más adecuada y abierta al público. La obra se llamaba Ensayo general: tocaba el tema de las drogas y sobre todo, como su título lo sugiere, el del teatro dentro del teatro. Su autor fue mi padre, cuya vocación innata como actor sólo cultivó de joven en algunas funciones de beneficencia. Tampoco continué yo por ese rumbo, aunque seguí siendo lector y espectador. Sin embargo, me reencontraría más tarde con el teatro de otra manera: algunos de los cuentos que he escrito para niños han sido adaptados para llevarse a escena desde hace más de veinte años. Al principio, cuando se trataba de grupos establecidos, pedía que me enviaran una copia de la adaptación para darle el visto bueno. Luego preferí no hacerlo y dar plena libertad a quienes hacen ese trabajo, a sabiendas de que al pasar de un lenguaje narrativo a uno dramático algo tiene que cambiar. Algunas veces he asistido a las funciones. De otras sólo me he enterado por la prensa o por alguna página de internet. A veces se respeta literalmente el texto y a veces sirve como fuente de inspiración para crear una obra basada en él. El cuento que más veces se ha representado se llama La peor señora del mundo, ya sea como espectáculo unipersonal, con títeres o sombras, como lectura dramatizada o bien montado como teatro escolar o profesional. Me ha tocado ver que algunas maestras y maestros se disfrazan del personaje principal para leerlo en el aula: una pequeña dosis de actuación contribuye a acercar el relato a los escuchas. El director de una compañía teatral me contó que alguna vez tuvieron que rescatar a la actriz que representaba el papel protagónico de la furia de los pequeños espectadores que veían en ella la verdadera reencarnación del mal: realidad y ficción se integran en el imaginario colectivo. También he sido testigo del reclamo, en plena función, que hacen algunos niños que conocen el libro cuando los actores siguen un libreto que no se apega a la historia original. Un cuento bien contado en el escenario cautiva sin duda al público infantil y de alguna manera lo transforma. Al salir de la sala en la que fue puesto en escena, el mundo parece distinto: ha sido tocado por la representación, que nos permite ver más allá de lo aparente. Y con frecuencia una reacción catártica opera en el espectador al verse proyectado en algunos de los personajes o situaciones. A diferencia de la lectura en soledad de una historia, cuando ésta salta a las tablas la experiencia cambia: ahora se trata de algo que está sucediendo frente a nuestros ojos y que lo podemos compartir con otros: ya no somos los únicos testigos. El relato cobra vida más allá de nuestra imaginación y de cierta manera nos convierte en sus protagonistas porque depositamos en los personajes nuestras emociones y nuestros miedos, nuestros anhelos y nuestras frustraciones. Ahí pueden reunirse armónicamente la ficción, la música, la danza, el canto, la poesía, el juego, la magia, los malabares y todos los recursos propios del arte teatral: vestuario, iluminación, escenografía, maquillaje, objetos de utilería. La aportación que hace la herencia cultural –con énfasis en la literatura y el teatro– contribuirá a que el niño ejercite su imaginación y encuentre un sentido a la vida”.
Francisco Hinojosa
(Ciudad de México, 1954) es uno de los principales autores mexicanos de literatura infantil. Poco después de completar sus estudios de literatura comenzó a escribir poesía, antes de entregarse a los cuentos y novelas para niños. En 1984 ganó el Premio IBBY por su libro La vieja que comía gente, y ha publicado diez libros más con FCE. Este año fue seleccionado por Conaculta como embajador para representar y promover la literatura para niños y jóvenes en México.

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Conferencia de Elena Laurnaga sobre “Mujeres y el espacio público”

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La Socióloga, Politóloga y trascendente figura política frenteamplista María Elena Laurnaga brindó recientemente una conferencia en la Biblioteca Departamental Felisasola, relativa a las “mujeres y el espacio público”.
Vale subrayar que desde hace muchos años Laurnaga coordina en nuestro departamento un proyecto de investigación sobre las mujeres en explotación sexual, explotación laboral y trata de mujeres.

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“Padres por una infancia feliz” promueve muestra fotográfica en pasaje del Mercado 18 de Julio

Un grupo de padres denominado “Padres por una infancia feliz” presentó a la Fundación Salto Grande un proyecto vinculado a la sensibilización de los derechos del niños enfocados en las capacidades diferentes y la inclusión. El proyecto que fue aprobado consiste en una muestra fotográfica que se llevó a cabo en uno de los pasajes del Mercado 18 de Julio que fue inaugurada el pasado 21 del corriente conmemorándose el Día Mundial del Síndrome de Down. Los niños protagonistas de la muestra fueron Emilia, Fabricia, Florencia, Alejo, Matías, Octavio, Juan Diego, Benjamín, Bautista y Luciano.

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“Padres por una infancia feliz” inaugura muestra fotográfica

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Marcelo Cattani presenta curso 2017 de Fotografía junto a Pablo Cunha

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El fotógrado Marcelo Cattani – cuya trayectoria ya es ampliamente conocida en nuestro medio presenta en su estudio un nuevo curso de Fotografía que será dictado junto a su ex alumno y docente Pablo Cunha, y tendrá una duración de cinco meses. Dicho curso se realizará en los estudios de Marcelo Cattani – ubicado en Brasil No.874.
Cattani ya lleva más de 25 años brindando cursos y en sus comienzos los mismos eran de Fotografía y Laboratorio. “Los cambios y la evolución tecnológica nos ha llevado a agiornarnos y tenemos la suerte de poder armar un curso 2017 con un equipo con asistente y producción, compartiendo la parte docente con Pablo Cunha que fue mi alumno. En estos momentos Pablo se encuenta en Nueva York capacitándose y trabajando en un estudio en aquel país” – señaló Cattani. Los cursos comenzarán el próximo 17 de abril. Por consultas comunicarse al 47339380 . 098281391.

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21 de marzo : “Día Internacional de las personas con Síndrome de Down”

Más que celebrar este día, pretendemos hacer un llamado a la reflexión.
Tal vez, resulte un buen inicio preguntarnos: Cómo percibimos cada uno de nosotros y la sociedad en su conjunto a las personas con S. de Down y otras personas con discapacidad intelectual?, ¿cuánto y cómo las conocemos?,¿ cuánto hay de verdadero o falso en nuestro pensamiento y conclusiones?, ¿ nos interesan? Y, finalmente, ¿Cuál es nuestra actitud frente a su existencia y presencia?
Para indagarnos y responder con total honestidad, deberíamos partir de la premisa de que, salvo que tengamos un familiar con S. de Down u otra discapacidad intelectual poco sabemos de ellas.
La percepción generalizada, está plagada de mitos, de falsas creencias, de romanticismo, de apreciaciones superficiales y hasta muchas veces banales.
Es habitual oír: “ Son tan cariñosos!”, “son precoces y enamoradizos”, “vienen a salvar al mundo”, “son angelitos”, “son excelente para la plástica”, “les gusta mucho la música”.
Una mirada que finalmente lo subestima, porque les atribuyen unas condiciones que comparten con otras personas, y se excluyen otras que también pueden poseer y desarrollar.
Es una mirada que resulta de ideas preconcebidas y estereotipadas casi siempre erróneas, existentes a priori de conocerlas y vivir con ellas en su vida real.
Esta ideas preconcebidas no se originaron ni existen porque sí. Son producto de una ideología imperante, en la que las personas que no responden al modelo de “normalidad” existente, se convierten en “las otras personas”, personas especiales y casi siempre personas “no productivas”.
Al fin la discapacidad de cualquier tipo, resulta ser una construcción social que surge en el entramado de las desigualdades.
Pretendemos hoy, “21 de marzo”, invitar a Uds. a que comiencen a colocar en el centro de su atención a estas personas. Ellas necesitan que las conozcan, no como un “asunto” o “el eje de una problemática “sino desde la cercanía, desde la vecindad, desde la amistad, y desde lo más íntimo de la persona. Que se conozcan con todas las rispideces dificultades y alegrías que cualquier vínculo pueda tener.
Pretendemos que se les perciba como lo que son: Personas que viven y conviven con los demás, anhelando cobrar la visibilidad que merecen como tales.
Hoy más que reconocer el día cómo fecha especial, deseamos una reflexión sincera acerca de: Nuestra actitudes y procederes con las personas con discapacidad intelectual.
No debería ser más que, plantearnos cómo actuamos con y para las demás personas.
ASOCIACIÓN DOWN DE SALTO.

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Revisando los años 60

No hubo durante el siglo pasado década más revulsiva a nivel artístico, cultural e ideológico que la del 60. No hubo, en esa década, año más intenso y explosivo que 1968. Enumerar los hechos gracias a los cuales se pueden formular estas dos sentencias sería perogrullesco y tedioso, y hasta Uruguay se vio comprendido en el marco de aquellos movimientos sociales y políticos que conmovieron al mundo. Pero acaso dos episodios, por sobre otros muchos, marcaron a fuego aquel año: las movilizaciones conocidas como el Mayo francés y la matanza de Tlatelolco, ocurrida el 2 de octubre en la Plaza de las Tres Culturas de la capital mexicana.
Sobre estos últimos sucesos Elena Poniatowska (premio Cervantes 2013) publicó en 1971 La noche de Tlatelolco, un libro que podría inscribirse en la corriente del Nuevo Periodismo, y que recogía decenas de testimonios de hombres y mujeres directamente involucrados en los incidentes que desembocaron en una feroz y confusa represión a un mitin en el que se habían congregado centenares de estudiantes y obreros. Y si bien nunca se pudo saber con certeza cuántas víctimas se registraron –medios gubernamentales hablaron en su momento de 20 muertos, en tanto que el periodista británico John Rodda sostuvo en el diario The Guardian que hubo 267 muertos y 1.200 heridos–, el hecho repercutió en todo el continente y sacudió al gobierno por aquel entonces presidido por el priista Gustavo Díaz Ordaz.
Poniatowska, nacida en París en 1932, hija de un príncipe polaco que más tarde se asentaría en México con su familia, si bien ya había publicado cuentos y una novela, daba con este libro comienzo a una exitosa carrera literaria que iría nutriendo de otros títulos como Querido Diego, te abraza Quiela, Tinísima, La piel del cielo (premio Alfaguara 2001), El tren pasa primero y Leonora. Polifónico, argumentado minuciosamente en la voz de estudiantes, familiares, docentes, autoridades universitarias, gente común, La noche de Tlatelolco se convirtió en un alegato ineludible, poniendo en tela de juicio las versiones oficiales y las actividades de algunos grupos siniestros que revestían en las propias fuerzas de seguridad del Estado, así como ayudó a desenmascarar la injerencia de la CIA en las decisiones del gobierno.
El libro, no obstante toda su importancia, parece haber envejecido en tanto estrategia narrativa, cargado como está de cientos de nombres y siglas de organizaciones que difícilmente el lector pueda conservar en su memoria página tras página. Del mismo modo que cierto afán didáctico y proselitista de parte de la autora (recoger consignas aquí y allá, trascribir cánticos, repetir lemas inscriptos en carteles y pintadas callejeras, intervenir cada tanto para dar su interpretación de los hechos), resulta innecesario ante la propia fuerza de lo que se está relatando.
LA IMAGINACIÓN
AL PODER
El historiador, novelista y guionista francés Jacques Baynac (1939), estudioso de la revolución rusa, del magnicida Ravachol, del líder de la Resistencia Jean Moulin (en 1998 publicó el polémico Les Secrets de Jean Moulin, que lo llevó incluso a enfrentar tres procesos judiciales), participó directamente en los acontecimientos del Mayo francés, y publicó diez años después el libro Mayo del 68: la revolución de la revolución, un trabajo que aún hoy sigue revistiendo interés y generando curiosidad a propósito de un entramado social e ideológico que fue capaz de movilizar a miles de individuos, declarar una huelga general que involucró a nueve millones de trabajadores y poner en riesgo la estabilidad del gobierno presidido por el general Charles de Gaulle.
En el prólogo titulado “Deseo de mayo”, el anarquista español Tomás Ibáñez sostiene que “Mayo del 68 forma parte de esos raros eventos históricos que están dotados de la suficiente magia para espolear la imaginación, encender deseos y hacernos soñar”, y es en esta escueta frase donde se dan las pistas del tono que tendrá el libro de su admirado Baynac: una mirada a un suceso histórico de primera magnitud, desde un punto de vista que incluye una biopolítica del placer y de la imaginación, distanciándose de todo tipo de ortodoxias y disciplinas partidarias.
El racconto que nos ofrece Baynac es exhaustivo y va reconstruyendo paso a paso contextos e instancias previas (agitaciones contraculturales, la guerra de Vietnam, la Primavera de Praga, la enigmática Revolución Cultural de Mao, los cuestionamientos al leninismo, el Movimiento 22 de marzo, los reclamos universitarios, el acercamiento al movimiento obrero y a ciertas experiencias proletarias puntuales) que conducirán a la toma de las calles de París ocurrida en los primeros días de aquel mes y a los sucesos que le siguieron. Por sus páginas transitan el entonces libertario Daniel Cohn Bendit y otros referentes estudiantiles, políticos luego encumbrados como Georges Pompidou y François Mitterrand, y una historia cargada de optimismo que se fue diluyendo cuando, en palabras de John Lennon, el sueño se terminó.
(El País, Cultural)

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Uruguay celebra aniversario del autor de La Cumparsita y destaca valor turístico

Montevideo, 18 mar (EFE).- Uruguay celebró hoy el 120 aniversario del creador de La Cumparsita, el uruguayo Gerardo Matos Rodríguez (1897-1948), con el descubrimiento de una placa en su honor en el Museo del Tango de Montevideo, que exhibe a locales y turistas objetos y documentos históricos ligados a este «himno del tango».
Así se refirió a La Cumparsita la ministra de Turismo de Uruguay, Liliam Kechichian, quien asistió a la celebración de los 120 años de Matos Rodríguez junto al intendente de Montevideo, Daniel Martínez, y otras autoridades nacionales.
El festejo se llevó a cabo en el marco de los 100 años de La Cumparsita, aniversario que fue declarado eje temático de las actividades culturales del país suramericano durante este 2017.
En este sentido, la ministra de Turismo uruguaya aseguró que La Cumparsita es «una carta de presentación de la marca país en el mundo entero» y que además cuenta con «2.500 versiones que se tocan en todas partes del mundo».
«Este lugar es un enorme aporta al tango, declarado Patrimonio Inmaterial (de la Humanidad) desde 2009″, añadió Kechichian en relación al reconocimiento otorgado por la Unesco en ese año.
Kechichian reconoció que se demoró «muchos años» en poner en valor al tango, aunque señaló que hoy sí se está haciendo.
«Creo que durante muchos años no lo valoramos como se debía. Por suerte hoy está muy bien posicionado», expresó en ese sentido.
El Museo del Tango de Montevideo está ubicado dentro del Palacio Salvo, un emblemático edificio del centro de la capital uruguaya.
Allí se estrenó La Cumparsita, ya que Matos Rodríguez la tocó por primera vez el 19 de abril de 1917 en el antiguo bar «La Giralda», donde hoy se erige el museo en honor a este compositor uruguayo.
En este sentido, la gerente del Palacio Salvo, Alejandra Arseniato, indicó que se trata de un «sitio histórico», que fue «recuperado» y que ha recibido «miles de habitantes en los pocos meses que lleva abierto». «A partir de ahora, todo visitante que llegue a Montevideo podrá venir a este lugar (…) y decir: ‘yo estuve donde se tocó por primera vez La Cumparsita’», concluyó Arseniato.

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Azul Yves Klein sobre Buenos Aires

Nerea González.
Buenos Aires, 19 mar (EFE).- Atravesadas por la filosofía asiática y por la concepción del arte como algo inmaterial, las obras de Yves Klein (1928-1976), el francés que pintó con el fuego y la lluvia y diseñó su propio azul, se muestran por primera vez en forma de retrospectiva en Suramérica en una muestra en Buenos Aires.
Klein era cinturón negro de judo e hijo de padres pintores, pero nunca pensó que acabaría dedicándose al arte. Escribió mucho y defendió que el mundo puede plasmarse con un solo color. Fue precursor del «happening» y murió muy joven, con 34 años.
Lo mató su tercer infarto en dos meses pero antes, en solo siete años de trabajo, le había dado tiempo a completar las 1.500 obras que lo convirtieron en uno de los mayores exponentes del arte contemporáneo del siglo XX.
Su carrera es un universo de audacias y desafíos a las nociones preconcebidas tan difícil de condensar en unas pocas líneas como en unas pocas salas de museo. El de la Fundación Proa, ubicado en el barrio de La Boca de Buenos Aires, hace, sin embargo, un buen esfuerzo desde este fin de semana con la primera muestra retrospectiva de este autor que visita Argentina.
«Es el pibe de azul, teníamos que hacerlo en La Boca», bromeó durante la presentación de la muestra a la prensa Daniel Moquay, coordinador de los Archivos Yves Klein y curador de la exposición, en referencia a los colores del club de fútbol Boca Juniors y al característico tono que tiñe muchas de las obras del artista francés.
El International Klein Blue (IKB) contrasta con las paredes blancas del Proa en obras como el Relieve planetario azul de 1961, las esculturas de esponja o el Biombo de cinco paneles (1957), traídas desde París para quedarse en Buenos Aires hasta julio.
La retrospectiva parte de sus obras monocromas más tempranas, como el rectángulo butano de «Expresión del universo de color naranja plomo» (1955), rechazada en Francia en el certamen del Salon des Réalités Nouvelles cuando la presentó.
»Una obra empieza con dos colores», cuenta Moquay que le contestaron a Klein, con gran revuelo en la época. Pero él no retrocedió en sus ideas.
Su particular forma de representar el cuerpo humano en las «Antropometrías» ocupa otra sección destacada. El artista había viajado a Japón, había alcanzado el nivel de cuarto Dan en judo, y, por ello, el cuerpo tiene un papel fundamental en su producción artística, no solo como modelo sino como herramienta.
También hay algo de la concepción oriental del mundo en la forma en la que las obras invitan a sentarse delante de ellas, a veces incluso con un banco enfrente, como si fuera un jardín zen.
En las «Cosmogonías» es la naturaleza la que se convierte en herramienta. Las llamas fueron el pincel en las «Pinturas de fuego» y el aire que soplaba en 1961 fue su coautor cuando ató lo que sería «El viento del viaje» sobre un coche de dos caballos.
Pero para Moquay, la parte más importante de la carrera de Klein es la que no se puede ver, aunque en la muestra aparezca en forma de fotografías y documentos que dan testimonio de que el francés hizo cruzada por un arte «inmaterial».
El francés vendió a cambio de oro sus «Zonas de sensibilidad pictórica inmaterial» (Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle), un vacío, una nada, que se intercambiaba mediante una transacción convertida en performance.
Las compraron coleccionistas como el guionista Michael Blankfort, que se reunió con Klein a orillas del Sena. Ante un testigo, el artista le dio un recibo para quemar y el comprador entregó varios lingotes, de los cuales la mitad fueron a parar al río porque el arte es la tierra y algo debe volver a la tierra.
«Cuando tú has vivido algo así tienes la experiencia para siempre. Es algo que no puedes venderlo (…) Yo pienso que el valor espiritual es mucho más importante», argumentó Moquay.
«El arte quizá lo que te da es otra cosa, algo que te rellena. Lo que decía Yves Klein para mí es una cosa lógica», continuó el especialista, quien, no obstante, reconoció que es difícil «convencer a la gente» de que él era «sincero» cuando decía que no hacía las cosas por dinero.

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El Río de Papel: apareció una nueva novela de Jorge Menoni

“Finalmente, robándole tiempo al cine y a la vida sale a la luz mi tercera novela, El Río de Papel… Gracias a María Morales por el diseño, gracias a Miriam Leal por la foto de tapa, gracias a Amira Armenta por la corrección y gracias a quien quiera leerlo. Se puede comprar vía Amazon pidiéndola por internet… seguimos navegando”. Así se expresaba al comienzo de un breve contacto con EL PUEBLO mantenido ayer, el escritor salteño radicado en Ámsterdam (desde hace casi 40 años), Jorge Menoni. En la contratapa del libro se lee: “Un escritor, mitad humano, mitad ficción, escapado de las páginas del libro El Río de Papel, se rebela contra su creador concibiendo otro personaje completamente ficticio, que corroboraría su existencia en el mundo real a través de sus memorias. La línea del río que divide su lugar de nacimiento en dos países será el entorno físico donde este hombre “de papel” tendrá vida propia. Un mundo metafórico y poético en el que alterna con los humanos poniendo en tela de juicio la frontera entre realidad y ficción en una cita con lo fantástico”. Allí aparece además, acompañada de su foto, esta presentación del autor: “Jorge Menoni nació en Salto, Uruguay, reside en Ámsterdam desde 1978. Ha publicado dos libros de poesía, un libro de cuentos “El primer día del mundo” y las novelas “El cementerio universal de los vivos” y “El cazador de eternidades”. Escribió y dirigió la película “Un lugar llamado ilusión” y los cortometrajes “El duende del Río Amstel”, “Una misteriosa ventana”, “El pueblo de la última carta”, “El pozo del alma”, “Génesis”, “Un Quijote moderno”, “El creador oculto” y “Prohibido”. Es director de la Revista Ámsterdam Sur (www.amsterdamsur.nl)”. Ampliaremos sobre el nuevo libro en próximas ediciones

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Esta noche grupo La Galera pone en escena El desalojo, de Florencio Sánchez

Con entrada libre y gratuita, en Sociedad Italiana.

Esta noche en el salón de actos de la Sociedad Italiana, el grupo teatral salteño La Galera, dirigido por Ricardo González Vetey, pondrá en escena una obra que sin dudas es un clásico en el teatro uruguayo y rioplatense: “El desalojo”, de Florencio Sánchez.
El pasado año, por una falta de acuerdo surgida a último momento entre el grupo teatral y la organización (entiéndase MEC), este espectáculo no pudo ser presentado en el marco de “La noche de los museos”, como se había previsto. Sin embargo, en aquel momento La Galera prometió realizarlo en cuanto fuera posible con entrada libre y gratuita (allí habría estado el desacuerdo). Y llegó el momento en que es posible, será esta noche.
A continuación, el comunicado que viene difundiendo el grupo:
Este domingo, en las instalaciones de la Sociedad Italiana, el Grupo Teatral La Galera pondrá en escena una de las piezas teatrales más significativas de la dramaturgia uruguaya, fiel retrato de lo que fue el Uruguay en los primeros años del siglo XX:
EL DESALOJO, de FLORENCIO SÁNCHEZ
Esta obra, testimonio impactante de la vida de los inmigrantes, expone la situación en que se encuentra Indalecia, una mujer madre de varios hijos, que vive en un conventillo y que se enfrenta al desalojo por no haber pagado el alquiler. Sus pertenencias están en el patio del conventillo — donde transcurre la escena — al habérsela desalojado de la pieza que ocupaba. Su marido, obrero de la construcción, ha sufrido un accidente de trabajo y se encuentra internado en el Hospital. La protagonista debe elegir entre dos opciones: quedarse junto a sus hijos, sin vivienda, en busca de un trabajo… o separarse de ellos y dejarlos a cargo de la Sociedad de Beneficencia.
En la acción participa un periodista que investiga y cubre la nota. En la adaptación de La Galera, el periodista es el personaje del propio Florencio Sánchez, lo cual permite, a través del texto ampliado conocer las opiniones personales que Sánchez tenía sobre la situación del Uruguay en aquellos días
Hay que recordar que este espectáculo no pudo ser presentado en La Noche de los Museos por un desacuerdo con la organización…
De todas maneras, La Galera había manifestado, por su parte, cumplir con el compromiso asumido.
Es así que El desalojo, por el Grupo Teatral La Galera se presenta, con entrada libre y gratuita, este domingo 19, a las 20 horas, en La Sociedad Italiana, Artigas 651.

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Documental retrata visión crítica de Eliseo Alberto de la Revolución cubana

Mariana González.
Guadalajara (México), 16 mar (EFE).- Un documental sobre el escritor cubano Eliseo Alberto muestra su visión “crítica” del futuro de su país tras más de 50 años de Revolución y propone la reconciliación entre los habitantes de la isla. La película es “la verdad” de Eliseo Alberto (Arroyo de Naranjo, Cuba, 1951, Ciudad de México, 2011) ante el proceso revolucionario de ese país “dividido”, en el que todos “quieren imponer un punto de vista” desde la postura oficial pero también desde la oposición, dice a Efe el director Jorge Dalton.“El realizador cubano salvadoreño visita el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) que concluye este viernes, para la proyección de “En un rincón del alma”, con el que compite en la categoría de Mejor Largometraje Iberoamericano Documental. Dalton entrevistó a Eliseo Alberto en 2010 por cerca de cuatro horas, a petición del escritor. El registro de esa conversación dio origen al documental producido en El Salvador y rodado en México y Cuba cuatro años más tarde. El largometraje muestra la postura que el autor de “La eternidad por fin comienza un lunes” (1992) y “Caracol Beach” (1998) tenía respecto al proceso revolucionario de la isla y su postura ante la continuidad de sus dirigentes, encabezados por Fidel Castro. Tenía una visión muy crítica de la permanencia del poder de los dirigentes y de la carencia de libertades de pensamiento, cuando la Revolución se hizo para expandir esa libertad”, explica el documentalista. Lichi, como lo conocían sus amigos, cuestiona también el futuro de la Revolución y el derecho de los cubanos a vivir en una isla en paz. Es un proceso que no sabemos si va a continuar o va a sucumbir por sí solo, no hace falta una invasión norteamericana, el proceso está en peligro de desaparecer por razones internas”, asegura Dalton, íntimo amigo del escritor y guionista que vivió en México 20 años. En la isla, añade, prevalecen condiciones económicas que van a definir ese futuro, pues “la economía global está golpeando” a los cubanos.““En el documental se ve un Eliseo Alberto convencido de un proceso de reconciliación entre “ambas orillas del conflicto”. Es una isla que se tiene que abrir al mundo, una nación que tiene el derecho de escoger un futuro mejor, una nación que tienen derecho a vivir en paz, de reconciliarse, perdonarse, de darse la mano y firmar la paz entre los cubanos. Ese es el mensaje de mi película y también de Eliseo Alberto”, asegura el realizador. Dalton viajará a la Ciudad de México en los próximos días para revisar el archivo del poeta y seleccionar aquellos guiones inéditos que podrían convertirse en películas. La familia me ha pedido colaborar a ver qué podemos hacer con todo lo que dejó”, adelanta el director y fundador de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, en Cuba. Afirma que el documental ha servido para que las nuevas generaciones conozcan el pensamiento de Eliseo Alberto y quieran acercarse a su obra. El FICG concluye este viernes con la entrega del premio Mezcal a las mejores películas mexicanas y el Mayahuel a los mejores cortos y largometrajes de ficción y documentales de Iberoamérica

 Los actores alemanes Anand Batbileg (i) y Tristan Göbel (d) reciben el premio Mayahuel hoy, viernes 10 de marzo de 2017, en la edición 32 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (oeste de México). La edición 32 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (oeste de México) arrancó hoy con una ceremonia de gala en la que predominaron los mensajes contra la intolerancia del presidente de Estados Unidos, Donald Trump, y en favor de construir puentes y no muros. La actriz mexicana Ofelia Medina recibió el Mayahuel de Plata por su trayectoria fílmica y aprovechó la oportunidad para enviar un mensaje al presidente estadounidense "in english, para que lo entienda". EFE/David Valdovinos

Los actores alemanes Anand Batbileg (i) y Tristan Göbel (d) reciben el premio Mayahuel hoy, viernes 10 de marzo de 2017, en la edición 32 del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (oeste de México). La edición 32 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara (oeste de México) arrancó hoy con una ceremonia de gala en la que predominaron los mensajes contra la intolerancia del presidente de Estados Unidos, Donald Trump, y en favor de construir puentes y no muros. La actriz mexicana Ofelia Medina recibió el Mayahuel de Plata por su trayectoria fílmica y aprovechó la oportunidad para enviar un mensaje al presidente estadounidense “in english, para que lo entienda”. EFE/David Valdovinos

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Proyectos de España y Segib, en muestra gráfica sobre cooperación en Uruguay

Montevideo, 16 mar (EFE).- Tres proyectos auspiciados por España y dos por la Secretaría General Iberoamericana (Segib) forman parte de una muestra fotográfica inaugurada hoy en Montevideo que recoge instantáneas de hasta 26 iniciativas de cooperación internacional llevadas a cabo en Uruguay desde el año 2000 y hasta la actualidad. En concreto, la muestra, titulada “Uruguay: la cooperación internacional en imágenes”, incluye instantáneas de la creación de la Casa de la Cultura Afrouruguaya y de los programas Fábricas de Cultura y Abastecimiento de Agua Potable a Escuelas y Localidades Rurales, proyectos con protagonismo de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo. De igual manera, hay fotografías del Programa Iberoamericano Red de Bancos de Leche Humana y de Iberorquestas, impulsados por la Segib. Ttambién forman parte de la muestra proyectos de cooperación fomentados por Japón y por otros organismos internacionales. El fotógrafo Pablo La Rosa y la productora Makarena Vinaja fueron los encargados de retratar, entre mayo y octubre de 2016, las realidades que atraviesan los 26 proyectos de cooperación, que fueron seleccionados por la Agencia Uruguaya de Cooperación Internacional (Auci) teniendo en cuenta el balance de sectores, los diferentes cooperantes y sus modalidades. El prosecretario de la Presidencia uruguaya, Juan Andrés Roballo, encargado de inaugurar la muestra, que se encuentra al aire libre en el Parque Rodó de Montevideo, dijo a la prensa que las fotografías exhiben de una manera “novedosa” los lazos del país suramericano con el resto del mundo.“”Es una manera novedosa, distinta, pero que además nos impacta de una manera diferente a simplemente escribir un informe -que también lo hacemos-, pero esto acerca lo qué es la cooperación, su realidad y el hermanamiento entre pueblos, Gobiernos y entidades internacionales”, dijo Roballo. De esta manera, “se incorporó el elemento artístico para poder mostrar los efectos de la cooperación en la vida de las personas”, así como “hacer un equilibrio entre los cooperantes, los tipos de cooperación y los lugares a los que se quiere llegar”, agregó. Roballo destacó a España como el principal cooperante con Uruguay, pero aseguró que cada vez es más amplio el rango de países e instituciones cooperantes y que lo más importante es “generar mayores y mejores redes”. Según indicó Roballo, Uruguay pasó a ser un país “de renta media, renta alta”, por lo que quedó “excluido de la cooperación bilateral o tradicional como destinatario de cooperación”. Sin embargo, comentó que “desde hace tiempo la AUCI se trazó el desafío de transformarse, reinventarse y, por esta razón, hoy la cooperación triangular y Sur-Sur incluso supera a la cooperación tradicional”.

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Aquellos primeros españoles que llegaron a Salto

En 1867 fundaron la Asociación Española.

La inauguración el pasado viernes del nuevo local (Artigas casi Sarandí) de la Asociación Española de Socorros Mutuos, fue una ocasión propicia para que la Maestra Sara Curbelo trazara una breve reseña histórica acerca del contexto en que aquellos primeros españoles llegaron a Salto y fundaron, en 1867, la mencionada Asociación. Dijo Curbelo (integrante de la Comisión Directiva desde hace varios años) que siempre “es importante situarnos en el marco histórico de aquel 1867”. A continuación transcribimos algunos pasajes de su discurso.

Pascual Harriague y Saturnino Ribes, dos polos de atracción de inmigrantes
“Las grandes oleadas de inmigrantes fueron la que va de 1840 a 1930 y la que viene después de la Segunda Guerra Mundial, entre el 45 y el 50, para después enlentecerse la inmigración. En ese tiempo, vinieron muchos europeos, y entre ellos españoles, gente que vino de distintas regiones de España: vascos, catalanes, andaluces, gallegos, pero parece que lo que predominó fueron los gallegos porque hasta hoy a veces a un español castizo se le dice gallego…”.
“Y llegaron muchos a esta ciudad de Salto, tan al norte de los puertos de llegada. Pero hay una justificación para esto; aquí había dos polos de desarrollo de mucha importancia: al sur el emprendimiento de Pascual Harriague con varias empresas y al norte los astilleros de Saturnino Ribes. Eso necesitaba mucha mano de obra y es por eso que se asentaron tantos españoles acá en esa época”.

Surge la Asociación porque había necesidades
“La inmigración es una situación crítica, sobre todo cuando son oleadas, porque la gente se va por razones políticas o económicas, se aleja de su solar, y por eso los primeros momentos debieron ser reuniones de camaradería para compartir una fiesta, compartir una comida típica, pero con el transcurrir de los años fueron viendo que había otras necesidades: la enfermedad, la falta de trabajo o la muerte misma que inexorablemente llega. Entonces, ese grupo de españoles en ese sentido se reunieron y crearon un 22 de diciembre esta institución, y tal era el entusiasmo que la segunda reunión fue el día 24, ¡24 de diciembre!”

Fueron adelantados en lo social
“En Uruguay, esa época era muy convulsionada, con muchas guerrillas. En 1867 gobernaba el General Flores y en 1868 asume electo Lorenzo Batlle, pero llegamos a 1877, año importante por la Ley de Educación de José Pedro Varela; gobernaba entonces el General Latorre. Fue una época también de grandes epidemias, sobre todo de cólera y fiebre amarilla y no había hospitales, hasta que en el año 78 recién se crea el Hospital de Salto…”.
“Lo interesante de este grupo es que se unió y su objetivo fundamental fue la solidaridad y la ayuda mutua. Y hay que destacar lo adelantados que fueron, que no sólo ayudaban con atención médica sino que también se daba pensiones a los enfermos crónicos y se ayudaba también al desocupado. Quiere decir que se adelantaron mucho a las leyes que después tendría nuestro país, a las leyes del BPS hoy, con todos estos aspectos de la seguridad social”.

No faltaron momentos adversos
“En el marco de la vida, de la historia sabemos que una institución puede tener dificultades, va tejiendo el hilo de su actividad en el transcurrir de cada día pero muchas veces debe afrontar dificultades en su actuación, porque se dan vientos de cambio, políticos, sociales, económicos y no siempre son favorables, a veces son adversos, y esta institución de 150 años ¡si habrá tenido momentos adversos! Uno muy importante fue cuando en 1943 en nuestro país se crea la Ley de las Mutualistas, que tiene una serie de exigencias, por ejemplo en cuanto a número de socios, entre otras; en 1956 se crea en Salto el Centro Médico y ese es un momento crítico porque perdemos la condición de mutualista y había que reinventarse, había que buscar otro sentido, y la Asociación entonces va hacia lo cultural, hacia lo social, pero siempre con el objetivo trascendente de la solidaridad, de la ayuda mutua, no solamente a nuestros socios, eso por supuesto, pero también vertirlo a nuestro Salto, que tanto nos ha dado, que tanto dio a nuestros abuelos y es una forma de devolver eso”.

Compromiso de continuidad y coherencia
“Siguiendo un pensamiento de Cervantes, como todo ser y toda institución debemos pensar que hay que tener ilusiones, hay que tener sueños, proyectos y pensar realizarlos. En el marco de estos 150 años debemos pensar en el compromiso de dar continuidad y coherencia a la institución, para que otros más jóvenes continúen y para nosotros poder decir: hemos cumplido con los creadores de esta institución”, finalizó expresando la Maestra Sara Curbelo.

Españoles

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Analizan en Valencia la posibilidad de vincular Fallas y Carnaval de Uruguay

Traerían a Uruguay artistas “falleros”.

Valencia (España), 13 mar (EFE).- El viceministro de Turismo de Uruguay, Benjamín Liberoff, y autoridades locales de Valencia (este de España) analizaron hoy la posibilidad de vincular el Carnaval del país suramericano con las Fallas, que este año se celebran por primera vez como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
Dentro de la apuesta de su país por el turismo cultural, Liberoff explicó que en su reunión con el alcalde de Valencia, Joan Ribó, y el concejal de Cultura Festiva, Pere Fuset, se debatió la opción de “llevar a Uruguay artistas falleros para ayudar a recomponer los oficios tradicionales que eran el centro del carnaval”.
La tradicional fiesta española de las Fallas, donde se queman grandes esculturas alegóricas de cartón piedra, se estrenan en 2017 como Patrimonio Cultural e Inmaterial de la Humanidad con el reto de proteger los valores de tradición, participación y artesanía que tienen.
En un encuentro con la prensa, el viceministro de Turismo explicó que, aunque la mayor parte de turistas que acuden a Uruguay buscan el modelo “de sol y playa”, su Ejecutivo apuesta por el turismo cultural a través de productos como la celebración del centenario del “himno de los tangos”, “La Cumparsita”, o la consolidación de la Ruta Jesuítica.
También el carnaval más largo del mundo, con sus 40 días de celebración, que intenta, según Liberoff, convertir esa tradición en un atractivo turístico para dar a conocer la música, la escenografía y el teatro, que se unen en una festividad que “tiene cierta relación con las Fallas” y que también fue declarado Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco.
El viceministro de Turismo uruguayo, que se reunió con Ribó y Fuset antes del encuentro con los medios, recordó que el pequeño país suramericano recibió en 2016 3,8 millones de turistas, sobre todo procedentes de Argentina y Brasil, mientras que España fue el primer país europeo por número de visitantes, con 50.000 turistas.
Liberoff incidió en la oferta turística relacionada con la naturaleza, dada la “gran variedad de fauna” que puede verse en el país, con la arquitectura, ya que en Uruguay abundan los edificios de estilo art decó, con el fútbol, con el colectivo LGTB y con la gastronomía, con la carne y el vino como máximos exponentes.
La enología es otra de las apuestas del Ministerio de Turismo de Uruguay, que pretende hacer de la uva tradicional tannat y de las bodegas cercanas al puerto de Montevideo un atractivo turístico para visitantes, sobre todo, para quienes llegan en crucero, una de las principales vías de acceso a Uruguay en la actualidad.
La calidad de vida, las ayudas sociales a estudiantes y mayores e incluso el legado del expresidente de la República, José Mujica, son “parte de la marca Uruguay”, según Liberoff, que ha concluido que los cambios producidos en el país tienen como consecuencia que “nadie sabe cómo va a ser el Uruguay de dentro de 15 años”.

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Lisboa acogerá la Semana de la Poesía Iberoamericana

Lisboa, 13 mar (EFE).- La Casa América Latina de Lisboa anunció hoy la Semana de la Poesía Iberoamericana, que tendrá lugar entre el 21 y 25 de marzo con motivo de la celebración el próximo martes del Día Mundial de la Poesía.
Este evento se enmarca en la programación de la capitalidad iberoamericana de la cultura que ejerce Lisboa este 2017.
Los actos comenzarán el próximo 21 de marzo con la lectura de poemas a cargo del uruguayo Rafael Courtoisie, el brasileño Ozias Filho y los portugueses Jorge Reis y Nuno Júdice.
Los días 22 y 23 harán lo propio otros poetas y ensayistas como el español Jaime Siles, los colombianos Ramón Cote y Lauren Mendinueta, la andorrana Teresa Colom o los portugueses Filipa Leal, Maria Teresa Horta y Fernando Pinto do Amaral.
Al día siguiente será el turno para la puesta en escena del proyecto musical “Jazz y Poesía”, que contará con las voces de Claudia Franco, una de las mejores vocalistas del jazz luso, y del narrador portugués Nicolau Santos.
Y el 24 de marzo habrá una mesa redonda en la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Lisboa integrada por los españoles Jaime Siles y Olvido García-Valdés, la mexicana Blanca Luz Pulido, el peruano Carlos López Degregori y los portugueses João Luís Barreto Guimarães y Rosa Alice Branco. Como colofón, la Semana de la Poesía Iberoamericana se cerrará el 25 de marzo en el Centro Cultural de Belém con una lectura de poemas a cargo de ciudadanos de América Latina residentes en Portugal.

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Ciclo de cine exhibe en Uruguay la “perspectiva” de directoras del Mercosur

Montevideo, 11 mar (EFE).- La Red de Salas Digitales del Mercosur realizará el primer ciclo de directoras de la región con el objetivo de “rescatar las miradas y perspectivas de las mujeres”, en el marco del Mes de la Mujer que tiene lugar en marzo, explicaron a Efe fuentes de una de las salas en las que se proyectarán los filmes.“Desde el jueves 16 y hasta el jueves 30 de marzo se exhibirán seis largos y cortometrajes en la Sala Zitarrosa, en Montevideo, y en el Nuevo Cine de Florida, en la localidad de Florida, al centro de Uruguay. En el mes de marzo, aprovechando el Mes de la Mujer y toda las manifestaciones que se están produciendo aquí en Uruguay y en la región, decidimos hacer un ciclo que iba a estar dirigido a las mujeres”, dijo a Efe el representante de la sala Zitarrosa Pablo Maytia. “Acá lo que rescatamos es que esas miradas y perspectivas son de mujeres. Esa es la idea central de todo”, subrayó.“ Entre las diferentes películas que se mostrarán se encuentran “À queima roupa”, de Theresa Jessouroun; “A Vida Privada dos Hipopótamos”, Maíra Bühler e Matias Marian; y “Uma familia ilustre”, Beth Fornaggini; todas ellas realizadoras brasileñas.“ Además se expondrán “Foto Documento”, de la directora argentina Antonella Defranza; “Galus galus”, de la venezolana Clarissa Duque; y “Narcisa”, de la también argentina Daniela Muttis. Maytia aclaró que las realizaciones son de temas muy diversos como la dictadura, la ficción, o la migración.“ La idea es que las diferentes públicos de Florida y Sala Zitarrosa tengan acceso a estas películas de la región dirigidas por mujeres, que bueno, a veces no tienen cabida en el circuito comercial, y amplia un poco el espectro de películas que hay en el circuito cultural de cada ciudad”, acotó. La Red de Salas Digitales del Mercosur es un circuito de difusión cultural de contenidos audiovisuales de la región, creado en agosto del 2016, e integrada por 30 salas, de las cuales 10 se encuentran en Argentina, 10 en Brasil, 5 en Paraguay y 5 en Uruguay. Además, en una segunda etapa, se prevé ampliar y abrir a la postulación de nuevas salas en Venezuela. El objetivo de la Red es contribuir en la circulación de contenidos audiovisuales propios del y en el Mercado Común del Sur (Mercosur) fomentando la asistencia a las salas de cine de las ciudades y localidades de cada país y acercar la producción audiovisual del Mercosur a la comunidad colaborando con la formación de públicos.

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Juana y otros apuntes…

JUANA

Que su nacimiento haya sido un 8 de marzo, fecha que el mundo conmemora el Día Internacional de la Mujer, además de una feliz coincidencia por tratarse de una gran mujer para el Uruguay y para la poesía en lengua española toda, es un hecho de algún modo simbólico. Sucede que (como la de casi toda artista mujer) su vida tuvo mucho de rebeldía, más que nada por tener que luchar en una sociedad que no siempre está dispuesta a aceptar a quienes resultan «adelantados» en determinados aspectos, y menos aún si son mujeres; más bien tiende a condenarlas. Símbolo de esa rebeldía fue Juana. Fue una adelantada en muchas cosas, de hecho, en el propio acto de dedicarse al arte. Pero, por otra parte, su vida estuvo signada por mucho de lo que hoy, a 125 años de su nacimiento, las mujeres se animan a rechazar públicamente con mucha fuerza: la violencia doméstica en especial. Símbolo de ese sufrimiento también fue Juana. Por todo ello su vida es un símbolo tan importante como la fecha 8 de marzo. Fue rebelde al punto de gritarle al barquero del Infierno: «Caronte, yo seré un escándalo en tu barca». Amó y exigió ser amada al punto de gritarle a su amante: «Tómame ahora y no mañana… Hoy, y no más tarde. Antes que anochezca». Quiso ser libre para gozar la libertad desde lo más pequeño y cotidiano, al punto de gritar esta petición: «Tómame de la mano, vámonos a la lluvia, descalzos y ligeros de ropa, sin paraguas, con el cabello al viento y el cuerpo a la caricia oblicua refrescante y menuda del agua». Y por sobre todo le gritó a la vida que no quería separarse de ella jamás: «Amante, no me lleves si muero, al camposanto. A flor de tierra abre mi fosa, junto al riente alboroto divino de alguna pajarera…». Fue simplemente Juana. La poeta nacida en Melo el 8 de marzo de 1892. La mujer que sintió la necesidad de decir, de gritar, y gritó. Su voz aún se escucha. La escucha quien lee sus poemas y quien entiende el grito de tantas mujeres que en el mundo reclaman un mejor lugar. Fue Juana, la poesía y el símbolo de mujer abnegada.

OTROS APUNTES…
«Memorias e invenciones»
Hemos recibido la invitación para el acto de lanzamiento del libro «Memorias de invenciones», de Ricardo Pallares y Raquel Barboza (ilustraciones). Será en Montevideo, en el Roof Garden del Esplendor – Hotel Cervantes (Soriano 868), el próximo miércoles 22 de marzo a las 19 horas. La presentación estará a cargo de Hebert Benítez Pezzolano y participarán Estela Medina y Jorge Bolani. Asimismo se exhibirán los dibujos originales de Raquel Barboza y se cerrará el acto con un brindis.
Hoy: Giuliano Camelli en Salto
Vuelve a Salto Giuliano Camelli, italiano, campeón mundial de Acordeón Diatónica (Verdulera). Se presentará hoy domingo 12 de marzo a las 20.30 horas, en el Centro Cultural Academias Previale (Lavalleja 48) con entrada libre, y servicio de cantina. Participará también el conjunto Acordeones del Uruguay. Al decir de los organizadores, será «una actividad para los amantes del acordeón, y para disfrutar de música de Italia y del mundo».
Zitarrosa
El pasado viernes se cumplió un año más del nacimiento de Alfredo Zitarrosa. 81 años hubiera cumplido, pues nació el 10 de marzo de 1936. Falleció el 17 de enero de 1989. Aún hay quienes pretenden imitarlo, cosa imposible. Fue un grande, verdaderamente, y fue único. Vale la pena escucharlo siempre.
Cuidado con lo «light»
Comienzo de año lectivo en la Educación. Tiempo para muchos de retomar lecturas y, sobre todo, de recomendar bibliografía a los más jóvenes por parte de docentes. Tiempo propicio para recordar estas palabras del Premio Nobel peruano Mario Vargas Llosa: «No es por eso extraño que la literatura más representativa de nuestra época sea la literatura light, leve, ligera, fácil, una literatura que sin el menor rubor se propone ante todo y sobre todo (y casi exclusivamente) divertir. Atención, no condeno ni mucho menos a los autores de esa literatura entretenida pues hay, entre ellos, pese a la levedad de su textos, verdaderos talentos. Si en nuestra época es raro que se emprendan aventuras literarias tan osadas como las de Joyce, Virginia Woolf, Rilke o Borges, no es solamente en razón de los escritores; lo es, también, porque la cultura en que vivimos inmersos no propicia, más bien desalienta, esos esfuerzos denodados que culminan en obras que exigen del lector una concentración intelectual casi tan intensa como la que las hizo posibles. Los lectores de hoy quieren libros fáciles, que los entretengan, y esa demanda ejerce una presión que se vuelve poderoso incentivo para los creadores… Es verdad que los diarios y revistas más serios publican todavía reseñas de libros, de exposiciones y conciertos, pero ¿alguien lee esos paladines solitarios que tratan de poner cierto orden jerárquico en esa selva promiscua en que se ha convertido la oferta cultural de nuestros días? …La literatura light, como el cine light, y el arte light, dan la impresión cómoda al lector y al espectador, de ser culto, revolucionario, moderno, y de estar a la vanguardia, pero con un mínimo esfuerzo intelectual. De este modo, esa cultura que se pretende avanzada y rupturista, en verdad propaga el conformismo a través de sus manifestaciones peores: la complacencia y la autosatisfacción».

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Filme de ficción en torno a obra cúspide de Roa Bastos inicia el rodaje este año

Asunción, 10 mar (EFE).- La hipotética pérdida del manuscrito original de «Yo el Supremo», la reflexión de Augusto Roa Bastos sobre el poder, es el soporte argumental de «El Silencio de los Otros», filme del director Jorge Bedoya que se rodará este año, en el marco del centenario del nacimiento del gran escritor paraguayo.
Se trata de un thriller que guarda una aire de suspenso al estilo del filme «El Código Da Vinci» (2006), con la particularidad de que el objeto de la intriga es la novela de Roa Bastos y de que su obra y su espíritu estará «omnipresente» en la historia, dijo Bedoya a Efe.
«Él va a estar a través de documentos audiovisuales; expertos en literatura dialogan sobre él, sobre su obra, Roa era muy juguetón. (…) Entonces digamos que da sitio a muchas discusiones entre los personajes», añadió.
La trama del filme, que se espera se estrene en 2018, sigue la historia de la hija de unos exiliados políticos durante la dictadura de Alfredo Stroessner (1954-1989) que regresa a Paraguay y compra en una subasta el manuscrito original de «Yo el Supremo».
La protagonista, que es una profesora de literatura en la universidad francesa de Toulouse, donde Roa Bastos tuvo una cátedra durante la dictadura, adquiere el manuscrito a un empresario paraguayo durante esa subasta en la que finalmente se pierde el valioso documento.
Ambos se enfrascan entonces en la búsqueda del manuscrito, tal y como los protagonistas de «El Código Da Vinci» buscaban el Santo Grial.
»La mayoría de las películas exhibidas en Paraguay son norteamericanas, por eso buscamos ciertas similitudes para hacer una obra de alcance popular con un contenido cultural», dijo Bedoya.
»El Silencio de los Otros», protagonizada por actores paraguayos, es una coproducción entre Francia y México, y tendrá un costo de 800.000 dólares, dijo el director.
Bedoya, quien también dirigió «Luna de Cigarras», una película de acción y comedia que cautivó al público paraguayo en el 2014, subrayó que su nueva producción busca sus estreno en festivales internacionales como el de Cannes antes que en las salas comerciales.
«Aprendimos con Luna de Cigarras que es mejor exhibirla en festivales, como el de Cannes, y luego ir a la exhibición comercial», subrayó.
La película será filmada principalmente en el departamento paraguayo de Itapúa y en las ciudades de Asunción y Buenos Aires, con un grupo de rodaje en el que participarán unas 300 personas.
Paraguay celebra una serie de actos en conmemoración de los 100 años del nacimiento de Roa Bastos (1917-2005), su escritor más importante.
El pasado diciembre el Congreso paraguayo declaró el 2017 como el «Año del Centenario de Augusto Roa Bastos».
Entre su obra literaria destaca «Yo el Supremo», su monumental reflexión sobre el poder, basada en el primer presidente de Paraguay, Gaspar Rodríguez de Francia (1816-1840), también conocido como el «dictador perpetúo»

RoaBastos

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Ellas…

Cierto es que hay cuestiones que se recuerdan o se homenajean en un determinado día del año y que sin embargo deberían recordarse u homenajearse todos los días. Porque además, identificar un día como propio de una causa es casi como aceptar (a veces resignadamente) que el resto de los días esa causa “sea puro olvido”, al decir de Zitarrosa. Pero si ese día marcado con tanta precisión en los calendarios ayuda a rescatar y revalorizar determinados hechos, personas y sobre todo valores, bienvenido sea que se lo señale en el calendario y se lo recuerde debidamente. Y ayer, 8 de marzo, el mundo recordó una vez más el Día Internacional de la Mujer, una fecha para la que vale cabalmente lo dicho en las líneas anteriores.
Juana: La fecha coincide con la del nacimiento de una gran mujer uruguaya: Juana de Ibarbourou, nacida en la ciudad de Melo el 8 de marzo de 1892 (aunque dijo muchas veces haber nacido en 1895). Tiene razón quien dijo en un medio de prensa, hace pocos días, que se trata de “una feliz coincidencia”.
Salto: Pero concentrémonos ahora en Salto. Desde hace algunos meses, el programa Peces de Colores (sábados en la mañana por Radio Libertadores) incluye un segmento titulado “El Retrato de Hoy”, que da cabida a una breve semblanza de un salteño destacado (como profesional, artista, deportista, o personaje popular simplemente) en muy diferentes áreas. Y al redactar esos textos, sincera y gratamente, nos hemos sorprendido al tener que hablar sobre tantas mujeres. Sucede que si del plano artístico – cultural se trata, surgen inmediatamente los nombre Marosa di Giorgio, María Inés Silva Vila, Felisa Lisasola…o las más cercanas en el tiempo: Lacy Duarte, Estela Rodríguez Lisasola, Margarita Muñoa… Pero si se trata de otros terrenos fuera del arte específicamente, es imposible soslayar, amén de su calidez humana, el profesionalismo médico de Matilde Albisu, la incondicional entrega de conocimientos y amor de Etelvina Migliaro o el espíritu benefactor de la siempre admirada Catalina Harriague de Castaños. No están todas en esta lista, por supuesto que no. Pero en el nombre de ellas vaya el homenaje a todas las mujeres que hicieron, hacen y harán de Salto el orgullo de quienes aquí nacimos. A ellas les cedemos la palabra:

POEMA III
Qué sorpresa
hubiera sido
vivir con vos
los abrazos
multiplicándose
tu canto
un despertar diario
si a nuestras hijas
las conjugáramos
en el mismo tiempo
si tus paisajes
fueran los míos
si mis manos
ocuparan el mismo
lugar en tus bolsillos
y mi pecho
se apretara otra vez
a tu espalda
en medio de la noche
qué sorpresa
imagino
llamarte a cualquier hora
y saber que estás
adentro de mi espacio.
Estela Rodríguez Lisasola

Estela Rodríguez Lisasola

Estela Rodríguez Lisasola

LA MUJER
Para cazar insectos y aderezarlos, mi abuela era especial. Les mantenía la vida por mayor deleite y mayor asombro de los clientes o convidados. A la noche, íbamos a las mesitas del jardín con platitos y saleros. En torno, estaban los rosales, las rosas únicas, inmóviles, nevadas. Se oía el run run de los insectos, debidamente atados y marcados. Los clientes llegaban como escondiéndose. Algunos pedían luciérnagas, que era lo más caro. Aquellas luces. Otros, mariposas gruesas, color crema, con una hoja de menta y un minúsculo caracolillo. Y recuerdo cuando servimos aquella gran mariposa negra, que parecía de terciopelo, que parecía una mujer. Marosa di Giorgio

Marosa di Giorgio

Marosa di Giorgio

MADRE
Sólo poder sobrellevar el tiempo
hasta matar la muerte e los otros.
Recobrar la mirada cerrada para siempre,
ver la mano perdida,
frágil flor de marfil lejana y sola
en su silencio inmenso;
revivir ese amor dulce y sereno
más allá de su grieta sin regreso,
oír su voz ya de aire, ya memoria,
llenando de ternura el gran vacío,
la enorme soledad sin luz, sin eco.
Sólo cambiar el curso de los astros,
levitar las montañas,
volver al primer día,
no haber nacido nunca,
ser simplemente piedra
o guitarra o estrella
o ribera de un río:
sólo poder sobrellevar la vida.
Margarita Muñoa

Lacy Duarte

Lacy Duarte

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Chile homenajea a Violeta Parra con un concierto de artistas de su familia en el Teatro Municipal de Santiago

Santiago de Chile, 6 mar (EFE).- Chile reVioletaParrandió ayer un homenaje su más famosa cantautora, Violeta Parra, de cuyo nacimiento se cumple un siglo este año, con un concierto en el Teatro Municipal de Santiago que contó con la participación de artistas de su familia.
Su hija Isabel Parra, su nieta Tita Parra y el legendario grupo Inti-Illimani son algunos de los músicos y artistas que interpretaron «Canto para una semilla», del compositor chileno Luis Advis, una obra que recoge el legado artístico y la trayectoria vital de la autora de «Gracias a la vida».
Compositora, recopiladora folclórica, cantante, poeta y artista plástica, Violeta Parra (1917-1967) constituye una referencia cultural a nivel mundial.
Además de legar a Chile y el mundo una extraordinaria obra artística musical y musical, la autora de «Volver a los diecisiete» fue fuente de inspiración para las nuevas generaciones de la familia Parra».
El espectáculo que tuvo como escenario el Municipal de Santiago recoge décimas autobiográficas suyas en una obra musical que rescata su personalidad creadora y profundiza en elementos de su vida como la familia, el amor, la muerte y la esperanza, temas todos ellos que fueron relatados por la actriz chilena Tamara Acosta.
Advis, autor de la «Cantata Santa María de Iquique» (1969), compuso «Canto para una semilla» a finales de 1971 y la estrenó un año después. Su deseo era expresar su admiración por la poesía y la personalidad de Violeta Parra. En este homenaje, organizado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes (CNCA), estuvieron también como artistas invitados Consuelo Schuster, Paz Binimelis y Manuel García.

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Poetas de España, Italia y Colombia asisten a encuentro literario en Bolivia

La Paz, mar (EFE).- La ciudad boliviana de Santa Cruz (este) acogerá la presente semana un encuentro de poetas de España, Italia, Colombia y del país anfitrión, que se celebrará con el objetivo de tender puentes entre las producciones literarias de estas naciones.Se trata de la cuarta versión de la Semana Internacional de la Poesía, a la que asistirán los poetas Emilio Coco (Italia), Federico Díaz Granados (Colombia) y Rafael Soler (España), según un comunicado difundido hoy por los organizadores del evento.
«La Semana de la Poesía tiene el propósito de tender puentes entre las poéticas contemporáneas de otros países y la poesía boliviana actual», explicó la poetisa boliviana Paura Rodríguez Leytón, creadora y coordinadora del evento.
El encuentro, al que también concurrirá una docena de poetas bolivianos, tendrá un «preámbulo poético musical» el miércoles 8, se inaugurará al día siguiente y se extenderá hasta el sábado 11.
Es el cuarto año consecutivo en que se realiza el evento literario, auspiciado por la Alianza Francesa de Santa Cruz, el Centro Simón I. Patiño en esa ciudad, Plural Editores y una decena de instituciones privadas.
La directora del Centro Simón I. Patiño, Janette Méndez, destacó que la Semana de la Poesía ha alcanzado su cuarto año «como producto de un esfuerzo conjunto entre poetas, instituciones culturales y empresas de Santa Cruz, demostrando que el camino para construir cultura y formar lectores pasa por un trabajo articulado».

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Lanzan mañana edición especial de biografía de Juana de América por 125 aniversario

Montevideo, mar (EFE).- «Al Encuentro de las Tres Marías», la novela que narra la vida de la poetisa uruguaya Juana de Ibarbourou (1892-1979), también conocida como Juana de América, será relanzada en una edición especial el próximo 8 de marzo, día del 125 aniversario de su nacimiento, relató a Efe su autor, Diego Fischer.
Esta edición especial estará limitada a 500 ejemplares y contará con una tapa dura.
Además, el próximo 8 de marzo estará cargado por un simbolismo especial, ya que también se celebra el Día Internacional de la Mujer, que en Uruguay estará caracterizado por una multitudinaria marcha que se realizará en repudio a la ola de violencia machista que azotó al país durante las primeras semanas de 2017, en las que murieron 7 mujeres.
Según narra Fischer en su libro, la vida de Ibarbourou también estuvo marcada por la violencia de género que ejercieron sobre ella tanto su esposo como su hijo.
En ese sentido, el autor señaló que De Ibarbourou «padecía los males terribles que hoy está viviendo la sociedad uruguaya».
La poetisa, quien nació en la ciudad de Melo (noroeste), alcanzó la fama como autora con la publicación de «Las lenguas de diamante», «La rosa de los vientos» y «Romances del destino», que además la erigieron como una adelantada y transgresora para su época. En 1929 fue designada como Juana de América por poetas y personalidades de la región en un acto que se celebró en el Parlamento uruguayo, en Montevideo. «Juana fue una pionera y una transgresora», resaltó Fischer, quien explicó que los versos de Ibarbourou «despertaron la admiración de los intelectuales de su tiempo en Uruguay y fuera de fronteras, pero que además calaron muy hondo en el ciudadano de a pie».
Sin embargo, en «Al Encuentro de las Tres Marías» el autor también cuenta las «sombras» de la vida de la poetisa, marcada por amores prohibidos, el flagelo de la violencia doméstica y la adicción a las drogas.
«Ella ambicionó desde muy joven la gloria y cuando le llegó fue tan abrumadora que no supo manejarla», apuntó Fischer, y agregó que la droga llegó a la vida de la poetisa a raíz de su «desesperación por evadirse de un mundo que le era absolutamente hostil».
Por esta razón, Fischer consideró que su libro permitió a las personas conocer a Juana de Ibarbourou, quien durante años fue despreciada por la llamada Generación del 45 en Uruguay, que incluye a diferentes autores como Mario Benedetti, Ida Vitale, Idea Vilariño, entre otros.
«Mucha gente descubrió que había otra Juana, que no era la de sus tres primeros libros, sino la que durante 20 años no publicó poesía», apuntó Fischer en relación al período entre 1930 y 1950 en el que de Ibarbourou no publicó «ni un solo libro de poesía».
«Al Encuentro de las Tres Marías» fue llevada al teatro en 2010 por el director uruguayo Álvaro Ahunchain y el propio Fischer, que actualmente trabaja en la producción de una película que llevará la vida de la poetisa al cine.
El largometraje -que llevará el mismo nombre que el libro- está aún en etapa de preproducción pero comenzará a rodarse a fines de este año, según estimó Fischer.
Bajo la dirección del argentino Marcos Carnevale, la figura de Juana de Ibarbourou será representada por la actriz uruguaya Natalia Oreiro y la argentina Norma Aleandro.

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Lamentable partida de Ricardo Piglia, un grande que cambió nuestra relación con la lectura y los libros

Imaginación y crítica

La muerte de Ricardo Piglia el 6 de enero pasado es una pérdida notable para la literatura rioplatense. Sus novelas y cuentos se proyectaron morosamente hacia el reconocimiento internacional, pero ha sido, sobre todo, su capacidad de convertir la crítica literaria en un género de intensidad y creación lo que acabó por ubicarlo entre los más brillantes intelectuales que ha dado la Argentina en el siglo XX.

Durante muchos años se discutió la relevancia de Piglia entre los autores de una generación especialmente prolífica y urgida por los compromisos políticos, como lo muestran los diarios personales que viene publicando Anagrama. En los años sesenta Borges y Bioy Casares, Julio Cortázar, Sábato, Leopoldo Marechal, dibujaban un abanico literario cuestionado y enriquecido por la irrupción de David Viñas, Rodolfo Walsh, Andrés Rivera, Juan José Saer, Haroldo Conti, Juan Gelman, Paco Urondo, Manuel Puig, Germán Rozenmacher, Héctor Tizón, Daniel Moyano y Miguel Briante, entre muchos otros. Entonces la vida literaria enfrentaba dos demandas intelectuales básicas: la relectura de la tradición liberal que alentaba el revisionismo peronista y la inserción del campo de la literatura en las luchas sociales y revolucionarias que cruzaban el continente.

BUSCANDO UNA VOZ PROPIA
Piglia había cursado la carrera de Historia en la Universidad de La Plata y malvivía en las pensiones porteñas mientras se abría camino en la prensa y las colecciones editoriales. Integrado a los sectores de izquierda, sus adhesiones políticas encontraban el límite de una vocación literaria que había decidido anteponer a cualquier otro compromiso, con un empeño que excluía, incluso, la fundación de una familia. Tenía serias dudas de que las discusiones estuvieran bien encaminadas y buscaba una voz propia que lo alejara de la masiva influencia de Borges y Cortázar sobre su generación. Ese empeño lo llevó a la literatura norteamericana (Faulkner, Hemingway y Fitzgerald, en la primera hora), a Pavese, a Witold Gombrowicz, a recuperar la figura de Macedonio Fernández y en especial la de Roberto Arlt, con la intención de encontrar una síntesis personal entre dos iconos contrastados de la literatura argentina: la fidelidad letrada de Borges y la fidelidad popular de Arlt.
En 1967 obtuvo una mención en el Concurso de Casa de las Américas con su primer libro de cuentos, Jaulario, luego publicado en Argentina como La Invasión, y en 1975 publicó su segundo libro de relatos, Nombre falso, pero no fue hasta la edición de su más ambiciosa novela, Respiración artificial (1980), en plena dictadura militar, que obtuvo su consagración literaria. No era la primera vez que aparecía su personaje Emilio Renzi, pero tuvo en la novela una manifestación decisiva que lo llevó a convertirse en su doble literario (un nombre oculto en su documento de identidad: Ricardo Emilio Piglia Renzi), que lo acompañaría hasta sus últimos días.
Más tarde llegaron nuevos títulos: Prisión perpetua (1988), La ciudad ausente (1992), Plata quemada (1997), Blanco nocturno (2010), El camino de Ida (2013), y a partir de 2015 Los diarios de Emilio Renzi en tres volúmenes, del que falta editar el último, Un día en la vida. Anagrama anunció su presentación en setiembre de este año, pero en el mes de enero Jorge Herralde declaró que ignoraba el estado en que lo dejó Piglia antes de morir. Sus diarios personales pueden integrarse tanto a la ficción como a su obra crítica porque se trata de un emprendimiento literario largamente meditado sobre el sentido de la experiencia y los derechos del narrador a intervenirla. Y es que a la par de su obra narrativa, en el esfuerzo por ganarse la vida como escritor —dirigió la famosa colección Serie negra para Tiempo Contemporáneo, orientada a difundir las novelas policiales norteamericanas, y varias colecciones para la editorial Jorge Álvarez—, Ricardo Piglia se convirtió en un eximio crítico literario, con una sólida formación intelectual que lo condujo a frecuentar los mundos académicos y a dictar cursos de literatura en la Universidad de Princeton durante más de quince años.
Sus ficciones y ensayos forman una unidad porque los textos nacieron bajo el amparo de su conciencia crítica, y es notorio que ese amparo fue tan lúcido como estricto para el escritor de relatos. Los concibió como operaciones literarias en un campo intelectual competitivo y cruzado por muchas poéticas, y por admirable que resulte la ductilidad y precisión de su prosa, o la inteligencia para integrar las asperezas de la vida con sobrias estrategias estéticas, el lector de Piglia nunca deja de percibir una excesiva deliberación en el armado de las tramas. No se trata de la verosimilitud sino del riesgo y la actitud desprotegida que pide el relato para creer en la historia y en su narrador. Ineludiblemente asoma el reclamo de cómo debe ser leída una frase o una secuencia con relación al campo de tensiones que atraviesan el sistema literario del autor. La preocupación por el sistema literario es omnipresente en la obra narrativa de Piglia, y fue en la extrema lucidez de esa conciencia donde habría de encontrar su mayor aventura intelectual.

EL ARTE DE LEER
A lo largo de su trayectoria Ricardo Piglia escribió una serie de libros de ensayo y de entrevistas en los que difundió sus ideas literarias, tan agudas y brillantes que hasta el día de hoy resultan abrumadoras. Crítica y ficción (1986), luego ampliado en la edición de Anagrama de 2001, Formas breves (1999), El último lector (2005), La forma inicial (2016), Las tres vanguardias (2016) y la recopilación de retratos sobre los procedimientos narrativos de Faulkner, Capote, Hemingway y otros, en Escritores norteamericanos, que acaba de publicarse en Buenos Aires, integran junto a las notas de lectura de sus diarios un fresco formidable, no solo para indagar las tensiones estéticas y literarias de la Argentina, también las de la literatura norteamericana, el cuento policial, la ciencia ficción, los diarios de Kafka, de Tolstói y de Pavese, la novela decimonónica y los desafíos que enfrenta el género en la actualidad.
Al cabo de años de estudiar y frecuentar la literatura universal, Piglia se convirtió en un lector de excelencia, con una exquisita percepción de los procedimientos narrativos y el modo en que las ficciones se integran a las tensiones de la cultura en sus ámbitos diferenciados. Una robusta vocación crítica sumada a su condición de narrador, le permitió trascender los fórceps y obligaciones de la vida académica (monografías, tesis, papers, citas reverenciales, etc.) para difundir sus lecturas de un modo personal, al extremo de llevar su condición lectora a los niveles de la creación literaria. Porque lo que heredó de Borges fue la conciencia de que la literatura es una conversación privilegiada, y el lector un protagonista de primer orden en la significación de la trama literaria. Demostró que la teoría no necesariamente debe ser epigonal y críptica, ni la literatura un sistema de referencias cerradas sobre su especificidad. La vinculó con la historia, con la política, con los giros sociales, y con los relatos que operan en el Estado, la vida pública y los medios de comunicación, dentro de un campo de fuerzas donde proliferan otros discursos y formas narrativas.

(Suplemento Cultural de El País)piglia

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La segura promesa que un 5 de marzo Quiroga y el destino truncaron de un balazo

Un 5 de marzo, hace hoy 115 años, Horacio Quiroga mataba accidentalmente de un balazo a su amigo Federico Ferrando, también poeta y también salteño, aunque el episodio ocurrió en Montevideo, en 1902.
Hacía poco tiempo que se habían radicado en la capital del país varios jóvenes salteños, todos escritores y amigos: Alberto Brígnole, José María Fernández Saldaña, Asdrúbal Delgado, Julio Jaureche, Federico Ferrando y Horacio Quiroga.
Todos rondaban los veinte años (Ferrando había nacido en 1877 y Quiroga un año después) y conformaron uno de los cenáculos más importantes que tuvo el país (sólo comparable con la “Torre de los Panoramas”, de Julio Herrera y Reissig): el “Consistorio del Gay Saber”, cuya actividad se truncó inmediatamente después del trágico episodio protagonizado por Quiroga y Ferrando.
El grupo no logró sobrellevar la tragedia y se disolvió casi de inmediato. Principalmente por la temprana edad con la que perdió la vida, es muy poco lo que se ha conservado de lo escrito por Federico Ferrando. Entre esos escritos está este poema:
Encuentro con el marinero
(fragmento)
-Marinero célebre, que lo serás un día,
¿Por qué sobre el muelle envuelves tu ropa?
¿Es que vas para Europa
o tomarás el vapor que lleva a Alejandría?
Aún no sabes el punto, eso se adivina
en tus ojos celestes, que casi están oscuros.
Hay en ellos un llanto.
¿Por qué ocultas tu llanto, marinero de alma divina?
Tu traje es bien limpio y en el paño se ve un color
que parece el color del café.
¿Acaso fue tejido en la Arabia feliz?…

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Se viene el primer estreno cinematográfico uruguayo del año: la película “El sereno”

El lanzamiento se realizó en el Festival de Cine de Punta del Este (que se desarrolló entre el 12 y 19 de febrero), y llegará a las salas comerciales a partir del próximo jueves 9 de marzo. Es el primer estreno uruguayo del año: la película “El sereno”, que tiene como protagonista al reconocido actor argentino Gastón Pauls, de exitosos trabajos tanto en películas como telenovelas de la vecina orilla. El sereno es la ópera prima de la dupla Juacko Mauad y Oscar Estévez (coguionista de otras películas uruguayas de suspenso como La Casa Muda y Dios Local). Junto a Pauls, son parte del elenco destacados actores uruguayos, como César Troncoso, Álvaro Armand Ugon, Valentina Barrios y Cecilia Caballero, entre otros.
Fernando (Gastón Pauls) es el nuevo sereno de un enorme depósito que está por ser demolido. Una noche escucha ruidos extraños y descubre una reja abierta que debería estar cerrada. Intrigado, y a pesar de no estar permitido, se aventura al segundo piso, sin siquiera sospechar lo que allí lo espera.

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Federico Ferrando: “abrió una segura promesa que malogró el destino”

El escritor Telmo Manacorda (1893-1954) expresó: “Federico Ferrando tiene que ser el primero, porque tenía mucho talento, porque está muerto y porque fue muy original siendo muy hondo. La llama de su juventud ardió retorcida por la disidencia espiritual con el medio, y su ánima lograba florecer los cálices primeros, cuando la fatalidad puso repentinamente la mano invisible que corre la cortina. Raro, optimista, fuere, nada dejó definitivo, ya lo decimos, pero abrió una segura promesa que malogró el destino. Cabalgando con el tiempo puede esperarse todavía el regreso de su espíritu pronto a florecer, que viene con distinto nombre, a abrir las rosas nuevas del antiguo rosal… Entre todas las cosas sueltas de aquella primavera desconcertante, recuérdase el famoso soneto ‘La tarántula’, que Horacio Quiroga atribuyó a Numa Pampilio Llona. Bien merece leerse, por otra parte, esa ‘locura célebre’ que nadie entendió y que Ferrando publicó en el Almanaque artístico del Siglo XX, con el rótulo de ‘Encuentro con el marinero’, y la fecha del 18 de setiembre de 1901. Se trata –y esto lo digo en su elogio-del mayor escándalo artístico presentado en el país”.

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La hija de Stevie Wonder seguirá los pasos de su padre como cantante

Montevideo, 3 mar (EFE).- Sophia Morris, una de las hijas del músico estadounidense Stevie Wonder, que visitó Uruguay para realizar actividades de una fundación creada por su padre para ayudar a personas con discapacidad visual, anunció hoy en Montevideo que seguirá los pasos de su padre como cantante.
Ello implicará, según la artista, su inmersión en el mundo del espectáculo e incluso la posibilidad de participar en algún concierto junto a su padre.
“Estoy lanzando mi carrera musical paso a paso, pero también es importante, antes que nada, mi aporte a la sociedad y compartir mis experiencias con las personas al hacer música”, dijo Morris con motivo de un visita a la sede del Ministerio de Turismo uruguayo.
La joven se encuentra en Uruguay para realizar actividades de la citada fundación, que se dedica a trabajar con personas que padecen discapacidad visual.
El ministro de Turismo interino, Benjamin Liberoff, que recibió a la cantante, expresó su “satisfacción” por recibir a esta celebridad, que viajó a Uruguay para conocer la experiencias que se están desarrollando no solo en relación con los temas de la fundación sino también con el desarrollo nacional y las posibilidades turísticas.
Morris explicó que la idea de la fundación es generar interacciones con “individuos respetables” de la literatura, la música y el arte para garantizar que las personas “estén inspiradas y logren oportunidades cara a cara” para realizar sus sueños.
“Es todo por los niños y por la juventud y avanzar hacia el futuro con los jóvenes”, añadió.
Con respecto a su estadía en Uruguay, la hija del músico destacó que es un país “hermoso y maravilloso” y que su gente es “muy amable y muy cariñosa”.
Finalmente, manifestó que le “encantaría” poder coordinar en el futuro cercano un concierto de su padre en el país sudamericano y que si bien no puede “decir sí o no” a ello, confía en que pronto pueda suceder.
Stevie Wonder padece ceguera desde su nacimiento, sin embargo, eso no le impidió tocar una gran cantidad de instrumentos, como el piano, la batería, el bajo y la armónica, ser uno de los músicos más reconocidos en Estados Unidos y vender millones de discos en todo el mundo.
El músico de 64 años, ha obtenido diversos premios y reconocimientos entre los que se destacan 25 Grammys y el ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll de Estados Unidos.

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José Carreras actuará por primera vez en Paraguay, en su gira de despedida

Asunción, 3 mar (EFE).- El tenor español José Carreras actuará en junio por vez primera en Paraguay, donde estará

El tenor español José Carreras asiste a una rueda de prensa en Seúl, Corea del Sur, hoy, 2 de marzo de 2017. Carreras ofrecerá un concierto en la capital surcoreana el próximo  4 de marzo. EFE/

El tenor español José Carreras asiste a una rueda de prensa en Seúl, Corea del Sur, hoy, 2 de marzo de 2017. Carreras ofrecerá un concierto en la capital surcoreana el próximo
4 de marzo. EFE/

acompañado por la Orquesta del Congreso paraguayo y como parte de su gira de despedida denominada “Una vida en la música” (A Life in Music), informó hoy el Centro Cultural El Cabildo.
La actuación será en el Centro de Convenciones de la Conmebol, en el Gran Asunción, y en ella Carreras hará un recorrido por el repertorio lírico y popular que más le han influido, señaló en un comunicado El Cabildo, el brazo cultural del Congreso.
También dedicará al público temas que formaron parte de su espectáculo con “Los Tres Tenores”, junto a su compatriota Plácido Domingo y al fallecido tenor italiano Luciano Pavarotti.
Para el martes está prevista una rueda de prensa en El Cabildo en la que se darán detalles de la presencia de Carreras en Paraguay.

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Mujeres argentinas realizan intervención urbana contra la violencia machista

Buenos Aires, 3 mar (EFE).- Varios centenares de mujeres realizaron hoy una intervención urbana en las calles de Buenos Aires para protestar contra la violencia machista y los feminicidios y recordaron al Gobierno argentino que este problema se intensifica en contextos de vulnerabilidad social y ajustes económicos.
Convocada por la organización Movimiento Evita, la concentración cortó desde primera hora de la mañana algunas de las principales vías de la capital, en las inmediaciones del Congreso argentino.
Muchas de las participantes acudieron con caretas de calaveras y de negro para recordar que, en lo que va de año, una mujer murió en Argentina cada 18 horas.
Otras se presentaron con camisetas blancas manchadas de rojo sangre y con maquillaje que simulaba golpes, además de con pancartas con leyendas como “Ni una menos” o “Mi vida vale 7 pesos (0,44 dólares) para el Gobierno”, en referencia a la financiación que destina el Estado a la lucha contra la violencia machista.
Presidía la manifestación -que realizó un breve recorrido hasta las puertas de la sede del estatal Consejo Nacional de las Mujeres- una gran pancarta con el lema de la convocatoria: “Si hay violencia, hay escrache. Si no hay justicia, hay escrache”.
“Estamos en un proceso de revertirlo pero es una sociedad machista”, afirmó a Efe Adela Segarra, diputada y miembro del Frente de Mujeres del Movimiento Evita, quien consideró que el presupuesto dedicado por el Estado en Argentina a combatir la violencia y promover la igualdad es “insuficiente” y que cualquier política debe, además, estar sustentada en la “participación popular”.
En 2016, según los organismos de defensa de los derechos de la mujer, Argentina registró un feminicidio cada 30 horas pero el movimiento Evita denuncia que, en lo que va de 2017, se registraron ya 58 muertes (una cada 18 horas).

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La necesidad de una Pedagogía ambiental: «porque mucho se habla y poco se hace»

Hacíamos referencia en pasadas ediciones a la nueva propuesta educativa y artística que llevará a cabo este año el Centro Cultural Academias Previale (con sede en la casona de la ex Radio Cultural): educación preescolar con énfasis en la formación artística. Pero una de las apuestas fundamentales del nuevo emprendimiento, además, es a lograr una «Pedagogía ambiental», al decir de sus responsables. Entonces surge la interrogante:
¿Qué es una «Pedagogía ambiental»?
Trasladada la pregunta por EL PUEBLO a la maestra Gisela Pinato (quien será Directora de esta área en el Centro), comenzó expresando que «es una utopía que parte de la experiencia que hemos tenido en años anteriores y sobre todo de experiencias adquiridas en el exterior». Sucede que mucho se habla hoy en día de cuidar el medio ambiente. Por ello la docente se preguntó: «¿Pero cómo el niño puede cuidarlo?» Y planteó su propia respuesta: «Pues tiene que practicar, es decir, tiene que tener prácticas de cuidado del medio».
¿Qué prácticas, a modo de ejemplo?
Es importante alentar el uso de vidrio en lugar de plástico, porque el plástico es un elemento muy contaminante y a los plásticos tratar de reciclarlos, incluso como propuesta de arte. Es importante que el niño entienda que todo eso que llena los basureros es material con el que se puede hacer algo. Hay que alentar que las familias usen el vidrio como envase, porque el vidrio se lava y se vuelve a usar. En todo esto mucho se habla y poco se hace. Hay que apostar al trabajo con rollos de papel higiénico, recipientes de champú, e insistir con el uso de envases de vidrio. De esta forma se logra además reducir el costo de materiales para los padres de los niños.

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Conociendo escritores uruguayos contemporáneos

Poner en conocimiento escritores uruguayos de hoy, en especial aquellos muy poco difundidos al menos en esta parte del país, es el objetivo primordial de esta sección que periódicamente hemos venido ofreciendo a los lectores de EL PUEBLO. Hoy es el turno de dos mujeres, ambas montevideanas, Magdalena Ferreiro y Dina Díaz, de las que a continuación compartimos una breve reseña y algunos textos.
Magdalena Ferreiro:
(Montevideo, 1972). Estudió Comunicación y Lingüística. Algunas obras publicadas: «Trinitaria» (Montevideo, Ediciones de la Banda Oriental, 2001) y «Villa de Niebla» (Montevideo, Artefato, 2004). Ha obtenido premios y menciones en concursos literarios organizados por la Intendencia Municipal de Montevideo, la Fundación Lolita Rubial y el Instituto Nacional de la Juventud, entre otras instituciones uruguayas.
Ha leído sus obras en el Cabildo de Montevideo, los Archivos Nacionales de Canadá y la sede canadiense de la Universidad Nacional Autónoma de México. Textos suyos han aparecido en «Crisálida, doce ficciones uruguayas» (Montevideo, Octavo Piso Editores, 2005), en la revista uruguaya Letra Nueva y en diversas publicaciones electrónicas.
VIGILIA
En el supermercado el cartel las ofrece cocidas, pero las langostas aún están vivas y se rozan con sus pinzas, sin intuir el beso feroz del agua. La clientela ávida las estudia en una soterrada competencia: cada cual quiere la más suculenta, la más hermosa, y esa, la elegida, será la primera en probar el ardor del bautismo.
Al costado un cangrejo espera suerte parecida, pero no tiene ningún semejante con quien establecer contacto en el corredor de la muerte revestido de vidrio azul.
En la góndola de enfrente, vitaminas y hierba de San Juan. Más allá, granadas y mangos. Los lácteos al fondo, en su polo propio. Y aquí, esperando sin saber, preguntándose por qué de pronto el mundo se ha vuelto tan estrecho, el cangrejo y las langostas, condenados a protagonizar una cena perfecta o un desayuno atípico. Como esos que aún me estás debiendo pero me niego a cobrarte.
PIEL
¿Estás desnudo? Bueno, es todo lo que necesitamos.
No me servirías enjaezado, no sabría cómo cabalgarte por estos parajes; jamás aprendí a vestirme, a calzarme, a hablar siquiera.
No he sabido cazar, apenas alimentarme. Sé encontrar agua y aprendí que sólo deben comerse aquellas frutas que antes picotearon los pájaros. Ojalá, como ellos, supiera yo reconocer el veneno antes de probarlo. Con esa sapiencia en mi bagaje, tal vez ahora viviría. Pero busco las huellas de los picos desesperados y tomo el agua de algún que otro arroyo y así mantengo esta existencia que no es tal, que no se parece a nada.
Soy libre. Estoy sana. Tampoco llevo ropas y no podría aprobarte con ellas.
Por eso, ¿estás desnudo? Muy bien. Entonces podemos comenzar.
Dina Díaz:
Profesora de literatura. Dirige talleres de escritura desde 1985. Desde que tiene memoria escribe, en el aire y olvida o en el papel y rompe, impulsada por un viejo temor de que el mundo quede sepultado bajo una hojarasca de decires inútiles. Sin embargo en poesía ha publicado «De los modos del morir» (Ediciones «El lagrimal trifurca», Rosario, Argentina, 1986) «Desde este lugar otro» (Ediciones de la Banda Oriental, Montevideo 1991) «Sospechas y silencio» (Ático Ediciones, Montevideo 2006). En narrativa se ha editado «Una ventana para el Pájaro» (Ed.. Letradura, Montevideo 2005) y «Hombrecillos hombrecillos comportarse» (2012). Cuentos suyos han aparecido en antologías, revistas y suplementos.
LA CALMA
I
El sol del mediodía
una garza blanca sobre una piedra negra
el mar soñoliento pule la piedra.

II
Una mano posada
Sobre un vientre dormido.

III
Impasible quieto
como un amor antiguo
con los secretos remolinos
escondidos en el hondo fango,
el lago entrega sumisamente
su verde azul
al azul del cielo.

IV
Crepitó la tierra
y crujió el cielo
sin embargo
tersa permanecía
la superficie de los lagos
y dulce la miel
que bebían las locas aves.

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Viña del Mar 2017 o el triunfo del festival que mezcla a Maluma y la Pantoja

Javier Ureta. Viña del Mar (Chile), 26 feb (EFE).- El festival de Viña del Mar echó este sábado el cierre a seis noches de música en las que actuaron más de veinte artistas y sobre las que antes del inicio se cernía una única pregunta: ¿puede triunfar un certamen que junta en su cartel a gente tan diferente como Isabel Pantoja y Maluma?
La respuesta fue contundente: el letrero de ‘no hay entradas’ colgado durante toda la semana, más de 100.000 asistentes al festival y la ciudad completamente a reventar, repleta de gente que apuraba el verano austral, venía a ver a sus artistas favoritos, o ambas a la vez.ViñaDelMar2702El choque cultural fue también brutal: durante varios días convivieron en la Ciudad Jardín gente de los ochenta sacada de ‘Grease’ para revivir viejos laureles en la actuación de Olivia Newton-John, con las ‘Malumáticas’, uno de los múltiples clubes de fans del reguetonero colombiano que hacían guardia a la entrada de un hotel a la espera de la improbable aparición del nuevo rey de la música latina.
«Somos fanáticas de Maluma, le seguimos desde la primera vez que llegó a Chile, el 18 de octubre de 2015. Para nosotras es importante porque unió nuestra amistad mucho más», contaban Tiara Riquelme e Isidora Soca, que llegaron desde San Antonio (centro de Chile) para ver actuar a su ídolo.
Ambas descartan que el colombiano merezca la fama de machista que se granjeó tras la polémica por las letras de sus canciones y creen que se es injusto con él.
«Hay muchos artistas que han hecho canciones más feas que estas. Aunque esto está mal, nos gusta porque es lindo, es humilde y cuida mucho a sus fans», afirmaban.
La invasión de los aficionados al reguetón se notó en muchos ámbitos del día a día de Viña del Mar.
«La otra tarde llevaba a unas chicas en mi taxi escuchando a Isabel Pantoja y se enojaron porque no entendían cómo podía escucharla a ella en vez de a Maluma», contaba sonriente José Galvez, un conductor que ha aprovechado el tirón del certamen para incrementar sus ingresos.
La tonadillera española aportó el picante y la polémica a esta edición, especialmente cuando regañó a la primera fila del público, en concreto a Mario Domm, vocalista del grupo mexicano Camila y presidente del jurado del certamen, por estar atento al teléfono celular y no prestarle la atención que ella consideraba adecuada.
«A un artista hay que respetarle. Las risas, los móviles… Para todo hay tiempo. Esta canción es mi vida, y si no os la vais a tomar en serio, no la canto», se plantó, genio y figura, la diva andaluza, que se llevó la Gaviota de Platino, premio honorífico del certamen.
Domm tuvo que esperar al último día, el sábado, cuando ya habían desaparecido de las calles de Viña del Mar las mujeres disfrazadas de gitanas en honor a la reina de la copla, para contraatacar.
«Es triste que el platino se fue a España con la persona menos humilde que conozco», disparó en referencia a la tonadillera.
Precisamente la petición de otra Gaviota de Platino fue lo que despertó al ‘monstruo’ -como se conoce al público del festival por su exigencia con concursantes y jurado-, que estuvo tranquilo hasta el último día.
La impecable y emocionante actuación de la chilena Mon Laferte provocó que los asistentes a la Quinta Vergara pidieran con una tremenda ovación la máxima distinción para ella, pero la dirección del certamen decidió no entregarlo y justificó como pudo su decisión.
«Los triunfos nunca nos incomodan. No tenemos más Gaviotas de Platino, pero sabemos que ese estruendo equivale a mil galardones para Mon Laferte», explicaron desde su cuenta oficial de Twitter.
Además de humoristas y músicos consagrados, Viña del Mar tiene una competición internacional que dura toda la semana para elegir la mejor canción de entre todos los países participantes y que se resolvió, cómo no, con polémica.
La descalificación de Danay Suárez, de Cuba, por cambiar a última hora la letra de su canción por, según dijo, un «motivo espiritual», hizo que el galardón fuese para la propuesta española, del cantante Salvador Beltrán y su tema ‘Dónde estabas tú’.
Al final, el triunfo del cartel del ‘festival de festivales’ radicó en un eclecticismo que ha tenido a la Quinta Vergara llena e implicada durante las seis noches del festival y cuyo espíritu definió mejor que nadie uno de los vendedores de comida que tienen sus puestos a las afueras del recinto.
»No importa quién cante, aquí se vende igual de bien todos los días», decía Juan Luis Vega en su puesto de perritos calientes. Amén. ¡Y que viva la mezcla!.

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La sensualidad de J Balvin pone el broche de oro al Festival de Viña del Mar

Javier Ureta. Viña del Mar (Chile), 26 feb (EFE).- El cantante colombiano J Balvin puso el broche de oro hoy la 58ª edición del Festival de la Canción de Viña del Mar con un concierto marcado por la sensualidad de su reguetón, y cerró así seis noches de música y humor en la Ciudad Jardín. Las gradas de La Quinta Vergara no estaban tan, tan entregadas como ayer, cuando fue el turno de Maluma, nuevo ídolo femenino, pero J Balvin tiene una cantidad similar o incluso mayor de éxitos que su compatriota y ofreció un espectáculo que terminó con la audiencia a sus pies.
El cantante, que esta semana se coronó como uno de los reyes de la música latinoamericana con el galardón de ‘Mejor artista masculino’ en los premios ‘Lo Nuestro’, ya había marcado distancias con Maluma en la previa.
»Mi reguetón es sexy y no vulgar», había avisado, y cumplió con una avalancha de temas más sofisticados, más centrados en el género y más alejados de otros experimentos, tan de moda en estos tiempos, con otros estilos como el trap o el rap.
No esperó para descorchar ‘Ginza’, el bombazo que puso a bailar a medio mundo hace dos años y que repitió rutina con los 15.000 habitantes que una noche más llenaron las gradas del coliseo villamarino. Y enganchó definitivamente al público con ‘Safari’, su último éxito, masivamente bailado, antes de lanzar un guiño a Viña del Mar y a los millones de espectadores que siguen el ‘festival de festivales’ por televisión.
«Es más que un sueño para mí estar en Viña del Mar. Vamos arriba todos los latinos, que es la raza más fuerte que hay», animó el colombiano. Su reguetón, rítmico, caliente, sensual, mantuvo de pie y bailando a todo el mundo, especialmente cuando entonó dos de sus piezas más conocidas: ‘Yo te lo dije’ y ‘Sin compromiso’.
J. Balvin es, sin duda, uno de los padrinos del reguetón, como demostró Justin Bieber cuando le eligió para que le acompañase en la versión latina de su mega éxito ‘Sorry’, y el concierto fue una prueba más.
El colombiano ha sabido aprovechar el impulso que le concedió una de las mayores estrellas del pop. Interpretó ‘Sorry’, entre la locura del hoy también público joven, y solventó la ausencia de Bieber de una ocurrente forma: cantó dos veces su propia parte de la canción.

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Carlos Páez Vilaró: “A veces hasta creo que participo de un rito y que soy el gran sacerdote”

Un año más de su muerte:

Mañana se cumplen tres años del fallecimiento de Carlos Páez Vilaró, «el hombre-arte» uruguayo: pintor, ceramista, escultor, muralista, escritor, compositor. Había nacido el 1º de noviembre de 1923 y falleció el 24 de febrero de 2014. EL PUEBLO quiere recordarlo hoy con palabras suyas. En ellas habla de la importancia de viajar, literal y metafóricamente a la vez. Las dijo en un reportaje realizado hace unos años por la revista argentina «Mercado». Vale la pena prestarles atención:
«Es que viajar —digo siempre— es correr palmo a palmo la vida. Viajando rejuvenezco mis colores y mi espíritu. Sé que mi pintura se enraíza en el mar y se vigoriza frente al sol, donde hay un horizonte limpio me dan ganas de quedarme, donde hay una playa larga me dan ganas de instalar mi caballete y dejarme estar con la vista fija hacia un barco perdido… Cierta vez decidí instalarme en San Pablo: paradójicamente en esa ciudad de tránsito afiebrado y de vértigo, estaba desmintiendo mi estilo de vida, mi filosofía de libertad. Era como un contraste doloroso o inquietante montar mi mesa de trabajo en esa ciudad de rascacielos. Sin embargo encontré la otra cara de San Pablo: Guarujá. Allí había tiempo para hacerse tiempo; los árboles tenían nombre; sus noches eran silenciosas y los pescadores me acercaban su diálogo. Me quedé un tiempo y expuse en el Hotel Delphin.
En sus mesas aprendí a conocer a muchos, artistas que se encontraban allí como en un café de Saint Germain de Prés… En realidad mi vida es un largo viaje: mi esperanza son los grandes amigos que están por nacer.
Mi casa está inmóvil por razones de lógica, pero es como si se moviera constantemente. Siempre hay alguien aquí que trae cosas: desde cualquier habitación pueden salir en cualquier momento, un pintor, un músico, un poeta, una muchacha bellísima. Casa Pueblo es un taller, un barco, un albergue. No sé, a veces hasta creo que participo de un rito y que soy el gran sacerdote.
¿Le parece que mi obra puede estar diferenciada de lo que soy?»

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Ante la muerte de Tzvetan Tódorov, un brillante intelectual

No queremos que se nos vaya febrero sin recordar a una figura de enorme importancia en la cultura universal que falleció en los primeros días de este mes: Tzvetan Tódorov. En lo personal, aprendí a valorarlo apenas tuve la posibilidad de acercarme por primera vez a una parte de su extensísimo y variado trabajo intelectual. Fue cuando quise (o comenzar a estudiar, porque no sé si algún día se termina de estudiar a Tódorov) su teoría sobre Literatura Fantástica. Alteración en el comportamiento del tiempo, en el comportamiento del espacio o en el principio de causalidad, son, a grandes rasgos, las razones que hacen que un relato sea fantástico, según este pensador. Pero su obra, además de lo estrechamente vinculado a la crítica literaria y a la teoría lingüística, abarca la filosofía, la política, la historia y más.
De su extensa lista de libros publicados, recordamos entre los más recientes: «Elogio de lo cotidiano» (2013), «Los enemigos íntimos de la democracia» (2012), «Vivir solos juntos» (2011), «Nosotros y los otros» (2010), «El espíritu de la ilustración» (2008), «El miedo a los bárbaros» (2008), «Los aventureros de lo absoluto» (2007), «Elogio del individuo» (2006), «El nacimiento del individuo en el arte» (2006).
Recibió el Premio Príncipe de Asturias, de Ciencias Sociales, en el año 2008. Fue, en definitiva, un intelectual brillante, de los más completos y con mayor profundidad del último siglo. Había nacido en 1939 en Sofía (Bulgaria) y falleció en París (Francia) el 7 de febrero de 2017. Entonces, simplemente lo del principio: desde esta página de EL PUEBLO no queríamos que pasara febrero, el mes que lo despidió de la vida, sin recordarlo.

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La novela “La uruguaya”, del argentino Mairal, se “expande como un virus” por el mundo

Montevideo, 24 feb (EFE).- La novela “La uruguaya”, que nace del “cariño” de su autor, el argentino Pedro Mairal, por Uruguay, donde hoy será presentada, se “expande como un virus” por América Latina y Europa, donde será traducida al italiano, el francés y el holandés, explicó hoy a Efe el escritor.“Mairal, ganador del Premio Clarín en 1998 por su novela “Una noche con Sabrina Love” e incluido por el jurado de Bogotá39 entre los mejores escritores jóvenes latinoamericanos, narra en “La uruguaya” la historia de Lucas Pereyra, un argentino que viaja todos los días a

Una mujer lee el libro "La Uruguaya", del escritor argentino Pedro Mairal, que fue presentado ayer, viernes 24 de febrero de 2017, en Punta del Este (Uruguay). La novela "La uruguaya", que nace del "cariño" de su autor, el argentino Pedro Mairal, por Uruguay, donde hoy será presentada, se "expande como un virus" por América Latina y Europa, donde será traducida al italiano, el francés y el holandés, explicó hoy a Efe el escritor. EFE/Ana Paula Chain.

Una mujer lee el libro “La Uruguaya”, del escritor argentino Pedro Mairal, que fue presentado ayer, viernes 24 de febrero de 2017, en Punta del Este (Uruguay). La novela “La uruguaya”, que nace del “cariño” de su autor, el argentino Pedro Mairal, por Uruguay, donde hoy será presentada, se “expande como un virus” por América Latina y Europa, donde será traducida al italiano, el francés y el holandés, explicó hoy a Efe el escritor. EFE/Ana Paula Chain.

Montevideo a buscar dólares. Asimismo, el personaje principal vive una historia de amor extramatrimonial en Uruguay, ya que allí conoció a una chica en un verano en el departamento de Rocha, al sureste del país. En palabras del autor, la novela “se expande como un virus”, ya que “La uruguaya” también está ya disponible en Argentina, Chile, Colombia, México, Uruguay y España. Consultado sobre la motivación de escribir sobre estos temas, Mairal explicó que surgió del “cariño” que tiene por Uruguay y del conocimiento de parte de Montevideo. Quería usar este espacio para una historia, me parecía que Montevideo tiene una escala más humana que Buenos Aires, que es monstruosa y además para mí está saturada de asociaciones emocionales”, señaló el autor en ese sentido. Mairal, que nació en la capital argentina, aseguró que “cada esquina” de esa ciudad le trae algún recuerdo, por lo que “mover a un personaje por Buenos Aires” es más complicado porque “todo está saturado de recuerdos y demás”. Asimismo, explicó que los porteños ven con “cierta ingenuidad” a Montevideo. Me parece que para los argentinos -o por lo menos para los porteños, porque no sé cómo será para los demás- cruzar a Uruguay tiene algo de pasar al ‘paisito’, donde todos son buenos y no te va a pasar nada”, expresó. Hay una idea medio sonsa (tonta) de Uruguay, como ingenua”, añadió Mairal en ese sentido y afirmó que sabía que “cuánto más metiera al personaje en eso, más se iba a encontrar con una Montevideo más áspera”. Por otra parte, el argentino está trabajando para adaptar su novela al cine, ya que tiene previsto filmar una película sobre “La uruguaya”. Según contó, el proyecto terminará a “mediados de año” para poder filmar en noviembre en Rocha y Montevideo. Lo más difícil del guión es conseguir hacer la parte introspectiva del personaje, porque el libro tiene algo de confesión a su mujer”, apuntó el autor.“En este sentido, aseguró que muchas partes de la historia son fáciles de filmar, aunque otras son más difíciles.“”Lo difícil es hacer toda la culpa del tipo (el protagonista), su pasión, los recuerdos con su mujer, las dificultades con su mujer que él de alguna manera está recordando… Eso es más difícil, es como un mar de fondo que estamos viendo cómo logramos hacerlo en cine”, subrayó. En tanto, aseguró que “probablemente” el compositor uruguayo Jorge Drexler hará una canción inspirada en el libro, algo que está “apalabrado”. La uruguaya” será presentada este jueves en Punta del Este, el principal destino turístico de Uruguay, donde Mairal tendrá un ida y vuelta con los lectores que se acerquen al Espacio Cultural WMW, donde se realizará el evento. Consultado sobre el éxito de la novela, el autor argentino aseguró que le “encanta” que su obra coseche buenas críticas entre el público, pero que es algo que no puede controlar. Hay libros que yo digo: ‘con esto la rompo y esto va a ser un best seller absoluto’ y de repente no pasa nada. Hay otros libros que digo: ‘bueno, vamos a ver qué pasa con este libro, si lo quieren publicar’ y de golpe son muy expansivos y viajan solos”, explicó. En este sentido, dijo que escribe sus libros de “la mejor manera posible”, pero que lo que pasa después depende del azar y del “boca a boca”. Según el autor, uno de los mayores logros de “La uruguaya” es haber logrado conquistar a lectores por fuera del ambiente literario. Saltar por fuera de ese cerco del ambiente literario no es fácil y me parece que no se puede fabricar, pasa o no pasa.
A mí me encanta que pase”, concluyó Mairal.

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La Bienal Sur llega a Madrid para “destruir muros” gracias al arte

Madrid, 24 feb (EFE).- La Bienal Sur, un evento internacional de arte contemporáneo que se llevará a cabo en más de 30 ciudades de Latinoamérica, Europa y otras regiones del mundo, busca “destruir muros” a través del arte, tal y como explicó hoy su director general, Aníbal Jozami. En este mundo donde se plantea construir muros, el arte y la cultura tienen que dar ejemplo y unir esfuerzos para destruirlos”, señaló el sociólogo y docente argentino. La bienal, presentada en Madrid por artistas y comisarios internacionales, se llevará a cabo de forma simultánea en Buenos Aires, Caracas, Tokio y Madrid, entre otras ciudades. Buenos Aires será el epicentro de esta manifestación artística, aunque para el director general de Industrias Creativas de la ciudad, Diego Radivoy, lo importante es que en cualquiera de los recintos se proyectarán las exposiciones del resto de los países.

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Centro MEC Salto invita para ver esta noche “Gilda” en el marco de la gira de verano de Efecto Cine

Cine de verano en Plaza Artigas

“Gilda, no me arrepiento de este amor” es una película biográfica argentina estrenada el 15 de setiembre de 2016, dirigida por Lorena Muñoz y coescrita por Muñoz y Tamara Viñes.
El filme se basa en la vida de la cantante argentina Gilda, autora e intérprete de grandes éxitos musicales. Perdió la vida en un accidente automovilístico en setiembre de 1996.
La cinta muestra la vida íntima y poco conocida de Miriam Alejandra Bianchi, quien se convirtió en ídolo de la canción popular en su país bajo el nombre artístico de Gilda. Rescata la autenticidad, el carisma y la reivindicación de los derechos femeninos en sus canciones durante dos etapas de su vida: una muestra a Gilda cuando era niña y adolescente junto a su padre, inspiración artística de la cantante; y la otra en su madurez, cuando decide comprometerse con su propio sueño y hacerlo realidad.
Gilda es interpretada por la cantante y actriz uruguaya Natalia Oreiro en su vida adulta y por Ángela Torres en la adolescencia.
En numerosas ocasiones a lo largo de su carrera, Oreiro mostró interés en interpretar a Gilda en el cine, pero los proyectos cinematográficos naufragaban por la resistencia del hijo a retratar la vida de su madre. Sin embargo, la directora, Lorena Muñoz y Oreiro aunaron esfuerzos y juntas lograron convencerlo, dando sobradas muestras de porqué ellas eran las indicadas para encarar la propuesta.
En cuanto el proyecto se definió, Natalia Oreiro aceptó protagonizarlo complacida: “Yo soy Gilda”, aseguró la actriz. Para la uruguaya, la cantante argentina siempre había sido una referencia, no solo en lo artístico: “Gilda y yo éramos parecidas. Ella estaba casada, tenía un marido, dos hijos, era maestra jardinera, de clase media. Y un día se dio cuenta de que algo le faltaba”.
Por su parte, Lorena Muñoz también vio en este ícono de la música popular a la mujer que había detrás del mito, reconociendo su valentía y talento. Así, el film tiene una marcada impronta femenina, tanto en la visión como en el relato y en las personalidades de las mujeres que le dan vida desde sus distintos talentos.
A puro pedal, cuidando el ambiente
Salto podrá disfrutar de una función de cine al aire libre, con proyección en Full HD, sonido de alta fidelidad, pantalla inflable gigante y el sistema Efecto Pedal, único de su tipo en todo el hemisferio sur, que implica que el 100% de la electricidad necesaria para realizar la proyección será generada por el pedaleo de los asistentes en las bicicletas de dicho sistema.
La gira nacional “Verano a Pedal 2017” es auspiciada por la Dirección de Centros MEC, la Dirección Nacional de Energía del Ministerio de Industria, Energía y Minería, UTE, ANTEL y el Ministerio de Turismo.

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Aunque algunos piensen suprimir la formación artística: «La Música, eje de la Educación»

Sumamente interesante nos pareció el artículo que a continuación compartimos con los lectores de EL PUEBLO, escrito por Mª Antonia Casanova y publicado recientemente en España (www.periodico escuela.es).
En tiempos en que mucho se discute, allá y acá, sobre la pertinencia o no de la inclusión del arte en la formación del individuo, en tiempos en que incluso se pone en tela de juicio su importancia y su valor, y hasta se llega a afirmar por parte de algunos que es necesario quitar esos contenidos para dar mayor espacio a lenguas extranjeras o asignaturas más instrumentales, viene bien oír esta otra campana. La autora del artículo, Mª Antonia Casanova, es Directora de María Antonia CasanovaFormación del Instituto Superior de Promoción Educativa de Madrid, y profesora asociada de la Universidad Camilo José Cela (Madrid). Ella tiene la palabra.
LA MÚSICA, EJE
DE LA EDUCACIÓN
«Ofrecer como asignatura específica una segunda lengua extranjera, en lugar de o además de Educación Artística…». Reproduzco literalmente una posibilidad que recoge la normativa oficial de la Administración educativa de una de nuestras Comunidades Autónomas, por la cual pareciera que no importa que se suprima la educación artística de Primaria… Supongo que porque no se considera importante: ni la Plástica, ni la Música, reduciendo mucho todas las facetas de este fundamental ámbito educativo. A la vista de esta norma, sigue habiendo aprendizajes de primera y de segunda o de última, porque se supone que se pueden eliminar sin que se resienta la educación integral. Voy a señalar, someramente, algunas de las ventajas que ofrece la educación musical para la formación de la persona. Y, después, cada centro, cada familia o cada docente decidirá si es posible hacerla desaparecer del currículum o no. En principio, todas las investigaciones neurocientíficas recientes reconocen las aportaciones de la Música para la mejora del aprendizaje general en el sujeto. Muy sintéticamente, resumo algunas conclusiones importantes de estos estudios: al nacer, las neuronas ya están establecidas, pero durante la infancia, los axones y dendritas crecen y desarrollan las conexiones sinápticas, a partir de los estímulos que reciben. Por ello, la interconexión dentro del cerebro se expone a constantes reorganizaciones denominadas, globalmente, como plasticidad neuronal. Las columnas de neuronas se conectan formando una red que afecta a ambos hemisferios, facilitando las transmisiones de información entre ellas. Así, se desarrollan uniones celulares estrechamente relacionadas con los estímulos, lo cual constituye el principio del aprendizaje. En este sentido, se comprueba que la educación musical produce modificaciones en la conexión sináptica de conjuntos de células neuronales, lo cual deriva en que cambia el cerebro, pues aumenta el tamaño de la parte anterior del cuerpo calloso, que es mucho más grande en músicos, sobre todo en los que comenzaron su entrenamiento antes de los 7 años (hasta un 25% mayor). En general, todos admitimos que en el hemisferio izquierdo se concentran los aprendizajes lógicos, analíticos, verbales, racionales…, mientras que en el derecho están localizados los intuitivos, sintéticos, espaciales… Bien, pues la Música estimula ambos hemisferios, por lo que una adecuada metodología musical (el ritmo, la melodía, la armonía) desarrollará los dos en paralelo y, de este modo, siempre será el mejor medio para el máximo desarrollo de las potencialidades de la persona en su totalidad. Son muchas las conclusiones a las que llega la Sociedad para la Neurociencia, pero simplemente apunto (para los que piensan que la Música es una pérdida de tiempo en la escuela) algunas, como que el entrenamiento musical fortalece el aprendizaje de currículos estándar como matemáticas y ciencias, que se relacionan fuertemente con el razonamiento espacio temporal, o que la música tiene importante influencia sobre la actividad, la productividad y el incremento de la activación y la atención selectiva. Igualmente, diversos autores afirman que la música potencia la habilidad de resolver problemas de tiempo, espacio y secuencia. ¿Qué más se le puede pedir a una materia curricular? Creo que ninguna ofrece tantas ventajas como esta. Pero seguimos, dejando ya sentadas las bases de su importancia, siendo consciente de que me dejo muchos otros aspectos positivos sin comentar. La música es un lenguaje universal, como otros lenguajes artísticos. Favorece la comunicación entre personas de culturas diversas, pues las conecta sensorial y emocionalmente. No necesita del conocimiento de un idioma para establecer esa relación. Todos disfrutamos con obras de autores de cualquier parte del mundo. Comprendemos sus mensajes y somos capaces de disfrutarlos y reproducirlos. De hecho, los integrantes de una orquesta, incluido su director, pueden no entenderse verbalmente, pero sí lo hacen cuando interpretan una partitura. Al dirigirse directamente a la emoción y a los dos hemisferios cerebrales, llega a lo más íntimo de cada persona, de cada niño o niña. Con la música se siente capaz de participar, expresarse, compartir acciones, disfrutar…, conjuntamente con otros, lo cual eleva su autoestima y le ayuda a superarse en campos diferentes de los que se consideraba desterrado. Tenemos cercano el ejemplo de la orquesta de instrumentos reciclados de Cateura (Paraguay), cuyos chavales ofrecen conciertos en todas partes del mundo. Chavales, insisto, excluidos de la educación sistémica en casi todos los casos. Por otra parte, en España más de 200 jóvenes con discapacidad se han incorporado a 14 orquestas sinfónicas, participando en 22 conciertos y 14 ciudades, incluyendo su actuación en el Auditorio Nacional de Madrid. Y qué decir de la orquesta West-Eastern Divan, creada por Daniel Baremboim y Edward Said en 1999, que reúne a 73 músicos israelíes, palestinos, jordanos y libaneses con objeto de acercar a árabes, judíos y palestinos a través de la música, en un excelente ejemplo de convivencia pacífica. Hay más. Parece que la música fue una expresión anterior al lenguaje verbal, dado que aparecen flautas y otros instrumentos con una antigüedad de 6000-8000 años antes del homo sapiens. Este hecho se relaciona con la capacidad que tienen, ahora mismo, las personas para recordar canciones incluso de su niñez, mejor que otros hechos de su vida, por importantes que hayan sido. Las que padecen Alzheimer se olvidan de casi todo, o de todo, menos, en muchos casos, de la música de su infancia. Podríamos seguir aportando datos en favor de la educación musical durante páginas y páginas. Pero ya lo dejo. Solamente expongo a la consideración del mundo educativo la importancia de la educación musical tanto para lograr un mejor y mayor aprendizaje general, como para el propio desarrollo integral, a la vez que para alcanzar una convivencia de los diversos en igualdad de oportunidades para todos. Desde la ética, la estética, la emoción, la inteligencia, la creatividad y la sociedad… Hay que enseñar y aprender Música.

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La UCU contacta a empresarios para asesorar en ideas de innovación que les permitan ser más competitivos

Emilio Oteiza y Álvaro Sorondo, docentes responsables de la consultoría, explicaron a EL PUEBLO junto al magister Emilio silva, Director de la universidad Católica en Salto, los objetivos de la consultoría que ofrece el Centro de Apoyo a la Innovación empresarial de la UCUDAL:
INICIATIVA CONJUNTA
Esto es una iniciativa que tiene la Universidad Católica y que funciona en las tres sedes que tiene la UCUDAL en el país, es decir Montevideo, Salto y Punta del Este y se llama Centro de Apoyo a la Innovación Empresarial (CAIE). La iniciativa cuenta con el apoyo de la Agencia Nacional de Investigación e Innovación (ANII) y estamos desarrollando este centro que tiene como objetivo apoyar a las empresas y a los empresarios que tengan ideas para llevar adelante, ya sea desarrollar nuevos productos, nuevos mercados, nuevos procesos. Todas cosas que se engloban dentro de lo que se llama la innovación, pero generalmente las ideas que tienen los empresarios, que son muchas porque estos siempre están con muchas ideas en sus cabezas, muchas veces cuesta llevarlas a la práctica por limitaciones de distinta índole pero que básicamente las podríamos resumir en dos grandes rubros, falta de recursos económicos y falta de recursos en general.
Muchas veces en nuestras conversaciones con empresarios encontramos, primero que ideas no es lo que falta. Hay muchos empresarios con muchas ideas y lo que si es que tenemos la dificultad de poder llevarlas a cabo y la mayoría de las veces la excusa es económica, es decir “no tengo el dinero para poder llevarlas a cabo”. Pero a veces el empresario también reconoce que si tuviera mayor certeza de que la idea es viable, estuviera convencido de que tiene la capacidad. Las personas, la infraestructura, el equipamiento y los recursos para llevarla adelante, que el mercado es real y no ficticio, cuando se dan todas estas condiciones la plata aparece.
HAY EMPRESARIOS CON IDEAS
Vale decir que el problema no es económico sino que está faltando alguna otra cosa. Tenemos empresarios con ideas, pero esas ideas cuesta transformarlas en realidad, en procesos nuevos, para hacerlas más eficientes, en ahorro de energías, en mercados de exportación y demás. Nosotros lo que buscamos es actuar en esa problemática, es decir, ayudar y trabajar junto con los empresarios para que juntos podamos superar esas dificultades. Esto es falta de capacidad de empresario, falta de tiempo, pero también falta de dinero, porque tenemos la posibilidad de trabajar en proyectos en los cuales no sólo ayudemos al empresario a dar los pasos que tiene que dar, asesorándolo, ayudando a bajar a tierra sus ideas, adoptando metodologías de trabajo para que trabaje de una manera más ordenada y en definitiva pueda llevar adelante sus ideas, sino que además está la posibilidad de que la parte económica se resuelva de alguna manera gracias al apoyo que tenemos de la ANII,
Vale decir que el gran objetivo, tanto del Centro CAIE, como de la Universidad Católica y de la ANII es lograr que nuestros empresarios sean más competitivos a través de generar nuevos productos, de abrir nuevos mercados, de tener proyectos y empresas más eficientes. Todo eso que nosotros englobamos bajo el término de innovación significa ayudar a nuestras empresas.
NO HAY LIMITANTES PERO SE ADAPTAN MÁS LAS PYMES
Sorondo explicó que en realidad la consultoría está orientada a pequeñas y medianas empresas, porque tenemos pensado que hay determinado perfil de empresas que encajan mejor en nuestra propuesta, porque si bien no hay una limitante estricta, es sabido que las grandes empresas ya tienen resuelto este tema que nosotros de alguna manera venimos a suplir.
Las que tienen más dificultades en los recursos sobre los que nosotros actuamos son las pequeñas y medianas, allí es donde está el grueso de las empresas que nosotros podemos ayudar.
Tampoco hay una limitación de rubros, sino más que nada que la empresa haga el “clic” para dar el paso. Es más, no siempre es necesario más tecnología o nuevas tecnologías, sino que el empresario sienta que “ahora es el momento” o ahora tenga esta gente que me puede ayudar a concretar la idea que siempre he tenido. Eso pasa en cualquier tipo de emprendimiento, tanto industrial, como de comercio o de servicio y dentro de los servicios, tanto de turismo como de cualquier otro.
Hay empresarios que se sienten muy solos en este sentido y nosotros podemos ayudar en cuanto tenemos experiencia en materia de herramientas de gestión que sirven para ordenar un poco las cosas, a encauzar las distintas actividades que pueden ser importantes para concretar estas ideas.
ASESORÍA Y ACOMPAÑAMIENTO
Esto es básicamente un servicio de acompañamiento y auditoría, señaló por su parte Oteiza y la particularidad que tiene es que en lugar de intentar nosotros de imponer un manual de innovación,en realidad estamos trabajando a la inversa. Hace meses que estamos hablando con distintos empresarios, principalmente del interior del país, viendo las realidades y que cosas necesitan.
Una de las cosas que vimos es que prácticamente todos los empresarios con los cuales hemos conversado innovan y no sólo esto, sino que muchos de ellos empezaron sin nada y hoy han logrado con mucho trabajo y orgullo construir sus empresas a partir de llevar ideas nuevas al mercado, de intentar hacer cosas nuevas que antes no hacían y eso es innovar. Vale decir nos dimos cuenta que los empresarios innovan todo el tiempo, sólo que no usan ese nombre, sino que usan otros nombres.

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Cine latinoamericano se lleva dos Osos de Plata y varios premios en Berlinale

Elena Garuz
Berlín, 18 feb (EFE).- El cine latinoamericano cerró hoy su participación en la 67 edición de la Berlinale con dos Osos de Plata, para «Una mujer fantástica», del chileno Sebastián Lelio, y para el cortometraje mexicano «Ensueño en la pradera», de Esteban Arrangoiz Julien, así como varios premios de jurados independientes.
La cinta «Una mujer fantástica», coproducida por Chile, España, Estados Unidos y Alemania, se llevó el Oso de Plata al mejor guión para esta historia centrada en el rechazo social a una mujer transgénero, firmada por Lelio y Gonzalo Maza.
El filme, cuya buena recepción, interés y conexión por parte del público resultó algo «inesperado» para su director, obtuvo asimismo el Teddy a la mejor película de la Berlinale, galardón que distingue el cine de contenido homosexual o con especial sensibilidad hacia la comunidad LGTB.
La cinta sumó también una mención especial del Jurado Ecuménico que sigue el festival.
La película se centra en la figura de Marina -interpretada por la actriz transexual Daniela Vega-, que por el hecho de ser transgénero es vetada por la familia de su novio, Orlando -encarnado por Francisco Reyes-, y totalmente excluida cuando llega la hora de darle el último adiós al que fuera su pareja.
En tanto, el Oso de Plata Premio del Jurado de cortos recayó en el filme mexicano «Ensueño en la Pradera», obra que trata de reflejar las difíciles condiciones de vida que sufren muchos mexicanos y el impacto de la violencia en los habitantes de los pequeños pueblos.
En la rueda de prensa tras la gala de entrega de premios, Arrangoiz denunció que su país vive una etapa «muy oscura» marcada por la violencia que se está grabando en el imaginario de los niños, al tiempo que llamó al Gobierno de su país a invertir más en educación y cultura como «única manera de salvar a las nuevas generaciones» de esta lacra.
En la cinta, en la que un joven regresado de Estados Unidos conversa en el campo con una chica que nunca ha dejado México, Arrangoiz recurrió a la mezcla ficción y documental como apoyo para contar su historia.
En tanto, el corto «Centauro», del argentino Nicolás Suárez, una película del oeste greco-creole que transcurre en la Pampa Argentina, recibió una mención en la misma categoría.
El filme «The Jungle Knows You Better Than You Do», de la directora colombiana Juanita Onzaga y coproducido con Bélgica, se llevó el Premio Especial al mejor cortometraje del jurado internacional de la sección Generation 14plus, dotado con 2.500 euros.
Por otra parte, la película «La libertad del diablo», del mexicano Everardo González, centrada en víctimas y victimarios de la violencia en México, ganó el premio de Amnistía Internacional para documentales de la Berlinale, donde se proyectó en la sección Berlinale Special.
El filme, que optaba también al premio al mejor documental, constituye un crudo y doloroso retrato de una sociedad gobernada por el miedo y la inseguridad y ofrece una selección de los testimonios que se esconden detrás de cifras y titulares estremecedores, pero abstractos.
En tanto, el filme «Pendular», de la brasileña Julia Murat, corpoducida por Brasil, Argentina y Francia, ganó el premio de la Federación Internacional de la Crítica Cinematográfica -FIPRESCI-, en la sección Panorama.
El filme presenta a una joven pareja que se muda a una planta de una fábrica abandonada, donde, con una cinta naranja, divide el espacio en dos partes iguales: en una, él instala su taller de escultura, la otra se convierte en estudio de danza para ella.
El arte y la intimidad se mezclan en este ambiente, donde los protagonistas pierden poco a poco su capacidad de distinguir entre sus proyectos artísticos, el pasado de cada uno y su relación amorosa. El Premio de la Paz recayó en el documental «El pacto de Adriana», en el que la realizadora chilena Lissette Orozco se sumerge en el pasado de su tía Adriana Rivas y su paso por el cuartel Simón Bolívar como secretaria del jefe de la Dirección de Inteligencia Nacional (DINA, policía secreta de la dictadura chilena), el general Manuel Contreras.

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Maluma donará ganancias de Festival de Viña del Mar a afectados por incendios

Viña del Mar (Chile), 20 feb (EFE).- El cantante colombiano Maluma, una de las principales estrellas que actuarán en el Festival de la Canción de Viña del Mar, anunció hoy que donará todas las ganancias que recaude en el evento a los damnificados por los incendios que azotaron el centro y el sur de Chile.
«Una parte de mi corazón es de ustedes, Chile, por eso el 100 % de mis ganancias de este festival de Viña del Mar irá a manos de la fundación «Desafío Levantemos Chile», que se encargará de darle ayuda a quienes viven esta calamidad. Es lo mínimo que puedo hacer por mis hermanos chilenos», escribió Maluma en la red social Instagram.
El artista, una de las figuras del reguetón a nivel mundial, explicó que tomó la decisión tras reunirse con el director del certamen, Álex Hernández, que le enseñó imágenes de los incendios que hace dos semanas arrasaron más de 500.000 hectáreas y se cobraron la vida de once personas y dejaron pérdidas por millones de dólares.
«Me mostró cientos de historias de afectados por los incendios, conmovedores rostros de familias que perdieron absolutamente todo. Hoy me pongo en sus lugares y decido aportar un grano de arena a esta situación», afirmó el colombiano.
La fundación que eligió el cantante colombiano para donar sus ganancias, ‘Desafío Levantemos Chile’, es una asociación que surgió para ayudar a reconstruir lo que se perdió en el terremoto que sufrió el país en febrero de 2010 y que actualmente tiene proyectos a lo largo de todo el país en diversas áreas, como educación, cultura o infraestructuras.
Maluma, la principal estrella del festival, actuará el viernes, pero llegó este lunes a Viña del Mar para pasar la semana en la Ciudad Jardín.

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Artesanos de arpa paraguaya, la identidad musical que se resiste a desaparecer

María Sanz.
Asunción, 17 feb (EFE).- Protagonista indiscutible de polkas, guaranias y otras músicas folclóricas de Paraguay, el arpa paraguaya nace del trabajo de los artesanos concentrados en la ciudad de Luque, próxima a Asunción, que mantienen viva una tradición que se resiste a desaparecer. Entre tablones, sierras sin fin, virutas de madera y serrín, el luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpas, recorta las piezas para unirlas en un

ACOMPAÑA CRÓNICA:PARAGUAY MÚSICA ASU01. LUQUE (PARAGUAY), 16/02/2017. El luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpa, durante una entrevista con Efe en su propio taller en Luque (Paraguay) hoy, jueves 16 de febrero de 2017. Entre tablones, sierras sin fin, virutas de madera y serrín, el luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpas, recorta las piezas para unirlas en un rompecabezas de precisión milimétrica, que al terminar de armarse dará forma al instrumento nacional de Paraguay.  EFE/Andrés Cristaldo Benítez

ACOMPAÑA CRÓNICA:PARAGUAY MÚSICA ASU01. LUQUE (PARAGUAY), 16/02/2017. El luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpa, durante una entrevista con Efe en su propio taller en Luque (Paraguay) hoy, jueves 16 de febrero de 2017. Entre tablones, sierras sin fin, virutas de madera y serrín, el luthier Nicasio Díaz, que lleva casi 30 años dedicado a fabricar arpas, recorta las piezas para unirlas en un rompecabezas de precisión milimétrica, que al terminar de armarse dará forma al instrumento nacional de Paraguay. EFE/Andrés Cristaldo Benítez

rompecabezas de precisión milimétrica, que al terminar de armarse dará forma al instrumento nacional de Paraguay. Tablas de madera de cedro, autóctona, y chapas de pino importadas de Canadá conforman la caja de resonancia del arpa, sobre la que se coloca la cabeza, repleta de clavijas para la treintena de cuerdas que, en promedio, posee el instrumento, y que Díaz afina una a una mediante una aplicación en su teléfono móvil. Las cuerdas se tensan paralelas a una columna, también de madera, que une la cabeza a la caja de resonancia, y que a veces está tallada con diferentes motivos del país, como por ejemplo el cuerpo de una mujer indígena. Díaz explicó a Efe que todas las piezas se unen mediante un pegamento elaborado a base de gelatina de repostería y agua, se fijan a través de abrazaderas de cuero hechas a la medida del arpa, y se dejan secar a media sombra o, en invierno, con una fogata cercana. El proceso, en el que cada pequeño detalle influye en el sonido final que saldrá del instrumento, suele tomar entre 15 y 22 días y el arpa se vende habitualmente por unos 3 millones de guaraníes (unos 500 dólares), dijo Díaz. A su taller, instalado en el fondo de su casa en Luque, han llegado encargos procedentes de Japón, como las arpas para la artista nipona Mika Agematsu, intérprete de música popular latinoamericana, y también de otros países como España o Estados Unidos.
El primer encargo que tuve para exportación fue en 1987 y tenía que mandar 20 arpas a España y otras 20 a Estados Unidos. Entonces estaba solo, era más joven y trabajaba unas 14 o 15 horas al día para poder llegar a la fecha del encargo”, recordó. Ahora Díaz trabaja con la ayuda de su hijo Rolando, de 18 años, que afirmó que el arpa es un instrumento muy versátil y no solo sirve para acompañar la música folclórica de artistas paraguayos reconocidos como Félix Pérez Cardozo o Emiliano R. Fernández, sino que puede adaptarse a diversos estilos. Rolando aspira a continuar con la tradición familiar de fabricación de instrumentos para impedir que desaparezca una cultura asociada a la ciudad de Luque, donde también se construyen guitarras. Nuestro objetivo es que se valore nuestra cultura y siga vigente la artesanía. Hoy en día muchos jóvenes solo buscan un trabajo que les dé mucha ganancia y no se dedican a su cultura y tradición”, declaró. Además de la falta de interés de las nuevas generaciones, la fabricación artesanal de arpas enfrenta otra amenaza: la irrupción en el mercado de productos de origen chino, que se fabrican a nivel industrial y tienen menores costos, explicó a Efe Miguel Villalba, constructor de guitarras.““Villalba integra junto con los Díaz la cooperativa de luthiers Oñondivepa (“todos juntos”, en guaraní), y aseguró que, a diferencia de los instrumentos artesanales, los fabricados a nivel industrial duran apenas medio año y no pueden repararse.
Además de aportar mayor la calidad y armonía de los sonidos, los artesanos, como Rolando Díaz, destacan que fabricar a mano un arpa paraguaya representa una seña de identidad y “un lujo espectacular”, al ver cómo “el fruto del sacrificio se va por todo el mundo”.

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Horacio Quiroga moría hace 80 años

1937 – 19 de febrero – 2017

Una madrugada de 19 de febrero como la que acaba de pasar, a los 58 años de edad, Horacio Silvestre Quiroga Forteza sumaba un eslabón más en la larga cadena de muertes trágicas que rodeó su vida: hace hoy exactamente 80 años que se quitaba la vida al beber un vaso de cianuro en el Hospital de Clínicas de Buenos Aires, tras enterarse que sufría cáncer de próstata. Respecto a su vida, el rasgo que mejor puede definirla quizás sea el de autenticidad. Puramente auténtico fue su tiempo vital en la selva: integrado totalmente a las plantas y los animales, navegando peligrosas corrientes de ríos (aún sin saber nadar), realizando experimentos mecánicos y científicos, plantando, construyendo con sus propias manos (desde una casa o una embarcación hasta su propio calzado)… De su obra, ¿qué más decir que se trata de una de las más originales y trascendentes que se han escrito en lengua española? Y cabría preguntarse además: ¿es posible separar una obra tan llena de selva y muertes trágicas de una vida como la de su autor? La respuesta es no. Y eso también se llama autenticidad. Cabe además en una fecha como la de hoy, repetir un concepto que venimos manejando en esta página desde hace mucho tiempo (incluso hace unos días, cuando recordábamos los 100 años de la aparición de Cuentos de amor de locura y de muerte): es notable el cada vez más creciente interés que despierta una obra aún cuando el autor hace ya mucho tiempo que murió, es decir que no está detrás de ella para intentar imponerla. Es ni más ni menos que una muestra de que la obra se sostiene por sí misma, y eso se debe simplemente a que su valor es muy grande.
Quiroga fue siempre fiel al hecho de haber sido él mismo: El que sigue es un párrafo extraído de una extensa conferencia brindada en Salto (Auditorio de Casa Quiroga) hace dos años, por el escritor montevideano Guillermo Lopetegui, especialista en la obra de Quiroga: “…Pero si a algo fue siempre fiel, es al hecho de haber sido él mismo, tanto cuando escribió ‘urgido por la necesidad’ como cuando el oficio en sí era su válvula de escape una vez que retornaba cansado y sudoroso del monte; una vez que los padres de alguna María Esther, Ana María o ‘la chica de Lomas’, le cerraran las puertas en la nariz; una vez que recordara, sin mencionarlo, las pasadas muertes de sus seres queridos. Entonces Quiroga era joven y temía a que ‘la muerte nos siegue verdes’, pues consideraba que aún no acababa de cumplir con su obra; más bien que -en medio de la travesía que lo llevó al fracaso de París mientras iba escribiendo su diario de viaje y pensaba en su futuro y también en la muerte- recién la estaba iniciando”.
El recuerdo en versos de Alfonsina Storni: Impactada por la noticia del suicidio de su íntimo amigo (hay quienes afirman que también existió una relación amorosa), la poeta Afonsina Storni (quien se suicidaría a los 46 años, un año y nueve meses después que Quiroga) escribió estos versos:
Morir como tú, Horacio, en tus cabales,
y así como en tus cuentos, no está mal;
un rayo a tiempo y se acabó la feria…
Allá dirán.
Más pudre el miedo, Horacio, que la muerte
que a las espaldas va.
Bebiste bien, que luego sonreías…
Allá dirán.
(El poema puede leerse, en tamaño ampliado, en la pared Norte del Mausoleo de Casa Quiroga, Avda. Viera y Maciel).

La enseñanza de Quiroga
No solamente Quiroga enseña a escribir con el ejemplo, es decir que permite que se aprenda a escribir leyéndolo. A eso se suma que se preocupó por dejar explícitamente escritos diez puntos que entendió serían (o deberían ser) eje para quien pretenda escribir cuentos. Son esos puntos lo que se conoce como “Decálogo del perfecto cuentista”. Creemos que recordar esas enseñanzas es una de las mejores maneras de recordar y homenajear su genio:
I: Cree en un maestro -Poe, Maupassant, Kipling, Chejov- como en Dios mismo.
II: Cree que su arte es una cima inaccesible. No sueñes en domarla. Cuando puedas hacerlo, lo conseguirás sin saberlo tú mismo.
III: Resiste cuanto puedas a la imitación, pero imita si el influjo es demasiado fuerte. Más que ninguna otra cosa, el desarrollo de la personalidad es una larga paciencia
IV: Ten fe ciega no en tu capacidad para el triunfo, sino en el ardor con que lo deseas. Ama a tu arte como a tu novia, dándole todo tu corazón.
V: No empieces a escribir sin saber desde la primera palabra adónde vas. En un cuento bien logrado, las tres primeras líneas tienen casi la importancia de las tres últimas.
VI: Si quieres expresar con exactitud esta circunstancia: “Desde el río soplaba el viento frío”, no hay en lengua humana más palabras que las apuntadas para expresarla. Una vez dueño de tus palabras, no te preocupes de observar si son entre sí consonantes o asonantes.
VII: No adjetives sin necesidad. Inútiles serán cuantas colas de color adhieras a un sustantivo débil. Si hallas el que es preciso, él solo tendrá un color incomparable. Pero hay que hallarlo.
VIII: Toma a tus personajes de la mano y llévalos firmemente hasta el final, sin ver otra cosa que el camino que les trazaste. No te distraigas viendo tú lo que ellos no pueden o no les importa ver. No abuses del lector. Un cuento es una novela depurada de ripios. Ten esto por una verdad absoluta, aunque no lo sea.
IX: No escribas bajo el imperio de la emoción. Déjala morir, y evócala luego. Si eres capaz entonces de revivirla tal cual fue, has llegado en arte a la mitad del camino
X: No pienses en tus amigos al escribir, ni en la impresión que hará tu historia. Cuenta como si tu relato no tuviera interés más que para el pequeño ambiente de tus personajes, de los que pudiste haber sido uno. No de otro modo se obtiene la vida del cuento.

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Ballet Nacional de Uruguay lanza temporada 2017, que estrenará el Hamlet Ruso

Montevideo, 16 feb (EFE).- El Ballet Nacional de Uruguay lanzó hoy su temporada 2017, que trae cambios para esta compañía y que se estrenará con el “Hamlet Ruso”, luego de una reciente gira por España que superó los 17.000 espectadores e incluyó funciones en el Liceo de Barcelona y en los Teatros del Canal de Madrid. Así lo anunció el director del Ballet Nacional del Sodre (BNS), el exbailarín argentino Julio Bocca, que aseguró que tal como sucede con las empresas que se van “renovando todos los años”, el cuerpo de baile que dirige desde 2010 “también está en esos cambios”. En una rueda de prensa que se celebró este jueves en el hotel Sofitel de Montevideo, Bocca detalló cada una de las obras que compondrán la programación 2017 de la compañía, así como los proyectos a futuro, que tienen como objetivo final posicionar al cuerpo de baile entre los diez mejores del mundo. El director argentino se refirió a la gira que realizó la compañía de ballet en España durante diciembre y enero, algo que describió como “maravilloso”.
“A partir de la función en el Liceo (de Barcelona), empezaron a llegar llamadas, contratos, invitaciones a Dubai, a China, Nueva York… Creo que fueron uno, dos o tres escalones que hemos subido en este trabajo que venimos haciendo”, apuntó Bocca en relación a la exitosa gira que reunió a 17.000 espectadores en un total de 16 funciones. “Salir a España costó 300.000 dólares y trajimos de vuelta 50.000 dólares de ganancia. La cultura no es el fútbol (…), pero también trae dinero”, afirmó el exbailarín argentino. En este sentido, Bocca subrayó que cree que “se están haciendo bastantes cosas” de las que le gustaría que se “hablará más” y se “supiera más”. “Me gustaría que la cultura esté más presente porque creo que va a ayudar a mejorar el país, la inseguridad y creo que son cosas que es necesario que estén todo el tiempo”, agregó en ese sentido. Además, Bocca anunció que la compañía oficial de ballet de Hong Kong (China) encargó a los talles del Servicio Oficial de Difusión, Radiotelevisión y Espectáculos (Sodre) la elaboración de telas para sus espectáculos, algo en lo que actualmente se está trabajando desde el país suramericano.
Concretamente, la programación 2017 del BNS comenzará con la presentación del “Hamlet Ruso”, que se estrenará el próximo 23 de marzo, y seguirá con obras como “Don Quijote”, “Gala VI” (compuesta por “Theme and Variatons”, “Encuentros” y “Chacona”, tres estrenos nacionales), “Romeo y Julieta” y “El Cascanueces”. Asimismo, Bocca anunció la presencia de invitados internacionales como la bailarina italiana Alessandra Ferri y los argentinos Herman Cornejo y Paloma Herrera, entre otros.
Además de sus funciones en Montevideo, el BNS realizará una gira nacional, otra por el interior de Argentina, así como presentaciones en Buenos Aires, Tenerife (España), Vicenza (Italia) y otras ciudades del mundo. Por otra parte, en noviembre la compañía de baile uruguaya se encargará de abrir el Festival de Danza de Cannes en Francia. Con respecto a las salidas internacionales del cuerpo de baile, el presidente del Sodre, Doreen Ibarra, aseguró que “incentivan la cultura” y llevan a “cada rinconcito del mundo lo que significa este pequeño país (Uruguay), que tiene un desarrollo democrático, cultural y educacional muy importante”.
“El ballet ha crecido mucho trabajando con amor, disciplina y buscando siempre la excelencia. Vamos por mucho más”, sostuvo Ibarra, que además reiteró que el Sodre trabajará para posicionar al BNS entre las diez mejores compañías del mundo.
“Vamos en ese camino y lo vamos a completar con Julio Bocca y con todo el elenco del BNS”, concluyó el presidente del Sodre.

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De pluma salteña para el mundo: aparecía hace 100 años una obra fundamental

“Cuentos de amor de locura y de muerte”

Fundamental para las letras no solo latinoamericanas sino de la lengua española toda: maestría en el estilo narrativo (fuerte, preciso, contundente, conmovedor) y en la elección de la anécdota (interesante, original, creíble, siempre sentida como cercana o al menos visualizada desde cerca), son algunos de los puntos más altos en “Cuentos de amor de locura y de muerte”, uno de los más famosos libros de cuentos de Horacio Quiroga, publicado por primera vez en 1917.

“…de amor de locura y de muerte” (sin coma)
Aquella primera edición de 100 años atrás, incluye 18 relatos. Para las siguientes ediciones, el propio autor realiza algunas modificaciones en los cuentos y excluye Los ojos sombríos, El infierno artificial y El perro rabioso. El tema que sobresale en la mayoría de los cuentos es el que se desprende del mismo título de la obra. En ese sentido, interesa destacar que el propio Horacio Quiroga quiso que el título no llevara coma después de la palabra “amor”, lo que otorga al enunciado un claro sentido de unidad entre el amor, la locura y la muerte, una especie de fusión entre los tres componentes.
Traducciones
Es Horacio Quiroga uno de los narradores latinoamericanos cuyas obras mayor cantidad de traducciones, a los más diversos idiomas, han recibido a lo largo de los años. Y las siguen teniendo. “Cuentos de amor de locura y de muerte” no es la excepción. Esa es una muestra del interés creciente que despierta una obra aún cuando el autor hace ya mucho tiempo que murió, es decir que no está detrás de ella para intentar imponerla. Es una muestra de que la obra se sostiene por sí misma: simplemente porque su valor es muy grande. Realmente un deleite para la vista es acercarse a las vitrinas con libros de la “Sala de Traducciones”, ubicada en “Casa Quiroga”, de nuestra ciudad.
Aspectos llamativos en la obra
(Extraido de Wikipedia) “La obra trata principalmente de la muerte, aunque toca otros temas como la humanización de los animales, siendo estos quienes junto a un pensamiento enteramente racional dirigen las respectivas historias. Pero aunque los animales portan raciocinio, este acaba con la fuerza bruta del hombre. Otro tema abordado es el de la deshumanización del hombre que cede su voluntad a los instintos más primitivos. Siguiendo sus impulsos surgen los problemas y la trama de varios cuentos. El tercer tema es la apariencia. Horacio Quiroga hace que el lector tenga una primera visión, que finaliza con la de quien escribe”.

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Cuentos incluidos en la primera edición (1917)
Una estación de amor
Los ojos sombríos (relato no incluido en siguientes ediciones)
El solitario
La muerte de Isolda
El infierno artificial (relato no incluido en siguientes ediciones)
La gallina degollada
Los buques suicidantes
El almohadón de plumas
El perro rabioso (relato no incluido en siguientes ediciones)
A la deriva
La insolación
El alambre de púas
Los Mensú
Yaguai
Los pescadores de vigas
La miel silvestre
Nuestro primer cigarro
La meningitis y su sombra

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Dos fotógrafos brasileños y uno chileno, fueron premiados en el World Press Photo

Amsterdam, 13 feb (EFE).- Los trabajos de los fotógrafos brasileños Lalo de Almeida y Felipe Dana y del chileno Tomas Munita fueron galardonados hoy en Amsterdam por la organización World Press Photo, que destaca cada año las mejores imágenes periodísticas a nivel internacional.
Tomas Munita se hizo con el primer premio en la categoría «Historias de la vida diaria» gracias a su serie fotográfica sobre el funeral del líder revolucionario cubano Fidel Castro, que falleció el pasado 25 de noviembre.
El periodista chileno, que publicó su trabajo en el periódico The New York Times, dedicó varios días a seguir la comitiva que llevó los restos de Castro por toda la isla a modo de homenaje. El título de la serie, «Cuba al borde del cambio», es toda una declaración de intenciones.

AMSTERDAM (HOLANDA) 13/02/2017.- El ganador del World Press Photo of the Year, Burhan Ozbilici (d), y el director de la organización World Press Photo, Lars Boering, tras anunciar el ganador en Amsterdam (Holanda) ayer, 13 de febrero de 2017. Una instantánea del asesino del embajador ruso en Ankara, con la pistola aún en la mano y el cuerpo del diplomático tendido en el suelo en segundo plano, ha ganado hoy el World Press Photo, el premio más importante del fotoperiodismo internacional. EFE/Jeroen Jumelet

AMSTERDAM (HOLANDA) 13/02/2017.- El ganador del World Press Photo of the Year, Burhan Ozbilici (d), y el director de la organización World Press Photo, Lars Boering, tras anunciar el ganador en Amsterdam (Holanda) ayer, 13 de febrero de 2017. Una instantánea del asesino del embajador ruso en Ankara, con la pistola aún en la mano y el cuerpo del diplomático tendido en el suelo en segundo plano, ha ganado hoy el World Press Photo, el premio más importante del fotoperiodismo internacional. EFE/Jeroen Jumelet

En una de las imágenes, una enorme bandera cubana preside la escena mientras los asistentes, en fila, observan cómo los restos de Castro pasan a su lado. El mal estado de las casas que se ven al fondo contrasta con los teléfonos inteligentes que algunas personas alzan entre el público para inmortalizar la escena.
Tanto el director de World Press Photo, Lars Boering, como el presidente del concurso, Stuart Franklin, coincidieron en destacar otra instantánea casi simétrica de la misma serie en la que decenas de campesinos, ataviados con sus sombreros y con banderitas cubanas en la mano, aguardan en la carretera a que la comitiva pase mientras una espesa niebla lo cubre todo.
«Son imágenes que tienen poesía porque cuentan una historia, pero no de una manera obvia», remarca Franklin, mientras que para Boering el hecho de retratar «los cambios de un país» es algo que solo está al alcance de «quien ha pasado tiempo investigando las cosas bien».
Por otro lado, Lalo de Almeida fue premiado con el segundo premio en la categoría «Historias de asuntos contemporáneos» por su serie de imágenes sobre las consecuencias del virus del zika en niños brasileños.
«Para mí es siempre una cuestión delicada. ¿Cómo retratar enfermedades? Almeida lo hace de una forma muy amable», explicó Boering, porque el fotoperiodista consigue su objetivo «sin centrarse en imágenes excesivamente dramáticas».
Los bebés salen en blanco y negro, con sus madres y en diferentes situaciones, como en una consulta médica, recibiendo una ducha o tomando un biberón.
«Vimos muchas fotografías de niños víctimas del zika», recordó Franklin, pero la serie de Almeida tenía de particular que el reportero no intentó que los niños «tuvieran un aspecto ‘freak’», sino todo lo contrario, fue «muy respetuoso y tuvo un ojo muy empático».
El otro galardonado brasileño fue Felipe Dana, que recibió el tercer premio en la categoría «Noticias de actualidad» por una foto tomada en Mosul en noviembre de 2016 durante una batalla entre tropas iraquíes y combatientes del grupo terrorista autodenominado Estado Islámico.
Dana, que cubrió este conflicto para la agencia estadounidense Associated Press, captó con su cámara las llamas producidas por la explosión de un coche bomba, que se ve al fondo de la imagen. En primer plano, tres soldados iraquíes se protegen detrás de un convoy, que alza al aire una bandera nacional. Franklin aseguró que dicha imagen «es muy difícil de tomar» y reconoció que, tras terminar la evaluación del concurso, acudió a la página web de la agencia de Dana para observar su trabajo. «Tenía curiosidad y creo que tiene un ojo fantástico», concluyó el presidente del certamem. World Press Photo repartió hoy otras decenas de premios. El máximo galardón se lo llevó el fotoperiodista turco Burhan Ozbilici por «Asesinato en Turquía», que captó al asesino del embajador ruso en Ankara, Andréi Kárlov, el pasado 19 de diciembre. Ozbilici compareció emocionado por el galardón y dijo que aquel día tuvo «dos posibilidades: quedarme y hacer mi trabajo de periodista o salir corriendo», pero que sintió «la responsabilidad de representar» a su profesión, por lo que decidió continuar disparando con su cámara a pesar de que el terrorista llegó a apuntar con su arma hacia el público.

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Premio internacional honra en EE.UU. al académico y poeta argentino Ambroggio

Miami (EE.UU.), 13 feb (EFE).- El poeta argentino radicado en Estados Unidos Luis Alberto Ambroggio, reconocido con un nuevo premio internacional de poesía convocado hoy en Miami, dijo a Efe que con la llegada de Donald Trump a la Casa Blanca es el «momento» para los hispanos «de unirnos y defender nuestro idioma».
Miembro numerario de la Academia Norteamericana de la Lengua y correspondiente de la española, Ambroggio dijo a Efe que el español de los hispanos de EE.UU. es «una realidad» que «nadie nos puede sacar» y forma parte de las mismas raíces del país.
Al anunciar el primer Certamen Internacional de Poesía Luis Alberto Ambroggio, la organización sin ánimo de lucro Hispanic Heritage Literature/Milibrohispano.org señaló que quiere rendir tributo al poeta argentino-estadounidense, autor de libros como «Todos somos Whitman» y «Estados Unidos hispano».
Al concurso, dotado de un único premio en metálico de 2.000 dólares, más la publicación de la obra, pueden presentarse autores de cualquier nacionalidad que presenten sus trabajos en español.
En sus declaraciones a Efe, Ambroggio indicó que una fundación de su familia hizo una donación a la Hispanic Heritage Literature Organization y esta decidió usar una parte para crear el nuevo premio, lo que fue una «grata sorpresa».
El plazo de recepción de los trabajos, que deben ser poéticos pero de tema y estilo libre, va desde el 1 de marzo al 30 de julio de 2017 y el premio será entregado el 17 de noviembre.
El jurado está integrado por los Mairym Cruz Bernal (Puerto Rico), Ana Cecilia Blum (Ecuador), Lucha Corpi (México) y Urayoán Noel (Puerto Rico), así como por la poeta colombiana Pilar Vélez, presidente de Hispanic Heritage Literature Organization.

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Chile lucha por el Oso con su retrato de la exclusión a una mujer transgénero

Gemma Casadevall. Berlín, 12 feb (EFE).- El director chileno Sebastián Lelio volvió hoy a la competición de la Berlinale con «Una mujer fantástica», un retrato de la exclusión social a las personas transgénero, que compartió jornada con otro rompedor personaje femenino, en el filme polaco «Pokot».
«Una mujer fantástica», con la actriz Daniela Vega a modo de «alter ego» Marina, la mujer a la que, por el hecho de ser transgénero, se niega hasta el derecho a dar el último adiós a quien fue su pareja, colocó a Chile en la lucha por los Osos del festival.
Fue la primera representante de América Latina a competición en esta Berlinale -le seguirá «Joaquim», de Marcelo Gomes, el próximo jueves- y acudió arropada por el éxito logrado en 2013 por Lelio con «Gloria», Oso de Plata a su gran actriz, Paulina García.
Vega, puntal de la película como lo fue su antecesora de «Gloria», encarna en esta coproducción chileno-española-alemana a una transgénero a la que la familia del fallecido quiere expulsar de su entorno, ya que en su momento no pudieron evitar su existencia.
A la exclusión que sufriría en circunstancias parecidas una mujer a la que se considerase culpable de la ruptura de un matrimonio dado por santo se suma la ambigüedad sexual.
Sobre ella caerán también las sospechas tanto de médicos como de policías, que parten de la base de que algo raro debe envolver la muerte accidental de quien fue su pareja, puesto que, a sus ojos, lo suyo no podía ser una relación de amor o sexo normal.
A las humillaciones de quienes dicen cumplir con su trabajo se sumarán las de la familia del hombre con quien compartió Marina un periodo de su vida, más dispuestos a echarla a golpes del funeral que a compartir con ella el duelo por la muerte inesperada.
Lelio opta por dejar sola a su Marina, de sacudida a sacudida, con su rostro atravesado por el dolor, el llanto o la rabia, con apenas algún momento de respiro procedente de una mano amiga.
No explica cómo se conocieron Orlando y Marina, ni tampoco explica mucho del entorno de esta.
En lugar de arroparla con la complicidad que probablemente le habría dado un Pedro Almodóvar -por ejemplo-, la deja a merced de la soledad sin paliativos, como exponente de rechazo crudo que, en la vida real, sufren las personas transgénero.
Chile ha sido una cinematografía de peso en las últimas ediciones en la Berlinale -al éxito de «Gloria» siguieron en 2015 el Gran Premio del Jurado para «El Club», de Pablo Larraín, y el de mejor guión para «El botón de nácar», de Patricio Guzmán-.
Ahora regresó con «Una mujer fantástica», un filme en el que Lelio rinde de nuevo tributo a un personaje que no se rinde.
La polaca Agnieszka Holland volvía asimismo al festival con «Pokot» -»Spoor»-, dos décadas y media después de haber competido con «Gorackza», ahora como cineasta consolidada tras sus nominaciones al Oscar por «In darkness», «Europa, Europa» y Angry Harvest».
Su filme presenta a una mujer no domesticable, una jubilada y activista medioambiental, que vive entre bosques polacos y pretende llevar con precisión de una Miss Marple las investigaciones por los «asesinatos» de jabalíes, ciervos y todo ser animado no humano.
Holland recorre esos bosques con la cámara, husmeando entre malezas como haría uno de sus animales amigos o con espléndidas vistas panorámicas tomadas desde un dron.
Los enemigos de su justiciera jubilada son cazadores, legítimos o furtivos, los policías corruptos que les amparan y matones locales que convierten sus cotos de caza en prostíbulos.
Es una película basada en una novela de Olga Tokarczuk, que acompañó a la cineasta a la Berlinale para respaldar su tesis del «holocausto ecológico».
Lo que funciona en un libro no siempre se acomoda al formato cinematográfico y a Holland se le acaba echando encima un reparto de papeles bastante maniqueo entre la Miss Marple vegetariana y sus aliados, frente a la legión de crueles cazadores.
Fuera de competición se exhibió «Viceroy’s House», dirigido por Gunrinder Chadha, quien como hizo en «Bend it like Beckham» traza una historia entre rivalidades históricas, étnicas y sociales, esta vez trasladada al momento en que de la marcha pacífica de Gandhi se pasa a la división entre India y Pakistán.
Un compendió histórico sobre la independencia india, con algún toque de Bollywood, con un virrey británico bienintencionado y brechas insalvables entre musulmanes, hindúes y sijs

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Varias actividades prepara el Centro Cultural Academias Previale

El Centro Cultural Academias Previale (CCAP) comenzó un año con intensas actividades y prepara otras de importancia para los meses venideros. Es así que en la ex Radio Cultural (Lavalleja 48), donde funciona el Centro, este pasado miércoles, jueves y viernes se realizó un Open Showroom, en una mini feria de creadores, con cierre musical realizado en la noche del viernes. Previale
Sus responsables, la Mtra. Gisella Pinato y el Prof. Silvio Previale dialogaron con EL PUEBLO (compartiremos más expresiones suyas en próximas ediciones) y adelantaron que “para el año ya hay propuestas de danzas en todas sus especialidades con grupos dirigidos por Iara Gomez y Silvia Montaña, con propuestas para todas las edades”. Asimismo, dijeron que “Uni 3 Salto nos ha propuesto contar con el espacio del CCAP para sus ensayos y presentaciones del coro, y otras actividades durante el 2017”.
Clases de Jardinera
Entre las novedades para el presente año, dijeron los docentes responsables que “comenzará este año un curso Preescolar (Educación Inicial) para niños de entre 1 y 5 años; es un curso de jardinera con orientación a las artes (danza, música, plástica), en dos turnos (matutino y vespertino) para el cual ya se reciben inscripciones. Todos los cursos y talleres tienen cupos limitados, por lo que se ruega la inscripción temprana. No se cobra matrícula de inscripción”. Además de la tendencia a la formación artística, Gisella Pinato enfatizó en que se apostará a la educación en el cuidado del medio ambiente, algo de lo que mucho se habla pero que es necesario que los niños lo tengan presente desde la etapa preesolar.
Espinosa, Carnelli, Jazz…
En otro orden, Previale adelantó que “en el mes de abril contaremos con la presencia del destacado músico salteño, radicado en Francia, Omar Espinosa, para realizar espectáculos musicales. Será seguramente junto a un par de músicos invitados, de Salto, que Omar nos ha propuesto y que ya estamos contactando”, comentó, y agregó que “tendremos además la visita del italiano Luciano Carnelli, a quien una vez ya trajimos a Casa Quiroga, un acordeonista que toca la (acordeón) verdulera, lo que no es común allá en Italia, claro que la de él es una verdulera eléctrica…”. Informó también que se está preparando, para mayo, “un mes de jazz”, lo que será difundido en próximos días.

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Se anuncia curso sobre Patrimonio Cultural Inmaterial

La Facultad de Ciencias Económicas y el Área de Gestión Cultural del Ministerio de Educación y Cultura vienen difundiendo la realización de un “Curso de postgrado en Gestión del Patrimonio Cultural Inmaterial”. El comunicado expresa: “El Patrimonio Cultural Inmaterial. ¿Cuáles son sus componentes? ¿Qué es la salvaguardia del PCI? ¿Cómo se gestiona? ¿Bajo qué enfoques? Sumate a nuestra propuesta de formación junto a destacados especialistas y empezá a desarrollar tu propio proyecto de gestión del patrimonio cultural inmaterial. Avalan UNESCO y Crespial”. Allí se lee además la siguiente información: “Cuerpo docente: Marian Moya (Argentina), Frédéric Vacheron (Uruguay), Adriana Molano (Colombia), Mónica Lacarrieu (Argentina), Jordi Treserras (España), Lucía Durán (Ecuador) y Silvina Freiberg (Argentina). Plan de estudios: – Introducción a la Gestión del PCI. – Introducción a la Convención para la Salvaguardia del PCI. – Políticas Culturales y Patrimoniales. – PCI y Participación Comunitaria. – Seminario de Turismo Cultural. – Perspectivas urbanas y gestión del PCI. – Diseño y gestión de proyectos culturales y PCI”.
Más información en: gestionculturalvirtual@eco.uncor.edu

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Unesco realiza concurso de cortometrajes para acercar mujeres a las ciencias

Montevideo, 10 feb (EFE).- La Unesco en Uruguay lleva adelante una convocatoria dirigida a la región latinoamericana para presentar cortometrajes que reflejen el vínculo entre las mujeres y las ciencias y así incentivar la participación femenina en esta área, explicó hoy a Efe la coordinadora del organismo Zelmira May.

«La idea del trabajo es la popularización de la ciencia, acercarla al público, que es uno de los fuertes de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) y, por ende, también de nuestra oficina regional para América Latina y el Caribe», aseguró May.
En este sentido, May, que es coordinadora regional del departamento de Gestión de Riesgos, explicó que el foco principal está puesto en el tema de género, especialmente en la participación femenina en las ciencias.
La Unesco en Uruguay indicó en un comunicado que uno de los objetivos del concurso es «modificar el estereotipo existente y la participación de las mujeres (…)», así como «acotar la brecha de género» que caracteriza al sector.

Aunque May sostuvo que la región latinoamericana en particular no es de las zonas donde las mujeres están menor representadas, «sí es una realidad que el género femenino está en minoría representado» en el área científica.
«Entonces, también se busca llamar la atención de las propias mujeres para involucrarse en los temas científicos y estudiar ciencias», apuntó.
Los cortometrajes se pueden presentar hasta el 15 de marzo y deben incluir animación, para lo que se pueden utilizar distintas técnicas, como ser dibujos animados, stop motion, rotoscopía, animación por computadora, entre otras.
Posteriormente, un jurado integrado por expertos del área de ciencias, diseño y comunicación de Unesco evaluarán las piezas audiovisuales, que no deben exceder los cinco minutos.
El cortometraje ganador recibirá un premio de 3.000 dólares, aunque todos los filmes que cumplan con las pautas serán publicados por la Unesco.
Actualmente, la Oficina Regional de la Unesco en Uruguay lleva adelante el proyecto STEM and Gender Advancement (Saga), que tiene como objetivo relevar datos sobre la participación de las mujeres en el área de las ciencias, el ámbito educativo y laboral.
Según señaló May, al proyecto Saga le resta un año más de trabajo, cuando será publicado en su totalidad.

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