El salteño Daniel Abelenda sigue marcando presencia en la literatura uruguaya

El periodista y profesor Daniel Abelenda Bonet es salteño y está radicado desde hace ya varios años en el departamento de Colonia. Asimismo, dedicado desde siempre a la creación literaria, es autor de varios libros, algunos que incluso hemos comentado alguna vez en esta página de EL PUEBLO, como su última novela, titulada El día del plomo.
Su nombre figura en varias y destacadas antologías y estudios sobre literatura uruguaya. Ahora, Abelenda vuelve a surgir en público con un libro de poemas: “Postales y Fotografías”. Amablemente nos acaba de enviar un ejemplar.
Lo comentaremos con gusto en próximas ediciones.

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A propósito del Día del Idioma

El pasado domingo se celebró, como cada 23 de abril, el Día Mundial del Idioma Español. A propósito se nos ocurre que…
“…Hay quienes hablan de deformación del lenguaje y de esto culpan, especialmente y con mucha fuerza, a los jóvenes. Sin embargo parece importante recordar que es una tendencia natural de todos los jóvenes –en especial adolescentes- de todas las épocas, el tratar de distinguirse de los mayores a través del lenguaje, incluso inventando palabras. Así como también el adolescente se distingue por una especial forma de vestirse, un especial estilo de música que escucha, etc. Por eso, debe considerarse que no es algo tan grave ni para alarmarse tanto. No es para poner el grito en el cielo, como se dice popularmente. Los mayores tendemos a condenar a las nuevas generaciones, sobre todo a esa franja etaria que va de los 13 a los 20 años más o menos; tendemos a combatir su particular forma de expresarse y de demostrarles que nos resulta desagradable e incomprensible (lo que a veces es peor, porque así, por la rebeldía propia de su edad, el adolescente en vez de preocuparse por cambiar esa forma de hablar va a intentar hasta ampliar su repertorio quizás). Pero en definitiva es algo que se ha dado siempre.
¿O vamos a decir que son un invento de ahora expresiones como “hacerse la rabona”, “tener un dragón o andar de dragoneo”, “dar como dentro de un gorro”, “ir a un asalto”… Pues no. Es que se trata de una tendencia de siempre, no de ahora. Y no debería preocuparnos que el lenguaje se vaya modificando, porque eso es natural e inevitable. El lenguaje es un ser vivo, que cambia, que muta; es dinámico, nunca fue, ni es, ni será algo estático. Y cambia porque los hablantes poco a poco lo vamos modificando con el uso que le damos. No son las Academias las que le dicen al hablante cómo se debe hablar; sino que al contrario de lo que a veces se cree, somos los hablantes los que le vamos indicando a las Academias qué palabras deben incorporar al Diccionario por ejemplo, porque se las imponemos al usarlas”.

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Diego Santurio: un escultor consagrado a nivel mundial en la búsqueda constante de la evolución

“Siempre trato de mirar hacia adelante y proyectar”

Diego Santurio – joven escultor consagrado en todo el mundo por su singular capacidad creativa ha retornado al escenario de la información luego de concluir importantes proyectos y en plática con nuestro medio hizo un balance de sus actividades.
Sus obras de notables dimensiones han impactado en diferentes puntos del planeta y la continuidad de su labor ha ido alimentando su arte y permitiendo una evolución constante.
Santurio hace énfasis en la posibilidad de poder volver a empezar todos los días y poder experimentar la adrenalina de la incertidumbre, motor que lo lleva a reinventarse en el día a día. diego santurio002
Lo cierto también es que las expresiones de Santurio han llamado la atención de las comunidades científicas que lo han convocado más de una vez para ilustrar con fotos de sus obras importantes libros y ha sido llamado por el científico Daniel Peluffo que está organizando con la Lic. Laura Domínguez un Congreso Internacional de Ciencia que se desarrollará en nuestra ciudad en septiembre, al que acudirán científicos invitados de todas las partes del mundo. Se le fue propuesto a Diego crear una obra para la universidad en torno a dicho evento, sumándose también al aniversario de la institución.
Santurio llega pocos días después de participar de un encuentro de escultores en Palmar, un evento de carácter internacional que viene en franco crecimiento y permite interactuar a importantes figuras de dicho arte.
En ese mismo marco el escultor Alfredo Torres organizó una exposición en Mercedes, inaugurándose el sábado pasado. De la misma participaron los maestros más destacados a nivel nacional.
Como si todo esto fuera poco a Diego Santurio le llegó la invitación para ser jurado en la Bienal Internacional de Resistencia (Chaco); es esta una de las tres bienales más importantes del mundo, oportunidad que a Santurio lo sorprendió gratamente.
“Si bien sé que muchos escultores mucho mayores que yo respetan mi obra, esta convocatoria para integrar el jurado fue muy valorable ya que allí los mejores escultores del mundo presentan sus obras. Resistencia tiene más de seiscientas esculturas en la ciudad” – remarcó el artista.
SU RICA EXPERIENCIA COMO JURADO DE UNA DE
LAS BIENALES MÁS IMPORTANTES DEL MUNDO
-¿Cómo vivió la experiencia?
-“Fue riquísima… el año que viene se conmemorarán los 30 años de la bienal. Dentro de ese mismo evento hay uno que apunta a la categoría juvenil que se llama El Premio Desafío, donde llevan a estudiantes de Bellas Artes a vivir una experiencia única.
El premio mayor de la Bienal de Resistencia le fue adjudicado a un escultor chino. En esa bienal se presentan escultores que llevan más de cien simposios, gente de mucha trayectoria.
Es de destacar el sistema que tiene la bienal donde los componentes del jurado son artistas. Me sentí muy cómodo con los resultados porque se llegó a un consenso muy natural. Y todos los artistas se mostraron alineados con el fallo”.
Con treinta y nueve años, Diego Santurio se ha convertido en el jurado más joven en la historia de la bienal.
- ¿Cómo mantiene su vínculo con la Fundación Atchugarry?
– “Todos los años realizo una visita a la fundación. Hace un par de años inauguramos la obra Conexa, una escultura de doce metros de altura. Con un grupo de amigos la trasladamos y se la instaló en un campo cercano a Pueblo Garzón, en las inmediaciones de la ruta 29. Es uno de los proyectos más importantes que he tenido por el desafío constructivo, las dimensiones, responsabilidad y costo del emprendimiento.
El tema de la docencia es una materia que aún está en estado latente, dado que el artista está muy compenetrado en sus instancias de creación.
“Tengo claro que la docencia no debe ser ejercida por la mera necesidad… el artista se frena cuando no se ocupa de crecer en su carrera porque su tiempo se consume en otra actividad. Sí he realizado charlas para los jóvenes y escolares.
Sucede que nunca tuve maestros y me cuesta mucho asimilar esa idea.
He tenido grandes referentes momentáneos, gente que se cruzó en mi vida para mi enriquecimiento.
En un intento de compenetrarnos con su paradigma cognitivo. ¿Juega el rol principal su capacidad de abstracción y su noción extrema del espacio?
-“No suelo detenerme a analizar demasiado… simplemente sucede. Prefiero mirar hacia adelante, proyectar y no caer en preguntarme cómo lo hice y para qué, aunque a veces es inevitable. Tampoco puedo repetir la obra… es necesario ir evolucionando y de vez en cuando hacer una mirada retrospectiva.
Siempre digo que nací en un taller de herrería… tenía cinco años y ya andaba doblando chapitas.
Los espacios los tenemos totalmente incorporados. No debemos descuidar y buscar siempre resultados comprometidos con el arte, con la intención de aportar siempre.
Y en el caso de la escultura, buscar ocupar los espacios públicos a fin de que la obra trascienda. Es un valor agregado no menor.
Creo que el artista que busca su camino, insiste y evoluciona es similar al científico interesado en descubrir algo.
Lo veo en las actitudes de Daniel Peluffo en su laboratorio… no se diferencia de un artista.
Mis obras tienen mucho de atómico y de genética. Tiene mucho de universo y energía. Puedo citar mis obras Mitosis y Meiosis, por ejemplo”.
Diego Santurio nos cuenta que vive un gran momento profesional y familiar, donde puede compartir su faceta de niño con sus pequeñas hijas y hacer de lo cotidiano un verdadero deleite. “Siempre he mantenido ese niño en mi interior que nunca se fue y lo conecto con mis hijas” – concluyó.

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Uruguay presenta programa para investigar problemas visuales en niños

Montevideo, 24 abr (EFE).- El Gobierno uruguayo presentó hoy el programa gratuito y voluntario de Salud Visual que atiende a niños y niñas de cinco años para intentar descubrir si hay en ellos patologías que dificulten su enseñanza vinculadas a problemas de visión, informaron hoy fuentes oficiales.
En Uruguay, entre el 16 % y el 20 % de los niños y niñas de cinco años tienen algún tipo de dificultad visual que en el 80 % de los casos se puede solucionar con la utilización de lentes, indicó la oftalmóloga Sandra Medina, directora del Hospital de Ojos José Martí, el cual integra el programa, según recoge un comunicado de la Presidencia.
La oftalmóloga explicó que en el programa de Salud Visual estarán involucrados el Ministerio de Salud Pública, la Administración de los Servicios de Salud del Estado a través del Hospital de Ojos, la Universidad de la República a través de la Cátedra de Oftalmología, y técnicos ópticos de la Universidad del Trabajo del Uruguay.
»Es necesario detectar a tiempo alteraciones visuales para lograr que no queden en forma permanente. Los especialistas consideramos que la edad óptima para realizar esta pesquisa es justamente alrededor de los cinco años», explicó Medina durante el Consejo de Ministros que se desarrolló en Montevideo.
A su vez la oftalmóloga agregó que el programa contiene cuatro etapas de investigación que ayudan a encontrar problemas de visión para tratar a tiempo el problema.
El programa cuenta con un equipo de «ultima generación» para descubrir los problemas y analizar si se le recetan lentes al niño.

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Ballet uruguayo incorpora a primera bailarina de la Ópera de París al Quijote

Montevideo, 24 abr (EFE).- El Ballet Nacional de Uruguay presentó hoy (lunnes) su próxima obra, el clásico Don Quijote, que contará con la participación especial de la artista Argentina Ludmila Pagliero, primera bailarina de la Ópera de París que actuará en dos funciones junto a la compañía uruguaya.

El director del Ballet  Nacional del Sodre (BNS), Julio Bocca (i) y la  directora del Ballet  Estable del Teatro Colón, Paloma Herrera (d),  participan hoy, lunes  24 de abril de 2017,  en la presentación  de la próxima obra  del Ballet Nacional  de Uruguay, el clásico  Don Quijote, que contará  con la participación especial  de la artista Argentina  Ludmila Pagliero,  primera bailarina de  la Ópera de París  que actuará en  dos funciones junto a la compañía uruguaya.  EFE/María Eugenia  Fernández

El director del Ballet
Nacional del Sodre (BNS), Julio Bocca (i) y la
directora del Ballet
Estable del Teatro Colón, Paloma Herrera (d),
participan hoy, lunes
24 de abril de 2017,
en la presentación
de la próxima obra
del Ballet Nacional
de Uruguay, el clásico
Don Quijote, que contará
con la participación especial
de la artista Argentina
Ludmila Pagliero,
primera bailarina de
la Ópera de París
que actuará en
dos funciones junto a la compañía uruguaya.
EFE/María Eugenia
Fernández

La obra, que se estrenará el próximo 25 de mayo, lleva más de 6.000 localidades vendidas, según detalló este lunes el director del Ballet Nacional del Sodre (BNS), Julio Bocca.
En este sentido, el exabailarín argentino aseguró que la llegada de Pagliero aportará mucho en la «calidad del trabajo cotidiano, la concentración, responsabilidad, la disciplina y sobre todo en la calidad y excelencia de sus movimientos».
Pagliero llegará a Montevideo a principios de mayo para interpretar a Kitri, uno de los personajes principales, en dos de las funciones de Don Quijote.
«Estamos hablando de una de las mejores compañías del mundo (la Ópera de París) y de una de las primeras bailarinas que trabaja en esa gran compañía, entonces creo que va a ser muy interesante para los bailarines jóvenes ver a estas grandes figuras», añadió Bocca.
Asimismo, aseguró que la visita de Pagliero permitirá mostrar el trabajo que lleva adelante el BNS, que tiene al exbailarín argentino como director desde 2010.
«Que no venga (Pagliero) con la mentalidad de que en Suramérica es todo desorden o descontrol, sino que también se trabaja seriamente, con profesionalismo, disciplina, horarios de trabajo y una logística a largo plazo», señaló Bocca.
Respecto a la obra, el director del BNS explicó que los espectadores podrán apreciar una versión «ágil y alegre» de Don Quijote, que la compañía uruguaya interpretará por segunda vez.
El cuerpo de baile del BNS actualmente prepara la obra junto a la directora del ballet argentino, Paloma Herrera, que se encuentra en Montevideo a pedido de Bocca.
Esta segunda versión de Don Quijote tendrá «cosas nuevas», ya que tanto la compañía como sus bailarines «han crecido y están mejor», según sostuvo su director.
Además, la obra será llevada en diciembre al Festival de Danza de Cannes (Francia), cuya apertura estará a cargo del BNS.
La presentación del Don Quijote se llevó a cabo en la embajada de Francia en Montevideo y contó con la participación del embajador Sylvain Itte, así como de varias autoridades del Auditorio Nacional de Uruguay.

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En el marco de los 80 años de Gernika se proyecta película en el Centro Vasco de Salto

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Este miercoles – en el marco de los 80 años de Gernika – dentro del proyecto de rescate el homenaje a Pascual Harriague se proyectará un filme acerca de la temática. Dicho evento está organizado por el Centro Vasco de Salto.
A posteriori el 2 de mayo se llevará a cabo una conferncia sobre el Antropólogo Luis Vicente Elias Pastor, experto en paisajes del vino de Latinoamerica. La conferencia va a ser sobre los vascos y el vino en America Latina.

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Vuelven los espectáculos de Jazz en el Chalet “Las Nubes”

El próximo viernes 5 de Mayo a la hora 20:30 se presentará nuevamente el espectáculo “Jazz en Las Nubes” a pedido del público. Este show es brindado por un grupo de conocidos músicos salteños que interpretan diferentes instrumentos tales como teclado, percusión, acordeón, saxo acompañados por excelentes cantantes.
El programa es muy variado ya que recorre el jazz, bossa nova y canciones francesas con hermosos temas de todos estos géneros musicales.LILIANA FORTI

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Paraguay abre convocatoria para su segunda bienal internacional de arte

Asunción, 22 abr (EFE).- El Centro Cultural El Cabildo de Paraguay abrió su convocatoria para presentar proyectos que se exhiban en la Bienal Internacional de Asunción (BIA), que se desarrollará por segunda vez en este 2017 bajo el lema «Significar lo imposible».
Los proyectos se recibirán desde el próximo 2 de mayo hasta el 16 de junio, y podrán concurrir a la convocatoria artistas nacionales e internacionales, con técnicas de cualquier naturaleza, informó el centro cultural en un comunicado.
La convocatoria busca generar oportunidades de participación para artistas nacionales e internacionales, en el marco de «un espacio múltiple de intercambio cultural a través de las artes visuales contemporáneas», según el Cabildo.
Además, la BIA busca convertirse en una de las instituciones culturales más importantes de Paraguay, e integrar al país al universo de bienales, trienales y quinquenales artísticas que se realizan en otros países.
»Estamos con mucho entusiasmo para emprender esta segunda edición de la Bienal Internacional de Asunción, con menos recursos, pero siempre con la fe de demostrar lo mejor del arte, por lo que invitamos a artistas nacionales e internacionales a participar», declaró Margarita Morselli, directora del Centro Cultural El Cabildo y presidenta de la Bienal.
Por su parte, el curador paraguayo de la BIA, Osvaldo González Real, destacó que el lema de la convocatoria, «Significar lo imposible», es «una metáfora de algo más profundo, es situarse en lo cotidiano y poder mostrar las posibilidades que tiene cada vertiente artística».
Además, la directora ejecutiva de la Bienal, Ana Martini, dijo que, con el actual panorama de crisis política en Paraguay, la Bienal «plantea un desafío porque permite responder con cultura a tanta violencia».
La primera Bienal Internacional de Asunción se celebró en octubre de 2015 en la capital paraguaya bajo el lema «Saso sapukai» («grito de libertad», en guaraní), y en ella participaron artistas nacionales e internacionales que intervinieron en al menos 15 espacios diferentes, entre centros culturales y lugares a cielo abierto

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Argentina y Uruguay festejan unidos los 100 años del «tango de los tangos», La Cumparsita

Rodrigo García Melero. Buenos Aires, 21 abr (EFE).- La celebración de los 100 años del «tango de los tangos», como se conoce a la mítica «Cumparsita», volvió a hermanar hoy a Argentina y Uruguay en un espectáculo en Buenos Aires al que asistieron autoridades de ambos países y en el que la emoción y los recuerdos tiñeron una noche 100 % rioplatense.
La Usina del Arte del barrio porteño de La Boca fue el lugar elegido para homenajear, con un recital de piezas instrumentales y cantadas al más famoso tango de la historia, compuesto como tema instrumental por el uruguayo Gerardo Matos Rodríguez (1897-1948) y estrenado el 19 de abril de 1917 en el bar La Giralda de Montevideo.
«Nos queremos pelear hasta ‘por vicio’ el uruguayo y el argentino pero somos un mismo pueblo con una misma tradición y compartimos el gusto de esa cosa tan hermosa que es el tango», explicó a la prensa antes del espectáculo el intendente de Montevideo, Daniel Martínez.
Dos países separados por una frontera pero unidos por infinidad de lazos históricos y culturales y conocidos en el mundo entero por, entre otras cosas, compartir el tango como marca musical de la casa.
No obstante, el argentino Pascual Contursi (1888-1932), compositor del primer tango cantado, «Mi noche triste» -del que este año también se cumple su centenario- fue quien escribió la letra más famosa de «La Cumparsita», en 1924, poco antes de que el cantor Carlos Gardel pusiera su importante grano de arena para hacerla universal.
«Festejémoslo en Buenos Aires y en Montevideo demostrando que somos ciudades hermanas, que a veces podremos tener rivalidades como el fútbol… pero son tonterías. Lo importante es que disfrutamos y tenemos sentimientos similares», concluyó Martínez
La obra del tango más interpretada y grabada por conjuntos, orquestas y cancionistas del siglo XX abrió en la noche de este viernes el recital del pianista Pablo Estigarríbia, poco después de que el regidor montevideano, junto al ministro de Cultura porteño, Ángel Mahler, inauguraran con unas breves palabras el acto, conducido a su vez por el presidente de la Academia Nacional del Tango de Argentina, Gabriel Soria.
«Es un festejo binacional. Tanto Uruguay como Argentina tenemos la dicha de festejar 100 años de una composición que la hemos escuchado miles de veces, la hemos disfrutado y hecho propia», dijo Mahler a los medios.
A los pocos minutos de comenzar el concierto, la cantante Alicia Vignola salió a escena para acompañar con su voz a Estigarríba en varios de los más conocidos tangos del cancionero tradicional.
Seguidamente, fue sustituida por el bandoneonista Víctor Lavallén y el contrabajista Horacio Cabarcos, que junto al pianista interpretaron seis temas instrumentales.
Ya todos juntos y tras varias piezas más, el final de fiesta terminó con la puesta en escena de la protagonista de la noche, «La Cumparsita», tanto en su versión instrumental como cantada, y que una vez demostró que su vigencia está lista para seguir reinando en Argentina, Uruguay y el mundo al menos por otros 100 años más.

URUGUAY CELEBRA EL DÍA DEL CENTENARIO DEL ESTRENO DE LA CUMPARSITA

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En el Día Mundial del Idioma Español

Hoy es el Día Mundial del Idioma Español. Se conmemora en honor al autor de Don Quijote de la Mancha, Miguel de Cervantes Saavedra, fallecido el 23 de abril de 1616. El objetivo principal es celebrar la importancia del Español como lengua internacional, que cuenta actualmente con alrededor de 500 millones de hablantes en todo el mundo. Esta celebración tiene su origen en el año 1926, cuando el escritor valenciano Vicente Clavel Andrés propuso la idea de un día especial para celebrar la literatura, pero verdaderamente como Día Mundial del Idioma Español recién fue aprobado el 13 de octubre de 1946. En algunos países, se considera este día como Día del Libro, celebración que en Uruguay tiene como fecha 26 de Mayo (en recuerdo de la fundación de la primera Biblioteca Pública).

Cervantes y Shakespeare: En algunas biografías del gran dramaturgo, poeta y actor inglés William Shakespeare, figura como fecha de muerte el 23 de abril de 1616, es que esta sería la fecha según el calendario gregoriano, pero es preciso aclarar que no era en él que se basaba Inglaterra en aquellos tiempos. De ser así, lo realmente curioso es que coincidiría con la fecha de muerte de Miguel de Cervantes. Es decir que según el calendario gregoriano, ambos murieron en idéntica fecha. Pero lo cierto es que el escritor inglés murió diez días después que el español.
Hablemos correctamente nuestro idioma
Un artículo que hace algún tiempo circuló mucho por distintas publicaciones y redes sociales, nos parece oportuno volver a compartirlo hoy, en el Día Internacional del Idioma Español. Es el siguiente:
Basta de inventos seudo-anti-discriminatorios – Hablemos correctamente nuestro idioma
El circunloquio está de moda. Muy de moda en estos tiempos. En español, el plural en masculino implica ambos géneros. Así que al dirigirse al público NO es necesario ni correcto decir «mexicanos y mexicanas», «chiquillos y chiquillas», «niños y niñas», etc., ya que eso es un CIRCUNLOQUIO, y eso lo vimos en el ignorante del expresidente Fox que puso de moda y hoy en día otros ignorantes (políticos y comunicadores) a nivel nacional por TV continúan con el error, inclusive el Presidente Calderón, el ex Presidente Vázquez en Uruguay, muchos políticos españoles y el Presidente Chávez a diario al dirigirse al ejército a Generales y generalas, Tenientes y tenientas y así en todos los cargos…
Decir ambos géneros es correcto, SOLO cuando el masculino y el femenino son palabras diferentes, por ejemplo: «mujeres y hombres», «toros y vacas», «damas y caballeros», etc.
Ahora viene lo bueno: Detallito lingüístico ¿Presidente o presidenta?
Aprendamos bien el español y de una vez por todas: no estoy en contra del género femenino, sino del mal uso del lenguaje. por favor, déjense ya de incultura, desconocimiento u ocurrencia: ¿Presidente o presidenta?
En español existen los participios activos como derivados verbales: Como por ejemplo, el participio activo del verbo atacar, es atacante; el de sufrir, es sufriente; el de cantar, es cantante; el de existir, existente; etc. ¿Cuál es el participio activo del verbo ser? El participio activo del verbo ser, es «ente». El que es, es el ente. Tiene entidad. Por esta razón, cuando queremos nombrar a la persona que denota capacidad de ejercer la acción que expresa el verbo, se le agrega la terminación ‘ente’. Por lo tanto, la persona que preside, se le dice presidente, no presidenta, independientemente de su género.
Se dice capilla ardiente, no ardienta. Se dice estudiante, no estudianta. Se dice adolescente, no adolescenta. Se dice paciente, no pacienta. Se dice comerciante, no comercianta…
La Sra. Cristina Fernández de Kirchner, para aquellos que andan atrasados de noticias, es la expresidente de Argentina… y su finado esposo no solo hacía un mal uso del lenguaje por motivos ideológicos, sino por ignorancia de la gramática de la lengua española. Un mal ejemplo sería: La pacienta era una adolescenta estudiante, sufrienta, representanta e integranta independienta de las cantantas y también atacanta, y la velaron en la capilla ardienta ahí existenta.
Qué mal suena ahora Presidenta, ¿no?
Es siempre bueno aprender de qué y cómo estamos hablando. Caso contrario en Chile, donde lo aplicaron bien: la Sra. Bachelet es Presidente.
Pasemos el mensaje a todos nuestros conocidos «latinoamericanos», con la esperanza de que llegue a los Pinos, a la Casa Rosada, a Miraflores, a la Moncloa y a muchos más, para que esos iletrados hagan buen uso de nuestro hermoso idioma.

Por W. Molina Licenciado en Castellano y Literatura (y no en Castellana y Literatura).

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Bachelet elogia maravillosa herramienta que representa el castellano y abre lectura de El Quijote

Santiago de Chile, 21 abr (EFE).- La presidenta de Chile, Michelle Bachelet, elogió hoy la «maravillosa herramienta» que representa el idioma castellano, en un artículo publicado el mismo día en que la mandataria inauguró la V Lectura Maratónica de «El Quijote», organizada por el Centro Cultural de España en Santiago.

Michelle Bachelet, presidente de Chile

Michelle Bachelet, presidente de Chile

«Valorar el idioma es valorar lo esencial del ser humano. Porque el lenguaje es -y ha sido- el instrumento fundamental para la conformación y la articulación de la sociedad», señaló la jefa de estado en un carta publicada este viernes en el diario El Mercurio.
«Es gracias a esta maravillosa herramienta que la humanidad puede dar lugar una de las mayores expresiones de la belleza, como lo es la literatura universal y su materialización en obras sublimes que esta nos ha entregado a lo largo de la historia», destacó.
Con estos conceptos, en que realza el valor del idioma, la mandataria saludó en su carta a los organizadores de la celebración del Día del Idioma, el presidente del Instituto de Chile, Luis Merino, y el director de la Academia Chilena de la Lengua, Alfredo Matus.
«En un país de poetas y artistas, como Chile, es preciso difundir y otorgar valor a un día como este. En un mes en que recordamos a nuestra Premio Nobel (1945) y maestra, Lucila Godoy Alcayaga, Gabriela Mistral; y en un año en el que celebramos el centenario de nuestra querida Violeta Parra. Ambas, eminentes exponentes de nuestra lengua en el mundo.
«En un día como hoy debemos reconocer también a la Academia Chilena de la Lengua y al Instituto de Chile, pues con su labor se han constituido en un baluarte en la preservación y divulgación de este primordial patrimonio que es la lengua», subrayó la jefa de Estado.
Bachelet fue también la encargada de inaugurar hoy la Lectura Maratónica de «El Quijote», que por quinta año consecutivo lleva a cabo el Centro Cultural de España en colaboración con la Biblioteca Nacional y la Universidad de Santiago.
La mandataria, quien en esta jornada se encuentra realizando una gira de trabajo por la región sureña de Aysén, envió un vídeo grabado en uno de los salones del palacio presidencial de La Moneda en el que inicia la lectura del primer capítulo del texto más relevante de la literatura española y una de las obras cumbres de la literatura universal.
La lectura maratónica de «El Quijote» es un encuentro ciudadano para el fomento de la lectura articulado en torno al icono fundamental de la literatura universal en lengua española escrito por Miguel de Cervantes y Saavedra.
La jornada cultural, que cada año congrega a cientos de voluntarios de diferentes edades, ocupaciones y nacionalidades, sirve para dar vida mediante a la magistral creación cervantina durante doce horas ininterrumpidas.
Esta peculiar forma de celebrar el Día del Libro lleva décadas celebrándose en España y otros lugares del mundo. En las cuatro ediciones anteriores realizadas en Chile (de 2013 a 1016) ha atraído a cientos de lectores voluntarios que representan la diversidad social de país.
El evento es transmitido en directo por la emisora de radio y el canal de televisión de la Universidad de Santiago, e incluye especiales en directo, entrevistas, lecturas dramatizadas y contactos con otras partes de Chile y el resto del mundo.
Esta quinta edición contó además, como novedad, con la lectura del capítulo 55º en idioma mapudungún, de la etnia originaria mapuche, a cargo del tenor José Quilapi.
El 23 de abril, instituido como Día Mundial del Libro y del Derecho de Autor, recuerda la muerte en esa fecha del año 1616 de los escritores Miguel de Cervantes, Inca Garcilaso de la Vega y William Shakespeare.

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El Quijote resuena un año más con acento boliviano en La Paz

La Paz, 21 abr (EFE).- Bolivianos y españoles se reunieron hoy nuevamente para comenzar en La Paz la sesión de lectura continuada de «Don Quijote de la Mancha» como parte de la tradición internacional que se cumple en esta ciudad desde hace cinco años.
«En un lugar de la Mancha, de cuyo nombre no quiero acordarme…», comenzó el embajador español en Bolivia, Ángel Vázquez, en la lectura celebrada en el Centro Cultural de España en La Paz (CCELP) para conmemorar el Día Internacional del Libro.
Después de él, diplomáticos y figuras culturales de ambos países, desde el delegado de la Unión Europea en Bolivia, el español León de la Torre, al director de la Academia Boliviana de la Lengua, el boliviano Mario Frías Infante, han continuado las letras que hace más de cuatrocientos años Miguel de Cervantes plasmó en papel.
Incluso, las simpáticas «cebras» paceñas, unos personajes que andan por las calles de la ciudad ayudando a cruzar a los peatones y enseñando educación cívica, se han animado a leer algunos pasajes.
Para Vázquez, El Quijote «representa a personajes que en sí mismos son arquetipos de hombres y mujeres que pueden existir en cualquier lugar del mundo, en cualquier época, en cualquier paisaje», según dijo en declaraciones a Efe.
Por eso, el hidalgo puede andar por la meseta manchega española pero también lo podría hacer por el altiplano boliviano porque, aseguró, «al fin y al cabo es también una meseta árida y alta».
En las próximas horas, el CCELP se conectará en una videoconferencia con el Círculo de Bellas Artes, el centro cultural madrileño donde desde hace décadas es habitual que se lea la obra cervantina durante tres días enteros sin pausa.La directora del CCELP, María Pérez, destacó la incorporación de La Paz a la sesión de lectura que se hará en el Círculo de Bellas Artes, «que es muy popular y donde todo el mundo quiere leer».

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“La respuesta del público uruguayo es hermosa”, sostuvo Magalí Tajes

EL PUEBLO con la joven comediante argentina

Anoche, en el Teatro Larrañaga, Magalí Tajes y Uke Geraci presentaron su espectáculo denominado Stand Up “Rayuela”. Un espectáculo humorístico que ha sido todo un éxito, donde se tratan diversos temas de la vida cotidiana pero buscando siempre hacer sonreír a la gente, según explicaron.
EL PUEBLO tuvo la oportunidad de dialogar ayer por la mañana con una de las principales comediantes del show, Magalí Tajes, quien no tuvo problema en contestarnos unas preguntas y contarnos sobre su vida y también sobre el show.
Magalí nació en el mes de octubre en 1988 en la ciudad de Buenos Aires. Es comediante, actriz y escritora; se ha

Magalí Tajes

Magalí Tajes

formado con referentes del stand up como Luciano Mellera, Fer Metilli, Pablo Picotto y Martín Pugliese. Desde el 2013 trabaja como comediante de stand up y según describe en su blog es una apasionada de los milagros cotidianos. En 2014 publicó su primer libro al cual lo nombró “Arde la vida” el cual ya lleva su cuarta edición en Argentina.
EL HUMOR LE DEFENDIÓ
DEL BULLYING
En la entrevista que tuvimos con ella nos contó un poquito sobre sus comienzos en la comedia y expresó que “desde hace cinco años empecé haciendo stand up, hace dos años que hago videos en las redes sociales como Instagram y Facebook y eso creo que fue lo que empezó a atraer más al publico”.
Desde chica siempre tuvo el don de hacer reír a la gente, pero también fue su principal arma contra el bullying, con respecto a esto la joven argentina comentó a EL PUEBLO que “el humor es una forma de salvarse del bullying, cuando era chica si alguien me agredía, el hecho de hacer un chiste siempre alivianaba la situación y comenzó a ser mi arma de defensa, pero después con el tiempo me di cuenta que servía para algo más que defenderme”.
En estos últimos años Magalí Tajes comenzó a realizar videos tratando temas de la vida cotidiana y eso creó una gran repercusión en las redes sociales, donde se han viralizado muchos de sus videos. El público de esta joven artista es en su mayoría joven, pero muchas personas de diferentes edades la siguen, ella nos expresó que “tengo un público joven más que nada, y nunca me esperé esta respuesta de la gente. En Facebook me sigue gente mucho más grande y así mismo igual les llegan los temas que trato, creo que las temáticas son más que nada apuntadas a la adolescencia”.
CÓMO SE INSPIRA
Con respecto a los temas que trata en sus videos, los cuales comparte con su público, que son más de 600.000 personas; Tajes expresó que los saca “de las experiencias que vivo todos los días, de algo que le pasó a alguna amiga, o algo que escuchó, de cosas que me pasaron hace años y las recuerdo o simplemente van surgiendo.
En estos días Magalí junto a Uke Geraci, estarán recorriendo el Uruguay. Empezaron el pasado miércoles en Montevideo, ayer estuvieron en nuestra ciudad, hoy estarán en Mercedes y el sábado en Nueva Helvecia, y cerrarán el lunes en Montevideo para hacer la despedida. Tajes también dialogó sobre su experiencia con el público uruguayo y nos dijo que “el público uruguayo siempre nos ha tratado muy bien, es la tercera vez que estamos en Uruguay y la respuesta de la gente es hermosa. Nosotros presentamos un show stand up que dura unas dos horas donde hablamos de la familia, de sexo, de nuestros miedos y de las cosas que nos duelen, pero siempre con humor, transformamos todo en comedia”.
ASPIRA A SEGUIR CRECIENDO COMO COMEDIANTE
Con respecto a sus aspiraciones a futuro la comediante argentina nos dijo que sus expectativas son “seguir creciendo como comediante, poder publicar otro libro y ver cómo sigue la vida después.”
Nota de:
Eugenia Aguirre Nessi

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Horacio Quiroga visto por argentinos

Este año no es un año más en el tema “Quiroga”. Es el año en que se cumplen los 80 de su muerte y los 100 de la publicación de uno de sus más famosos libros: “Cuentos de amor de locura y de muerte”. Al respecto, el diario argentino La Nación publicó un artículo del que vale la pena transcribir algunos párrafos:
“Este año se cumplieron 80 años de la muerte de Horacio Quiroga (1878-1937), el escritor uruguayo más argentino que se conozca hasta la fecha. Sus libros de cuentos formaron a generaciones de lectores desde la infancia. ¿Quién no leyó en la escuela primaria Cuentos de la selva y, luego, Cuentos de amor, de locura y de muerte? Del primero de esos libros se cumplen además cien años en 2017. Los narradores de literatura realista y fantástica no pudieron desconocer las reglas, establecidas de manera intuitiva y certera en un decálogo del perfecto cuentista, para convertir relatos en obras maestras. Quiroga introdujo su propia experiencia de vida en las ficciones que escribió en poco más de 30 años. Pero lo que se llama «vida» es un efecto de la ficción; Quiroga piensa sus cuentos de monte en oposición al artificio de los otros que se jugaban al desenlace imprevisto de la historia -señala el crítico Osvaldo Aguirre-. En “Ante el tribunal”, de 1930, escribió: «Yo sostuve la necesidad de volver a la vida cada vez que transitoriamente pierde el arte su concepto; toda vez que sobre la finísima urdimbre de la emoción se han edificado aplastantes teorías». Quiroga aprendió en San Ignacio ese concepto del arte y tomó al pie de la letra el mandato; más de una vez, según testimonios, hizo largas jornadas en canoa o a caballo sólo para comprobar un detalle o algo que le habían contado. Pero la vida no explica la literatura; es el punto de partida de sus historias, la materia de su imaginación. La obra de Quiroga integra el canon de clásicos de la literatura argentina y uruguaya. La lectura de sus cuentos no devuelve ninguna sensación de caducidad, sino de plena vigencia -dice Soledad Quereilhac, investigadora y docente-. Aunque sepamos que sus casi 250 cuentos fueron escritos o publicados en una época distante, entre 1904 y 1928, hay una vitalidad en ellos y una interpelación al lector actual que se renuevan década a década. Para la autora de Cuando la ciencia despertaba fantasías (Siglo XXI), eso se debe al vínculo que logra Quiroga entre la escritura y la experiencia vital, entre el económico desarrollo narrativo y sensaciones intensas de aventura, terror o muerte en contextos selváticos y urbanos. Quiroga distinguió en su obra los cuentos de efecto, derivados de sus lecturas de Poe y de los escritores naturalistas, y las historias a puño limpio, que llegan a su culminación con Los desterrados y son el núcleo de su obra -indica Aguirre, autor de La vanguardia perdida (Ediciones de la Flor)-. Los primeros, que incluyen textos clásicos como «El almohadón de plumas» o «La gallina degollada», han recibido mayor atención de los lectores y de la crítica; los otros decantaron en una especie de estereotipo sobre el personaje de Quiroga.» Allí se esconden claves de la esotérica poética quiroguiana.

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Concurso Iberoamericano de Poesía “Premio Marosa di Giorgio”

Es uno de los concursos literarios más importantes, no solamente del Uruguay sino de la región. Nos referimos al “Premio Internacional Marosa di Giorgio”, cuyo lanzamiento fue comentado en nuestra edición del día de ayer. Las consultas recibidas a partir de entonces acerca de las bases del mismo han sido innumerables. Por ese motivo hemos decidido publicarlas íntegramente. Son las siguientes:
Art.1º. Podrán participar las personas nacidas o con residencia legal acreditada en los 22 estados miembros de la Comunidad Iberoamericana de Países. No podrán intervenir los familiares- hasta el segundo grado de consanguinidad- de los miembros del Jurado y de la Comisión Directiva de la Asociación organizadora
Art. 2º. Los participantes presentarán un libro de poesía que deberá ser inédito, no premiado en concursos anteriores y escrito en idioma español. El tema es libre. Podrá consistir en hasta 150 páginas
El trabajo s e presentará (engrampado, enrulado o cocido) en un sobre cerrado en cuya cara exterior deberá decir “3er. Concurso de Poesía. Premio Marosa di Giorgio. Edición 2017” y donde también constará el título de la obra y su seudónimo.
Dentro de ese sobre se incluirá otro más pequeño en cuyo exterior figurará el título de la obra y su seudónimo y en su interior contendrá una hoja con el nombre completo del autor, número de su documento de identidad nacional o pasaporte, domicilio, fotocopia de su partida de nacimiento y, de tenerlos, se agregarán teléfono y correo electrónico. En el caso de residentes deberán agregar constancia de residencia legal. Se podrá participar con una sola obra.
Art. 3º. Las obras se entregarán en tres ejemplares iguales, escritos en un solo lado sobre hojas formato A-4, utilizando caracteres Times New Roman cuerpo 14, con interlineado de 1,5 mm. y no más de treinta líneas por página. En la primera página dirá nombre de la obra y seudónimo.
Art. 4º. El plazo para la recepción de los trabajos será hasta el 31 de agosto de 2017, hasta las 17 horas de este último día. Deberán entregarse o remitirse a Intendencia de Salto, Dirección de Cultura. Uruguay 202 .Salto. (Uruguay).
Para ser admitidos los enviados por cualquier correo público o privado, deberá constar en el matasello del emisor, que se entregó antes de la fecha antes dicha.
Art. 5º. El jurado seleccionará un trabajo ganador y hasta tres menciones. Las consultas sobre el tema se pueden hacer en www.marosa di Giorgio, com
Art. 6º. El Primer Premio consistirá en la suma de DOS MIL QUINIENTOS DÓLARES americanos y Mariposa de oro, Las menciones recibirán Diplomas.
Art. 7 º. El jurado será de tres miembros designados: uno por la Academia Nacional de Letras, otro por la Facultad de Humanidades y Ciencias de la Educación y el tercero por la Directiva de la Asociación Marosa di Giorgio. Emitirá su fallo antes del 15 de noviembre de 2017. Si el número de concursantes lo justifique podrá ampliarse ese plazo en quince días más. El fallo será inapelable. El jurado por mayoría de integrantes podrá resolver los asuntos no previstos en estas bases.
Art.8º. No se devolverán las obras presentadas. Las no seleccionadas serán destruidas inmediatamente después del fallo.
Art. 9º. Tanto la apertura de los sobres de presentación, como el conocimiento oficial del fallo del jurado y la apertura de los sobres de identificación, serán controlados por un escribano designado por la Asociación Marosa di Giorgio o la Intendencia de Salto
Art. 10º. Los premios se entregarán en acto solemne a celebrarse en la ciudad de Salto en fecha que se anunciará oportunamente.

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Asociación Marosa Di Giorgio ante la muerte de Alberto Prósper

Al tiempo de estar en plena tarea de difusión de este relevante certamen literario, la Asociación Marosa di Giorgio (ASOMAR) hizo llegar a sus asociados el siguiente comunicado:
Estimados socios y amigos: Hace unos días nos sorprendimos con la noticia del fallecimiento de Alberto Prosper (36 años). Alberto, socio fundador de nuestra Asociación, fue un trabajador a favor de la difusión de la obra de Marosa desde la primera hora de creación de ASOMAR. Tuvo a su cargo, entre otras tareas, la puesta en marcha de nuestra página web, con todo lo que ello implica. Quienes lo conocimos y compartimos momentos con él estamos muy tristes. Compartimos palabras escritas por Jorge Pignataro en Diario El Pueblo de Salto y algunos poemas suyos publicados en «Amsterdam Sur», publicación literaria que impulsa el escritor Jorge Menoni desde Holanda.

http://www.diarioelpueblo.com.uy/culturales/fallecio-alberto-prosper.html

http://www.amsterdamsur.nl/13Prosper.html

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La historia que el bandoneonista salteño de Matos Rodríguez contó a EL PUEBLO sobre el origen de La Cumparista

El ya fallecido, Guillermo Gallino

Había nacido un 25 de junio y al momento de ir a hacerle esta entrevista estaba por cumplir 85 años de edad. Era Guillermo Gallino, el bandoneonista salteño de Matos Rodríguez en cuya casa del barrio que lleva su apellido, puesto en honor a su abuelo que donó los predios de la zona al entonces intendente Ramón Vinci, recibió a EL PUEBLO en el lugar en el que vivió por décadas guardando para sí partituras hechas de puño y letra por el autor de La Cumparsita.
Gallino falleció hace varios años, pero ante la celebración por los 100 años de la creación del himno cultural uruguayo, el periodista Hugo Lemos recopiló fragmentos de la entrevista que le realizara el domingo 24 de mayo de 2009 en la casa de Gallino. Lemos recordó que estando un día en la planta alta del Shopping donde había una parrillada que los jueves hacía noche de tangos, al verlo pasar alguien le dio el dato de que el hombre que estaba sentado en una silla, muy sobriamente, tocando el bandoneón, había sido en sus años mozos, nada más y nada menos que músico de Matos Rodríguez.
A lo que el reportero se interesó por su historia, esperó que terminaran de tocar y se acercó a él para pedirle la posibilidad de conocerlo y hacerle así una entrevista que este diario publicara en su sección semanal Al Dorso, dos días después. Ayer, la misma fue recopilada para refrescar la memoria de cómo surgió La Cumparsita según el testimonio que Matos Rodríguez le brindó a Gallino en aquel momento y que Lemos diera a conocer en nuestra sección semanal hace casi ocho años. A continuación la transcripción del fragmento de la entrevista.
“EL ENCUENTRO CON EL AUTOR DE LA CUMPARSITA”
Con la mano sobre la mesa y los pies cruzados, pensando en cada detalle para hilvanar la historia, Guillermo Gallino recuerda que luego del episodio de la mecánica de la aviación, se alojó en una pensión de un barrio de la capital y se vinculó al peluquero José Barrientos que tenía su peluquería sobre las calles Nueva York y Yaguarón.
“Como él tocaba el violín y yo rasqueteaba el bandoneón nos relacionamos enseguida. Y me hizo una carta para que en una empresa me dieran trabajo. Y así entré de electricista pero de ese oficio yo no sabía nada. Pero fui y me presenté igual y tras unas preguntas pese a mi desconocimiento me dieron el trabajo. Y yo le di de punta”, narró así su epopeya previa a sus comienzos de músico.
Entonces dijo que un día estaba en la peluquería de Barrientos y a unos 40 metros vivía “Becho”, dijo evocando la figura de Gerardo Matos Rodríguez. “Y un día me dice el peluquero, vos lo conocés a Matos Rodríguez, y yo le contesto lo conozco de los papeles nomás. Y él me dice: miralo allá está. Iba caminando ya con el ataque de hemiplegia que le había dado, junto al chofer del auto que lo ayudaba y en la parte izquierda llevaba un bastón”.
“Y entonces pensé, yo tengo que conocerlo, me voy a presentar. Y llegué hasta donde estaba él y le dije ‘qué hermoso día para disfrutarlo’. Y él me contesta ‘¿te parece?’. Y ya me miró y empezó a preguntarme cosas y me dijo de dónde era, le dije que de Salto y ahí empezó a preguntarme cosas y así nos dispusimos a conversar. Él tenía 46 o 47 años cuando lo conocí. Yo tenía 19 creo, me hizo llegar hasta la casa de él que estaba en la calle Nueva York 1415, entre Médanos y Yaguarón. Me invitó a pasar a la casa y trabamos amistad”, recopiló el bandoneonista entre sus memorias.
LA CUMPARSITA
Matos Rodríguez vivía bien, pese a las enfermedad que le aquejaba tras haber sufrido una hemiplegia que prácticamente le paralizó el lado derecho. Aunque económicamente “que pocos estancieros uruguayos recibían en aquel entonces. Para darle una idea, en una pensión donde le lavaban hasta los pies usted pagaba unos 30 pesos mensuales. Y él estaba percibiendo 6.500 pesos mensuales de derechos de autor de La Cumparsita”.
Contó que Matos Rodríguez era soltero y no tenía hijos, sí tenía una hermana a quien nuestro entrevistado conoció. Luego de hacerse muy amigo del compositor, éste lo llevó a vivir a su casa, donde permaneció por cinco años. Gallino conoció así innumerables anécdotas de la vida personal de Matos entre ellas, cómo nació La Cumparsita, el himno cultural uruguayo.
“El padre quería que él fuera ingeniero y lo mandaba a la Facultad. Pero él se hizo de varios compinches y alquilaba un bulín al que nosotros le llamábamos ‘cotorro’ (dice sonriente), allí tenían cama, comida, vitrola para llevar a las queridas, y disfrutaban la vida, así me lo transmitió él a mi”, dijo Gallino.
El músico prosiguió con su cuento: “sucedió que un día no tenían plata para pagar el alquiler del bulín y lo desalojaron, pero resulta que a la vuelta encontraron otro. Y como no tenían para pagar un carrito que le llevaran los cachivaches que tenían, fueron entre todos los compañeros en fila india y se llevaron las cosas de a uno. Y éste se para en la puerta y los mira y les dice a sus amigos: ‘esta es la cumparsa de la miseria sin fin desfila’. Y de ahí sacó la idea porque él más que músico era muy buen poeta, empezó a engalanar palabras e hizo la letra de La Cumparsita y llegaron cantándola al nuevo bulín”.
Dijo que al día siguiente su hermana Chela que era casada con un arquitecto, llegó hasta la casa de Matos Rodríguez y él le contó que había hecho una canción, y narró Gallino que “como ella era profesora de piano, él le pidió que lo ayudara a pasar el tema al papel. Y entonces les tomó la canción de oído y si bien él había hecho el tema como una marcha, ella se lo pasó al dos por cuatro. Y ese mismo tango él se lo llevó a una copista e hizo tres partituras. Una la llevó a la Biblioteca Nacional y la registró, la otra se la vendió a Roberto Firpo que tocaba en el café La Giralda (donde hoy está el Palacio Salvo). Si bien éste quiso darle 10 pesos, Matos le exigió 20 y se fue a Maroñas a duplicar la plata con los amigos y se quedó sin nada”.
Gallino recuerda que Firpo interpretó La Cumparsita y el éxito fue tal que tuvo que hacer unas 20 repeticiones. Y al querer ir a registrarla se llevó la sorpresa de que su autor ya lo había hecho.

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La artista argentina entabla una cadena de ‘Diálogos y desobediencias’ con los que repasa su carrera

Liliana Porter: “La corrección es un acto tan arrogante como inútil”

Dice que de joven era muy barroca en sus grabados y que por eso decidió meter los ornamentos en un cajón y sintetizar al máximo el lenguaje, para decir más con menos y cogerle el pulso a las metáforas. Se fijó entonces en cosas insignificantes para construir su vocabulario: la esquina doblada de un papel, una pequeña arruga, el alcance de una sombra, un clavo diminuto, la tensión que genera un hilo… Sentada en ese filo encontramos todavía hoy a Liliana FOTOCULTURA1804Porter (Buenos Aires, 1941), con la misma visión quebrada con la que empezó y el mismo amor por los diálogos imposibles. En el fondo del profuso cajón al que parecen remitir siempre sus obras, la artista guarda las preguntas que circulan junto a sus pinturas, instalaciones, vídeos, dibujos, grabados y esculturas: ¿qué es lo real? ¿Qué es lo representado? ¿Adónde vamos? ¿Quiénes somos?
No hay hoja de ruta en los territorios reescritos de Porter. Ella lo sabe: “Toda mi obra es un ensayo, aproximaciones para llegar a cosas a las que uno nunca llega. Y por eso sigo”, dice. En su trabajo muchas veces usa dislocaciones, situaciones donde conviven cosas de distinta naturaleza y emociones a veces encontradas. La exposición que le dedica el museo Artium de Vitoria, bajo el comisariado de Estrella de Diego, intenta estructurar este diálogo imposible desde tres vías. Rasgones y tareas reúne obras de los primeros tiempos como Arruga, los Trabajos forzados y la poética en potencia de las reparaciones. El recorrido y la línea recoge su fascinación por el desplazamiento y el desborde, su amor por las ferreterías, los fondos blancos y los objetos banales. Conversiones y dobles está lleno de sus diminutos personajes fuera de contexto y de una idea muy clara de espacio ilusorio, subversivo, siempre en un punto indefinido de un pasado más o menos cercano.
PREGUNTA. ¿Por qué esa desobediencia?
RESPUESTA. Básicamente, la desobediencia es un cuestionamiento de las convenciones desde la linealidad del tiempo a la percepción de lo real y de la representación.
P. A mediados de los años setenta simplificó mucho su lenguaje. ¿Qué buscaba?
R. Ese voluntario reduccionismo visual sirvió para afinar o descubrir cuál era mi mirada sobre el mundo que me rodeaba. Si elegía elementos que percibía como insignificantes, en todo el sentido de la palabra, no estaba hablando de objetos en concreto, sino que abría un lugar a un silencio, una atmósfera.
P. Tire del hilo de ese lugar misterioso.
R. Trato de sacar de contexto el espacio donde instalo las situaciones que fotografío, pinto o grabo. La ausencia de un contexto determinado me permite acceder a un lugar atemporal y, al mismo tiempo, evitar acceder a un lugar definido.
«Toda mi obra es un ensayo, aproximaciones para llegar a cosas a las que uno nunca llega. Y por eso sigo trabajando”
P. La cuestión del engaño visual ha sido un habitante más de sus obras. ¿Cómo de importante es ese engaño?
R. No me interesa tanto el truco, sino ver cómo se une lo real con lo virtual y la extrañeza que eso genera. En realidad, lo que trato de hacer es cuestionar dónde empieza una cosa y dónde termina. De alguna forma me pregunto si existe la realidad o si, dicho de otra manera, la única realidad que existe es nuestra relación con las cosas, nuestra interpretación de todo. Es evidente que cada uno tiene una lente a través de la cual interpreta, nombra, califica y define las cosas. El arquetipo parece escaparse siempre; es inasible.
P. Las correcciones, reconstrucciones y repeticiones son constantes a lo largo de todos estos años. ¿Por qué volver a ellas?
R. El ejemplo más claro para hablar de la serie de las correcciones que hice a través de los años es la corrección de un garabato dibujado a lápiz y luego corregido con rojo, porque se supone que el garabato conceptualmente nunca puede estar mal. Esa corrección es un acto tan arrogante como inútil y, al mismo tiempo, es tan trágica que termina siendo graciosa. Lo que quiero decir es que nunca sabemos cuál es el resultado final, y nuestra obsesión por conocer acaba siendo un ejercicio de humor involuntario. En general, siento la necesidad de volver a temas y motivos que ya había tratado, o bien porque no terminé de digerirlos o porque todavía quiero decir algo más.
P. Sus personajes o parejas de personajes aparecen estáticos en ese campo de visión vacío. ¿Están perdidos? ¿Son alter egos?
R. Son alter egos en la medida en que toda obra es de alguna manera autobiográfica. Mis personajes no están perdidos, los que estamos perdidos somos nosotros. Si no estuviéramos perdidos frente al misterio de la existencia, no se nos ocurriría hacer estas cosas.
P. Su experimento más reciente es el teatro. Primero fue Entreactos: situaciones breves (2014), luego El orden de las cosas: bocetos (2015) y próximamente estrenará su tercera pieza, Domar al león y otras dudas (2017). ¿Cómo es el proceso de construcción de esas obras teatrales?
R. Es raro porque nunca imaginé que haría teatro, pero a la vez fue muy natural. Mirando atrás, veo que muchas de mis obras son puestas en escena de situaciones, con la diferencia de que en el teatro los personajes están vivos. Nunca fui tan feliz como en los ensayos teatrales.

(EL PAIS DE MADRID)

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Cuando Dante escribía divinas comedias

Desde la caída del Imperio Romano hasta el descubrimiento de América hubo un singular florecimiento artístico que ha marcado la modernidad.

Este año de 2017 se está conmemorando el 80º aniversario del Guernica, de Picasso. El bombardeo de la villa vasca fue un acontecimiento apocalíptico. Como tal lo sufrieron sus habitantes y así lo debió sentir Picasso al recibir el encargo de las autoridades republicanas. Supongo que el artista, para expresar la idea del horror del fin del mundo y el miedo a la bestia del Apocalipsis, entre otras fuentes, buscó en los beatos las imágenes que le permitieran expresar de modo simbólico todo el espanto de aquel castigo bíblico sobrevenido a causa de la lluvia de fuego caída del cielo. Concretamente el caballo herido del primer plano tiene una grafía semejante a la de la bestia de las siete cabezas de oso que Henri Stierlin escogió como portada para su libro Los beatos de Liébana y el arte mozárabe.
Siempre que el 16 de abril cae en domingo, se celebra el Año Jubilar Lebaniego: devotos, peregrinos y turistas, reviviendo una tradición secular, recorren los caminos y carreteras de esa incomparable comarca situada al abrigo de la cordillera Cantábrica y los Picos de Europa para acercarse al monasterio de Santo Toribio y besar el Lignum Crucis.
Con el latín como vehículo y el cristianismo como pegamento, se hizo realidad un espacio común europeo
De ese cenobio lebaniego fue abad, allá por los siglos VIII y IX, san Beato de Liébana, un fascinante personaje al que se conoce por tres hechos extraordinarios. En primer lugar, mantenía correspondencia con la corte de Carlomagno a través de Alcuino de York y con el Papa de Roma combatiendo la herejía adopcionista de Elipando, arzobispo de Toledo que, para compatibilizar el cristianismo con el islam, sostenía que Cristo realmente no era hijo de Dios, sino hijo adoptivo. Beato no descansó hasta que vio refutadas estas heréticas doctrinas en tres concilios consecutivos. Además, sostuvo que Santiago Apóstol estuvo en España y, como consecuencia de ello, pocos años después, sus reliquias aparecieron milagrosamente en Compostela. Finalmente escribió unos Comentarios al Apocalipsis que fueron iluminados de modo originalísimo con imágenes de gran carga simbólica y expresiva para explicar las fantásticas visiones del autor o autores de la parte más enigmática de los Evangelios. FOTOCULTURA1704
Estas apreciadísimas joyas bibliográficas que son el orgullo de coleccionistas, museos y bibliotecas eran, junto con las reliquias, los tesoros más preciados de los monasterios. No sólo Picasso sino otros muchos artistas modernos han tomado prestados elementos simbólicos y formales de los beatos y de las pinturas y esculturas románicas.
Hablar de santos, reliquias, monasterios, peregrinos, indulgencias, herejías y códices nos transporta a la Edad Media. Está generalmente aceptado que comprende el milenio que va desde la caída del Imperio Romano de Occidente en el año 476 hasta el descubrimiento de América en 1492. Calificada de oscura por Petrarca, que perdió a su madona Laura durante la terrible peste que en el siglo XIV asoló Europa, o considerada como bárbara y mediocre durante el siglo de la razón; fue rescatada por el Romanticismo y valorada como se merece por los medievalistas del pasado siglo que se esforzaron por darnos a conocer sus luces.
En la larga Edad Media ya hubo un primer renacimiento en tiempos de Carlomagno y un segundo renacimiento entre 1150 y 1250. En el primero se quiso restaurar el Imperio Romano y en el segundo florecieron las artes, se crearon las universidades y se desarrollaron las ciudades. Simplificando podríamos decir que en el medievo se veneraba a los santos, el saber estaba en los monasterios y se almacenaba en los códices, y las creencias se expresaban en ritos religiosos y se difundían en los sermones a través de la palabra hablada. En el Renacimiento se desarrolló el humanismo, se abrió camino el conocimiento a través de las ideas y los descubrimientos, se admiraba a los pensadores, a los artistas y a los sabios; el saber estaba en las universidades, se enseñaba desde las cátedras y se transmitía a través de los libros gracias a la invención de la imprenta.
Con la difusión del conocimiento a través de las universidades, Bolonia, la Sorbona, Palencia, donde estudia santo Domingo de Guzmán, y el ansia de saber surgieron conflictos entre la fe y razón, entre ciencia y religión, entre los maestros y los guardianes de la ortodoxia. Abelardo, Alberto Magno y Tomás de Aquino, que eran monjes, vivieron peligrosamente problemas por la difusión de sus ideas renovadoras. Fue finalmente Erasmo, también clérigo, quien a través de la enseñanza y de los escritos, y de su propio ejemplo en favor del humanismo y del pensamiento libre, quien proporcionó las herramientas necesarias para una concepción más abierta de la religión y del mundo y por ello sus ideas dieron lugar a la reforma protestante.
Abelardo amaba a Eloísa, Francisco de Asís amansaba lobos, Averroes traducía a Platón
Pero para llegar hasta este punto tuvieron que pasar bastantes siglos de lenta maduración de las ideas. Los europeos debemos mucho de nuestro progreso a Benito de Nursia (480-547), que, a la caída del Imperio Romano, con su ora et labora, estableció la división del tiempo y la especialización del espacio en los monasterios que se fundaron siguiendo su regla. En el entorno del año 1000, los benedictinos crearon la primera multinacional de todos los tiempos con sede central en Cluny. Con el latín como vehículo y el cristianismo como pegamento, se hizo realidad un espacio común europeo en el que, aparte de los monjes que iban de monasterio en monasterio por toda Europa, los peregrinos, los comerciantes, los artesanos y los juglares, sorteando toda clase de peligros, atravesaban los mares y circulaban por los caminos, pagando el portazgo en las poblaciones que visitaban y el pontazgo por los puentes por los que transitaban.
En Compostela, el rey Fernando II de León, sabedor de que los artesanos fabricaban objetos y los artistas representaban ideas, reconoció en un documento la excepcionalidad de un artista medieval: “Dono y concedo a ti, maestro Mateo, que tienes el primer puesto y la dirección de la obra del mencionado apóstol, cada año y en la mitad mía de la moneda de Santiago, la pensión de dos marcos cada semana, de modo que esta pensión te valga cien maravedíes cada año. Te concedo por todo el tiempo de tu vida, para que redunde en la mejora de la obra de Santiago y de tu propia persona”. Tomando como base los símbolos del Apocalipsis, Mateo y sus ayudantes nos dejaron el Pórtico de la Gloria, una obra sublime que reflejaba las ideas y creencias de aquel tiempo, esculpiendo en piedra decorada con pintura un mundo en lo que lo sagrado, lo profano y lo fantástico se intercomunicaban.
El artista, satisfecho de su obra y consciente de que merecía pasar a la posteridad, dejó escrito en piedra: “En el año de la encarnación del Señor, 1188, el día 1 de abril fueron colocados por el maestro Mateo los dinteles de la puerta mayor de la iglesia de Santiago, que dirigió dicha obra desde los portales a los dinteles”. En ese mismo año, el rey Alfonso IX celebró en la ciudad de León las primeras Cortes en las que participaron representantes de las ciudades de su reino.
Mientras Mateo levantaba el Pórtico de la Gloria en Santiago, en el Panteón de los Reyes de San Isidoro de León un artista anónimo realizaba en pintura mural una representación de las creencias del mundo medieval. Mientras en los arcos nos dejó un calendario con los trabajos y tareas del hombre a lo largo del año representando escenas de la vida cotidiana, en las bóvedas relató los momentos clave de la vida de Jesús desde la encarnación hasta su glorificación. Como sacado de un códice, destaca por su belleza la anunciación a los pastores en la que lo sagrado y lo profano, lo celestial y lo terrenal confluían en el espacio y en el tiempo.
Tres siglos más tarde, Miguel Ángel, cuando ya el hombre era la medida de todas las cosas, representó en las bóvedas de la Capilla Sixtina, a base de personajes colosales, la creación del mundo y del hombre y los principales acontecimientos de la humanidad tal como los refiere la Biblia.
(EL PAIS DE MADRID)

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Arquitecto Juan C. Ferreira sobre Rodríguez Musmanno

(Segunda Parte)

En la edición del pasado jueves 6 compartíamos algunas palabras del Arquitecto Juan Carlos Ferreira sobre el recientemente fallecido artista plástico salteño César Rodríguez Musmanno, conocido por su apodo «Ojito». Con una segunda parte concluimos hoy la transcripción de sus conceptos, vertidos amablemente a solicitud de EL PUEBLO.
Radical e intransigentecesar-r-musmanno«…Era radical e intransigente, en el mejor de los sentidos de esas palabras, que son palabras muy lindas, ¡quién más radical que José Gervasio Artigas!, ese sí que era radical, y Ojito era radical en su compromiso artístico. No hay una sola línea de los proyectos de Ojito Rodríguez Musmanno que haya significado una concesión a lo comercial o a las modas».
El maestro Le Corbusier
«…Y qué casualidad, Ojito nace en el año 27 y dos años después que él naciera, Le Corbusier visita por primera y única vez el Río de la Plata, en 1929 estuvo en Montevideo, y de él sería de quien más aprendió Rodríguez Musmanno y seguramente una de las obras arquitectónica que él más admiró fue la de Le Corbusier».
Admirador de Armando I. Barbieri
Obra de Rodríguez Musmanno es el monumento a Armando Inocencio Barbieri, que se erige en Costanera Norte (frente al Club Remeros). Sobre él dijo Ferreira: «¡Eso es otra joyita! Ahí Utilizó los elementos que amaba: la piedra, el hormigón armado y los fierros viejos. Todas esas cosas están. Y está la geometría, porque esa pared curva es una espiral y esa ménsula de hormigón armado es una parte de una parábola. Con esos hierros que están ahí a la vista hizo un claro símbolo a la obra no terminada, como metáfora de la obra no terminada de Barbieri, de la vida que quedó trunca… Ojito admiraba muchísimo a Barbieri, admiraba sobre todo su obra como estadista departamental, lo que había hecho ese excepcional Intendente en la ciudad de Salto».
Fue fundamental en el «despegue» de la Regional Norte
La consulta al Arquitecto Ferreira respecto al mural realizado por Rodríguez Musmanno en la entrada a la sede de la Regional Norte, dio lugar a la siguiente reflexión: «Si no fue el último (mural que hizo en Salto) anduvo muy cerquita… y ya que hablamos de la Regional Norte quisiera mencionar que Ojito trabajaba en los llamados Servicios del Interior. Cuando llega la intervención a la Universidad, una de las primeras «patadas» fue a Ojito.
Cuando se recupera la democracia y se reinstitucionaliza la Universidad, no se sabía muy bien lo que iba a pasar con la Regional Norte, porque era sabido que en Montevideo no todo el mundo estaba de acurdo con que hubiera una sede universitaria en Salto.
Y un día vimos aparecer al Rector recientemente repuesto en su cargo después de haber sido echado por la dictadura, el contador Samuel Lichtensztejn. Eso fue una muy buena noticia, porque quería decir que la primera autoridad universitaria venia a Salto a ver qué estaba pasando.
Y apenas retoma su cargo, al primero que vuelve a llamar es al Ojito. Y el Ojito fue un puntal del despegue de la Regional aquí, un aporte que no sé si ha sido reconocido, como tampoco sé si ha sido reconocido el papel de Lichtensztejn, porque la gente es de muy frágil memoria».
La coherencia política
«En política fue de una consecuencia total con su sector político, que fue nuestro Partido Socialista, ¡la 90!, a diferencia de hoy en que yo me voy y tú te vienes y todo eso…El Ojito fue siempre de la 90, en su casa siempre se hicieron reuniones, con todos los riesgos que eso conllevaba… y esa coherencia es otra de las facetas que tenía el Ojito», concluyó el entrevistado.

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«Uso el método científico cuando compongo»

Vive en una gran casa sobre una calle costera, de clase alta. Nada, ni el barrio, ni la fachada, ni el interior —anodino, casi impersonal— permiten inferir que allí vive una estrella de rock. Roberto Musso (Montevideo, 1961) no revela en la entrevista la contundencia de sus letras: duda, vacila, da vueltas. Pero ayuda a entender —es ingeniero, padre de una niña pequeña, líder del Cuarteto de Nos— por qué su arte sigue produciendo la misma sorpresa que a principios de los 80, cuando podía subir al escenario envuelto en papel de plomo y con globos de colores atados a cada cuartetoarticulación.
Es complicado separar a la persona Roberto Musso del colectivo Cuarteto de Nos. Pero el sujeto de esta entrevista sos tú, no el Cuarteto. Por eso te traslado la pregunta, ¿cómo vivís tú los procesos creativos?
Para mí es muy difícil esa separación, es una pregunta que nunca me había planteado. Hacer canciones es en lo que más tiempo y energía invierto, y lo hago yo solo, acá en mi estudio en el fondo de casa. Y ahí no estoy pensando que estoy componiendo una canción para el Cuarteto. El proceso es sentirme yo, Roberto, haciendo las canciones que me gustan. Es lo que tengo ganas de hacer, y de lo que tengo ganas de hablar. Y en esa etapa capaz que el Cuarteto está más subyacente. Porque la cuestión de qué esperan mis compañeros que yo les muestre no está presente. Por eso digo que me siento con libertad. Yo no le muestro a nadie lo que estoy haciendo. Componer es un proceso súper íntimo para mí. Estoy un año y medio laburando, dale que te dale, más que cuando trabajaba de ingeniero. Metido en ese proceso que lo vivo por dentro, escuchando los demos que hago: los escucho en determinado momento, en determinado lugar, en distintos estados de ánimo. Y antes de mostrarle esas canciones al Cuarteto se las muestro siempre a mi esposa, que es la primera persona que las escucha. Recién ahí es cuando se las muestro a ellos, cuando me abro a los demás. Un momento precioso, pero también súper estresante para mí.
PLANILLA EXCEL
—Una vez explicaste cómo hiciste «Yendo a la casa de Damián»: pusiste todas las opciones de palabras en una planilla Excel para ver posibles combinaciones. Y es algo tan alejado de lo que uno espera de la creación, tan de ingeniero. ¿Qué tan obsesivo, estructurado o metódico sos?
Soy todo eso: muy metódico, estructurado, con una rutina para componer. No puedo componer en una gira, o en un lugar casual. Capaz que eso también va contra lo que se espera de la creación. Nunca es «anoche me tomé dos whiskies e hice esta canción». Imposible. Necesito la rutina de levantarme temprano, tener todo el día para trabajar. Soy muy metódico en ese aspecto, y obsesivo en cuanto a que le doy mucha vuelta a las letras. No quiero que se repita una idea que ya hice antes, y quiero que cada frase aporte algo. A veces el productor me dice «por qué no repetís la letra del pre estribillo, nadie te va a decir nada, Roberto». Y no, tiene que ser distinta. Me gusta la concentración de información en las letras. Que cada palabra aporte.
Eficiencia digamos
Y también perdurabilidad. A una letra muy trabajada siempre le estás descubriendo nuevos significados, nuevos detalles, «ah, mirá por qué dijo esto acá…», y es una canción que capaz que hace diez años que venís escuchado. Y después bueno, lo de la planilla Excel es verdad. Para mí el método científico tiene mucho en común con el método creativo. A veces me dicen «pa, un ingeniero, nada que ver con la creatividad, con ser artista». Bueno, no sé. Sí. No. Digamos que en el ingeniero hay escondido un ser sensible. Porque lo que a mí me llevó a estudiar matemáticas es muy parecido, tiene un gran paralelismo con la creación artística. Es un mundo de ficción en el que te metés. Que después tiene que ser el soporte para una realidad. Pero el estudiar números complejos, integrales, ecuaciones diferenciales, yo no lo veo tan alejado de hacer una canción. Para mí son dos mundos abstractos con muchos puentes en común. Y el método científico, el de no tener miedo al fracaso, el de probar todo, errar y volver a intentar, es lo mismo que hago cuando compongo. O sea, arranco con una melodía, y no termina de cerrarme cómo suena, pero decido darle una chance, y si no me gusta un camino pruebo otro. Todo eso lo veo muy asociado a lo que aprendí en facultad. En el video de la canción «Roberto» que hizo Martín Sastre sos el único que tiene ojos. La metáfora es buena: para hacer letras como las tuyas hay que tener mirada propia, agudeza, estar atento. El tratamiento del yo en las canciones es fundamental para mí. Sobre todo cuando ya tengo muchas canciones donde el yo es protagonista. En el momento en que escribí «Roberto» quise que el yo estuviera en otro lado. Entonces se me ocurrió esa idea, que fuera como abrirme la cabeza y meter el micrófono adentro. Ese fue el disparador, una canción en la que el protagonista no fuera estrictamente la persona sino sus pensamientos. Una seguidilla de frases que uno a veces piensa. «No desees que mueran tus enemigos, es mejor que estén vivos para verte triunfar». Pensamientos, correctos o incorrectos, que pasan por tu cabeza, al punto que a veces decís «pa, no puedo estar pensando esto». Bueno, pero es tu cabeza. Me gustó esa faceta del yo. Creo que ese video está bien logrado, y mirá que no es nada fácil. La bajada a tierra de una canción mía a un video es insospechadamente difícil. Y este está bien, se entiende lo de los ojos, lo de que está en un mundo al revés que los demás…
Te reconocen por la calle. Te sentirás observado, o te cuidarás. Hay cosas que no podés hacer más. ¿Cómo afecta eso a tu creación? Tiene un efecto sobre cómo transitás por los lugares públicos, y por tanto en cómo percibís las cosas. Tú ya no sos un tipo que va virgen por ahí, la gente no actúa natural si te reconoce. Claro, no actúa normal. Pero no siento que eso me clausure ninguna línea en la parte de la creación. Lo que sí ocurre, asociado un poco tangencialmente a ese tema, es el saber que hoy llegamos a un público mucho más masivo. No es que me condicione, pero estos últimos años ha hecho que me tome las cosas con un poco más de responsabilidad, por llamarle de algún modo. El saber que lo que hago va a ser escuchado por un chico de México, o de Honduras, y que se va a quedar pensando «qué me quiso decir Roberto en esta canción». Es una sensación extraña, que no sé bien cómo definir, y que en los hechos implica meter más trabajo.
¿Qué creés que le das al que escucha tus canciones? ¿Pensás que la gente exorciza cosas con tus letras?
Creo que sí. Sobre todo esas letras donde el personaje no es el habitual ganador, que le va bien en la vida. En general la identificación viene justo por el lado más oscuro de los personajes, o más del perdedor normal. Me llevo muchas sorpresas con eso, desde gente que se tatuó una frase mía, a gente que te aborda después de un recital y te dice «vos me salvaste la vida, tus canciones me hicieron cambiar la forma de pensar».
IDIOMA MALÉFICO
Uno escucha tus letras y son pequeños relatos. Sos un contador de historias. Y para que esos textos que escribís sean canciones, y además rapeables, hay una variable importante que es la sonoridad. Me resulta curioso eso de tener que elegir una palabra no exactamente en función de lo que dice sino de cómo suena, o de si rima. Me pregunto cómo es. A veces querrías usar una palabra pero no calza.
Tal cual. Por decirte algo: la palabra «debut» me encanta, la quiero meter en una canción. ¿Pero cómo? Tengo archivos de palabras que me gustaría usar en alguna letra, y siempre que estoy escribiendo los reviso.
(Publicado por El País Cultural).

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Se fue “una gran promesa literaria y un gran joven poeta” dice Jorge Menoni desde Holanda

Ante la muerte de Alberto Prósper

El pasado domingo, a los 36 años de edad, dejó de existir Alberto Prósper, cuyas principales actividades en el ámbito de la cultura reseñamos en la edición de EL PUEBLO del día siguiente. Fueron surgiendo a partir de entonces nuevos recuerdos así como otros aportes de personas que lo conocieron y lo trataron. Es el caso de Jorge Menoni (salteño A.P.radicado en Ámsterdam), autor de libros de cuentos, de poemas, de guiones cinematográficos, que acaba de publicar su tercera novela (“El Río de Papel”) y que dirige la revista cultural (digital) “Ámsterdam Sur”. Apenas enterado de la noticia escribió Menoni en su cuenta de facebook:
“Qué tristeza, nos ha dejado Alberto Prósper, siempre fue un amigo en las buenas y las malas, una gran promesa literaria y un gran joven poeta. Lo conocí ya hace mucho en el Bar El Pibe, otro amigo ausente; me visitó en Amsterdam donde nos hermanamos en interminables charlas recorriendo los canales que tanto le fascinaron. Participamos juntos en el libro “Los nombres del cuento”, varias veces publicó sus poemas en la Revista Ámsterdam Sur, revista que difundió hasta el cansancio en Uruguay. En una de mis vueltas a Uruguay nos encontramos en un Café en Montevideo, recuerdo que se ofreció para hacer todo lo posible por llevar la Ópera Carlitos Sur que yo había escrito y acabamos de representar en los teatros de Holanda, y no solo se ofreció sino que salió como un Quijote moderno a conseguirlo, batallando con cierta burocracia que piensa que “los de afuera somos de palo”. -No lo conseguimos -me escribió apenado- pero lo conseguiremos. No me diste tiempo querido Alberto para decirte que la lucha no fue en vano, pues me hubiera gustado contarte que el miércoles pasado estrenaron mi cortometraje “Prohibido” en Salto gracias a los que nos siguen queriendo como uruguayos, pues uruguayos somos todos, la patria es un sentimiento y no una distancia o ausencia. Hasta siempre querido amigo salteño, me sorprendió y me duele tanto la noticia de tu muerte que dejo de escribir para contener las lágrimas, adiós amigo eterno”.
“Enfrentar y cambiar esta realidad donde a la mayoría de la gente no le importa la cultura”: esa fue su lucha
Cuando en el año 2011 Alberto Prósper celebraba el primer aniversario de su blog “Salto y Yo”, en el que difundía y comentaba, desde Montevideo, actividades culturales de Salto, escribió algunas líneas en las que dejaba en claro las ideas que perseguía con su trabajo de cada día. Lo que sigue es el fragmento esencial: “…nunca escribí el porqué sigo adelante con este trabajo y creo que es el momento, aunque me ha llevado casi un año encontrar las palabras. Hace unos pocos días, estuvo Vargas Llosa en Montevideo, en su conferencia en la UCUDAL habló sobre varias cosas, pero lo que más retuve es que la frivolidad y el entretenimiento son, hoy por hoy, los reyes de los medios de comunicación y son la cultura dominante de nuestro tiempo. Comparto, nada que agregar (más bien debiera poder reproducir esa conferencia de memoria y no lo puedo hacer), pero este blog trata de que no sea así la realidad. Es mi intento, enfrentar y cambiar esta realidad donde a la mayoría de la gente no le importa la cultura. Y por eso a los políticos tampoco les interesa. Desgraciadamente en Salto esto parece una verdad incontrastable.
El Ser Humano, es cultura. La Lengua, los símbolos, las religiones, incluso el realismo (¿o debiera decir pragmatismo?) son una construcción cultural humana. ¿Por qué la frivolidad tiene tanta importancia hoy? No lo sé. De lo que sí estoy convencido, es que eso se puede cambiar y hay que hacerlo. No somos animales, con los que se juega un rato, se les da comida (lamentablemente no a todos) y ya está. Nosotros somos constructores, albañiles, arquitectos de lo que queremos ser y de lo que nos rodea”.
Al fin de cuentas, tiene razón Jorge Menoni: había mucho de Quijote en Alberto.
Cumplió el sueño de viajar a Europa
Fue también en 2011 que el Académico Leonardo Garet viajó a Europa para presentar en Roma su poemario “Celebrazione”, además de cumplir otras actividades en diferentes países del viejo continente. Y Alberto Prósper realizó el viaje junto a él. Días antes de partir, esto comentaba a EL PUEBLO: “Desde hace mucho tiempo soñaba con ir a Europa. Conocer, aunque sea una pequeña parte, los lugares y el arte de civilizaciones tan antiguas como la romana o la española. También me gustaría, en algún momento, mezclarme con las personas de los lugares que vamos a visitar, saliendo un poquito del trayecto turístico. Sin duda va a ser un viaje inolvidable, único, porque además lo hago con Leonardo, que con mucha generosidad me aceptó como compañero de viaje, lo que hace más apasionante vivir esta experiencia, y además, acompañarlo en la presentación de su libro Celebrazione”.
Alberto nos soltó la mano
Revisando poemas y cuentos de Alberto Prósper, dimos con un conjunto de poemas titulado “Días de tierra”, publicado en el número correspondiente a “Verano-Otoño 2011” de la Revista Ámsterdam Sur. En él, uno de los poemas parece hablarnos de este momento de dolor. Es el siguiente:
EPITAFIO
No quiero que me busquen
en las fotografías,
que son un cuento.
No me busquen en el viento
porque no soy tiempo
No me busquen junto al río
porque no soy un árbol
No vuelvan a escribir mi nombre
cuando les suelte la mano.

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Elena Ferrante, la autora oculta que cosechó fama, lectores y dinero, pero no logró mantener a salvo su intimidad

En principio este es el caso de una intimidad pisoteada. Pero ya se sabe que la intimidad de los escritores es invadida muchas veces, la mayoría por ellos mismos, otras por sus colegas, periodistas o críticos.De no haber existido ese deseo de revolver en la vida de los otros, hoy todavía el nombre de Elena Ferrante sería un misterio detrás del cual podría esconderse una escritora de prestigio, o un escritor hombre o un equipo de profesionales. Mientras ese anonimato duró pudo observarse un fenómeno conocido como «Ferrante Fever» por el cual las especulaciones no dejaban de

Elena Ferrante

Elena Ferrante

surgir y figuras como Alice Munro, Gwyneth Paltrow o Hillary Clinton aparecían como fans de sus historias, o una revista del prestigio de The Paris Review accedía a entrevistar a un autor con pseudónimo y aceptaba hacerlo por interpuestas personas, en ese caso los únicos conocedores de la identidad de Ferrante, sus editores: Sandra Ozzola y su esposo Sandro Ferri, fundadores de Ediciones E/O. Para un siglo XXI donde fenómenos como Facebook, Twitter, Instagram y otros análogos se venden como caminos obligados de desarrollo personal, la existencia de una Elena Ferrante millonaria en ventas y prescindente del halago vacuo era casi un agravio.
INVESTIGACIÓN
PERIODÍSTICA.
Hubo varios responsables a la hora de quitar a esta mujer de la sombra cómoda en la que se había instalado, donde no tenía que hacer presentaciones de sus libros, ni dar entrevistas cara a cara, ni hacerse fotos, ni leer en público ni aparecer en los medios, sin siquiera tener que decantarse por el ostracismo antipático de un Salinger o un Pynchon. Ferrante esgrimió el anonimato desde el vamos. El nombre era apenas la firma para un puñado de novelas intimistas escritas bastante mejor que las novelas sui generis del corazón que se venden por pocos pesos en los aeropuertos.
En 1992 había publicado El amor molesto, una historia de rencores filiales que comienza cuando una hija encuentra ahogada a su madre y la escena dispara una búsqueda morbosa a las raíces de esa relación. Fue llevada al cine en 1995 por Mario Martone (L’amore molesto) sin mayor destaque aunque estuvo nominada a la Palma de Oro en Cannes. Los días del abandono (2002) contaba cómo una esposa y madre sobrevivía a la ruptura conyugal, y también en esta ocasión fue adaptada al cine por el director Roberto Faenza (I giorni dell’abbandono). Una tercera novela titulada La hija oscura aparece en 2006 y sigue el deambular de una mujer separada y solitaria. Más tarde las tres novelas conformaron el volumen Crónicas del desamor y de a poco el prestigio de Ferrante se fue consolidando, comenzó a traducirse, etc. En 2003 publicó el ensayo La frantumaglia, una colección de cartas y textos donde en parte explicaba el por qué del anonimato, otorgándole a la obra una iluminación total. Qué necesidad de respaldarla con una cara, una presencia, una actitud. Más aún: en la ausencia de un autor visible la obra podía florecer mejor, sin deber cuentas a nadie, erigida como algo perfectamente solitario y autónomo. Funcionó un tiempo.
Pero entre 2011 y 2014 las cosas cambiaron. A razón de una novela por año, la tetralogía Dos amigas dio la vuelta al mundo facturando millones y puso sobre la mesa la gran pregunta: ¿Quién es Elena Ferrante?, o más bien quién se cree que es para no dar la cara. Dos individuos con mucho tiempo libre, cada uno por su lado, se dedicaron a elucubrar e investigar. El primero fue Tommaso Debenedetti, un periodista autodenominado «el campeón italiano de la mentira» cuya especialidad era vender a los diarios entrevistas apócrifas. Así, fraguó entrevistas a gente famosa como Mario Vargas Llosa, Joseph Ratzinger, Gore Vidal, Philip Roth y decenas de personalidades que jamás lo conocieron, y las publicaba en pequeños diarios locales. El procedimiento no estaba libre de cierto humor, cuanto más que él aseguraba que en Italia era imposible ser un periodista cultural «serio y honrado», y que sus empleadores sabían de sobra que lo suyo era un timo. En ese entendido dudoso de que dos males hacen un bien, Debenedetti iba por la vida haciendo su juego hasta que Philip Roth lo descubrió. A partir de ahí se dedicó a crear perfiles falsos en Facebook y Twitter. En marzo de 2015 crea una cuenta falsa a nombre de Elena Ferrante, revelando lo que según él era un secreto a voces sobre su identidad —una reconocida traductora, esposa de un escritor y editor— y consiguiendo que mucho consumidor de Facebook la felicitara por salir de la sombra.
Mientras tanto un periodista de Il Sole 24 Ore, el romano Claudio Gatti, seguía la ruta del dinero indagando los registros financieros de la editorial E/O y en octubre de 2016 llegaba a la misma conclusión que Debenedetti, demostrando que los pagos de la editorial a la traductora Anita Raja aumentaban significativamente cada vez que Elena Ferrante publicaba. Con esta nueva prueba Debenedetti arremetió con otro perfil falso, esta vez en Twitter, y con la publicación de una entrevista a Anita Raja (que por supuesto nadie creerá que es verdadera). Comenzaron a verse similitudes entre las traducciones de Raja a Christa Wolf y la narrativa de Ferrante, y entre las novelas de esta y las de su esposo, el escritor Domenico Starnone, etc. A lo que parece, evidencias múltiples, intimidad violada y caso cerrado.
TELENOVELA
NAPOLITANA.
De las obras de Ferrante la tetralogía Dos amigas es la apuesta fuerte, el emprendimiento de largo aliento que muestra y demuestra en pleno siglo XXI que los macrorrelatos tienen otra oportunidad sobre la tierra (y que los puede escribir una mujer).
Compuesta por cuatro libros que suman casi dos mil páginas, la saga de Ferrante, ambientada en Nápoles, comienza en cada volumen con una ficha técnica sobre los personajes principales, organizados por familias. Es la presentación socioeconómica de una clase media heterogénea, donde están las familias del zapatero remendón, el conserje, el verdulero, el carpintero y, un poco más preocupadas por escalar, las de los comerciantes o la del ferroviario escritor; y de una clase media más acomodada por lo menos culturalmente representada por una serie de maestros y profesores.

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Falleció Alberto Prósper

El gris de la tarde de domingo se volvió de pronto oscuridad profunda cuando se mezcló con la noticia de su muerte. Es que ayer falleció Alberto Prósper, a los 36 años. Escribía poemas y cuentos y tenía encaminada una novela. Literatura, fotografía, música, son algunas de las cosas que estudió, en Salto y en Montevideo. Fue el suyo un espíritu de tan grande sensibilidad para el arte como seguramente habrá muy pocos. Alberto podía quejarse de un precio elevado cualquiera (y entonces rezongaba, maldecía, como por tantas y tantas cosas que lo enojaban y le provocaban una rabia que no sabía ocultar), pero jamás protestaba por el precio de un libro, un disco, un cuadro, una entrada para un concierto o un espectáculo teatral. En todo eso invertía dinero con enorme satisfacción. También, hace tres o cuatro años, invirtió en la compra de un bajo, instrumento con el que algún tiempo caminó al hombro, pese a las dificultades que tenía para cualquier movimiento (dificultades que iban en aumento por una cruel enfermedad con la que luchaba a capa y espada desde hacía mucho tiempo). Caía frecuentemente en terribles pozos anímicos, pero se levantaba y seguía. Nos conocimos en el Taller Literario “Horacio Quiroga” (nombre propuesto por Alberto), que orientaba Leonardo Garet. Eso fue a comienzos de 2001. Tres años después, compartimos la tarea de preparar un libro colectivo junto a varios salteños más, “Los nombres del cuento”, en el que Alberto publicó un cuento titulado “Lorena”. Años después, compartimos innumerables experiencias durante los meses en que trabajamos juntos en el Departamento de Cultura de la Intendencia. Alberto abandonó ese cargo como funcionario municipal porque si algo lo definía, era el afán de encontrar siempre horizontes nuevos. Su sólida formación queda demostrada en un puñado de muy buenos artículos que publicó en un blog que desde Montevideo llevó adelante durante algún tiempo. Ese blog, con notas muy críticas, de gran valentía, llevaba por nombre “Salto y Yo”, claro reflejo de aquel que aunque lejos de Salto se sentía siempre apegado a esta tierra. Pero además, su fina cultura se manifestó, por ejemplo, en la excelente traducción al español que realizó de “El viejo y el mar”, de Ernest Hemingway, y que fuera publicada por Ediciones Cruz del Sur en el año 2012.

Cuando alguien se va, hay mucho que se queda. De Alberto Prósper nos queda el recuerdo del joven bohemio, soñador, solitario y solidario que luchó contra las mayores adversidades que alguien puede luchar en una vida tan breve. En lo personal, me quedan también algunos obsequios suyos: los libros “Oficio de lector”, de Santiago Sylvester, “Oficio de periodista”, de César di Candia y un Quijote en una magnífica edición de casi 1300 páginas, publicada en 2005 como homenaje en los 400 años. Me queda también la imagen de horas extensas de charla interminable, en mi casa, en algún boliche, en el living de Leonardo o la terraza de Estela… Pero lo más importante, es que me queda viva la amistad que tuvimos, como el más valioso regalo. Hasta siempre, Alberto.

LIBRETA DE APUNTES (Poemas de Alberto Prósper) I
En este patio las sombras me recuerdan
unas plantas por aquí y a otras en un cantero de césped inglés
las reconozco por las masetas.
Las piedras ya no están pero las imagino bajo los pies
de un niño jugando a la pelota
II
Ya no reconozco ni a mis compañeras de escuela
a los colores no los encuentro
y no me animo a invitarlas a salir con este cuerpo
que no sabe bailar ni engendró hijos
y ellas siguen allí con sus uñas pintadas de rojo
III
Mis libros no están aquí
y mi memoria los desdibuja.
Podría ir hasta ellos pero el depósito
ahora es un taller y las manos que trabajan en un invento
no me pertenecen
Sigo comprando libros, a algunos los leo como a los horóscopos
hechos por un conocedor de los diarios que los va cambiando
con las estaciones, los meses y los años
día a día
diciendo lo mismo
IV
Yirica ¿dónde andas?
Cuando intento cantar ya no escucho tu maullido
y me acerco a la columna que sostiene el techo
y miro hacia donde me saludabas y no hay agua
que llueva
V
Por las noches me voy a la jaula
si puedo miro la luna y las estrellas
aspiro y exhalo humo miro las paredes la canilla y el suelo
veo un minerito que cruza como un rayo quien sabe si escarba o se esconde
apago el cigarrillo con agua y cierro la puerta para volver más tarde
VI
Las calles me resultan familiares
Las esquinas todavía existen pero con distintas marcas
a veces me confundo con las direcciones de las avenidas
y camino para encontrarme con aquella otra ciudad
de la que fui extraído por la piedad de los vientos
VII
Madrid y Montevideo me suenan en estas articulaciones
y cuando veo a esos perros callejeros echados a la sombra
doy una vuelta para no pisar la morada de los destierros
VIII
Los saludos son extraños
solo los que se conocen los pescan
pero en las calles siempre hay remolinos y los ojos
se confunden y las manos quedan libres
IX
Jugando a los indios
el abuelo nos dejaba
y perdíamos los jergones
para volver a ensillar
X
Y se ha ido
y se ha ido
todos de festejo
al fin se ha ido
la luna de los despojos
la reina de los entierros
y bailan todos
porque nació un varón
y llegó la noche
y no hubo luna
y los ángeles se perdieron
y el varón
no sabía hablar
XI
Solo con los ojos cerrados puedo escuchar
la violeta voz de la abuela
el olvido de mi padre
la roja mirada del abuelo
el luto de mi madre
y todo tiene un ritmo
de fuegos artificiales
en esta caja de palabras
que pregunta en las esquinas
si alguien vio a Dios.

13Prosper

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El Retrato de Hoy

(Segunda parte)

Hace algún tiempo realizamos la primera entrega de estos textos titulados El Retrato de Hoy, que se irradian los sábados alrededor de la hora 11 por Radio Libertadores. Va a continuación una segunda entrega, con reproducción textual de la lectura en radio.
Leído el 1/4/17: Y después hay gente que dice que por falta de tiempo no puede o no pudo destacarse en tal o cual cosa… Este hombre, de joven, trabajaba hasta doce horas por día como empleado de una tienda y luego, hasta altas horas de la madrugada se quedaba en el sótano de esa tienda estudiando guitarra. Y fue el más grande guitarrista, compositor y profesor de guitarra que dio Salto. Nació en calle Sarandí Nº 500, el 6 de diciembre de 1882. Pero llegó un tiempo en el que pudo instalar su propio comercio, fue en la intersección de las calles Uruguay y Treinta y Tres. Y allí tuvieron lugar veladas musicales y artísticas en general, de primerísimo nivel: participaban de ellas, entre tantos más, los escritores Yamandú Rodríguez, Alberto Semblat, los concertistas Miguel Llobet, Agustín Barrios, Juan Ángel Rodríguez… y no faltaban aquellos que conformaban la élite musical salteña del momento: Diez Plaza, Apa, Calamé. El apogeo de su fama como guitarrista está más o menos entre los años 1924-1928. Compone mucho en esa época y enseña. Funda su propia academia de guitarra y la llama con el nombre de su amigo, “Academia Agustín Barrios”. Los años siguientes lo encuentran viviendo en barrio Ceibal y comienza a aquejarlo una enfermedad que poco a poco irá quitándole dolorosamente las posibilidades de tocar la guitarra. Ha dicho el profesor Ramón Gómez Cruz, que “era tal su oído y memoria musical que no había partitura de época o pieza célebre que no supiera silbarla o canturrearla”. La muerte lo sorprendió en el año 1940. En su tumba, en el Cementerio Central, una placa colocada por alumnos suyos en mayo de 1951 expresa: “Al siempre recordado maestro salteño, espíritu superior de hombre y de artista”. El Retrato de Hoy es el de Luis Pasquet.
Leído el 25/3/17: Nació aquí en Salto el 5 de setiembre de 1927. Arquitecto, artista plástico, escenógrafo, docente; orgulloso se sentía siempre, de todo eso tanto como de ser socialista. Recorrió el mundo para mirar, para conocer y descubrir, para aprender y poder transmitir, pero también para llevar su propio mensaje artístico y su amistad, porque era muy proclive a hacer amistades, por dentro y por fuera del arte. Como tantos salteños que se han destacado en la plástica, tuvo como sus primeros maestros allá por el año 46 a José Cziffery y José Echave. Fue cofundador con Julio C. Zino de la Galería de Arte Estudio 2, y más adelante vendría Estudio 3. En Salto se desempeñó intensa y apasionadamente como artista plástico y como arquitecto pero además durante algunos años (entre el 55 y el 66) fue director de obras y director de planificación de la Intendencia Municipal de Salto. En 1980 se radicó en Montevideo. Ejerció la docencia en la Facultad de Arquitectura y en la Universidad del Trabajo. Las exposiciones de sus obras, tanto individuales como colectivas han sido tantas, en Salto, en Montevideo y en el exterior, que sería imposible enumerarlas. Lo mismo con los premios recibidos. Baste simplemente decir que recibió distinciones en varios Salones del Interior y Bienales de Salto y el Premio Morosoli de Plata en 2012 y que el año pasado, en 2016, Salto lo declaró Ciudadano Ilustre. En el año 2004 publicó con Leonardo Garet, el libro “Bares en lluvia” (poemas de Garet e ilustraciones suyas), un libro dedicado justamente a ese otro amor que tuvo: los bares. Fue socio Honorífico y Presidente de la Comisión Uruguaya de Artistas Plásticos. Hay quienes todavía pasan por calles Zorrilla y Belén, y en la esquina noroeste admiran una de las casa más pintorescas de la zona y quizás de Salto, una casa que fue suya, creada por él. Su apodo era “Ojito” y falleció anteayer, jueves 23 de marzo, en Montevideo, a los 89 años. El Retrato de Hoy corresponde a César Rodríguez Musmanno.
Leído el 8/4/17: Para no pocos entendidos en asuntos jurídicos, lo que dejó escrito esta mujer (sobre todo en artículos) y especialmente respecto a temas de Derecho Penal, Derechos Humanos y Derecho de Familia, es, por su calidad, material de permanente consulta. Fue ella misma, en vida, una permanente referencia. Ocupó cargos importantísimos en el Estado uruguayo, en años donde todavía era poco común que, hubiese mujeres en ellos.

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Tras un año de crecimiento lento y continuo en la cabeza de los lectores se ha convertido en un acontecimiento literario

“De algún modo debe producirse una mínima alteración de la realidad» decía la escritora norteamericana Lucía Berlin para explicar sus cuentos. «Una transformación, no una distorsión de la verdad. El relato mismo deviene la verdad, no solo para quien la escribe, también para quien lee. En cualquier texto bien escrito lo que nos emociona no es identificarnos con una situación, sino reconocer esa verdad». Con esta convicción escribió 77 cuentos, de los cuales Alfaguara publicó 43 en español, bajo el título Manual para mujeres de la limpieza, que mereció una pormenorizada y reveladora reseña de Hugo Fontana en estas páginas (ver El País Cultural No. 1297)
Si volvemos a Berlin y su Manual… es porque acercan dos temas transparentes en el mundo de la literatura, y en consecuencia poco visibles. El primero tiene relación con los lectores. A partir de los años sesenta Lucía Berlin publicó estos relatos en editoriales modestas sin mayor repercusión hasta que su rescate en 2015 por una editorial mayor, cuando llevaba diez años de fallecida, los ubicaron de inmediato en las listas de los más vendidos y el éxito los acompaña en cada lengua a los que han sido traducidos.
El auge de la autoficción, con su concentrado giro sobre la experiencia biográfica puede justificar el sorpresivo cambio en la atención de los lectores. Muchas obras se olvidan y regresan por motivos poco azarosos, sujetos a la continua deriva del interés de los públicos y la crítica. Pero para que el encuentro se produzca es necesario que la obra sostenga su valor, y el de estos cuentos es el tono intrépido, desinhibido y esencialmente honesto con que Lucia Berlin regresó sobre las experiencias de su infancia en Texas, de su adolescencia en Chile, de su vida en México, Nueva York y California.
LA HISTORIA Y EL TONO
Entre las alianzas que sostienen la lectura, el tono es una de las más importantes para el escritor y el lector. Ricardo Piglia lo definió como la relación que tiene el narrador con lo que cuenta. Esa relación puede ser melancólica o festiva, mordaz, lúdica, distante, crispada, y a menudo varias cosas a la vez.
Cuando el lector se encuentra con la historia, se encuentra también con el tono, y lo que seduce en los cuentos de Berlin es precisamente lo que otra escritora sureña de los Estados Unidos, Flannery OConnor, definió con estas palabras: «cuando estás escribiendo narrativa, estás hablando con el personaje y la acción, no sobre el personaje y la acción. El criterio moral del escritor debe coincidir con el criterio dramático».
¿Una moral en la literatura?
Como se suele entender la ficción por el arte de engañar, y cualquier escritor sagaz es capaz de anular la incredulidad mediante el relato de las imágenes, los olores, las sensaciones físicas, la música de las palabras incluso, presumimos que la moral no es asunto literario.
En rigor, creemos que la libertad del arte anula las exigencias que pesan y se quebrantan en otras actividades, y sus caminos no están sujetos a ninguna demanda exterior a sus fines, pero apenas descartamos a los mentirosos, a los oportunistas, a los que escriben sobre lo que no saben o parodian realidades ajenas sin involucrarse, nos encontramos con la verdad que reclamaba Berlin y la moral que pedía OConnor.
El relato bien construido puede engañar con sus delirios y exageraciones, pero carga un antiguo pacto con la verdad, y no hay probablemente otra educación moral mejor sostenida que las ficciones de los grandes escritores. La isla del tesoro, por ejemplo, no es un mundo que haya conocido Stevenson —sus piratas estaban enterrados desde hacía doscientos años—, pero el intercambio de favores entre el bien y el mal a lo largo de su novela es parte del mundo que conocemos todos. Confiamos en Shakespeare, Kafka, Tolstoi, Faulkner, Salinger, Flaubert y muchos otros porque esencialmente no han mentido y sus historias pasaron a formar parte de la intimidad de generaciones de lectores. Por paradójico que resulte, ha sido la ficción el escenario de las más irreductibles verdades.
Las que conmueven en los relatos de Lucia Berlin son las de la vulnerabilidad. La propia y la de los demás, con sus abusos, sus desprecios, sus enamoramientos, el alcoholismo, las audacias y debilidades para abrirse un destino con cuatro hijos y varios divorcios. No llevó una vida de escritora. Llevó una vida de secretaria, de empleada de servicios con una mente curiosa, una exquisita capacidad de observación y pese a los padecimientos, nada de autocompasión, lo que le permitió transitar por recuerdos patéticos con pasos de comedia, por situaciones laborales con una sutil mordacidad, y callada piedad en las situaciones desesperadas y ominosas.
Junto a la sensibilidad para reconocer las emociones hasta en los episodios más triviales, el estilo de sus cuentos es preciso y alocado, capaz de abandonar la trama para dar un consejo o recordar otro incidente y regresar desde un nuevo lugar. La mayoría de sus cuentos culminan dentro del cuento, de modo que sus finales son abiertos; la historia ya ha terminado sin que el lector lo perciba hasta que comienza a revisar lo que ha leído. Entonces descubre que bajo el encanto imprevisible de sus tramas, Berlin ha contado disimuladamente, como al pasar, el corazón de la historia, y todo lo ha dicho con delicadeza. En rigor, se ha dado permisos para contar con ligereza asuntos graves, y a veces asuntos tan ligeros que se vuelven graves. Finalmente, más allá de lo que cuenta, el lector aprende a amar a la persona que se expresa en su voz.
PACTO DE VERDAD
Su seducción, además de emotiva, es virtuosa. Un cuento en especial, «Punto de vista», casi un divertimento, comienza con una reflexión de tono ensayístico sobre los relatos de Chejov, de inmediato pasa a una tercera persona para contar la soledad de un personaje imaginario, en una situación plausible que por último, acaba por revelarse como propia, y remata en primera persona. La audacia, aparentemente imposible de llevar a buen puerto sin romper la unidad expresiva, es similar a la que intentó con torpeza Alessandro Baricco en su última novela, La mujer joven, pero Berlin la realiza con maestría, precisamente porque la idea se sostiene sobre un pacto de verdad.
(EL PAIS CULTURAL)

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Arquitecto Juan C. Ferreira sobre Rodríguez Musmanno

En un extenso y apasionado diálogo derivó la consulta dirigida por EL PUEBLO a Juan Carlos Ferreira, sobre la vida y la obra de César Rodríguez Musmanno (“Ojito”), el artista plástico salteño recientemente fallecido en la capital del país.
Arquitectos los dos, docentes los dos, ambos con una pasional inclinación hacia todas las manifestaciones artísticas y, como si fuera poco, socialistas los dos. Esas son algunas de las coincidencias que hicieron de Ferreira, además de su sólido conocimiento de las obras de Rodríguez Musmanno, la persona que entendimos oportuno consultar. Hoy simplemente entregamos, como Primera Parte, algunos pasajes de sus palabras.
Arte y compromiso socialcrm
“Él unía su arte a su compromiso social, que no es lo mismo que hacer “arte”, entre comillas, con la base de un cierto compromiso social, porque muchas veces eso deriva en algo tan feo que es un panfleto, y la obra de Ojito está muy lejos de ser panfletaria. Una obra puede tener un fortísimo componente ideológico, como es el caso, en lo cinematográfico, de la película El acorazado Potemkin, que es un canto a la futura revolución del los proletarios del mundo y es una maravilla. Inmediatamente agregó Ferreira: “Lo que no quiere decir que Ojito no hubiese hecho, por otra parte, estupendas residencias para las familias de clase media, un ejemplo notorio es su propia casa (Zorrilla y Belén), esa maravilla que debería tener más atención por parte de mucha gente”.
El muralismo
Rodríguez Musmanno siempre concibió al arte de los murales (en espacios públicos especialmente) como forma de “democratizar” la cultura, de colocarla al alcance de todos. A propósito dijo el entrevistado: “…pero además su muralismo lo llevó a las escuelas, ¡qué mejor lugar!, y siempre con el lenguaje que él utilizaba, que era un lenguaje moderno, porque si algo fue Ojito, fue un radical intransigente, en el mejor de los sentidos… nunca tuvo una concesión a lo comercial…”.
La mejor escuela
En otro momento de la conversación y en homenaje a César Rodríguez Musmanno, Juan Carlos Ferreira quiso mencionar unos versos del español José Agustín Goytisolo, un fragmento poético titulado “Pero tu aprendizaje está en la calle”. Es el siguiente:
Desconfía de aquellos que te enseñan
listas de nombres, fórmulas y fechas
y que siempre repiten modelos de cultura
que son la triste herencia que aborreces.
No apredas sólo cosas, piensa en ellas
y construye a tu antojo situaciones e imágenes
que rompan la barrera que aseguran existe
entre la realidad y la utopía (…)
Después sal a la calle y observa:
es la mejor escuela de tu vida.
Celebración
“Esto de ‘triste herencia’ yo siempre lo vi en Ojito y lo de ‘construir situaciones e imágenes que rompan la barrera entre la realidad y la utopía’ es lo que él hizo a lo largo de estos maravillosos 89 años de vida. Por eso, más allá de cierta tristeza, hoy estamos celebrando esos 89 años”, expresó Ferreira.

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Presentaciones que se anuncian

Libro: La Dirección de Cultura de la Intendencia nos ha hecho llegar la invitación para la presentación del libro titulado “Artigas”, del Profesor Enrique Méndez Vives. Será hoy, jueves 6 de abril, a la hora 19:30 en el Palacio Córdoba, Uruguay 202.
Disco: Por otra parte, se vienen ajustando detalles para la llegada a Salto de Rubén Cuestas (uno de los integrantes del famoso dúo entrerriano Los hermanos Cuestas). Será seguramente el 25 de mayo en Teatro Larrañaga, ocasión en la que el músico (de 75 años de edad) estaría presentando su primer disco como solista, llamado “Entre trinos”. Ampliaremos.

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Con un film del cineasta salteño Jorge Menoni comienza la edición 2017 del ciclo de cine de la UDELAR en Salto

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“Prohibido” se estrena mañana a las 20 horas, en la Universidad de la República, sede Salto. Se trata de una película escrita y dirigida por el escritor salteño radicado en Ámsterdam (Holanda), Jorge Menoni.
De esta forma, dando inicio a un nuevo año de los ciclos de cine, la sede Salto Cenur Litoral Norte de la Universidad de la República, brinda a toda la comunidad salteña un nuevo periplo en la exhibición de films de gran calidad. En el presente año y comenzando la temporada con un Ciclo de Cine Nacional, se proyectará mañana a partir de la hora 20, el mediometraje de ficción “Prohibido” (Forbidden) del cineasta salteño Jorge Menoni.
Además, dentro de este ciclo y a partir de la segunda quincena de abril se proyectarán: “La demora” (Miércoles 19 de abril), “Entre valles” (Miércoles 26) y para el mes de mayo, en coordinación con el grupo Café de la Memoria se exhibirán: “Matar a todos” (miércoles 3 de mayo), “Cinemateca el tercer mundo” (miércoles 10) y “Zanahoria” (miércoles 17).

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Mesa docente sobre Borges organizada por la Prof. Marta Peralta

El pasado fin de semana se organizó una mesa docente – liderada por la Prof. Martha Peralta, donde se llevó a cabo una mirada sobre el literato Jorge Luis Borges.

El Palacio Córdoba repleto de docentes y estudiantes.- Un lujo de Mesa. “Una actividad para cualquier gestor cultural. Me siento agradecida por permitirme organizar estos eventos, al público que nos acompañó, a los docentes, por su amplia mirada al escritor, por su análisis impecable.
También a los compañeros de Departamento de Cultura que colaboraron y por supuesto al licenciado Pablo Silva y al Curador Marcos Ibarra” – destacó Marta Peralta.

Escritor argentino considerado una de las grandes figuras de la literatura en lengua española del siglo XX.
Cultivador de variados géneros, que a menudo fusionó deliberadamente, Jorge Luis Borges ocupa un puesto excepcional en la historia de la literatura por sus relatos breves. Aunque las ficciones de Borges recorren el conocimiento humano, en ellas está casi ausente la condición humana de carne y hueso; su mundo narrativo proviene de su biblioteca personal, de su lectura de los libros y a ese mundo libresco e intelectual lo equilibran los argumentos bellamente construidos, simétricos y especulares, así como una prosa de aparente desnudez, pero cargada de sentido y de enorme capacidad de sugerencia.
Recurriendo a inversiones y tergiversaciones, Borges llevó la ficción al rango de fantasía filosófica y degradó la metafísica y la teología a mera ficción. Los temas y motivos de sus textos son recurrentes y obsesivos: el tiempo (circular, ilusorio o inconcebible), los espejos, los libros imaginarios, los laberintos o la búsqueda del nombre de los nombres.
Lo fantástico en sus ficciones siempre se vincula con una alegoría mental, mediante una imaginación razonada muy cercana a lo metafísico.
“Ficciones”,”El Aleph” y “El Hacedor”, constituyen sus tres colecciones de relatos de mayor proyección.
A pesar de que su obra va dirigida a un público comprometido con la aventura literaria, su fama es universal y es definido como el maestro de la ficción contemporánea.
Sólo su ideario político pudo impedir que le fuera concedido el Nobel de Literatura.
Borges era entonces un adolescente que devoraba incansablemente la obra de los escritores franceses, desde los clásicos como Voltaire o Víctor Hugo hasta los simbolistas, y que descubría maravillado el expresionismo alemán.
LA OBRA DE JORGE LUIS BORGES
Borges es sin duda el escritor argentino con mayor proyección universal.
Se hace prácticamente imposible pensar la literatura del siglo XX sin su presencia, y así lo han reconocido no sólo la crítica especializada, sino también las sucesivas generaciones de escritores, que vuelven con insistencia sobre sus páginas como si éstas fueran canteras inextinguibles del arte de escribir.
Borges fue el creador de una cosmovisión muy singular, sostenida sobre un original modo de entender conceptos como los de tiempo, espacio, destino o realidad.
Sus narraciones y ensayos se nutren de complejas simbologías y de una poderosa erudición, producto de su frecuentación de las diversas literaturas europeas, en especial la anglosajona son referencias permanentes en su obra, además de su conocimiento de la Biblia, las primigenias literaturas europeas, la literatura clásica y la filosofía.
Su riguroso formalismo, que se constata en la ordenada y precisa construcción de sus ficciones, le permitió combinar esa gran variedad de elementos sin que ninguno de ellos desentonara.

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La tragedia de un arribista escrita por una autora ucraniana que escribió en francés y murió en la terrorífica Auschwitz

Irene Némirovsky es un claro ejemplo de resonancia tardía en la historia literaria. Su vida trágica de novelista precoz deportada a Auschwitz y muerta allí antecede la lectura actual de cada una de sus obras, que se reeditan de un tiempo a esta parte con buena recepción. Pero las razones de esa permanencia quizá no son tanto las extraliterarias como las vinculadas a su estilo. Némirovsky, nacida en Kiev más profesional de lo que aparentaba, con una capacidad notoria para estructurar relatos, crear personajes de peso y darles vuelo, además de ser una lectora capaz de integrar muy bien lo que leía a su propio mundo creativo. La presa, novela de 1938, cuenta la historia de un arribista y es un buen ejemplo de cómo la autora trabajaba con la literatura preexistente en un permanente diálogo de influencias. Más de cien años antes, en 1830, Henry Beyle –conocido como Stendhal- había publicado Rojo y negro, la novela por antonomasia del arribismo trágico. Y entre Julien Sorel, protagonista de esa novela, y Jean-Luc Daguerne, el personaje de Némirovsky, hay una fraternidad insoslayable. También la había entre su novela Suite francesa y Guerra y paz de Tolstoi, o entre El vino de la soledad y Madame Bovary de Flaubert.
La presa se ambienta en Francia en 1923, presentando a una familia que se viene abajo moral y económicamente. Laurente Daguerne, lector apasionado, es un hombre enfermo y pronto a morir que deja más o menos en la indigencia a su segunda esposa, a los dos hijos que tuvo con ella y al hijo de su primer matrimonio, Jean- Luc, quien a los veintitrés años se encapricha con la hija de un banquero, Édith Sarlat, una chiquilina algo voluble que enseguida lo deja por un partido mejor. El sentimiento de Jean-Luc, de por sí débil, vira a un juego de conquista y poder y consigue seducirla, embarazarla y casarse con ella. No es el comienzo del “y fueron felices” sino de una montaña rusa de subidas y bajadas que no solo incluyen la crisis moral que trae el tiempo y la aparición de nuevos amores sino también el crac financiero del ’29 y sus coletazos europeos, más un panorama político corrupto que termina arrastrando al personaje principal a la caída.
El relato de Némirovsky se levanta -decimonónico en su esencia- como un gran fresco emocional donde los sentimientos son pisoteados pero terminan controlando y castigando a los personajes al punto de convertirlos en héroes románticos.

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Primera intervención urbana en el 2017 , desfilaron más de 500 años con “Disfrazate”

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Se llevo a cabo la primer intervención urbana del 2017 del Nuevo Club de Niños La Tablada junto con la Unidad de Socorrismo de la Intendencia, una movida espectacular con mas de 500 niños disfrazados y con mucha alegria.
“Partimos en hora con la música a full y participaron de esta actividad niños del Club de Niños Acción Ceibal, Escuela No.88, Escuela No.8 y Club de Niños La Tablada” – informó Facundo Molina, educador del proyecto.

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En la sala 4d del Spa Termal Daymán se presentará mañana documental “Mirando al cielo” de Guzmán García

Mirando el Cielo

Mañana martes se presentará en la sala de cine 4d del Spa Termal Daymán, el documental de Guzmán García intitulado “Mirando al cielo”.
El grupo Ateneos es una troupe teatro comunitario. Sus integrantes trabajan durante el día y se reúnen a ensayar por la noche. En su mayoría, son gente con mucha sensibilidad que encontró allí una manera de poder expresarse. “Mirando al cielo” explora los mecanismos que tenemos los seres humanos para lidiar con el dolor y seguir creando a pesar de todo.

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Varias actividades Programa ASOMAR

La Asociación Marosa di Giorgio está concluyendo de armar su calendario de actividades.
La primera será el lanzamiento de las Bases del Concurso Iberoamericano de Poesía. Premio Marosa di Giorgio, patrocinado por la Intendencia y que este año abarcará a veintidós países de habla iberoamericana.

LECTURAS Y CAFÉS LITERARIOS
El 27 de abril se tomará café “en” las ciudades de Viena y Budapest, en charla del Arq. Edmundo Rodríguez Prati, continuación de la excelente realizada el año pasado. Luego el 12 de mayo se presentará otro libro de Enrique Cesio y el 26, Día del Libro, se organizará una lectura colectiva a cargo de liceales de varios institutos.

MES DE MAROSA
En junio, el mes del nacimiento de la poeta, se comenzará con un acto sobre su vida y obra, en forma de diálogo con dos conocidos directos de la escritora.
El propio día aniversario, el 17, se hará una recitado de sus poemas.
Para concluir la serie en la segunda quincena, se espera contar con un autor y crítico especializado en nuestra conterránea famosa, para analizar su trabajo de repercusión internacional.

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Nuevo libro de Gay Talese, un “Gran espía de la intimidad”, la historia de un mirón dueño de un hotel

La increíble historia de un mirón, propietario de un motel en Colorado, que observó durante décadas a miles de sus clientes haciendo el amor, sin ser descubierto jamás. Hasta que decidió contar todo, sin ocultarse.
El protagonista del libro El motel del voyeur es el mirón Gerald Foos, dueño de un motel en Colorado que espió a sus clientes durante más de 30 años cuando tenían sexo en la intimidad de sus dormitorios.
Foos llevó un diario con minuciosas anotaciones sobre las costumbres, vestimenta y comportamiento de sus miles de “víctimas”. Gay Talese, autor de la extensa crónica, fue invitado en 1980 a una de esas sesiones de “espionaje” porque el mirón quería contar su historia. Sin revelarse, claro. El legendario periodista se negó a contar el caso ocultando las identidades, y el asunto se congeló. Foos le siguió enviando extractos de sus diarios y mantuvieron una correspondencia. Tres décadas después del primer encuentro, hace poquitos años, Talese recibió la autorización del propio Foos para hacer pública su identidad. Contó parte en el semanario The New Yorker (abril 2016), y luego de forma extensa y con datos inéditos en el libro que ahora llega traducido, El motel del voyeur.
El mirón registró de forma minuciosa las costumbres sexuales de parejas felices, aburridas, infelices, también observó tríos, grupos, gente solitaria o parejas adúlteras, pues los seguía luego hasta sus respectivas casas. Vio actos normales, insólitos y aberrantes. Los espió en el baño, cuando comían en la cama y se limpiaban la grasa de sus manos en las frazadas, cuando miraban televisión o discutían.
Talese intercala en El motel del voyeur citas del diario sin abusar ni repetir, destacando aquellas que podrían llegar a tener cierto interés sociológico o antropológico. Por ejemplo las que refieren a los cambios de costumbres a lo largo de estas décadas, evidente en el aumento de parejas interraciales o gay que ya no precisaban ocultar su condición. U otras referidas al compromiso emocional: «Por desgracia, la mayoría de los hombres que he observado se preocupan más por su propio placer que por el de las mujeres. Hay mucho menos amor emocional que amor físico. Las lesbianas, por el contrario, son mejores amantes entre sí; saben lo que quiere su compañera, y casi siempre existe una proximidad emocional que un hombre nunca puede alcanzar. Más ternura, más consideración y comprensión de los sentimientos del otro, etcétera».
El motel del voyeur conmoverá a los admiradores de Talese, esos que lo conocen por clásicos como La mujer de tu prójimo (sobre las costumbres sexuales de los norteamericanos), El reino y el poder (sobre la dinastía propietaria del diario The New York Times) o Honrarás a tu padre (sobre la mafia, material que inspiró la serie Los Soprano). Pero no tanto al lector común. Es un libro incómodo que lo dejará atrapado entre dos fuerzas poderosas: una que lo lleva a leer compulsivamente el libro en plan mirón desinhibido, y otra que le dirá que tire el libro por la ventana, por indecente.
Porque Talese juega con la mente del lector, lo convierte en otro mirón, lo coloca cerca de las parejas desnudas y lo sumerge en el universo perverso –a veces bizarro, grotesco, pero siempre ambiguo- que rodeaba a Foos. Un mundo donde la frontera entre la cordura y la insanía es y será siempre demasiado tenue. Y eso mete miedo, sobre todo cuando Talese intenta «explicar» lo que pasa dentro de la cabeza de Foos y fracasa de forma rotunda.
Otro tema es el de la veracidad del relato. Talese advierte que Foos es un cronista inexacto, que confunde fechas o aporta hechos que luego no pueden ser verificados.
Por ejemplo el caso del asesinato de una chica mientras espiaba. Los registros policiales o forenses de la época no lograron confirmarlo, a pesar de que el diario registra la intervención de la policía tras el “hallazgo” del cadáver por parte de la mucama.
Pero este caso, que aparece tarde en el texto, no merma la credibilidad de la historia. Quizá porque lo que importa no es tanto la verificación de los datos, la certeza absoluta o la integridad de un mirón que, por definición, es un ser miserable. Lo que en realidad interesa es el caso con sus complejidades, ambigüedades e inmundicias, los rituales cotidianos para subir y bajar de los punto de observación, la asignación de las habitaciones precisas para las parejas más bellas (Foos prefería a los más lindos), las complicidades insólitas que lo ayudaron en el proceso, y la obsesión descomunal por continuar el plan sin que nadie jamás haya logrado descubrirlo, espiando durante décadas a razón de 300 por año.
El libro contiene abundante material y fotos de distintas épocas, todo sostenido por la maestría narrativa de un grande. Y aún así, sobre el final, luego de tantos engaños, descripción de orgasmos y semen volando, al lector crítico le aparece en su cabeza la gran pregunta: ¿era necesario un libro? ¿El tema merecía semejante esfuerzo, el tiempo que le dedicamos, y el gasto de dinero? Quizá habría alcanzado con el artículo del New Yorker. Pero para eso hay que leer inglés.
EL MOTEL DEL VOYEUR, de Gay Talese. Alfaguara, 2017. Buenos Aires, 228 págs. Traducción de Damia Alou. Distribuye Penguin Random House.

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Ganadores de Taller de la Creatividad Literaria y Artística

En el Taller de la Creatividad Literaria y Artística, organizado por la escritora y docente Beatriz Corbella, se anunciaron los trabajos ganadores. El primer premio correspondió a Adriana Martínez y el segundo premio fue otorgado a Claudia Córdoba.
Dentro de las actividades previstas para el corriente año Beatriz Corbella organizó un concurso de narrativa. Los trabajos podían enviarse por correo electrónico y la participación fue de carácter libre. Se tomó como punto de partida un texto del escritor Felisberto Hernández que dice “La sala donde yo daba conciertos.
La invitación rezaba: “¿Se animan a continuar la historia?”
Vencido el plazo acordado se procedió a la lectura de los trabajos enviados, siendo el resultado el que a continuación se expresa.
Primer Premio: Adriana Martínez. Segundo Premio: Claudia Córdoba. Los premios son Diplomas y libros. “Se bregará porque anualmente se organice un concurso de estas características”, afirmó la organizadora Beatriz Corbella.

Adriana Martínez

Adriana Martínez

Primer Premio
Adriana Martínez
LA SALA DONDE DABA LOS CONCIERTOS…
Frente al piano, mis manos blancas, pero firmes, con las uñas prolijamente pintadas, la ocasión lo ameritaba, comencé a tocar las teclas con fuerza, como si el dolor y la rabia quisieran salir de mi corazón, respirando con fuerza, con ojos apretados.
Lentamente las palpitaciones del enojo fueron cediendo, dando lugar a la calma,al disfruté de aquella melodía aprendida de niña con la profesora de piano y solfeo que vivía frente a casa ,en cuya habitación de pisos de madera sonaban sus tacones.
Los recuerdos fluían a borbotones, la niñez en aquel pueblo tranquilo de pocas calles bituminizadas, la mayoría de tierra, donde podíamos jugar sin peligro.
Así, por varios minutos sentí estar sentada en aquel banco giratorio delante del piano con seis o siete años, con la profesora que me resultaba demasiado anciana; quería aprender a tocar el piano, no aquellas notas de solfeo que me aburrían demasiado.
De pronto comprendí, nada era verdad, solo parte de un sueño o del recuerdo de parte de mi niñez, no soy una concertista, el piano está allí pero no soy yo la pianista, ni estoy sentada frente al piano, sí lo estoy en una cómoda butaca de platea de color rojo donde una jovencita con aspecto frágil nos deleitaba con una melodía hermosa, por momentos se contraponía la fragilidad con la fuerza de las notas anotadas en el pentagrama.
El final de la actuación fue fantástico,por varios minutos el público aplaudió de pie, yo también lo hice pero luego me senté nuevamente en la butaca roja, aún oía el eco de aquel piano que parecía que tenía vida propia, ahí me quedé, por un tiempo largo, cerré los ojos, suspiré y sentí que el alma había sanado.
Segundo Premio
Claudia Córdoba
LOS ACORDES DE AQUELLA NOCHE

Claudia Córdoba

Claudia Córdoba

La sala donde yo daba los conciertos, se transformó de repente en un mágico ensueño. El sonido suave de la lluvia, acompañó al placer cotidiano del silencio.
Mi recuerdo deambuló entre peculiares personajes. Siempre fui la traviesa de los ojos rasgados y tez trigueña, eran palabras de la tía Pocha
Abandoné los pensamientos y volví a la composición; sostuve acordes entre fusa y semifusa, hasta quedar dormida. Amaneció, volví a ese lugar. Allí todo parecía mágico.
En el patio; la frondosa vegetación, los adornos en las paredes, pequeños bancos con pinturas de muchos colores. Los artistas habían puesto en ellas toda su energía y creatividad, para transformar noble madera en una obra de arte.
Ahí estaba sentado, lo observé varias veces escuchar la música.
El aspecto de aquel joven llamó mi atención. Paseaba por el patio. Se detuvo ante la escalera. Sorprendido, murmuró: _ Data del año 1830_
Asentí con la cabeza, aunque no tenía la menor idea. La charla se prolongó largo rato. Recorrimos el lugar. La pérgola con fantásticas glicinas de color violeta, dibujaban el paisaje. _ Ya vuelvo_ Dije. Y continué con la composición. Los acordes sonaron con más precisión esta vez. “Es hora de sacar los sueños del cajón”.
Mi canto llamó la atención del joven. Se sentó en la primera butaca. Hablamos. El diálogo fue escaso, pero suficiente como para invitarlo a la función que se celebraría esa noche. Tenía prisa. Lo acompañé hasta la puerta.
Cruzamos el patio, el temporal era cada vez más fuerte.
No tardaron en aparecer luces y truenos en un cielo sin estrellas.
El gorro color verde que llevaba puesto, se cae y vuela quien sabe dónde.
Una parte de la antigua escalera comenzó a desmoronarse y la columna que la sostenía cae en forma brusca.
Me asusté al ver que la mole se precipitaba sobre mi hombro. El polvillo de escombros rozó mi vestido y vi desplomarse la estructura. El muchacho, a escasos metros; corre rápidamente y con sus brazos extendidos, me sostiene en el aire. Quedé sin respiración y grité de forma aterradora. Estaba desesperada.
La escena siguiente fue devastadora. A mis espaldas, los escombros yacían en el suelo mojado por la lluvia. El viento se transformó rápidamente en un ciclón y hubo que refugiarse en los pocos lugares que había en el patio. La violenta lluvia se disipó en pocos minutos y el concierto no se suspendería.
Calmé los nervios y respiré hondo. Pensé, esbozando una leve sonrisa: “El show debe continuar”.
Estaba estupefacta pero no iba a desistir. La guitarra sonaría ese día, a pesar de todo; el pueblo esperaba con ansias el concierto. Llegó la hora y la sala se silenció de repente.
Estaba muy nerviosa pero feliz, sabía que tantas horas de ensayo y dedicación no podían haber sido en vano.
Me senté en el banco y sentí la presencia del público. Mis temblorosas piernas se aquietaron.
¡Sostuve mi guitarra como en un abrazo fraterno entre las dos! Acaricié sus trastes.
El mástil, pareció elevarse hacia el infinito. Me sentí maravillada.
Una mezcla de emociones invadió mi cuerpo; también la sala.
Empezaron a sonar los acordes de “Capricho árabe ” del compositor Francisco Tarrega, Bach y su tema “Minuet en Sol Mayor” , ” Recuerdo de alambra”, “Romance anónimo” , “Romeo and Juliet” y “Rock Me, Baby” de B.B King.
El público demostraba su afecto luego de cada interpretación. Los momentos de silencio y aplausos fueron muy gratificantes. No podía creer que eso estuviera sucediendo.
Finalmente, interpreté mi obra maestra. Aquella que me había hecho vivir las emociones más intensas y largas horas de trabajo. ¡Mi propia creación!
Esas personas que veía a diario en el barrio, en la calle y en mi ciudad, demostraban su inmensa gratitud. ¡Me vi como una gran artista!
Cuando la velada finalizó, escuché aplausos, gritos y frases de aliento.
La emoción que sentí fue casi inexplicable.
Caminé por el pasillo de ese hermoso lugar con alegría por lo vivido, pero una extraña sensación me detuvo:
En la quinta butaca de la última fila, estaba él. Camisa a cuadros y vaquero. Lo miré y sonreí, casi en un gesto de agradecimiento por lo que había sucedido aquella tarde.
Nunca más lo volví a ver. Luego apareció en mis sueños. Pero esa es otra historia.

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Indignante…

Asombro y polémica causó días pasados un integrante de la Dirección de Cultura de la Intendencia de Salto (creíamos que este funcionario ya no pertenecía a esa área, pues así lo anunció el propio Intendente, luego de haber celebrado públicamente, en octubre, la muerte del ex Presidente Batlle). Sucede que al anunciar detalles de una Feria del Libro que se viene planificando, cometió la irresponsabilidad de anunciar la presencia de Alejandro Paternain, un escritor fallecido hace más de diez años. Paternain fue un gran narrador, muy buen crítico literario, destacado docente y periodista, además de una persona muy apreciada en el ambiente cultural de nuestro país. Esto provocó el enojo (expresado en una carta que envió a un medio de prensa) del mayor novelista uruguayo vivo, Miguel Ángel Campodónico, alguien que en más de una oportunidad ha elegido Salto para presentar un libro (la novela “Palabra de Roble”, por ejemplo), dar una charla sobre Literatura y que, además, integró el Jurado en una de las ediciones del Premio Internacional Horacio Quiroga, organizado por la Comisión de Casa Quiroga y el auspicio de la Intendencia de Salto.
Lo cierto es que el tema recorrió el país. Damos lugar a continuación a la crónica de Montevideo Portal, que ilustra los hechos, en tanto agregamos que el funcionario en cuestión, a raíz de la polémica provocada, realizó una aclaración que, a decir verdad, oscurece más de lo que aclara la situación. Hubiese sido más fácil, más honesto y sensato un pedido de disculpas. En fin, simplemente indignante.
Dice Montevideo Portal:
El escritor Miguel Ángel Campodónico exigió al coordinador de Cultura de la Intendencia de Salto que realice una aclaración pública, tras haber anunciado a Alejandro Paternain, muerto en el 2004. El pasado 24 de marzo, el diario La Prensa de Salto publicó un artículo sobre la organización de una Feria del Libro en ese departamento, en el que se entrevista al coordinador del departamento de Cultura de Salto, Regino López. De acuerdo a este medio, López informa que “la Feria tendrá un contenido orientado a la primera infancia, adolescencia y adultos”. “Y en ese caso Regino López informó que ya cuentan con algunos autores nacionales como el caso de Marcia Collazo, Fernando Butazzoni, Alejandro Paternain y algunos otros que están en boga”, asegura La Prensa. El detalle es que Alejandro Paternain, celebrado autor de Crónica del Descubrimiento y La Cacería, entre muchos otros, falleció en el 2004. No queda claro si su inclusión fue una confusión de López o del cronista, pero lo cierto es que el artículo despertó la indignación del escritor y periodista Miguel Ángel Campodónico.
Campodónico escribió una carta al semanario Búsqueda en la que tilda de “barbaridad intolerable” lo ocurrido, “que bien podría calificarse de modo más duro en tanto encierra una ignorancia supina o algo mucho peor…”. “Semejante afirmación que escandalizó groseramente a quienes leyeron la noticia exige una aclaración inmediata del diario, de Regino López o de cualquier otro integrante del Departamento de Cultura de la Intendencia de Salto. Alejandro Paternain murió hace más de diez años como lo sabe cualquier conocedor del mundo literario uruguayo. Entonces cómo es posible que se afirme que ya se cuenta con él para la proyectada feria. ¿Qué es esto? Pocas veces se ha leído algo tan disparatado en boca de un jerarca municipal. ¿Es que no hay en Salto, más concretamente en su Intendencia, alguna persona que pueda explicarle a López que ha afirmado una dolorosa mentira, que no debe jugar de modo tan irresponsable con el nombre de los muertos?”, opinó Campodónico. El escritor también se molestó con la frase “algunos otros que están en boga”, que a su juicio se da porque “el señor coordinador López fue incapaz de agregar nuevos nombres porque no los conoce, de ahí que optara por esa expresión que nada dice, que solamente agrega más desconcierto, que sigue demostrando su ignorancia incomparable”. “Así está la cultura en el Uruguay, se ocupan de ella quienes no tienen la menor noción de lo que sucede en el país. Una tristeza que golpea fuertemente, que duele, que vuelve a lo de siempre, al desprecio por las actividades culturales -¿culturales?- al extremo de que un jerarca puede afirmar despreocupadamente que se contará con la presencia de un escritor muerto hace más de una década”, concluye su carta.

Concurso de ensayos sobre José Enrique Rodó
El Ministerio de Educación y Cultura (MEC) de Uruguay, a través del Área Letras de la Dirección Nacional de Cultura, llama a concurso internacional de ensayo sobre la obra y la figura de José Enrique Rodó en el centenario de su fallecimiento. El premio estará dotado de U$S 5.000 (cinco mil dólares), y los concursantes, oriundos de cualquier país iberoamericano sin importar lugar de residencia, tendrán plazo hasta el 31 de julio de 2017 para presentar sus obras.
José Enrique Rodó: Nació en Montevideo el 15 de julio de 1871 y falleció en Palermo, Italia, el 1º de mayo de 1917. Durante su corta vida desarrolló una intensa actividad intelectual y sus obras ejercieron una enorme influencia en el pensamiento latinoamericano de su época y de generaciones posteriores. Autor de títulos como Ariel; Liberalismo y jacobinismo, Motivos de Proteo y El camino de Paros, también formó parte de la vida política de su país, siendo elegido diputado durante tres períodos legislativos. Polémicos, agudos, sus textos fueron leídos con pasión y analizados largamente por figuras clave del universo teórico latinoamericano, dejando un legado que continúa estudiándose a lo largo y ancho del continente. La concepción rodoniana del «arielismo» tuvo una incidencia profunda entre la intelectualidad y las clases políticas de su tiempo, vigente hasta el día de hoy. Por todo ello, el MEC ha decidido llamar a concurso de ensayo sobre la obra y la figura de José Enrique Rodó. El plazo para la presentación vence el próximo 31 de julio. Un jurado integrado por Lisa Block de Behar, Gustavo San Román y Wilfredo Penco dará a conocer el fallo a mediados del mes de octubre del corriente año. Para más información, bases en cultura.mec.gub.uy.

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Cuando la historia literaria se cuenta a dos voces

(Publicado por El País Cultural)
El libro Huellas es una crónica personal y también un incentivo sobre las muchas posibilidades de expandir el género biográfico bajo las formas de la narración
Dice Richard Holmes que el proceso fundamental de la biografía consiste en reunir la documentación del viaje de una vida y en la creación de una relación ficticia o imaginaria entre el biógrafo y el biografiado, “un diálogo constante y

Richard Holmes

Richard Holmes

vivo entre los dos al moverse por el mismo terreno histórico y los mismos vestigios de acontecimientos”. Pero como “cualquier evidencia biográfica es evidencia de terceros, evidencias de las que alguien es testigo”, el biógrafo queda excluido de la relación ficticia que ha entablado con su biografiado hasta que haya encontrado pruebas que respalden las intenciones y pensamientos que le adjudica.
Esta es la concepción que lo llevó a convertirse en un referente indiscutido de la biografía anglosajona. Nació en Londres en 1945, obtuvo importantes premios, es autor de una biografía de Coleridge, otra de Shelley, otra de Kipling, y de muchos escritores ingleses y románticos, varios de los cuales comparecen en Huellas, Tras los pasos de los románticos, testimonio de sus viajes detrás de los pasos de Robert Louis Stevenson en Las Cévennes, los de la feminista Mary Wollstonecraft y Gerard de Nerval en Francia, los del matrimonio Shelley en Italia.
Stevenson viajó por la cadena de montañas del sur de Francia (Las Cévennes) con una burra, en setiembre de 1878, cuando tenía 27 años, y Holmes repitió el mismo itinerario a sus 18 años, en 1963. Relata las dos aventuras, por los mismos parajes que en varias ocasiones los llevaron a dormir al sereno, y consigue crear una curiosa crónica a dos voces, basándose por un lado en el libro Viajes con una burra a las Cévennes, que Stevenson publicó en 1879, y por otro, en sus propias experiencias cien años después. Su acierto, no fue tanto repetir los pasos del escocés sino contar con el diario de Stevenson, ya que no todos los registros del diario pasaron a integrar el cuerpo del libro y en ellos descubrió que Stevenson fortalecía su espíritu para emprender el viaje a California y consumar su casamiento con Fanny Osbourne, a quien ya había conocido y tratado en un hotel de Grez-sur-Loing y en París.
Es especialmente atractiva la información que brinda Holmes sobre la relación entre ambos porque tuvo acceso a cartas personales y documentación que le permite revelar muchos pormenores de la vida de Fanny, su malogrado matrimonio, sus hijos, y los perfiles plenamente románticos que unieron a la pareja antes de convertirse en esposos y emprender juntos su largo viaje a la isla de Samoa, donde Stevenson acabó su vida.
Varios años después de la aventura en las Cévennes, atraído por la irradiación del Mayo francés, en 1968 Holmes viajó a París y al cabo de muchas especulaciones sobre los antecedentes y el destino de la asonada estudiantil comenzó a interesarse por la visión que tuvieron los viajeros ingleses de la revolución francesa. Luego de interesarse por los testimonios de Wordswohrt, Robert Jones, Helen M. Williams, entre otros, dio con los asombrosas crónicas de Mary Wollstonecraft, la feminista inglesa que escribió el pionero libro Los derechos de la mujer, fue testigo directo del proceso de la revolución en sus primeros años, de la ejecución de Luis XVI, de las luchas entre jacobinos y gerondinos, del terror de Robespierre, y años después se convirtió en mujer del filósofo William Godwin, con quien tuvo una hija, Mary, antes de morir de septicemia como consecuencia del parto.
Holmes brinda la historia de Wollstonecraft, atraído por el registro de la revolución francesa, traza muchos paralelos especulativos con las revueltas en La Sorbonne del 68 y acaba por interesarse en la trágica vida de la feminista inglesa que, en su deriva, lo colocó a las puertas de una más ambiciosa investigación, porque su hija Mary, la autora de Frankenstein o el moderno Prometeo, se casó con el poeta Percy Bysshe Shelley, y después de pelearse con su padre acompañó a Shelley a Italia, donde el poeta halló la muerte en un naufragio, en julio de 1822. Con ellos viajó Claire (hija de un segundo matrimonio de Godwin y amante de Lord Byron, con quien tuvo una hija llamada Allegra). Holmes narra su viaje a Italia detrás de los pasos de los Shelley por la Toscana y Nápoles, narra sus días y aborda más de una intriga porque todo indica que vivieron un triángulo amoroso y sombrío por la sucesiva muerte de dos hijos pequeños y de Allegra, antesala del naufragio del poeta en un velero, que le provocó la muerte en 1822.
El capítulo final está dedicado a la misteriosa figura de Gerard de Nerval, el escritor que se paseaba por París con una langosta atada a una correa, conoció una época de esplendor en la prensa, tuvo algunos éxitos en el teatro, demasiados fracasos y vivió muchos períodos de internación psiquiátrica hasta acabar sus días en la miseria. Amigo de Théophile Gautier, hasta que intentó matarlo, Nerval es uno de esos personajes de la bohemia francesa cuyo talento osciló entre la lucidez y la demencia, sin que nunca se alcanzara a despejar del todo el origen de sus padecimientos.
Richard Holmes entrega un libro vívido, pleno de información sobre el carácter de sus biografiados y muchas reflexiones sobre el arte de una profesión que terminó de asumir cuando le devolvieron un cheque. Sin darse cuenta, lo había fechado en 1772. Es esa condición un tanto alucinada en su investigación sobre los escritores románticos lo que lo lleva a compartir con los lectores sus viajes y esfuerzos por comprender a los personajes históricos. Su libro puede leerse como una crónica personal y un incentivo sobre las muchas posibilidades de expandir el género biográfico bajo las formas de la narración. Su escritura es coloquial, más amena que profunda, básicamente honesta y cuidadosa de los límites de la interpretación. El punto más alto del tomo es sin duda el relato de la relación entre Stevenson y Fanny Osbourne, que se da a conocer en español por primera vez, aunque también destacan varios pasajes de la vida de Mary Wollstonecraft y el matrimonio de los Shelley.
Holmes es el autor del celebrado título La edad de los prodigios, con el que fue finalista del premio Samuel Johnson al mejor libro de no ficción, y del premio de la Royal Society. En la actualidad es miembro de la British Academy y ha sido profesor de Estudios Biográficos en la universidad de East Anglia, por la que tiene un doctorado honorífico.
HUELLAS. TRAS LOS PASOS DE LOS ROMÁNTICOS, de Richard Holmes, Turner, 2016, Madrid, 347 páginas. Distribuye Océano.

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La dramaturga compartió su reflexión en el Día Mundial del Teatro

 

Beatriz Corbella reflexiona acerca del Día Mundial del Teatro

La actriz Issabelle Huppert ha aseguró que esta disciplina artística <Siempre renace de sus cenizas>.
“El teatro tiene una vida tan floreciente que desafía el espacio y el tiempo; sus piezas más contemporáneas están alimentadas por el éxito de los siglos pasados… El teatro siempre renace de las cenizas, derramando sus convenciones previas en sus nuevas formas: así es como sigue vivo, ha señalado la actriz en un comunicado”, comenta.
“El teatro conmueve, incomodad, perturba, exalta, revela, provoca y transgrede”, dice Corbella.
Es gracias al teatro que existimos; las personas que nos gobiernan deben en cuenta los beneficios inimaginables del teatro. El teatro representa el diálogo y la ausencia del odio y creer en la amistad entre los espectadores y actores.
“El teatro es una disciplina muy interesante… llegamos a la sala y aún en la penumbra, es el lugar mágico donde el ánimo se va acomodando para que surja la historia.
Nuestro teatro Larrañaga es tan hermoso, que el solo hecho de estar allí, nos transporta al escenario vital donde el movimiento, la palabra, el sonido dará luz y vida a la historia que se desarrollará.
Pero el teatro no solamente muestra lo bello,el teatro conmueve, incomoda, perturba, exalta, revela, provoca y transgrede”.
Con motivo del Día del Teatro,la actriz Isabel Hupert ha recordado además que el teatro es muy fuerte y gracias a ello, ha sido capaz durante los años de sobrevivir a guerras, censores y penuria.
Sin embargo, ha apuntado que quien habla no es solo una actriz, sino alguien que utiliza el teatro como un conducto de existencia.
“Desde nuestro modesto lugar decimos que ese aspecto es muy valioso, poder encarar diferentes personajes y salir y seguir siendo uno mismo, tan amigos con el público como antes”.
Tener la audacia de ir aggiornando las actuaciones ya que el teatro es dúctil y permite también incorporar la tecnología y porqué no, volver al ayer del teatro de marionetas que nos rememora una lejana Edad Media.
Ejemplo insoslayable y reconfortante ha sido la incorporación a un estilo de teatro clásico con inclusión de marionetas de tamaño natural, tal innovación fue lo acontecido con la obra: Cervantes, seso, locura y fantasía que llevó a escena el año pasado, el grupo Sintapujos bajo la Dirección de Oscar Bibbó.
“Es maravilloso ver en escena los textos que uno, en un loco momento, ha dado forma de guión y allí cómodamente desde la butaca, corregimos, tachamos o agregamos algo para la próxima función.
O simplemente nos olvidamos de la relación que tenemos con él y disfrutamos de un espectáculo cualquiera, el Teatro también es pasatiempo”.

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Llegó a Salto un clásico del anime, “Ghost in the Shell”, con la actuación de Scarlett Johansson

“Ghost in the Shell”, o lo que podría ser también traducido como “El alma en la máquina” según una traducción no literal sino más bien recogiendo el espíritu de la historia original, se estrenó mundialmente ayer y ya está en Salto.
Se trata de una de las películas más esperadas por los fans de esta saga que lleva ya unos cuantos años en el anime japonés y que finalmente logró llegar a la gran pantalla con actores de carne y hueso (aunque algunos de ellos, haciendo de máquinas o cyborgs).ghost.3
Hemos podido ver algunas de las películas anime (dibujos animados japoneses) de esta serie que fueron realizadas originariamente, para luego poder comparar la historia con esta película, la que está centrada en una de las tantas versiones de “Ghost in the Shell”, en este caso la que fue realizada en 1994, aunque ya han dicho los realizadores de esta nueva versión que algunos aspectos de la misma serán modificados para no hacer una copia con una historia ya conocida y sorprender así a los fans.
La novedad es que el personaje principal de esta historia no es protagonizado por una actriz asiática, sino por la escultural Scarlett Johansson (La Viuda Negra de “Los Vengadores” de Marvel o la “Lucy” de Luc Besson). Ya el director de esta nueva versión dijo que no hubiese podido filmarse si no hubiese estado Johansson.
Las expectativas son muchas, los efectos especiales que fueron adelantados en una gran campaña publicitaria parecen fuera de lo común y la fotografía nos hará recordar, en algunos tramos, a la “Blade Runner” de Ridley Scott de 1982, y que ya tiene pronto su regreso, también con la actuación de Harrison Ford.
SINOPSIS. Basada en la internacionalmente aclamada saga de ciencia ficción, “Ghost in the Shell” narra la historia de Major (Johansson), un híbrido cyborg-humano femenino único en su especie, de operaciones especiales, que dirige un grupo operativo de elite llamado Sección 9.
Consagrada a detener a los extremistas y criminales más peligrosos, la Sección 9 se enfrenta a un enemigo cuyo objetivo principal consiste en anular los avances de Hanka Robotic en el campo de la ciber-tecnología.
UN JEFE EN PAÑALES
Imagínese ser un niño, hijo único, y que usted es el centro del universo en su casa. ¿Cómo reaccionaría si de golpe le presentan a un hermanito?un jefe
Seguramente, más que una noticia sería un balde de agua fría. Si a eso le suma que ese bebé actúa a espaldas de sus padres como una persona adulta y que estaría inmerso en un misterio que implicaría una extraña conspiración donde se encuentran involucradas, en cierta forma, las mascotas, ¿qué pasaría?
SINOPSIS. Conoce al bebé más inusual. Usa traje, y habla con la voz e ingenio de Alec Baldwin, aunque lamentablemente se pierde en nuestro país producto del doblaje.
“Un Jefe en Pañales” es una historia hilarante acerca de cómo la llegada de un nuevo bebé impacta a una familia, contada desde la perspectiva de un narrador poco fiable, pero encantador: Tim, un niño de siete años, de mente desenfrenada e imaginativa.
Con un mensaje pícaro, pero conmovedor, acerca de la importancia de la familia, será disfrutable para el público de todas las edades.
LA BELLA Y LA BESTIA
Una joven soñadora y romántica llamada Bella (Emma Watson) vive en una pequeña aldea junto a su padre, un inventor de artilugios, al que algunos consideran un anciano demente. Un día, su padre viaja a una feria para exponer sus inventos, pero se pierde en el camino y acaba en un viejo y misterioso castillo. Buscando cobijo y un lugar donde pasar la noche, el padre de Bella descubre que el señor de ese castillo es una horrible Bestia (Dan Stevens). Cuando se percata de su presencia, la Bestia le deja encerrado entre rejas. Bella, preocupada por su anciano padre, no duda ni un instante en salir en su busca. Cuando encuentra el castillo, Bella decide hacer un intercambio, y quedarse encerrada a cambio de la libertad del anciano. Durante su estancia, la protagonista conocerá a una serie de peculiares personajes que harán que se sienta mucho más cómoda. Además, poco a poco, irá conociendo la Bestia, y se dará cuenta de que, en su interior, hay un gran corazón. La joven se enamora de él, deshaciendo así el antiguo hechizo de la rosa…
Esta nueva versión de Disney sobre el cuento clásico de “La Bella y la Bestia”, está dirigida por Bill Condon; quien es acompañado desde la actuación, además de Emma Watson y Dan Stevens, por Luke Evans, Ewan McGregor, el gracioso Josh Gad y el gran Stanley Tucci.

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Aquellas mujeres que el tiempo cometió el pecado de olvidar

Este pasado lunes 27 se conmemoró el Día Mundial del Teatro. Como todos los años por esta fecha, para celebrarlo, el grupo teatral salteño La Galera realizó una presentación.

Este año, fue la puesta en escena (realizada el domingo 26 en Teatro Larrañaga) de la obra “Mujeres Mariposas – Guerreras de la Patria Vieja”, una obra que ya había sido representada anteriormente en ocasión de un homenaje a las mujeres pero que el grupo decidió reponerla a pedido del público, un público que otra vez acompañó en muy importante número. Justamente, una de las primeras reflexiones de algunos integrantes reflejaba satisfacción por el hecho de que “la gente está volviendo al teatro, a la costumbre de ver teatro, parece que cada vez viene más gente”.

“Memorias de una china cuartelera”
En diálogo con EL PUEBLO, una de las integrantes del elenco, la Mtra. Evangelina Cavallo, comentó que “la idea era homenajear a las mujeres, entonces nos reunimos y empezamos a pensar qué mujeres homenajear y por casualidad La Galerallegó a mis manos un libro que se llama “Memorias de una china cuartelera”, de Marcia Collazo, una de las primeras cosas que me llamó la atención, que me atrajo, fue la foto de la tapa, donde aparece una mujer cansada, andrajosa… Empezamos entonces a investigar y nos enamoramos de esas chinas cuarteleras, esas mujeres que acompañaron la Revolución Oriental, y entonces empezaron a saltar nombres… algunos conocidos, aunque a veces son conocidos porque había un hombre detrás de ese nombre, como es el caso de Melchora Cuenca, y también surgió un montón de nombres desconocidos, de mujeres anónimas…”.

Mujeres en la página del olvido
“Hay muchos investigadores -prosiguió explicando Evangelina Cavallo a este diario- que se han dedicado a investigar un poco, pero de lo que se puede rescatar, que a veces no es mucho, porque el tiempo se ha encargado de que por ser mujeres y no ser un buen ejemplo, ser unas descarriladas a veces (risas)… se ha pensado que más vale pasarlas a la página del olvido. Eso es lo que pasó con muchas de ellas. Entonces allí nos encontramos por ejemplo con Soledad Cruz, una lancera de Artigas impresionante, que tiene además toda una leyenda detrás, es una esclava que se escapó de Montevideo y fue a dar a la campaña, a Canelones, a Rocha… entonces se une al cuartel de Artigas y esa fue la manera de conquistar su libertad. Pero también, entre muchas otras, está Pepita Oribe, hermana de Manuel Oribe. Es decir que hay mujeres de los distintos ejes sociales, porque en este caso una era una esclava y la otra una patricia, pero desde sus ángulos es importante ver cómo ayudaron a la Revolución Oriental, qué costo tuvieron que pagar para que hoy casi sin darnos cuenta, como algo muy natural, gocemos de la libertad”.

Que sean Mariposas
La Galera se propuso entonces a través de esta obra, al decir de Cavallo, “recobrar esos nombres y el de muchísimas mujeres más, de esas que a veces conocemos solo unas frasecitas de ellas, como curanderas o mujeres que refugiaron en sus casas a los revolucionarios o mujeres que cocinaban, esas mujeres que nos asombraron son las que están en Mujeres Mariposas”. Pero además, la actriz quiso agregar, casi a modo de mensaje final, que “no eran mujeres que estuvieran tristes, al contario, ellas estaban felices de hacer eso, porque eso era su causa, se sentían realizadas. El pecado es de la historia, que las olvidó. Y lo que nosotros queremos es que no se olviden, que sean mariposas”.

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Luego de lanzar su primer disco como solista “Solo caminando” Diego Castro da el “sí quiero” en el registro civil junto a Alejandra Cayetano

Diego Castro es un cantautor salteño que desde hace algunos años ha apostado a su música y logró la exitosa respuesta del público con su cd “Solo caminando”.
Trabaja en un depósito de prendas femeninas del shopping y recientemente dio el “sí quiero” en el registro civil junto a Alejandra Cayetano, quien lo ha apoyado en la vida y en sus proyectos artísticos.

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Primera intervención urbana en Club de Niños La Tablada

Desde la dirección del nuevo Club de Niños La Tablada en convenio con INAU – COOPTZES invita a participar de la primera intervención urbana de las diez que están en la agenda – una por mes – con temáticas diferentes y estrategias innovadoras en cuanto a su realización.
En la oportunidad se invita a concurrir a la esquina de Salto Shopping en Avenida Batlle y Avenida Blandengues de donde se partirá con amplificación, mucha música y diversión. La consigna en esta oportunidad es “disfrazarse libremente de lo que cada uno quiera”. La actividad se desarrollará el próximo 31 de de marzo a las 13. 30. La duración de la actividad será de una hora y media.

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Cómo ser uruguayo y no morir en el intento

Quijano, Methol Ferré y Real de Azúa

A inicios de 2017, cuando en los Estados Unidos se pone en marcha el proteccionismo extremo anunciado en su campaña por el Presidente Trump, parecen abrirse tiempos propicios para la integración latinoamericana. Mucho puede aportar, en estas circunstancias, el libro La paradoja uruguaya de Ximena Espeche (Montevideo, 1974), Doctora en Ciencias Sociales, investigadora y docente en varias universidades argentinas.methol ferré
El trabajo aborda las posturas de los intelectuales uruguayos de mitad del siglo XX –la llamada “Generación del ‘45” o “Generación crítica”– ante la crisis del “Uruguay batllista”. La paradoja que señala el título consiste en que, al revisar la historia nacional desde un punto de vista afín a “lo blanco”, estos intelectuales postularon que, si ese Uruguay que se había creído excepcional, casi europeo, quería evitar caer en la misma miseria y el atraso generales del subcontinente, debía asumirse latinoamericano e integrarse a la región, es decir, dejar esa idea de excepcionalidad, que desde mediados de los ’50 resultaba insostenible. Esos intelectuales instalaron, en los ‘50 y ’60, el concepto de “crisis estructural” y la discusión de nuestra viabilidad como nación, aún vigentes.
El libro da un panorama general, pero hace foco en Carlos Quijano (1900-1984), fundador del Semanario Marcha y mentor –aunque no indiscutido– de la generación, Alberto Methol Ferré (1929–1989), que polemizó con Quijano sobre el alcance y el modo en que Uruguay hubiera debido integrarse a la región, y Carlos Real de Azúa (1916–1977), autor de un análisis clásico del batllismo, El impulso y su freno.
Este libro disecciona una generación que, más de medio siglo después, es percibida como un todo homogéneo, cuando en realidad estuvo en constante polémica cultural y política. Espeche explora con detalle y lucidez la noción de “lo blanco” como mentalidad, y sus relaciones con el Partido Blanco y luego Nacional, pues lo que hoy son sinónimos no siempre lo fueron. En el capítulo dedicado a Methol Ferré, hay valiosos aportes acerca de las figuras de Herrera, Perón y Nardone, y de las expectativas que despertaron en algunos intelectuales afines a posiciones nacionalistas de izquierda, enmarcados en lo que se llamó “Tercera posición”, es decir, en el intento de que los pueblos latinoamericanos tomasen caminos políticos no subordinados al imperialismo norteamericano ni a la Unión Soviética, para ellos también imperialista. Con respeto a Real de Azúa, además de estudiar el uso del par dialéctico impulso/freno con que explicaba el proyecto batllista y sus limitaciones intrínsecas, destaca la apuesta de este pensador a recuperar nuestra raigambre rural, criolla y cristiana –dejada de lado por el batllismo– como manera de asumir mejor nuestra universalidad. El orgullo de Uruguay por su cosmopolitismo no habría sido otra cosa que un alarde de vanidad provinciana.
Este trabajo puede resultar bastante complejo e incluso árido para el lector no profesional interesado en historia. Sin embargo, el esfuerzo vale la pena, y es obligado para quienes tengan participación en la toma de decisiones acerca del inevitable proceso de integración regional.
Son de lamentar algunos errores serios en nombres, fechas y datos, la
mayoría no recogidos en la fe de erratas.
(EL PAIS CULTURAL)

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Acoso a las mujeres poetas

Lo dijo primero la poeta granadina Erika Martínez en 2010, en el Festival de Poesía Cosmopoética a la cual había sido invitada: “Por inverosímil que parezca, no hemos venido a acostarnos con nadie. Hemos venido a leer”. Pudo parecer un exabrupto. Pero no para los conocedores, los del ambiente, los que escuchan los chismes y las habladurías cuando cae la noche y aparecen los tragos. Cuando los hombres poetas —según la leyenda— se deleitaban comentando sobre las cualidades extrapoéticas de sus colegas mujeres, haciendo apuestas sobre con cuál se iban a acostar. Según esa misma leyenda al festival, «sólo se invitaba a poetas emergentes —esto es, a las más jóvenes— que fueran guapas y solteras» afirma la periodista Luna Miguel en el periódico digital Playground, en un artículo titulado «Cuando ser escritora es sinónimo de humillación, desigualdad y acoso sexual», publicado con motivo del día mundial de la poesía, que se festejó el 21 de marzo. El artículo explora uno de los aspectos más disimulados —pero no menos conocidos— del comportamiento machista en ámbitos donde el arte debería prevalecer. Luna Miguel entrevistó a varias poetas españolas para que hablen «de los comentarios sexistas, alusiones al físico, acusaciones de haber mantenido relaciones sexuales con editores para publicar, tocamientos, insultos, descalificaciones o paternalismos que han sufrido a lo largo de su carrera».
Miguel apela a su propio anecdotario para entrar en tema. La nota comienza así: «Una anécdota que tuvo lugar alrededor de 2004 en Almería, cuando yo tenía 13 años. En aquel momento empecé a leer poesía. Me gustaba la Generación del 27, pero sobre todo me gustaban las escritoras españolas contemporáneas, porque aunque los del 27 estaban muy bien, las autoras más jóvenes conectaban más con mi alma adolescente. Una de esas autoras a las que admiraba era Miriam Reyes, poeta confesional de una lírica muy bruta, capaz de narrar con sus versos situaciones tremendas en las que muchas chicas podíamos sentirnos reconocidas. Era 2004, como digo, no me acuerdo del mes mes pero sí de que en aquella época se estaba celebrando alguna feria del libro o algún ciclo poético excepcional en mi ciudad. Una tarde, en la biblioteca pública donde por aquellos días se paseaban los autores, llegué emocionada al salón de actos porque precisamente era Miriam Reyes la que iba a leer allí.

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Se anuncian ganadores del Taller de la Creatividad Literaria y Artística

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En el Taller de la Creatividad Literaria y Artística – organizado por la escritora y docente Beatriz Corbella se anunciaron los trabajos ganadores El Primer. Premio correspondió a  Adriana Martínez y el Segundo Premio fue otorgado a Claudia Córdoba.

 

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Próximo 31 de marzo llega al Larrañaga “La Mujer que me habita”

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El próximo 31 del corriente – a las 20.30 horas – en el Teatro Larrañaga se llevará a cabo el espectáculo “La Mujer que me habita” organizado por la Cooperativa de Artistas Víctor Lima. Dicho espectáculo es auspiciado por la Secretaría de Género y Generaciones de la Intendencia Departamental de Artigas.
“Se han rememorado textos de mujeres que a través del arte de la poesía se supieron expresar. El mayor legado que podemos dejarle a nuestras hijas y a nuestras nietas… es la independencia emocional, su empoderamiento, el control de su propia vida, la confianza en sí misma.
La Cooperativa Víctor Lima – a través de un espectáculo multidisciplinario intenta dar voz a los problemas que muchas mujeres callan y sufren en silencio… utilizando textos de mujeres que a través de la poesía supieron expresar en diferentes épocas.
Expresiones diversas de mujeres diferentes de distintos lugares y edades, unidas por un mismo propósito; reafirmar el compromiso hacia la igualdad de género, despojándonos del bagaje cultural paternalista que portamos desde siempre, responsabilizándonos de nuestro destino” – puntualizó una de las artistas y organizadoras del evento Rosario Sosa.

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Director de Cultura destacó el trabajo de los padres que impulsaron muestra inclusiva en el Mercado 18

Jorge de Souza dijo que la misma apuesta “al reconocimiento de nuestras diferencias”.

La apertura de una importante muestra fotográfica Inclusiva que promueve los derechos del niño, fue inaugurada el pasado martes 21 de marzo, en el marco del Día Internacional del Síndrome de Down, en el Pasaje La Catedral del Mercado 18 de Julio.
La misma fue impulsada por la asociación de padres de niños con este síndrome, con la colaboración del estudio fotográfico “On!”, representado por Gerardo Fiorelli, y fue apoyada y organizada por el departamento de Cultura de la Intendencia de Salto y la Fundación Salto Grande.
En la oportunidad, estuvieron presentes por el grupo de padres Romina García, Paola Ocaño, Ana Irene Barla, Gerardo Fiorelli por el estudio fotográfico, Carlos Albisu por la Fundación Salto Grande mientras que la Intendencia de Salto, estuvo representada por la directora de Proyectos Especiales, Inversión y Desarrollo, Angelina Bazzano y por el director de Cultura, Jorge de Souza.
ALIANZA
En el acto, Bazzano dijo que “la alianza estratégica que hicimos con el grupo de padres fue con la dirección de Cultura de la Intendencia de Salto porque no queríamos que esta muestra solamente se mostrara en el Mercado 18 de Julio, sino que circulara por otros lugares del departamento.

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Cultura de la Intendencia de Salto planifica hacer una Feria del Libro y una muestra de telares Palestinos

Además de reunirse con los embajadores de Palestina, Bolivia y Cuba, y con la Cámara de Libro.

Una intensa agenda mantuvo el Coordinador del Departamento de Cultura de la Intendencia de Salto, Regino López, en Montevideo quien estuvo acompañado de la referente en Educación de dicho departamento, la profesora Martha Peralta, para mantener reuniones de trabajo.
López manifestó que en su visita a Montevideo “le devolvimos la visita a la Embajada de Cuba donde profundizamos temas concernientes a la cooperación comercial con ese país y nuestro departamento, así como también para ver cómo empezamos a trabajar las relaciones en los temas culturales. En ese aspecto, Cuba cuenta con un referente para el hemisferio sur que asesora en temas culturales y turísticos, por lo cual creemos que en los próximos tiempos el mismo podría estar visitando Salto”.
FERIA DEL LIBRO
El coordinador de Cultura añadió que junto a Peralta estuvieron reunidos con representantes de la Cámara del Libro, para la realización de una Feria del Libro en nuestro departamento donde la propuesta “está bastante avanzada, por lo cual pensamos que ese tema podrá salir durante el primer semestre de este año”.
El jerarca dijo que están coordinando temas “relativos a los costos de implementación de la misma y aunque estamos dispuestos a hacerlo con privados, saldremos a la búsqueda de quienes quieran acompañarnos en esta propuesta, que sería en principio en el Mercado 18 de Julio aunque también estaríamos utilizando algunas salas para las presentaciones de libros”.
Asimismo, aclaró que “trabajaremos con los libreros locales para que nos acompañen en la feria.
Y en ese aspecto, a las editoriales que lo hagan se les va a sortear el lugar, pero a los libreros locales que se sumen a esta propuesta, tendrán la chance de elegir ellos mismos el lugar donde se irán a colocar, lo que es una muestra de que vamos a priorizar lo local en la propuesta de la Feria”.
La Feria tendrá un contenido orientado a la primera infancia, adolescencia y adultos. Y en ese caso Regino López informó que ya cuentan con algunos autores nacionales como el caso de Marcia Collazo, Fernando Butazzoni, Alejandro Paternain y algunos otros que están en boga.
MUESTRA PALESTINA
Y por último, el coordinador de Cultura de la comuna salteña dijo que realizó una visita oficial a la Embajada de Palestina en Uruguay, donde se está coordinando el montaje “de una muestra de vestidos típicos de la zona de Palestina, con técnicas de bordado que vienen de la época de Canaán, estamos hablando de una época de 3.000 años Antes de Cristo”.
Comentó que la esposa del Embajador de ese país es licenciada en Historia del Arte y “por tal motivo estaremos presentando una muestra que fomente el intercambio cultural para mostrar las cosas que vienen de ese Oriente tan lejano. Y así como lo hacemos con Palestina estamos dispuestos a hacerlo con los representantes de cualquier otro país que desee mostrar lo que tiene, porque queremos fomentar la integración de nuestra comunidad con otras culturas de cualquier parte del mundo”.
Asimismo, López comentó que también estuvieron trabajando con el Embajador de Bolivia, quien le hizo una entrega de una serie de películas originarias de ese país, las que se estarán exhibiendo en un ciclo de cine que lo estamos armando.
Por lo cual culminó diciendo que los meses de abril y mayo están colmados de actividades donde una vez ultimados los detalles de la agenda, los mismos se estarán pasando para generar una organización con el uso de las salas.

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Fue más que una obra de teatro. El público aplaudiendo de pie reconoció la trayectoria de las nueve divas argentinas que se presentaron en el Larrañaga.

 

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Adriana Aguirre, Naanim Timoyko, Noemí Alan, Beatriz Salomón, Patricia Dal, Silvia Peirou, Sandra Smith, Pata Villanueva y Mimí Pons, nueve divas de la televisión y el teatro argentino desplegaron todo su glamour y encanto sobre las tablas del teatro Larrañaga como solían hacerlo hace más de treinta años en los más grandes teatros de Buenos Aires.
La obra “Extinguidas” de José María Muscari, que se estrenó en Salto la noche del sábado, llegó a un público que las vio y las admiró durante la década de los 80 y 90 y las aplaudió de pide, por la obra en sí pero también en reconocimiento a la basta trayectoria de cada una de ellas.
Previo al espectáculo, las artistas argentinas brindaron una conferencia de prensa en Salto Hotel y Casino donde charlaron largo y tendido con la prensa local que las aguardaba y entre risas y chispazos entre ellas, brindaron una conferencia que de por sí misma fue todo un espectáculo, dando cuenta el porque fueron grandes estrellas y porque volvieron a brillar.

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César…

Este jueves último falleció el arquitecto, el artista plástico (a él le gustaba definirse como “artistaplasticoaquitecto”)… falleció el “Ojito” César Rodríguez Musmanno, el que dejó tantas obras en Salto y en tantas otras partes del mundo, el que le gustaba como a pocos el mostrador de boliche (en cada regreso a Salto tenía siempre un tiempo para la pasada por El Pibe o El Vasco) y allí, copa mediante, además de leer diarios, conversaba con quien se acercara, sobre los más diversos temas: arte, política, actualidad del país en general, con esa sencillez que como tantas veces se ha dicho, es característica de los espíritus más grandes. Falleció el ideólogo de importantes edificios para esta ciudad y el creadorCésar de inolvidables murales (el muralismo era para él uno de los caminos de su tan ansiada “democratización” o “apertura de cultura para todos”).
Cuando hace unos años me tocó emprender la tarea de llevar adelante la dirección de una revista de crítica sobre temas culturales, tuve con César algún que otro enfrentamiento de ideas bastante duros, pero fue (¡y qué falta que hace eso ahora!) una pugna con mucha altura de la que, al menos yo, salí enriquecido. Después, él con su parecer y sus argumentos y yo con los míos, seguimos viéndonos, saludándonos, respetándonos, como debe ser. Esas son las cosas que demuestran caballerosidad, algo que también debe destacarse de César.
El apodo del afecto, “el Ojito”, resuena en todo salteño
Mucho se está hablando y escribiendo por estas horas sobre su vida y su obra. En el caso de esta página de Cultura de EL PUEBLO, no será esta la única nota que le dediquemos. En tanto hoy, como homenaje, hemos seleccionado los siguientes datos, extraídos de la solapa del libro “Primeros años del siglo XX” (Tomo Nº 12 de la Colección Escritores Salteños, 2007), preparado por el Ac. Leonardo Garet:
“César Rodríguez Musmanno nació en Salto el 5 de setiembre de 1927. El apodo del afecto, “el Ojito”, resuena en todo salteño que conoce la trayectoria de este hombre que ha recorrido el mundo con su mensaje de formas y colores; artista plástico, arquitecto y docente, aprendió los primeros trazos con José Cziffery y José Echave. Cofundador con Julio C. Zino de la Galería de Arte (Estudio 2). Trabajó en Salto intensamente como artista plástico y como arquitecto. Fue director de obras y director de planificación de la Intendencia Municipal de Salto. En 1965 inició su experimentación de “integraciones plásticas”, en 1980 se radicó en Montevideo. Ejerció la docencia en la Facultad de Arquitectura y en la Universidad del Trabajo. Ha realizado innumerables exposiciones de sus obras, individuales y colectivas. Recibió distinciones en Salones del Interior y en la Bienal de Salto. Publicó con Leonardo Garet, el libro “Bares en lluvia” (2004). Socio Honorífico de CUAP-AIAP-UNESCO, Presidente de la Comisión Uruguaya de Artistas Plásticos. César se encuentra en plena y renovada actividad creadora”.

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Se presentó en conferencia de prensa la obra teatral “extinguidas” que se estrenará esta noche en el teatro Larrañaga

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Elenco de la obra “extinguidas”

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Arq. Ana Lucía Cocco obtiene 2do. Premio General en la Fiesta de la Patria Gaucha 2017

La arquitecta salteña Ana Lucía Cocco recientemente fue acreedora del 2do. Premio en el concurso de diseño de fogones realizado en la nueva edición de la Patria Gaucha llevado a cabo en el departento de Tacuarembó
Se trató del Puesto-Posta “San Borja”, Estancia Nuestra Señora de los Tres Reyes del Yapeyú inspirado en la ambientación de fines del siglo XVII y principios S. XVIII. Ubicación: Vaquería del Río Negro, Banda Oriental del Ríosegundopremio001 Uruguay entre ríos Queguay Grande y Negro. El diseño es de carácter genérico, en base a documentos de textos de la época.
El Fogón de Curtina obtuvo el 2º Puesto General en la Fiesta de Patria Gaucha 2017, y su representación del puesto Jesuita de San Borja obtuvo el 2º puesto en doce aparcerías participantes.
La Fiesta de “ La Patria Gaucha” se realiza anualmente en el mes de marzo en la ciudad de Tacuarembó, y es organizada por la Intendencia Municipal. Tradicionalmente, la locación del evento ha sido la Laguna de las Lavanderas en los accesos a la ciudad.
Su edición Nº 30 del año 2016 convocó ochenta mil personas entre nacionales y extranjeros, atraídos por su Festival de Música folklórica y su “Gran Premio Patria Gaucha”, evento por el cual se compite en varias categorías: fogones que recrean escenarios de los siglos XVIII al XX incluyendo concurso gastronómico de época, diversas pruebas de campo, desfile de caballería, elección de personajes como La Flor del Pago, Paisanito y Paisanita. La ciudad también se hace presente ya que la comisión organizadora de la fiesta conjuntamente con la Asociación Empresarial de Tacuarembó, invitan a los comerciantes a participar en el “Concurso de Vidrieras” en el centro de la ciudad.
PROYECTO ARQUITECTÓNICO
El Proyecto Arquitectónico propone la recreación de un sector significativo del puesto: el centro espiritual representado en su Capilla Menor y su área común de Plaza, con edificaciones complementarias que albergan actividades de la vida diaria como el Rancho Cocina, el Rancho-Despensa, los corrales, el Cementerio, el Fogón, etc. No se incluyeron las viviendas de las familias Tapes por razones de espacio, ya que normalmente se construían algo alejadas de la Capilla; de todos modos, los ranchos de fajina de Cocina y Despensa son representativos de su tipología y técnica constructiva.
Partido Arquitecónico e Implantación
El Fogón se encuentra en el Lote Nº 6 dentro del predio de la Laguna de las Lavanderas.
El Partido Arquitectónico es una recreación libre basada en relatos descriptivos de la época, y manifiesta la influencia del trazado de los Pueblos Misioneros a los cuales pertenecían: la implantación de las construcciones sigue una Planta en forma de “U” dejando al centro un espacio abierto común, ubicándose en forma estratégica con respecto al curso de agua (simbolizado por la Laguna) como defensa, vía de comunicación y control de abastecimiento de agua.
Todas las zonas en contacto con el terreno circundante se cerraron, ora con muros de piedra o se protegieron con cercos de palos de monte.
La optimización de los recursos materiales disponibles se evidencia en la utilización de los elementos constructivos en piedra, tanto en el exterior de las construcciones como en el interior.
En el exterior: observando desde el frente al fondo del predio, sobre la medianera derecha, el muro de piedra se constituye en forma continúa en límite del terreno, parte del testero en la vivienda del Sacerdote, testero principal en la Capilla y cerco en el corral:
Todos los materiales de construcción son locales, tal como podrían encontrarse en la época: piedra arenisca, paja, ladrillos de adobe cocido, morteros de adobe crudo pisado en sitio, troncos de monte, cañas tacuaras, cueros de vacunos, canastos tejidos vegetales, tientos de cuero, etcétera.
Otros materiales, equipamientos, o utensilios presentes, tales como tejidos de algodón, vestimenta, menage, herramientas, instrumentos musicales y libros podían fácilmente traerse del Casco de la Estancia a la que pertenecía el Puesto o intercambiarse con otros Pueblos Misioneros.
Técnicas Constructivas
Se respetaron las Técnicas Constructivas Tradicionales de la época en piedra, construcción de paredes en ladrillos de adobe cocido asentado con mortero de barro crudo y Fajina (paja y tacuara revestida en barro crudo). Los techados se realizaron sobre cerchas de troncos cubiertas por quinchados de paja, o caña tacuara cortada sobre troncos de desmonte.

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“Padres por una infancia feliz” promueve muestra fotográfica en pasaje del Mercado 18 de Julio

Un grupo de padres denominado “Padres por una infancia feliz” presentó a la Fundación Salto Grande un proyecto vinculado a la sensibilización de los derechos del niños enfocados en las capacidades diferentes y la inclusión.
El proyecto que fue aprobado consiste en una muestra fotográfica que se llevó a cabo en uno de los pasajes del Mercado 18 de Julio que fue inaugurada el pasado 21 del corriente conmemorándose el Día Mundial del Síndrome de Down. Los niños protagonistas de la muestra fueron Emilia, Fabricia, Florencia, Alejo, Matías, Octavio, Juan Diego, Benjamín, Bautista y Luciano. El proyecto desde su origen apuntó a una filosofía integradora y la primera reunión con el grupo de padres se hizo con las autoridades de la Intendencia a fin de que la muestra tuviera carácter itinerante. El Director de Cultura Mtro. Jorje de Souza en el marco de inauguración destacó el doble propósito del proyecto que fue emprendido por los padres ya que el espacio pretende concientizar acerca de las capacidades diferentes, la inclusión y el compromiso social; también el rol ejecutor de la Intendencia frente a las propuestas. “Somos agradecidos de haber formado parte de esta iniciativa” – enfatizó el jerarca. La temática merece ser visualizada desde un ánimo integrador. La muestra estará a merced del público durante un mes.

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“Somos tan distintos e iguales” Representantes de la Asociación Down de Salto reflexionan sobre los avances de la sociedad en la inclusión de las personas con discapacidad

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Carolina Abogadro y Paola Silva son desde hace varios años integrantes y caras visibles de la Asociación Down de Salto; compartieron una reflexión sobre el comportamiento actual de la sociedad frente a la temática de las capacidades diferentes y la inclusión. Coincidieron en que en estos últimos años se ha dado una mayor apertura y que la ciudadanía en su conjunto se ha mostrado más solidaria y comprometida con esta realidad.
“Considero que en estos años se ha evolucionado para bien; el concepto de discapacidad cambió. Se ha transformado en un concepto social de discapacidad en la cual la sociedad es la que discapacita al otro. Por ejemplo si tengo un problema de movilidad y no tengo un acceso mediante una rampa, es el ámbito o la ciudad que me está discapacitando a mí.” – subrayó Abogadro.
En cuando a la sensibilización de la sociedad frente al tema de la discapacidad, el pasado 21 de marzo – en el marco del Día Internacional del Síndrome de Down se pudo apreciar que varias instituciones educativas se sensibilizaron con el tema.

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Llegaron los nuevos “Power Rangers” al cine junto a una película inquietante de ciencia ficción, “Life: Vida Inteligente”

Muchos que fueron niños hace unos años, han esperado con expectativa la llegada de estos míticos personajes que cada tarde abrían las puertas a la imaginación y a la aventura desde la televisión, y que finalmente hoy se los puede ver en la gran pantalla.
Los “Power Rangers” han logrado sobrevivir a varias generaciones de chicos, cambiando a sus protagonistas de la pantalla chica, y en esta nueva propuesta, se pretende el reencuentro con sus viejos fans en la búsqueda de nuevas generaciones que los sigan en la lucha por la defensa del planeta. La expectativa se fue generando además por una power rangersinteligente y medida campaña publicitaria y de merchandising. Pero la espera terminó, el día llegó, y llegó al Cine de Salto Shopping esta película que viene recogiendo buenas críticas y abriendo las puertas a la llegada de más películas que intenten resucitar definitivamente a los Power Rangers.
SINOPSIS. Billy, Zack, Kimberly, Trini y Jason son un grupo de adolescentes con las típicas preocupaciones de su edad. Pero todo cambia cuando, después de entrar en contacto con un extraño objeto, descubren que tienen superpoderes. De la noche a la mañana, se convierten en en superhéroes, así que deciden aprovechar sus increíbles cualidades para salvar el mundo. Y es que, Angel Grove, la pequeña ciudad en la que viven, y el resto del planeta están en peligro por culpa de una amenaza alienígena.
Los cinco jóvenes se convertirán entonces en los Power Rangers: Billy (RJ Cyler) será el ranger azul, Zack (Ludi Lin) se convertirá en el Ranger Negro, Kimberly (Naomi Scott) se transformará en la Ranger Rosa, Trini (Becky G.) será la Ranger Amarillo y Jason (Dacre Montgomery) el Ranger Rojo. Juntos tendrán que luchar contra la malvada villana alienígena Rita Repulsa (Elizabeth Banks), para evitar que la Tierra caiga en sus garras.
Esta adaptación de la famosa serie de televisión de los años 90 está dirigida por Dean Israelite. Dentro de su reparto encontramos además a Bryan Cranston en el papel de Zordon.
LIFE: VIDA INTELIGENTE
El film arranca con un suntuoso plano-secuencia en plena etapa culminante de una excursión a Marte cuyo objetivo máximo es recoger muestras para dilucidar si existe alguna forma de vida. Allí encuentran una pequeña célula que, una vez estimulada, empieza un rápido proceso de crecimiento, generando festejos y celebraciones.
Pero cuando esa pequeña criatura devenga en una suerte de estrella de mar transparente y con un instinto de supervivencia a prueba de todo, las sonrisas mutarán por preocupación, y la vuelta a casa se volverá bastante más difícil de lo esperado. Ni hablar cuando mute en una suerte de pulpo con tentáculos viscosos.
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El film se ubica lejos del romance meloso de “Pasajeros”, la espectacularidad de “Gravedad” o las disquisiciones filosóficas de “Interestelar”. Por el contrario, elige abrazarse a los tópicos de una historia de terror clásica, con personajes delineados a puro trazo grueso que irán cayendo uno tras otro ante los tentáculos del villano mientras intentan sortear las inclemencias mecánicas y del entorno.
Siempre desesperante, con un ritmo tenso e intenso, y una pátina de corrección política ilustrada en el carácter cosmopolita de la tripulación (norteamericanos, rusos y japoneses), “Life: Vida inteligente” difícilmente sorprenda por su originalidad, pero es uno de esos relatos bien contados, prolijamente filmados y noblemente entretenidos que justifican el costo de la entrada.
SINOPSIS. Roy Adams (Ryan Reynolds), David Jordan (Jake Gyllenhaal) y la tripulación de la Estación Espacial Internacional viajan a Marte con el objetivo de comprobar si las muestras recogidas en el planeta rojo presentan indicios de vida inteligente. Cuando uno de los científicos a bordo examina la única célula encontrada, todo el equipo presencia un hecho insólito: la prueba incuestionable de que hay vida extraterrestre. Ante su asombro, deciden examinar y establecer el primer contacto con el organismo alienígena. Desgraciadamente, el grupo de astronautas descubrirá demasiado tarde que esta forma de vida es más inteligente de lo que esperaban, hasta tal punto que sus vidas podrían estar en grave peligro. Si ese ente microscópico llega a la Tierra podría poner en peligro toda existencia humana. ¿Cuál es exactamente la amenaza a la que se enfrentan? ¿Cómo le harán frente?
Se trata de un thriller de ciencia ficción dirigido por Daniel Espinosa. A los actores mencionados, se suman Rebecca Ferguson, Hiroyuki Sanada y Ariyon Bakare.

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Hará una gira por todo el país con “Extinguidas” en compañía de grandes figuras del espectáculo argentino. Mimí Pons: “Tengo el mejor de los recuerdos y amo profundamente a Uruguay”

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 Mimí Pons en breve en el Larrañaga con “Extinguidas”

Volver a Uruguay – esta vez con la posibilidad de recorrer todos los teatros de nuestro país le causa una gran emoción a Mimí Pons, ya que se remueven las fibras de su ser al recordar sus presentaciones junto a su hermana – la querida y desaparecida Norma Pons, en los escenarios de nuestra capital.
Dejando escapar una afecto muy especial y sin dobleces… Mimí intercambió algunas frases con EL PUEBLO y manifestó su algazara por regalar su presencia en el Teatro Larrañaja junto a grandes figuras del espectáculo argentino como son Beatriz Salomón, Adriana Aguirre, Noemí Alan, Pata Villanueva, Luisa Albinoni, Naanim Timoyko, Silvia Peirou, Sandra Smith y Patricia Dal. Ya desde el inicio de la charla confesó el gran amor que siente por nuestro país e insta a nuestro público a acompañarlas en esta obra de José María Muscari, un acontecimiento para no perderse.

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De “El cementerio universal de los vivos”, pasando por “El cazador de eternidades” hasta “El Río de papel”

Amor, creatividad, tiempo y muerte en la narrativa de Jorge Menoni

En ediciones anteriores dábamos cuenta de la aparición de una nueva novela del salteño radicado en Holanda Jorge Menoni. Se titula “El Río de papel” y es la tercera novela de este autor. Antes estuvieron “El cementerio universal de los vivos” y “El cazador de eternidades”. Exclusivamente para EL PUEBLO, Menoni escribió las siguientes líneas que establecen un paralelismo entre sus novelas:
“Salvo mi primera novela, “El cementerio universal de los vivos”, publicada por la Editorial Sarandí de Diario EL PUEBLO de Salto en 1991 que fue inspirada en viajes a la Europa que acababa de llegar, las dos novelas siguientes, “El cazador de eternidades” y la reciente “El Río de papel” si bien fueron escritas en Ámsterdam, su trama y desarrollo transcurren en mi Sur de nacimiento, teniendo como margen el Río Uruguay a la altura del Salto Oriental.
La temática en las tres novelas se asemeja, tocan temas transcendentales como el amor, la creatividad, el tiempo y la muerte. En determinados momentos se entremezclan en un intento vano por recuperar ese instante perdido del alma humana fuera del tiempo, un instante limpio, el más amado, el que acontece una sola vez.
En el “Cementerio Universal de los vivos” los hechos se desrealizan y el amor, la muerte o las vivencias cotidianas de los personajes tanto alcanzan estados sublimes de conciencia como caen en el descreimiento o se disuelven en la nada, el vacío, la soledad de la existencia, ahogados por sus propios fantasmas interiores. Si el espejo recrea la ficción de las cosas, qué sucede detrás, cundo lo importante no son los sucesos sino su fascinación. Aparentemente la única solución vital es acceder al preciso lugar donde se comunica el deseo con lo realizable, el cementerio universal de los vivos.
“En el Cazador de eternidades”, Menoni se deja guiar por dos de sus obsesiones de infancia, los libros de Jorge Luis Borges y las películas de Norma Jeans. Juntos recorren un triángulo vivencial entre Ámsterdam, Venecia y su Termal Sur de origen en la persecución vana de un testamento primario donde estaría escrito el destino de los humanos o al menos ese ligero atisbo de una última realidad.
Busca a ciegas su historia íntima porque también sabe que esto es justamente lo que no se ve, lo que no se dice, lo que no escucha, lo que aún no se ha vivido, lo oculto de sus propios límites. Lo conocido es su propia trampa, su prisión, el pasado impredecible.
En su reciente novela El Río de papel va aún más allá de sus novelas anteriores y pone en tela de juicio la leve frontera entre sueño y realidad.
La nostalgia lo conduce luego de muchísimos años de ser un habitante del mundo a su lugar de origen donde recrea una historia casi fantástica.
Un escritor, mitad humano, mitad ficción, escapado de las páginas del libro El río de papel, se rebela contra su creador concibiendo otro personaje completamente ficticio, que corroboraría su existencia en el mundo real a través de sus memorias. La línea del río que divide su lugar de nacimiento en dos países será el entorno físico donde este hombre “de papel” tendrá vida propia. Un mundo metafórico y poético en el que alterna con los humanos poniendo en tela de juicio la frontera entre realidad y ficción en una cita con lo fantástico”.
Pasó el Día Internacional de la Poesía y llega el del Teatro
El pasado martes 21 se celebró el Día Internacional de la Poesía. Así fue propuesto en 1999 por la Unesco. El objetivo cada 21 de marzo es “consagrar la palabra esencial y la reflexión sobre nuestro tiempo”. Este evento se recuerda con actos destacados en importantes capitales del mundo como París, Ámsterdam, Berlín y Bogotá. En Europa es llamado Primavera de los Poetas y en Colombia la Común Presencia de los Poetas.
27 de Marzo: Día Mundial del Teatro
En tanto cada 27 de marzo de recuerda el Día Mundial del Teatro. Este año, el mensaje alusivo ha sido escrito por el mexicano Francisco Hinojosa y expresa:
“Sin ninguna experiencia previa, salvo la de haber asistido de niño al teatro, a los diecisiete años dirigí una obra actuada por amigos y compañeros de la preparatoria. Se presentó de manera informal en la escuela y también en una sala más adecuada y abierta al público. La obra se llamaba Ensayo general: tocaba el tema de las drogas y sobre todo, como su título lo sugiere, el del teatro dentro del teatro. Su autor fue mi padre, cuya vocación innata como actor sólo cultivó de joven en algunas funciones de beneficencia. Tampoco continué yo por ese rumbo, aunque seguí siendo lector y espectador. Sin embargo, me reencontraría más tarde con el teatro de otra manera: algunos de los cuentos que he escrito para niños han sido adaptados para llevarse a escena desde hace más de veinte años. Al principio, cuando se trataba de grupos establecidos, pedía que me enviaran una copia de la adaptación para darle el visto bueno. Luego preferí no hacerlo y dar plena libertad a quienes hacen ese trabajo, a sabiendas de que al pasar de un lenguaje narrativo a uno dramático algo tiene que cambiar. Algunas veces he asistido a las funciones. De otras sólo me he enterado por la prensa o por alguna página de internet. A veces se respeta literalmente el texto y a veces sirve como fuente de inspiración para crear una obra basada en él. El cuento que más veces se ha representado se llama La peor señora del mundo, ya sea como espectáculo unipersonal, con títeres o sombras, como lectura dramatizada o bien montado como teatro escolar o profesional. Me ha tocado ver que algunas maestras y maestros se disfrazan del personaje principal para leerlo en el aula: una pequeña dosis de actuación contribuye a acercar el relato a los escuchas. El director de una compañía teatral me contó que alguna vez tuvieron que rescatar a la actriz que representaba el papel protagónico de la furia de los pequeños espectadores que veían en ella la verdadera reencarnación del mal: realidad y ficción se integran en el imaginario colectivo. También he sido testigo del reclamo, en plena función, que hacen algunos niños que conocen el libro cuando los actores siguen un libreto que no se apega a la historia original. Un cuento bien contado en el escenario cautiva sin duda al público infantil y de alguna manera lo transforma. Al salir de la sala en la que fue puesto en escena, el mundo parece distinto: ha sido tocado por la representación, que nos permite ver más allá de lo aparente. Y con frecuencia una reacción catártica opera en el espectador al verse proyectado en algunos de los personajes o situaciones. A diferencia de la lectura en soledad de una historia, cuando ésta salta a las tablas la experiencia cambia: ahora se trata de algo que está sucediendo frente a nuestros ojos y que lo podemos compartir con otros: ya no somos los únicos testigos. El relato cobra vida más allá de nuestra imaginación y de cierta manera nos convierte en sus protagonistas porque depositamos en los personajes nuestras emociones y nuestros miedos, nuestros anhelos y nuestras frustraciones. Ahí pueden reunirse armónicamente la ficción, la música, la danza, el canto, la poesía, el juego, la magia, los malabares y todos los recursos propios del arte teatral: vestuario, iluminación, escenografía, maquillaje, objetos de utilería. La aportación que hace la herencia cultural –con énfasis en la literatura y el teatro– contribuirá a que el niño ejercite su imaginación y encuentre un sentido a la vida”.
Francisco Hinojosa
(Ciudad de México, 1954) es uno de los principales autores mexicanos de literatura infantil. Poco después de completar sus estudios de literatura comenzó a escribir poesía, antes de entregarse a los cuentos y novelas para niños. En 1984 ganó el Premio IBBY por su libro La vieja que comía gente, y ha publicado diez libros más con FCE. Este año fue seleccionado por Conaculta como embajador para representar y promover la literatura para niños y jóvenes en México.

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Conferencia de Elena Laurnaga sobre “Mujeres y el espacio público”

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La Socióloga, Politóloga y trascendente figura política frenteamplista María Elena Laurnaga brindó recientemente una conferencia en la Biblioteca Departamental Felisasola, relativa a las “mujeres y el espacio público”.
Vale subrayar que desde hace muchos años Laurnaga coordina en nuestro departamento un proyecto de investigación sobre las mujeres en explotación sexual, explotación laboral y trata de mujeres.

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“Padres por una infancia feliz” promueve muestra fotográfica en pasaje del Mercado 18 de Julio

Un grupo de padres denominado “Padres por una infancia feliz” presentó a la Fundación Salto Grande un proyecto vinculado a la sensibilización de los derechos del niños enfocados en las capacidades diferentes y la inclusión. El proyecto que fue aprobado consiste en una muestra fotográfica que se llevó a cabo en uno de los pasajes del Mercado 18 de Julio que fue inaugurada el pasado 21 del corriente conmemorándose el Día Mundial del Síndrome de Down. Los niños protagonistas de la muestra fueron Emilia, Fabricia, Florencia, Alejo, Matías, Octavio, Juan Diego, Benjamín, Bautista y Luciano.

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“Padres por una infancia feliz” inaugura muestra fotográfica

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