Un libro sobre el excineasta ahora preso, Harvey Weinstein revela a más denunciantes y fuentes

Jodi Kantor y Megan Twohey, las reporteras de The New York Times que destaparon las denuncias de acoso y abuso sexual contra el productor, develan nuevas partes del caso en el libro ‘She Said’.

Dos años antes de que se hicieran públicas las acusaciones de acoso y abuso sexual en contra de Harvey Weinstein, su propio hermano y socio empresarial, Bob Weinstein, lo confrontó para pedirle que buscara tratamiento médico por lo que llamó muchos años de “malas conductas”.
“Has hecho quedar mal a la familia y a la empresa con tus malas conductas”, escribió Bob Weinstein. “Tu reacción, una vez más, fue culpar a las víctimas o menospreciar tus acciones. Si crees que no hay nada malo en lo que estás haciendo en estos temas entonces cuéntaselo a tu esposa y tu familia”.
Esa carta, nunca antes publicada, aparece en el libro She Said: Breaking the Sexual Harassment Story That Helped Ignite a Movement (Ella dijo: reportar las historias de acoso y hostigamiento que ayudaron a desatar un movimiento), escrito por Jodi Kantor y Megan Twohey, dos reporteras de The New York Times que revelaron la historia de aquellas presuntas malas conductas de Weinstein. Ese reportaje avivó el movimiento mundial de #MeToo. El libro, publicado el 10 de septiembre en inglés con Penguin Press, comparte nueva información sobre el papel que desempeñaron varias personas en permitir a Weinstein que operara así y en cubrir sus rastros. También nombra a las fuentes clave que ayudaron a las periodistas a publicar su historia, desde empleados de The Weinstein Company hasta personas de Hollywood y otras víctimas de los abusos por los que el productor fílmico ha sido denunciado. A partir de una nueva investigación y de documentos, correos y mensajes de texto corporativos que no habían sido revelados, She Said devela más de las supuestas transgresiones de Weinstein, así como del laberinto de acuerdos de confidencialidad y pagos secretos que les permitieron a él y a otros hombres poderosos esconder sus conductas y seguir prosperando en sus carreras, con más víctimas de por medio.
Una de las principales figuras de She Said es un exejecutivo de The Weinstein Company, Irwin Reiter. Reiter es un contador que trabajó para Weinstein por décadas y que se escandalizó por la conducta del productor hacia las mujeres. Acudió en vano ante la empresa para expresar sus preocupaciones. El libro revela que fue Reiter quien compartió con las periodistas un memorando interno de una empleada que describió a detalle cómo Weinstein acosaba de manera rutinaria a trabajadoras de la compañía y a actrices. Reiter también alertó a Twohey y a Kantor, que ya estaban investigando los acuerdos financieros para acallar denuncias de décadas atrás, de que había acuerdos de ese tipo más recientes, lo que le dio más urgencia a la investigación y el reporteo.
She Said también da a conocer la identidad de una mujer que acusó a Weinstein y que había evitado hablar en público durante quince años: Rowena Chiu, exasistente en Miramax (la anterior casa productora de Weinstein) que recibió un pago a cambio de guardar silencio en 1998, después de que él presuntamente abusó de ella en una habitación de hotel. A decir de Chiu en el libro, la obligaron a mantenerse callada por un acuerdo de confidencialidad muy restrictivo e incluso la conminaron a regresar a trabajar a Miramax en un aparente esfuerzo de Weinstein por mantenerla cerca de él. Chiu tuvo problemas graves de depresión e intentó suicidarse. Durante veinte años no contó lo que le había sucedido y comenta que incluso no le pudo decir nada a su marido por temor al acuerdo. (Weinstein ha negado que la historia de Chiu sea verídica). Bob Weinstein, el hermano del productor, ofrece en el libro sus primeros comentarios extensos desde que se publicó el primer reportaje. Afirma que se equivocó al pensar que el problema de su hermano era una adicción al sexo —lo que consideró porque el mismo Bob Weinstein no había revelado que estaba recuperándose de una adicción a las drogas y el alcohol— y que por ello cesó en sus esfuerzos por intervenir. “Me desgasté”, les dijo a las periodistas. “Dije: ‘Me rindo’, ¿saben?”. She Said también explora cómo se desenvolvió el periodismo de investigación de The New York Times para el tema: es una crónica de cómo se fue armando el artículo desde que Twohey y Kantor llamaron por primera vez a las actrices que pensaban que posiblemente tenían historias que contar sobre Weinstein y cuando las reporteras intentaban identificar quiénes habían sido pagadas a cambio de firmar un acuerdo de confidencialidad. Gwyneth Paltrow, una de las actrices que protagonizó varios filmes producidos por Weinstein, tenía miedo de revelar lo que sabía si se iba a usar su nombre, pero el libro describe que al final se volvió una de las principales fuentes al compartir su propia historia y al intentar convencer a otras actrices de que rompieran su silencio.
She Said también exhibe a algunas figuras que se presentan como grandes aliadas de víctimas pero que, a la vez, han ganado dinero gracias a los acuerdos de confidencialidad que silencian a esas víctimas.
La abogada Gloria Allred es una de las personas que más habla de combatir el acoso y abuso sexual vía el sistema judicial estadounidense. Sin embargo, en privado, su firma ayudó a negociar el acuerdo de 2014 por el que una víctima de Weinstein tuvo que quedarse callada; el despacho de Allred recibió el 40 por foto cultuciento del pago. (La firma también ha trabajado en gestionar acuerdos fuera de tribunales por los que callaron víctimas del médico de gimnastas Larry Nassar y del exconductor de Fox News Bill O’Reilly). Allred fue entrevistada para She Said y les dijo a las periodistas que defiende el recurrir a los acuerdos fuera de tribunales y de confidencialidad pues sus clientes no son obligadas a firmarlos y a veces prefieren hacerlo para mantener la privacidad. “Me siento capacitada para ayudarte contra las Roses del mundo, porque yo ya he representado a tantas de ellas”, escribió Bloom en el memorando. En él también incluyó una guía de propuestas para intimidar a las denunciantes o para hacerlas parecer como mentirosas. Una de las tácticas sugeridas por Bloom era para socavar a McGowan: “Podemos lograr que haya un artículo que diga que ella está cada vez más histérica para que si alguien la busca en Google aparezca eso y no le crean”.

Twohey y Kantor revelan que Bloom, la abogada, acompañó a Weinstein cuando él hizo una visita sorpresiva a las oficinas del Times el día antes de que se publicara el reportaje original, con la intención de darles a las periodistas información para pintar a varias de las mujeres que habían denunciado a Weinstein en el artículo —como Ashley Judd, la primera actriz que habló sobre su experiencia— como trastornadas y poco fiables.
Bloom dijo después que había cambiado de bando para trabajar con Weinstein con la intención de que él se disculpara por su conducta. Le comentó a las reporteras que “se arrepentía profundamente” de haberlo representado legalmente, lo que calificó como un “error colosal”.
Además de She Said, hay varios libros de próxima publicación sobre el caso de Harvey Weinstein y el movimiento #MeToo. En octubre se publicará Catch and Kill: Lies, Spies, and a Conspiracy to Protect Predators, en el que el periodista Ronan Farrow hablará de su propia investigación respecto a las acusaciones contra el productor, y habrá un libro de ese tema por el escritor de The New Yorker Ken Auletta.
Hay otros libros que hablan del movimiento #MeToo y de sus consecuencias. La periodista Abigail Pesta ha escrito sobre el abuso sexual reiterado contra gimnastas jóvenes por parte de Larry Nassar. Además, otros reporteros del Times —Rachel Abrams y James B. Stewart— publicarán un libro sobre Les Moonves, el exdirector de la cadena de televisión estadounidense CBS, que fue denunciado por acoso y abuso sexual por varias mujeres, y la periodista Julie K. Brown, del Miami Herald, tiene un libro sobre su investigación del abuso sexual de Jeffrey Epstein. Alexandra Alter escribe sobre la industria editorial y el mundo literario. Antes de trabajar en The New York Times, en 2014, reporteaba sobre libros y cultura en The Wall Street Journal. Previamente, fue reportera de religión y a veces de huracanes para el Miami Herald. @xanalter
(THE NEW YORK TIMES EN ESPAÑOL)

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A cargo del grupo Le Varieté, “Hasta la vista, Baby” tendrá una segunda función

Dado el éxito suscitado cuando el pasado sábado 7 de setiembre el grupo teatral saParte del grupo Le Varietélteño Le Varieté, que dirige el arquitecto Jorge Menoni, estrenó en el Centro Cultural Academias Previale (Lavalleja No. 48) la obra “Hasta la vista, Baby”, habrá una segunda función.
Será el próximo sábado 21 de setiembre, a la hora 21:00, en el mismo lugar del estreno. Las entradas se encuentran a la venta en VJ.
Cabe recordar que se trata de una obra escrita por el dramaturgo uruguayo Franklin Rodríguez y participan en Le Varieté: Paola Cattani, Rosario Gaudín, Gulma Olguín y Martín Pizzani.

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Desde Piriápolis nos llegó el suplemento “CULTURAL”

Días pasados recibimos como obsequio en nuestra Redacción un ejemplar de “CULTURAL”, suplemento del Semanario La Prensa, que se edita en Piriápolis. La temática, como lo refleja desCULTURALde su título, refiere al acontecer cultural del país y, en este ejemplar en particular que nos llegó (Número 7) hay varias notas vinculadas a Salto. A saber: la primera de las notas (entrevista con el poeta Luis Pereira sobre la editorial Civiles Iletrados) es escrita por el profesor Hugo Estrán, quien durante algunos años se despeñara como Director del Liceo N°2 de nuestra ciudad, además de haber dictado clases en el CERP de aquí, de Salto; por otra parte, una página está enteramente destinada a una fotografía y poemas del salteño, recientemente fallecido, Elder Silva Rivero; y además, otra nota, de dos páginas y en este caso escrita por el destacado crítico literario Gerardo Ciancio, refiere a la poesía (con el agregado de varias fotografías) de otro salteño: Juan Edgardo Martínez.
Desde EL PUEBLO sólo nos resta felicitar a los impulsores de este proyecto periodístico – cultural, para nada sencillo de sustentar en estos tiempos, y por supuesto, agradecer el amable gesto de enviarnos tan disfrutable material de lectura.

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La poeta Ida Vitale recibió la Medalla Delmira Agustini

El Ministerio de Educación y Cultura entregó la Medalla Delmira Agustini a la poeta uruguaya Ida Vitale, en el marco del homenaje que se le realizara en el Centro Cultural de España (CCE) en Montevideo.
La ceremonia fue en la tardecita del pasado jueves 12 de setiembre y vitale recibió el galardón de manos de la propia Ministra de Educación y Cultura, María Julia Muñoz.
Se trata de un premio “que la distingue de forma honoraria por su contribución excepcional a la cultura y a las letras”, han expresado las autoridades organizadoras del evento.Ida Vitale
El material de difusión elaborado por el Ministerio de Educación y Cultura sobre la homenajeada es el siguiente:
La poeta
“Ida Vitale, nacida en Montevideo en 1923, activa integrante de la llamada Generación del 45 y representante de la poesía «esencialista», es autora de una extensa obra.
Se destacan títulos como La luz de esta memoria, Palabra dada, Sueños de la constancia, Un invierno equivocado, Sobrevida y Mínimas de aguanieve.
En 2018 recibió el Premio Cervantes 2018, el más importante que se otorga en lengua castellana, y le fue adjudicado el Premio FIL (Feria Internacional del Libro de Guadalajara) de Literatura en Lenguas Romances; en 2016 el Premio Internacional de Poesía Federico García Lorca; y el año anterior el Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana”.

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¿Este es el museo más accesible del mundo?

LONDRES — Una tarde hace poco, Clare Barlow, curadora en la Wellcome Collection, un museo de ciencia y medicina en la capital británica, ofreció un recorrido de su nueva exhibición permanente, Being Human (ser humano).
La exposición incluye un kit de trasplante fecal usado para tratar infecciones intestinales, una escultura que despide el aroma de leche materna y un recipiente con las células que han sido la base de algunos de los mayores avances médicos durante el siglo XX, tomadas en 1950 a una mujer negra, Henrietta Lacks, sin su consentimiento.
«¿Puedes ver que está pintada de color negro?», dijo emocionada. «Eso es en parte porque se ve hermoso, pero también para contrastar con el piso». Fue pintada de esa manera para ayudar a que las personas con discapacidades visuales se puedan mover alrededor del espacio, dijo Barlow.
Posteriormente, apuntó hacia una banca frente a una pantalla de video. «¿Ves que no está centrada?», dijo. Eso es para que las sillas de ruedas puedan acercarse y tener una vista perfecta, mencionó. Normalmente, en los museos, tienen que sentarse a un lado.
Barlow citó otros elementos de diseño concebidos para beneficiar a las personas con discapacidad. Las salidas siempre están visibles para que las personas con ansiedad sepan que pueden marcharse. Existen diversas guías auditivas y visuales, incluida una en lenguaje de señas británico, y modelos de las exhibiciones que las personas pueden tocar.
«Si no los necesitas, puede que no los notes», dijo Barlow. «Pero si los necesitas, ahí están».
Being Human, que fue inaugurada el 5 de septiembre, es calificada por algunos activistas a favor de las personas con discapacidad e investigadores como el espacio museográfico más accesible de todos los tiempos en el Reino Unido. «Esto realmente cambia todo», dijo Richard Sandell, del Centro de Investigación para Museos y Gfotocultualerías en la Universidad de Leicester, a través de una entrevista telefónica el 4 de septiembre. (El centro fue un consultor para la exhibición).
El diseño accesible de la exhibición era una cosa, pero su enfoque curatorial fue más importante, dijo. Muchas personas con discapacidad odian los museos de Medicina porque los ven como pacientes que deben curar, comentó. Esta exposición no pretende eso, agregó: antepone sus historias.
Una «banca de amistad», a la izquierda, de un proyecto en Zimbabue que motivó a las personas a hablar sobre la salud mental. Las bases negras en los exhibidores tienen el objetivo de ayudar a las personas con alguna discapacidad visual.
Una «banca de amistad», a la izquierda, de un proyecto en Zimbabue que motivó a las personas a hablar sobre la salud mental. Las bases negras en los exhibidores tienen el objetivo de ayudar a las personas con alguna discapacidad visual. CreditWellcome Collection; Steven Pocock
Existe un exhibidor lleno de prótesis, por ejemplo. Algunos museos médicos las muestran como maravillas de la ingeniería, dijo Sandell, pero Being Human se enfoca en las personas que las usaron.
El tema del acceso a personas con discapacidades a museos ha estado recientemente en la agenda informativa en el Reino Unido, después de que Ciara O’Connor, una usuaria de silla de ruedas, fuera a ver una exhibición al Museo Nacional Británico de Arte Moderno (Tate Modern) de la obra de Olafur Eliasson. La muestra interactiva y fácil de compartir mediante Instagram ha atraído a las multitudes.
En ella, O’Connor descubrió que no podría ingresar a una exhibición, un túnel con espejos, porque era necesario subir dos escalones y no contaba con una rampa. Un empleado le dijo a una amiga de O’Connor que era la decisión del curador no tener una y le sugirió que la rodeara por afuera.
O’Connor desahogó su frustración en una serie de 37 mensajes furiosos en Twitter que se volvieron virales.
Estaba «harta de eso», escribió en una de las publicaciones. «Quiero que las personas sin discapacidades dejen de estar a la defensiva y se enojen cuando les solicitamos lo mínimo», agregó en otro mensaje. «La accesibilidad no es fea ni escabrosa ni distractora. La accesibilidad pertenece al arte y a todos lados». Tate posteriormente se disculpó con O’Connor. Una vocera de Eliasson dijo en un correo electrónico que él no estaba disponible para comentar al respecto debido a que estaba en Islandia documentando glaciares.
Hace unos meses, en Mánchester, Inglaterra, hubo un furor alrededor de un monumento público para recordar el doscientos aniversario de la Masacre de Peterloo, un evento de gran importancia en la historia laboral del Reino Unido en el que soldados a caballo cabalgaron hacia una protesta de trabajadores y mataron a dieciocho personas.
El monumento conmemorativo de 1,2 millones de dólares, diseñado por el artista Jeremy Deller, es una serie de once discos apilados que forman peldaños que el artista tenía la intención que el público escalara, para que pudieran pronunciar discursos desde la cima. Sin embargo, muchas personas con discapacidades no serían capaces de subir a través de las escaleras del monumento.
«No puedes tener un monumento conmemorativo para las personas que murieron por la democracia, si las personas con discapacidad no tienen acceso», dijo Morag Rose, una activista a favor de las personas con discapacidad, a las autoridades civiles de Mánchester, de acuerdo con la BBC. Un portavoz del Concejo de la Ciudad de Mánchester dijo en un correo electrónico que habían solicitado al arquitecto del monumento que diseñara una rampa o ascensor para la estructura.
Tony Heaton, un escultor y usuario de silla de ruedas, dijo en una entrevista telefónica el 5 de septiembre que surgen problemas cuando los museos no consultan apropiadamente a personas con discapacidad. Él ha visto diseños inaccesibles en todo el continente europeo, dijo, incluso en museos recientemente renovados como el Museo Picasso en París, Francia.
«Si no tienes personas que experimentan estos asuntos en una organización, se cometerán errores», agregó.
La Wellcome Collection, que es financiada por Wellcome Trust, una de las organizaciones de beneficiencia más ricas del mundo, hizo su mejor esfuerzo para conectar con las personas con discapacidad al diseñar Being Human, dijo Barlow, la curadora. El museo consultó extensivamente con personas con discapacidad, pero también con personas con autismo y padecimientos de salud mental, mientras diseñaba la exhibición. Ellos los asesoraron en temas como la forma en que las etiquetas de los exhibidores eran escritas y la altura a la que las fotos eran colgadas en los muros.
«Stranger Visions», una obra realizada por Heather Dewey-Hagborg a partir de ADN tomado de colillas de cigarrillos y goma de mascar en Nueva York
La principal meta de la exhibición es hacer que las personas piensen sobre las «grandes preguntas filosóficas en ciencia y medicina hoy, dijo, desde modificación genética hasta cambio climático. Estos pueden ser temas delicados, agregó, así que el museo no quería que el espacio en sí mismo fuera desafiante.
Sandell dijo que esperaba que otros museos siguieran el ejemplo de Wellcome Collection, especialmente al tratar de mostrar objetos que hablan a las vidas de las personas con discapacidades. «Si vieras en la mayoría de los museos, pensarías que las personas con discapacidades no existen, pero son la minoría más grande del mundo», dijo. «Puedo garantizar que cada museo tiene material en sus bodegas que puede hablar sobre la historia de las personas con discapacidades».
El 3 de septiembre en Being Human, Lady-Marie Dawson-Malcolm, una usuaria de silla de ruedas, miró alrededor antes de que el espacio fuera abierto al público. Ella había estado involucrada en la prueba de algunos de los exhibidores para asegurarse de que estuvieran a la altura y profundidad adecuadas para las sillas de ruedas, dijo, y parecía complacida con los resultados.
«Lo que necesitamos es facilidad de acceso», dijo. «No quieres llegar, mirar un exhibidor que es demasiado alto y decir: ‘No es para mí’».
No obstante, cuando le preguntaron sobre su parte favorita de la exhibición, su respuesta no tuvo nada que ver con el diseño de la muestra. Fue el kit de trasplante fecal, mencionó.
«¡Heces pueden ser ingeridas para curar problemas!», dijo. «Eso no lo sabía».
Alex Marshall es un reportero de cultura europea, que vive en Londres. @alexmarshall81
(THE NEW YORK TIMES)

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Hoy: un relato y tres poemas de la maestra Susana Vaz Tourem

De autoría de la maestra Susana Vaz Tourem Torres son los textos que hoy ocupan esta página que EL PUEBLO dedica los lunes a la creación literaria de autores salteños contemporáneos. Susana ha editado varios libros, entre ellos, «Clarita y Julián», «La aventura de Andrés» y «Oculto amor y otros cuentos». Entre sus méritos dentro del campo de la producción literaria y la docencia, puede mencionarse, a modo de ejemplo, que desde hace unos quince años el libro «Clarita y Julián» fue autorizado por el Consejo de Educación Inicial y Primaria para ser incorporado como libro de apoyo docente y de uso en las aulas para actividades establecidas en los programas escolares. Los textos seleccionados para esta página, un relato y tres poemas, pertenecen al libro «Oculto amor y otros cuentos».

El infortunado picaflor

Cierta tarde, a la hora de la siesta, cuando todo era silencio, vimos llegar al jardín un bello picaflor que revoloteaba sin cesar.
Muy feliz se alimentaba con néctar de una planta: el plumerillo, arbusto de la familia de las acacias, de gran dimensión.
Con asombro comprobamos que allí también se encontraba el gato del vecino agazapado, esperando para atacar.
De pronto salta, lo atrapa y se aleja triunfante por el sendero.
Los presentes nos mirábamos sin decir palabra.
Lamentamos luego no haber podido salvar al pequeño pájaro.
-Hoy gozamos de la vida, mañana quizá no, comentó uno de los familiares sacudiendo la cabeza de un lado a otro.
Comprendimos en aquel momento la importancia de la existencia, de nuestro presente y el de plantas y animales.
Lo trágico, lo inesperado, de pronto sucede y nos golpea súbitamente con mucha fuerza.
Debemos por lo tanto, poseer un corazón fortalecido, como árbol de grandes raíces y ancha copa, para hacer frente a toda perturbación, angustia y desconsuelo.
Tratemos pues de vivir plenamente cada momento de nuestra efímera existencia.
Ha pasado una hora.
Mucha tranquilidad se percibe todavía, en el jardín, muchos pájaros vuelan, como si nada hubiera ocurrido.

Aquella estrella lejana

Sales a caminar
por aquel sendero
que te lleva
cerca del mar.

En la noche estrellada,
te sorprendes, ves
caer una estrella,
allá, a lo lejos.

El encanto de este cielo
te recuerda al familiar
querido, aquel que,
en noches como esta
engalanaba las reuniones
familiares con prudencia
y sabiduría.

la luna, como entonces,
parece reír.
Las estrellas desprenden
un suave resplandor.

Zapatos, zapatos
blancos
por doquier.
Tu alma se llena
de ternura.
¿Has visto realmente
caer una estrella,
allá, a lo lejos?

Una mano se tiende
y te aleja de esos
senderos de espuma.
Has abandonado
por un momento, la torre,
la apesadumbrada
torre,
en tu vida.

Zapatos,
zapatos blancos
por doquier.

El amor

Esa luna llena
esplendorosa y radiante
de las noches
cálidas de verano.

Ese pájaro
que canta
expresando regocijo
al amanecer.

Esa rosa roja
bañada por rocío,
ese niño que en silencio
la acaricia.

Esa vida única
y verdadera
a veces breve y azarosa
es belleza es pureza es amor.

La soledad apasionada del alma.
Ese afecto y esa pasión
que lleva el conocimiento
del otro. Ese anhelo
indiscutido del hombre
es belleza es pureza es amor.

Principio y fin.
Una vida que nace, una vida
que se va. La despedida última
que nos transporta a
un camino desconocido pero sí
pleno de luz cuando hemos apreciado
el resplandor auténtico de lo bello.

Todo
todo ello
puede ser expresado
en una sola palabra
y es la palabra Amor.

Agradece

Agradece,
agradece hoy
por el sol
de cada mañana.

Por el árbol
que mudo
y silencioso,
brinda sus
abundantes frutos.

Por el perfume
de la flor amada.
Agradece,
siempre agradece.

Por la vida abundante,
por la salud,
que se nos ha otorgado.
Por la prosperidad,
por las alegrías,
por el trabajo digno
que nos ennoblece.

Busca, busca
en tu corazón
las cosas que
nos engrandecen.

No olvides que,
a veces reclamamos
y reclamamos pero
nos olvidamos
precisamente
de eso, de lo esencial:
Agradecer.

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El Mtro. Luis Carballo presentó en AJUPENSAL tres libros de su autoría

Como estaba previsto, en la tarde del pasado jueves el maestro salteño Luis Carballo realizó en AJUPENSAL, y ante un muy buen marco de público, el lanzamiento de tres libros de su autoría: “Nosotros – Reflexiones”, “De mi madre – Remembranzas” y “Yo, 30 fabulillas y algo más”. Participó de la presentación Amalia Zaldúa, ex profesora de Carballo, quien destacó muy especialmente la sencillez con que este autor logra plasmar sus ideas. Lo que sigue son fragmentos de los Prólogos y Epílogos de los libros presentados.

De “Nosotros – Reflexiones”:

PRÓLOGO: “Siguiendo la misma línea literaria de mis anteriores escritos vuelvo a presentarles poemas, a la usanza vieja. Como lo expresé en pasadas ocasiones, soy usuario de la poesía clásica, la de rimas consonantes. En esta ocasión me explayé tratando temas variados. Hago la salvedad que sólo son opiniones de alguien sobre algo, lo cual implica la libre interpretación de los lectores. De ello se deduce que no espero una concordancia total con los juicios y expresiones aquí vertidas. Más aún, me agradaría recibir críticas, o sea otras visiones acerca de los temas tratados aquí. Algunas de estas reflexiones fueron pensadas para dirigirse a personas mayores. De cualquier manera diría que son para todo público. Confío en que esto le pueda gustar a algunos”.
EPÍLOGO: “Una vez más bajaré la cortina. He desgranado pausadamente algunEl autor durante la presentaciónas opiniones, estrictamente personales, sobre algunos tópicos. Como expresé al principio, no todos habrán de concordar con mi manera de razonar, pero así es el juego. Resolví dirigir estos planteos a mayores, como yo. Posiblemente algún poema sirva como tema de reflexión. Esa es una de mis aspiraciones; ojalá se plasme. No deseo influir sobre el ánimo de los lectores, pero me agradaría saber que algo, aunque sea mínimo, pudieran rescatar de alguna de estas páginas. Me sentiré muy halagado si logro despertar en alguno de ustedes un pensamiento positivo”.

De “De mi madre – Remembranzas”:

PRÓLOGO: “Nuevamente estoy en carrera, para hacerles llegar, con toda modestia, el fruto de mis cavilaciones. Esta vez elegí un tema muy caro para mí, el que concierne al amor más profundo y verdadero. Ese es el amor de madre, puro, desinteresado y total. He rememorado dichos, charlas, consejos y opiniones, que a lo largo de los años han ido grabándose en mí. Tal vez lo expresado no sea suficiente para que el lector se forme una idea clara de la personalidad de mi madre. Aún así, quiero expresar mi opinión, nada objetiva, por supuesto, y deseo que les agrade mi forma de redactarlo. Además, quién sabe si, al ojear estas páginas, puede evocar esas facetas maternas que, con el paso de los años, se habían traspapelado en su memoria. Me alegraría si ello sucediera”.
EPÍLOGO: “He culminado este bloque de poemas, aún sabiendo que ha quedado mucho por decir. Puedo decir que no estoy totalmente satisfecho, pero eso suele suceder: siempre puede superarse. Quise compartir sentimientos y recuerdos que hace tiempo bullían en mi interior. Creo no equivocarme al considerar que todo ser guarda dentro de sí un espacio sagrado para quien le dio la vida. Muchas veces llegamos a reconocer tarde su valor; incluso en algunos casos la culpamos de algunos de nuestros errores. Y por qué negarlo: son muy pocos los humanos que llegan a apreciar el valor de sus madres en vida. Después, igual que yo, añoramos su presencia y consejos. Tal vez no sea este el caso de ninguno de mis apreciados lectores; al menos ese es mi deseo. En fin, espero que alguno de mis poemas haya suscitado emociones positivas en algunos de ustedes”.

De “Yo, 30 fabulillas y algo más”

PRÓLOGO: “Una vez más me presento ante ustedes, distinguidos lectores. En esta ocasión deseo hacerles llegar varios poemas. Si bien la finalidad original era plantear la posibilidad de sensibilizar el ánimo ante el reconocimiento de valores, el proyecto se diversificó. Aún así, son varios los poemas que pueden dar pie a esta finalidad. A este grupo lo he llamado fabulillas, porque, en el fondo, hay una breve insinuación de índole moral. Además quise incluir otros, de temas variados. A todos los he agrupado en este fascículo, bajo el título YO, pero no referido a mi persona, sino que les puse voz a quienes no la tienen. Espero que aunque sea alguno de mis poemas les agrade”.

EPÍLOGO: “Bueno, labor terminada, creo que cumplí. Como habrán notado, mezclé varios temas. La propuesta de analizar y buscar las raíces de los valores, inmersas en algunos de los poemas es un desafío. ¿Quién de ustedes se atreverá…? La siembra está hecha; a esperar la cosecha. Tal vez parezca una utopía, pero…todo es posible. Vivimos en una época en la que cada uno tira para su rancho, sin mirar a sus lados. Ojalá que alguien tome la posta y, aún a riesgo de parecer anacrónico, hago reflexionar a otros sobre estos temas. Me sentiré profundamente satisfecho, y ya lo estoy, por este modesto aporte realizado. Nuevamente gracias”.

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Por Jorge Menoni, escritor salteño radicado en Holanda Para reflexionar: ¿podemos diferenciar entre obra y biografía de un artista?

¿…Se puede ser culpable y ser condenado por la opinión pública o las redes sociales antes de que por la «ley»? … tan solo una pregunta, nada más…
Muchos de los que leímos a Kafka, o al menos un par de sus excelentes novelas, ignoramos que Kafka en su vida personal jamás trabajó en una oficina, que era un trepador ambicioso y que la orden de quemar su obra solo se refería a un paquete de facturas que no había pagado. Entonces nos viene la pregunta del millón, al saberlo, ¿cambiaría nuestra apreciación sobre su obra?
Y esta pregunta, aparece ahora con mucha fuerza y con mucha difusión por la prensa, no solo en literatura sino también en arte, cine, música, etc. al enterarnos, muchas veces sin pruebas y sin condena, de que personas de las cuales disfrutamos su genialidad creativa han sido coLibros que se presentan hoynvertidos en villanos modernos y muchas veces hay un botín considerable de dinero para los denunciantes.
Entonces, para la gente que realmente lee o tiene sensibilidad para las artes y puede discernir entre lo bien logrado y el mamarracho, ¿cambiaría su opinión si por ejemplo nos enteráramos por los cazadores de noticias que en realidad no fue Rodión Raskólnikov en «Crimen y castigo» que mató a Aliona Ivánovna, la anciana usurera y a su hermana, sino su propio creador el escritor ruso Fiódor Dostoievski?, ¿cambiaría nuestra apreciación sobre esa monumental y hermosa novela?
…como decía un amigo, yo no juzgo, solo muestro la herida o sea que solo escribo esto, sin negar o absolver lo sí condenable , solo escribo para intentar una repuesta sobre si hoy podemos ser honestos y sinceros para seguir leyendo sin prejuicios, para poder diferenciar entre obra y biografía . Es solo una pregunta por el bien de ese don alado que alimenta nuestra alma que se llama arte y que el apresuramiento o la banalidad ávida de ego, fama o dinero, puede estar maltratando nuestra manera de percibir la cultura de estos y de todos los tiempos…
Jorge Menoni
(Texto autorizado por el autor para publicarse en EL PUEBLO)

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Ya se palpita espectáculo de chamamé y música litoraleña para el fin de semana en Salto

Será en el Centro Cultural Academias Previale este próximo domingo 15. Se trata de una propuesta con dos grupos musicales que llegarán desde la República Argentina.
El grupo Atardeciendo Amaneceres y Gustavo Reynoso Trío presentarán un espectáculo en conjunto. Atardeciendo Amaneceres es el grupo conformado en 2018 por el bonaerense Javier Acevedo (acordeón) y el correntino Agustín Macías (voz). Acompañados por Marcos Flores (guitarra), Joaquín Flores (bajo) y Mariano Velardi (percusión), el conjunto reúne diversos aspectos del chamamé correntino tradicional y los adapta a nuevas sonoridades, sin perder la esencia de su terruño y del sentir musiquero de su tierra. En esta visita a Salto, presentarán parte de su primer trabajo discográfico, titulado “Retratos de río”, y adelantarán algo de su próxima producción, que se encuentra en proceso.
Por su parte, Gustavo Reynoso participará con sus habituales compañeros: Abelardo Coronel Osuna y Nicolás Pross.
El bandoneonista oriundo de Aranguren (Entre Ríos) ha afianzado en el último tiempo su formato de trío, llevando por diferentes puntos de la provincia y la región composiciones propias y obras de referentes de la música litoraleña y, especialmente, entrerriana. Tras su primer disco titulado “Por siempre querencia”, editado en 2016, el grupo está próximo a iniciar la grabación de su nuevo material discográfico. Entre diversas presentaciones, tanto Gustavo Reynoso Trío como Atardeciendo Amaneceres han formado parte de las grillas de la Fiesta Nacional del Chamamé de Corrientes y el Festival Nacional del Chamamé de Federal, dos de los escenarios más importantes en lo que refiere al género por excelencia del Litoral argentino.
Fecha: Domingo 15 de Setiembre
Lugar: Centro Cultural Academias Previale (Lavalleja 48)
Hora: 20:30
Valor de la entrada: $ 200.

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Esta tarde en A.JU.PEN.SAL el maestro Luis Carballo presenta varios libros de su autoría

Hoy jueves 12, a la hora 16, el maestro Luis Carballo (jubilado hace 22 años después de 31 de labor docente) estará realizando en A.JU.PEN. SAL la presentación en público, con entrada totalmente libre y gratuita, de tres de sus libros de poemas (o cuatro –uno de crónicas- si se llegase a tiempo con el trabajo de impresión).

Los libros a presentarse hoy, muy breves, serán: “Nosotros – Reflexiones”, “Yo – 30 fabulillas y algo más”, y “De mi madre – Remembranzas”. Como curiosidad, vale agregar que en la tapa de cada uno de ellos no figura, como es común, el nombre completo del autor, sino que simplemente se lee junto al título de la obra: “Maestro Luis”.

Días pasados el autor comentó a EL PUEBLO que “eso lo hice así únicamente para no lucirme y a la vez para que la gente se pregunte quién será el maestro Luis”.

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Camilo Sesto, el ídolo romántico español

Con más de una veintena de álbumes y más de cincuenta canciones en el número uno alrededor del mundo, fue una superestrella del pop que le cantó al amor y al desamor.
Camilo Sesto, el cantautor y productor español cuyas canciones románticas vendieron más de 180 millones de copias en todo el mundo, murió el domingo (hora local) en Madrid. Tenía 72 años.
Su mánager, Eduardo Guervós, le dijo a la cadena de televisión pública española TVE que había muerto en el hospital después de sufrir dos paros cardiacos, según reportó la agencia Associated Press.
En los últimos años también había tenido problemas renales.
Con una voz tenor que podía ser gentil y suplicante para después alcanzar picos apasionados, Sesto se convirtió en una superestrella del pop en todo el mundo de habla hispana en la década de los setenta. En éxitos, como la producción pop de 1978 “Vivir así es morir de amor”, cantó sobre el romance, el anhelo y la angustia.
Logró más de cincuenta éxitos musicales en el número uno alrededor del mundo. Sesto escribió casi todas las canciones que grabó en más de dos decenas de álbumes; también escribió y produjo éxitos para cantantes españoles y latinoamericanos, incluidos Miguel Bosé, José José y Ángela Carrasco.
Camilo Blanes Cortés nació el 16 de septiembre de 1946 en la ciudad de Alcoy, en la provincia de Alicante.
De niño cantaba en bodas y bautizos. camilo
A mediados de la década de los sesenta, se unió a bandas de rock estilo The Beatles que lo llevaron a Madrid: Los Dayson y Los Botines.
Comenzó su carrera de solista con el productor y compositor Juan Pardo, quien fue su mentor.
Cambió su nombre artístico primero a Camilo Sexto y luego a Camilo Sesto; era el sexto Camilo Blanes de su familia.
Con “Algo de mí”, una dramática oda a un amor perdido que convirtió en su primer éxito en 1972, inauguró dos décadas de éxitos, entre los que se encuentran “Algo Más”, “Perdóname” “¿Quieres ser mi amante?”, “Donde estés, con quien estés” y “Amor mío, ¿qué me has hecho?”.
En 1975 protagonizó una adaptación de la obra de Andrew Lloyd Webber Jesucristo Superestrella en Madrid, cuya producción financió él mismo.
Con su interpretación del papel principal no solo demostró sus habilidades tanto de cantante como de actor, sino que llevó el teatro musical estilo Broadway a España.
El circuito de sus giras incluía estadios de todo el mundo; en Japón tenía un dedicado grupo de seguidores.
Jamás se casó.
“Una vida así como la que yo he tenido, saltando de un lado a otro, no la aguanta cualquiera, y mucho menos una mujer”, le dijo en una entrevista de 2018 a El País.
Pero en 1983 tuvo un hijo con la actriz mexicana Lourdes Ornelas: Camilo Blanes, quien le sobrevive.
A pesar de sus problemas de salud, entre ellos un transplante de hígado a principios de los años 2000, Sesto se mantuvo activo. El año pasado presentó un álbum retrospectivo, Camilo sinfónico, con nuevos arreglos vocales de orquesta de sus éxitos.
Hizo una gira de despedida de 2009 a 2011 y tenía prevista una en Estados Unidos este octubre.
El jefe del Gobierno español, Pedro Sánchez, escribió en Twitter que Camilo Sesto era “uno de los artistas más queridos y universales”, y agregó: “Sus melodías serán siempre parte de nuestra memoria”.
Jon Pareles has been The Times’s chief pop music critic since 1988.
A musician, he has played in rock bands, jazz groups and classical ensembles.
He majored in music at Yale University. @JonPareles
(THE NEW YORK TIMES)

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Hoy: reflexiones, fabulillas y remembranzas “del Maestro Luis”

El salteño Luis Carballo se desempeñó durante 31 años como maestro, tanto en escuelas rurales como de la ciudad. Hace ahora 22 años que está jubilado. Recuerda escribir poemas y otro tipo de textos desde niño, pero no hace tanto que ha decidido con mayor dedicación ordenar, pulir y publicar algunos de sus escritos. Mtro. Luis Carballo

Este jueves presenta tres libros en A.JU.PEN.SAL
Es así que este próximo jueves 12, a la hora 16, estará realizando en A.JU.PEN.SAL la presentación en público, con entrada totalmente libre y gratuita, de tres de sus libros de poemas (o cuatro –uno de crónicas- si se llegase a tiempo con el trabajo de impresión). Los libros presentados serán: “Nosotros – Reflexiones”, “Yo – 30 fabulillas y algo más”, y “De mi madre – Remembranzas”. Como curiosidad, vale agregar que en la tapa de cada uno de ellos no figura, como es común, el nombre completo del autor, sino que simplemente se lee junto al título de la obra: “Maestro Luis”. Una brevísima muestra de cada uno de ellos ocupa hoy esta página que los lunes EL PUEBLO dedica a creadores literarios de Salto.

LIBÉRATE
Hace tiempo que quiero mandarte este mensaje:
cosas que he meditado y deseo compartir,
llevamos por la vida demasiado equipaje
y cuánto más cargamos, más nos cuesta vivir.

Parece que nos duelen las cosas que nos faltan
tal como si estuviéramos en un plano inferior,
lo que no poseemos es lo que más encanta
y a lo que ya tenemos no le damos valor.

Es natural que todos anhelen el progreso
y busquen condiciones para vivir mejor
pero estar de continuo, sólo pensando en eso
nos priva del disfrute de nuestro alrededor.

Creo que no precisan, para vivir felices
de lo que nos inculcan, con tanta persuasión,
respira el aire puro hasta en los días grises
y saborea hasta el agua, despacio y con fruición.

VEJEZ
Hoy pensé seriamente buscar la diferencia,
entre ser un anciano y vivir como tal,
y tener muchos años, con la clara conciencia
de que aún quedan metas que se quiere alcanzar.

Para mí ser un viejo no es tener muchos años
sino haber archivado las ansias de avanzar,
como bajar los brazos y permitir el daño
de las vicisitudes que se debe enfrentar.

Se ven pocos mayores que no se entregan nunca
y se enfrentan a todo, luchando sin cesar,
distinto a tantos otros, los de esperanzas truncas
que no ven horizontes al que quieran llegar.

No importa lo pasado desde tu nacimiento,
sólo cuentan las cosas que puedas realizar,
la vida aprovechada no depende del tiempo
sino de cuántas obras pudiste completar.
(Del libro “Nosotros – Reflexiones”)

 

Yo, la abeja

De todos los insectos soy la más conocida
porque me han estudiado, creo que por demás,
pero a pesar de ello, les falta todavía
conocer muchas cosas de las que soy capaz.

De algunos de los tantos productos que fabrico
se habrán clasificado muchas formas de usar,
pero aún faltan otras, y es lo que no me explico
con tantas cosas buenas, y sin aprovechar.

Algunos de los usos de lo que elaboramos
les alargan la vida, brindándoles salud
otros le proporcionan belleza en rostro y manos,
y otros traen la calma mitigando el dolor.
Con estos beneficios y otros que no conoces,
merecemos que todos nos quieran mucho más,
porque igual que en los coros se juntan muchas voces
todas juntas nosotras, trabajamos en paz.
YO, UNA MARIPOSA
Me cuento entre los seres que exhiben su belleza
alegrando la vista de aquellos que me ven.
soy todo un torbellino de color y rarezas
que se mezclan y bullen en cálido vaivén.

Son frágiles mis alas porque mi vuelo es leve
y en el aire me muevo como parte de él;
brillaré mientras pueda porque mi vida breve
se agotará muy pronto cual sueño de papel.

Es todo lo que puedo brindar a cuantos veo:
silente sinfonía de forma y de color;
también les proporciono la gracia de mis vuelos
sin olvidar el polen que dejo en cada flor.

En fin, aunque parezca muy pálido mi aporte,
igual me siento útil, y creo que lo soy,
y cruzo los jardines, los campos y los montes
llevando mi destino de amar por donde voy.

(Del libro “Yo – 30 fabulillas y algo más”)

 

Economía ¿cuándo serás mía?

No sé si habrá ministro tan capaz y efectivo
para manejar gastos, como mi madre fue,
realizaba sus compras en un contado estricto,
y no compraba fiado ni un saquito de té.

Pagaba sus facturas ni bien las recibía,
aunque faltaran muchos días para vencer.
“Hay que pagar a tiempo”, siempre nos repetía
aunque falte algún peso para algo de comer.

¿Y comprar financiado…? Si no queda remedio.
Eso sí, si se compra, se debe de cumplir,
porque de lo contrario, si precisas de nuevo
no sabes con qué rostro volverás a pedir.

Después de jubilarse, no pidió nada a nadie,
aunque ganaba poco con su jubilación,
pero se mandó el lujo de que no queden deudas
porque se pagó todo, incluso su panteón.
PASÓ…
En muchas ocasiones me ataca la nostalgia
recordando lejanos días de mi niñez,
cuando todo era leve, pequeñas las distancias,
y apenas me ocupaba de una cosa a la vez.

Entonces cada día era un montón de sueños
sin ninguna amargura y sin preocupación,
con abundantes mimos, junto con algún reto,
pero todo indicado como una corrección.

Lindos tiempos aquellos, de constante alegría,
días sin exigencia, de inconsciencia total,
aún con travesuras, que mi madre cubría,
aunque me corregía, si me portaba mal.

Yo sé que no hay regreso a los tiempos de infancia,
que lo que ayer vivimos no volverá jamás,
pero sólo pensarlo me llena de nostalgia,
y de un sentir sereno, similar a la paz.
(Del libro “De mi madre – Remembranzas”)

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La escritora uruguaya Cristina Peri Rossi ganó el Premio José Donoso

A poco tiempo de los uruguayos haber sentido un enorme orgullo por la obtención de la poeta Ida Vitale del Premio Cervantes, una vez más las letras uruguayas celebran una destacadísima distinción: la narradora y poeta uruguaya Cristina Peri Rossi acaba de obtener el Premio Iberoamericano de Letras José Donoso, que otorga la Universidad de Tlalca (Chile). Se otorga este premio desde 2001 a escritores con trayectoria en español o portugués, y que ya obtuvieran autores como Ricardo Piglia, Pedro Lemebel e Isabel Allende, entre otros. Lo siguiente es parte de la crónica publicada hace unos días por el medio capitalino La Diaria.

“Siento una emoción tan fuerte que corro el riesgo de que sea la última”, dijo Peri Rossi cuando conoció la noticia, según la agencia Efe. “Me siento conmovida y quiero recordar que la literatura, para mí, en esta época tan dura del siglo XXI, es el último reducto quizás contra la frivolidad y la banalidad de esta época. Muchísimas gracias a ese jurado que no conozco y que se ha acordado de mí que ya soy una anciana”, agregó Peri Rossi, nacida en 1941 en Montevideo.El presidente del jurado, Cristian Opazo, de la Pontificia Universidad Católica de Chile, explicó que el premio era entregado a la uruCristina-Peri-Rossiguaya “por la excelencia de su amplia obra narrativa, poética, ensayística y periodística, así como por su aporte a la difusión de las culturas y las letras iberoamericanas. El jurado reconoce la coherencia ética y estética de una obra que con valentía y rigor ha transitado por senderos de experimentación y plasticidad pública”. Álvaro Rojas, rector de la Universidad de Tlalca, recordó que Peri Rossi debió exiliarse en España tras la instalación de la dictadura cívico-militar en 1973: “Su aporte ha sido muy sustantivo al sentimiento de las sociedades contemporáneas respecto de Gobiernos autoritarios, dictaduras, respecto de, tal como ella misma lo ha dicho, la banalización de la vida cotidiana”. “Peri Rossi es una intelectual que dice la verdad al poder y habla de esas identidades marginales y periféricas, la mujer, el exiliado, el homosexual”, expresó María José Bruña, de la Universidad de Salamanca.

BREVE BIOGRAFÍA: Cristina Peri Rossi nació en 1941 en Montevideo, Uruguay. Licenciada en Literatura Comparada, comenzó su carrera literaria en 1963 con la publicación de su libro de cuentos Viviendo. … Ha sido profesora de literatura, traductora y periodista. Sus obras han sido traducidas a nueve idiomas.
Cristina Peri Rossi nació en 1941 en Montevideo, Uruguay. Licenciada en Literatura Comparada, comenzó su carrera literaria en 1963 con la publicación de su libro de cuentos Viviendo. En 1972 se exilió a España, se nacionalizó en 1975, sin perder la nacionalidad uruguaya, y vive en Barcelona desde entonces. En 1994 recibió la Beca John Simon Guggenheim para la literatura de ficción. Ha sido profesora de literatura, traductora y periodista. Sus obras han sido traducidas a nueve idiomas. Ha colaborado con El País, Diario 16 y El Periódico de Catalunya. Fue Premio Ciudad de Barcelona en 1991 con el libro de poemas Babel bárbara. Cultiva el cuento, la novela y la poesía. A continuación algunos poemas de Peri Rossi:

XII
A tantos quilómetros de distancia
nadie puede permanecer fiel.
Ni el árbol que plantamos
ni el libro abandonado,
ni el perro,
que vive en otra casa.

XIV
Ninguna palabra nunca
ningún discurso
—ni Freud, ni Martí —
sirvió para detener la mano
la máquina
del torturador.
Pero cuando una palabra escrita
en el margen en la página en la pared
sirve para aliviar el dolor de un torturado,
la literatura tiene sentido.

Los exiliados
Persiguen por las calles
sombras antiguas
retratos de muertos
voces balbuceadas
hasta que alguien les dice
que las sombras
los pasos las voces
son un truco del inconsciente
Entonces dudan
miran con incertidumbre
y de pronto
echan a correr
detrás de un rostro
que les recuerda otro antiguo.
No es diferente
el origen de los fantasmas.
Los exiliados II
Hablamos lenguas que no son las nuestras
andamos sin pasaporte ni documento de identidad
escribimos cartas desesperadas
que no enviamos
somos intrusos numerosos desgraciados
sobrevivientes
supervivientes
y a veces eso
nos hace sentir culpables.
Cabina telefónica 1975
El exilio es tener un franco en el bolsillo
y que el teléfono se trague la moneda
y no la suelte
-ni moneda, ni llamada-
en el exacto momento en que nos damos cuenta
de que la cabina no funciona.

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A Stephen King le asusta que la vida se esté pareciendo a su obra, según una nota del periódico neoyorquino

Los paralelismos entre sus tramas y los eventos actuales resultan claros en su nuevo libro, “El instituto”, cuyos protagonistas son niños que fueron separados de sus padres a la fuerza y encerrados.

Dentro de cada historia terrorífica sobre un payaso asesino que cambia de forma, un padre homicida en un hotel embrujado o un virus mortal que acaba con la población del planeta, el prolífico e incansable escritor ha llenado muchas páginas con sentimientos igualmente poderosos de fortaleza, altruismo e incluso esperanza. Tal vez por ello tantos lectores, muchos de los cuales descubrieron sus libros en la infancia, han mantenido su lealtad a lo largo de sus 45 años de contar historias.
El autor, a punto de cumplir 72 años, está por publicar su sexagésima primera novela, El instituto, sobre niños que tienen habilidades supernaturales y son reclutados a la fuerza para ser parte de un estudio, a cargo de una organización oscura que luego los desecha de manera brutal cuando dejan de ser útiles. Quienes encasillan a King como un escritor de novelas de terror se sorprenderán por la calidez que hay en un libro que pareciera tener tanta sangre fría.
El concepto del libro se remonta a hace más de veinte años, cuakingndo King —quien ha desarrollado personajes psíquicos similares en libros como Carrie, El resplandor, Ojos de fuego y La zona muerta— imaginó que existía una escuela llena de niños con habilidades extraordinarias. Cuando comenzó a escribir el libro, en marzo de 2017, pensó que no quería que fuera un relato de terror, sino una historia de resistencia: Luke, un genio telequinético de 12 años; Kalisha, adolescente que puede leer la mente de las personas, y Avery, canalizador de poderes que tiene 10 años, organizan una rebelión desde su centro de detención.
“Quería escribir sobre cómo la gente débil puede tener fortaleza”, dijo King en una entrevista telefónica desde su casa en Bangor, Maine. “Cada uno de nosotros está en una isla, y a la vez podemos gritarnos unos a otros y unirnos, y entonces se forja ese sentimiento de comunidad y empatía. Me encanta. Me encanta que las historias tengan eso”.
“Aunque eso no funciona con el estilo de una homilía”, agregó. “Suena empalagoso cuando solo dices: ‘Los amigos mejoran las cosas’. Pero cuando lo cuentas en una historia, la gente entiende. Todo el mundo quiere tener un amigo porque, básicamente, la vida es una empresa solitaria”.
King reconoce que El instituto comparte esa temática con Eso (It), su épica novela de 1986 y la que despertó una nueva ola de adaptaciones de la obra de King para cine y televisión tras el éxito de la película de 2017. La secuela It: capítulo dos, que adapta la otra mitad de la novela con las versiones adultas de los personajes, se estrena en cines este 6 de septiembre. Las tramas de Eso y de El instituto son totalmente distintas, pero en el fondo de ambas historias hay algo que el autor dice que le importa cada vez más estos días: no generar miedo, sino disiparlo.

Editors’ Picks
“Uno de los desafíos, cuando has vivido tantos años como yo y piensas que has explorado todos los rincones de tu alma, es que tienes que preguntarte: ‘¿Qué es lo que realmente me preocupa? ¿Qué cosas me importan?’”, explicó King. “Bueno, me importa la amistad. Me preocupa que haya un gobierno que tiene demasiado poder y que tratará de hacer cosas pensando que los fines justifican los medios. Me importa la gente indefensa que trata de defenderse. Todas esas cosas están presentes en El instituto”.
Todavía puede escribir escenas macabras y desgarradoras, pero los amigos de King dicen que han notado un cambio en sus relatos. “En general, la mayoría de la obra reciente de Steve se ha vuelto más optimista”, comentó Bev Vincent, autor de The Stephen King Illustrated Companion y coeditor, junto con King, de la antología de cuentos Flight or Fright. Vincent se refiere así a libros de King como Elevación, una novela corta cómica sobre un hombre que literalmente se quita el peso del mundo y comienza a vagar a la deriva, o La caja de botones de Wendy, que King escribió con Richard Chizmar, editor de Cemetery Dance Publications, y trata sobre un artilugio que da buena fortuna a ciertas personas al tiempo que inflinge desgracias en otras.
“Tenían finales felices. Tenían una visión optimista de la humanidad, tanto en lo individual como entre grupos de personas, aun cuando hubiera algunos patanes en la trama”, dijo Vincent. “¿Su visión del mundo se ha ablandado o eso siempre estuvo ahí desde los primeros libros? Tal vez en todo su trabajo siempre hay como trasfondo una manera positiva de pensar la humanidad”.
En estos días, King está algo desencantado con sus historias más lúgubres como Cementerio de animales. Cuando los directores de la adaptación que se estrenó en 2018 estaban ideando la última escena, el escritor propuso una idea en la que se salvaba al joven personaje que él mató en la novela original (los cineastas terminaron escogiendo otro desenlace).
Aunque King guarda distancia con las adaptaciones de su obra, La historia de Lisey es una excepción. King está escribiendo todos los capítulos para la adaptación televisiva de la historia de amor sobre una mujer que trata de recomponer su vida tras la muerte de su esposo; la serie de Apple TV es producida por J. J. Abrams y será estelarizada por Julianne Moore. Para la adaptación de la saga apocalíptica The Stand, King también ha escrito un nuevo final con un estilo más “y vivieron felices para siempre” para dos sobrevivientes del Armagedón viral. “Tenía ese final pensado desde hace años”, dijo el autor, con nostalgia. “Siempre quise saber qué le ocurrió a Stu y Frannie cuando regresaron”.
Chizmar, el editor, ve mucho del espíritu de su amigo y colaborador en los niños de El instituto. “Me parece que Steve es un niño grande”, dijo. “Tienes adultos con poder y luego a niños, que representan lo bueno y la inocencia, que se unen para recuperar ese poder. Ahora él es abuelo y les dedicó el libro a sus tres nietos. Me parece que ve con un poco más de escepticismo a los viejos, pero que tiene esperanza por la juventud”, concluyó.
“Al principio pensé: ‘Bueno, está bien, voy a incluir a The Shop. The Shop tiene a estos niños encerrados’”, afirmó. “Pero luego pensé: ‘No, realmente no quiero que sea una cosa del gobierno’”. Decidió que los antagonistas fueran fanáticos financiados por capital privado.
Luego, a medida que King se acercaba al final del libro a mediados del año pasado, las cosas se complicaron. El instituto comenzó a parecerse a lo que estaba ocurriendo en la vida real: niños, que buscaban asilo en la frontera, estaban siendo separados de sus padres por una política gubernamental. “Todo lo que puedo decir es que lo escribí ya estando en la era de [Donald] Trump. Y para entonces ya tenía una sensación, ahora cada vez más fuerte, de que los débiles y la gente a la que le quitan derechos, porque no encajan con la idea ‘estándar’ de un estadounidense blanco, están siendo marginados”, comentó el escritor. “Y en el transcurso de escribir el libro, Trump de verdad comenzó a encerrar a niños”. Hay reportes de que por lo menos siete menores de edad han muerto en custodia de las autoridades migratorias estadounidenses desde que se promulgó la política de separación familiar.
“Fue espeluznante, porque era como lo que yo estaba escribiendo”, dijo King. “Pero no quiero que digan que lo tenía en mente cuando escribí el libro, porque no soy una persona que quiere escribir alegorías como Rebelión en la granja o 1984”.
Como pueden atestiguar sus 5,4 millones de seguidores en Twitter, el autor prefiere reservar sus comentarios personales para las redes sociales.
Las novelas son un lugar para explorar la naturaleza humana, no los acontecimientos actuales.
“Pero si dices la verdad sobre la manera en la que la gente se comporta, a veces te encuentras con que la vida realmente imita al arte”, dijo King. “Creo que en este caso sucedió así”.
King nunca ha dicho que tiene capacidades psíquicas ni experimenta visiones sobre el futuro, pero es posible que posea un poder extrasensorial que parece escasear hoy en día: la empatía.
Más de nuestra cobertura de libros
En Amazon, las obras de George Orwell se venden en una neolengua21 de agosto de 2019

The New York Times

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Se cumplió ayer la 4ta. edición del festival “Volviendo a nuestras raíces” en el Liceo No. 3 de la Zona Este

Ayer miércoles, desde la hora 16 y hasta las 21.30 aproximadamente, se llevó a cabo en el Liceo N° 3 “José Pereira Rodríguez” una nueva edición (en este caso la cuarta) del festival denominado “Volviendo a nuestras raíces”, evento que anualmente se realiza en el propio local (central) de esta institución educativa (calles Agraciada y Pasaje San Eugenio).
“Este festival año a año no sería posible sin la colaboración de toda la comunidad educativa, es decir equipo de dirección (encabezado por la profesora Isabel Delgue), padres y madres, estudiantes, docentes, funcionarios del liceLiceo 3o… Los diferentes grupos de Bachillerato están presentando variados stands con motivos vinculados al tema central. Algunos de ellos incluyen actividades lúdicas, presentación de comidas típicas rioplatenses, exposición de información sobre diferentes temas vinculados a las ciencias y las artes en el Uruguay, etc”, dijeron a EL PUEBLO algunos docentes consultados durante el evento.
Agregaron también que además “hay una fogata alrededor de la cual se están realizando distintas actividades e incluso una comida típica para compartir con el público”, y que se cuenta con “varios espectáculos artísticos, entre los que se destacan bailes vinculados a la tradición e incluso se realizará un baile folclórico en conjunto entre profesores y alumnos de la institución”.
Hubo en general una muy buena participación de público en una actividad con tuvo entrada libre y gratuita, y en cuya organización toda la comunidad educativa del popularmente conocido como “liceo de la Zona Este” ha venido trabajando arduamente desde hace bastante tiempo.

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A 100 años de “Los Heraldos Negros”

“Los Heraldos Negros” es el título de un libro de poemas escrito por el poeta peruano César Vallejo (aproximadamente entre los años 1915 y 1918), y publicado por primera vez en julio de 1919. Es por ello, que al cumplirse ahora el centenario de su aparición los homenajes abundan por distintas partes del mundo. Incluso hemos sabido que en Montevideo se han realizado algunas jornadas de homenaje con la parLos heraldos negrosticipación de destacados intelectuales, como el Académico Ricardo Pallares, entre otros.
EL PUEBLO recuerda los 100 años de esta publicación de enorme importancia para el acontecer de la poesía latinoamericana, con la transcripción del poema cuyo título da nombre a todo el libro:

LOS HERALDOS NEGROS

Hay golpes en la vida, tan fuertes… ¡Yo no sé!
Golpes como del odio de Dios; como si ante ellos,
la resaca de todo lo sufrido
se empozara en el alma… ¡Yo no sé!

Son pocos; pero son… Abren zanjas oscuras
en el rostro más fiero y en el lomo más fuerte.
Serán tal vez los potros de bárbaros Atilas;
o los heraldos negros que nos manda la Muerte.

Son las caídas hondas de los Cristos del alma
de alguna fe adorable que el Destino blasfema.
Esos golpes sangrientos son las crepitaciones
de algún pan que en la puerta del horno se nos quema.

Y el hombre… Pobre… ¡pobre! Vuelve los ojos, como
cuando por sobre el hombro nos llama una palmada;
vuelve los ojos locos, y todo lo vivido
se empoza, como charco de culpa, en la mirada.

Hay golpes en la vida, tan fuertes… ¡Yo no sé!

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Teatro salteño en pleno movimiento Una que pasó y otra que se viene

Pasó “La Bella y la Bestia”: El pasado domingo 1o. de setiembre subió al escenario de nuestro Teatro Larrañaga el grupo La Galera, dirigido por Ricardo González Vetey, para poner una vez más en escena su exitosa obra “La Bella y la Bestia”. Fue en el marco de las celebraciones por los 50 años del Jardín de Infantes No. 10La Galera en La Bella y la Bestia3 “Graciela Castellini de Ferrer”, al tiempo que la ocasión fue también propicia para celebrar los 7 años de La Galera. Se viene “Hasta la vista, Baby”: Por otra parte, este próximo sábado 7 de setiembre, en el Centro Cultural Academias Previale (Lavalleja No. 48) se pondrá en escena la obra “Hasta la vista, Baby”, del dramaturgo uruguayo Franklin Rodríguez.
En este caso estará a cargo del grupo Le Varieté, que dirige el arquitecto Jorge Menoni, y participan en la actuación Paola Cattani, Rosario Gaudín, Gulma Olguín y Martín Pizzani.

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Conoce al Mami Chula Social Club

Ante la falta de espacios de encuentro para que las mujeres latinas de varias generaciones socializaran, Claudia Mendoza creó este club en Nueva York y ya tiene más de setecientas integrantes.
El Espace es una columna dedicada a las noticias y la cultura relevantes para las comunidades latinas. Aquí hay arte, política, análisis, ensayos personales y más. ¿Lo mejor? Está disponible en español e inglés para que puedas enviársela a tu tía, a tu primo Lalo o a quien sea (es decir, a todos).
Cuando Claudia Mendoza crecía en la sección de Washington Heights de Nueva York, ella y sus padres solían pasar varias noches en el Club Deportivo Dominicano, un club social ubicado a cuatro cuadras de la casa donde Mendoza creció. Allí, ella daba vueltas en la pista de baile al compás de un grupo típico de merengue que tocaba en vivo.
“La pista de baile estaba siempre llena de todo tipo de personas”, abarcaba varias generaciones, recordó. La madre de Mendoza explicó que el club era “un motor” para la comunidad, un lugar donde la gente recaudaba dinero para emprendedores locales, se organizaba políticamente o planeaba eventos comunitarios.foto cultu
A ella le encantaba ir, pero no podía dejar de notar una omisión flagrante: el club estaba dominado por los hombres. Había fotos de hombres colgadas en las paredes y la presidencia del club siempre estuvo a cargo de varones.
Sus recuerdos de estas imágenes fueron, en parte, lo que inspiró a Mendoza, de 26 años, a crear un espacio propio en 2018: el Mami Chula Social Club. Un año más tarde, el club, con sede en Uptown Manhattan, suma más de setecientas mujeres afiliadas, conocidas como Chulas.
La idea surgió a mediados de 2017, cuando Mendoza organizó un juego de futbéis con sus amigas, que se enfrentaron entre sí con camisetas color rosa. Las mujeres estaban emocionadas de “tener la oportunidad de ser competitivas, practicar un deporte, enojarse, hacer algo totalmente distinto a su rutina”, dijo Mendoza.
Pero todo tuvo sentido cuando organizó otro evento, que en esa ocasión incluía a sus madres. Las madres solteras dominicanas se habían quedado solas en sus casas, dado que sus hijos crecieron, y tenían que enfrentarse a la realidad de reconstruir su vida social en la madurez. En 2017, Mendoza planeó una elegante cena del Día de las Madres en la que las hijas escribieron poemas para sus madres, quienes siguieron reuniéndose en almuerzos quincenales.
Este evento intergeneracional le hizo pensar: ¿por qué no crear un club privado exclusivamente para gente como sus amigas y sus madres? “Quería continuar creando una comunidad para las mujeres”, dijo Mendoza, por lo que dejó su trabajo en junio de 2018 y oficialmente comenzó el Mami Chula Social Club aquel septiembre.
En lugar de las típicas reuniones de hora feliz para generar contactos o los grupos de desarrollo profesional, la programación mensual de las Chulas es más peculiar y aventurera. Mendoza ha organizado lecciones para maridar puros y whisky, cenas de disfraces para conmemorar la historia de la mujer y un taller de perreo (twerking) coreografiado por una de las bailarinas de Cardi B. Como lo describe Mendoza: “No queremos que venga la niña modelo perfecta ni la instagramera. Eso no es lo que queremos hacer”.
En cambio, Mendoza se ha comprometido a que el Mami Chula Social Club esté al alcance de las mujeres inmigrantes y de la clase trabajadora, al darles acceso a eventos de los que de otro modo podrían haber quedado excluidas. El evento inaugural fue una fiesta en el jardín en honor a las madres de las afiliadas, celebrado en la histórica mansión Morris-Jumel de Washington Heights, un punto de referencia nacional y la casa más antigua de Manhattan. La velada también contó con arpistas y un bufé preparado por un chef de celebridades.
Una madre y su hija se abrazan durante la fiesta inaugural en el jardín.
“Nuestras mujeres no tenían estos espacios y si los había, eran muy excluyentes y solo aceptaban a mujeres con estudios o profesiones, no a mujeres como la mayoría de nuestras madres”, dijo Mendoza. Ella mantiene los costos bajos, la afiliación es gratuita y no hay cuotas anuales. Las entradas a los eventos mensuales cuestan entre 20 y 40 dólares, y Mendoza colabora con las afiliadas de Mami Chula en todos los aspectos, desde la fotografía hasta la venta de alimentos.
Aunque los clubes de mujeres tienen una larga historia en Estados Unidos, el renacimiento actual de esta corriente está dirigido por empresas como The Wing, una red de elegantes espacios de trabajo conjunto y comunitario dignos de una fotografía para publicar en Instagram. En el último año, The Wing ha sido criticada por sus precios (el costo de una membresía anual puede llegar a los 2700 dólares). Para muchas mujeres, cuotas tan caras como esas pueden estar fuera de alcance, una realidad que ha causado preocupación debido al carácter excluyente del llamado feminismo corporativo.
Mendoza tiene la esperanza de dar cabida a un espectro de varias generaciones de mujeres de todos los ámbitos de la vida. Entre las afiliadas al club hay madres que son amas de casa, abogadas, artistas, escritoras y meseras, pero Mendoza dice que comparten una creencia universal en el espíritu íntimo y colectivo del grupo. El año pasado, se asoció con la fotógrafa Evelyn Martínez para el Nosotros Project de Getty Images, y colaboraron en una sesión de fotografías con las madres y las abuelas de las afiliadas, tomando como inspiración la fiesta inaugural en el jardín de la mansión Morris-Jumel. Y para su club de lectura mensual, leyeron Chula, de Amanda Alcántara, una escritora dominicana.
“Tuvimos a sesenta mujeres que hablaron sobre traumas, colorismo [entendido como los privilegios derivados de tener la piel blanca] y curación”, dijo Mendoza. “Estábamos llorando y apoyándonos entre nosotras. Estos son los tipos de espacios que queremos crear y los tipos de conversaciones que necesita nuestra comunidad, que, por desgracia, no se encuentran en un grupo de desarrollo profesional”, afirmó.
Dado que el número de afiliadas está en aumento, Mendoza prevé un futuro prometedor para el Mami Chula Social Club. “Quiero que Mami Chula se expanda por todo el país y quiero crear comunidades para mujeres en todos los estados”, dijo.
Mientras eso sucede, Mendoza anhela seguir levantándoles el ánimo a las mujeres de su vecindario. Espera contar con un espacio físico muy pronto, sobre todo debido a que la creciente gentrificación en la zona y el aumento de las rentas ponen en riesgo a los clubes sociales dominicanos de la vieja escuela en Washington Heights. Las afiliadas han expresado su interés en actividades más educativas, así como en intereses más mundanos.
“Realmente quiero mantenerme fiel al porqué de esta comunidad”, dijo Mendoza. “No quiero perderlo de vista”, afirmó.
Uno de nuestros reporteros visitó a Altagracia Alvino, la abuela del beisbolista Vladimir Guerrero Jr., mientras preparaba estofado de cabrito dominicano para su nieto y su equipo.
Un paso adelante en la representación: Vogue México y Latinoamérica incluyeron a cuatro modelos afrodominicanas en la portada de su edición de septiembre.
(THE NEW YORK TIMES)

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Elder

Hay vacíos que tienen nombre. Hoy los campos de manzanilla cercanos a Pueblo Lavalleja y los que se extienden por tantos otros rincones del interior profundo de Salto, sienten ahora un vacío que puede llamarse Elder Silva. El pasado jueves 29, en Montevideo, murió el poeta. Ese que cuando una vez le preguntaron cómo quisiera morir dijo “extendido sobre un campo de manzanillas”, ese que imaginó que siempre «la frontera será como un tenue campo de manzanillas». Elder Silva
Esta página de Cultura que los lunes EL PUEBLO dedica a la creación literaria de salteños aún vivos, hoy hace una excepción, porque Elder falleció. Pero creemos que el mejor homenaje es darle a él la palabra.

 

VUELTA AL MUNDO

Canta un sabiá en Tala,

en la profundidad del espinillar

y le responde un azulito en Migues

en el huerto silencioso, en casa

del poeta Juan Carlos Macedo.

Una bandada de zorzales

voló por la mañana

y su canto nervioso se escuchó

por las orillas del Laureles

y por Parada Herrería,

sobre unos campos de trigo en Valentín.

En «El viento nos llevará»

(Bad ma ra khahad bardr» en iraní)

Abbas Kiarostami

registra el canto de una ratonera,

ese pajarito saltarín que anida en los chilcales.

Al lado de Malí, viendo la película,

comprendí que aquella ratonera

registrada por la cámara de Siah Darek,

a 700 quilómetros de Teherán,

es la misma que atería los mediodías de

mi infancia.

 

EN LA ALTA LUNA

Una luna alta hacia el lado de Patitas

se reparte las nubes

y acaso el sur de la Vía Láctea,

como señales para el prójimo.

Las chapas del excusado

golpeándose en el viento

toda la noche.

Recostado en la cama

pienso que el verano es un invento

de los pájaros.

Tengo doce años

y he besado por primera vez a mi novia.

 

ZOOM

Estás en la cocina abriendo una lata de arvejas:

de espaldas, los jeans ajustados son fácil tentación

para mis ojos de animal aturdido.

Entro y siento ganas de besarte

en el cuello descubierto,

levantar tu blusa y tomarte por los pechos

casi dulcemente.

Pero el abrelatas avanzando por el círculo filoso

detiene mis impulsos venales.

Es decir, tus dedos rojos

apretando el abrelatas en el borde del tarro,

cambian calles pasos veredas ómnibus

por ese pequeño y maquinal movimiento

que vos ejecutás con cierta devoción y encanto.

Al fin cierras el círculo

y como fulminada,

la tapa cae sobre los azulejos de la mesa.

Meto la mano en el tarro y te doy una arvejita

en la boca.

Y te toco los dientes con la lengua

en un poema con final feliz.

 

ESCRITO EN UNA POSTAL

Abre la ventanilla

y deja que entre el aroma de

los campos de manzanillas

de la primavera.

El polvo de estos caminos vecinales,

más que borrarlo todo,

anuncia el comienzo de una estación

donde habremos de encontrarnos otra vez.

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Inscripciones a la Décima Convocatoria del Espacio de Arte Contemporáneo

En la Décima Convocatoria del Espacio de Arte Contemporáneo las propuestas seleccionadas podrán ser incluidas en cualquiera de las temporadas programadas a partir de marzo del año 2020 en adelante, hasta 2021 inclusive.
Bases y más información en https://cultura.mec.gub.uy
En esta oportunidad se convoca a las siguientes modalidades: Propuestas individuales, colectivas y curatoriales.
Propuestas de instalaciones de gran escala. Propuestas temáticas para sala Miguelete. Propuestas de residencia. Propuestas de formación y de investigación. Recepción de propuestas – Únicamente a través de la postulación en línea, debiendo completarse todos los pasos que se indican en las bases.
La presente es la décima convocatoria que realiza el Espacio de Arte Contemporáneo (EAC) de la Dirección Nacional de Cultura (DNC), dando continuidad a esta modalidad participativa iniciada desde su gestión fundacional, mientras la institución se encuentra celebrando también su décimo aniversario.
La programación del EAC se organiza actualmente en tres temporadas a lo largo del año, con exhibiciones que permanecen abiertas un mínimo de dieciséis semanas. Las convocatorias buscan organizar las postulaciones para proyectar la programación y facilitar el acceso al espacio expositivo y los recursos presupuestales mediante mecanismos claros y acotados en el tiempo.
Podrán postular ciudadanos de cualquier nacionalidad, mayores de edad, a título personal o en representación de colectivos, siempre y cuando sus propuestas se adecuen a las condiciones específicas de esta convocatoria y sean viables en dicho espacio arte 001contexto. Esta convocatoria se dirige a propuestas de arte contemporáneo por parte de artistas, curadores e investigadores en un sentido amplio, sean expositivas o no, pero no incluye artes escénicas tales como espectáculos musicales, de teatro o danza.
Se aceptarán propuestas de artistas en torno a obra propia, ya sea en forma individual o como colectivo organizado, así como también bajo la forma de proyectos curatoriales sobre el trabajo de uno o más artistas. Aunque muchas de las condiciones expresadas a continuación se refieren en general a exposiciones, esta convocatoria no excluye obras de carácter más efímero, como ciclos de performances, acciones, etc. – Se podrán proponer en cualquier área interior o exterior del edificio, quedando su aprobación sujeta a viabilidad en los aspectos edilicios, técnicos y de seguridad, así como a la coexistencia con otras obras. La implantación física de estas exposiciones se resolverá de común acuerdo entre sus responsables y el equipo del EAC. En aquellos casos en los que los proponentes deseen utilizar un espacio específico del edificio en forma excluyente, deberán explicitarlo y fundamentarlo. – Se insta a los postulantes a tener en cuenta para el desarrollo de sus propuestas los planos de los espacios expositivos que se encuentran en la web del EAC y también los espacios exteriores y públicos dentro del predio. – Los postulantes deben tener presente en la formulación de las propuestas expositivas que aquellas que son seleccionadas permanecen normalmente durante toda una temporada del EAC, cuya duración promedio es de dieciséis semanas, por lo que deberán prever aspectos prácticos tales como deterioros y posibles fallas en las obras interactivas, o condiciones materiales e indicaciones técnicas de mantenimiento cuando sea necesario. Toda propuesta que suponga el uso experimental de tecnologías deberá haber sido probada con antelación antes de ser propuesta para un montaje de largo aliento. – Las propuestas seleccionadas, sean curatoriales o no, recibirán, por todo concepto, una suma de dinero que será asignada por la comisión evaluadora y que no superará los siguientes máximos por sección:
A 1) PROPUESTAS INDIVIDUALES. Hasta un máximo de $60.000 (pesos uruguayos sesenta mil), debidamente justificados en el presupuesto que se anexará, y teniendo en consideración el tipo de obra o exposición propuesta, el o los espacios que ocupe, las construcciones y el mantenimiento que requiera.
A 2) PROPUESTAS COLECTIVAS. Hasta un máximo de $100.000 (pesos uruguayos cien mil), dependiendo de las mismas consideraciones mencionadas para las propuestas individuales, a las que se suma en este caso el número de artistas participantes. Nótese que a efectos de esta convocatoria no se considera colectiva una propuesta de un dúo artístico, sino una que contemple la inclusión de al menos tres autores diferentes.
A 3) PROPUESTAS CURATORIALES DE EXTRANJEROS Y NO RESIDENTES. Esta sección refiere a las propuestas de curadores extranjeros o uruguayos que, en ambos casos, documenten residencia fuera nuestro país por más de tres años al momento de postular y que incluyan a su vez no menos de tres artistas también extranjeros y no residentes en las mismas condiciones. Los postulantes que cumplan con estas condiciones podrán solicitar como excepción una ampliación presupuestal hasta totalizar un máximo de $150.000 (ciento cincuenta mil pesos uruguayos), que deberá justificarse claramente en el presupuesto que se adjunte para ser evaluado.

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Expuestos 33 cuadros «perdidos» encargados a artistas mexicanos por el expresidente Salinas

La noche del 5 de noviembre de 1993 el entonces presidente de México, Carlos Salinas de Gortari, presentó en el salón Adolfo López Mateos de la residencia oficial de Los Pinos una exposición de 33 pintores mexicanos cuyas obras reflejan la idiosincrasia y el espíritu de la cultura de este país norteamericano. Las pinturas de gran formato fueron encargadas por el mandatario a creadores reconocidos como Francisco Toledo —considerado como uno de los principales artistas vivos de México—, pero también a pintores jóvenes apreciados como promesas de las artes plásticas en ese entonces. Tras aquella exposición las pinturas desaparecieron del ojo público y por casi tres décadas no se supo nada de ellas, alegan las autoridades culturales mexicanas. Hasta este miércoles, cuando ven de nuevo la luz tras haber sido halladas polvorientas en bodegas de instituciones presidenciales.
Las obras son presentadas al público en una exposición montada en la Casa Miguel Alemán del ahora centro cultural Los Pinos, bajo un título revelador: «De lo perdido, a lo que aparezca». Una frase que bien puede sintetizar la trayectoria de 33 cuadros que forman parte del patrimonio mexicano y la negligencia de las autoridades que debían velar por su protección. Fue una carta enviada por el propio Toledo a la secretaria de Cultura, Alejandra Fausto, el pasado 4 de diciembre, la que marcó el inicio de la investigación para dar con las obras. Toledo y otros tres pintores exigían conocer la ubicación y estado de las pinturas. «Después de una búsqueda se hallan en una bodega de presidencia, se mandan al Centro Nacional de Conservación y Registro del Patrimonio Artístico Mueble [CENCROPAN] para limpieza y mantenimiento. Solo tenían polvo, en realidad no tenían daños. CENCROPAN hizo el diagnostico, nos entregó las obras y las montamos», explica Homero Fernández, director administrativo de Complejo Cultural Los Pinos, en entrevista con EL PAÍS.
La colección fue encargada por Salinas de Gortari en 1992 a quien fuera secretario de cultura, el diplomático Rafael Tovar y de Teresa, quien comisionó las obras a los 33 artistas. Gortari fue el curador. Las pinturas fueron encargadas en gran formato pensando en la estructura de los salones de Los Pinos, que cuentan con enormes muros, extensos pasillos, salones amplios con ventanales que permiten entrar la luz desde los jardines que rodean el complejo. Cada presidente escogía la decoración de la mansión en la que vivirían por seis años. La que fuera residencia presidencial fue abierta al público en enero, tras llegada al poder del presidente Andrés Manuel López Obrador. Los mexicanos, expectantes, hacían colas para conocer cómo vivían los mandatarios en el lugar donde se tomaban las decisiones más importantes del país, pero se llevaron una gran decepción al ver que muchas paredes lucían vacías y en los salones quedaban unos pocos muebles. «Lo que pudieron documentar los medios es todo lo que había aquí», dice Rodolfo Rodríguez, coordinador del complejo cultural.
Además de Toledo, la exposición incluyo cuadros de maestros como Vicente Rojo, Sergio Hernández, Irma Palacios, Luis Nishizawa, Beatriz Ezban, Vicente Gandía, Rodolfo Morales, Julio Galán o Alejandro Colunga. Aunque las autoridades de Los Pinos no revelaron a cuánto asciende el valor monetario de los cuadros expuestos, dijeron que algunos han sido valorados hasta en cuatro millones de pesos (más de 210.000 dólares), pero afirmaron que su valor de mercado debe de ser mayor.
«El objetivo de la exposición es tener estos cuadros a la vista del público mexicano, deslindar una discusión que tiene que ver con el cambio de régimen, que no había localizado los cuadros y todo el mundo en México se preguntaba dónde estaban», dijo Carlos Molina, curador en jefe del Museo de Arte Moderno de la capital mexicana.

(EL PAIS)

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Elder Silva por Valentín Trujillo

Ayer murió el poeta Elder Silva. La tristeza invade a quienes lo conocieron, y también al ambiente literario uruguayo. Era un tipo simpático y querible, lejos del divismo literario que aqueja a otros.
Llegaba con sus carpetas de poemas desordenados, en hojas a veces manchadas por los años, y tomaba posición en algún sitio más o menos iluminado, como un juglar que captaba la atención sin decir nada. Entonces desplegaba un atril de metal plateado, ordenaba un poco encima los poemas, como si barajara sin querer, y se dedicaba con esmero a su tarea: leer poesía. Él tocaba con la voz.
En general, era una antología improvisada de varios de sus libros: Líneas de fuego, Cuadernos agrarios, Mal de ausencias, Agua enjabonada y otros…
Poemas íntimos, gestos, rasgos, palabras aéreas, sentidas. Besos de mujeres en la noche, desamores, aguas envasadas, latas de arveja, lo cotidiano, la vida resumida en la pequeña grieta de la pared luego de un portazo.
A pesar del fuerte vínculo con el Cerro, donde dirigió el teatro Florencio Sánchez y vibró por la camiseta rojiverde de Rampla, siempre lo vinculé al campo, al campo profundo, de horizontes lejanos y cielos inmensos, poblados de pájaros aviones y avionetas, a loselder silva ciclos naturales y rurales, a la frontera, a los confines aportuguesados de guayabada, payadores anónimos y guitarreros que tocaban chotis. No digo que fuera su única cara, pero es la que más retengo, la más potente para mí.
Su fisonomía tenía una mezcla de Leo Maslíah con pelo y un toque de Woody Allen, su cuerpo bajo y movedizo, la voz ardiente y por momentos levemente temblorosa, de cadencia modulada por la lectura de los poemas, el ritmo de los versos y el humor en el sitio más insospechado.
Lo conocí a través de sus amigos poetas Luis Pereira y Gabriel Di Leone, una noche hace muchos años, en el fondo del Museo Mazzoni, donde me invitaron a presentarlo. Me pareció un ser tremendamente afectuoso, que con décadas de poesía encima le agradecía a un joven imberbe que acaba de decir solo unas pocas palabras sobre su obra. Luego me lo crucé varias veces más, en diferentes sitios, siempre con la palabra escrita y oída de por medio, la poesía surgiendo desde debajo del bigote.
Estuvo muchas veces más en Maldonado, por ejemplo participando de la edición 2009 del Encuentro de Escrituras, organizado por la Intendencia, y también en otras instancias. Ahora no está físicamente. No lo conocí tanto como hubiese querido, pero allí quedan, para el que se acerque, sus libros, sus versos, sus emociones al borde la página.
(Texto autorizado por el escritor y periodista Valentín Trujillo a EL PUEBLO)

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Dora la Exploradora habla quechua

Para ‘Dora y la ciudad perdida’, que se estrena en los próximos días, los creadores recurrieron a la ayuda de un consultor peruano para que el idioma y los elementos de la cultura inca fueran precisos.
Isabela Moner leyó y releyó el guion, escuchó grabaciones de audios una y otra vez, y se preparó como normalmente lo hace para una película. Salvo que este no era un filme cualquiera. Se estaba preparando para su papel más importante hasta el momento: darle vida a Dora la Exploradora en la pantalla grande, y los diálogos que estaba memorizando con tanto esmero estaban en quechua, el idioma del imperio inca que en la actualidad hablan ocho millones de personas en Sudamérica, mayormente en Perú, Bolivia y Ecuador.
“El quechua tiene tantos detalles”, dijo Moner. Incluso después de que terminó el rodaje de Dora y la ciudad perdida y ya habían quedado los parlamentos, dijo que tuvieron que regresar y corregir algunas palabras. Moner afirma que lo hicieron porque “una persona que domine el quechua notaría que no está bien”. “Es increíble el nivel de cuidado que se da a los detalles en películas como esta”.
Era importante que esos detalles culturales fueran precisos en la película, la cual trata de la doraaventura en la selva de Perú que emprenden la exploradora, ahora adolescente, y sus amigos de la escuela.
En un episodio reciente de Latino USA, de NPR, mi colega Antonia Cereijido y yo exploramos el legado de Dora desde sus inicios en Nick Jr., el bloque de programación para niños en edad preescolar de Nickelodeon, hasta ahora, una trayectoria que ha abarcado casi veinte años. Y aunque la representación visual de la latinidad de Dora ha sido criticada por reforzar una imagen estereotípica mestiza ( cabello lacio café y piel morena), sí se puso cuidado en la elaboración de lo que el personaje representa.
La identidad panlatina y bilingüe de Dora se creó originalmente a finales de la década de los noventa con la ayuda de consultores a fin de empoderar a los niños de ascendencia latina en Estados Unidos.
En 2019, la versión con actores de Dora, que todavía es panlatina y ahora también habla quechua, se creó con la ayuda de un consultor a fin de asegurar que el idioma y los elementos indígenas fueran precisos.
Esto debido, en particular, a que Hollywood tiene antecedes de malas representaciones u otras que no son completamente correctas. Por ejemplo, está la cinta taquillera de 2008 Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal. Al igual que Dora en su película, Indiana Jones estaba explorando Perú, y ambos estaban en busca de un lugar mítico al estilo de El Dorado. A diferencia de la versión de Dora, el Perú representado en la película de Indiana Jones estaba plagado de inexactitudes: desde las pirámides inspiradas en las edificaciones de Mesoamérica que fueron colocadas en la parte incorrecta del continente hasta el detalle desconcertante de que Indiana Jones aprendió quechua durante el tiempo que pasó con el revolucionario mexicano Pancho Villa.
“Por desgracia, eso podría dar a entender que todo lo que hay del río Bravo para abajo es básicamente lo mismo. Y sabemos que eso no es verdad”, dijo Américo Mendoza-Mori, profesor de Quechua y Español en la Universidad de Pensilvania. El profesor peruano también fungió como consultor de cultura andina para la película. “Hay una tradición de invisibilización de los grupos y las culturas indígenas”, agregó, y esas representaciones erróneas “refuerzan esos estereotipos”.
Mendoza-Mori fue contratado para supervisar los diálogos en quechua del guion. Hay hablantes de este idioma en América del Sur, pero también en ciudades estadounidenses como Washington, D. C., Nueva York y Los Ángeles. Otra tarea importante fue la de incorporar detalles andinos a lo largo de la película.
Por supuesto que Dora sigue siendo un personaje ficticio, así que los guionistas se tomaron algunas libertades creativas. Está en busca de la ciudad perdida de oro del imperio inca llamada Parapata, la cual se localiza únicamente en el mapa que ella carga en su mochila. Sin embargo, Parapata tiene un significado en quechua: “la colina lluviosa”. (La película usa el dialecto Cusco-Collao del quechua).
Uno de los objetivos principales de Mendoza-Mori era aportar cierta autenticidad a los detalles ficticios de la película. “Así que cuando pensé en trabajar para ‘Dora’, también pensé en mí mismo como peruano, como alguien de la región andina”, explicó. Quería mostrar “los aspectos buenos, los aspectos valiosos que incluyen la historia y los conocimientos del pueblo andino”.
En el transcurso de su aventura, Dora y sus amigos interactúan con tecnologías andinas reales. En una escena, Dora interpreta un conjunto de constelaciones incas, las cuales los incas usaban en la vida real para orientarse en el tiempo con fines agrícolas. En una secuencia de acción, los escritores incorporaron información sobre antiguos acueductos subterráneos.
“Si ves la película con detenimiento”, comentó Mendoza-Mori, “puedes darte cuenta de que intentamos enviar algunos mensajes que reconocen el legado de las historias andinas. Una de ellas es Kawillaka”. En el filme, el personaje de la princesa Kawillaka es interpretado por Q’orianka Kilcher, una actriz de ascendencia peruana indígena. El nombre de su personaje proviene de un mito sobre el origen de unas islas que se encuentra en un manuscrito andino que data del siglo XVI.
Para Mendoza-Mori, arrojar algo de luz sobre la cultura andina fue una oportunidad para explorar las identidades latinas, en particular en Estados Unidos, donde las representaciones en los medios carecen de complejidad. “De pronto, tendremos a un personaje dispuesto a celebrar la cultura latina indígena”.
Al final de la película, Kawillaka conoce a Dora y cuestiona sus intenciones. Dora le responde que ella, su familia y sus amigos están ahí para aprender y no para conquistar ni tomar sus tesoros, como lo hicieron en el pasado los conquistadores blancos con los pueblos indígenas en América.
Esa escena me vino a la mente cuando hablaba con Moner de lo que aprendió al ser parte de esta película. A pesar de que Dora sigue siendo étnicamente ambigua, Moner no lo es: es peruana-estadounidense, y algunos de sus familiares en Perú hablan quechua. Le pregunté si haber interpretado a Dora la había hecho sentir más cerca de sus ancestros indígenas, hablantes de quechua.
“Absolutamente”, afirmó Moner. “También me hizo sentir más segura sobre el lugar en el que estoy y lo que estoy haciendo. Al aprender más sobre mi cultura, aprendí a respetarla más por lo que es”, agregó.
(THE NEW YORK TIMES)

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Amazonia o Amazonía, una precisión geográfica

Los incendios en el llamado Pulmón del Mundo nos revelan una confusión común: que la selva que creemos que es el Amazonas es la Amazonía.
La selva tropical más grande del mundo, que esta semana ha ocupado las portadas de los diarios de todo el planeta por los incendios forestales que la consumen hace casi veinte días, es la Amazonía o Amazonia (la primera es más común en Perú, Ecuador y Venezuela), pero no el Amazonas. La región amazónica abarca zonas de Brasil, Perú, Bolivia, Colombia, Venezuela y Ecuador, y el fuego de estos días ya ha llegado a áreas de Bolivia y Paraguay.
Amazonas, como muchos llaman a esta selva erróneamente, es en realidad el nombre de uno de los estados que conforman la República Federativa de Brasil, así como del río que tiene una extensión de 6400 kilómetros y es uno de los más largos del mundo.
Por eso es más preciso decir que hay incendios en la Amazonia o Amazonía, y no que hay incendios en el Amazonas, pues si bien el estado de Amazonas es uno de los sitios que están en llamas, también hay fuego en los estados brasileños de Pará y Rondônia. En lugar de estar rezando por el Amazonas, nuestras oraciones tendrían que extenderse a toda la región, así: #PrayForAmazonia.
El lunes 12 de agosto, distintos grupos de mujeres se dirigieron a la oficina de la Procuraduría General de Justicia en Ciudad de México para protestar en contra de la violencia sexual policiaca, pues hay una acusación de que cuatro oficiales presuntamente violaron a una joven de 17 años en la alcaldía de Azcapotzalco el 3 de agosto.
Con carteles en los que se leía “A mí me cuidan mis amigas, no la policía”; “Queremos caminar y volver a casa libres y sanas”; “No me cuidan, me violan” y “La policía viola”, las manifestantes hicieron una batucada, se disfrazaron de policías, pintaron con aerosol paredes y vidrios y exigieron justicia. Afuera de su oficina, el secretario de Seguridaamazoniad Ciudadana de la capital salió a “calmar los ánimos”, pero cuando estaba rodeado de medios de comunicación y declaraba: “Yo estoy viendo aquí un clima muy radicalizado…”, una activista le lanzó un polvo rosa brillante que en México conocemos como diamantina, pero que en Argentina llaman purpurina y en Colombia y Venezuela, escarcha.
La primera declaración de la jefa de Gobierno de Ciudad de México, Claudia Sheinbaum, fue que la manifestación era una provocación; ya después publicó un video en el que decía que su gobierno está comprometido con luchar contra la violencia sexual contra las mujeres. Jesús Orta, el secretario cubierto de brillitos magenta, solo alcanzó a afirmar que “se respetaría la objetividad” en la investigación. Sin embargo, fue la Fiscalía de Delitos contra la Violencia Sexual la que filtró el caso y dio a conocer el nombre de la víctima (lo que provocó la manifestación del lunes).
Ayer se dio a conocer que la oficina del ministerio público correspondiente no siguió el protocolo en caso de violación por lo que las pruebas genéticas con las que se identificaría a los agresores se perdieron y el vocero de la Procuraduría de Ciudad de México dice que hay “inconsistencias” en la declaración de la víctima.
En México, nueve mujeres son asesinadas cada día; seis de cada diez mexicanas han vivido un incidente de violencia, y 41,3 por ciento de las mujeres en este país han sido víctimas de violencia sexual. La tarde del viernes 16 de agosto se realizarán protestas en distintas ciudades en contra de la violencia sexual hacia las mujeres; las convocatorias dicen: “Lleva tu diamantina rosa”. En algunas ocasiones, no hay nada más revelador que el cambio de un contexto y el uso político para ver cómo se resignifican las palabras y los objetos. Hoy, en el contexto mexicano, ese polvo usado comúnmente para maquillaje o para la decoración de manualidades se ha convertido en otra cosa: hoy la diamantina es combativa.
El atentado terrorista del 3 de agosto en un Walmart en El Paso, Texas, ha conmocionado —con razón— a la comunidad latina en Estados Unidos y a las personas que viven del lado mexicano de la frontera. Además del desafío periodístico que supone cubrir un hecho de este tipo, el ataque nos enfrentó también a distintas discusiones sobre el uso del lenguaje, cuyos matices son fundamentales al momento de hablar del horror.
Una de las discusiones que enfrentamos como editores fue sobre la forma en que nombramos al conjunto de creencias que postula el hombre que ejecutó este atentado.
Eric Kaufmann, profesor de política en la Universidad de Birkbeck en Londres y quien ha estudiado durante años los movimientos de mayorías raciales, afirma que el nacionalismo blanco es la creencia de que la identidad nacional debe definirse a partir de la etnia blanca y que, por ello, las personas blancas deben mantener una mayor presencia demográfica y el dominio de la cultura y de la vida pública de un país. Kaufmann sostiene que hay una sutil diferencia entre el nacionalismo y el supremacismo blanco: los supremacistas tienen la creencia racista de que las personas blancas son superiores a las personas de otras razas; los nacionalistas quieren mantener el dominio político y económico, no solo mantenerse como el grupo mayoritario y conservar la hegemonía cultural. El manifiesto que se relaciona con el autor del atentado de El Paso se considera como uno de ideología nacionalista blanca.
Dentro de los límites del lenguaje, creemos que puede ser más adecuado en este caso hablar de nacionalismo blanco antes que de supremacismo blanco, porque el primero tiene implicaciones que pueden rastrearse de forma directa en las palabras que publicó el atacante antes del tiroteo.
Las palabras son la principal herramienta de comunicación de cualquier periodista. En The New York Times en Español nos tomamos muy en serio nuestra lengua y cómo la usamos: entendemos que el castellano es un idioma con muchas variantes, pero que entre los más de 570 millones de hispanohablantes en el mundo compartimos mucho más que lo que nos diferencia. ¿Quieres que revisemos un caso en particular? Puedes sugerir una palabra, una expresión o una duda para que la exploremos; escríbenos a:
comentarios@nytimes.com.
Paulina Chavira es editora en The New York Times en Español y está a cargo del manual de estilo. Regularmente escribe sobre dudas de lenguaje y promueve el uso de la tilde. Puedes seguirla en Twitter @apchavira.
(THE NEW YORK TIMES)

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“Déjame ser, compa”: la vida de Celso Piña

La biografía del artista mexicano Celso Piña, quien murió ayer a los 66 años de edad, es la de un transgresor que dedicó su existencia a rebelarse a través de la cumbia salida de su acordeón.

MONTERREY, México — “¿Por qué tocas una música que nadie toca?”, solían preguntarle al acordeonista Celso Piña en los setenta, cuando trajo la cumbia colombiana a una ciudad árida y sin mar que está más cerca de Texas que del Caribe. “Por eso mismo —respondía— porque nadie la toca, compa ¿Para qué voy a tocar lo mismo que todos tocan? Música es música”.
Poco después de cumplir 20 años, contra la voluntad de su mamá, el artista mexicano pidió un permiso en el Hospital Infantil de Monterrey donde trabajaba como intendente. Decidió cambiar el destino de obrero que le aguardaba para dedicarse a la Ronda Bogotá, el grupo que había fundado, donde lo acompañaban sus hermanos: Quique en el bajo, Lalo en el güiro y, tiempo después, Rubén en la batería. fotocultu
Pronto empezaron a contratarlos para fiestas modestas en La Campana, el barrio donde vivía la familia Piña. El problema era que siempre les pedían polkas, redovas y chotis, los ritmos tradicionales del noreste de México que también se interpretan con acordeón. Cuando le preguntaban si no sabía tocar las típicas canciones norteñas de esta región, Celso respondía que sí, pero que no le gustaban.
“Déjame ser, compa”, les decía a sus amigos. A los desconocidos les contestaba peor.
Pese a la presión por abandonar un gusto que se antojaba exótico para la época y el lugar, Celso se mantuvo firme en que la Ronda Bogotá solo tocaría cumbia colombiana e incluso decidió renunciar de manera definitiva a su trabajo en el hospital para reforzar su afán musical.
Isaac, su papá, quien también era intendente del Hospital Infantil, combinaba su jornada con reciclar fierros y maderas para fabricarles a sus hijos los instrumentos que la agrupación necesitaba. Lo mismo adaptaba una guitarra como bajo que improvisaba güiros, tarolas, platillos o instrumentos más complicados, como una redoba, e incluso inventó uno propio al que le puso marimbón.
El padre de Celso había sufrido una infancia dura en el barrio de la Independencia, donde la hambruna provocada por la Segunda Guerra Mundial mató a decenas de niños, entre ellos a su hermana. Isaac, que ahora tiene casi 90 años, me contó que nunca alentó a Celso para que fuera músico, que solo lo apoyó como debe apoyar un padre a su hijo. “Pa que entiendas fácil y así de a tiro. Si él me hubiera dicho: ‘Papá, yo soy gay’, pues le diría: ‘A ver, ¿dónde conseguimos unos cosméticos finos?’”.
Gracias a este apoyo, así como al talento y terquedad de Celso, durante los ochenta sucedió algo tan improbable como real: la cumbia colombiana se bailaba en los barrios populares con mayor ímpetu que la tradicional música norteña. Incluso empezaron a surgir otros grupos que replicaron el estilo como La Tropa Colombiana y Los Vallenatos de la Cumbia. Así, el vallenato dejó de ser tocado solo por la Ronda Bogotá y, pese a los más de 3000 kilómetros de distancia entre Valledupar y Monterrey, se fue volviendo un movimiento marginal en el árido norte mexicano.
Pero el éxito de la cumbia colombiana provocó también paranoia en las esferas oficiales, así como en las élites locales. Durante los conciertos de la banda, era común que la policía aguardara con prepotencia para intervenir con cualquier pretexto; incluso algunos alcaldes llegaron a prohibir de manera oficial la celebración de cualquier tipo de concierto de ese género musical, con el argumento absurdo de que la música incitaba a la violencia.
En escuelas públicas y espacios culturales se estigmatizó a los seguidores como cholos, acuñándoles también el término de “cholombianos” de manera despectiva por su forma de peinarse y de vestirse. Celso, en particular, fue catalogado como uno de los demonios en turno de la ciudad.
Sin embargo, el vallenato siguió creciendo como un movimiento contracultural, boca a boca, sin contar nunca con el apoyo de los medios de comunicación, que solo reseñaban los espectáculos cuando había algún tipo de desmán. De esta forma, pese a su enorme éxito en las calles regiomontanas, la cumbia colombiana era vetada en la radio y varios periódicos locales tardaron años en publicar las primeras notas sobre la existencia de Celso, aunque él ya era un ídolo en los márgenes de la sociedad.
Entre los primeros observadores del fenómeno estuvieron Joaquín Hurtado, Lorenzo Encinas y el escritor Carlos Monsiváis, quien en los noventa entrevistó a Celso para una crónica sobre la guerra de pandillas que prevalecía en la ciudad. Tras decirle que, según sus investigaciones, las pandillas rivales de entonces solo detenían sus enfrentamientos cuando sonaba una de sus cumbias, el escritor bautizó a Celso como el Acordeonista de Hamelín.
El punto de quiebre para que su figura dejara de ser satanizada ocurrió la noche en que el premio nobel Gabriel García Márquez bailó al ritmo de su acordeón durante un evento de gala. Entonces las esferas oficiales y la élite local dejaron de perseguir, censurar y estigmatizar la música colombiana en Monterrey, la cual se había colado hasta sus salones e incluso había hecho que Celso se acercara a ganar un Grammy a nivel internacional por su disco fusión con grupos de hip-hop como Control Machete.
Durante los últimos meses, tras cumplir cuarenta años de haber sido el pionero de algo tan improbable como imponer la música vallenata en la ciudad más importante del norte de México, Celso ya pensaba en retirarse.
Si en sus inicios había recorrido cantinas, prostíbulos y antros de mala muerte de Monterrey, en la actualidad ya había tocado su cumbia en auditorios, estadios, plazas públicas y palacios de más de treinta países del mundo, además de hacer duetos (freestyle, decía él) con artistas tan diversos como Café Tacvba, Gloria Trevi, Julieta Venegas, Cartel de Santa, Eugenia León, Álex Lora y Lila Downs.
Todavía disfrutaba sus conciertos, pero solo soñaba con tocar en Australia. “Oceanía es el único continente que me falta”, les decía delante de mí a sus amigos y mánagers Alejandro Zea y Adán Pérez. En una de las ocasiones en las que me reuní con él, mientras iba a verlo, vi en una esquina de Monterrey a uno de tantos tríos de jóvenes humildes que ahora aguardan con acordeón, güiro y guacharaca un autobús del transporte público para subirse a tocar las mismas canciones que la Ronda Bogotá tocaba en sus incomprendidos inicios hace cuarenta años.
“¿Qué sientes de haber creado una nueva cultura musical en una ciudad tan conservadora como esta?”, le pregunté aquella vez.
No me quiso responder de manera directa. Su modestia me pareció auténtica.
“Lo que hice lo hice y ya. Pudo haber sido una locura más que pasara al olvido. Qué bueno que no fue así, pero yo solo me la jugué y listo. Tampoco me voy a clavar. Nunca hay que dejar de tocar tierra. El día que empieces a levitar se te va a acabar la magia”, respondió.
Y luego remató con su frase de siempre: “Música es música”.

(THE NEW YORK TIMES)

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El Caminito de Buenos Aires vuelve a brillar con su intensidad original

Buenos Aires, agosto (EFE).- 

Los colores llamativos de la emblemática calle Caminito vuelven a lucir en el barrio de La Boca, en Buenos Aires, gracias a la restauración de los murales y esculturas que un día sirvieron de inspiración para Juan de Dios Filiberto, Carlos Gardel y tantos otros amantes del tango.
Rojo, amarillo, verde y azul son los tonos de las características viviendas de Caminito, que en apenas cien metros recoge a pintores, cantantes, bailarines de tango y miles de turistas, en el que es uno de los puntos más transitados por quienes visitan la capital argentina. En octubre se cumplen 60 años del nombramiento de Caminito como “calle museo”, por lo que los encargados del proyecto querían que para esa fecha “la obra estuviese completamente restaurada”, dice a Efe la secretaria de la Dirección General de la Fundación Proa, Elizabeth Torres. Su organización es la impulsora de esta renovación, que dota a Caminito de la viveza visual que ya ganaron en 2017 Caminitootras calles aledañas a partir de una acción del Gobierno de Buenos Aires. Ahora, la nueva capa de pintura llega a la esquina donde se cruzan las calles Del Valle Iberlucea y Don Pedro de Mendoza, por donde ingresa la mayor cantidad de visitantes. Además del tratamiento aplicado en los muros, el proyecto acondiciona las bases de esculturas y monumentos que comprenden el Museo al Aire Libre, creado por el pintor argentino Benito Quinquela Martín. Luis Perlotti y Julio César Vergottini son algunos de los escultores cuyas piezas fueron reacondicionadas. Aunque hayan sido labores llevadas a cabo por diferentes entidades, Torres indica que, sin los vecinos de La Boca, la puesta en valor sería más complicada.
La representante de la Fundación Proa afirma que todos los habitantes y artistas del barrio en “algún momento se sienten involucrados en alguna actividad que se desarrolla” allí.
Para cumplir con el plazo previsto, al cual incluso le han ganado dos meses, Torres recalca que ejecutaron “la obra de forma civil en un espacio patrimonial” y estructuraron el plan con las organizaciones del barrio y con el Gobierno de la ciudad.
Tras esta obra, hay que esperar a que la restauración de la zona se mantenga, por lo que Torres añade que “probablemente” estudiarán crear un programa de educación sobre la importancia del patrimonio de Caminito.
Sin embargo, apunta que “las políticas tienen que venir un poco del Estado”.
“Los privados lo que podemos hacer es colaborar, acercar voluntades y estudiar posibilidades como para que eso suceda”, reflexiona.
La entidad solicitó la restauración en una colaboración conjunta con el Museo Benito Quinquela Martín con el respaldo de American Express a través de Resources Foundation. “Consideramos Caminito como una proyección del museo Quinquela Martín, Caminito es una obra más de Quinquela”, expone el director del museo creado por el emblemático artista de La Boca, Víctor Fernández.
Quinquela Martín (1890-1977), reconocido por sus pinturas portuarias, fue uno de los responsables del aspecto que luce Caminito y por esos motivos, “el museo siempre se involucra en todo lo que tiene que ver con la puesta en valor del pasaje”, asevera Fernández. “Hay un momento en el que la obra de Quinquela sale de sus telas y comienza a derramarse con el barrio con las herramientas que había hecho suyas”, considera el director del museo, quien asegura que el pintor se sirvió de los colores identificativos del barrio. Fernández concluye que “asomarse a Caminito es asomarse tal como lo vería Quinquela a una parte importantísima de la identidad cultural argentina”.
Por otro lado, Torres opina que, aparte de devolver los colores originales al proyecto creado por Quinquela, su entidad le devuelve “un valor muy importante” a ese punto de la ciudad. “A nivel artístico, los nombres que ha dado en la historia el arte boquense son fabulosos y son de una particularidad que hace también a la idiosincrasia del barrio”, asevera Torres. Aunque Filiberto fuese el responsable de su nombre, la lectura de Caminito, según Fernández, no se “agota en el tango”. “Es la síntesis de la universalidad de una aldea”, define.
En esa aldea en particular, La Boca, los colores de su esquina más famosa brillan ahora como lo hicieron cuando Filiberto escribió su canción y Gardel la cantó.

Carmen Herranz

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En Amazon, las obras de George Orwell se venden en una neolengua, informa

Los libros del autor británico, irónicamente, están desinformando debido a la comercialización de versiones piratas de “1984” o “Rebelión en la granja”

SAN FRANCISCO — En 1984 de George Orwell, los clásicos de la literatura son reescritos en la neolengua, una revisión y reducción del idioma que tiene como propósito hacer que los pensamientos prohibidos sean literalmente impensables. “La destrucción de las palabras es algo de gran hermosura”, exclama un personaje de la novela. Ahora algunas de las palabras del propio Orwell están siendo reescritas en la enorme librería virtual de Amazon, un lugar donde las leyes de derechos de autor son aplicadas de manera notablemente laxa. La reputación de Orwell está a salvo, pero no sucede los mismo con sus oraciones. En las últimas semanas pude ver de cerca este proceso cuando compré una decena de libros falsos y ediciones piratas en inglés de la obra de Orwell en Amazon. Algunas copias fueron impresas en India, donde los trabajos del escritor están en el dominio público, aunque estaban siendo comercializadas en Estados Unidos, donde se mantienen los derechos de autor. fotocultu

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Algunos libros eran falsificaciones, como una edición de sus memorias Sin blanca en París y Londres que fue “editada” para estudiantes de secundaria. Los encargados de administrar el patrimonio del autor señalaron que no dieron permiso para la publicación del libro, impreso con la subsidiaria de autopublicación de Amazon. Algunos falsificadores incluso se atreven a comercializar los clásicos de Orwell como si fueran de su propiedad, pues registran los derechos de autor de las obras bajo sus nombres. Lo que une a todos estos libros es que por ninguno de ellos se hicieron los pagos correspondientes al derecho de autor, lo cual significa que se pueden ofrecer como la alternativa de bajo costo a los títulos legales de Orwell. Después de todo, si necesitas una copia de Rebelión en la granja o de 1984 para la escuela, no vas a reparar en quién lo publicó. Porque todas las ediciones de 1984 son iguales, ¿no?
Para su sorpresa, un lector descubrió que su nueva copia de 1984 tenía fragmentos que estaban “redactados de manera ligeramente distinta”. Otra lectora ofreció pruebas fotográficas de que su edición era un texto casi incomprensible. Un tercero dijo que la palabra faces (que en español significa rostros), fue remplazada en su copia por feces (heces). Una de las quejas más comunes de los usuarios es que recibieron libros de Orwell a los que les faltaban páginas. En una reseña, una lectora alerta sobre errores en su versión de 1984.
Incluso cambiaron los títulos. Una edición de Rebelión en la granja, cuyo subtítulo original es “Un cuento de hadas”, dice en el reverso que es Rebelión en la granja: un cuento de justicia. El prefacio de esa copia hace referencia a otra gran obra de Orwell, Homenaje a Cataluña, pero la llama Homepage of Cataluña (página de inicio de Cataluña).
Comencé a revisar los libros de Orwell en Amazon después de escribir sobre el auge de las falsificaciones de libros que se conseguían allí. Encontré que la existencia de los libros falsos parecía estar ayudando a Amazon, al ser una razón por la cual los editores se sienten obligados a vender sus copias genuinas por medio del sitio. Amazon respondió en ese entonces que ha invertido en personal y en herramientas tecnológicas para prevenir los casos de fraude. En respuesta al tema de los libros de Orwell, Amazon dijo el 18 de agosto en un comunicado que “no hay una fuente verídica única” sobre el estatus de derechos de autor de todos los libros en todos los países, así que la vigilancia de lo que se vende en el sitio depende de los autores y las editoriales. “Este es un asunto complejo para todos los minoristas”, comentó. La compañía añadió que la inteligencia artificial y el aprendizaje automático son poco eficaces cuando no hay una sola “fuente verídica” de la que el modelo pueda aprender para hacer las revisiones.
Vender libros es una profesión antigua y complicada, y las ediciones falsas de todo tipo pueden aparecer en todas partes. Sin embargo, Amazon es la librería más grande del mundo y los estándares que establece sientan precedentes para el resto de los negocios.
Las ediciones falsificadas y las importadas generalmente son las menos costosas. ¿Quién puede culpar a la gente por comprarlas? Así que lo hacen. Una edición legítima de 7,99 dólares de 1984 hace poco estaba en el lugar número 72 de los libros más vendidos en Amazon. Una importación india de cinco dólares estaba en el lugar 970, lo cual sugería que esas copias también se estaban vendiendo a un ritmo constante. Lo más probable es que la mayoría de los textos estén tergiversados debido a la ignorancia o la negligencia, pero, en los casos más radicales, estas versiones falsificadas pretenden mejorar a Orwell, como la “edición para estudiantes de secundaria” no autorizada de sus memorias de 1933.
La versión dice que fue editada por Moira Propreat. No fue posible contactar a esa persona; de hecho, su existencia no pudo verificarse. El libro de memorias, Sin blanca en París y Londres, habla de momentos de indigencia y de las terribles conductas a las que llegan las personas cuando están muriendo de hambre. La edición dice que Propreat buscó presentar las historias de manera “más digerible”. Hasta hace poco, mejorar a Orwell no era una propuesta práctica para hacer negocios. Después Amazon cambió la manera de acceder al mundo literario cuidadosamente curado. El acceso al mercado ya no era determinado solo por las editoriales, los vendedores de libros ni los reseñistas. Incluso los libros más marginales de pronto estaban disponibles para todos en todas partes.
Sin embargo, innovar de esa manera también permitió que incursionaran personas a las que al parecer no les importa la calidad de lo que venden.
“Cada semana aparece una edición falsa”, dijo Bill Hamilton, el albacea literario de Orwell. “¿Cuándo será que una compañía como Amazon va a asumir la responsabilidad por la gestión de los productos que pasan por sus manos?”.
Si Amazon vetara cada título de la manera en que lo hacen las librerías físicas, necesitaría muchos más empleados. Eso costaría más, lo cual reduciría sus ganancias. Busqué en mi cuenta de Amazon una manera de avisarle a la empresa que me estaba vendiendo ediciones falsificadas y no pude encontrarla. (Amazon sugirió que usara el apartado para “reportar información incorrecta del producto” en cada una de las páginas que venden las ediciones falsas, o que los llamara. También señaló que si elegía hacer una devolución, ahí podría seleccionar el motivo entre alguna de las opciones de un menú). Uno de los libros de Orwell que compré era una copia de Rebelión en la granja publicada por Grapevine India. En la página legal declaraba: “El autor respeta a todas las personas, organizaciones y comunidades, y no tiene la intención en esta novela de herir a ninguna persona, organización (ni) comunidad”.
Orwell nunca dijo eso, según me confirmó la gestión patrimonial. Se trataba de un mensaje de 2019 agregado sin consultar a una historia de 1945, curiosamente en una edición que eligió desaparecer al autor y al pasado: no había reconocimiento de los derechos de autor, ni mención alguna del año 1945. En La política y el idioma inglés, Orwell escribió que “la dejadez de nuestro lenguaje hace más fácil que pensemos disparates”. Su idea habría sido bien comprobada por otra edición falsa de Rebelión en la granja, vendida por Amazon y publicada por Adarsh Books. La introducción incluye esta oración: “Cuando los animales, los llamados personajes de la novela, intentan aprender el alfabeto de diferentes maneras, es definitivamente la escena que provocaría una risa inesperada en el lector”.

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De esclavos y colonialistas: los juegos de mesa despiertan serios debates

¿Es apropiado que haya juegos de mesa en los que los participantes hagan el papel de racistas, de nazis o de colonialistas sin consideración alguna? masacre
En el auge imparable de los juegos de mesa, hay muchos de la Segunda Guerra Mundial en los que los participantes pueden jugar a ser nazis. Hay juegos de la guerra civil de Estados Unidos en los que los participantes adoptan el papel de la Confederación. Algunos de estos juegos encaran a las víctimas del Holocausto y a las personas esclavizadas directamente; la mayoría no lo hace, aunque, desde luego, están ahí si los jugadores se fijan bien.
Sin embargo, incluso los juegos con diseños mediocres y temática bélica a menudo gozan del beneficio de la duda. Generalmente son creados y jugados por personas muy interesadas en la historia. Valoran la precisión por encima de la diversión. La mayoría de los juegos de este género están acompañados por listas de lectura y explicaciones exhaustivas; los jugadores a menudo los consideran una manera más interesante de aprender que leer un libro.
Scramble for Africa era un nuevo juego de estrategia, de los que llaman “eurojuegos” para diferenciar el género de los juegos bélicos y los juegos de mesa estadounidenses más agresivos de azar. En él, el jugador “adopta el papel de una de las seis potencias europeas con vistas a explorar el interior desconocido de África para descubrir territorios y recursos naturales”, como lo señalaba su descripción.
Como medio creativo, los juegos de mesa son fundamentalmente distintos del cine, el teatro o la literatura. Aunque todo el buen arte es muy interesante, las audiencias de ese tipo de medios son en su mayoría espectadores. Ver La lista de Schindler o leer El diario de Ana Frank son experiencias distintas de tramar estrategias como un nazi en un juego de mesa.
En el mandato del rey Leopoldo II de Bélgica, entre 1885 y 1908 en el territorio que ahora es la República Democrática del Congo, los historiadores calculan que murieron entre un par de millones y diez millones de personas debido a la hambruna, las enfermedades, los asesinatos y una reducción en la tasa de natalidad.
En gran medida se reconoce como una de las ocupaciones más sangrientas de la historia. (“La lista de masacres específicas registradas no tiene fin”, escribe Adam Hochschild en King Leopold’s Ghost [El fantasma del rey Leopoldo]. “El territorio estaba lleno de cadáveres, a veces literalmente”).
Los colonizadores belgas eran inusualmente bárbaros, pero el gobierno de otros países europeos que azotaron África fue distinto solo en cuanto a la escala, no en cuanto al estilo de ocupación, a lo largo de un amplio tramo del continente.
Joe Chacón, el diseñador de Scramble for Africa, fue acusado de no tratar la situación con la seriedad adecuada. En su juego, el salvajismo que era parte integral de esa exploración aparece de manera trivial y secundaria. Los jugadores deben sofocar rebeliones y pueden bloquear a sus oponentes incitando revueltas por parte de los nativos. Los sucesos aleatorios incluyen “castigos por haber cometido atrocidades” y recompensas por terminar con la esclavitud. Las matanzas son parte del juego.
“El Holocausto podría ser un tema para un juego de gestión de recursos, pero la mayoría de la gente lo consideraría con buena razón como algo reprobable”, escribió un usuario de BoardGameGeek. “La lucha por África, como episodio histórico, quedó marcada por la explotación, la apropiación de esclavos y el embrutecimiento de un grupo racial al que sus opresores a menudo consideraban menos que humanos”.
“La censura ocurre cuando la gente decide por ti con qué temas históricos puedes jugar y con cuáles no”, replicó otro usuario.
No obstante, en medio del debate, se encontraban preguntas novedosas y provocadoras acerca de quién diseña juegos, quién los juega, si son arte, qué puntos de vista se representan en ellos y qué responsabilidad tienen respecto de la verosimilitud histórica.
Estas ideas han sido esenciales en el análisis crítico de la literatura, la música, el teatro, el cine e incluso los videojuegos durante décadas, incluso siglos, pero apenas han comenzado a discutirse en el campo de los juegos de mesa.
¿Puede cancelarse un juego de mesa?
Gene Billingsley, propietario de GMT Games, el fabricante del juego, respondió a las críticas frenando la distribución del juego, dos meses después de su anuncio. “Me queda claro que el juego no se alinea con lo que la mayoría de los jugadores de eurojuegos quieren de nosotros, en cuanto a la temática y el tratamiento”, escribió en un correo electrónico dirigido a los clientes de GMT. (Ni él ni el diseñador del juego estuvieron dispuestos a hablar con The New York Times sobre el juego ni su experiencia). La mayoría de los eurojuegos están diseñados para maximizar la experiencia del juego, o su mecánica, y la temática es secundaria. Una crítica común de muchos juegos es que el tema parece agregado sin darle importancia. Puesto que a menudo se pone muy poca atención a la historia, el número de juegos modernos históricamente imprecisos o francamente racistas es cuantioso.
En el juego Puerto Rico —durante mucho tiempo clasificado como el mejor juego de mesa según los usuarios de BoardGameGeek— las piezas color marrón llamadas “colonos” desempeñan el papel que el pueblo taíno esclavizado tenía en el mundo real en Puerto Rico.
En un juego llamado Manitoba, los jugadores son líderes del clan cree; sin embargo, el juego cuenta de manera prominente con tótems, fabricados por los nativos americanos y los pueblos de las Primeras Naciones que vivían a miles de kilómetros de ahí. (Los diseñadores italianos del juego de Manitoba han defendido las imprecisiones, pero también señalaron que su editorial alemana eligió el tema).
Además, está King Phillip’s War, un juego sobre un conflicto particularmente sangriento del siglo XVII entre los colonos europeos y las tribus indígenas en lo que actualmente es Nueva Inglaterra. Después del lanzamiento del juego en 2010, Julianne Jennings, profesora de Antropología e integrante de la tribu cheroenhaka nottoway, organizó una manifestación en su contra.
John Poniske, el profesor de Ciencias Sociales de nivel secundaria que diseñó el juego, dijo que no cree que ninguna de las personas que se opusieron al juego haya visto una copia de las reglas, ni hablar de que lo haya jugado. “Todas las mañanas despertaba y leía más comentarios provenientes de todo el mundo”, comentó. “Fue fascinante, y también un poco aterrador”. Uno de los juegos de estrategia más vendidos de los últimos años es Spirit Island de Eric Reuss, en el que los jugadores adoptan el papel de distintos espíritus que cooperan para defender su isla ficticia en contra de los colonizadores.
Reuss dijo que diseñó el juego como una reacción a Puerto Rico y otros juegos que celebran el colonialismo; en Spirit Island las piezas que representan a los colonizadores son blancas, una decisión que invierte la suposición de que los colores claros son buenos y los colores oscuros son malos. Reuss cree que Scramble for Africa habría pasado desapercibido, sin críticas generalizadas, si se hubiera publicado hace unos años; está contento de que la gente esté hablando de sus defectos. “Tener una conversación contenciosa al respecto es mucho mejor que hace décadas cuando ni siquiera había un diálogo sobre el tema”, comentó.
La mayoría de los reseñadores de juegos de mesa recitan la mecánica de los juegos y cómo se juegan, pues solo buscan responder a las preguntas sobre si es divertido y vale la pena comprarlo. Pocos analizan críticamente los juegos o se preguntan qué están tratando de transmitir. El pasatiempo aún es demasiado pequeño, por lo que las reseñas negativas a menudo se consideran ataques personales contra los diseñadores.
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Cuando la realidad virtual empezó a competir con el sueño

Con las instalaciones artísticas, la ruptura de la cuarta pared en el teatro y las películas 3D o de realidad virtual, el arte y las experiencias culturales en general han vuelto a ser un espacio que nos rodea. cultu Parecen los canales de Venecia, pero es la plaza España de Barcelona. Estoy en el año 2068, la ciudad se inunda periódicamente a causa de los diversos cambios climáticos y un dron me advierte que debo abandonar esta zona de riesgo. Treinta años antes he visto cómo se había acelerado el deshielo en el Ártico; y en el siguiente salto temporal —esta vez de 25 años— comprobaré que una gran reserva de agua se ha convertido en una tierra yerma. The Zone of Hope es una experiencia de realidad virtual (RV) —producida por Mediapro para Aigües de Barcelona— que te hace sentir en carne propia las transformaciones del planeta si no disminuimos expeditivamente nuestras emisiones de CO2. Transformado en un avatar, caminas en grupos de cuatro por el futuro para sufrir el calor en tu piel y para ver con tus propios ojos cómo hacemos del planeta Tierra un gran desierto. “Los lenguajes inmersivos está en plena ebullición y hay una gran demanda, tanto en festivales como en diseño de espacios, de este tipo de formatos”, afirma David Xirau, director de Mediapro Exhibitions. “En nuestra división de diseño, donde buscamos constantemente nuevas estrategias, estamos ensayando con formas artísticas, como las que se ven en nuestra cúpula 360º del festival Sónar, que en el futuro nos permitan encontrar las soluciones narrativas y visuales que buscan nuestros clientes de todo el mundo”. Atravieso la plaza España —por suerte sequísima y soleada— y entro en el Sónar+D, la enorme sección del célebre festival de música electrónica que escanea en tiempo real las relaciones entre tecnología y artes a través de la inteligencia artificial, la computación cuántica o las variantes de la inmersión. Uno de sus espacios es “Sonar360º by Mediapro”, donde se proyectan producciones de esa compañía global de creación de contenidos innovadores (para plataformas como Amazon, HBO o Netflix). Es la reactualización de los planetarios que nacieron hace un siglo. Pero en los varios centenares de metros cuadrados que Sónar+D dedica a la inmersión se exploran también otros lenguajes y formatos. Destacan varias películas (o experiencias) para ver (o vivir) con gafas de realidad virtual; obras (o ambientes) en las que el arte se fusiona con el interiorismo, el turismo o el mindfulness; y MK Player360, el primer reproductor-proyector compacto de contenido inversivo 360º en espacios reales, tridimensionales, que acaba de comercializar Broomx, una empresa de esta misma ciudad. Si la inmersión en un universo ajeno ha sido desde siempre el objetivo del arte, las gafas de realidad virtual materializan una interfaz nueva que es al mismo tiempo una metáfora antigua. La de la mediación o tránsito entre dos dimensiones. La película de realidad virtual con vocación de estrella de esta edición del festival es To the Moon, de Laurie Anderson y Hsin-Chien Huang. Durante quince minutos sobrevuelas la Luna en un vértigo intelectual y sensorial, que incluye cráteres y visiones divinas, basura galáctica y esqueletos de ADN, surfeo sideral e impacto de un objeto en tu casco de astronauta. La hibridación de simulaciones verosímiles con estructuras mitológicas nos recuerda que la realidad virtual no tiene que ser necesariamente redundante, es decir, realista. Aunque entre las obras más premiadas de los últimos años se encuentren reconstrucciones milimétricas y sobrecogedoras como Carne y Arena (la experiencia en que Alejandro González Iñárritu sumerge al espectador en el cruce ilegal de la frontera entre México y los Estados Unidos) o The Last Goodbye (la película de Gabo Arora en que el espectador acompaña a Pinchas Gutter, superviviente del exterminio nazi, al campo polaco en que asesinaron a sus padres y a su hermana gemela), la capacidad de emocionar, de generar empatía, de conmover, de sumergirte en otro mundo, incluso cuando se trata de historias reales y extremas, se está desplazando —de hecho— hacia fórmulas de apariencia antirrealista. El impacto en el espectador de finales de la segunda década del siglo XXI de Eva Stories, el relato en primera persona a través de historias de Instagram de una adolescente judía durante los peores años del nazismo, pese a su estética anacrónica, es equiparable al de The Last Goodbye. Y me atrevería a decir que superior a los últimos intentos cinematográficos de narrar uno de los mayores agujeros negros de la historia de la humanidad, que ha agotado las fórmulas narrativas al uso y exige nuevas tácticas, más allá de sumar definición o realismo, para que su representación del horror extremo siga llegando a la conciencia moral —que es, para bien o para mal, también estética— del espectador. De las experiencias de RV que pudieron verse este año en el otro gran festival barcelonés sobre nuevas narrativas y sus intersecciones con la ciencia y la tecnología, el Kosmópolis del CCCB, la que mejor explica esa capacidad de comunicación profunda de un relato inmersivo abstracto y antirrealista es Zero Days VR, la simulación que te permite navegar por el ciberespacio y ver con tus propios ojos cómo podría ser una guerra protagonizada por virus informáticos, internet como campo de batalla. Ganó un Emmy por su traducción a la realidad gráfica de los ceros y los unos del documental Zero Days, de factura más clásica y —por eso— tal vez con menor fuerza de penetración. Aunque en las instalaciones como The Zone of Hope y en las zonas con gafas de RV de festivales como Sónar+D o Kosmópolis (por no hablar de los centros comerciales o los domicilios de los propios usuarios) esas experiencias sean individuales, la tendencia —como demostró el fenómeno Pokémon GO— es hacia lo colectivo. El mundo entero se está metamorfoseando en una gran plataforma de inmersión.
“En la mayoría de las experiencias culturales, se está dando un cambio en nuestra posición como lectores, usuarios, espectadores: hasta ahora existía una centralidad, que ocupaba el objeto cultural protagonista, y nosotros sabíamos dónde colocarnos, a qué distancia, siempre en un lugar más o menos pasivo”, dice José Luis de Vicente, comisario de Sónar+D. Pero ahora, en los ámbitos de la realidad virtual y de la realidad aumentada, del teatro inmersivo, de las nuevas formas de entender la experiencia museística o de las proyecciones 360º, se observa “una tendencia general a romper ese paradigma, para entrar en uno nuevo que yo llamaría la lógica cultural de la inmersión”.
Se trata de un vector que atraviesa transversalmente todas las capas de las vivencias culturales de la actualidad. Los vídeos 360º se han normalizado en las máquinas de los gimnasios y en las páginas de pornografía; y los escape rooms y la realidad aumentada se han vuelto opciones corrientes de ocio. Según De Vicente, se trata de la expansión de la naturaleza del “parque temático en todas sus variantes, incluida la que ha llegado hasta el arte, pienso en Meet Vincent Van Gogh, que se basa en la megapopularización de esa estrategia, que tiene una mina en los artistas marca para participantes que no van a galerías ni a museos de arte contemporáneo”. En el otro extremo del espectro tendríamos las instalaciones inmersivas de los más sofisticados artistas contemporáneos. De Vicente —de hecho— acaba de trabajar con Rafael Lozano-Hemmer en el impresionante proyecto interactivo Atmospheric Memory. Parece ser que la inmersión ocupa esa zona cada vez más ancha del presente que se va consolidando como futuro. Llevamos seis o siete siglos viviendo en una división entre la vivencia tridimensional de la experiencia cotidiana y la bidimensional de la experiencia de la representación. Entre la vida y el cuadro o la página.
Porque la vida siempre ha sido espacial y por tanto inmersiva; y la experiencia diaria tuvo una clara correspondencia con la artística desde las cuevas pintadas en la prehistoria hasta —al menos— las capillas románicas. Pero a partir de la invención de la pintura con perspectiva en el siglo XIV, y hasta las novelas gráficas o YouTube hoy, ha sido evidente el predominio de las superficies bidimensionales, iluminadas e ilusionistas —a su modo: mágicas—. Con las instalaciones artísticas, la ruptura de la cuarta pared en el teatro, las pantallas y los equipos de sonido envolvente, las películas 3D o de realidad virtual, en unas décadas de proliferación de macrofestivales y de parques temáticos, el arte en particular y las experiencias culturales en general han vuelto a ser un espacio que nos rodea. Por eso, como afirma De Vicente, hemos pasado “de la producción de obras al diseño de experiencias”.Del cuadro o la pantalla a las imágenes 360º y la realidad virtual hay un salto cuántico, que nos traslada de la ventana a la esfera. Hace dos años, el CEO de Netflix, Reed Hastings, afirmó que el gran competidor de la plataforma no eran Amazon o HBO, sino el sueño. Lo dijo en términos de tiempo y de dinero; pero en realidad, podría haberlo dicho también en clave tecnológica y ontológica.
Porque estamos en un momento de transición entre los relatos que exigen una mirada focalizada y los que son una atmósfera; entre las narrativas centradas y las narrativas constelación o archipiélago; entre las que suceden en un único dispositivo, ajeno, y las que nos implican y nos envuelven, como un sueño.
(THE NEW YORK TIMES)

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En el marco de su gira por Sudamérica,“llega Juan Wauters a Montevideo

Nacido en Montevideo pero residente en la ciudad de Nueva York desde el año 2002, Wauters vuelve para presentar sus dos nuevos discos que se acaban de editar en el primer semester del año a través del sello Capture Tracks. Titulados “La Onda de Juan Pablo” y “Introducing Juan Pablo”, estos son dos discos conceptualmente diferentes que muestran las diferentes facetas que viene desarrollando el artista. “Juan Wauters ya viene realizando conciertos en la ciudad de Montevideo en los últimos 3 años, presentándose en La Trastienda Club Montevideo y en el Auditorio Nacional del Sodre en el marco del Festival Montevideo Sound City.

Sus presentaciones no dejan de sorprender al público no solo por su original impronta compositiva sino por impredecibles shows en vivo.

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Manuscrito de «La Peste» de Camus sale de Francia, tan actual como en 1947

La Biblioteca Nacional Argentina cuenta con un invitado especial, el manuscrito de «La Peste» (1947), de Albert Camus, una obra referencia del siglo XX cuyas páginas originales salen de Francia por primera vez, tan actuales como en los años en los que el escritor combatió el nazismo.
»En un contexto donde esos fascismos, en Europa, en Brasil, en Estados Unidos, en la propia Argentina, están volviendo a tomar fuerza, (se trata de) releer y repensar la figura de Camus desde un lado más humanista porque era un gran humanista», dice a Efe el curador de la muestra, Tomás Schuliaquer, que se inauguró este viernes. Manuscrito
El manuscrito de «La Peste», de un alto valor económico y simbólico para la literatura francesa, salió de París acompañado por una persona, que lo custodió en todo momento, cruzó el Atlántico hasta Buenos Aires, y del aeropuerto fue directo esta semana a la sala del tesoro de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, donde se conserva en las condiciones ambientales adecuadas para un documento frágil y se expondrá durante tres meses.
Los argentinos serán los primeros que verán fuera de Francia un manuscrito del que sí puede disfrutar el público, a diferencia de la otra obra cumbre de Camus, «El extranjero», que la familia del escritor conserva a buen recaudo «en un banco», afirma Schuliaquer.
En Buenos Aires, el original de «La Peste» es el eje de una exposición que alberga 15 textos que Camus publicó en Sur, la editorial de la literata Argentina Victoria Ocampo, con la que fraguó una relación intelectual que perduró a raíz de una visita del escritor nacido en Argelia y que resultó en que muchas publicaciones suyas se publicaran por primera vez en castellano gracias a Ocampo. Se cumplen justo 70 años de ese viaje que Camus hizo por Suramérica, una travesía que, por lo que registró en sus diarios, fue pesada para él, pero que le dejó buenos momentos en la residencia de Ocampo, a las afueras de Buenos Aires.
Al igual que lo sucedido con varios actos que durante esta semana tuvieron lugar en la capital Argentina alrededor de Camus, ese aniversario es la excusa para una exposición que también muestra las relaciones del autor de «La Peste» con el fútbol, el teatro, la filosofía y la escritura literaria.
Un lugar especial tiene su papel como director de la revista Combat durante la resistencia francesa contra la ocupación nazi de París en la Segunda Guerra Mundial, momento clave para el pensamiento del intelectual de izquierda que queda reflejado en «La Peste».
Más allá de los análisis teóricos que pueden hacerse alrededor de la obra, tener el manuscrito delante genera otro tipo de reacciones. »El valor del manuscrito es poder ver las correcciones, ver las diferencias entre la obra final editada y la primera versión… Hay pequeñas cosas que están en la primera edición y que luego en los libros no aparecen, incluso descripciones de Orán, de la ciudad de Argelia donde sucede la novela, que luego son borradas», comenta el curador. Y además, «tiene el atractivo fundamental por otro lado del fetichismo por ver su letra, de ver sus anotaciones y de poder imaginarlo a él a principios de los 40 en condiciones precarias porque era en plena ocupación nazi».
Schuliaquer, como especialista en la obra de Camus, ve «La Peste» como un trabajo militante en contra del nazismo» que además condensa todo el «pensamiento filosófico» del autor, y que es opuesto a «El extranjero», que contiene una menor carga de reflexión en sus personajes. Camus, un pesimista que sostenía que las revoluciones nunca llevaban a buen puerto y que la tarea de su generación era sostener el mundo para que no se desintegrara, tuvo otra conexión más con Argentina poco antes de morir en la que añadió un elemento nuevo a su visión sobre el mundo. El 29 de diciembre de 1959, días antes de su fallecimiento el 4 de enero de 1960, una revista anarquista Argentina lo entrevistó y obtuvo una respuesta que, en los tiempos actuales, llama la atención de Schuliaquer. »Finalmente, lo que dice es que él cree en un mundo sin odio. Me parece que en un contexto donde el odio aparece tan fuerte y hay mucha violencia, xenofobia, homofobia y diferentes formas de violencias nuevas (…), releer a Camus desde esa óptica creo que le da una actualidad fundamental», hila.
Pablo Ramón Ochoa

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Plácido Domingo es señalado por acoso sexual

Ocho cantantes y una bailarina reportaron que la estrella de ópera las presionó para tener sexo; él asegura que las interacciones fueron “bienvenidas y consensuadas”. Plácido Domingo, de las figuras más grandes y poderosas de la ópera, fue acusado de cometer acoso sexual durante décadas, en un artículo publicado por The Associated Press (AP). El artículo citó a varias mujeres que acusan a Plácido Domingo de haberlas presionado para tener relaciones sexuales con él por medio de ofertas laborales y dicen que tomó represalias profesionales contra ellas cuando rechazaron sus acercamientos. PLACIDO
The Associated Press dijo que ocho cantantes y una bailarina dieron sus testimonios sobre acoso en diversos encuentros con Plácido Domingo a partir de finales de la década de 1980. Siete de ellas dijeron que su carrera se vio afectada después de rechazarlo.
Plácido Domingo, de 78 años, respondió a la agencia noticiosa en un comunicado que “las acusaciones de estas personas no identificadas, que se remontan hasta treinta años, son profundamente preocupantes, e inexactas tal como se describen”, pero añadió: “Aún así, es doloroso saber que puedo haber molestado a alguien o haberles hecho sentir incómodas, sin importar cuánto tiempo haya pasado y pese a mis mejores intenciones”.
También declaró que “las normas y estándares por los que se nos mide hoy, como debe ser, son muy diferentes de lo que eran en el pasado” y prometió atenerse “a los estándares más altos”.
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Domingo tiene una posición única en el mundo de la ópera. Después de saltar a la fama como tenor estrella —catapultado especialmente ante el público global junto con Luciano Pavarotti y José Carreras como parte de los Tres Tenores— también se volvió director. Además, fundó la prestigiosa competencia de artistas jóvenes Operalia y ha tenido puestos administrativos; fue director de la Ópera Nacional de Washington y sigue siendo director de la Ópera de Los Ángeles. También continúa su carrera como cantante, ahora barítono.
Las mujeres que hablaron con The Associated Press (todas excepto una mantuvieron su anonimato) dijeron que Plácido Domingo usó el poder de esas posiciones para buscarlas para fines sexuales; comentaron que las llamaba seguido y hacía citas con ellas con el supuesto de ofrecerles consejos profesionales. Una de las acusadoras le dijo a AP que Domingo le metió las manos por debajo de su falda; otras tres afirmaron que las besó indeseadamente en un camerino, una habitación de hotel y una reunión para almorzar.
Una cantante joven y casada le dijo a AP que Plácido Domingo se le insinuó varias veces en la Ópera de Los Ángeles en 1998, cuando la compañía anunció que él iba a ser el director artístico y ella dice que estaba empezando su carrera, y que Domingo después la llevó a su apartamento donde hubo “tocamientos” y “manoseo”.
“Estaba totalmente intimidada y sentí que decirle no a él sería como decirle no a Dios. ¿Cómo le dices que no a Dios?”, declaró, según The Associated Press.
La mujer comentó a AP que ella le pidió a Plácido Domingo que la dejara de llamar y aseguró que no la volvieron a contratar en la Ópera de Los Ángeles cuando él quedó a cargo de las decisiones de contratación.
Patricia Wulf, mezzosoprano y la única mujer citada por nombre en el artículo de AP, dijo en entrevista telefónica con The New York Times que sus experiencias negativas con Plácido Domingo ocurrieron desde 1998, cuando ella apareció en la La flauta mágica de la Ópera de Washington en momentos en que él era el director artístico.
Wulf dijo que Domingo la estaba esperando entre bambalinas después de un ensayo y que se le acercó: “Patricia, ¿tienes que ir a casa esta noche?”.
Según Wulf, ella se rio porque consideró que era una broma, pero que la situación se repitió varias veces. “Recuerdo que pensé: ‘Esto no es aceptable”.
Domingo no la tocó de maneras inapropiadas, dijo Wulf, pero ella se sentía tan incómoda en la ópera que él dirigía que se escondía en su camerino y hacía que una amiga la acompañara al auto para evitar encontrárselo. Wulf dijo que no reportó esa conducta de Plácido Domingo porque sintió que de hacerlo pondría en riesgo su propia carrera.
En la entrevista, comentó que constantemente rechazó los acercamientos de Domingo hasta que él dejó de buscarla dos años y medio después.
En su comunicado, que fue enviado a The Associated Press y después a The New York Times, Plácido Domingo dijo que todas las interacciones descritas le habían parecido consensuadas.
“Yo creía que todas mis interacciones y relaciones fueron siempre bienvenidas y consensuadas”, declaró Domingo, casado desde hace más de cincuenta años. “La gente que me conoce o ha trabajado conmigo sabe que no soy alguien que dañe, ofenda o avergüence a nadie a propósito”, aseguró.
Domingo tiene programada una actuación en un concierto este mes en el Festival de Salzburgo. La presidenta del festival, Helga Rabl-Stadler, declaró que esa actuación de Luisa Miller de Verdi por el momento no será cancelada.
“Conozco a Plácido Domingo desde hace más de veinticinco años”, dijo Rabl-Stadler en un comunicado. “Además de su competencia artística, me impresionó desde un inicio su tratamiento tan admirable de los empleados del festival. Se sabe cada uno de los nombres, nunca se olvida de agradecer a quien realice el servicio más pequeño por él. Si las acusaciones en su contra hubieran sido expresadas dentro de la Festspielhaus en Salzburgo, seguramente yo me habría enterado”.
Funcionarios de la Ópera de Los Ángeles y de la Ópera Metropolitana de Nueva York, compañías donde tiene programadas funciones esta temporada, no respondieron de inmediato a solicitudes para hacer comentarios. Tampoco lo hicieron oficiales de la Ópera Nacional de Washington.
Un portavoz de la Royal Opera House de Londres no respondió a preguntas sobre si Domingo todavía actuará ahí o no el próximo año, como tiene programado hacerlo. El portavoz indicó que a la compañía “no han llegado acusaciones respecto a los tiempos en que Plácido Domingo fue artista visitante o director”. Agregó: “Sin embargo, tenemos una política de cero tolerancia para cualquier tipo de acoso”.
(THE NEW YORK TIMES)

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‘Amor eterno’ se escucha en los velorios de El Paso

La canción de 1984 de Juan Gabriel, el Divo de Juárez, ha dado consuelo a los familiares y amigos de las personas asesinadas en el atentado del Walmart de El Paso, Texas.
Se canta o se toca en funerales y velorios, pequeños o grandes, y provoca que las personas lloren en casi cualquier contexto, desde los bares hasta los pasillos de supermercado. Es inevitable cantarla, y a menudo se hace tratando de contener el llanto. “Amor eterno e inolvidable”, dice la parte más conocida de la letra.foto cultu
Para millones de mexicanos-estadounidenses, mexicanos y cualquiera que conozca la época dorada de la música pop en México (la década de 1980), la canción “Amor Eterno” es el tema que siempre se escucha en las despedidas. Pero esta semana, después del atentado el 3 de agosto en una tienda Walmart en El Paso, la canción adoptó un significado más potente.
En redes sociales ha aparecido gente que canta “Amor eterno” en velorios y conmemoraciones improvisadas. El domingo 4 de agosto, un día después del tiroteo, un mariachi conocido como Puesta del Sol tocó la canción en un velorio interreligioso celebrado en Ponder Park en El Paso. En el sitio del tiroteo esa misma tarde, una periodista de Univisión capturó el momento en que una joven comenzó a cantar la letra ya conocida, temblando y sin dirigirse a nadie en especial, antes de limpiarse las lágrimas.
“La gente simplemente estaba llorando, tomándose de la mano, porque la canción es muy popular”, dijo Angélica Casas, camarógrafa de la BBC, que filmó a los mariachis en el velorio. Su video, publicado en Twitter, fue visto más de 330.000 veces en dos días.
Escrita por Juan Gabriel, la superestrella de la música que creció en la fronteriza Ciudad Juárez, “Amor eterno» es una balada de mariachi acompañada de guitarras que fue dada a conocer por la musa de mucho tiempo de Juan Gabriel, la cantante española Rocío Durcal. La letra dice: “Como quisiera que tú vivieras, que tus ojitos jamás se hubieran cerrado nunca y estar mirándolos… amor eterno e inolvidable”.
La cultura mexicana está llena de música que se toca en momentos de dolor, una característica de la identidad nacional que se ha transmitido a los mexicanos-estadounidenses nacidos en Estados Unidos aunque ya hayan asimilado el inglés o lo hablen de manera fluida, dijo Ernesto Chávez, profesor de Historia en la Universidad de Texas en El Paso.
“Mis padres son de Juárez y, aunque no soy un gran aficionado de Juan Gabriel, siempre lo invocan”, dijo Chávez, quien nació en Los Ángeles. “La única ocasión en que escucho ‘Amor eterno’ es en los funerales”.
Un mural de nueve pisos de Juan Gabriel recibe a los visitantes de El Paso a unas cuantas cuadras después de cruzar al sur a Juárez desde el puente Paso del Norte, señaló Chávez. Juan Gabriel nació en 1950 en el sur de México y fue criado en Juárez, donde es considerado hijo de la ciudad. Murió en agosto de 2016 en Santa Mónica, California, a los 66 años.
Para los ciudadanos de El Paso y los estadounidenses de ascendencia mexicana en general, el sentimiento de pérdida esta semana se intensificó cuando se reveló que las víctimas de El Paso fueron blanco de un tirador debido a sus orígenes étnicos y nacionales. Ocho de las veintidós víctimas de El Paso han sido confirmadas como ciudadanas mexicanas. Sus vidas fueron interrumpidas cuando visitaban Estados Unidos para realizar sus compras de regreso a clases.
La tragedia de El Paso fue uno de dos tiroteos masivos en Estados Unidos que ocurrieron a unas cuantas horas de diferencia en Texas y Dayton, Ohio, y causaron la muerte de 31 personas en total. Días antes, el 28 de julio, un tirador asesinó a tres y lesionó a trece más en Gilroy, California, en un festival del ajo. “Amor eterno” se cantó en un velorio en San José, California, celebrado en memoria de Keyla Salazar, de 13 años, quien fue asesinada en Gilroy, de acuerdo con un informe en The Salinas Californian.
Los atentados de El Paso y Gilroy se investigan como actos de terrorismo interno. De acuerdo con funcionarios federales, en los tres casos de tiroteo, los atacantes expresaron, o se dijo que estaban explorando, ideologías violentas.
A medida que se revela la identidad de más víctimas, y El Paso y Juárez se preparan para despedir a sus seres queridos en funerales, es probable que “Amor eterno” se escuche más en los próximos días, dijo Chávez.
“Le gente solo está tratando de encontrar un medio para expresar su luto, y creo que la canción se ha convertido en eso, básicamente”, comentó.
The New York Times

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Hoy, narraciones de Susana Barla

Cinco textos de la profesora Susana Barla ocupan hoy esta página destinada a la creación literaria de salteños. Ante la solicitud de algunos datos biográficos, comenta: “Nací en la década del 60. Hija de padres trabajadores, un solo hermano. Tuve la suerte de disfrutar de mis cuatro abuelos en las mesas de los domingos, las fiestas, cumpleaños y casamientos. Ninguno de mis familiares nombrados está físicamente conmigo pero los tengo siempre presentes en mis pensamientos. Fueron y continúan siendo los forjadores de mi cultura y valores. Asistí a la escuela Nº 9 y a los liceos Nº 3 y Nº 1. Cursé el IPA de Montevideo, recibiéndome de Profesora de Derecho. A su vez, estudié Licenciatura en Sociología en la UdelaR, no habiendo culminado la carrera. Durante 38 años desempeñé la docencia en forma efectiva, así como también fui Orientadora Pedagógica y Directora en distintos liceos de Salto.CULTURA. SUSANA BARLA Contraje matrimonio, tuve un hijo, luego me divorcié; hoy estoy en pareja. Siempre he sido inquieta, me motiva el aprendizaje, las causas de todo, de lo visible y lo no visible. Estudié sobre lo gnóstico, lo metafísico, el reiki, y yoga; siempre considerando el aprender como la brújula que siempre orienta al norte para mostrar el camino. Estudié la filosofía occidental pero me cautivó y enamoró la filosofía oriental. Actualmente estoy jubilada pero realizo varias actividades como teatro, zumba, yoga, cerámica y ajedrez. Tengo muchos más proyectos de actividades a futuro porque siempre estoy evaluando, y a estas alturas más, que la vida me debe mostrar más de lo que hay escondido en ella y por eso seguiré investigando”.

NARRACIÓN 1
A Marosa

Yo…yo conocí a Marosa. La recuerdo y la veo en el Sorocabana, hoy Trouville.
Mamá me llevaba de la mano y yo quería seguir mirándola.
Era una mujer grandiosa, sentada en una silla, siempre usando la misma mesa, cruzada de piernas, anteojos oscuros, cinto que apretaba una cintura pequeña.
Luego fui señorita y seguía pasando para verla. Y ella me marcó. Había que tener personalidad para estar sola en una mesa en aquellos años…y cuánto aprendí de ella, claro… si no hacía daño a nadie.
Y ella estaba allí sentada, parecía que no miraba a nadie o miraba todo y a todos, y siempre con un libro en sus manos. Y parecía enamorada de su café, de su aroma, de su olor, lo revolvía lentamente, suavemente. Marosa y su café.

NARRACIÓN 2
Mi Dios

Eres mi padre, eres el origen, el alfa y el omega.
Que estás en los cielos, dice el padre nuestro.
Que todos somos hijos tuyos, que siempre estás, en todo,
Con mucho respeto mi Dios y con miedo confieso…
Me confieso discrepar contigo,
Me confieso no entenderte,
Me confieso no entender,
Que todo es tu voluntad,
Que si pasa algo o no pasa es tu voluntad.
Entonces… ¿somos títeres tuyos?
¿Somos personas con libre albedrío o no?
¿Ya está todo escrito?
Racionalmente no entiendo a mi Dios.
Espiritualmente….siento que mi Dios existe.
Sucede que a veces no lo entiendo.

NARRACIÓN 3
Pérdidas

Siento que la vida es una pérdida.
Que cada minuto, segundo, nos acercamos más a la muerte.
Tenemos pérdidas personales, económicas, espirituales.
Sin embargo, también podría decir que la pérdida es una ganancia porque acumulamos vivencias, experiencias, plenitud, vida, alegrías, y tristezas.
Al vivir en acción, avanzamos, pero también vamos perdiendo.

NARRACIÓN 4
Hambre

Pasamos por momentos únicos, inolvidables.
Momentos de armonía y sabiduría.
Momentos de alegría interior, muy intensa.
¿Cuándo? ¿Dónde? ¿Por qué?
Iglesias vacías, bosque, sonido del viento, cataratas de agua,
Meditación, oración, contemplación,
Sonido del mar en la mañana.
Ruido del mar bravío, picado,
Ruido del mar tranquilo.
Contemplar las diferentes siluetas de la luna,
Hoy siento hambre de esos momentos,
Los puedo ver o sentir en los oídos todos los días.
Pero hambre tengo de tener y sentir esa sintonía con estos momentos y lugares; algo así como poner el dial o la frecuencia con estos
momentos y lugares.

NARRACIÓN 5
Momentos

En estos días de hermoso frío.
Disfrutando de un sol tibio, suave, potente.
Sin dolor, en paz, con el presente, con el pasado, con el futuro,
Sentí…eso…esto….LA FELICIDAD.
Abrí los ojos y sentí… sentí…paz.
No fue momento de oración.
No fue momento de meditación.
No fue momento de familia.
Fue un momento donde sentí la conexión conmigo misma y con el más allá y con el más acá. Fue eso…que hice el viaje…solo por pocos minutos…el viaje más hermoso de la vida que mide 30 centímetros. El que va del corazón a la mente y de la mente al corazón. Y digo yo… ¿si el corazón pensara y la mente sintiera? Y en ese instante…el sentir y el razonamiento se encontraron…Y FUE UN HERMOSO MOMENTO.

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Un encuentro con Leonardo da Vinci La Galera presenta hoy “La máquina de volar”

El estreno será hoy domingo, a la hora 20:00 en el salón principal de la Sociedad Italiana. “El grupo teatral LA GALERA propone una experiencia única… –dicen sus integrantes-, un encuentro cara a cara con el arquetipo del hombre universal: Leonardo da Vinci”. A 500 años de su muerte, el grupo teatral salteño presenta a obra La máquina de volar.
Inspirada en su última biografía, esta pieza teatral, del mexicano Humberto Robles, aborda el último tramo de la vida de Leonardo da Vinci en un castillo francés donde tiene como discípulo al joven Francesco Melzi. Allí Leonardo hace un breve repaso de sus inventos y cómo cree que pasará a la historia. También nos habla sobre los procesos creativos yDa Vinci el vínculo con sus obras más célebres (La Gioconda, La última cena, el Hombre de Vitrubio y muchas más).
Sin embargo, es la Máquina de Volar ese último gran proyecto que lo lleva a desafiar lo imposible, donde pondrá a prueba su infinito ingenio e imaginación sin límites. Y es que, en realidad, el espectador descubre que la verdadera máquina de volar es el mismo ser humano, esa máquina perfecta elevada hasta el infinito, capaz de lograr lo aparentemente quimérico. Una nueva apuesta de LA GALERA por el arte local, esta vez con la figura de quien es considerado símbolo del hombre del Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista, cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva. El local de la Sociedad Italiana se transforma en el Taller de Leonardo, en el refugio de sus obras, su talento y sus ideas, y del encuentro intergeneracional con Francesco, su discípulo, y el espectador se convierte en el testigo preferencial de ese encuentro.
Dirección general: Gonzalo Pose.
Reparto: Ricardo González Vetey – Jona Luzardo

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A los 53 años falleció Claudio Taddei

Este viernes falleció en Suiza, donde residía, el destacado y popular músico y artista plástico Claudio Taddei, lo que causó una honda congoja en el ambiente cultural uruguayo y entre los miles de seguidores que su arte había cosechado tanto en nuestro país como en el extranjero. Transcribimos a continuación una muy precisa biografía publicada el mismo viernes por el portal Subrayado. Había nacido en Minas en 1966 y vivió gran parte de su vida en Suiza, el país de origen por la rama paterna y adonde la familia se radicó debido al adTaddeivenimiento de la dictadura militar. Él y su hermana Rossana, también reconocida música, vivieron parte de su infancia en Agno, una localidad de 6.000 habitantes en el Ticino, el cantón donde se habla italiano.En 1981 regresó a Uruguay para terminar el liceo y entre 1986 y 1990 estudió en la escuela de Bellas Artes, un centro en el que confirmó su vocación por las artes plásticas y el diseño. Fue docente en UTU al tiempo que construía una carrera como cantante y compositor En 1984 ganó en el festival de La Paz, por entonces una referencia a nivel de la canción uruguaya. En la post-dictadura fue una figura en la escena musical. En 1987 fundó junto a otros el grupo Camarón Bombay, que mezclaba funky y soul, ritmos que continuó cultivando durante toda su carrera. No le gustaba su voz y creía que su estilo no encajaba del todo con el rock de garage que se ejercía en Uruguay. Sin embargo su estilo era irrenunciable.
En 1995, Taddei publicó el disco La iguana en el jardín, que tenía Why did you do it?, un clásico de los años 70, en la que cantaba junto a Ruben Rada. En 1997 publicó el disco Cebras, nácar y rubí, calificado como candombe dance. Allí Taddei aparecía maquillado en su estilo desenfadado e histriónico. En 2002 le detectaron un tumor en una pierna. Fue operado y desde entonces caminaba con ayuda de bastón, sin perder el buen humor y el optimismo. En 2003 editó el disco Para el sur el norte está lejos que fue una suerte de despedida y cambió de frente. Taddei regresó a Suiza. En 2006 saca Puerto Mestizo en el que muestra su pertenencia a sus dos lugares en el mundo.
Desde hace algunos años vivía entre Montevideo y su residencia en Caslano, un apacible pueblo a orillas del lago Lugano, en la frontera entre Suiza y el norte de Italia. En los últimos años, volvía cada tanto a la escena uruguaya con shows en los que mezclaba sus actividades como pintor y músico. Alternaba esas incursiones con conciertos en Europa. Llegó a tocar en Lugano, Montreaux y otros festivales prestigiosos. En 2013 salió a luz Intuitivo, producto de ese período. Fue grabado en Il Rivellino de Da Vinci, en Locarno, con la única asistencia de sonidista Mauro Fiero y el seguimiento del cineasta Stefano Ferrari. En 2015 volvió a Montevideo con «Presencias», otra muestra pictórica en la que dio rienda suelta a su costado performático. 2018 lo agarró plenamente volcado a las artes plásticas. A principios de ese año usufructuó una residencia en el Museo Joaquín Torres García, donde expuso algo más de veinte obras bajo el título CrHomoSónica. En 2019 comenzó una gira para dar a conocer “Natural”, su último disco. A principios de año presentó en Subrayado su tema «Primitivo». Por este trabajo está nominado a los Premios Grafitti.

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El día que Santana alucinó (literalmente) en Woodstock

Después de probar la mescalina que le dio Jerry Garcia y de que su concierto fuera adelantado, el músico cuenta que dijo antes de subir al escenario en 1969: «Tan solo ayúdenme a tocar afinado y a tiempo».
«Cuando les pregunto a los músicos de Woodstock qué presentaciones les gustaron, de inmediato citan a Santana como uno de los mejores momentos», dijo Andy Zax, coproductor de Woodstock — Back to the Garden: The Definitive 50th Anniversary Archive, una colección colosal de 38 discos compactos lanzada el 2 dsantanae agosto.
Santana, una banda psicodélica de San Francisco que incorporaba polirritmos latinos y africanos al blues-rock, era uno de los grupos menos conocidos en Woodstock. Fue añadido al festival principalmente porque el mánager Bill Graham, quien también era el promotor de conciertos más poderoso del país, los impuso en el concierto.
Cuando Santana se presentó a las 2 de la tarde del sábado, la multitud se asombró por la manera precisa y ágil con que tocaba la guitarra Carlos Santana, el líder de la banda, así como la sección rítmica que incluía a dos percusionistas, en ese entonces algo poco común en las bandas de rock.
En una conversación telefónica desde su oficina en San Rafael, California, Carlos Santana habló sobre cuáles fueron las dos bandas que sonaron mejor que Santana ese día, por qué Woodstock fue un glorioso experimento social y cómo un cambio en la programación hizo que subiera a tocar mientras estaba alucinando. A continuación, los fragmentos editados de la conversación.
Estamos hablando de algo que sucedió hace 50 años. ¿Tienes buena memoria?
Sí, heredé eso de mi madre. Tengo una memoria bastante fotográfica cuando se trata de la música y las melodías.
La banda aún no había lanzado su primer álbum. ¿Cómo pudieron presentarse en Woodstock?
Bill Graham, nuestro mánager, fue mi primer arcángel. Hay algunas personas que me abren grandes puertas en el momento y el lugar correctos. Bill nos invitó a su casa en Mill Valley. Aún estábamos viviendo en [el distrito de] Mission en San Francisco. Nos dijo: «Habrá un concierto que les va a cambiar la vida. Necesito que me escuchen muy bien: después de este concierto, la gente comenzará a verlos como The Doors y Jimi Hendrix. Se meterán en problemas porque sus egos aumentarán tanto que necesitarán que alguien les ponga los pies sobre la tierra».
Nosotros hicimos un gesto de fastidio y le dijimos: «Bill, venimos de Mission. No creemos en ser estrellas de rock».
Muchas bandas tuvieron grandes retrasos antes de sus presentaciones. Pero a Santana la apresuraron a salir al escenario, ¿no?
Cuando llegamos, la primera persona que vi fue a mi hermano y amigo Jerry Garcia. Parecía uno de esos yoguis que viven en una cueva del Himalaya. Tenía una apariencia de beato, como si todo estuviera bien para él. A mí eso me hacía sentir seguridad y confianza, era como si estuviera en un santuario.
Nos habían dicho que íbamos a presentarnos dos bandas después de Grateful Dead. Me dijo: «Bueno, amigo, es mejor que te pongas cómodo porque, al parecer, no vamos a presentarnos sino hasta la una de la mañana. Es un desastre. Y, por cierto, ¿quieres probar un poco de esto?». Era mescalina. Yo le respondí: «A ver, son las 12:30 del día. Para cuando den las dos de la mañana, estaré bien». Solía consumir LSD y mescalina, así que sabía cuánto tiempo me tomaría. Después de ocho o diez horas, entras en lo que llamamos el estado de ameba. Tus ideas se vuelven muy galácticas, universales y microscópicas.
Dos horas después de que la tomé, había un rostro frente a mí que decía: «Deben subir al escenario ahora mismo; si no, no podrán tocar». Para ese momento estaba muy drogado, ¿sabes? Simplemente me aferré a mi fe y a lo que me enseñó mi mamá. Les pedí una y otra vez: «Tan solo ayúdenme a tocar afinado y a tiempo».
Supongo que, en 1969, la mescalina de Jerry Garcia era muy potente.
Ah, lo era. Ellos me habían drogado un año antes. Me tomó dos o tres días coordinarme después de eso. Me habían bautizado en la expansión de conciencia, como le digo yo, así que eso no me asustó. Ya sabíamos que tenían la reputación de drogar a otras bandas y, como íbamos a abrir su concierto en Las Vegas, me aseguré de lavar muy bien una lata de Coca-Cola que iba a beber. Pero lo que no sabía es que sabían cómo inyectar las latas de refresco. Así que tocamos en nuestra presentación y nos fuimos. En el camino del aeropuerto al avión, el pasillo se hacía cada vez más largo. Los colores de la alfombra y del muro comenzaron a brillar como lava. Pensé: «Caray, me drogaron». Cuando me senté en el avión, miré por la ventana mientras despegábamos, y las luces de Las Vegas parecían jeroglíficos aztecas [se ríe]. Pensé: «Esto será intenso».
Cuando estabas en el escenario en Woodstock, ¿estabas alucinando?
Totalmente. Me delata mi lenguaje corporal. Tuve problemas con la guitarra, no como un luchador, sino como un surfista, tratando de mantener y continuar el equilibrio. Esa es la clave de todo en la vida. Aunque estés sobrio o drogado de mescalina, mantén tu compostura y tu equilibrio.
Ahora todos dicen que fue una gran presentación. Pero en ese momento, ¿qué reacción provocaron en el público?
Fue como ver a niños negros, morenos y blancos pobres en Harlem River Drive el día más caluroso del verano, y después observar a alguien que abre una toma de agua fría. ¡Nos sentimos felices!
Llegamos con las congas y la audiencia pensó: «Ah, esto es como estar en Hippie Hill o en la fuente [de Central Park] en Nueva York». Podías fumar marihuana y escuchar las congas, y la música te daba ganas de celebrar, no pensabas en el miedo, en Vietnam ni en Nixon ni en nada de eso.
Fue un momento hermoso y lo recordaré hasta el día que muera. Fui testigo, con mis propios ojos y mi corazón, de que la gente puede llevarse bien, con unidad y armonía. Sin peleas. Compartían granola, una cobija o lo que fuera. Pude ver que los seres humanos son capaces de coexistir con benevolencia. Por eso es que aún hablamos de Woodstock, amigo.
¿Quiénes hicieron las mejores presentaciones?
Solo hubo tres bandas que recuerdo que lo dieron todo. Si tocas como Buddy Rich o Miles Davis, tocas como si de eso dependiera tu vida. Sly and the Family Stone para mí fueron los número uno. Jimi Hendrix es el número dos. Todos los demás tienen que combatir con nosotros para obtener el tercer lugar.
Lo que aportamos básicamente fueron los ritmos africanos y la melodía. Después de Woodstock, todas las bandas de pronto comenzaron a tocar con congas. Miles tenía congas. The Rolling Stones tenían congas. Porque vieron que combinar congas con guitarras era una gran fórmula, ¡sobre todo con las mujeres!
Para ti, ¿cuál fue el mejor momento de Santana en Woodstock?
El mejor momento fue cuando despertamos a la audiencia, aunque era de tarde. Fue una bocanada de aire fresco, porque la música de Santana se conecta con África, y siempre te hace sentir feliz. La felicidad es lo opuesto al miedo. Ahora mismo, todos están vendiendo el miedo, desde el presidente hasta Hollywood.
¿Sabes qué? Esta es la mejor parte de la entrevista, amigo. Espero que The New York Times pueda ayudarnos a tener un Woodstock en todas las ciudades, todos los fines de semana. Porque necesitamos los colores. Necesitamos los globos. Necesitamos las parrilladas. Filipinos, irlandeses, italianos… solo necesitamos que todos se conviertan en una criatura que celebre el hecho de estar viva.
Sé que la gente dice: «Santana tomaba mucho ácido». Bueno, ¡quizá el problema es que ustedes no han consumido nada en absoluto! Ustedes ven lo que es, yo veo lo que puede y debería ser, es decir, lo que sentimos cuando derribaron el Muro de Berlín o cuando Mandela fue liberado. De eso se trató Woodstock: una conciencia colectiva, la comunidad, la unidad, la armonía, la celebración.
Bill Graham predijo que la banda sería devorada por el ego después de Woodstock.
(THE NEW YORK TIMES)

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Una “Oración por Marilyn”

El pasado lunes se cumplió un año más de la muerte de Marilyn Monroe. El 5 de agosto de 1962 fue encontrada muerta en su casa en Hollywood, en raras circunstancias y por causas confusas, aunque el informe final declarara suicidio. Norma Jean Baker era su verdadero nombre. Desde casi niña, por las dificultades económicas que acuciaban a la familia, debió trabajar en diferentes tareas. Se dedicó más adelante al modelaje y después fue el turno del estrellato cinematográfico. Había nacido el 1º de junio de 1926, y fue en algún momento considerada la mujer más sexy de su siglo. El poeta y sacerdote nicaragüense Ernesto Cardenal la imaginó llegando al cielo. Y escribió estos versos:

ORACIÓN POR MARILYN MONROE

Señor
recibe a esta muchacha conocida en toda la Tierra con el nombre de Marilyn Monroe,
aunque ése no era su verdadero nombre
(pero tú conoces su verdadero nombre, el de la huerfanita violada a los 9 años
y la empleadita de tienda que a los 16 se había querido matar)Marilyn Monroe
y que ahora se presenta ante ti sin ningún maquillaje
sin su Agente de Prensa
sin fotógrafos y sin firmar autógrafos
sola como un astronauta frente a la noche espacial.
Ella soñó cuando niña que estaba desnuda en una iglesia (según cuenta el Times)
ante una multitud postrada, con las cabezas en el suelo
y tenía que caminar en puntillas para no pisar las cabezas.
Tú conoces nuestros sueños mejor que los psiquiatras.
Iglesia, casa, cueva, son la seguridad del seno materno
pero también algo más que eso…
Las cabezas son los admiradores, es claro
(la masa de cabezas en la oscuridad bajo el chorro de luz).
Pero el templo no son los estudios de la 20th Century-Fox.
El templo -de mármol y oro- es el templo de su cuerpo
en el que está el Hijo del Hombre con un látigo en la mano
expulsando a los mercaderes de la 20th Century-Fox
que hicieron de tu casa de oración una cueva de ladrones.

Señor
en este mundo contaminado de pecados y de radiactividad,
Tú no culparás tan sólo a una empleadita de tienda
que como toda empleadita de tienda soñó con ser estrella de cine.
Y su sueño fue realidad (pero como la realidad del tecnicolor).
Ella no hizo sino actuar según el script que le dimos,
el de nuestras propias vidas, y era un script absurdo.
Perdónala, Señor, y perdónanos a nosotros
por nuestra 20th Century
por esa Colosal Super-Producción en la que todos hemos trabajado.
Ella tenía hambre de amor y le ofrecimos tranquilizantes.
Para la tristeza de no ser santos
se le recomendó el Psicoanálisis.
Recuerda Señor su creciente pavor a la cámara
y el odio al maquillaje insistiendo en maquillarse en cada escena
y cómo se fue haciendo mayor el horror
y mayor la impuntualidad a los estudios.
Como toda empleadita de tienda

soñó ser estrella de cine.
Y su vida fue irreal como un sueño que un psiquiatra interpreta y archiva.
Sus romances fueron un beso con los ojos cerrados
que cuando se abren los ojos
se descubre que fue bajo reflectores
¡y se apagan los reflectores!
Y desmontan las dos paredes del aposento (era un set cinematográfico)
mientras el Director se aleja con su libreta
porque la escena ya fue tomada.
O como un viaje en yate, un beso en Singapur, un baile en Río
la recepción en la mansión del Duque y la Duquesa de Windsor
vistos en la salita del apartamento miserable.
La película terminó sin el beso final.
La hallaron muerta en su cama con la mano en el teléfono.
Y los detectives no supieron a quién iba a llamar.
Fue
como alguien que ha marcado el número de la única voz amiga
y oye tan solo la voz de un disco que le dice: WRONG NUMBER
O como alguien que herido por los gangsters
alarga la mano a un teléfono desconectado.

Señor:
quienquiera que haya sido el que ella iba a llamar
y no llamó (y tal vez no era nadie
o era Alguien cuyo número no está en el Directorio de Los Ángeles)
¡contesta Tú el teléfono!

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Domenico Dolce y Estefano Gabanna venden su villa de Strombolli

La pareja de diseñadores Domenico Dolce y Stefano Gabbana venden su villa le lujo, una superficie de más de 500 metros cuadrados ubicada en la isla siciliana de Stromboli, a la que se puede acceder en barco o helicóptero, y donde la construcción típica local se aúna con interiores del característico estilo de los diseñadores. La residencia, está situada sobre un pedazo de roca que bordea el mar, y surge de la fusión de tres edificaciones locales típicas de la isla en color blanco, que se sitúan a pie de mar y en plena naturaleza, ubicadas entre el volcán «Iddu» y la pequeña isla de Strombolicchio, una pequeña superficie volcánica. Nueve baños, siete dormitorios, y terrazas panorámicas que dibujan el perfil rocoso de la isla son parte de la residencia de lujo, que también cuenta con un acceso directo al mar, distintas zonas de relax externas y un helipuerto a menos de un kilómetro de distancia. Sede de las fiestas de los diseñadores en los años noventa Del total de la villa, casi trescientos metros son exteriores, conformados por jardines de estilo mediterráneo y por la naturaleza salvaje de la isla, además de las múltiples terrazas a pico que han acogido a los diseñadores cada verano, y también a sus fiestas exclusivas durante los años noventa, a las que acudían celebridades como Naomi Campbell oMadonna. Los interiores, fueron reformados siguiendo el particular e icónico gusto de los diseñadores, en los que pueden verse muebles antiguos de estilo siciliano y prendas textiles con sus características estampaciones coloridas, además de elementos de la artesanía local como cortinas de encaje o piezas de cerámica pintadas a mano. Cada estancia, decorada según una temática y un color diferente, muestra de forma minuciosa el estilo propio de los diseñadores, que siempre han tenido Sicilia como uno de sus lugares inspiracionales preferidos a la hora de crear sus colecciones, trasladando a estas el aire Mediterráneo que las caracteriza. Una villa de lujo retirada del bullicio que ha sido protagonista de las campañas de la firma Dolce & Gabbana, contando con la impronta de la pareja de creadores en su estética y cuya venta ha sido anunciada por la inmobiliaria italiana de lujo Lionard Luxury Real Estate. EFE

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Chanclas (chancletas), moda democrática que apoya el arte

Desde algunas temporadas atrás, las chanclas comulgan además de con la funcionalidad, con la estética, ya que se consolidan como calzado estrella en estilismos de calle, demostrando que un calzado, a primera vista tan simple, puede marcar la diferencia.
Merel Werners, directora de marketing de la firma Havaianas en EMEA (Europa, Oriente Medio y África), en una entrevista a Efe asegura que se trata de un calzado que «ha pasado de usarse para fines muy específicos a vestir círculos de moda».
Werners, como responsable de producto de una de las marcas que se consolidan como las más icónicas de este tipo de calzado, detalla que en la actualidad, las chanclas visten «a trabajadores humildes en Brasil pero también a personas influyentes en la moda».
Sobre este cambio en la percepción del calzado acuático por excelencia Werners lo tiene claro: «nosotros no cambiamos el producto pero le decimos al consumidor que se pueden llevar en cualquier ocasión», reflexiona.
Un cambio que está siendo muy «significativo», de forma que las chanclas también visten a los personajes más populares de las primeras filas en desfiles de moda.
Así, la conocida periodista de moda Sophie Fontanel optó por combinar este calzado con una falda de Hermés y un top de Yves Saint Laurent para acudir al desfile de la firma Fendi en la última semana de la moda de París.
«Desde hace algunos años tenemos una unión muy fuerte con el mundo de la moda, hemos hecho una colaboración con Yves Saint Laurent, pero también nos llamó Missoni o Valentino», cuenta Werners.
Este vínculo puede ser, entre otros, una de las claves de éxito de la firma, que no solo se aúna con la moda sino también con el arte, colaborando desde sus inicios con artistas locales de Brasil, país de origen de la marca.
Ahora, la iniciativa artística se expande con un proyecto que comenzó el pasado año en Hawai y que ahora llega a Ibiza, Mykonos y Tel Aviv: Local Soul.
En este, la firma se vincula a artistas locales de estos lugares, que son los encargados de diseñar los modelos del proyecto. El resultado son unas chanclas exclusivas que solo se venden en las localizaciones elegidas, para así mantener la «esencia de la idea».
«Para realizar los diseños, han tenido carta blanca, y la variedad ha sido asombrosa» relata Werners sobre las propuestas, de las cuales una de ellas ha visto la luz en Ibiza y cuyo diseño ha sido realizado por Ibiza World Family, una de las firmas de moda más emblemáticas de la isla por su estilo propio de aire hippie.
«En las chanclas se puede ver un dibujo de la playa de Benirrás, una de las costas más conocidas de Ibiza», cuenta la directora de marketing sobre el nuevo proyecto de la firma, que sesenta años después de su creación encuentra la clave del éxito en «el buen hacer» y en mantenerse fieles a «los valores de la marca».
Una marca que tiene presentes sus orígenes, que se remontan a los barrios más pobres de Brasil, vistiendo los pies de los trabajadores humildes que no podían permitirse comprar otro calzado. A día de hoy, el producto «se sigue fabricando en Brasil» y mantiene como referencia «ser una marca democrática de estilo desenfadado y veraniego; cualquiera puede llevar un par de Havaianas».
En plena campaña del proyecto «Local Soul» y posicionados como una de las firmas de calzado acuático más conocidas, la holandesa apunta que su reto sigue siendo el mismo: «que la gente se quite las zapatillas para ponerse las chanclas con una sonrisa», detalla.

Por María Muñoz

 

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¿Cómo se preserva una danza mexicana en Brooklyn? Con la inclusión de mujeres

En una acera de Sunset Park, Brooklyn, en las inmediaciones de la iglesia de San Miguel, Maritza Xalanda, de 13 años, le pidió a su madre que la ayudara a ponerse una máscara gigante para completar su disfraz de anciano con una nariz gruesa y una larga barba blanca.
Ella y una docena de niños se reunieron con sus padres a fines de junio para interpretar la danza de los tecuanes (la danza de los jaguares), un baile mexicano que mezcla rituales indígenas y católicos.
Maritza le rinde un homenaje a su patrimonio cultural y, al mismo tiempo, desafía cientos de años de tradiciones. Hace varias décadas, cuando los primeros inmigrantes mexicanos llegaron a Nueva York desde el estado mexicano de Puebla, trajeron con ellos el baile, que tiene raíces indígenas chichimecas y zapotecas.
Según la tradición solo los hombres interpretan a los tecuanes, que representan una cacería de jaguar, y los ancianos tocan la música con una flauta dulce y un tambor. La participación de mujeres y niños era considerada un tabú.
Muchos se apegaron a las viejas costumbres al limitar la participación a los hombres. Luego, hace tres años, Jeffrey Pérez creó Los Tecuanes de San foto cultuJuan Bautista, un grupo de baile ubicado en Borough Park.
Pérez, de 45 años, quien es originario de Chinantla, Puebla, pero ha vivido en Nueva York desde 2004, ha sido un fiel seguidor del baile y quería enseñarles a sus hijos pequeños, nacidos en Brooklyn, sobre su importancia.
Su hijo, ahora de 10 años, aprendió a tocar la rítmica música de la flauta de oído y esperaba tocar, lo que estaba mal visto debido a su edad. Su hija, Ashley, ahora de 13 años, quería aprender la coreografía, pero ningún grupo lo permitía.
Al sentirse rechazado, Pérez empezó a idear una solución. Ahora su grupo tiene treinta bailarines: veinte son mujeres y niñas; diez son hombres y niños.
«Quería que mis hijos aprendieran de dónde son», dijo Pérez, recordando cómo le enseñó a su hijo, también llamado Jeffrey, a tocar la flauta con videos de YouTube. Ahora está involucrada toda su familia, incluida su esposa, Antonia Morales, quien a veces hace el papel del toro.
Adalberto Vázquez, de 38 años, quien trabaja en una fábrica de empaques, ha estado involucrado con los Tecuanes desde que llegó a Nueva York a mediados de los años noventa. Ahora baila con la agrupación de Pérez porque se disolvió otro grupo en el que participaba.
«En Puebla, el baile discrimina a las mujeres», dijo Vázquez. «La idea siempre fue que las mujeres son una distracción para los hombres». Sin embargo, el bailarín afirma que en la nueva generación de inmigrantes, la participación de las mujeres se ha vuelto más importante. «Para mantener viva la tradición, necesitamos involucrar a quienquiera que esté aquí», dijo.
Los bailarines usan grandes máscaras de madera pintadas con colores brillantes en sus presentaciones. El 30 de junio, la iglesia celebraba a san Juan Bautista y los bailarines dirigieron una procesión del santo por la Segunda Avenida y la Calle 48 hasta llegar a un espacio habilitado para eventos en un almacén industrial.
La madre de Maritza, Adriana Castillo, se aseguró de que su disfraz se ajustara bien antes del show. Antes, Castillo había ayudado a su hija a vestirse con un chaqueta y pantalones negros bordados con el color de la bandera mexicana para usar con su máscara.
Frente a la creciente atención de los medios de comunicación en torno a la represión de la inmigración por parte del presidente Donald Trump y los comentarios burlones sobre México, Castillo dijo que quería que su hija pequeña honrara su ascendencia mexicana. Ella viaja todas las semanas de Queens a Brooklyn con cinco de sus siete hijos para ensayar el baile.
«Cuando vienes a los Estados Unidos sufres mucho racismo porque eres hispano», dijo Castillo, quien ha vivido en Nueva York durante veinte años y trabaja en una lavandería. «Lo único que quiero es que mis hijos estén orgullosos de quiénes son, para que sepan todas las cosas buenas de ser mexicanos y vean esa cultura como algo positivo».
El baile presenta una serie de personajes (un demonio, una bruja, un perro, un toro, una cabra y un burro) que luchan contra el jaguar, quien es derrotado en el choque final con la muerte, un personaje interpretado por un bailarín que lleva una máscara de calavera.
Las figuras principales danzan dentro y fuera de las líneas de bailarines, que usan máscaras de hombres viejos como las de Maritza. Los hombres enmascarados representan a terratenientes y agricultores. Castillo a veces participa y encarna al personaje de la bruja.
En vez de solo bailar durante la celebración anual de la Virgen de Guadalupe, como hacen otras agrupaciones, los Tecuanes de San Juan Bautista hacen numerosas presentaciones para la comunidad. Llevan el baile a docenas de eventos cada año como las celebraciones del Cinco de Mayo, fiestas de quinceañeras y desfiles.
Pérez, un pintor de casas, administra el grupo de Facebook de los Tecuanes y envía recordatorios sobre las fechas de ensayo y las presentaciones. También importa las máscaras artesanales desde México. Además de dirigir a los demás, él interpreta al jaguar y agita un largo látigo contra sus rivales durante las escenas de batalla.
Ahora existen al menos media docena de grupos en la ciudad de Nueva York que practican el baile, y otras agrupaciones también aceptan mujeres. Pero la inclusión no es algo que se promueva o que sea fundamental como pasa con los Tecuanes, según dijeron los participantes.
Nancy Ramos, de 14 años, ha estado involucrada con el grupo desde que comenzó. Ella interpreta a uno de los viejos y camina rítmicamente mientras forma filas junto a los otros bailarines. Ella, sus dos hermanas y su tía asisten regularmente.
Nancy participó en otro grupo, pero solo se presentaba una vez al año. «Aquí podemos diseñar nuestros trajes y personalizarlos», dijo Nancy. «Y hay más chicas aquí, lo que lo hace más divertido».
(THE NEW YORK TIMES)

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Y se fue el mes de Amorim…

Llegó a su fin el séptimo mes del año, que en el ambiente de la cultura, al menos de Salto, es sinónimo de Enrique Amorim. Se ha hablado mucho de su vida y de su obra a lo largo de todo Julio, y más en la última semana, semana que incluye las fechas de nacimiento (25) y muerte (28), y que congrega en nuestra ciudad (este año lo hizo una vez más), concretamente en su Chalet Las Nubes, una serie de actividades en homenaje. Sin embargo, poco se sigue leyendo sus textos. Por eso, con el convencimiento que es el mejor homenaje, y además con el deseo que en los meses venideros los protagonistas puedan ser otros (más allá de fechas puntuales que el calendario imponga), hoy dejamos que nos hable él, desde sus versos.

Agua y cielo

Que las aguas están locas
murmuran, cuerdas las ramas.
Locas, porque muerden rocas
y platean las escamas
de sus peces somnolientos.
Y juegan con las burbujas
para irritar a los vientos.
Y arrastran trenzas de brujas
por el musgo de su cauce.
Mientras lloran falsas hojas
-verdes lágrimas del sauce-
verdes de tontas congojas.
Aguas locas, locas aguas,
captadoras de tormentas,
amantes de cien piraguas
y de barcas descontentas.
Seductoras de navíos,
coleccionista de botes,
madre de los extravíos
y paridora de islotes.
De monstruos, matriz fecunda,
y del secreto, nodriza.
Larga palabra que inunda
y vaivén que se eterniza.
Que te calumnien las ramas,
-columpios para las brisas-
que te calumnien las ramas,
que solo tienen sonrisas
si los pájaros les cuentan
alguna historia del cielo.
Aguas locas que revientan
en olas, secreto anhelo;
ya penetra en tu misterio
el mundo que asoma a verte.
Mundo que está en cautiverio
condenado al fin, a muerte!
Agua y cielo, solamente,
solamente!

Sonetos de amor

Verano
Mi cuerpo en el Enero se prodiga
en alas del olor que azota el viento.
Santo sudor que mi placer castiga
con terco y masculino pensamiento.

Mi piel alerta, esta secreta amiga,
vigila mis sentidos un momento
y vuélveme a ceñir, en la fatiga
de este verano taciturno y lento.

Las flores del deseo huelen duro.
Solo los monjes saben lo que es eso
que mana de los labios sin el beso.

Nada en el hombre más sencillo y puro:
el cuerpo al sol que se transforma en nube
y en espiral de olores, crece y sube…

Invierno

Sin ayuda de nadie, continuemos
amándonos secretamente el uno
al otro como dicen que hubo alguno
que amó a mujer en libros que leemos…

Sin ayuda del vino que bebemos,
sin ayuda del Credo o del Ayuno,
sin superar lo grave y oportuno.
Ayer me fuiste fiel, hoy empecemos…

Te voy cercando con mis cinco perros
rabiosos de colores y cencerros
que calientan el aire al rojo vivo.

Enciérrame en tu cárcel sin barrotes
sin ayuda de nadie, hasta que agotes
la lumbre de este invierno decisivo.

La posada del sueño

Ordenar estos sueños que van en la memoria
como instantáneas claras,
imágenes dispersas en las márgenes rotas
de los libros leídos en la borda del barco.

Los paisajes definitivamente nuestros
a los cuales volvemos, cuando no hallamos otros,
cuando tenemos sensación de orfandad,
y cuando un narcisismo cruel nos reconcentra.
Ordenar estos sueños que tienen su culpable:
las miradas inciertas de unos ojos nostálgicos,
y de una boca triste, con un nudo de besos.
Ordenar estos sueños…

Y, detener el paso, a tiempo, antes que el viento,
nos disperse las páginas que jamás tendrán orden.
¿Dónde estará el comienzo del amor sin principio?
Los amores fatales que elegimos sonámbulos.
Hay siempre en los caminos rincones de hojarasca,
llegan briznas cansadas y alguna hojita verde.
Al paso de las gentes que van apresuradas
hay un temblor de miedo.
En el cauce del río, los sueños se hacen musgo;
son más caritativas las aguas que los vientos.
¡Quién pudiera guardar los sueños puros
en arcones de agua! El viento es infidente.
Toda la luz se puede guardar en una estrella,
como en el cielo cabe la dulzura de Dios.

Una inicial tan solo, puede servir de nombre,
como un suspiro puede explicar un amor.
La posada del sueño, tiene una sola llave,
un cerrojo tan solo,
y es única la mano para la única vuelta.
Por eso en la posada voy a estar solo siempre.

Canción de Galleros

I
Los galleros, a la siesta,
bajan la cuesta.

El río espía sus pasos
creciéndole los barrancos.

La canícula su pico,
clava en los hombros caídos.

Carga liviana en las manos:
una pareja de gallos.

Picos en la sombra. Las crestas
encendidas de pelea.

¡Bombas de pluma encerradas
en frágiles cuatro tablas!

Los galleros, a la siesta,
bajan la cuesta.

II
Atravesando las quintas
se llevan al gallo tuerto.
Triste su lado vacío.
Los naranjos están llenos.

¡Qué espacio ocupan las copas
redondas de fruta y de viento!
-Pasó el gallo desplumado,
y ojo dormido y seco-.

Un verde y dorado cae
sobre el hombro del gallero.
El gallo no ve las ramas,
va pegado contra el pecho.

La sombra entera del árbol
ha rodado por el suelo.
Gallero y gallo pasaron
de vuelta del reñidero.
¡Oh, si los árboles dieran
para los hombres torneos!
Reñida lucha de ramas
y rojos frutos abiertos.

Combate de verde y verde,
naranjos y limoneros.
Agrios y dulces combates
bajo las gradas del cielo.

Atravesando las quintas
se llevan al gallo tuerto.
Los mil ojos del naranjo
agita, de paso, el viento.

JORGE PIGNATARO

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Eso era un hombre: el centenario de Primo Levi

Primo Levi / 174517 / 1919-1987”. Un nombre. Un número de preso. Un año de nacimiento y otro de muerte. Dos palabras y tres números. No es fácil encontrar esa tumba en el Cementerio Monumental de Turín, porque en esta época del año la cubren las cúpulas florecidas de dos pequeños arces polimorfos; pero una vez que te enfrentas a ella, las ciencias y las letras resumen una vida que tuvo a Auschwitz en su centro.
O en uno de sus centros: no leemos ni escribimos ni viajamos para redundar en lo que ya sabemos, sino para buscar nuevos datos y otras perspectivas. Para comprender realmente los vértigos. Auschwitz es una palabra (y una realidad histórica) tan agujero negro que engulle el resto de galaxias que constituyen una biografía. Pero hay que entender que la del autor de Los hundidos y los salvados se desarrolló en varios universos paralelos.
Para observarlos me desplazo desde la necrópolis a la ciudad, desde la nada a la vida. En Turín hay placas en las fachadas de los edificios donde vivieron Cesare Pavese y Natalia Ginzburg, pero ninguna indica que en el tercer piso de ese edificio terriblemente sólido nació, vivió la mayor parte de su vida y murió Primo Levi.foto cultu
Miembro de una familia liberal judía, los primeros veinte años de su existencia transcurrieron de un modo previsible. Se licenció en química y entró a trabajar en un laboratorio.
Cuando a fines de los años treinta las leyes raciales comenzaron a agobiar a los judíos italianos, él adquirió la costumbre de refugiarse en las montañas cercanas: le fascinaba la escalada. Las conocía bien, por tanto, cuando huyó definitivamente en 1943 con su familia: las SS habían comenzado a controlar la ciudad, el edificio se había vaciado de toda su aparente solidez. Se unió a la resistencia antifascista, pero al mismo tiempo también lo hicieron algunos infiltrados. Ochenta jóvenes fueron detenidos. A él lo enviaron a Monowitz, uno de los campos que dependían de Auschwitz.
Cuando regresó el 19 de octubre de 1945 no lo reconoció ni la portera de ese edificio lleno de grietas. Empezó a contarles su historia a desconocidos: se montaba en un tren cualquiera, entablaba una conversación con alguien, le vomitaba su experiencia. A la mayoría le parecía increíble. Dudaron incluso los familiares a quienes les contó lo que había vivido en la Polonia ocupada. Estaba escribiendo en voz alta Si esto es un hombre, su obra maestra, y no se daba cuenta de que sus lectores no estaban preparados para entenderlo.
En 1947, dos jóvenes escritores italianos publicaron sus primeros libros. Ambos habían vivido experiencias incisivas durante la guerra reciente y las habían convertido en literatura. Uno recreaba las vivencias de los partisanos, su lucha de guerrillas contra el fascismo; el otro, las de los asesinados y los supervivientes en los campos de exterminio nazis. El primero publicó en Einaudi y vendió enseguida 6000 ejemplares; al segundo le costó encontrar editorial y llegar a los 1500.
Muchos años más tarde, Italo Calvino —cuya ópera prima sobre su experiencia autobiográfica en la resistencia se tituló La red de los nidos de araña— dijo que Primo Levi —que debutó el mismo año con Si esto es un hombre— era “un hermano gemelo y una alma gemela”. Pero aquel año los lectores y la intelectualidad italiana lo apoyaron solamente a él: Italia no estaba preparada para asumir la muerte de 6800 judíos italianos, porque se estaba reconstruyendo gracias en parte a la mitificación del rol de los combatientes partisanos.
Pero no solo era una cuestión nacional. Los lectores occidentales no estaban preparados, apenas dos años después del fin de la Segunda Guerra Mundial, para leer un testimonio del horror extremo ni para aceptar que ese relato podría ser, además de histórico, gran literatura. Escribir poesía después de Auschwitz, etcétera. Calvino fue el único escritor italiano que elogió en prensa las recién publicadas memorias de Levi, que habían sido rechazadas por Giulio Einaudi y sus colaboradores, Pavese y Ginzburg. Aunque en la década siguiente se publicaron en inglés, en alemán y en otros idiomas, el mundo tardó mucho tiempo en asumir, digerir y canonizar los libros de los supervivientes.
Durante treinta años, Levi fue sobre todo un trabajador que escribía en su tiempo libre. Desde aquí —ese edificio tan frágil y tan sólido— iba a la fábrica SIVA, donde ejercía como químico industrial. Como le cuenta a Giovanni Tesio en las entrevistas de Yo, quien os habla, siempre lo hizo en coche: un utilitario familiar Fiat, un Appia, un Fulvia y, por último, un Autobianchi. Nunca dejó de acudir al laboratorio, por ejemplo, para formular nuevos barnices, pero sobre todo realizaba tareas de gestión. Viajó bastante por trabajo: veinte veces a Alemania, algunas también a Rusia, Inglaterra, Noruega o España.
Cuando regresaba a casa, lidiaba con una situación familiar complicada y escribía sus relatos y novelas. “Después de cenar, encontraba las ganas y las fuerzas”, le confiesa a Tesio. “Cómo conseguía encontrar la energía para hacer todas estas cosas me lo sigo preguntando, es un misterio”. Además, seguía de cerca los debates europeos e israelíes sobre la memoria colectiva del exterminio nazi y se carteaba con autores como Jean Améry. Como dice Enzo Traverso en La historia desgarrada. Ensayo sobre Auschwitz y los intelectuales, ambos escritores —que convivieron en el campo de la muerte sin saberlo— protagonizaron itinerarios paralelos, “se volvieron judíos en Auschwitz” y levantaron la mano sobre sí mismos, definitivamente.
Ese agujero negro, su familia, su trabajo en la fábrica y sus lecturas nutrieron una obra multidimensional, que reflexionó en diferentes tonos, tanto sobre el pasado reciente más traumático de Europa como sobre el presente fordista internacional o el futuro científico —y fantástico— de la humanidad.
El protagonista de La llave estrella, por ejemplo, es un trabajador superespecializado en el montaje de grúas, un nómada del mercado laboral; mientras que en los relatos de Defecto de forma aparece la manipulación genética. Su literatura a veces recuerda a la de Imre Kertész, pero muchas otras a la de StanisBaw Lem. A diferencia de ellos, tras la guerra pudo regresar a un país que no vio afectadas sus fronteras y que, tras el paréntesis fascista, siguió siendo una democracia. A una cierta estabilidad nacional que no salva pero alivia.
Superviviente y químico, desde 1947 hasta 1975 luchó por ser considerado lo que más le importaba: un escritor. Como cuenta Ian Thompson en su magnífica biografía, logró la consagración con El sistema periódico, su libro más híbrido, que integra en una estructura científica recuerdos y ficción, historia y poesía, conciliando así todos los mundos que configuraban su mundo. Una reseña muy entusiasta de ese libro, firmada por Ginzburg, le abrió las puertas del mercado estadounidense a su obra de madurez.
Ese mismo año se jubiló. Se imaginaba a sí mismo viajando y escribiendo, pero siguió atado a la vida doméstica: los problemas de salud de su esposa y de su madre lo retuvieron entre las paredes de ese edificio terriblemente sólido, cuya puerta no se abre. Buscó nuevos retos, no obstante.
En un gesto tan maravilloso como elocuente, jubiló en la misma época a su vieja Olivetti y se compró un Apple Mac, convirtiéndose en uno de los primeros escritores del mundo en crear su obra con algo que era mucho más que una máquina de escribir inteligente: era —en sus propias palabras— “una prótesis de la memoria”. Y recibió lecciones de alemán hasta ser capaz de traducir a Franz Kafka. Y multiplicó sus charlas en escuelas: visitó cerca de 130 en los años siguientes.
El 23 de diciembre de 1986 dibujó con el ratón de su ordenador un árbol de Navidad. Probablemente sus labios dibujaron entonces su última sonrisa. Le horrorizaba que el revisionismo y el negacionismo crecieran en Europa. Sumó a los antidepresivos que ya tomaba unas nuevas pastillas: los antipsicóticos. El 11 de abril de 1987 salió de casa, dio tres, cuatro pasos y se lanzó por el hueco de la escalera.
He pasado más de una hora en la puerta del edificio frágil y sólido de Corso Re Umberto, hasta que ha salido finalmente un vecino y he podido entrar. En los buzones de los apartamentos del tercer piso leo los nombres de los descendientes de Primo Levi que siguen viviendo allí. Me recuerdan que todo continúa vigente y vivo.
Subo las escaleras muy rápidamente, no quiero pasar aquí más que unos segundos, los necesarios para ver su última mirada y para hacer esta foto de su vértigo último. Espero que la intrusión fugaz merezca la pena: para que su centenario tenga sentido tenemos que seguir imaginando estrategias contra el olvido.
(THE NEW YORK TIMES)

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Hoy, que hable él…

Hoy por: Jorge Pignataro

Hoy esta página hace una excepción, porque desde hace algunos meses, todos los lunes, la página de Cultura de EL PUEBLO se ha dedicado enteramente a recoger la creación literaria de salteños contemporáneos. Pero, hoy entendemos oportuno ir cerrando el “mes de Amorim” leyéndolo a él. Se ha hablado mucho de su vida y de su obra a lo largo de todo Julio, y más en esta última semana, la semana que incluye las fechas de nacimiento (25) y muerte (28), y que congrega en nuestra ciudad, concretamente en su Chalet Las Nubes, una serie de actividades en homenaje. Sin embargo, poco se sigue leyendo sus textos. Por eso, con el convencimiento que es el mejor homenaje, hoy dejamos que nos hable él, desde sus versos.

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1960 – 28 de Julio – 2019 Carta a Enrique Amorim

Así se titula un poema del muy valioso y poco conocido poeta salteño José María Rondán Martínez, que en el día de hoy, en que se cumplen 59 años de la muerte de Enrique Amorim, nos parece bueno evocar. Lo que sigue es un fragmento de ese poema, recogido por Leonardo Garet en el prólogo de la novela “La carreta”, editada en la Biblioteca de Autores Salteños en 2015.
En nuestra Patria Chica, allá en el Salto
crepusculares voces melancólicas
recitarán tus versos,
y en un lugar de tu Chalet “Las Nubes”
Esther tendrá nostalgia de tu mano,
suave como la harina en la caricia,
rebelde y acerada en cada páginaEnrique_Amorim
de la jornada obrera de poemas.
Buen amigo en la vida y en la muerte,
maestro de verdades,
firmo esta carta aquí, junio, nostalgia
de tu voz tesonera, grito eterno,
horadando penumbras, abatiendo
baluartes de silencios.

AMORIM DEJÓ LA PUERTA ENTORNADA
Es bueno recordar también, que el 28 de julio de 1960, apenas enterado de la muerte de Amorim, el gran poeta español Rafael Alberti le escribía un poema-carta, en cuyo verso final expresa: “Puedes dejar la puerta, si quieres, entornada”.
A propósito, el crítico literario Pablo Rocca ha escrito: “Amorim creó una literatura que, más allá de los desniveles, tiene un sello inconfundible, en la que los seres desafiados por el medio encuentran en los ambientes rurales sus tensiones extremas. A ellos corresponden sus mejores invenciones. Pero, además, dejó “la puerta entornada” para que otros siguieran completando esos huecos de realidad y ficción que tanto lo obsesionaron”.

DÉJÀ VU NUEVAMENTE EN “LAS NUBES”
Cerrando el ciclo de actividades en homenaje a Enrique Amorim se anuncia una nueva presentación del Grupo Déjà Vu en el Chalet “Las Nubes”. Será hoy domingo 28 de Julio a las 18 horas.
En esta ocasión el programa a ofrecerse se llamará “JAZZ Y TANGO”. En la primera parte del programa se ofrecerán temas melódicos, de jazz y bossa y se ha invitado al músico Guillermo Guerrero que ejecutará temas con integrantes de Déjá Vu. La segunda parte del programa estará dedicada al tango donde el público podrá escuchar tangos de Piazzola y otros autores.
Se cobrará un bono colaboración de $150 que se vende por anticipados consultando a los teléfonos 099 749 314 o 099 930 306-

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Se inicia importante Ciclo de Cine Uruguayo en Casa Quiroga

El Centro MEC Salto del Ministerio de Educación y Cultura inicia un ciclo de cine uruguayo en Casa Quiroga, abierto a todo público. En el mes de julio se proyectarán las siguientes películas:

Día: Martes 30 – Hora: 17.30
Película- “El candidato”
Martín Marchand, un empresario, que acepta ser candidato político y convoca a un grupo de profesionales para prepararse, aunque algunos estarán más interesados en entrometerse en los negocios de la familia.
Largometraje de ficción dirigido por Daniel Hendler.
Elenco: Diego de Paula, Matías Singer, César Troncoso, Ana Katz, Roberto Suárez, Alan Sabbagh, José Luis Arias, Fernando Amaral, Chiara Hourcade, Pablo Bonasso Gustavo Maggi y Verónica Llinás.
TRAILER: https://youtu.be/K4NX9rhvb_s

Día: Miércoles 31 -
Hora: 17.30
Película- “Las toninas
van al Este”
Miguel Ángel García Mazziotti, figura gay decadente de la farándula del Río de la Plata, recibe la visita de su hija Virginia, con quien ha estado distanciado por años. Él se niega al encuentro hasta que se encariña con la idea de que será abuelo.
Largometraje de ficción dirigido por: Verónica Perrota, Gonzalo Delgado.
Reparto: Gonzalo Delgado, Pablo Albertoni, Carolina Besuievsky, Jorge Denevi, Fernando Amaral
TRAILER: https://youtu.be/2nOKpaZM3kw

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Las explosivas frases en el nuevo libro que publicó uno de los periodistas que descubrió el Watergate

«Miedo: Trump en la Casa Blanca» de Bob Woodward

La Casa Blanca dijo que las historias del libro de Bob Woodward sobre Trump eran inventadas. Bob Woodward, junto a Carl Bernstein, destapó el escándalo Watergate, que obligó a Richard Nixon a renunciar a la presidencia de Estados Unidos en 1974. Ahora Woodward pone a Donald Trump, el actual mandatario, bajo la lupa.

El nuevo libro del periodista, «Miedo: Trump en la Casa Blanca», que saldrá a la venta el 11 de septiembre, pinta la imagen de un poder ejecutivo que está sufriendo un «colapso nervioso». «Fuego y furia»: 10 controvertidas «revelaciones» del libro que causó la indignación de Donald Trump
Los episodios que Woodward relata y las citas que incluye provienen de testigos y a veces, de las mismas personas que las dijeron. La Casa Blanca y el propio Trump aseguran que el libro contiene «historias inventadas» por «exempleados descontentos».
«Es otro libro malo», dijo Trump al portal The Daily Caller y agregó que Woodward «tiene muchos problemas de credibilidad». Aquí resumimos algunas de las revelaciones más polémicas de los primeros extractos conocidos del texto.foto cultu
1. «Yo puedo detener esto. Simplemente sacaré los papeles de su escritorio» – Gary Cohn.
Woodward describe varios episodios en los que Gary Cohn, principal asesor económico de Trump hasta marzo, y Rob Porter, secretario de gabinete de la Casa Blanca hasta febrero, retiran documentos del escritorio de Trump para evitar que los firmara.
Gary Cohn y Donald Trump. Derechos de autor de la imagenREUTERS
Según el libro, ambos escondieron papeles como los que hubieran permitido al presidente retirar al país del Tratado de Libre Comercio de América del Norte (TLCAN) y de un acuerdo comercial con Corea del Sur. Por qué dimitió Gary Cohn, el principal asesor económico de Donald Trump.
Sobre la notificación con la que EE.UU. se retiraría del TLCAN, Cohn le dijo a Porter «yo puedo detener esto, simplemente sacaré los papeles de su escritorio», detalla el periódico The Washington Post. Finalmente, EE.UU. se comprometió a renegociar los pactos comerciales.
Woodward describe estos actos de sus asesores como «no menos que un golpe de estado administrativo».
2. «No quiero que (el presidente) parezca un idiota» – John Dowd
Según Woodward, el exabogado personal del presidente, John Dowd, sometió a Trump a un interrogatorio simulado con el fin de prepararlo para una entrevista con el equipo de abogados de Robert Mueller, el investigador especial de los posibles vínculos entre la campaña presidencial del republicano y Rusia.
El abogado John Dowd no quería que Trump testifique en la investigación de la supuesta intervención rusa en la campaña presidencial de 2016.
El ensayo no salió bien, ya que el presidente fue frustrándose cada vez más con la intensidad de las preguntas y en un momento calificó a la investigación como «una maldita farsa». Por qué Trump exige ahora al fiscal general acabe con la investigación de la trama rusa. Según se informa, Dowd le dijo a Mueller que Trump no podía aceptar una entrevista con él porque no quería que el presidente «pareciera un idiota» y avergonzara al país. Cuando más tarde pareció que el presidente sí testificaría, Dowd renunció.
3 y 4. «Matémoslo. Vamos allá. Matemos a todos esos malditos» – Donald Trump
Cuando EE.UU. creyó que el gobierno sirio había lanzado un ataque químico en abril de 2017, Trump supuestamente le dijo al secretario de Defensa, James Mattis, que matara al presidente Bashar Assad. «Matémoslo. Vamos allá. Matemos a todos esos malditos», dijo el presidente, de acuerdo a Woodward. Después de la conversación, Mattis le dijo a un asistente que no haría «nada de eso».
Además, Mattis le habría dicho a un asistente que la comprensión que el presidente tiene sobre política exterior es la de un «alumno de quinto o sexto grado» (un niño de 11 o 12 años).
Mattis difundió un comunicado el martes en el que califica al libro como «un tipo de literatura única de Washington» y dijo que las palabras desdeñosas sobre Trump que se le atribuyen «nunca fueron pronunciadas por mí o en mi presencia». James Mattis niega haber dicho las palabras que le atribuye Woodward.
Woodward asegura que Trump también pidió planes para un ataque militar preventivo contra Corea del Norte durante el periodo más crítico de sus enfrentamientos con Kim Jong-un.
5, 6, 7 y 8. Insultos para los asesores de Trump
Trump acusó de «traición» a su asesor económico Gary Cohn cuando este intentó dimitir a causa de que el presidente se abstuviera de denunciar explícitamente a los nacionalistas blancos que participaron en una protesta violenta en Charlottesville, EE.UU., en agosto de 2017. Por su parte, Cohn se refirió al presidente como un «mentiroso profesional», según Woodward.
Trump también le dijo al actual secretario de Comercio, Wilbur Ross, que no confiaba en él.
«No quiero que hagas más negociaciones», le habría advertido. Según Woodward, el mandatario también comparó con una rata a Reince Priebus, jefe de gabinete de la Casa Blanca hasta julio de 2017. «Simplemente se escabulle por todos lados», habría comentado.
En cuanto al Fiscal General Jeff Sessions, se informó que Trump le dijo al secretario del gabinete, Porter, que el tipo tenía «retraso mental». «Acorralado» y «muy débil»: las críticas de Donald Trump al fiscal general Jeff Sessions. «Es un tonto sureño. Ni siquiera podría ser un abogado de una sola persona en Alabama», habría opinado.

(BBC, Mundo)

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Sus obras

Las obras de Enrique Amorim son realmente muchas, por lo que creemos que es muy difícil, y cada vez más, encontrar a alguien que pueda decir con propiedad: “yo leía a Amorim”, o “conozco la obra de Amorim”. Seguramente lo que cada uno de nosotros ha leído, o conoce aunque sea por haber escuchado su nombre, es apenas una parte de su vastísima producción literaria. Es esta, la de su cumpleaños, una buena ocasión para repasar sus títulos.
Novelas
La carreta (1932), El paisano Aguilar (1934), Historias de amor (1938), La edad despareja (1938), El caballo y su sombra (1941), La luna se hizo con agua (1944), El asesino desvelado (1945), Nueve lunas sobre Neuquén (1946), Feria de farsantes (1952), La victoria no viene sola (1952), Todo puede suceder (1955), Corral abierto (1956), Los montaraces (1957), La desembocadura (1958), Eva Burgos (1960).
Libros de cuentos
Amorim (1923), Las Quitanderas (1924), Tangarupá (1925), Horizontes y bocacalles (1926), Tráfico (1927), La trampa del pajonal (1928), Del 1 al 6 (1932), Presentación de Buenos Aires, La plaza de las carretas (1937), Después del temporal (1953), Los pájaros y los hombres (1960), Temas de amor (1960), Miel para la luna y otros relatos (1960).
Poemarios
Veinte años (1920), Un sobre con versos (1925), Visitas al cielo (1929), Cinco poemas uruguayos (1935), Dos poemas (1940), Cuaderno salteño (guía poética ilustrada, (1942), Primero de Mayo (1949), Quiero (1954), Sonetos de amor en octubre (1954), Sonetos de amor en verano (1958), Mi patria (1960).
Obras teatrales
La segunda sangre (1950), Yo voy más lejos (1950), Pausa en la selva (1950) Don Juan 38 (1959).
Ensayos
Juan Carlos Castagnino (1945), El Quiroga que yo conocí (1983).
Guiones cinematográficos
Yo quiero vivir contigo (1960), Cuando la primavera se equivoca (1944), Casi un sueño (1943), Capitán Veneno (1943), Incertidumbre (1942), Vacaciones en el otro mundo (1942), Su primer baile (1942), Canción de cuna (1941), Yo quiero morir contigo (1941), Cita en la frontera (1940), El viejo doctor (1939), Kilómetro 111 (1938).

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“Amorim, el escritor compulsivo”

Es este el título de la disertación que estaremos desarrollando en la tardecita de hoy, desde la hora 19, en el Chalet Las Nubes, actividad enmarcada en la serie de homenajes que durante esta semana, “Semana de Amorim”, viene cumpliendo la Asociación de Amigos de Las Nubes.
Amorim vivió sesenta años (25 de julio de 1900 – 28 de julio de 1960). Empezó a publicar desde los veinte, por lo que es fácil deducir que, a escribir empezó bastante antes. Es decir, dedicó su vida, enteramente, a la escritura. Escribió todo: poesía, cuentos, novelas, guiones cinematográficos, periodismo. Fue un escritor compulsivo y pasional… Ningún área de la creación a través del lenguaje le fue ajena. Como no lo fue tampoco el entorno social. Y he ahí, justamente, un rasgo fundamental de sus creaciones. Contemplar el comportamiento humano y su vínculo con el entorno para, al mismo tiempo, ir plasmándolo en letras, fue el compromiso que siempre sintió. Mientras otros escritores, emparentados a él por la época y –de alguna manera- por el estilo, iban agudizando la mirada hacia el interior del hombre (no en vano Benedetti llamó a Morosoli “cronista de almas”), Amorim supo mantener el equilibrio entre la mirada hacia adentro y –especialmente- hacia el exterior inmediato del ser. Pasional y compulsivamente, sintió el deseo o la necesidad, pero también, y quizás sobre todas las cosas, el deber y la responsabilidad de desnudar e interpretar “el diálogo entre el hombre y la llanura”, como lo dice en el tan citado cierre de su novela “El paisano Aguilar”.

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Hoy es el cumpleaños de Amorim

Hace hoy exactamente 119 años del nacimiento de Enrique Amorim, el poliAmorimfacético artista salteño que, más allá de haber sobresalido en las letras (novelas, cuentos, poesía, teatro, guiones cinematográficos, ensayos, periodismo), tuvo una destacada incursión en otras ramas del quehacer artístico como la fotografía, el cine, y más.
Fue un creador y, a su vez, un fuerte impulsor de la cultura que lo rodeó, con lo que dejó huellas insoslayables. Que Salto haya sido nada menos que la primera ciudad del mundo en erigir un monumento al poeta español Federico García Lorca (en zona de la Piedra Alta, Costanera Sur) no es algo menor. Y fue posible por la iniciativa de Enrique Amorim, a quien lo unía con García Lorca una estrecha amistad.

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La voz del enemigo: los libros y las series indagan en la ultraderecha

Jason Stanley nos recuerda en su ensayo Facha que Adolf Hitler, en Mi lucha, insiste en que “el objetivo de la propaganda es remplazar los argumentos razonados en la esfera pública por los miedos y las pasiones irracionales”. Y, a renglón seguido, cita una entrevista a Steve Bannon en que este confiesa que el triunfo de Donald Trump se produjo por la rabia, pues “la rabia y el miedo hacen que la gente salga a votar”. Desde la primera línea de su libro, Stanley crea un puente aéreo entre los años de la expansión del fascismo por Europa y los nuestros: “Como en los años treinta, el mundo está reaccionando negativamente contra la globalización”. Y al frente de esa reacción hubo, y vuelve a haber, un grupo de dirigentes que no buscan soluciones que alivien la inquietud, sino que en cambio la espolean, “porque la política fascista solo puede sobrevivir y prosperar en un estado de ansiedad y miedo constante”. No solo entre Adolf Hitler y Steve Bannon: entre Gabriele d’Annunzio y Donald Trump también puede existir una genealogía. O viceversa. Porque las genealogías —como nos enseñó Borges— solamente son válidas si son reversibles. Y porque en los nuevos discursos de la extrema derecha global hay ecos y reformulaciones que remiten tanto a los líderes políticos como a los ideólogos literarios del fascismo italiano. Este año es el centenario, de hecho, de la fotocultuaventura militar y experimento artístico del Estado Libre de Fiume, donde D’Annunzio sentó el primer precedente de la viabilidad práctica de la teoría fascista.
De esa historia parte Reinaldo Laddaga en su nueva —y mejor— novela, Los hombres de Rusia, que recurre al mecanismo del manuscrito encontrado (precisamente en un foro de votantes de Trump) para narrar en clave antropológica y simbólica cómo un joven es abducido por una secta guerrillera, cómo alguien cambia de bando e ingresa en las filas del extremismo. El proceso en que uno de los nuestros se vuelve uno de los otros.
Cuando Laddaga desplaza la atención de la ultraderecha estadounidense a la rusa, cita a Eduard Limónov, una de las voces más incómodas de la literatura contemporánea. Acaba de publicarse en español El libro de las aguas, tal vez su obra más poderosa, como consecuencia directa del gran éxito de Limónov, de Emmanuel Carrère. No es casual que las obras más leídas y premiadas tanto de Carrère como de Javier Cercas hayan enfocado, durante los últimos veinte años, a terroristas de la convivencia, del orden social y de la democracia: El adversario, Soldados de Salamina, Limónov o El impostor comparten la fascinación por figuras oscuras, violentas, totalitarias, manipuladoras. Reales e infames. Ambos autores se adelantaron a una tendencia global que ha catalizado el auge de la extrema derecha: la de dar voz a nuestros enemigos. Después de que algunos de los grandes cronistas mexicanos contaran en sus libros el drama de las víctimas de la guerra contra el narco y la épica, la picaresca y sobre todo la crueldad de los principales narcotraficantes del país, justamente este año Pablo Ferri y Daniela Rea han publicado los resultados de su investigación modélica en el tercer vértice del triángulo. El Ejército. Los otros victimarios. En La Tropa: Por qué mata un soldado los periodistas consiguen entrar en la cárcel para entrevistar a soldados de rango menor, para escucharlos y para tratar de entenderlos. Comparten la miseria de sus orígenes, la ilógica del sistema militar, la necesidad de justificar lo injustificable. Un ejemplo elocuente, entre los muchos que ofrecen Ferri y Rea, podría ser este: “‘Luz verde significa que te dan la libertad de hacer lo que tú quieras, sin pedir permiso o autorización’, explicaba el soldado Ramiro una mañana, bajo un árbol frondoso, junto al campo de fútbol de pasto natural de Lomas de Sotelo. ‘Por ejemplo, por reglamento las camionetas de los soldados (cuando van en convoy) no se pueden separar. Con luz verde, se pueden separar; si ves a un sospechoso se puede revisar y disparar antes de que ellos disparen pofotocultu2rque un hombre armado es un peligro para el soldado’”. “La historia no se repite, pero las genealogías son importantes para entender el presente”, leemos en Del fascismo al populismo en la historia, de Federico Finchelstein, una lectura global de cómo el populismo nació como respuesta al fascismo en los años cuarenta y se fue convirtiendo en un posfascismo que ha llegado hasta los Estados Unidos. “A partir de 2017, el populismo norteamericano se ha convertido en el posfascismo más relevante del nuevo siglo”, afirma el escritor argentino y profesor de la New School for Social Research. Pero no el único: Venezuela, Brasil, Nicaragua, Rusia y diferentes Estados europeos también se encuentran en esa tensión entre populismo y posfascismo. En el siglo XXI las tendencias se contagian y se agrandan, simultáneamente, en diversos lenguajes narrativos. Por eso no es de extrañar que no solo los libros, sino también las series de televisión, estén generando genealogías que nos permitan entender mejor la polarización radical de las sociedades actuales (en una paradoja muy propia de nuestra época: el interés y la atención hacia una realidad inquietante la convierten en un mercado y, enseguida, en una realidad mayor). ¿Cómo entender el brexit? ¿Cómo interpretar la llegada a la presidencia de Bolsonaro o de Trump? ¿Cómo comprender la vigencia de la posverdad? A través de narrativas sobre el pasado reciente que nos den claves, que transformen la masa inabarcable de hechos y datos (el Big Data) de la realidad histórica en una trama familiar, en un complot definido, en una biografía factual, en un relato seductor (en storytelling).
Porque, como dice el consultor de medios, empresario televisivo y depredador sexual Roger Ailes en La voz más alta —la serie que rebobina ante nuestros ojos cómo fue la fundación de Fox News a finales de los años noventa y sigue su peligrosa evolución hasta nuestros días— la mayoría de la gente “no quiere estar informada, sino sentirse informada”. La búsqueda de genealogías políticas es global. Después de la serie italiana 1992, que contó el auge en esos mismos años de la Liga Norte y el proceso que llevó a Silvio Berlusconi a fundar Forza Italia en 1994, HBO España acaba de estrenar la serie documental El Pionero. La protagoniza Jesús Gil y Gil, quien además de llevar a cabo innumerables negocios inmobiliarios y de ingresar tres veces en prisión, fue presidente del Club Atlético de Madrid, alcalde de Marbella y al mismo tiempo columnista del berlusconiano programa de Tele5 Las noches de tal y tal, donde aparecía en una piscina rodeado de mujeres en biquini. Paralelamente, en México se han estrenado Los días de Ayotzinapa, sobre esa herida que sigue abierta en pleno mandato de Andrés López Obrador; Un extraño enemigo, que narra el clima político y underground de 1968 a través de Fernando Barrientos, el turbio jefe de la dirección de seguridad nacional de la policía de México; y 1994, la docuserie de Diego Enrique Osorno sobre ese otro año clave de la historia reciente del país, el del asesinato de Luis Donaldo Colosio (candidato del PRI), el fin del gobierno de Carlos Salinas de Gortari, la entrada en vigor del Tratado de Libre Comercio y el levantamiento del Ejército Zapatista de Liberación Nacional en Chiapas. La centralidad del procedimiento de la genealogía en las narrativas actuales responde a la urgencia de encontrar explicaciones a nuestras angustias sobre todo políticas, pero también científicas, tecnológicas, culturales o ambientales. De generar (difíciles) sentidos. Muchos relatos documentales sobre el cambio climático o la inteligencia artificial, por ejemplo, también se articulan a través de líneas temporales que convierten fenómenos de una enorme complejidad en una secuencia comprensible de causas y efectos. No es de extrañar que no solo los libros, sino también las series, estén generando genealogías que nos permitan entender mejor la polarización radical. Por eso una de las series más relevantes de 2019 es Years and Years, que ha invertido esa lógica y ha creado una interesantísima genealogía inversa. En vez de usar los recursos habituales para reconstruir los motivos por los que nos encontramos en un futuro distópico —la investigación detectivesca, la arqueología, el flashback— Russell T. Davies nos cuenta la historia de la familia Lyons (y de Gran Bretaña y de Europa y del mundo) desde 2019 hasta 2034 acelerando hacia adelante. En lugar de abordar la prehistoria del brexit, fabula sus consecuencias. Entre ellas, la central, es el ascenso de Vivienne Rook (Emma Thompson), una política populista que simula carecer de discurso para llegar al poder (e implantar un muy argumentado plan de genocidio).
Porque si la ciencia ficción es el nuevo realismo nos puede ayudar a identificar los Adolf Hitler, Gabriele D’Annunzio, Jesús Gil y Gil, Edvard Limónov, Silvio Berlusconi, Donald Trump o Jair Bolsonaro del inminente futuro.
(THE NEW YORK TIMES)

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Hoy: un cuento de Rocío Menoni

Un cuento de Rocío Menoni ocupa hoy esta página que cada lunes EL PUEBLO dedica a la creación literaria de salteños. cultura rocÍo menoni

Rocío nació en 1953 y es maestra. Durante varios años orientó un Taller Literario y Sala de Lectura para niños, área en la que se la puede considerar una especialista. Cuentos suyos fueron incluidos en la antología “Los nombres del cuento – El cuento salteño de hoy” (Ediciones Aldebarán, 2004). Es autora del libro “A la orilla del vuelo” (Ediciones Taller Literario Horacio Quiroga, 2009), al que pertenece el siguiente cuento.

POR MANDATO DEL DUENDE
Hoy tengo la certeza de que este secreto me llevará a la tumba, como tantas veces me llevó a la cárcel y me ha traído hoy a este maloliente y horroroso hospital o Centro de Atención Psiquiátrica, como pude leer en el cartel que está en la puerta.
Acusado de robo, fui llevado antes a la cárcel, de donde salí gracias al amor y comprensión de mi madre que pagó la fianza y entregó cada una de las medallas que cuidadosamente guardo en una caja de nácar que me ha sido donada para esos fines. Y atención que digo guardo y no digo escondo, ya que no tengo nada que esconder porque no soy un ladrón sino un buscador con una importante tarea por cumplir.
Tal vez nadie comprenda la importancia de esta misión que me ha sido confiada y también sientan repugnancia al mirarme y vean en mí solamente al autor del “horrendo asesinato en la zona norte de la ciudad” como dice el diario que está sobre esta mesa y cuyos detalles quiere que relate el equipo de médicos, policías, juez y abogados que se encuentran en esta sala.
Ya acepté mi responsabilidad en la muerte de la Doctora Zaída Baladán, cosa que, por otra parte, no podía negar porque mis huellas quedaron en el Estacionamiento y me limpié las manos sucias de sangre en su propio auto blanco, pero el lugar donde guardé su cabeza rubia, eso no lo puedo revelar hasta que no reciba la autorización divina para hacerlo.
Pero claro, esto solo lo pueden comprender los elegidos, aquellos que han sido visitados por los Duendes y han recibido de ellos un mandato intransferible.
Yo soy uno de ellos.
Se me comunicó la Misión a cumplir en ocasión de la muerte de mi abuela Micaela, quien lucía siempre en su cuello, pendiente de una cadena, una medalla de cristal con la letra M de oro en el centro.
Desde niño me sentí atraído por aquella medalla y no comprendí el motivo hasta aquel día en que, en medio del velorio, el Duende Mayor habló.
Desde entonces he buscado medallas de cristal con letras de oro, para completar el abecedario y hacer posible que los Duendes puedan hablar el lenguaje de los hombres.
Mi madre, cada vez que encontraba medallas en la cajita de nácar, rápidamente las llevaba a la Policía, pero ya era tarde: la esencia ya había sido quitada del oro y aquello que volvía a su dueño no era más que vidrio y metal.
Esa mujer, la que hoy yace en la Morgue, y a quien tanto lloran, es la responsable de este último acto mío que todos consideran atroz.
Mi madre, quien nunca logró comprender lo que cuento ya que a pesar de sus rezos jamás consiguió que seres maravillosos le hablaran, me sugirió visitara a esta Médico Psiquiatra hoy tristemente fallecida. Era una bonita y agradable mujer con quien departí durante muchas tardes a lo largo de seis meses.
Tanta confianza me inspiró que al fin le conté mi secreto, y extrañamente no se mostró sorprendida con mi revelación.
Pero una tarde, mientras conversábamos animadamente, ella debió abandonar por un momento la habitación y me sentí impulsado a mirar la foto que la doctora tenía en un hermoso portarretrato sobre su escritorio. Allí la vi: sonreía junto a su esposo y tres niños rubios como ella, y mis ojos se posaron en su fino cuello desde donde me llamaba una medalla de cristal y oro con la tan preciada letra Z.
Enseguida lo comprendí: la doctora, conocedora por mi confesión del secreto de la Misión, escondía en algún lugar la medalla.
Dos meses transcurrieron desde aquel descubrimiento a este maravilloso día en que pude tener en mis manos la última letra del abecedario.
Dos meses durante los cuales concurrí a la Sesión con la doctora todos los martes y jueves, y los demás días de la semana, escondido en el Estacionamiento del Edificio por la tarde y del Hospital en la mañana, aguardé la presencia de la codiciada medalla.
Cuando esta tarde la vi bajar al Estacionamiento con una blusa de seda blanca, comprendí que ese era el momento. No había visto yo la medalla pero sentí su presencia y recibí el imperioso mandato de ofrecerla con el calor de aquella hermosa mujer, por lo que tomé el hacha del extintor de incendios y así, de un solo golpe, la decapité.
Guardé el tesoro en la bolsa que llevaba y rápidamente me dirigí al río a entregar mi ofrenda.
Estos hombres que me miran saben que yo la maté. Yo no lo niego.
Guardo el secreto del lugar donde deposité la cabeza hasta el momento en que el Duende Mayor me autorice a revelarlo.
Mientras tanto sonrío y los hombres me gritan pensando que me burlo de ellos.
No saben que acabo de conocer una atractiva mujer, que luce en su túnica un broche dorado con su nombre: Doctora Yamila Costa.

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Julio: el recuerdo de Rodó y Juana

Julio es mes de recuerdos para José Enrique Rodó y Juana de Ibarbourou. Él nació y ella falleció en el séptimo mes del año.
«José Enrique Rodó no nació en 1872 y así lo hizo saber al excelente crítico «Lauxar», ni falleció en setiembre de 1917, como dice Alberto Zum Felde en su «Proceso Intelectual del Uruguay». Un norteamericano, Guillermo Berrien, precisó, incontestablemente lasRodó fechas de nacimiento y de muerte de Rodó. Nació en Montevideo el 15 de julio de 1871 y murió, a las 10 y 15 del 1º de mayo de 1917, en Palermo (Italia), dos meses y medio antes de cumplir 46 años. Resulta curioso que, por bastante tiempo, el día del fallecimiento se refiriese al 2 de mayo y no al 1º. Tal era esta persistencia que, por repetidas veces, nos creímos obligados a señalar públicamente el error en que se incurría. Al fin obtuvimos esta explicación: el hecho se fundamentaba en que el aniversario de la muerte coincidía con el Día de los Trabajadores: no aparecían diarios para recordar al Maestro y, por falta de medios de locomoción –debido al paro habitual- era poco menos que imposible reunir un grupo de admiradores en torno a las cenizas de Rodó, depositadas en el panteón Nacional…» (De José Pereira Rodríguez, prólogo a «Ariel, liberalismo y jacobinismo», Ediciones biblioteca Artigas, Colección Clásicos Uruguayos).

JUANA
También el 15 de julio es fecha que recuerda a Juana de Ibarbourou, pero en este caso por cumplirse un año más de su fallecimiento. Nacida en Cerro Largo el 8 de marzo de 1892, aunque luego se encargara de sostener que había nacido tres años más tarde, Juana Fernández Morales –ese fue su verdadero nombre – dio a conocer desde muy joven poemas en los que ya demostró excelentes dotes artísticas.Juana
El mejor homenaje: Juana se lee, se estudia, se discute… Que su obra se siga leyendo a medida que los años pasan, es decir que la vigencia continúe o se acreciente, debe ser el mejor galardón para un escritor. Y una de las formas de palpar esto es atendiendo a si sus obras siguen causando interés por ser editadas. Porque si las editoriales editan determinados libros, es porque saben que hay lectores para ellos. Eso es lo que sucede con Juana. Se trata de una autora de la que permanentemente se ocupan críticos, editores, docentes y otros lectores que tan solo buscan disfrutar de la poesía.
Sin ir más lejos, aquí en Uruguay, hace poco tiempo, en un solo volumen de alrededor de ciento veinte páginas, la editorial uruguaya Cruz del Sur reeditó dos obras clásicas de Juana de Ibarbourou: «El cántaro fresco» y «Chico Carlo». Pero además, fue editado con un valor agregado que lo convierte en un excelente material, porque no sólo se trata de una reedición de los textos sino de una publicación en que cada texto está acompañado de una guía para posibles ejercicios en un taller de expresión escrita.

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Juan Manuel Bertón Schnyder, un escritor con influencia de Felisberto Hernández y Cortázar

Ganador del «Premio Horacio Quiroga»

Como ya fuera informado, el pasado viernes 12, en la sala de actos del Palacio Córdoba, se entregó el Primer Premio del Concurso Internacional de Cuentos «Premio Horacio Quiroga», en su sexta edición. El ganador resultó ser Juan Manuel Bertón Schnyder, sociólogo e investigador, nacido en la localidad de Tarariras, con la obra titulada «Yo una vez tuve una familia de demonios».
En representación del jurado, el escritor salteño Ac. Leonardo Garet, dijo que uno de los aspectos más destacables de la obra ganadora es la sencillez con que el autor integrPremio Quirogaa elementos extraños o fantásticos a un entorno aparentemente normal o real. En ese sentido, y además por los cambios en las perspectivas narrativas, dijo que se refleja una influencia clara de uno de los mayores narradores uruguayos, maestro de la literatura fantástica, como lo es Felisberto Hernández. Si a esto se le suma la presencia, en ese mundo donde lo real y lo fantástico se integran con tata naturalidad, de animales, la de Julio Cortázar es otra de las influencias que se hacen visibles, explicó Garet.
Al momento de hacer uso de la palabra en el acto de premiación, Bertón hizo énfasis en destacar la agudeza en las observaciones de Garet, las que consideró como muy precisas, reconociendo las influencias de los autores mencionados, cuyas lecturas siempre ha realizado con gusto y gran interés.
«Estoy muy contento, leo a Horacio Quiroga desde que tenía 7 años de edad y en mi casa siempre me estimularon a hacer lo que quería, así que por eso agradezco a mi familia por apoyarme», dijo Bertón al momento de recibir el premio.
El ganador recibió U$S 2.500 (dos mil quinientos dólares americanos) y diploma y su trabajo será publicado por la Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura. Vale agregar que Juan Ángel Cavaleiro (de San Miguel de Tucumán) con su obra «Las vidas extrañas» y Sandra De Falco (Pilar) con su trabajo «La memoria es como el agua», obtuvieron las menciones del jurado en este importante certamen.

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La aventura espacial que hoy cumple 50 años parece hasta fácil para hacerse, pero ahora que está hecha

Cinco momentos críticos del viaje del Apolo 11 a la Luna

Cuando tres hombres viajaron a la Luna con un ordenador más lento que un «smartphone»

Antes de partir, Neil Armstrong le daba un 50 por ciento de probabilidades de éxito a la misión que debía llevar por primera vez al hombre a la Luna. Era una forma suave de decir que tenían esas posibilidades de volver con vida.
No se trataba solo del riesgo inherente a “cabalgar“ a lomos del enorme cohete Saturno V, cuya primera fase a máxima potencia producía más energía que todas las centrales eléctricas de Inglaterra juntas. Hubo al menos otros cinco momentos en los que los tres astronautas se lo jugaban todo a una sola carta.

1. Inserción en órbita lunar: como jugar a las 7 y Media.
Para poder entrar en órbita alrededor de la Luna, la nave espacNixon visitando a los astronautas después de su regreso de la Lunaial debía reducir su velocidad mediante el uso de su cohete. Esto era como el famoso juego de cartas de las 7 y media: o te pasas, o no llegas. Si el cohete fallaba y la nave no frenaba, seguiría su trayectoria adentrándose en el espacio hacia una muerte segura. Y si frenaba demasiado, en lugar de quedarse en órbita, se estrellarían directamente contra la superficie de la Luna. El cohete funcionó perfectamente.

2.Alunizaje y alarmas: El hombre de hielo.
El impresionante documental Apolo XI, que estos días se exhibe en los cines, consigue transmitir la angustia de un viaje de solo tres minutos desde la órbita lunar a la superficie a bordo del Eagle, el Módulo Lunar del Apolo 11, con alarmas crípticas saltando varias veces durante el descenso, y teniendo cada vez que fiarse de que podían seguir adelante. Hasta alunizar cuando quedaban menos de 20 segundos de combustible, tras haber tenido que desconectar el sistema automático y guiar la nave manualmente para evitar aterrizar en un cráter “del tamaño de un campo de fútbol”, según explicaba el propio Armstrong nada más alunizar.
En el momento del alunizaje, el corazón de Neil Armstrong latía a 155 pulsaciones por minuto. Todos sus compañeros astronautas le llamaban desde el principio el Hombre de Hielo. Lo demostró sobradamente.

3. Despegue de la Luna: Mejor te vas, porque si te quedas … te quedas para siempre.
Llama la atención en el documental Apolo XI la cara de preocupación del personal del Centro de Control de la NASA en Houston en el momento anterior al despegue del Eagle desde la superficie de la Luna. No era para menos, porque cualquier fallo habría dejado a los dos astronautas varados en la superficie lunar para siempre. El cohete hipergólico del módulo de ascenso del módulo lunar era lo más sencillo posible: bastaba con abrir una válvula para que el combustible se mezclará en la cámara de combustión con el oxígeno y se produjera la ignición, que a partir de ese momento continuaba espontáneamente. Pero una cosa era la teoría, y otra cosa distinta que todo fuera bien. Funcionó sin problemas.

4. Salida de la órbita lunar.
Otra vez un cohete hipergólico para acelerar y escapar de la gravedad de la Luna. En caso de que no hubiera funcionado, la nave se habría convertido en un satélite artificial permanente de la Luna… y en la tumba espacial de los dos primeros hombres que pisaron la Luna y del tercer astronauta que se mantuvo en órbita alrededor de la Luna.

5.Reentrada en la atmósfera terrestre. Mucho mejor que Guillermo Tell.
Conforme la gravedad de la Tierra ejercía su “tirón” sobre la nave espacial durante su viaje de regreso, el Apolo 11 aceleró hasta alcanzar una velocidad de más de 40.000 km/hora (es decir, más de 32 veces la velocidad del sonido) en el momento de comenzar a tocar la atmósfera terrestre (a unos 100 kilómetros de altura sobre el nivel del mar). La nave estaba preparada para soportar el calor de la fricción con la atmósfera, y de hecho utilizaba esa fricción como sistema de frenado, lo que la envolvió en una llamarada de fuego, generando temperaturas superiores a los 2.500 grados.
Pero para evitar la desintegración, la nave tenía que entrar en la atmósfera con una trayectoria tan absolutamente precisa que la hazaña de Guillermo Tell con la manzana se quedaba en un juego de niños por comparación.
Para aumentar el suspense, las comunicaciones con la nave se perdían al entrar en la atmósfera, por lo que la única manera de saber que la reentrada había tenido éxito era localizar visualmente la nave una vez se abrían los paracaídas de frenado, a unos 5 kilómetros de altura sobre el nivel del mar. Aproximadamente en ese momento se recobró también la comunicación por radio con la nave. El resto es historia.
Toda esta hazaña fue posible con unas naves controladas por un primitivo ordenador de 48KB del tamaño de una maleta de cabina de avión, que utilizaba como mecanismo de memoria varios kilómetros de cable de cobre. Era una maravilla tecnológica para su época, y cumplió su misión.
Pero sobre todo, la hazaña fue posible gracias al esfuerzo de los miles de personas que hicieron posible el Proyecto Apolo. Y por tres tipos que tenían lo que hay que tener.

(ABC, ESPAÑA)

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¿Esto se entiende en Perú (y en México y en Venezuela y en Argentina y…)?

Desde que comenzó el proyecto de The New York Times en Español, en febrero de 2016, una de las preguntas más constantes que recibimos (dentro y fuera del Times) es cómo elegimos los artículos que traducimos. Se trata de una discusión que los editores del sitio en español mantenemos todos los días amablemente y que ha sido inseparable de otra discusión, a menudo más visceral y menos amable: ¿cómo los traducimos?
Desde Los Ángeles hasta Buenos Aires y desde las Islas Galápagos hasta Barcelona, el español que hablan nuestros lectores varía ampliamente. Solo en América Latina hay más de quince formas distintas de llamar a las palomitas de maíz (en mi ciudad natal es pororó), existen al menos trece formas de referirse a los sorbetes y hay diez maneras distintas de llamar a una vaquita de San Antonio (esos bichitos rojos con lunares negros a los que la superstición popular atribuye buena suerte), tantas como los nombres que se usan para los botines de fútbol. Un deporte que, de hecho, se escribe con acento o sin acento según el país en el que vivas, al igual que “cartel”, “panel” y “video”. La palabra coloquial que usan los venezolanos para decir que están furiosos es la misma que usan los peruanos o los colombianos para decir que están embargados por el deseo. Tenemos distintos nombres para las frutas, para los cortes de carne y para hablar de una ruptura amorosa. Y, por supuesto, todos los lectores están convencidos de que su forma de usar el idioma es la correcta.
Todos los editores que hacemos el Times en Español somos hispanohablantes nativos de México, Argentina y Venezuela, y varios hemos estudiado o trabajado en otros países como Perú, España, Paraguay y Estados Unidos. fotocultu
The New York Times en Español publica entre cuarenta y cincuenta traducciones por semana, además de artículos de opinión y reportajes producidos originalmente en español. Incluso cuando seleccionar, traducir y editar artículos ocupa una gran parte de nuestro tiempo, el corazón de nuestra misión no es traducir textos a otro idioma, sino traducir una marca, una tradición periodística reconocida por su precisión, su imparcialidad y su calidad, a nuevos lectores.
Dar forma a la voz del Times en español implicó crear un nuevo estándar para el uso del idioma: desde el inicio nos dimos cuenta de que no podíamos traducir los textos a un español neutro —un español que no habla absolutamente nadie—, sino que debíamos encontrar maneras de reflejar la riqueza y la diversidad del idioma sin perder legibilidad. Nuestra tarea, tal como la vemos, es hacer entender a los lectores en castellano de distintas regiones que el periodismo del Times es para ellos y que les habla a ellos. Este principio atraviesa nuestro proceso de trabajo desde que elegimos los textos para traducir hasta que discutimos los titulares, y también es el origen de nuestros dilemas y aprendizajes.
Cuando no se trata de noticias de último momento, la mayoría de los artículos que decidimos publicar en español se envían a una agencia de traducción que trabaja con nosotros desde el inicio del proyecto y que ha adaptado su trabajo a nuestras decisiones de estilo. Una vez que el texto está traducido, la regla general es que pase por dos capas de edición (y, en una situación ideal, que los dos editores que trabajan un texto tengan una experiencia distinta del idioma).
Este proceso permite aprovechar nuestra propia diversidad para reducir los malentendidos. Lograr que ciertos usos o construcciones gramaticales que pueden ser naturales para un país o una región salten a la vista de un editor habituado a otros usos del español, y encontrar la solución intermedia más precisa y que mejor suene para todos. Una de las preguntas más repetidas que hacemos en la redacción, de hecho, es: “¿Esto se entiende en Perú (o en Argentina o en México o en Venezuela…)?”.
Muchas veces, resolver nuestras diferencias y dudas deriva en un proceso de investigación y consulta con libros especializados o instituciones rectoras del idioma como las academias de la lengua o Fundéu —dedicada a impulsar el buen uso del español en los medios— que lleva adelante Paulina Chavira, nuestra editora especialista en el uso y las reglas del español. Paulina es nuestra gurú del idioma y es también la responsable de actualizar nuestro manual de estilo, una tarea en elaboración y evolución permanente.
La autoridad y el entusiasmo de Paulina por el español exceden las fronteras de la redacción: su cuenta de Twitter es una fuente de consulta y asesoramiento para sus seguidores y, entre otras cosas, ha logrado que la Selección Mexicana de Fútbol corrigiera las camisetas de sus jugadores antes del Mundial de Rusia 2018 para incluir acentos en los apellidos, una omisión histórica que las hacía ortográficamente incorrectas.
En algunas ocasiones, este proceso nos ha llevado a crear reglas o incluso palabras para traducir de la mejor manera la mirada del Times. Como cuando decidimos usar “elle”, una adaptación al español de un pronombre sin marca de género (a diferencia de él/ella), para poder traducir adecuadamente este Lens sobre personas de género fluido o no binario; o cuando se decidió utilizar una regla flexible para acentuar palabras como fútbol o cártel —o no: futbol y cartel— para respetar el uso común en el país o la región a la que se refiere un artículo (lo que explica por qué los artículos sobre Pablo Escobar se refieren a su organización como “el Cartel de Medellín”, y aquellos sobre Joaquín “el Chapo” Guzmán hablan de “el Cártel de Sinaloa”).
Algunas de estas discusiones y sus soluciones, que surgen de nuestro propio trabajo o de consultas de los lectores, se han convertido de hecho en una sección de nuestro boletín (al que puedes suscribirte aquí) y en nuestra página web, donde compartimos con nuestros lectores algunas decisiones de estilo y Paulina ofrece actualizaciones que se hacen a las reglas ortográficas del español.
No existen algoritmos o diccionarios o herramientas de inteligencia artificial a prueba de errores que puedan resolver los esfuerzos de traducción que hacemos todos los días. Eso significa que dependemos de escucharnos entre nosotros y a nuestros lectores, de reconocer y valorar nuestros diferentes usos y experiencias y la pluralidad del idioma que compartimos.
El puente que hemos construido para llegar a nuestra audiencia (el puente que nosotros cruzamos cuando elegimos qué traducir y cómo hacerlo de la mejor manera), descansa en cuatro pilares básicos: no subestimamos los intereses ni la curiosidad de nuestros lectores; ofrecemos un periodismo global que ayude a entender las realidades locales; cuidamos de la riqueza del lenguaje y sus matices, y nunca dejamos de lado nuestra propia sensibilidad como lectores.
THE NEW YORK TIMES

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Hoy: versos de Amado Dubarry

De Amado Dubarry Bernhard son los textos que hoy ocupan esta página.
Nacido en Salto el 16 de diciembre de 1958, Dubarry es un conocido comerciante de nuestro medio y alguien que ya ha impuesto su nombre en las letras salteñas. Ha obtenido importantes reconocimientos en concursos literarios (por ejemplo, en uno de “microrrelatos” organizado por Antel y otro que organizó la fundación Camilo José Cela, de España). Además, tiene publicaciones propias, como la novela “Puñado de piedritas blancas”. Cultura. A. DUBARRY
Durante algunos años asistió al Taller literario Horacio Quiroga que, dirigido por Leonardo Garet, funcionaba en la Biblioteca Departamental Felisa Lisasola. Los versos que hoy comparte EL PUEBLO son justamente de sus épocas de tallerista (de hecho, se observa que el primer poema es precisamente un “ejercicio” típico de taller, en este caso con versos de ocho sílabas y rima asonante en los pares). Alguna vez, reflexionando sobre la importancia que tiene la lectura en alguien que escribe o aspira a escribir, decía Dubarry a este diario: “¡Cómo forma la lectura, pero la lectura de toda la vida! Uno parece que lee y cayó en un tacho vacío… pero allá un día estás escribiendo y te surge algo leído. Parece que la mente va seleccionando cosas que después va a utilizar. Yo a veces pienso que empecé un poco tarde a escribir, pero no hay mal que por bien no venga, porque como dice Leonardo (Garet), fueron muchos años de escribir sin máquina y sin lápiz. Porque te das cuenta que desde gurí estabas escribiendo sin máquina y sin lápiz”. Y al preguntársele concretamente qué características entiende que debe tener un escritor, decía: “Ser un muy buen lector en primer lugar. Pero lector de toda una vida, no empezar a leer hoy para escribir mañana. Yo me acuerdo que muchas veces me acostaba a leer el diccionario, entonces uno va asimilando, ampliando el lenguaje. Observar mucho, tratar de pulir cada frase… y exigirse mucho, yo insisto con el trabajo, con pulir, con ponerse del lado del lector y pensar si le gustará o si le parecerá una grosería…es todo un tema pero es apasionante”.

EJERCICIOS DE OCTOSÍLABOS CON RIMA ASONANTE
I
Si es romance no hay remedio,
octosílabos tendrá,
cuando menos cuatro versos,
los demás a voluntad.
Primer par fija la rima
que otros pares llevarán,
deberá ser asonante
del principio hasta el final.
Verso de final agudo
una sílaba pondrá,
si en esdrújula termina
una deberá quitar.

II
Cincel que desnudas mármol
buscando la oculta forma,
pincel que cubres la tela
buscando el color que asombra,
pluma que tejes con letras
las palabras que emocionan;
no olvidéis el noble arado
-al que la tierra enamora-,
a la titánica fragua
que el hierro somete y forja,
y el hacha cortando el árbol
que hecho cuna ríe y llora.

III
Cabalga el niño de sueños
montado en blanco corcel,
con los ojos apretados
tratando de ver sin ver.
Le implora el viento al oído
para cabalgar con él,
pero el niño no lo escucha
mientras corre en su corcel.
Invoca el niño los miedos
que le temen responder,
seguro está de vencerlos
mientras corre en su corcel.
No sabe que es libertad
lo que amenaza romper,
su pecho en diez mil chispitas
mientras corre en su corcel.
Ajusta el niño las bridas
del blanco, blanco corcel,
mientras gira gira y gira,
el quejoso carrusel.

IV
¡Detén tu reloj maldito
relojero del infierno!
-El tiempo no es lo que corre,
sino lo que llevas dentro.
¿No ves como se me acerca
la muerte a cada momento?
-No es el tiempo lo que corre,
sino lo que llevas dentro.

 

LECCIÓN SOBRE LORCA
Lo recuerdo bien.

Las sombras arrinconadas cercando el aula clara.

Lo recuerdo bien.

Miles de ojos, prisioneros de tapas oxidadas,

observándonos ansiosos.

Lo recuerdo bien.

Unas manecillas antojadizas y cómplices

queriendo dar las cinco,

de otra tarde, de otro siglo.

Lo recuerdo bien.

Sobre la mesa de estudio,

extendido un capote de arena roja,

y sobre él, el cubilete de la sabiduría

arrojando dados cargados de versos desnudos.

Lo recuerdo bien.

¡Cómo no recordarlo!

Si fue la tarde que conocimos la poesía.

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La “Toma de la Bastilla”, hace 230 años

14 de Julio

Fue un día como hoy, 14 de julio. Fue en la capital francesa y en el lejano año 1789.

La cárcel “la Bastilla”, imponente fortaleza medieval, custodiaba tan solo a siete prisioneros, y su caída en manos de los revolucionarios parisinos significó, aunque más bien simbólicamente, claro, el fin del Antiguo Régimen y el punto inicial de la Revolución francesa. Bastilla
La rendición de esta prisión, tomada habitualmente como símbolo del despotismo de la monarquía francesa, provocó una auténtica revolución social tanto en Francia como en el resto de Europa, llegando sus ecos incluso hasta la lejana Rusia.
A partir de 1880, el 14 de julio ha sido el Día Nacional de Francia, pero no para celebrar la toma de la Bastilla como hecho en sí mismo, sino para recordar la Fiesta de la Federación de 1790, cuya fecha coincidía a propósito y que celebraba la reconciliación y la unidad de todos los franceses.

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Homenaje al padre, en versos de Marosa

Hoy es el Día del Padre. El homenaje de esta página de EL PUEBLO son estos versos, de la más trascendente poeta de Salto, Marosa di Giorgio, extraídos de su libro “Clavel y tenebrario” (Editorial Arca, 1979).

Papá
Santo, Santo,
vuelve hacia nosotras
tus ojos santos,
tiéndenos las manos sagradas,
mira que quedamos sobre la tierra,
abandonadas.
¿Cómo serán estas cosas, ahora,
a tus ojos?
Tú que mirabas, tan dulcemente,Marosa
adentro de los ojos.
Ahí va el instante aquel
cuando saliste de nuestra casa
sin poder volver.
Los días del hospital.
¿Dónde estabas, Sagrado Corazón,
ya, que él a ti, miraba?
¿Dónde tu rosa insigne
que ampara a todos, por igual?
Tengo la tarde amarilla
en que, allá, se reunió, por última vez,
la familia.
Y la tarde amarilla
de la agonía.
Y el velatorio
con los cirios de librium
y los jazmines.
Y, ahora, ¿qué pasa, oh, Dios,
a veces, creo oír, cerca,
tus mágicos violines
y a veces, me parece
que no hay nada.
Sólo esa cosa blanca,
desesperante
y encantada.

Papá
recuerdo los trigos azules que plantaste,
las habas de moño blanco,
los nardos, de rosada lengua,
las estrellas que acompasaron tu paso cuando arabas por las noches.
Tú, el arado, los bueyes, siempre llevaban
pájaros en la espalda y en la frente; el grupo avanzaba,
descomunal, bajo las enormes estrellas que dejaban en el suelo una mancha blanca y una mancha negra.

Las siembras crecían rápidamente.
En pocas horas, los trigos tenían ramas
y unas flores rojas y azules como fuegos, todas en la misma rama;
el haba daba su pastilla negra y su mosquitero blanco;
el nardo erguía la nevada vara todo colmada de sexuales lenguas.

Tu siembra era fugitiva y eficaz.
Y así volvías a la oscura casa.
Y veía cómo te quitabas la capelina que te protegía de la luna, y el mantón de paja.

Papá
Esta mañana voy a recordarlo todo,
y, por sobre todo,
la vid azul,
los blancos habares,
por donde transitabas,

escondido y deslumbrante como Dios.

 

 

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¿La Tierra es redonda? ¿El alunizaje fue un engaño? Cuestionan que el alunizaje de 1969 haya sido real

Shane Dawson, un youtuber estrella, siempre ha tenido un buen instinto para saciar los apetitos cambiantes de quienes usan la plataforma. Cuando empezó a publicar sus videos hace diez años hacía escenas de comedia y parodias de canciones. Pero en 2015 se pasó a la paranoia.

Ahora, un video típico de Dawson lleva música escalofriante y él junta sus manos en un gesto malévolo como el del señor Burns y anuncia: «Es momento para las teorías de conspiración».
Las «teorías» de Dawson son recopilaciones de basurillas de cultura pop antigua, unidas por medio de videos, entrevistas de pódcasts muy alternativos y discusiones de foros web dedicados a temas espeluznantes. Vincula sus videos a los temas más discutidos —habla de los planes malvados detrás de los trompos estilo fidget spinner y de la cantante canadiense Avril Lavigne— pero también promueve los métodos antiguos de pensadores conspirativos: los illuminati son quienes manejan a toda la humanidad, la Tierra es plana y la misión del Apollo 11 fue falsa. Su video «TEORÍA DE CONSPIRACIÓN DE LA LLEGADA A LA LUNA» ha sido visto más de siete millones de veces.
Pero Dawson es un conspiracionista caprichoso. En medio de sus diatribfoto cultuas paranoicas sobre la Luna en ese video se pone la mano sobre el pecho y dice: «De nuevo, esto es solo una teoría. No quiero que me demanden o me encarcelen». Luego entrecierra los ojos, como si estuviera revisando todo el cuerpo de información científica relacionada con el espacio, y dice en tono burlón: «Pero, o sea, la evidencia no es muy satisfactoria».
Es una nueva postura de moda. «Tengo mis vaivenes con las conspiraciones. Tengo una relación de amor-odio con ellas», dijo Joe Rogan en abril durante su pódcast, en el cual ha albergado discusiones sobre teorías de los daños de las «estelas químicas», objetos voladores y si el exbasquetbolista Magic Johnson realmente tiene VIH. En marzo, Logan Paul, un astro de YouTube que busca el impacto, publicó un seudodocumental de cincuenta minutos en el que simula fallidamente hablar de la paranoia sobre cómo la Tierra es plana y de la propaganda en contra de la NASA, para decir finalmente que todo eso es lo más estúpido que ha escuchado en su vida.
Así es como los más famosos del internet están usando un tono irónico y despreocupado para renovar viejas conspiraciones que atraen a públicos nuevos y reciclarlas en maneras en las que pueden persistir en el imaginario cultural. De ese modo, los videoblogueros han inaugurado una manera casual y nueva de vivir la paranoia. Están mutando nuestra relación con cómo siquiera creemos en las cosas: ya no se trata de tener convicciones, sino de divertirse.
Las teorías de conspiración sobre la llegada a la Luna solían ser un tema muy serio. Bill Kaysing, exempleado de una empresa que construyó cohetes para la NASA, le dio fuertes bríos el movimiento en 1976 cuando publicó por su cuenta propia Nunca fuimos a la Luna (We Never Went to the Moon: America’s Thirty Billion Dollar Swindle), un desvarío de doscientas páginas que citaba a Abraham Lincoln y a William Shakespeare e incluía misteriosas reflexiones sobre la propulsión de cohetes y fotocopias granulosas de «evidencia». La teoría fue reavivada en 2001, en la era temprana de la colaboración masiva en internet, cuando un tipo llamado Bart Sibrel produjo un «documental» de 47 minutos llamado A Funny Thing Happened on the Way to the Moon (Algo curioso sucedió camino a la Luna). Mezclaba videos lunares con tomas amenazantes de la Unión Soviética y de Vietnam con la narración de una voz británica muy severa, y fue comercializado en el sitio web MoonMovie.com.
La dizque investigaciones de Kaysing y de Sibrel tienen similitudes con las que abundan hoy en las nuevas plataformas. Dawson, como sus antecesores, es un artista del collage: los tres mezclan comentarios personales y desarrollan las teorías como historias de su conversión al escepticismo.
Sin embargo, el ambiente es distinto.
Kaysing y Sibrel eran locos sinceros. Publicar un libro por cuenta propia, a un costo personal altísimo, requiere una convicción muy firme. Lo mismo para producir una película que pones a la venta, que cobras por vender en DVD. Sibrel dijo en 2003 a The New York Times que lloró cuando finalmente aceptó que creía honestamente en las teorías de conspiración sobre el alunizaje.
Sin embargo, hoy en día no es necesario estar comprometido con la causa para promoverla. Solamente tienes que escribir algo en Reddit o decirlo en un pódcast o poner un emoji de mitad risa-mitad llanto encima de una fotografía de un astronauta en la Luna y publicarla en Instagram.
En los últimos años, el fantasma de que el primer alunizaje humano fue falso ha sido retomado por figuras tan diversas como el fundador del sitio Infowars, Alex Jones (quien lo trató como un tema mortalmente serio); Rogan, el conductor de un pódcast famoso (quien presentó el tema como una divagación curiosa) y el jugador de la NBA Stephen Curry (quien lo dijo en tono de broma y después fue invitado por la NASA a visitar la colección de rocas y muestras lunares).
Dawson, el gran protagonista de temas conspirativos en YouTube, muestra todos esos tonos a la vez; modula su punto de vista en cada oración. Es el nuevo conspiracionista: ambiguo.
El célebre diagnóstico de Richard Hofstadter The Paranoid Style in American Politics (El estilo paranoico en la política estadounidense), de 1964, describió a quienes creen en temas paranoicos como «mentes iracundas» habilitadas por «la exageración intensa, la suspicacia y la fantasía conspirativa».
No obstante, ahora las figuras conspirativas más a la moda no están enfurecidas. No se la pasan llorando sobre el tema lunar. Rogan, del pódcast, ha cultivado una imagen del tipo buena onda que solo quiere contemplar ideas locas antes de hacerlas a un lado. Aunque Dawson predica desde una de las plataformas más grandes del mundo —su canal tiene más de veinte millones de suscriptores—, se presenta como si estuviera asomándose a las partes más oscuras del internet para descubrir con asombro que ahí hay ideas chifladas, como si estuviera viendo una película de terror con veinte millones de sus amigos más cercanos.
Después de su video sobre la investigación lunar, su conclusión es: «Más o menos sí lo creo».
Parece que la ambigüedad emocional se ha vuelto la modalidad predominante de la cultura web. Es a lo que recurren los troles en línea, que se quedan en una línea difusa entre ser sinceros y jocosos para crear caos. Es la postura de muchos en la derecha alternativa o extrema (llamada alt-right en inglés), que recicla las ideas antiguas del nacionalismo blanco con los memes de internet, que disfraza creencias serias con una pátina de ironía. Es también parte de las personalidades más juguetonas y animadas de YouTube.
Como los otros videoblogueros que hacen monólogos sobre maquillarse o las relaciones o la vida familiar, Dawson se mueve entre ser la autoconfianza y el autodesprecio.. Pronuncia contundentemente algo para después socavarse a sí mismo con comentarios al margen.
Un fragmento que Dawson usa en uno de sus videos es una muestra de esto. «Son los hechos, nada más», le dice a la cámara en medio de su «investigación» sobre la moralidad de la pizzería Chuck E. Cheese. Luego pestañea, levanta sus manos y se corrige a sí mismo: «No, espera, la verdad no. Es una opinión, nada más». La cámara se aleja de su cara mientras él hace un gesto como de vergüenza:
El punto no es si la conspiración es real o no, si son los hechos o una opinión, ni siquiera si lo que se está diciendo es plausible. El punto es que es divertido y estimulante.
Los teóricos de conspiración clásicos estaban por lo general motivados por la desconfianza en las autoridades o el sentimiento de falta de poder en el ámbito social, pero los teóricos ambiguos se animan con un impulso mucho más sencillo: están aburridos. Para ellos es divertido o hasta tranquilizante encontrar patrones efímeros de la cultura pop, como si fuera un juego de emparejar mosaicos. Los videos de Dawson normalmente empiezan con un mensaje de advertencia de que el contenido solamente es para fines «de entretenimiento».

(The New York Times)

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