El sábado 8 de junio vuelve “Vacas gordas”

La obra teatral “VACAS GORDAS” que a principio de mes estrenó “SINTAPUJOS” vuelve a escena nuevamente el sábado 8 de junio a las 20 horas en el Salón de Fiestas de la Sociedad Italiana.
Después de estrenarla en una noche de lluvia y tormenta intensa que no permitió a mucha gente poder presenciarla y luego de participar en el Encuentro Regional de Teatro realizado en la Udelar, regresa a escena para que el público salteño disfrute de esta obra que conmueve por su ternura y pureza. Entradas en venta en Office 2000 en sus dos locales(Centro y Zona Este)

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El Zambullidor se instaló durante todo el día en la Plaza Treinta y Tres

Los docentes y alumnos que organizaron el pasado martes las celebraciones Do Santos con una de las estudiantes que representó a un personaje por el Día del Libro en Plaza Treinta y Tres calificaron el evento como sumamente exitoso. Pese al frío y la niebla de la mañana, no llovió (como había ocurrido la semana anterior, el día que estaba previsto que se realizara) y eso permitió que fueran varias las delegaciones escolares, así como público engeneral, que acompañaron tanto en la mañana como en la tarde. Se trató de una muy buena ambientación, en diferentes sectores de la plaza, de los distintos capítulos de la novela El Zambullidor, de Luis Do Santos.
Un agregado especial tuvo la jornada por el hecho de que el propio autor estuvo presente, compartió momEl autor recorre los estandsentos con el público y sobre todo respondió preguntas de maestros y niños. La actividad fue organizada por los alumnos y profesores de la carrera de Magisterio, del Instituto de Formación Docente “Rosa Silvestri”.

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Diversas actividades en el mes del libro organizadas por la Asociación Marosa di Giorgio

La última será mañana en Liceo 2

En el marco del Día Nacional del Libro, celebrado en Uruguay el 26 de Mayo, laLecturas de los profesores Rosario Gómez y Facundo Jardim Asociación Marosa Di Giorgio (Asomar) en coordinación con el Departamento de Cultura de la Intendencia Municipal de Salto y el Museo Casa Quiroga, continúan realizando actividades destinadas a «despertar en los escolares el amor por las buenas lecturas». En ese contexto, distintas instituciones públicas y privadas del medio local han participado de los eventos que promueven el contacto y conocimiento de los escritores salteños de ayer y hoy, mediante visitas guiadas por el museo a cargo de MiLiceales en Casa Quirogariam Gómez, lecturas comentadas por los profesores Rosario Gómez y Facundo Jardim (Presidente y Vicepresidente de la Asociación), y el encuentro con el autor Wilson Faval, autor del recientemente publicado libro «Catarsis».
La bienvenida de los jóvenes visitantes estuvo a cargo de la Lic. Miriam Lluberas (Secretaria), siendo partícipes del ciclo el Colegio y Liceo Nuestra Señora del Carmen (Salesianos-Salto) el día 24 del presente mes, la escuela Nº 64 «España» el día 27 y próximamente, el viernes 31 a las 17.30, el Liceo Nº2 Antonio Grompone.

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Alrededor de 1000 personas fueron las que asistieron al Encuentro Regional de Teatro del Cenur del LN

El pasado sábado 25 de mayo culminó el Encuentro Regional de Teatro del Cenur Litoral Norte, UdelaR, evento artístico que congregó a siete elencos de Argentina y Uruguay y contó con la participación y apoyo de diferentes artistas de Salto, organismos locales y nacionales. En ese marco, a lo largo de los tres días que duró el Encuentro, se estima que circularon cerca de 1000 personas que presenciaron obras de teatro y asistieron a charlas o talleres promovidas por la sede universitaria local.
La primera actividad del evento fue la presentación de la obra “La Araña” eFunción Juevesn la Unidad Penitenciaria Nº20 del Instituto Nacional de Rehabilitación (INR) donde personas privadas de libertad pudieron presenciar este propuesta del grupo montevideano La Maroma.
A las 19 hs, se inauguró el espacio teatral para el público en general en la sede Salto Udelar. “La Puerta Secreta”, obra proveniente de Concordia, abrió el evento con un Aula Magna colmada de jóvenes de diferentes instituciones secundarias y terciarias y público general.
Más tarde, a las 21hs se dio paso a la obra del elenco local, Sintapujos, que presentó “Vacas gordas” bajo la dirección de Oscar Bibbó.
El viernes se utilizaron dos escenarios diferentes; a las 20 hs se presentó nuevamente (esta vez en el Aula Magna) “La Araña”; a las 20.30 hs el público se trasladó a la Sociedad Italiana donde se estrenó “El Banquete”, obra a cargo del Elenco Departamental de Salto. En esta última función se vio colmada la capacidad de la sala y quedaron personas sin poder presenciar el espectáculo.
Durante el último día del Encuentro se realizaron múltiples actividades. La mañana comenzó con una Mesa de Intercambio que contó con la presencia de siete hombres y muJueves Bibbójeres privados/as de libertad que presentaron dos audiovisuales del Taller de Teatro del Oprimido de la Unidad nº20 (INR), perteneciente al Programa Aprender Siempre (Ministerio de Educación y Cultura). Luego, cinco referentes de los distintos elencos que participaron en el Encuentro, compartieron e intercambiaron con los asistentes sus experiencias de gestión y dramaturgia.
En la tarde del sábado se brindó un Taller de Dramaturgia titulado “El drama de hacer dramas”, a cargo de la actriz y dramaturga Estela Golovchenco.
Cerraron el Encuentro las obras teatrales de “El Canillita” del grupo Sin Fogón (Fray Bentos); ¿Quienay? Grupo Teatro Ronda (San Salvador) y “Invisibles, o la intención de no ver” (Mar del Plata).
Esta última se presentó en la Sala Teatral del Andén, también a sala llena.Jueves La Puerta

HOMENAJE E INTERCAMBIOS
Un punto importante del Encuentro Regional de Teatro del Cenur Litoral Norte, fue el homenaje a Oscar Bibbó por sus 60 años de trayectoria teatral.
La sede Salto UdelaR le entregó una estatuilla de reconocimiento al actor y director por su trabajo en el teatro local. Cabe mencionar que la estatuilla fue realizada por un hombre privado de libertad en la Unidad nº20.
También fueron significativos los espacios de intercambio durante los intervalos del jueves 23 y el sábado 25 de mayo. Allí, referentes de Salto y Paysandú, expusieron distintas miradas sobre lo que implica el hacer teatral en el Litoral.
En este espacio se contó con la presencia de Darío Lapaz, Pablo Sanchez, José Pepe Rodrigues y Salomón Reyes. Otros artistas y colectivos locales también brindaron su apoyo en la gestión y organización del Encuentro, tales como Alejandro Fernandez, Evangelina Olguín, Néstor Chirif, Leticia Pou, la Cooperativa de Artistas Victor Lima, El Andén y la Cantina de la sede Salto UdelaR.
El Encuentro Regional de Teatro fue organizado por la sede universitaria de Salto dentro de su Programa Anual de Cultura, con el apoyo del Programa Aprender Siempre (PAS), Centro MEC Salto y la Dirección Nacional de Cultura del Ministerio de Educación y Cultura, la Unidad Penitenciaria Nº20 del Instituto Nacional de Rehabilitación y Cultura de la Intendencia de Salto.

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María Angélica Pérez y estos versos que reconstruyen la memoria

Poemas de María Angélica Pérez Pallares ocupan hoy esta página. Nació en Salto. “Viví toda mi vida en la zona portuaria, aunque actualmente en el centro. Ma. Angélica Pérez
Concurrí al liceo Osimani y Llerena y al Instituto de Formación Docente, donde me gradué como maestra en el año 1970”, narró María Angélica a este diario.
En la actualidad trabaja con personas con dificultades en distintas disciplinas artísticas como plástica, literatura y teatro.

Barrio de mi infancia

Cada vez que te añoro
vuelvo a ti, barrio,
resurgiendo a borbotones recuerdos
reviviendo a pantallazos
mi infancia.
Así van pasando
las cargadas y apenas visibles barcazas
llegando a puerto,
los griteríos y carcajadas de portuarios
esperando su hora
para hacer la zafra;
los ronroneos de motores
y la pesada balanza;
las crujientes grúas
y ese hermoso reloj
con sus dulces campanadas;
los espumosos motores de las lanchas,
los sonrientes turistas,
los bagayeros aventurándose
con sus pesadas cargas
hombreando día a día
su salario de hambre.

Día a día esto se repetía
en forma bulliciosa;
y más era el bullicio
cuando se cobraba la changa.
Nadie se retiraba
Si no se la gastaban
en el almacén del puerto,
donde su borrachera dormían.

Por temporadas, a veces,
todo se quietaba
porque el río se enojaba
y hacia muchas manzanas
bravío avanzaba.

Todo se aquietaba “a medias”.
Ahora se sentía:
el golpeteo continuo del agua
el caminar de los curiosos
para observar la altura
de nuestro enfurecido río,
y por la noche
cuando todo era sombras,
sólo se escuchaba
el croar de las ranas
o el golpe seco
de algún cururú
que perdido o andariego
esperaba quién sabe qué.

Cada vez que te añoro
vuelvo a ti, barrio,
resurgiendo a borbotones recuerdos
reviviendo a pantallazos
mi infancia.

Tictac y silencios

Meditabunda y sola en la cocina
me envolvía el hastío y la tristeza
cuando sacudió fuertemente mi alma
por la ventana del espacio abierta.

Diez campanadas del viril reloj
con un tañir lúgubre y quejumbroso
en un atardecer triste de invierno
invade mi silencioso momento.

Sumergiéndome, triste en los silencios
el plañir del reloj me encantaba
tictac monótono que yo adoraba.

Mueves tu máquina pesadamente
tu péndulo golpetea mi alma;
un suspiro escapa profundamente.

Al viejo campanario

El viejo campanario, con palomas,
el día claro con el sol quemante,
la suave brisa con pinos juega.
Estoy sola, con la plaza delante
los recuerdos a borbotones vienen
a mi frágil memoria titubeante,
aparecen, con aroma de ausencia
y desaparecen…zigzagueantes.

Un estampido de palomas, se oye,
viejo campanario, solo quedaste…

El ayer, el hoy…el mañana

Mis ropas
las mismas de hace mucho
hace tanto…
que perdí la cuenta;
mis pantalones están lustrosos
pero de historias…
cada mañana es un rito.
Saco brillo a mis añosos zapatos
(aquellos … ¿te acordás?)
Mi camisa…
la de los días festivos
y ese pantalón por suerte oscuro
para no resaltar sus manchas.
Eso sí…
lustroso…
pero de historia.
Así día a día
nostálgico y medio doblado
salgo día a día
a buscar…
lo mismo que hace 30 años,
que salía airoso y alegre
conquistando el mundo
pero en ese momento
todo lo podía.
Ahora con muchísimos años encima
porque así me siento,
salgo otra vez,
pero ahora,
nostálgico y medio doblado
con mis pantalones lustrosos
y mis zapatos añosos
a buscar…
lo mismo que hace 30 años
pero ahora…
cansado
y con mucha historia
cargando mis hombros.
pasarán los años
con mi cabeza canosa
seguiré nostálgico y desesperado
completando mi foja de servicio
para poder llegar
a una vejez tranquila.
¿Cuál vejez?
si ya me siento ajado
por dentro y por fuera
sin fuerzas para disfrutar
de esta vida, que junto a mí pasó
y yo…sin darme cuenta.

Calle Brasil 123

A la casona vieja fracturada
por un río bravío
que en los meses de abril y mayo tiembla
por el río Uruguay embravecido.

Oh casona centenaria del puerto,
se volvieron agrietados tus pisos
el polvillo de los muebles espeso
ni hablar de los ventanales sin brillos.

Ejércitos de insectos te visitan
cruzan tu desprotegido y gran patio
las telarañas en rincones cuelgan.

Antes que te tire el furioso río
antes que te destroce de a pedazos
y se convierta en ruinas el caserío
te terminen de tirar en cuajos
y hacia el sur cabalgues enfurecido
flotando a la deriva tus pedazos

cuando una mañana abra mis ojos
en mis sueños espero…
surjan a borbotones los recuerdos
llenándome en vida, de consuelo.

 

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Lo dijo Borges

UNO -
“De los diversos instrumentos del hombre, el más asombroso es, sin duda, el libro.
Los demás son extensiones de su cuerpo.
El microscopio, el telescopio, son extensiones de su vista; el teléfono es extensión de la voz; luego tenemos el arado y la espada, extensiones de su brazo.
Pero el libro es otra cosa: el libro es una extensión de la memoria y de la imaginación.
En César y Cleopatra de Shaw, cuando se habla de la biblioteca de Alejandría se dice que es la memoria de la humanidad.
Eso es el libro y es algo más también, la imaginación.
Porque, ¿qué es nuestro pasado sino una serie de sueños? ¿Qué diferencia puede haber entre recordar sueños y recordar el pasado? Esa es la función que realiza el libro.
Yo he pensado, alguna vez, escribir una historia del libro.
No desde el punto de vista físico. No me interesan los libros físicamente (sobre todo los libros de los bibliófilos, que suelen ser desmesurados), sino las diversas valoraciones que el libro ha recibido.
He sido anticipado por Spengler, en su Decadencia de Occidente, donde hay páginas preciosas sobre el libro”.

DOS -
“Creo que la frase lectura obligatoria es un contrasentido, la lectura no debe ser obligatoria. ¿Debemos hablar de placer obligatorio? ¿Por qué? El placer no es obligatorio, el placer es algo buscado. ¿Felicidad obligatoria? La felicidad también la buscamos.
Yo he sido profesor de literatura inglesa durante veinte años en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires y siempre les aconsejé a mis estudiantes: si un libro los aburre, déjenlo, no lo lean porque es famoso, no lean un libro porque es moderno, no lean un libro porque es antiguo.
Si un libro es tedioso para ustedes, déjenlo… ese libro no ha sido escrito para ustedes.
La lectura debe ser una forma de la felicidad”.

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Lo dijo García Lorca

“No tengo nunca un libro, porque regalo cuantos compro, que son infinitos (…) No sólo de pan vive el hombre. Yo, si tuviera hambre y estuviera desvalido en la calle no pediría un pan; sino que pediría medio pan y un libro.
Y yo ataco desde aquí violentamente a los que solamente hablan de reivindicaciones económicas sin nombrar jamás las reivindicaciones culturales que es lo que los pueblos piden a gritos.
Bien está que todos los hombres coman, pero que todos los hombres sepan.
Que gocen todos los frutos del espíritu humano porque lo contrario es convertirlos en máquinas al servicio del Estado, es convertirlos en esclavos de una terrible organización social.
Yo tengo mucha más lástima de un hombre que quiere saber y no puede, que de un hambriento.
Porque un hambriento puede calmar su hambre fácilmente con un pedazo de pan o con unas frutas, pero un hombre que tiene ansia de saber y no tiene medios, sufre una terrible agonía porque son libros, libros, muchos libros los que necesita, ¿y dónde están esos libros? ¡Libros!, ¡Libros!
He aquí una palabra mágica que equivale a decir: ‘amor, amor’, y que debían los pueblos pedir como piden pan o como anhelan la lluvia para sus sementeras”.

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Brad Pitt y Leonardo DiCaprio hablan sobre Tarantino, el viejo Hollywood y la fama

CANNES, Francia — Quentin Tarantino regresó con un estallido y el amor de los críticos al Festival de Cannes después de veinticinco años con Érase una vez… en Hollywood (Once Upon a Time … in Hollywood), su mejor película en años. Es como un sueño que sigue a algunos personajes hollywoodenses que viven en un Los Ángeles lleno de estrellas y esmog en 1969, el mismo año en el que la secta de la familia Manson tuvo su ola de asesinatos. Una de las víctimas fue la actriz Sharon Tate, en ese entonces casada con el cineasta Roman Polanski.
En el Hollywood de Tarantino, Tate y Polanski viven al lado de Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), un actor de televisión con muchas dudas sobre sí mismo y que está pasando por un mal momento. Su mejor amigo es Cliff Booth (Brad Pitt), doble de acción cuyos mejores días quedaron atrás. Rick podría haber sido como Clint Eastwood; Cliff debería haber sido como Steve McQueen.
Después del estreno en Cannes, el 22 de mayo, me senté a conversar con Pitt y DiCaprio en el hotel Carlton, con vista al mar Mediterráneo. Los dos habían estado dando entrevista tras entrevista como parte de la operación de publicidad de Sony cultu1Pictures; los empleados del estudio lucían constantemente preocupados, como si estuvieran manejando una pieza de arte extremadamente frágil, pero los dos famosos actores se veían perfectamente relajados. Cada uno fue amable, directo y parecía estar contento de conversar; claro, llevan mucho tiempo en este negocio. MANOHLA DARGIS ¿Tarantino les enseñó algunas películas en particular en preparación para sus papeles?
BRAD PITT [dicho a DiCaprio] Más a ti que a mí.
LEONARDO DICAPRIO Tuvimos una proyección de varias películas que no conocía, de muchas series de televisión de los años sesenta con actores como Ralph Meeker o Ty Hardin, que pudieron haber sido tan grandes como McQueen pero no hicieron la transición de la televisión en blanco y negro, sobre todo en los wésterns, a películas que cimientan carreras como El gran escape. Entonces era como una historia de amor a ellos: ¿les tocó esa única oportunidad? No, se les fue. Entonces así se empieza a hablar del personaje, de lo que pudo haber sucedido, cómo lidia con ser un tipo trabajador en la industria que ha estado pasando de serie de televisión a serie de televisión. ¿Eso qué efecto tiene en su mente y en su confianza?
PITT [Recuerdo] muchos de esos programas. De hecho, [Tarantino] me hizo recordar tanto de lo que había olvidado. Hasta vimos algo de Billy Jack, con Nacidos para perder de Tom Laughlin, solamente por diversión. Básicamente nos criaron viendo lo mismo en cine y televisión. Hablamos mucho de la relación entre un actor y su doble de acción. Pude conocer a Bud Ekins, el doble de Steve McQueen. Era una relación legendaria; él hizo el salto en El gran escape y por él McQueen le agarró gusto a las motocicletas. Y luego también fue doble de Burt Reynolds y Hal Needham. Justo empezamos a tener las sesiones de prerrodaje cuando él falleció. Me sorprendió lo entretenido que fue conocerlo y lo mucho que estaba dispuesto a hablar, me conmovió. DARGIS Y ustedes dos ¿solo pasaron el rato para desarrollar el flujo entre su personajes?
DICAPRIO Llegas a Hollywood y básicamente estás aislado; te las tienes que arreglar a solas. [Rick y Cliff] dependen para todo de su amistad. Inmediatamente pudimos encontraros en sus zapatos. Entendimos esa relación tan bien [risas] que para el primer día ya éramos ellos.
PITT Sí fue automático. Los dos empezamos a surgir en la industria casi al mismo tiempo, nos hemos topado muchas veces, tenemos muchas referencias similares. Siempre he sentido que no entiendes el acuerdo al que llegas hasta que de repente eres una gacela sola en la planicie y desapareció la manada, por decirlo de algún modo. Y sabes, mi amigo acá [señala a DiCaprio] ha estado en las mismas. Entonces hay automáticamente cierto confort en que hemos vivido lo mismo de esa manera. No es para nada una queja sobre eso vivido, estoy diciendo un hecho. Nos respetamos mutuamente y yo sé cuándo un actor es alguien que mejora una escena, entonces tenemos ese respeto.
DARGIS Las películas de Tarantino ya están muy plasmadas desde el guion y él tiene una voz muy fuerte. ¿Les cuesta trabajo sacarse esa voz para sustituirla con la propia? DICAPRIO ¿Escuchar la propia, dices? [Risas] Supongo que sí. Él es una personalidad enorme, claro, y también un gran artista. Pero, mira, te deja adueñarte. [Hay] momentos que tienes que alcanzar. Pero hay muchas oportunidades para que, ya que te metes de lleno, puedes hacer algo completamente improvisado. Y ahí casi tienes puntos de referencia con su diálogo y su voz y las muchísimas conversaciones que has tenido con él sobre el personaje y qué tipo de película quiere hacer. De ahí florece a veces lo demás; eso ha pasado varias veces.
PITT ¿Sabes cuando tienes un altercado en público y dices algo estúpido, que después en el camino a casa piensas el comentario muy inteligente que te gustaría poder haber dicho? Su diálogo es ese comentario muy inteligente. DARGIS Rick Dalton es como el Clint Eastwood que nunca se volvió eso.
DICAPRIO Es el tipo que casi tuvo la oportunidad y eso es una tortura para el personaje. Yo crecí en esta industria, tengo muchos amigos que son actores y hay muchísimo talento. Pero realmente depende de si estuviste en el lugar correcto en el momento idóneo.
PITT De eso hablamos para el tema de las plataformas de emisión. Con las transmisiones en línea vemos tanto talento que en realidad siempre estuvo ahí. Hay muchísimas más oportunidades. Estamos viendo esta riqueza de actores, guionistas y directores. Y me recuerda la suerte que tuvimos de despegar donde lo hicimos.
DICAPRIO Ajá.
DARGIS Me preocupa que tanto parece desechable.
PITT Puede que lo sea. Realmente me interesan las generaciones más jóvenes que nada más no pueden quedarse sentadas durante una sola película. Quieren toda la información más rápido. Puede que así esté cambiado completamente el momento, no lo sé.
DICAPRIO Le veo lados positivos al que las cosas e ideas y tramas por los cuales los estudios normalmente no quieren apostar ven la luz gracias a estos servicios de emisión. Entonces la nata sí surge. ¿Qué decía la gente cuando empezó la transición de películas sin habla al cine sonoro y luego con el surgimiento de la televisión? Tuvimos todos esos cambios, pero las grandes piezas de arte siguen siendo discutidas y, ojalá, no vamos a quedar tan sobrepasados que nos confunda.
DARGIS Érase una vez… me pareció muy conmovedora.
PITT Sin duda, desde el guion se siente.
DICAPRIO Lo único que puedo decir es que sé la importancia del significado que tuvieron los asesinatos de Manson, como alguien nacido en Los Ángeles y con padres que, aún hoy, siguen siendo hippies.
DARGIS ¿Hippies de verdad?
PITT Vi a su papá un día en el plató y le dije: “Qué bien, va a salir de extra”, y me responde: “No, así es siempre”.
DICAPRIO Hablaban de cómo fue un momento de pérdida de inocencia, un giro respecto a los ideales de cómo pensaban que sería el futuro y que de repente con este tipo de cabello largo que manipuló a tantos jóvenes a hacer lo que hicieron cambió ese mundo.
PITT Yo dejo [la película] sintiendo un recordatorio esperanzador de cómo puede ser el mundo, cómo podemos ser.
DARGIS ¿Cuál parte te parece esperanzadora?
PITT La de cuidarnos entre nosotros, así me siento al final. Me genera cariño hacia Quentin [Tarantino]. Puede que esté proyectando, pero veo a un niño que estaba solo en su casa y encontró su consuelo y dirección con estos héroes en su pantalla, la chica y la grande. Veo eso en sus diálogos y lo veo en los escenarios. Me parece muy enternecedor que exponga así sus propias dudas [DiCaprio empieza a asentir]. Creó a un chico muy inocente al que le gustaría que así fuera la vida. Tal vez es porque conozco a Quentin que me parece esperanzador y enternecedor. Me conmovió mucho mucho al final.
DARGIS Me parece muy interesante que otra vez prefirió hacer algo ambientado en el pasado.
PITT Es un regreso a su niñez.DICAPRIO Sí, estoy de acuerdo. Lo que dijo Brad es muy pertinente porque el cine y la televisión, todo esto, está en el ADN [de Tarantino]. Pone todo en un contexto histórico, pero también crea una especie de cuento de hadas. Toda esta idea en la que él recrea la historia —como en Bastardos sin gloria, lo que hizo con Hitler— es muy como Scorsese, donde su niñez, el cine con el que crecieron, se quedó en su ADN y su léxico y capacidad de conversar con otros…
(The New York Times en Español)

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Ecos del 1er. Festival de Jazz Internacional en el Chalet “Las Nubes”

Los días 11 y 12 de mayo se realizó el 1er. Festival de Jazz Internacional en el Chalet “Las Nubes” organizado por el grupo Déjà Vu y la Asociación Amigos de “Las Nubes”. Estas actividades del grupo Déjà Vu en Las Nubes cuentan con un gran número de seguidores que colaboran con la compra de bonos para así poder continuar con las obras de restauración de este sitio patrimonial. El festival resultó muy exitoso, con gran afluencia de público y se han recibido diversos y muy elogiosos comentarios, como la crónica que a continuación compartimos, escrita por un especialista en Jazz, enviada especialmente para EL PUEBLO y hoy publicada en exclusividad por este diario. FESTIVAL DE JAZZ, DOMINGO

PRIMER FESTIVAL DE JAZZ INTERNACIONAL EN “LAS NUBES”
(Por Cecilio Curubetto, responsable del programa Jazztapronto, que se emite a través de Facebook los lunes en la noche) Muchos opinan que el jazz está en decadencia o que es para una élite, nada más alejado de la realidad, el Jazz vive y late.
A falta de promotores, son los propios músicos que con su esfuerzo, su dedicación y su compromiso llevan adelante sus proyectos para presentar su arte. De esa inquietud nace la organización del primer Festival de Jazz en Salto. Con un ambicioso programa y en un ícono de la cultura salteña se realizó los días 11 y 12 de mayo el 1er. Festival de Jazz en el Chalet Las Nubes. El primer día y con puntualidad inglesa, fue el grupo Deja Vú quien tuvo la responsabilidad de abrir el espectáculo que se presentaba con una sala colmada y con entradas agotadas desde el día anterior.Conocido en el ambiente salteño el quinteto Deja Vú cuenta con una particularidad en su instrumentación; prevalecen los instrumentos melódicos, Liliana Forti en piano, Daniel Stella en teclados, Coco Pereira Das Neves en acordeón y Oscar “Bochón” Bordagaray en saxo tenor mientras que la parte rítmica esta acotada a José Luis Curubeto en batería y, en esta oportunidad, el grupo se presentó como septeto en algunas interpretaciones, con los músicos invitados Anselmo Curubeto en guitarra, y la cantante Analía Sardo. El grupo encaró varios temas, algunos muy conocidos como This Masquerade, The Shadow of your smile, You´re the sunshine of my life y un tema que – en su versión jazzística – realizaron Yank Lawson y Bob Haggart, el popular Sunny. No faltó el recuerdo a la música francesa que estuvo a cargo del tema Cést si bon, con mucho swing y un dúo de acordeones a cargo de Stella y Pereira Das Neves que nos remontaron a las calles de París. “Si tu vois ma mere” es una canción compuesta por el saxofonista Sidney Bechet y que con acertado tino Deja Vú incluyó en su repertorio, finalmente la joven cantante Analía Sardo dió el toque que faltaba para finalizar una brillante y muy aplaudida actuación de este numeroso y ecléctico grupo que día a día se supera.
Luego de un breve intervalo para que los organizadores y los técnicos de sonido hicieran los cambios de rigor se presentó el Willy Jazz Trío, Willy Curubeto en piano, José Luis Curubeto en batería y Anselmo Curubeto en guitarra. Es bien conocida la versatilidad musical de este pianista salteño que vive y realiza su carrera artística en Buenos Aires. En el comienzo sorprendió a la audiencia con su imponente arreglo del tema de Victor Lima “Adiós mi Salto”; la armonía jazzística, y la síncopa aplicada a esta canción tan nuestra dejaron atónita a buena parte del público presente que estalló en aplausos. Luego, Curubeto, con su habitual voz pausada y calma presentó a su hermano José Luis y a continuación anunció “Chacarera del Rancho” de Adolfo Abalos, un huracán de música se hizo presente con un intrincado arreglo y una batería que de inmediato arrancó los aplausos de la audiencia, hacer un solo de batería partiendo de una chacarera y en su desarrollo pleno de color variar el timbre, el ritmo y la intensidad no es poca cosa, resumiendo: el dúo tuvo en esos dos temas lo más elevado de su presentación sabatina. Anselmo Curubeto, se sumó para encarar en la guitarra – en un muy adecuado registro – “Vivo soñando” de Antonio Carlos Jobim un bossa que marina de maravillas con el jazz, “Take the A train” y “Don´t get around much anymore” de Duke Ellington dieron pié para que Anselmo hiciera interesantes solos e imprimiera al trío una importante cadencia rítmica. Finalmente Willy presentó una composición de su adolescencia, con una muy creativa mezcla de sonido que arranca con una grabación en vivo donde Willy se presentó en Montevideo en el Teatro Odeón en 1976 y luego se mezcla con el toque en vivo, genial y creativo. Con un auditorio de pie terminó con suntuoso éxito el primer día del Festival. Las personas que tuvieron la lucidez de comprar el abono para los dos días del Festival estuvieron de parabienes. El domingo 12 desembarcó en el escenario el trío concordiense Olivera-Agostini-Barco. Santiago Olivera bajo de seis cuerdas, Nacho Agostini en batería y Martín Barcos en saxos, soprano y alto y flauta,. Con un repertorio netamente dedicado a temas del estilo be-bop, el trío dedicó su actuación a Thelonious Monk y Charlie Parker.
Donna Lee de Parker fue abordado con un tempo levemente superior al original de Bird y que notoriamente descolocó al auditorio poco acostumbrado a tantas notas seguidas y a velocidad de vértigo, donde Barcos nos mostró que si puede con tan difícil composición y que pocos se animan a incluir en su repertorio para ejecuciones en vivo.
El difícil “Round´midnight” de Monk trajo calma pero mucha concentración al trío que se vio cómodo en tempos muy lentos y la cadencia de la batería de Agostini resaltó más los silencios que los toques, excelente. “Caravana” de Juan Tizol rememoró la época del estilo Jungle de finales de los años 20 con la orquesta de Ellington, Agostini presentó un exótico instrumento, “el garrahand”, (una especie de garrafa de tres kilos con algunos cortes) posado sobre uno de sus tambores y ejecutado con palillos de goma que le dió un sonido oriental. Un trío sin desperdicios, a pura síncopa y con un jazz de alto vuelo, hay que tenerlo en cuenta para otras actividades. Como es tradicional en todos los festivales, terminó con una jam-session donde los músicos dieron rienda suelta a las improvisaciones en torno a Blue Monk, destacados todo los solos de los participantes, tantos concordiense como salteños.
Un excelente Festival en Las Nubes, una sala que quedó chica y que tanto por el público como por el nivel musical anima a que venga una segunda edición. Hasta el próximo año.

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Tras el final de la serie más vista de los últimos años la prensa dice: La lección final de ‘Juego de tronos’

Si tuviera que escoger una única imagen de esta última temporada de Juego de tronos sería un primer plano del capítulo quinto: el de la cara magullada y cenicienta de Arya Stark, atravesada por diagonales de gris y de sangre, superviviente de la aniquilación de Desembarco del Rey.
Su cara mirándome, superpuesta a la mía, en un juego de abismos, porque la fotografía oscura que ha caracterizado los seis episodios finales ha transformado por momentos la pantalla en un espejo negro. fotocultu
Tras esa máscara un cerebro modelado durante años por la venganza —adivinamos— toma la decisión de cambiar en su lista negra a Cersei por Daenerys, una ira por otra. Me recuerda aquel momento de La ilíada en que, tras descubrir que Patroclo ha muerto, Aquiles “con ambas manos el requemado hollín” y “la negra ceniza” se derrama “sobre la cabeza”. El héroe enmascarado decidirá luchar finalmente en la guerra de Troya y consumar su destino.
Tres mil años después, la discípula de los Hombres sin Rostro toma una decisión muchísimo más polémica. Y no es la única: en una serie marcada por el conflicto y la multiperspectiva, por una vez se impone el consenso entre linajes enemigos. Tyrion Lannister y Arya Stark —rápidamente— y Jon Targaryen —siempre más lento— coinciden en que la iluminada y draconiana Daenerys, a quien Benioff y Weiss (escritores y directores del capítulo final) nos presentan en lo alto de una escalinata, entre Drogon y un enorme estandarte rojinegro con el escudo Targaryen, es decir, en una clara escenografía fascista, es una genocida que no cesará de masacrar hasta que hinquen la rodilla todos y cada uno de los habitantes de los Siete Reinos.
En la épica homérica no encontramos el maniqueísmo de las epopeyas medievales ni del cine bélico del Hollywood clásico. Sí encontramos, en cambio, los dioses que Shakespeare eliminó del horizonte moral de sus tragedias. Juego de tronos ha construido una impresionante y compleja épica teleshakespeariana que con el paso de las temporadas ha ido tendiendo hacia la simplificación. Sobre todo a causa del protagonismo que han ido adquiriendo algunos personajes, de modo que la red inicial se ha ido licuando en un polígono de pocos rostros.
En la serie nunca ha sido válida una lectura de buenos y malos. Pero, en esa deriva de la complejidad de la colmena a la centralidad de media docena de individuos decisivos, hemos pasado del parricidio y el relevo generacional de las primeras temporadas a una defensa a ultranza de los lazos de la hermandad.
Por un lado tenemos a Daenerys Targaryen, que perdió a su odioso hermano, a sus dos maridos, a su más fiel consejero y a dos de sus tres hijos dragones; por el otro, a los hermanos Sansa, Bran y Arya Stark, huérfanos también, pero con vínculos familiares muy vivos. Y en medio se encuentran Tyrion, cuyos hermanos han muerto, y Jon Snow, el bastardo, el hijo secreto, que en el momento decisivo decide traicionar a su amante y tía Targaryen y reforzar su identidad autobiográfica, su hermandad infantil. Esa decisión provoca la ira de Daenerys, su ataque despiadado y desproporcionado.
Robert Veban ha estudiado en La destrucción de la memoria la historia de los asedios, ataques y bombardeos que desde siempre han atentado contra los habitantes de las ciudades y contra sus edificios emblemáticos: “La arquitectura se ha convertido en un campo de batalla en el cual todavía hoy se dirimen otras luchas de tipo ideológico, étnico o identitario”.
Cuando Daenerys —secuestrada por la rabia y la venganza— reduce la capital de los Siete Reinos a un cementerio de escombros no solamente derriba a Cersei, también se carga el Antiguo Régimen, con una mitología que une con lazos míticos a todas las dinastías de Poniente. Ella destruye con la artillería bestial del único hijo dragón que le queda la arquitectura de su propia infancia, de su mismísima genealogía. Se queda así completamente sola.
Los Stark, en cambio, ostentan una hermandad a prueba de acero valyrio. Y la de los Lannister revive —post mortem— en el último momento: de las cuatro imágenes imborrables que nos regalan Weiss y Benioff en los primeros cuarenta minutos de metraje de “El Trono de Hierro”, la única que no es sobrenatural nos muestra a Tyrion desenterrando las caras de Cersei y de Jaime (y su mano de metal). Las otras tres tienen que ver, precisamente, con la única familia que le queda a Daenerys: ella con las alas de Drogo a sus espaldas, ángel oscuro; Drogo surgiendo de la nieve, cancerbero; y el Trono de Hierro derritiéndose bajo las llamas.
La importancia de los hermanos en esta última temporada ha sido subrayada una y otra vez. El más feroz de todos los combates de “Las Campanas” lo encarnan los hermanos Clegane. Las dos escenas más tiernas de ese mismo episodio las protagoniza Jaime con cada uno de sus hermanos: su despedida de Tyrion y su abrazo suicida con Cersei bajo la lluvia de escombros.
También en la retórica cinematográfica encontramos esos paralelismos. Los planos de “La batalla de los bastardos” en que Jon trata de salir de una montaña de cadáveres son gemelos de los que el mismo director, Miguel Sapochnik, dedica a su hermana Arya en “Las Campanas”, cuando intenta sobrevivir a la multitud que la pisotea presa del pavor. Y en los minutos finales de la serie unos planos encadenados nos muestran solamente los destinos de Arya, Sansa y Jon.
Daenerys, en cambio, es condenada a aparecer una única vez durante la destrucción de Desembarco del Rey, como si se hubiera convertido en su dragón. Y se nos niega la posibilidad de despedirnos de ella y de Drogo, para que su soledad sea también la nuestra. Justo antes de morir se refugia en un recuerdo de la infancia, al igual que Tyrion le dio las gracias a Jaime por haberlo protegido de niño. Pero ni un solo personaje vivo la conoció de niña. Y sus enemigos, en cambio, son fieles a la alianza que forjaron cuando Robert Baratheon ocupaba el Trono de Hierro.
En el monólogo clave del capítulo, Tyrion le dice a Jon: “Cuando asesinó a los esclavistas de Astapor, seguro que solo se quejaron ellos, al fin y al cabo, eran malvados; cuando crucificó a cientos de nobles merinos, ¿quién iba a discutirlo?, eran malvados; ¿y los khals dothraki que quemó vivos?, ellos le hubieran hecho algo mucho peor; allí donde va, los malvados mueren y la aclamamos por ello”.
¿Habla solo de los habitantes de Poniente? ¿No se está refiriendo también a nosotros, los espectadores frente a nuestros espejos negros? El poder de Daenerys creció gracias a los inmaculados y los dothrakis y los consejeros y los dragones, sí; pero también porque nosotros la apoyamos, seducidos y acríticos.
En sus últimas temporadas, los fanes que habían leído los libros han tenido que aprender a aceptar —o no— que los personajes televisivos cobraran vida propia, emancipados del papel. En nuestra época de audiencias hiperactivas y a menudo cocreadoras, millones de seguidores han visto defraudadas sus predicciones y se han creído en su derecho de protestar, exigir, incluso llorar.
Quienes aceptamos el pacto con todas sus consecuencias, en cambio, nos hemos visto arrastrados por una avalancha de avalanchas sucesivas, que casi siempre nos han sorprendido, porque atentaban contra nuestro horizonte de expectativas. ¿No es esa una de las virtudes principales de los mejores relatos? ¿No es, por eso, un gran acierto que haya sido la daga de Jon y no Aguja la autora del regicidio? ¿Quién se imaginaba que el símbolo central de la serie, el Trono de Hierro, se derretiría y que su lugar lo ocuparía una silla de ruedas de madera?
Bran el Roto, pero también el memorioso, es nuestro hermano: el espectador que se encuentra en el interior de la ficción, pero que lo observa todo con distancia panóptica. Tanto para los convencidos como los escépticos, Juego de tronos ha sido una experiencia memorable, porque la emoción, el amor, el odio, la sorpresa, la crítica y la indignación constituyen la materia de la memoria. De la de Bran y sobre todo de la nuestra.
Como todas las series, Juego de tronos ha sido en su temporada final retromaníaca: adicta a su propio pasado. Desde el primer capítulo, “Invernalia”, en que los personajes entran en el castillo norteño en un orden que evoca directamente a “Se acerca el invierno”, el episodio piloto; hasta el último, “El Trono de Hierro”, en que las discusiones sobre burdeles de los nuevos consejeros del nuevo rey nos recuerdan las de los viejos consejeros de los reyes anteriores (y nos hacen imaginar qué hubiera pasado si Daenerys hubiera seguido con su plan utópico, si el futuro hubiera sido peor).
Recordaremos durante mucho tiempo dónde y con quién estábamos cuando nos pusimos en pie ante la muerte homérica de Hodor; cómo nos conmovió o nos sublevó la masacre de la Boda Roja, los terribles y maquiavélicos juegos de Ramsay, la batalla contra los muertos o el exterminio de Desembarco del Rey; y hasta qué punto apoyamos a Daenerys o a quienes la traicionaron.
(The New York Times en Español) 

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“Es como si el verso se me presentara, me surgiera de algún lugar y se quedara ahí, a mi lado”

Los poemas que hoy ocupan esta página pertenecen a Rocío Cardona. Salteña, de treinta años de edad, profesora de Literatura egresada del Centro Regional de Profesores. Se ha desempeñado tanto en liceos privados como públicos, de la ciudad y rurales. Actualmente divide su actividad laboral entre la docencia y la atención de un comercio. R. CARDONALa frase del título la dijo en un diálogo con EL PUEBLO, hace ya unos años.

ENCANTO
Estabas tú
peinado, vestido
para salir
Y estaba yo
pronta también para salir
Pero esa noche
decidimos
quedarnos en casa
Y otros nos esperaron
otros preguntaron
por nosotros
pero eso
no nos importó.

DESENCANTO
Cuando las cosas se confunden
cuando todo empieza a cambiar
sin darme cuenta
Cuando un recuerdo se borra
y ese espacio es
ocupado por otro
En ese justo momento
Pienso
Cuando las cosas se confunden
me olvido de tu nombre
y recuerdo otro.

TIEMPO Y DISTANCIA
Hoy la lluvia trajo hacia mí tormentos
trajo un adiós y el recuerdo de un beso
intenté dejar de pensar en eso
y se me fue la vida en un momento.
Porque nada sucede como en cuentos
una noche de abril se marchó ileso
sin haber destapado el vino espeso
no sólo a las palabras llevó el viento.
El reloj sigue marcando la hora
la distancia aumentando soledad
y mientras aquel sueño ya no aflora
en la vida se sufre sin piedad.
Pasa el tiempo y el ahora, no es ahora
y los años sólo suman edad.

DESPEDIDA
El día que se marchó
el sol estaba en la cima.
Sonaron doce campanas
que anunciaron la partida.
Sin decir una palabra
sin beso de despedida
sin tener final feliz
otra historia se termina.
Él sin mirar hacia atrás,
se marchó dejando heridas.
Ella, sola en su cama,
recuerda al que no se olvida.
Jamás su amor regresó
para ella el sol no salía.
Y no sólo en Guatemala
se mueren de amor las niñas.

MOTIVOS PARA UNA DESPEDIDA
Dos vasos vacíos
Una cena para dos
que se enfría
Una salida sin regreso

Un encuentro que no fue
Y una vida por delante

Una puerta abierta a los recuerdos
y otra que se cierra
porque a pesar de que es verano
hace frío.
QUIERO MATARLO HOY …
Todavía no sé de qué manera
pero hoy lo mato

Los motivos
él ya los sabe

Un poco de todo
nada bueno
ni nada nuevo

El cansancio me llevó a que esta decisión
fuera definitiva

Pensé en romper una foto
para borrar los recuerdos
pero es imposible

Hay algo que no me deja avanzar
por eso creo que lo mejor va a ser que
sin decir nada
sin dejar rastros
sin hablar
sin mirarnos
simplemente
desaparezca
Creo que es la mejor forma de matar esos recuerdos
Tal vez no se de cuenta de mi desaparición
su vida lo tiene preocupado en otras cosas
más importantes
como para ponerse a pensar en mí
Por eso quiero matarlo hoy

INSOMNIO
En medio de la noche
el mundo no se detiene

Se oyen las gotas de una canilla
que no se cerró bien

Se siente cómo entra por la ventana el viento
y un frío en el alma
por el tiempo que pasa
y por las cosas que no se olvidan

Algunos viajan por la noche
a lugares lejanos
yo sólo viajo al lugar de los recuerdos
donde nunca llega el olvido

Acá la sombra de un árbol en la pared me hace recordarlo
Siento el sabor extraño en mi boca
de una lágrima que cae en medio de la noche
cuando el mundo no se detiene.

AIRE FRÍO
Ya es noche
desde mi ventana puedo ver las estrellas
entra una pequeña ráfaga de aire frío
y se me eriza la piel

Tal vez es tu sombra que anda buscándome

Tal vez son tus pensamientos que quieren abrazarme
o tal vez
sólo es una ráfaga de aire frío

LO IMPOSIBLE
Hoy sólo camino
intentando llegar a algún rincón de esta ciudad
al que nunca haya ido
un rincón que no tenga tu historia
que no tenga grabados los besos
ni las caricias.

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Daniel Vidart

El pasado martes 14 falleció Daniel Vidart, una de las figuras más importantes de la intelectualidad uruguaya de las últimas décadas.
Antropólogo, escritor, había nacido en Paysandú el 7 de octubre de 1920.
Enterado de su muerte, el académico Ricardo Pallares escribió: In memóriam Daniel Vidart (1920-2019)
El Prof. Daniel Vidart se destacó por su natural fervor comunicativo y su empatía con los demás, por su condición de hombre curioso que respetaba lo otro, por su calidad y ademán docente, por sus rasgos de libre pensador en procura de una conciencia sin dogmas que no excluyó lo moral ni lo espiritual.
Su ejercicio de la antropología también lo caracterizó por el debido respeto por el conocimiento fundamentado de las cosas del hombre.
Estaba atento a la observación y al estudio científico, a la duda y a la problematización de los asuntos.
Estos aspectos hicieron de él uno de los últimos sabios de la contemporaneidad y actualidad uruguaya y seguramente fueron determinantes para su designación como Emérito de la Academia Nacional de Letras.
La obra extensa y diversa de Daniel Vidart demuestra en cada caso el interés por los aportes a la construcción del conocimiento centrado fundamentalmente en los asuntos de la identidad de los seres y los pueblos.
Por lo mismo le importaba toda investigación y conocimiento que tuviera potencialidades humanizadoras y consideraba que el saber completaba su valía con la necesaria y debida socialización formal e informal, libremente obtenidDANIEL VIDARTa.
Fue un conversador infatigable y atrayente, capaz de incluir siempre un humorismo oportuno e inteligente, complementario y socio constructor.
Sus estudios y escritos apuntaron a posibilitar toda forma de liberación y todos los modos capaces de una calidad de vida humana asociada crecientemente libre y calificada.
La figura humana e intelectual de Daniel Vidart fue también la de un hombre político que utilizó su lucidez como herramienta pero sometida a los métodos de la disciplina.
Evitó imponerla a fuerza de participarla y yuxtaponerla al universo de los valores.
Por ello nos parece natural que como ciudadano haya derivado progresivamente hacia la izquierda democrática, a la manera de tantos intelectuales uruguayos, ceñido siempre -aunque su lucidez lo exasperara- a la decencia y honradez. Su siembra queda, ahora más que nunca, a cargo de sus alumnos de todos los tiempos, de sus interlocutores que se distribuyen por el mundo, de sus temas que son del futuro. Saludo la alta memoria del maestro, del académico y la viva actualidad de su pensamiento humanista.

Obras de Vidart

Tomás Berreta, 1946;
Esquema de una Sociología Rural Uruguaya, 1948; Sociología Rural, 1960; Teoría del tango, 1964; Los pueblos prehistóricos del territorio uruguayo, 1965; Caballos y jinetes, 1967; El paisaje uruguayo. El medio biofísico y la respuesta cultural de su habitante, 1967; El tango y su mundo, 1967; Ideología y realidad de América, 1968; El legado de los inmigrantes (con Renzo Pi Hugarte), 1969-1970; Los muertos y sus sombras. Cinco siglos de América, 1993; El juego y la condición humana, 1995; El mundo de los charrúas, 1996; Los cerritos de los indios del Este uruguayo, 1996; La trama de la identidad nacional, Tº lº Indios, negros, gauchos, 1997, Tº 2º El diálogo ciudad – campo, 1998, Tº 3º El espíritu criollo, 2000; Un vuelo chamánico, 1999; El rico patrimonio de los orientales, 2003; Cuerpo vestido, cuerpo desvestido. Antropología de la ropa interior femenina (con Anabella Loy), 2000; Los fugitivos de la historia, 2009; Tiempo de Navidad. Una antropología de la fiesta (con Anabella Loy), 2009; Uruguayos, 2012; Tiempo de carnaval, 2013; Marihuana, la flor del cáñamo, 2014.

Premios y reconocimientos

Premio Morosoli en 1996.

Premio Bartolomé Hidalgo en 1996.

En 2000 fue ganador del Morosoli de Oro.

En 2007, Vidart y su colega y amigo Renzo Pi Hugarte fueron declarados Ciudadanos Ilustres de Montevideo.

En 2013, Vidart recibió un doctorado honoris causa de la Universidad de la República.

En 2015 el Correo emitió un sello con la efigie de Vidart.

En 2018, Gran Premio Nacional a la Labor Intelectual otorgado por el Ministerio de Educación y Cultura de Uruguay.

Escribe Michelena

Por su parte, el poeta y periodista Alejandro Daniel Michelena escribió:
La partida de Daniel Vidart, luego de una larga y fecunda vida, ha dado lugar a múltiples referencias a su trayectoria en la prensa y en las redes sociales. Por mi parte -sin negar su labor destacada como antropólogo y docente- voy a recordarlo desde otro ángulo, la poesía y su condición de “tanguero”, con uno de los sonetos de la serie que dedicara alguna vez a Gardel:
Carlitos con tu pinta y tu sombrero,
con tu sonrisa abierta como un piano,
viajando en el carruaje del verano
de estrella a estrella por el cielo entero.

Carlitos compadrón y campechano,
Carlitos decidor y retrechero,
a la hora del mate y del puchero
dios de los pobres, servicial hermano.

Desde el patio del fondo, de la jarra
donde habitan el vino y la morriña
vuela un ángel con forma de guitarra.
San Carlitos tras ella canta y sube

con alas de papel rumbo a la viña
que el sol pinta al morir en cada nube.

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Un largo duelo para nuestras series favoritas

Este mayo terminan dos de las series más vistas de la televisión: The Big Bang Theory (La teoría del Big Bang) concluye su duodécima temporada en Estados Unidos este 16 de mayo y Juego de tronos termina este domingo 19 de mayo. Una es una comedia muy en línea con los programas típicos y tradicionales estadounidenses desde hace tiempo; la otra es una épica de fantasía, llamativa y repleta dcultura2e momentos violentos. Una se ha vuelto —quizá injustamente— un emblema de las cosas culturales que ya no están de moda; para la otra hay fiestas de proyección de la serie y pódcasts que se obsesionan con analizarla.
Aun así, las dos están recibiendo la misma gran campaña para el desenlace, la que reciben tantos programas estos días, como Veep de HBO (que terminó el pasado 12 de mayo): se anuncia antes de que siquiera se estrene la temporada que esa será la última y entonces surgen las reconstrucciones de historia oral de algún momento del programa desde antes de que termine y las apariciones de los actores en programas nocturnos para hablar de cómo “es difícil, pero ya es tiempo”.
Los secretos de Costa Rica detrás de un decorado de lujo
El elenco comparte en redes las imágenes de la última vez que se sentaron juntos a leer el guion o una revista publica un ensayo fotográfico con todos los involucrados.
Es decir, el público ha tenido meses y meses para prepararse. Eso no significa que los finales de la serie vayan a ser satisfactorios o buenos o bien recordados, sino que a los fanáticos de estas series ya nos han ido acostumbrando al hecho de culturaque la serie está por terminar.
Siempre ha pasado que los programas más vistos reciben este trayecto hacia su final, pero en los últimos años, y particularmente para la temporada de transmisión 2018-2019, las cadenas de televisión y hasta las plataformas de emisión han organizado sus despedidas para series pequeñas. Netflix lo hizo con Unbreakable Kimmy Schmidt. La última temporada de Broad City, la estrafalaria serie de Comedy Central sobre dos mejores amigas en Nueva York, incluso estuvo estructurada como un trayecto terapéutico al retratar la maduración de los personajes.
Hay que tener transiciones: cualquier persona que sacó de golpe a un niño de un parque infantil o intentó mover a un grupo que estaba tomando cocteles a sentarse para una recepción sabe que la gente necesita ser avisada. Necesitamos la estructura y que nos guíen. Necesitamos que nos den cinco malditos minutos más para poder calmarnos. Necesitamos sentir que cerramos un ciclo.
Y hemos tenido cada vez más las oportunidades para ello. El final de Lost estuvo programado durante años y ahora parece ser el nuevo estándar que la serie tenga todo ese tiempo para concluir con tal de que los fanáticos estén al tanto de que terminará. La vigilia por la última temporada de Supernatural empezó antes de que siquiera se estrenara.
Quiero que quede claro que no me estoy quejando. Me encanta tener esa advertencia inicial y un ritual de duelo. Nunca ha sido tan fácil conectar con otros fanáticos de una serie, hasta cuando la cantidad de televidentes sigue cayendo y cayendo, es de celebrar que podemos secar nuestras lágrimas con esos ensayos fotográficos e historias orales. Poder decir adiós es preferible a que te arranquen algo de improvisto, sin importar que el resultado, el final de un programa, sea el mismo.
Pero esta rampa que nos encamina hacia la conclusión también ha expuesto la crueldad de las cancelaciones inmediatas de otros programas. Nunca han sido cómodas, pero ahora si algo es cancelado en vez de tener la ceremoniosa última temporada se siente como un mensaje que solo dice “.” en vez de que el mensaje esté entre “¡¡¡!!!”. Una cancelación en esta época, sin recibir un final real, es algo hostil a pesar de que hace no mucho era completamente normal.
Este año también será transmitido el último episodio de «Jane the Virgin», con Gina Rodriguez y Justin Baldoni. Credit Richard Foreman, Jr./CW
Los fanáticos de One Day at a Time apreciaban esa serie de Netflix porque era graciosa y entrañable, además de que daba representación a voces usualmente marginadas de maneras significativas y humanizadas. Y habríamos aceptado que tuviera un final, porque la verdad es que todas las series terminarán algún día (excepto las noticias locales y algo como La rueda de la fortuna). Lo que no fue fácil aceptar fue la manera tan abrupta en que se dio ese final, con una cancelación. Por Dios, que nos den una última temporada de seis episodios y nos traten como humanos.
No digo que sería la decisión monetaria más sabia, pero yo no soy una empresa: soy una persona blanda, cuyo corazón late y quiero que me den un especial de una hora para despedirme de una serie como Detroiters en vez de que la hayan cancelado sin más en diciembre pasado. Santa Clarita Diet podría haber tenido la oportunidad de despedirse con desquicio. La nueva adaptación de Murphy Brown nunca tuvo la oportunidad de encontrarse con las protagonistas similares de The Good Fight.
Los finales ahora tienen otro significado extraño, el de tener tiempo para que puedan “aterrizar bien”, incluso ahora que las nuevas versiones y adaptaciones significan que realmente nada termina. Entonces los finales son un espectáculo, una reliquia, una belleza impensable: no es mucho pedir que nos den tiempo de preparar el santuario para la mayor cantidad posible de programas.
(The New York Times en Español)

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Hombre que mira la luna

Es decir la miraba porque ella  se ocultó tras el biombo de nubes  y todo porque muchos amantes de este mundo  le dieron sutilmente el olivo  con su brillo reticente la luna  durante siglos consiguió transformar  el vientre amor en garufa cursilínea  la injusticia terrestre en dolor lapizlázuli  cuando los amantes ricos la miraban  desde sus tedios y sus pabellones  satelizaba de lo lindo y oía  que la luna era un fenómeno cultural  pero si los amantes pobres la contemplaban desde su ansiedad o desde sus hambrunas  entonces la menguante entornaba los ojos  porque tanta miseria no era para ella  hasta que una noche casualmente de luna  con murciélagos suaves con fantasmas y todo  esos amantes pobres se miraron a dúo   dijeron no va más al carajo selene  se fueron a su cama de sábanas gastadas  con acre olor a sexo deslunado  su camanido de crujiente vaivén y libres para siempre de la luna lunática  fornicaron al fin como dios manda  o mejor dicho como dios sugiere.

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Hombre preso que mira a su hijo

Cuando era como vos me enseñaron los viejos
y también las maestras bondadosas y miopes
que libertad o muerte era una redundancia
a quien se le ocurría en un país
donde los presidentes andaban sin capangas.

Que la patria o la tumba era otro pleonasmo
ya que la patria funcionaba bien
en las canchas y en los pastoreos.

Realmente no sabían un corno
pobrecitos creían que libertad
era tan solo una palabra aguda
que muerte era tan solo grave o llana
y cárceles por suerte una palabra esdrújula.

Olvidaban poner el acento en el hombre.

La culpa no era exactamente de ellos
sino de otros más duros y siniestros
y estos sí
cómo nos ensartaron
en la limpia república verbal
cómo idealizaron
la vidurria de vacas y estancieros
y cómo nos vendieron un ejército
que tomaba su mate en los cuarteles.

Uno no siempre hace lo que quiere
uno no siempre puede
por eso estoy aquí
mirándote y echándote
de menos.

Por eso es que no puedo despeinarte el jopo
ni ayudarte con la tabla del nueve
ni acribillarte a pelotazos.

Vos ya sabés que tuve que elegir otros juegos
y que los jugué en serio.

Y jugué por ejemplo a los ladrones
y los ladrones eran policías.

Y jugué por ejemplo a la escondida
y si te descubrían te mataban
y jugué a la mancha
y era de sangre.

Botija aunque tengas pocos años
creo que hay que decirte la verdad
para que no la olvides.

Por eso no te oculto que me dieron picana
que casi me revientan los riñones
todas estas llagas, hinchazones y heridas
que tus ojos redondos
miran hipnotizados
son durísimos golpes
son botas en la cara
demasiado dolor para que te lo oculte
demasiado suplicio para que se me borre.

Pero también es bueno que conozcas
que tu viejo calló
o puteó como un loco
que es una linda forma de callar.

Que tu viejo olvidó todos los números
(por eso no podría ayudarte en las tablas)
y por lo tanto todos los teléfonos.

Y las calles y el color de los ojos
y los cabellos y las cicatrices
y en qué esquina
en qué bar
qué parada
qué casa.

Y acordarse de vos
de tu carita
lo ayudaba a callar.

Una cosa es morirse de dolor
y otra cosa es morirse de vergüenza.

Por eso ahora
me podés preguntar
y sobre todo
puedo yo responder.

Uno no siempre hace lo que quiere
pero tiene el derecho de no hacer
lo que no quiere.

Llora nomás botija
son macanas
que los hombres no lloran
aquí lloramos todos.

Gritamos, berreamos, moqueamos, chillamos, maldecimos
porque es mejor llorar que traicionar
porque es mejor llorar que traicionarse.
Llorá
pero no olvides.

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Mario Benedetti, 10 años después

Mañana se cumplen 10 años de la muerte de Mario Benedetti. Su nombre completo fue Mario Orlando Hardy Hamlet Brenno Benedetti Farrugia. Había nacido en Paso de los Toros el 14 de setiembre de 1920. Poeta, cuentista, novelista, dramaturgo, ensayista, crítico literario docente, periodista.
La cantidad de libros de Benedetti hace que resulte casi imposible enumerarlos. En tanta abundancia, no es difícil detectar páginas bastante menos afortunadas que otras, pero debe reconocerse en él la entera dedicación de su vida a las letras, haber explorado al máximo las posibilidades que brinda el lenguaje para la creación (creó absolutamente en todo los géneros) y como si fuera poco, haber logrado un nivel de comunicación con sus lectores como pocos alcanzan. Mario Benedetti falleció en Montevideo el 17 de mayo de 2009. Curiosamente, también la poeta Idea Vilariño, su compañera de la “Generación del 45”, nació en 1920 y falleció en 2009.
A nuestro entender, es el cuento “Los pocillos” (del libro “Montevideanos”) una de sus mejores páginas. Por razones de extensión, optamos hoy por compartir, como homenaje, algunos de sus poemas.

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Entre los médicos salteños el arte también existe

La historia enseña que en distintas partes del mundo y diferentes épocas, han sido varias las personas que se destacaron tanto en la medicina como en el arte. Cierta sensibilidad especial o el contacto permanente y cercano con temas como la vida y la muerte, podrían ser algunas de las coincidencias entre ambas actividades que hace que, en algunos casos, se unan. Salto no escapa a esa cuestión y existen médicos aquí que también, a menudo silenciosamente, cultivan alguna de las manifestaciones del arte. Días pasados EL PUEBLO dialogó sobre este punto con el doctor Juan Eduardo Lema, médico otorrinolaringólogo, además de especialista en alergias.
De Juan Eduardo Lema es una muy buena escultura en madera que luce en el Colegio Sagrada Familia de nuestra ciudad (y antes estuvo en el Hospital Regional).
Así reflexionaba el médico y artista salteño al respecto: “Escultura en madera fue lo que comencé a hacer desde muy chico, y hoy ha venido un poco la locura de los versos, los cuentos para niños… En realidad los que estamos siempre haciendo alguna escultura u otro tipo de obra ya sabemos quiénes somos, hay pintores, hay escultores, hay ceramistas…en fin.
Entonces surgió un poco la idea que estoy conversando con ellos y con los que he conversado han quedado muy entusiasmados, de hacer una muestra a fin de año sobre el arte en el médico o en la medicina. Hay excelentes pintores, también por ejemplo hay un colega que hace esculturas en hierro. Es una manera también de encontrar un escape. La actividad médica lleva a que uno tenga un desgaste mental que la gente muchas veces no lo ve y no lo conoce si no está al lado del profesional. Si uno tuviera el tiempo para poder explayarse más en el arte sería diferente. Pero de hecho acá en Uruguay tampoco hay un campo para eso, uno cuando tiene que elegir no tiene muchas posibilidades de elegir el arte como camino fuerte”.

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¿Por qué los superhéroes están conquistando al mundo?

Avengers: Endgame está batiendo todos los récords: es la segunda película más taquillera de la historia, entre Avatar y Titanic. Pero la partida está lejos de terminar porque los superhéroes dan muchísimo juego.
Algunas de las mejores series actuales —como Jessica Jones, Legion, American Gods o The Umbrella Academy— también tienen como protagonistas a esos seres extraordinarios que Jerome Siegel, Joe Shuster, Stan Lee, Frank Miller, Alan Moore y otros cráneos privilegiados han creado y recreado durante los últimos ochenta años.
Las irónicas y divertidas versiones Lego de los personajes de Marvel y DC Comics, así como los videojuegos que estos protagonizan, fidelizan a los videoespectadores jóvenes y adultos. Y cada vez hay más series infantiles que también abordan esos universos narrativos para captar a los fans del futuro.
Las razones de esa conquista global que están llevando a cabo los cómics superheroicos, en su nueva vida audiovisual, tal vez se puedan deducir de Spider-Man: un nuevo universo, una película de animación que —pese a ganar el Oscar— se vio parcialmente eclipsada por la segunda parte de Los Increíbles —otra ficción superheroica—. La última vuelta de tuerca al Hombre Araña es igual de sofisticada y conceptualmente más interesante.foto cultura
Una araña radiactiva pica a Miles Morales en los primeros minutos del filme, mientras es testigo de cómo Spider-Man intenta desactivar una suerte de monstruoso acelerador de partículas que ha construido Kingpin, con la intención de acceder a las versiones de su esposa y de su hijo que habitan en otros universos. El supervillano mata a Peter Parker justo después de que este nombrara como su sucesor a Morales. Pronto descubrirá que no está solo, pues el aparato ha provocado desajustes espacio-temporales y cuatro versiones del superhéroe arácnido han quedado atrapadas en el universo del adolescente latino.
El diálogo entre ellas no solo permite explorar el arquetipo Spider-Man, sino también rendir homenaje a otras formas de cómic, como el manga, el noir o el humorístico, y a sus respectivas estéticas. Las tres formas básicas en que se desarrolla la narración computarizada participan de esa remezcla de estilos visuales: la animación convencional —predominante—, la pixelación cubista —en la superposición de universos— y la viñeta con onomatopeyas —en la genética multiforme del protagonista—.
“Cualquiera puede llevar una máscara”, le dice el otro Peter Parker al joven Morales, en su tutoría acelerada para que encuentre la fe necesaria para controlar sus poderes. Y en esa frase está una primera clave de por qué el cómic de superhéroes no ha hecho más que ganar seguidores durante las últimas décadas. Por su capacidad de identificación y por su potencia carnavalesca.
Se trata de discursos gráficos y textuales producidos por redes creativas —y corporativas— que estimulan un consumo activo, en el que conviven la diversión y el conocimiento, la simplicidad y la complejidad, la lectura y la participación. Una inteligencia colectiva produce una serie virtualmente infinita de relatos interconectados para que otra inteligencia colectiva, mil veces mayor, se conecte con ella, la convierta en comunidad, en testigo generacional, en código compartido, en colección o incluso en juego.
Al contrario que las grandes sagas literarias y cinematográficas, que son lineales y coherentes (El señor de los anillos, Guerra de las galaxias, Harry Potter), los universos de Marvel, de DC y de sus satélites recurren a las tramas alternativas, a las rectificaciones y a las contradicciones, a los mundos paralelos, a las reversiones de las versiones de los mitos. Mientras que incluso las novelas y las películas de James Bond están estructuradas cronológicamente según la lógica newtoniana, los cómics de superhéroes y sus versiones audiovisuales son cuánticos, pura encarnación del multiverso.
Tal vez sea esa la segunda clave de su éxito: son el tipo de narrativa popular que mejor se corresponde con la lógica de la física cuántica y la teoría de los universos paralelos. Es la que mejor ha llevado esas abstracciones a la práctica y al disfrute. Las dimensiones infinitas traducidas en la bidimensionalidad del papel y del píxel; los teoremas y las fórmulas matemáticas encarnadas —simplificadas— en dramas familiares y accidentes atómicos.
La proyección de “El Señor de los Anillos: las dos torres” con la banda sonora de Howard Shore que fue interpretada en vivo en el Radio City Music Hall en 2010. Credit Hiroyuki Ito para The New York Times
En un contexto en que las plataformas tecnológicas (la estrategia de Disney recuerda a las de Galactus) necesitan alimentar su expansión exponencial con incesantes materiales narrativos, los cientos de miles de guiones de historias de superhéroes proporcionan un capital perfecto, que tiene la ventaja de que ya ha sido imaginado y probado.
Los cómics son, naturalmente, bocetos de guion gráfico cuya capacidad de seducción ya ha sido puesta a prueba en el mercado. Constituyen una apuesta segura. Nuestra sociedad —como ha dicho Ursula K. Le Guin en uno de los textos recogidos en Contar es escuchar—, que es “global, multilingüe, inmensamente irracional, sometida a incesantes cambios radicales”, no “puede describirse con un lenguaje que presuponga la existencia de una experiencia común continua”. Por eso en mucha de la ficción contemporánea “las descripciones más reveladoras y precisas de nuestra vida cotidiana están atravesadas por lo extraño, o desplazadas en el tiempo, o ambientadas en mundos imaginarios”.
Como la mitología griega, la materia de Bretaña medieval o el imaginario de la Inglaterra victoriana, el multiverso superheroico despliega un archivo de historias reconocibles que cuenta con el compromiso de grandes masas de lectores y que responde —con relativa inocencia— al paradigma social, transmediático y científico del siglo XXI.
Su poder, que ha crecido durante las últimas décadas, se puede interpretar como una respuesta a los esfuerzos del realismo por ser la artesanía de representación hegemónica de la realidad, pese a que los avances de la ciencia fueran minando su credibilidad y su alcance.
Los superhéroes —multiformes, cuánticos, arquetípicos— lo tienen todo para responder; y para conquistar el papel y la pantalla, es decir, el mundo con esa respuesta.
(The New York Times en Español)

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“Conversaciones con Turiansky” llega al Cine 4D Daymán

En el marco de una temporada de estrenos de cine uruguayo en el Cine 4D Dayman y así, el 23 de mayo llega” Conversaciones con Turiansky, el último documental de José Pedro Charlo. Retrato biográfico y crónica sobre el movimiento obrero y la izquierda uruguaya, “Conversaciones con Turiansky” combina dos relatos. cine 001
El primero retrata al hijo de inmigrantes, al ingeniero apasionado por el misterio de la electricidad, al hombre enamorado, al cinéfilo. El otro sitúa al protagonista en su tiempo: las luchas sindicales, el avance del autoritarismo, la cárcel y los desafíos del presente. En ambos están presentes la lucidez, el compromiso, la discreta ternura y aun el humor de Wladimir Turiansky. José Pedro Charlo Filipovich nace en Montevideo, Uruguay, en 1953.
Es director, productor y docente, dirigió los largometrajes documentales A las cinco en punto, Héctor el Tejedor, El Círculo y El Almanaque.
Ha dirigido también unitarios y series televisivas, entre ellos los 12 capítulos de Historias del trabajo y de trabajadores. Produjo los largometrajes de ficción La Espera, de Aldo Garay y Alma Mater, de Álvaro Buela.
Actualmente se encuentra desarrollando su próxima película: postales, premio de producción documental del ICAU en el año 2012 y trabaja en el guión, junto a Inés Bortagaray del film de ficción Los Ángeles.

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Carmen Molinas, una maestra que también propaga versos

Poemas de Carmen Isabel Molinas Bonilla ocupan hoy esta página. Nacida en Artigas, radicada durante un buen tiempo en Salto. Maestra, Psicopedagoga, Especializada en Educación Inicial. Maestra de escuelas públicas y privadas de Salto y de Montevideo. CARMEN MOLINAS

Profesora en: Liceo Piloto, Liceo Nocturno, Colegio Inmaculada Concepción, Colegio Salesianos e Instituto de Formación Docente de Salto. Profesora en UCUDAL, Mdeo. Coordinadora del Sector Inicial del Colegio Misericordista, Mdeo.
Fundadora y Directora general de Jardín de Infantes “Les Petits” y de “Pocitos Day School”, Mdeo. Investigadora psicopedagógica. Disertante en Congresos y Eventos Internacionales de Educación, Psicopedagogía y temas relacionados. (Información biográfica y poemas: Revista Ámsterdam Sur Nº 11).

PERDURABLE
Parva dormida,
establo solitario
canción ungida
por señales de llanto.
Solamente quizá lo sorprenda
el rasgado de las fibras íntimas,
recién entonces puede que lo aprese
en soliloquio de sombras,
en diálogo de niebla,
en monólogos de brumas repetidas.
Podrán reconocerse en un instante,
mágico y hechicero como aquellos,
que quieren perdurar
y lo consiguen.

LA ESPERA INÚTIL
Está allí …esperando lo imposible,
solitaria y estéril,
sin los trucos de ovarios fraudulentos,
con la congoja de no poder lograrlo.
El sueño aquel, se quedó en el rellano
de la escalera mustia de sus ansias.
A lo lejos, se asoma en lontananza,
una silueta, no reconocible.
Vuelve a tejer su mística utopía,
tratando de lograr,
lo que no existe.

SURREALISTA
Abro las alcobas secretas,
donde hay nieve y estímulos y luces,
me pierdo en el fasto de sus ejes,
candelabros de setenta velas.
Todos los fuegos se encienden a un tiempo.
Hay rescoldos de sol en la escalera.
Las literas pequeñas se amontonan
entre joyas antiguas, recluidas.
Es aquí donde el sueño daliniano,
termina de imponerse en la vigilia,
mientras tanto,
cual náufrago hechizado,
permanezco hasta ahogarme
en sus desbordes
y dejo que la vida se deslice
sobre curvas de aliento y de relojes
Soñar de una manera irreverente,
con trigales conversos y con frutos,
despedir a las últimas esdrújulas
sin el pesar de primaveras rotas.
Esquivar las actuales circunstancias,
como un cometa errante que divaga
y retozar en el pequeño espacio,
que permite la estación del desánimo.
Asumir como propio el desencanto
las tan desbaratadas fantasías
reconvertir imágenes y sueños,
sin extrañarse de que no perduren.
Escuchar el temblor de las acacias,
cuando ya viene culminando el día.
Expropiar sus temores
y olvidarlos
en un arcón perdido.

DESCONFIANZA
Desiguales los mundos que parecen,
ser gemelos del día y de la noche,
desconfío de aquellas apariencias,
desdobladas,
simétricas,
perfectas.
Ni siquiera el espejo nos revela
nuestro doble completo,
nos muestra siempre en sentido contrario
lo derecho es izquierda y viceversa.

ANHELOS INCUMPLIDOS
Los anhelos que no han tenido eco,
son cristales quebrados,
esparcidos por los prados del alma,
son restos que han quedado allí ,
como seres yacentes
en campos de batalla.
Nadie los reclama, están perdidos,
en el fondo cenagoso,
de donde no se sale,
abandonados,
negados, omitidos,
se van desvaneciendo descuidados,
empañados
de óxido y olvido.

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Madre hay una sola (a veces dos, y otras ninguna)

Un muy buen artículo de la escritora uruguaya Mercedes Estramil se divulgó en medios digitales por estos días. Nada más apropiado para este Día de la Madre. Un artículo informativo y de reflexión sobre la figura materna en la literatura de distintas épocas y lugares. En él, también una salteña es citada y destacada: Marosa di Giorgio. A continuación transcribimos algunos fragmentos.

“¡Benditas sus canas! ¡Bendito su amor!”, cierra conmovedor y conmovido el tango Madre hay una sola (1930, letra de José de la Vega y música de Agustín Bardi) que internacionalizó la voz de Carlos Gardel. Hasta determinado momento (mediados del siglo XX) la madre ocupaba un lugar preciado en el tango; después venían las percantas, las milonguitas, papusas, grelas, las que “caían”, las noviecitas, etc. Todas también, eventualmente, madres. ¿Qué se puede decir que no sea repetido sobre esa figura única que vertebra como ninguna otra, por presencia o ausencia, la vida de cada uno de los seres humanos? Pocos escritores escapan al influjo de querer hablar sobre ella. Intentar una lista es absurdo, así que lo mejor es dejar que la memoria vaya hilando un mapa posible de “madres” e “hijos” en el territorio de la ficción. Un territorio que no es idílico, no se sustenta siempre o únicamente en el amor (…) Como figura, la madre en la literatura es una presencia constante que cubre todo el espectro de lo imaginable. Las hay buenas, malas, protectoras, abnegadas, apáticas, asesinas, sumisas, independientes, abandónicas, derrotadas, biológicas, de adopción, absorbentes, consejeras, inolvidables. Atraviesan todos los géneros y subgéneros, llegan desde la mitología y los cuentos de hadas hasta la ciencia ficción. Pueden ser vírgenes, como la María madre de Jesús en la Biblia, o prostitutas, como aquella cuyo recuerdo se empecina en buscar James Ellroy con la novela noir Mis rincones oscuros (1996), o aquella otra tremenda que creó Abelardo Castillo en el cuento La madre de Ernesto, donde recibe como clientes a los amigos de su hijo, pero en vez de imaginar que están ahí para burlarse o hacerse atender —que es a lo que van— pregunta consternada si le pasó algo a su hijo. Por otra parte, hablar de madres y maternidad es también mencionar la ausencia, las que se decantan por el “no” (el aborto, el abandono, el abuso, el filicidio), y las que sostienen una a veces larga y solitaria lucha por tener un hijo. Entre estas últimas, el nombre que viene primero a la mente es la Yerma del drama de García Lorca, pero también más acá la Damaris de La perra (2017), novela de la colombiana Pilar Quintana. En uno de sus personajes más perturbadores y característicos, A.M. Homes creó en el relato Georgica a una mujer dispuesta a todo —incluso a recolectar semen de condones de extraños en una playa— para quedar embarazada sin asistencia emocional o directa.

LAS DE PAPEL Y LAS DE CARNE.

Como personajes literarios dotados de características positivas y negativas, convengamos que hay madres difíciles de olvidar. Entre las “buenas” sin duda destaca Pelagia, la protagonista de La madre, novela que Máximo Gorki publicó en 1906, una mujer sometida que renace cuando transforma su visión del mundo para apoyar a su hijo en su despertar revolucionario (que el tiempo haya cambiado —incluso para el propio Gorki— las estructuras idealistas en que se apoya el texto no invalida su conmoción afectiva). Dos casos claros de escritoras que llevaron su propio amor de madres a las páginas son los de Joan Didion e Isabel Allende. La estadounidense publicó Noches azules (2011) años después de la muerte de Quintana Roo, su hija, y logró un documento estremecedor no solo sobre la maternidad (aunque la hija fuera adoptada) sino en general sobre la vida, la muerte y el escaso poder de la literatura para compensar la desgracia. Isabel Allende publicó Paula (1994) tras la muerte de su hija, convaleciente y en coma varios años a consecuencia de una enfermedad y un accidente.

Hasta ahí las buenas. Pero las malas y las habitantes de territorios ambiguos son, como siempre en literatura, más interesantes. Algunas cumpliendo apenas la condena o el empuje del destino, como la Yocasta de Edipo Rey de Sófocles que se casa con su hijo, o la Medea de Eurípides, que mata a los suyos. Cercano en el tiempo e inspirado en un caso real y atroz, está la Rosemary West que recreó el inglés Gordon Burn en Felices como asesinos (1998), una asesina serial que junto con su esposo abusó y mató a algunos de sus hijos. Otros modos de matar en vida utiliza la madre por excelencia del drama español, la Bernarda Alba de Lorca, enterrando la juventud de sus cinco hijas en un luto excesivo. Un eco de esa madre terrible rescata Jeffrey Eugenides en la señora Lisbon de Las vírgenes suicidas (1993), donde también hay una progenitora castradora. Stephen King creó otra manipuladora importante en el personaje de Margaret White, madre de Carrie en la novela homónima de 1974. Y Jeanette Winterson se inspiró en su madre adoptiva (una evangelista pentecostal puritanísima que no permitía más libro que la Biblia y que la echó de la casa cuando se enteró de que Jeanette era lesbiana) para su debut en la novela con Fruta prohibida (1985). Años después, ya escritora reconocida, Winterson volvió sobre el asunto desde un lugar más autobiográfico con ¿Por qué ser feliz cuando puedes ser normal? (2011) frase de antología con la que al parecer su madre pretendió convencerla de que no siguiera por el camino de los amores no convencionales.
En otros casos las facetas negativas de la maternidad llegan a la escritura en un segundo plano. No se puede decir que la Emma Bovary de Gustave Flaubert sea una mala madre porque desee el mal a su hija o le haga daño; simplemente opera la indolencia y el hecho de que Berta, su pequeña hija, nunca es prioridad en su vida, demasiado atormentada por la pasión sexual, los engaños y desengaños monetarios y la frustración social. Algo similar le ocurre a la heroína de Tolstói, Anna Karénina, con el afecto filial reducido a unos pocos compases frente a la magnitud de la ópera amorosa.
También están las madres que no pueden salir de su propia empecinada juventud, desde la madrastra de Blancanieves, la protagonista de Doña Bárbara (1929) de Rómulo Gallegos, la Daisy Buchanan de El gran Gatsby (1925) de Francis Scott Fitzgerald, que al nacer su hija espera que sea “bonita y tonta”, hasta la madre de El baile (1930) nouvelle de Irène Némirovsky, donde una “nueva rica” destrata y relega a su hija mientras planea una inserción social que no le sale bien.
Y desde luego, plumas complejas dan madres complejas: cuesta entender cómo la madre de Dimensiones (cuento de la Nobel Alice Munro incluido en Demasiada felicidad) sigue visitando en prisión y sin un solo reproche al esposo que mató a los tres niños de ambos. Y es casi imposible no emocionarse con la madre borracha de Inmanejable (relato de Lucia Berlin incluido en Manual para mujeres de la limpieza), que entre una borrachera y la siguiente se preocupa por lavar y secar la ropa de sus hijos y verlos subir al autobús para ir a la escuela.

EL AMOR Y LA CULPA.

Cuando las madres ya no están físicamente presentes, llegan las elegías, poéticas o no. Entre la inmensidad de libros que podrían citarse está Mi madre, in memoriam (1988) de Richard Ford, que recuerda cómo se despidieron —ella enferma, llorando— y que no la vio morir, seis semanas después y lejos (exactamente como declara querer morir el personaje mayor de J.M. Coetzee, Elizabeth Costello), pero escribió esto: “¿Tiene uno alguna vez una —relación— con su madre? No. Yo creo que no. Lo tópico solo existe en la mente de la gente que no piensa. A nosotros —a mi madre y a mí— nunca nos unió la culpa ni el decoro ni tan siquiera el deber. El amor lo envolvía todo. Esperábamos que nos fuese fiel y lo fue”. Desde otro lugar, el del remordimiento concentrado y profundo, el francés Albert Cohen publicó en 1954 El libro de mi madre, con pasajes memorables: “Hijos de madres aún vivas, no olvidéis que vuestras madres son mortales. No habré escrito en vano si uno de vosotros, tras leer mi canto de muerte, se muestra más dulce con su madre”.
La española Soledad Puértolas en Con mi madre (2001) o la francesa Delphine de Vigan en Nada se opone a la noche (2011) también consiguen a partir de sus dolores personales llegar al corazón de los lectores. Pero si de tocar fibras íntimas se trata, ahí están los poetas, para definir lo indefinible.
Señalando que madre no es solo la que procrea o da a luz, brilla con gran final el poema inmenso de Pablo Neruda a su madrastra, a la que nunca llama así sino “mamadre”, y que finaliza diciendo: “De la que cocinó, planchó, lavó, / sembró, calmó la fiebre, / y cuando todo estuvo hecho, / y ya podía yo sostenerme con los pies seguros, / se fue, cumplida, oscura, / al pequeño ataúd / donde por primera vez estuvo ociosa / bajo la dura lluvia de Temuco”.
Otro final majestuoso logra en Si me puedes mirar la argentina Olga Orozco: “Y aunque cumplas la terrible condena de no poder estar cuando te llamo, / sin duda en algún lado organizas de nuevo la familia, / o me ordenas las sombras, / o cortas esos ramos de escarcha que bordan tu regazo para dejarlos a mi lado cualquier día, / o tratas de coser con un hilo infinito la gran lastimadura de mi corazón”.
Como ejemplo extremo y desacralizador, presentando la muerte materna desde una mezcla de impudor, comicidad y horror está el poemario El velador (1998) del argentino Guillermo Saavedra (contraindicado para regalar a cualquier madre en su día), parodia del sentimentalismo que entra de lleno en lo políticamente incorrecto. Igual así, Saavedra conmueve y desacomoda.
Conmovedor sin ironía o cinismo es el poemario de Marosa di Giorgio Diamelas a Clementina Médici (2002) donde la poeta busca a su madre “en las tacitas y el jarrón”, o aquel poema de Amanda Berenguer de La estranguladora (1998) al decir: “Cuando murió mi madre / y todas las cosas se pusieron boca abajo / en señal de respeto”.

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Un libro reúne la vocación periodística del célebre y ya fallecido escritor Gabriel García Márquez

Gabriel García Márquez, Gabo para sus amigos, vivió para el periodismo. Escribió para periódicos y revistas toda su vida y fue fundador de seis publicaciones. Alguna vez dijo, contra la sabiduría de la época: “No quiero que se me recuerde por Cien años de soledad ni por el Premio Nobel, sino por los periódicos”.
García Márquez (1927-2014) inhalaba tinta fresca tal como lo hizo el crítico periodístico A. J. Liebling, como si se tratara del humo de un puro. Llamaba al periodismo “el mejor oficio del mundo” y “una necesidad biológica para la humanidad”. Entendía que los periódicos y las revistas no solo proveen datos, sino que contribuyen, mediante crónicas de todo tipo, a la alegría de una sociedad.
Una nueva colección del periodismo de García Márquez, El escándalo del siglo, gabodemuestra qué tan en serio se tomaba el reportaje y lo que ahora se llama en ocasiones periodismo de largo aliento.
Contiene artículos complejos que involucran al lector sobre, por ejemplo, la muerte de una joven que parecía llevar una doble vida; sobre la toma del Palacio Nacional nicaragüense en 1978 por el Frente Sandinista de Liberación Nacional; sobre los esfuerzos internacionales para salvar a un joven que necesitaba un suero contra la rabia muy difícil de encontrar, mismo que se le hizo llegar a toda prisa en menos de doce horas.
Se trata de artículos que, por su seguridad y gracia, recuerdan a los lectores su libro Relato de un náufrago, basado en una serie de reportajes novelados que el periodista escribió para el diario bogotano El Espectador en 1955, en los que adoptó la voz de Luis Alejandro Velasco Sánchez, un tripulante que cayó de un buque militar y estuvo a la deriva durante diez días.
La mayor parte de su periodismo —al igual que la mayoría de su ficción— se centra en su natal Colombia. Sin embargo, muchas de las mejores piezas de El escándalo del siglo son ensayos, meditaciones modestas e ingeniosas sobre temas como los barberos y los viajes aéreos, la traducción de la literatura y la cinematografía.
Uno advierte que, de habérsele permitido comenzar una última revista desde la ultratumba, García Márquez editaría una versión de una de esas publicaciones casuales, como The Spectator, The New Statesman o The Oldie, que los británicos solían hacer mejor que el resto del mundo; es decir, revistas compuestas en su totalidad de crónicas, el contenido combinado de lo que fuera que poblara la mente de sus columnistas.
El escándalo del siglo, que incluye cincuenta artículos publicados entre 1950 y 1984, es uno de los dos nuevos libros sobre la vida y obra de García Márquez. El otro es Soledad y compañía, un encantador y tumultuoso, aunque breve, relato de viva voz sobre la vida del escritor editado por la periodista colombiana Silvana Paternostro y traducido al inglés por Edith Grossman.
Soledad y compañía no se propone sustituir la respetada biografía de García Márquez del año 2009 escrita por Gerald Martin. Se trata de un libro que reúne a sus viejos amigos, como si estuvieran sentados a la mesa, y los deja hablar. Pocos pueden creer lo importante que Gabo, su viejo amigo de juergas, acabó siendo ni cómo se alejó flotando de ellos en un halo de éxito. Todavía no están muy dispuestos a rendirle honores.
García Márquez escribió parte de sus primeras obras de ficción en rollos de papel periódico que obtenía de sus trabajos diurnos. Tal vez hasta cierto punto por este motivo puede parecer que su ficción y su no ficción emanan del mismo lugar.
Los artículos y las columnas que aparecen en El escándalo del siglo muestran que su voz directa y ligeramente irónica parecía estar ahí desde el principio (la ironía fue el abanico que apaciguó la intensidad del proyector de la mente de García Márquez).
Escribió su obra periodística, dijo, con “la misma conciencia, la misma dicha y a menudo con la misma inspiración con la que debí haber escrito una obra de arte”. El corredor de velocidad y de distancia que habitaban en él estaban extrañamente en sintonía. Es uno de esos pocos grandes escritores de ficción cuyo trabajo secundario siempre vale la pena leer; no sabía cómo hacer algo sin ganas.
Era un observador de primera clase. Cuando vio al presidente estadounidense Dwight D. Eisenhower bajar de un avión en París en 1958, se percató no solo de “su amplia sonrisa de un buen competidor”, sino, mejor aún “de sus zancadas largas y seguras a la Johnnie Walker”.
Los aviones aparecen a menudo en la obra periodística de García Márquez; odiaba volar. Escribió sobre viajar después de volverse famoso: “Siempre vuelo tan asustado que ni siquiera me doy cuenta de cómo me tratan, y todas mis energías las consagro a sostener mi silla con las manos para ayudar a que el avión se sostenga en el aire, o a tratar de que los niños no corran por los pasillos por temor de que desfonden el piso”.
Se tomaba su tiempo cuando hablaba de los escritores y sus penurias económicas. Hablando de los cigarros, por ejemplo: “Los mejores escritores son los que suelen escribir menos y fumar más”, proclamó, “y es por tanto normal que necesiten por lo menos dos años y veintinueve mil cigarrillos para escribir un libro de doscientas páginas. Lo que quiere decir en buena aritmética que nada más en lo que se fuman se gastan una suma superior a la que van a recibir por el libro”.
Aún se siente la influencia de García Márquez en el periodismo. En 1994, creó la Fundación Gabriel García Márquez para el Nuevo Periodismo Iberoamericano, mejor conocida como la Fundación Gabo, con sede en Cartagena de Indias y sigue prosperando.
En un prólogo para El escándalo del siglo, el reportero de investigación y corresponsal Jon Lee Anderson observa “una genialidad singular que un autor emblemático del boom de la ficción latinoamericana tenga como uno de sus legados más palpables ser padrino de un nuevo boom latinoamericano: el de la crónica”.
El humilde García Márquez lo dijo de esta forma: “Soy periodista fundamentalmente. Toda la vida he sido un periodista. Mis libros son libros de periodista, aunque se vea poco”.
Tenía una forma de conectar a las almas en toda su escritura, tanto de ficción como de no ficción, con la estática melancólica del universo.
(The New York Times en Español)

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Muchas actividades llegarán a Las Nubes

La Comisión Amigos de Las Nubes, más allá de las actividades que viene preparando para estos próximos días y que EL PUEBLO ha venido difundiendo, como el Primer Festival de Jazz Internacional quLas Nubese se realizará este fin de semana (sábado 11 y domingo 12 en el propio Chalet), está en plena organización de una nueva “Semana de Amorim”. Se trata de una serie de actividades que año tras año se lleva a cabo como homenaje al escritor en el mes de Julio, mes de su nacimiento y fallecimiento.
La profesora Liliana Forti, integrante de la Comisión organizadora, adelantó a este diario que entre las conferencias a presentarse este año se prevé la que dictarán en conjunto los académicos Jorge Arbeleche y Leonardo Garet sobre el poeta español Antonio Machado, una de Jorge Pignataro sobre Enrique Amorim y una de Marcelo Cattani sobre la faceta de fotógrafo de Amorim.

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Algunas fechas importantes de Mayo

1º de Mayo: El origen de la conmemoración del 1º de Mayo se encuentra en la lucha de los trabajadores de todo el mundo por la jornada de ocho horas y, más particularmente, en la huelga que se inició en Estados Unidos el 1º de Mayo de 1886. Quince mil trabajadores fueron reprimidos durante un acto realizado en Chicago el día 3, con varios muertos y heridos. Posteriormente se decretó el estado de sitio y toque de queda, y se allanaron los barrios obreros, destruyendo locales sindicales y bibliotecas públicas, ocho líderes sindicales fueron sometido a una farsa de proceso y condenados a muerte. El 14 de julio de 1889, Centenario de la Revolución Francesa, se reunió en parís un Congreso Internacional de Trabajadores, que decidió conmemorar el 1º de Mayo como día de lucha, en homenaje a aquellos mártires y con la determinación de continuar bregando por la jornada de ocho horas y otras conquistas.
En Salto existe una Plaza denominada 1º de Mayo, que se ubica en la zona portuaria y es escenario de los actos conmemorativos que cada año se realizan en esta fecha. Por otra parte y contrariamente a lo que muchos creen, este no es el motivo por el que se denomina así a una calle de Salto, que se extiende desde calle Uruguay (final de la cuadra del 1900) hacia el norte hasta Avda. Apolón de Mirbeck. El nombre de la calle recuerda el 1º de Mayo de 1829, fecha en que las autoridades nacionales asumen la dirección del Estado Oriental reconocido tras la Convención Preliminar de Paz.
8 de Mayo: Es la fecha que se celebra internacionalmente el Día de la Cruz Roja. Se recuerda así a su fundador, Jean Henri Dunant, nacido el 8 de mayo de 1828 en Ginebra, Suiza. Este hombre fue testigo del padecimiento, a causa de la muy mala atención sanitaria, de miles de personas en la Batalla de Solferino (Italia, 1859). El impacto que le causó esta experiencia lo llevó a escribir una obra que tituló “Recuerdo de Solferino” y que fue publicada en el año 1862. El objetivo de Dunant era constituir una organización de ayuda humanitaria, y es así que fundó un Comité Internacional y Permanente de Socorro, que asumió la tarea de atender a heridos y enfermos de la guerra. De esta manera dio inicio a lo que hoy en día se conoce como Movimiento Internacional de la Cruz Roja.
17 de Mayo: Ese fue el día, en el año 2009, que fallecía en Montevideo uno de los escritores más prolíficos y afamados que dio Uruguay: Mario Benedetti. Había nacido en Paso de los Toros (Tacuarembó) el 14 de setiembre de 1920.
18 de Mayo: Se recuerda en esta fecha la Batalla de las Piedras, donde el 18 de Mayo de 1811 se enfrentaron las fuerzas españolas, bajo el mando del Capitán José Posadas, y las fuerzas orientales, dirigidas por el General José Gervasio Artigas. Los ejércitos combatieron en campos de Las Piedras a las 11 horas de la mañana hasta el atardecer del mismo día. Las bajas del ejército español fueron y numerosas, y escasas en las fuerzas artiguistas, debido a los dotes de excepcional estrategia de su jefe. La victoria tuvo enorme repercusión para la causa de la Independencia.
En Salto se recuerda el episodio con una calle denominada “18 de mayo de 18113, ubicada en Barrio Artigas. La calle nace en Avda. Pascual Harriague, esquina Marcelino Leal, y se extiende hacia el este hasta By Pass de Ruta Nº 3.
25 de Mayo: Se recuerda el 25 de mayo de 1810, cuando culminó en Buenos Aires la “Semana de Mayo”, con la sustitución del Virrey por una Junta Gubernativa de elección popular. Esta Junta auxilió a la Revolución Oriental de 1811 y otorgó a Artigas el grado de Teniente Coronel, reconociéndolo como Jefe de Armas en la Banda Oriental. Esta fecha se consideró como la inicial de la revolución en el Río de la Plata, contra el dominio español.
En Salto se denomina “25 de Mayo” a la calle que nace al finalizar la cuadra del 1800 de calle Uruguay y se extiende hacia el sur, hasta algunos metros pasada la Avda. Manuel Patulé.
26 de Mayo: Es la fecha en que el Uruguay celebra el Día del Libro. Se recuerda así el 26 de mayo de 1816, fecha en que se fundó la primera Biblioteca Pública del país, hoy Biblioteca Nacional. La propuesta surgió de parte del Presbítero Dámaso Antonio Larrañaga, quien incluso donó una buena parte de sus libros para dar inicio a la institución. El proyecto de Larrañaga se presentó al Cabildo con la inmediata aprobación de éste. Comunicado el General José Gervasio Artigas, también alentó con entusiasmo la iniciativa. Entre las personalidades que realizaron donaciones de libros para que la biblioteca comenzara su función debe destacarse a José Raimundo Guerra y Pérez Castellano. Alrededor de 5000 volúmenes eran los que ofrecía en su inicio. Estaba situada en la Casa de Gobierno de aquel entonces (ubicada en Plaza Zabala) y fue su primer Director el propio Dámaso Antonio Larrañaga.
31 de Mayo: Es la fecha en que internacionalmente se celebra el Día sin Tabaco. La Organización Mundial de la Salud (O.M.S.) ha decretado tal celebración con el objetivo de intensificar la lucha contra la epidemia del tabaquismo y así seguir contribuyendo a reducir las muertes prevenibles y las enfermedades causadas por el consumo de esta droga. Las estadísticas indican que, en todo el mundo, cada día se fuman 15 billones de cigarrillos y 100 mil personas comienzan a fumar. De acuerdo a estimaciones de la OMS, a escala mundial hay cinco millones de muertes al año relacionadas con el tabaquismo que podrían evitarse y, en menos de 25 años, el número de víctimas alcanzaría los 10 millones.

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La fiesta literaria más grande de Colombia espera volver a superar el medio millón de asistentes

Feria del Libro de Bogotá, entre el bicentenario y la paz

En una competencia codo a codo con la literatura, la historia de Colombia, tanto la más añeja como la más reciente, ha protagonizado la edición 32 de la Feria Internacional del Libro de Bogotá (Filbo), que se encamina a su último fin de semana. El evento, formalmente dedicado a celebrar el bicentenario del país como nación independiente, también se ha volcado a los relatos sobre la negociación con las FARC que, dos años y medio después de la firma del acuerdo de paz, aún agita el debate público.
“Estos 200 años de historia son para celebrar lo que ha hecho nuestro país en ese patrimonio inagotable que es su clase creativa, su clase cultural que sigue inspirando a muchas generaciones”, manifestó el presidente, Iván Duque, durante la apertura hace casi dos semanas de la Filbo, que concluye el próximo 6 de mel libro del expresidente Santosayo.
El Gobierno ha buscado convertir la conmemoración en un motivo de inspiración que permita unir a una sociedad polarizada. En una inusual apuesta que suscitó más de una crítica, la Cámara Colombiana del Libro rompió la tradición de traer las letras de otro país como invitado de honor, para escoger a la propia Colombia y dedicarle los 3.000 metros cuadrados del pabellón de honor en el centro de exposiciones Corferias, un enorme complejo en el oeste de la capital, a la celebración del bicentenario.
Además del énfasis oficial en los 200 años de vida republicana, la cita ha estado marcada por las narraciones sobre el acuerdo de paz entre el anterior Gobierno y la exguerrilla de las FARC —hoy desmovilizada y convertida en partido político—, un hito que despierta pasiones encontradas.
Dos de las grandes novedades editoriales son los relatos de los principales artífices de esas complejas negociaciones: La batalla por la paz, del expresidente Juan Manuel Santos, y Revelaciones al final de una guerra, del jefe negociador Humberto de La Calle. Los dos veteranos políticos, con una destacadísima hoja de servicio público, sostuvieron sendas conversaciones con dos de los autores colombianos más relevantes de la actualidad.
El también Nobel de paz charló el miércoles con el escritor Juan Gabriel Vásquez, finalista del Man Booker International Prize por la traducción al inglés de La forma de las ruinas, en una conferencia que rompió récords de asistencia, destronando a los youtubers que se han convertido en protagonistas en los últimos años.
“Este libro lo escribí pensando que era importante salir rápidamente con la historia, con lo que vivimos. Con esa cantidad de mentiras que se estaban dando alrededor del proceso tenía que dejar una constancia histórica”, apuntó Santos, que entregó el poder a Duque —un crítico de los acuerdos— el pasado 7 de agosto. De La Calle, el entrañable jefe del equipo negociador del gobierno durante los cuatro años de diálogos en La Habana, también salió ovacionado de su conversación con Ricardo Silva Romero, columnista de EL PAÍS y ganador este año del Premio Biblioteca de Narrativa Colombiana por Cómo perderlo todo, otro de los libros más buscados en la Filbo.
Alejandro Gaviria, otro exfuncionario, lanzó hace un año Hoy es siempre todavía, el testimonio sobre su doble condición de paciente de cáncer y ministro de Salud durante el anterior gobierno.
Reputado economista, académico e intelectual en el sentido amplio del término, Gaviria irrumpe en esta edición con Siquiera tenemos las palabras, un libro sobre libros que presenta una “visión del mundo y del cambio social” que a su autor la gusta definir como “optimismo trágico”.
En las listas de autores colombianos también sobresalen el siempre provocador Fernando Vallejo, quien lanzó Memorias de un hijueputa, y Melba Escobar —cuya novela La casa de la belleza ha sido traducida a 14 idiomas— con La mujer que hablaba sola.
La Filbo, con una abultada programación que supera las 1.850 actividades culturales, es la fiesta literaria más grande de Colombia y la tercera en América Latina. El año pasado recibió más de medio millón de asistentes.
Entre los más de 170 invitados de 24 países se destacan, entre otros, la estadounidense Lionel Shriver (Tenemos que hablar de Kevin), así como los españoles Rosa Montero y Manuel Vilas, quien ya había visitado este año el Hay Festival de Cartagena con su aclamada Ordesa. Igualmente los mexicanos Mario Bellatin, Margo Glantz, Emiliano Monge y Antonio Ortuño, o los argentinos Martín Caparrós, Leila Guerrero, Samanta Schweblin y Edgardo Cozarinsky, ganador el año pasado del Premio Hispanoamericano de Cuento Gabriel García Márquez, que entrega el Ministerio de Cultura y la Biblioteca Nacional de Colombia, con En el último trago nos vamos.
FIEBRE DE PODCASTS
Los asistentes a la Filbo no están limitados a las novedades literarias, pues la feria ha sido tradicionalmente escenario de todo tipo de experiencias multimedia. Hace un año, por ejemplo, un pabellón estuvo destinado al prototipo del Museo de la Memoria. En esta edición, los visitantes han podido sumergirse en la experiencia de los podcasts gracias a la estación sonora de Caracol Radio, en el Gran Salón de Ecopetrol. Allí, además de conocer la plataforma digital de podcasts del Grupo Prisa, pueden generar sus propios contenidos.
(EL PAIS DE MADRID)

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Un Salto que Enrique M. Castellanos añora y poetiza

Enrique M. Castellanos es el salteño que hoy ocupa esta página con sus creaciones literarias. Es autor de un único libro: “Cantata a Salto”. El título es un adelanto fundamental de la esencia de su poesía, en la que el protagonista es Salto. El libro solamente incluye sobre el autor lo siguiente: “Nació en Salto, allá por los 40. Hizo escuela y liceo en su ciudad. Después se fue a Montevideo. Hizo de todo un poco, es decir, nada digno de recordar”. De estudiar y comentar su obra se han ocupado en diferentes ocasiones dos salteños: José Luis Guarino y Jorge Menoni.

Puente sobre el arroyo San Antonio

Como para llegar a las cuevas
y hacer una llanura pensante…
Una baranda de árboles que cuide
los reflejos del río…
Árboles que cuiden de los años…

Con un zumbido de amores
de gritos vivas y saludos.
Desde este presente desde este presente
donde el arroyo San Antonio
tiene pirañas y un pañuelo de aceite
que le cubre y agranda las heridas.

El puente no está
se llevó a sí mismo a otra orilla.
El puente no está
y desde este lado queremos cruzarlo

Retorno a la ciudad

Ya lo viví y ahora
es un simple repaso:
los lamentos y las voces se turnan
llenando los juzgados con matrimonios y condenas,
las calles con árboles mal puestos en las veredas
con casas milagrosamente levantadas sobre otras
y los niños que se parecen a sus padres.
Así,
uno tras otro,
saliendo a tu encuentro con la túnica del tiempo
dejando a su paso una cueva vacía
y la bajada por las calles que van a dar al río
y el retorno que permite
encontrar aquel canto
que espera nuestra voz

Límites

El río Uruguay, los arroyos Sauzal y Ceibal, una línea de
naranjos que va corriendo el horizonte son los límites de Salto.
La sombra que dejan los que se fueron
la sombra de los que no volvieron
y la luz mendigando
la sombra piadosa del olvido.

Puente a las cascadas

Permiso,
quiero llegar a la Garganta del Diablo
que marcaba Salto Grande.
Voy a estar una tarde como un romance
voy a caminar con un dorado
bajo el río de lluvia fina.

No cuenten,
no cuenten que me escapo
por el costado de las fotos
y que allá hay una chalana
que se escapó del derrumbe.

Permiso,
si llego hasta aquel tiempo
el presente se escapa
como una pandorga que se le rompió la piola.

Permiso,
hay aroma de musgo que cuenta una historia
voy prendido a las gaviotas
siguiendo las caras felices de entonces.

Permiso,
hay alguien con los ojos más allá de los árboles
¿qué mira, qué mira?
El agua es un desierto sepultando los años
¿qué mira, qué mira?
treinta años después no soporto la mirada.

Permiso Salto Grande
permiso a los que salen de los cines,
permiso a las calles con las flechas cambiadas,
estoy en el muelle de un siglo distinto
pero reconozco las caras y digo:
éstos son los hijos, éstos son los hijos.

Copla

La luna en la costanera
la calle besando el río;
levanta su verdulera
y canta Aquilino Pío.

El tiempo

Para siempre quedamos
con el movimiento lento de las carretas,
en el mediodía bochornoso del verano,
cuando andan niños que venden y piden
y parece que el mundo se terminara en eso.

*
Los ojos como si fueran nuevos
derraman paisajes.
Luz de Salto que se ve desde Concordia
luz sin piedad que marca las arrugas.

*
Luz del niño que duerme debajo de un naranjo
con un ayer apenas
con una mañana blanca,
donde saltan conejos del bordado de la abuela.

*
Luz maraluz maraluna,
cuerpo de mujer envuelta en la mirada.
Luz de Salto en la palangana de la azotea
que no alcanzan los perros ni los pájaros.
Apenas pena la luna.

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Prohibido simular fumar dentro de una obra de teatro: ¿Se tendrán que modificar algunas obras? ¿Se puede hablar de censura?

El Poder Ejecutivo ha prohibido fumar o simular fumar durante una obra de teatro, por considerar que se trata de algo que promueve el tabaquismo.
La medida ha provocado un malestar generalizado en el ambiente teatral, incluso algunas personas vinculadas a esta actividad artística han manifestado sentirse «indignadas» por lo que consideran «un abuso». Oscar Bibbó
EL PUEBLO procuró sobre el tema la opinión de Óscar Bibbó, un director salteño con varias décadas en la actividad.
«Yo estoy totalmente en contra de que se fume dentro de un teatro o de otro espacio cerrado, además es un peligro fumar dentro de un teatro que se puede prender fuego en cualquier momento por toda la madera y telones que hay», expresó.
Sin embargo, respecto a que la medida también prohíbe la simulación de fumar, dijo que «hay obras que no hay más remedio, están marcadas así, a veces porque se desarrollan en otra época en la que fumaban en espacios cerrados; entonces si aparece una persona fumando pero por supuesto sin prender el cigarro, me parece que no afectaría para nada».
Por eso, «en ese caso sería una censura a la obra de teatro, me parece incorrecto por la época en que se escribe cada obra que no se le permita simular que está fumando».

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Festival de Jazz Internacional en «Las Nubes»

Los días 11 y 12 de Mayo próximos a la hora 19.30 se realizará en Chalet «Las Nubes», Avda. Enrique Amorim 1700, el 1er Festival de Jazz Internacional.
Este género musical nacido a finales del siglo XIX en los Estados Unidos, es una confrontación de la música africana con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente.
El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.. A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el mundo. La Comisión Amigos de «Las Nubes» y el Grupo Déjà Vu homenajean este género musical organizando el 1er Festival de Jazz que tendrá carácter internacional ya que participan músicos de nuestro medio y de la República Argentina. Lamentablemente el saxofonista Jorge Curubeto no podrá estar presente por razones de salud.
El programa es el siguiente:
Sábado 11. Hora 19.30. Actuación de los grupos Déjà Vu y Willy Jazz Trio.
Domingo 12. Hora 19.30 Actuación del Grupo Olivera, Barcos Agostini y Willy Jazz Trio.
En ambas oportunidades se ofrecerán repertorios diferentes.
El grupo Déjà Vu, de conocida trayectoria en nuestro medio, está integrado por músicos salteños, mientras que en el Willy Jazz Trio participa Guillermo «Willy» Curubeto, destacado pianista que se dedicó al jazz desde joven hasta la actualidad. Y que actualmente reside en la ciudad de Buenos Aires.
También participará el Trio Olivera Barcos Agostini de la ciudad de Concordia integrado por Santiago Olivera en bajo, Martín Barcos en saxo y Nacho Agostini en batería. Indudablemente será una fiesta para los amantes del jazz.
Los bonos de colaboración se venderán en forma anticipada ya que el cupo es limitado. Por mayor información comunicarse por los teléfonos 4733 2243, 099 749 314 y 099 930 306.

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Las escritoras ecuatorianas hacen historia, un artículo que hace referencia al auge de mujeres

En 2007 Gabriela Alemán fue escogida por el Hay Festival como uno de los 39 autores menores de 39 años más importantes de América Latina. Diez años más tarde una segunda escritora ecuatoriana, Mónica Ojeda, fue también incluida en la prestigiosa selección.
Ese mismo 2017 Alemán —mientras su Poso Wells se traducía al inglés— publicó Humo, una novela sobre la historia de Paraguay y sobre las migraciones latinoamericanas que tuvo una gran repercusión en todo el continente.
Y, con la publicación de Mandíbula al año siguiente —destacada por varios medios de renombre entre las mejores novelas de 2018— Ojeda se convirtió en una de las jóvenes autoras en lengua española con más proyección internacimaria fernanda ampueroonal, con contratos de traducción al griego (Skarafima), al inglés (Coffee House) y al francés (Gallimard).
No son las únicas escritoras de Ecuador cuyas obras se publican, se leen y se recomiendan más allá de las fronteras de su país. Pelea de gallos, el primer libro de cuentos de María Fernanda Ampuero, publicado en España por Páginas de Espuma, ha sido muy bien recibido por la crítica y por el público a ambas orillas del Atlántico. Y el sello Candaya, tras publicar el libro de relatos La primera vez que vi un fantasma, de Solange Rodríguez Pappe, va a doblar la apuesta por la ficción ecuatoriana con el lanzamiento, antes de final de año, de la novela Siberia, de Daniela Alcívar Bellolio.
A esos nombres se le añade, en el ámbito de la no ficción, el de Sabrina Duque, que acaba de publicar VolcáNica. Crónicas desde un país en erupción, el proyecto con que ganó la beca Michael Jacobs de la Fundación para el Nuevo Periodismo Iberoamericano.
Aunque la violencia y el género sean dos temas comunes en todas ellas, yo diría que esa literatura que cruza fronteras habla, precisamente, de personajes que viajan, que viven en otros países o que habitan identidades extranjeras.monica ojeda
Los relatos de Alemán son sumamente inquietos, tanto en términos de subgénero (realismo, ciencia-ficción, terror, western: nada alienígena le es ajeno) como de geografía (en “El extraño viaje”, por ejemplo, conecta Nueva York, Quito y Valparaíso a través de la adaptación radiofónica de La guerra de los mundos); Nefando, de Ojeda, transcurre en Barcelona y en pantallas de videojuegos; los cuentos de Ampuero sintonizan con la frecuencia del paisaje físico y moral de toda América Latina; los de Rodríguez Pappe nos transportan a Lima o a Las Vegas; Siberia se mueve entre Guayaquil, Quito y Buenos Aires; y Duque, que vive en Managua (y antes lo hizo en Lisboa y Brasilia), construye su libro a partir de decenas de historias de migrantes nicaragüenses y de viajeros de todo el mundo por ese país convulso. Aunque autores como Javier Vascónez y Leonardo Valencia (parte de la selección de 2007 de Bogotá39, quien ahora publica La escalera de Bramante en Seix Barral) también hayan publicado en España y otros países iberoamericanos, lo que están logrando las nuevas narradoras ecuatorianas no tiene precedentes. La fuerza y la calidad de sus propuestas se han visto acompañadas por un contexto de recepción finalmente favorable. Con ellas la literatura ecuatoriana entra en el mapa internacional. Tal vez haya que remontarse a los años setenta para encontrar un momento similar: Jorge Enrique Adoum ganó en 1973, con su novela Entre Marx y una mujer desnuda, el premio Xavier Villaurrutia; y en 1979 apareció en Seix Barral de Barcelona su poemario No son todos los que están. Tal vez sea lo más cerca que estuvo la literatura ecuatoriana de entrar en la órbita del post-Boom. En la del Boom quizá fue la mexicana Elena Garro la escritora con más opciones de ingreso, pero Los recuerdos del porvenir fue rechazada en 1962 por Carlos Barral (y el Biblioteca Breve original no lo ganó ninguna mujer). Los tiempos por suerte han cambiado y las escritoras comienzan a tener las mismas opciones que los escritores para ser leídas y publicadas y premiadas y canonizadas. El movimiento #MeToo ha sido la octava parte, la más visible, del iceberg feminista que está hundiendo al Titanic del machismo. También del literario.
Tanto Ojeda como Ampuero, de hecho, han denunciado abusos o maltrato. Como el resto de las escritoras más destacadas de su generación, acompañan su obra de alta calidad con un activismo necesario para acelerar la expansión de la perspectiva de género.
En el siglo XXI se ha vuelto posible algo que en el XX hubiera parecido ficción: que las caras más visibles, que las obras más importantes y reconocidas de una literatura nacional —presente y pasada— sean de escritoras. Es el caso de la canadiense, con Alice Munro o Margaret Atwood como máximos exponentes; o de la surcoreana, representada en las librerías de todo el mundo por Han Kang.
Ecuador está entrando con sus escritoras en esa tendencia, que también es latinoamericana. Karina Sainz Borgo es la primera narradora de la historia de la literatura venezolana que va a ser traducida a veintidós idiomas, con su primera novela, La hija de la española. Y en estos momentos Ida Vitale y Elena Poniatowska, premios Cervantes, son las máximas figuras —respectivamente— de la literatura de Uruguay y de México.
Todo eso invita a reescribir, para acabar, el cuentito de Augusto Monterroso, que nunca sabremos si se refería secretamente a un dictador, a un escritor pesado o al machismo literario: cuando nos despertamos el dinosaurio seguía allí, pero ya se estaba yendo.
(The New York Times en Español)

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Avengers: Endgame 2d

Género: Acción.
Director: Joe Russo, Anthony Russo.

Reparto: Chris Evans, Robert Downey Jnr, Mark Ruffalo. Fecha de lanzamiento: 25/04/2019. CineCaracterística Runtime: 3 hrs.
SINOPSIS
«No se trata de cuánto perdimos, sino de cuánto nos queda».
A la deriva en el espacio sin comida ni agua, Tony Stark envía un mensaje a Pepper Potts a medida que su suministro de oxígeno comienza a disminuir. Mientras tanto, los restantes Avengers, Thor, Black Widow, Captain America y Bruce Banner deben encontrar la manera de recuperar a sus vencidos aliados para un enfrentamiento épico con Thanos, el malvado semidiós que diezmó el planeta y el universo.
En Avengers: Infinity War Thanos llevó a cabo su plan de eliminar a la mitad de la población del universo. Los vengadores sobrevivientes: Iron Man, Capitán América, Thor, Black Widow, Hulk junto a Rocket, Rhodey, Nebula, Ant-Man y la recién llegada Capitana Marvel irán en busca de Thanos para cumplir su promesa: si no pueden proteger a la Tierra, entonces la vengarán.-
//www.cinesargentinos.com.ar/

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El “mate amargo” revive en versión “agro pop” a 100 años de su intérprete

Raúl Martínez

El “mate amargo” revive en versión “agro pop” a 100 años de su intérprete. El “mate amargo” revive en versión “agro pop” a 100 años de su intérprete AME7530. MONTEVIDEO (URUGUAY), 01/05/2019.- Fotografía del 26 de abril de 2019 muestra al músico Eduardo Larbanois quien toca la guitarra durante una entrevista con Efe en Montevideo (Uruguay). La reconocida milonga “mate amargo”, interpretada por la cantante uruguaya Amalia de la Vega (1919-2019), revivió en una versión “agro pop” que busca rendir homenaje a esta cantante a cien años de su nacimiento y rememorar “lo más simbólico” de la cultura uruguaya. Esta creación se encuentra a cargo de la cantante Josefina Damiani, que destaca por sus marcadas influencias de la cultura del folclore, y el referente de la música popular uruguaya Eduardo Larbanois. EFE/Raúl Martínez

La reconocida milonga “mate amargo”, interpretada por la cantante uruguaya Amalia de la Vega (1919-2000), revivió en una versión “agro pop” que busca rendir homenaje a esta cantante a cien años de su nacimiento y rememorar “lo más simbólico” de la cultura uruguaya. Esta nueva creación se encuentra a cargo de la novel cantante Josefina Damiani, que destaca por sus marcadas influencias de la cultura del folclore, y el referente de la música popular uruguaya Eduardo Larbanois, que, junto a Eduardo Carrero, conforma uno de los dúos más famosos de ese país en el mundo. Se trata una versión “agro pop”, que, como definió Damiani a Efe, es un estilo que mezcla los sonidos de la actualidad con el canto popular del interior de su país, que se ve reflejado en algunas de sus letras, en las que también honra a la figura de la mujer de estas tierras. “Destacando a Amalia como intérprete y partiendo de esa base. A Amalia, como mujer, se la puede tomar como referente, porque fue una artista que se le notaba como muy independiente y muy admirada por artistas como Mercedes Sosa, Alfredo Zitarrosa, Atahualpa Yupanqui”, señaló. El registro barítono de Damiani junto a los acertados acordes de Larbanois en la guitarra dan a esta nueva versión un toque de frescura sin perder la esencia de sus raíces que, en definitiva, brinda una muestra de respeto por esta letra que fue creación del también uruguayo Tabaré Regules. Larbanois formó dúo en distintas ocasiones con de la Vega, artista a la que describe como una mujer con “una voz privilegiada” y una intérprete “fuera de serie”. “Es muy importante en este oficio ser coherente, consecuente y cuando elegís algo es porque en definitiva hubieras querido hacerlo. Entonces creo que esta versión, de las cosas que hicimos de Amalia, de verdad es como una nueva versión, una puesta a punto con la concepción arreglística de estos tiempos”, afirmó. En tanto, remarcó que el “mate amargo”, en referencia a la canción y a la tradición rioplatense de beber yerba mate, es “lo más simbólico” para los uruguayos, acto que representa la cultura y costumbre de su país. “No solo es lo que es en sí mismo, sino que es un símbolo de unidad, de encuentro, de amistad. Cuando llega un amigo lo primero que decís es ‘vamos a armar un matecito’ y eso es bien uruguayo. De repente en otros lugares te dicen para tomar un café, pero acá es ‘vamos a armar un matecito’ y eso ya es una complicidad”, aseveró. Para Damiani, la idea de esta nueva versión es “ajustarla a estos tiempos” y además mostrar que el folclore de su país puede “dejar de ser un estilo pasado de moda”. “Si yo esto lo traigo como más a los tiempos de ahora y si le pongo ese toque femenino también, de una mujer que se vinculó también con la ciudad y que es de ahora de este siglo, creo que se llega mucho más a la juventud y terminan entendiendo y amando qué es la raíz de nuestra música”, sentenció. Esta versión forma parte de la nueva producción discográfica que Damiani prepara junto a otros artistas de su país. EFE

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El humor en la literatura de Salto

Fue especialmente la buena receptividad de los lectores ante el Informe Semanal de EL PUEBLO del pasado domingo, referido a la importancia el humor en el ser humano, lo que nos llevó a recordar y hurgar en algu nas cuestiones vinculadas a la presencia del humor en la literatura, y sobre todo en la de Salto.

Si se piensa en literatura universal, bien podría decirse que todas las obras verdaderamente relevantes Salto Cancántienen, en mayor o medida y con mayor o menor visibilidad, ciertos rasgos humorísticos. Sin alejarnos de la lengua española, la lista sería muy larga; poesía satírica como la de Francisco de Quevedo o páginas narrativas como las Novelas Ejemplares cervantinas constituirían apenas una brevísima muestra. Y bastaría nombrar tan solo dos obras clásicas para tener clarísimos ejemplos: Don Quijote de la Mancha y Lazarillo de Tormes.

EL HUMOR COMO DESAUTOMATIZACIÓN
Según la Real Academia Española, el humor es una “condición”. Para decirlo con otras palabras: una propiedad. En la literatura, el humor es entonces esa condición o propiedad de ciertas obras, que contribuye a la formación de uno de los rasgos fundamentales de toda obra de arte que es la desautomatización: la ruptura más o menos abrupta con los esquemas de percepción de la realidad. “Automático”, según el mismo Diccionario, es aquello “Que sigue a determinadas circunstancias de un modo inmediato y la mayoría de las veces indefectible”. Pues en la ruptura de esa inmediatez asociativa, de lo inmediatamente predecible, radica la mayoría de las veces la función primordial del humor.Diccionario del disparate

LITERATURA SALTEÑA
En la literatura de Salto, no son pocos los autores que han manejado el humor de forma más que acertada en diferentes planteos. Desde los orígenes. El periódico “El bombo biejo” (así, con “b”, publicación de finales del siglo XIX), por ejemplo, tenía como notoria característica la presencia de textos cargados de humor. También tuvo esta característica el periódico “El eco social” (1895), que en su número 6 (valga esto como simple y pequeña muestra) publica un poema titulado “A una nariguda”, con este comienzo:
“Qué lástima ¡vive Dios! ser esbelta cual ninguna ser graciosa y tener una nariz que parecen dos”
(Extraído de Los orígenes, Tomo Nº 1 de la Colección Escritores Salteños).
La novela “Salto Cancán”, de María Inés Silva Vila, es otro ejemplo de la presencia de elementos humorísticos en la literatura salteña. Allí se narra la historia de ciertos aristócratas de forma a veces grotesca, a veces irónica, otras veces tragicómica. Sobre esta obra dijo Ángel Rama: “…el contrapunto interno que se da párrafo a párrafo entre el suceder que se cuenta y el modo levemente desencajado de decirlo; en este pequeñísimo desajuste radica el humor permanente de la obra…”.
Por otra parte, la Colección Escritores Salteños dedica un tomo entero a esta temática: el Tomo NUn Salto de humorº 17 se titula Un Salto de humor y recoge creaciones de Jaurés Lamarque Pons y Julio Suárez Sedraschi (Peloduro). Allí se incluye el “Diccionario del disparate”, de Julio Suárez, que por su genialidad merece algunas líneas aparte.

EL DICCIONARIO DEL DISPARATE
En este Diccionario, Julio Suárez pone de manifiesto todo su ingenio y humor para definir palabras justamente a modo de diccionario. Citemos algunos ejemplos: “Incubación: período pre – natal de los niños cubanos”, “Hogar: sitio donde se a–hogan los solteros que dejan de serlo y zambullen”, “Taba: que se fue, que ya no está más”, “Huracán: un viento de perros”, “Tragedia: desesperación de un sastre por cobrarle el traje a uno”. Y así, son varios cientos de palabras las que integran el Diccionario.
En las palabras de presentación de este Tomo de la Colección, allá por el año 2009 en Salto, el Académico Ricardo Pallares sostuvo que “el humorismo escrito es un discurso que debe ser valorado como sistema de significación que tiene ciertas claves de comunicación con el público”.
Y tiene la capacidad de que “nos lleva hacia fuera de la realidad en que estamos para observarla desde allí. La risa es también una filosofía de vida”.

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Grupo “Andante” celebra 18 años en el camino de la danza folclórica

Este año con el conjunto de danzas folclóricas Andante celebra 18 años en el camino de la danza folclórica.
La agrupación dio comienzo allá por el 2001 bajo la dirección de José Luis Pereira un grupo de ex bailarines de Ibirapitá con la necesidad de seguir bailando.
Desde hace nueve años el grupo lo dirige la profesora María Isabel Beasley Popelka que este año cumple 30 años como bailarina.
“Nuestro objetivo es investigar, estudiar, interpretar y difundir a través de la danza la esencia de nuestras raíces y la relación del hombre con la tierra. Nos interesa especialmente involucrar y comprometer a los andante001jóvenes y niños con la cultura y el arte desde el conocimiento de la danza como una herramienta para la vida” – nos cuenta Isabel Beasley.
El nombre “Andante” nace en referencia al andante en el campo que lleva la noticia de fogón en fogón y también en referencia a la música.
Andante es tanto un grupo como una escuela de danzas folclóricas, es un lugar de puertas abiertas sin limite de edad en cualquier momento del año y para cualquier nivel que los interesados tengan de baile, aún cuando se comience desde cero.
El contacto con Andante se puede efectuar a través del 098937187:
mibeaspo@gmail.com.
“Nuestro repertorio abarca las danzas Rioplatenses y Orientales, danzas del Altiplano y del Litoral.
Desde la manifestación más tradicional del campo y el salón, de proyección al escenario como al estilizado incorporando diversas artes escénicas.
Nuestra primera actuación fue en las Jornadas de Derecho Comparado del Mercosur de la Regional Norte y desde allí hemos bailado con artistas como Los Nocheros el Chaqueño Palavecino, Oscar Massita entre otros así como los escenarios y las fiestas más importantes del país y la región como la Patria «aucha, la Fiesta del Olimar el escenario Zitarrosa del Prado, en la Semana Artiguista, la Fiesta de la cerveza, La Redota, el Encuentro con el Patriarca, el Valentín Aparcero y los encuentros de Arte y Juventud en los distintos departamentos del país.
Consideramos que venimos de una escuela que ha hecho mucho por el folclore y no ha sido reconocida en su justa dimensión motivo por el cual hacemos nuestros aportes al plan Nacional de Danza y en cada congreso o seminario del que participamos, así mismo como lo hemos hecho aportando lo nuestro en el primer profesorado de danza del Uruguay.
Entendemos a la danza como un derecho que involucra no solamente la dimensión artística sino también la comunitaria, educativa e inclusiva y comprometida con un proyecto de vida que favorece el desarrollo humano” integral” – reflexiona una de las mentoras del grupo “Andante”.
La danza folklórica suele realizarse por tradición (no es un arte innovador) y puede ser bailada por cualquier hombre y mujer (no es exclusividad de los bailarines profesionales, aunque pueden existen grupos profesionales de danza folklórica).
Además de todo ello es importante establecer dos características más que definen a lo que es la danza folklórica. Por un lado nos topamos con el hecho de que, por regla general, aquella no es bailada por la aristocracia sino por la gente del pueblo llano y también es necesario resaltar que este tipo de baile ha dado lugar en muchos casos a nuevos bailes modernos.
Este tipo de danzas se realiza especialmente durante acontecimientos sociales como fiestas y conmemoraciones.
Los más jóvenes aprenden al ver bailar a los mayores, quienes se encargan de enseñar los secretos de cada danza para perpetuar la tradición.
El folclor es una característica de una región, algo representativo de una ciudad, la danza folclórica, por lo tanto representa un baile tradicional, algún baile representativo, algo que lo distingue, y esto tiene que ver con alguna región, ciudad, pueblo etc.
Se caracteriza porque son formas simples.
Los elementos más importantes son el ritmo y la expresión de sensaciones y sentimientos.
Es el estudio de usos y costumbres, tradiciones espirituales y sociales de expresiones orales y artísticas que permanecen en un pueblo evolucionado (no primitivo) reflejan valores culturales que se transmiten de generación en generación, obedecen a estructuras como el grupo étnico definido por factores como la geografía, la historia, el clima, la cultura.
La danza es una expresión humana que ha estado presente desde que existen los humanos, como se ha podido interpretar en las pinturas rupestres.
En la actualidad, existen las danzas folklóricas que son un legado del pasado, adaptado al presente y que forman parte de la identidad de cada cultura.
Una danza folclórica es una expresión social, cultural o celebratoria que puede acompañar ritos religiosos, de iniciación, ceremonias de guerra, de fertilidad, de petición, etc. Las danzas folclóricas tienen un objetivo y los danzantes suelen tener un alto sentido de ritualidad.
Actualmente no todas las danzas folclóricas guardan la esencia de cuando surgieron pues se han ido modificando y se han adaptado como danza artística a través de ballets y grupos de baile que hacen interpretaciones de los rituales para acercarlos a otros públicos que no siempre forman parte de las comunidades originarias.

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Rodolfo Nario, como si nadara entre versos y prosa

Uno en prosa y algunos en versos, textos de Rodolfo Nario ocupan hoy esta página que EL PUEBLO dedica a la creación literaria salteña.Rodolfo Nario Jubilado como trabajador de Salto Grande y amante del deporte (es nadador y participa permanentemente en diversas competencias), Nario es autor de algunos libros de cuentos y poemas como “Regreso a la ilusión” (2016) y “Cazador de sueños” (2017), además de haber sido incluido en libros colectivos. Actualmente viene trabajando en próximas publicaciones.

Sentido del humor

Si con seriedad autosuficiente
rechazamos el sentido del humor,
el mundo de nuestra sociedad
adquiere tono gris e intransigente,
que nos lleva a la crítica inclemente,
censurando opiniones diferentes.

La equivocada y negativa intolerancia,
nos aparta de las otras realidades
y se hermana con la mojigatería,
nos eleva en el altar de nuestra mente
como dueños de todas las verdades,
y elimina risas, humor e ironía.

La verdad revelada sólo es hipocresía,
una enfermedad muy difícil de curar,
si se encuentra entronizada en nuestra mente,
con cerradas visiones únicas e inclementes,
que no dejan paso a otras reflexiones,
ni escuchan de nadie las razones.

Dentro de este oscuro panorama,
las oscuridades nos impiden ver,
los oídos silencian las palabras,
y el árbol queda con sólo una rama,
solitaria y sin ninguna hermana,
que a nadie nos permite comprender.

La mejor manera de entender el humorismo,
es la de reírnos de nosotros mismos,
entender que el universo es tan ingrato,
que la única forma de sobrevivir,
es alcanzar la tolerancia en nuestra alma,
abrazando la sonrisa y logrando calma.

El poeta muerto

Los poetas realmente nunca mueren,
sus cenizas renacen en las letras,
y la belleza danza con su prosa;
solo ha muerto la máquina roja
dejando latidos en cada palabra,
dibujando soles de luces hermosas
que iluminan por siempre…
sentidas, delicadas y gloriosas.

Aun cuando su cuerpo se degrada,
llegando al final de su existencia,
persisten sus serenos pensamientos,
como eterno legado de la idea,
experiencias marcadas a fuego
en caminos recorridos sin rencores,
que impiden olvidar su ausencia…
ayudando a germinar nuevos amores.

Imagino ese mundo diferente
desde donde las almas de escritores,
observan sus libros entreabiertos;
tal vez por un lector de atardeceres,
esperando tibieza y sentimientos,
alegrando soledad con su poesía,
superando los muros de la muerte…
trayendo rastros a una nueva vida.

Alumbrando oscuridad

Las palabras no se olvidan,
se conectan a lejanas regiones;
maman de la misma génesis
y emitidas una a una forman cumbres,
de las humanas costumbres.

Desde la misma historia de la especie,
emana del hombre y la mujer,
a veces pensante y hermana,
en otras dogmática y conflictiva,
disciplinada y posiblemente humana.

Nadie muere sin haber nacido,
ni tampoco ignora el camino recorrido,
amanecemos desde la dualidad,
de esa oscuridad antigua y ancestral,
que tiende a traernos soledad.

La voz nos comunica y acerca,
o forma muros de intolerancia,
que nos lleva a encerrarnos en vida,
llenando huecos dentro las almas,
aisladas y hastiadas… pero en calma.

Sólo una palabra en el idioma,
brinda sentido, dirección y guía,
alumbra oscuridades y temor,
nos impulsa a superar ideologías…
es la que todos llamamos amor.

Paz consciente

Sucinta, acariciante, leve,
disfruto el sabor
de la cansina brisa,
que me camina en el rostro
suspendida en el éter
y baja de la colina
impregnada de bosque…
sutil como una caricia.

El perfecto amor de natura,
girando con briznas verdes
y pétalos silvestres desprendidos,
gráciles aves trinando;
todo el paisaje feraz
levita mi pensamiento,
y trae momento a momento…
mis mejores sentimientos.

Es la paz de la conciencia,
la felicidad latente,
alejada de egoísmos
y actitudes inclementes,
el rencor se desvanece,
me acuno en la humanidad,
como en mi lecho de niño…
inocente una vez más.

Consejos para princesas

Cuando llegues a sentirte como la bella princesa, de aquel viejo cuento de hadas que leíste siendo niña, recuerda que sólo tú hablarás con la conciencia… no llegues a confundir los deseos o ilusión con verdadera existencia. Camina mirando al frente consciente de tu valía, mira directo a los ojos sin temor y sin rubor. Entiende que ser sincera te blindará de respeto, detectarás los engaños y te encontrarás viviendo dentro de las realidades de un mundo grande y complejo, con la ayuda del motor cargado de un combustible llamado conocimiento. Pues sólo educándote lograras tu crecimiento, con amistades sinceras, desechando falsedades y mirando en los reflejos el espejo de tu vida. El amor te alcanzará sin apurar los momentos, es una carrera larga que tendrá vientos cruzados; que habrán de doblar las ramas del árbol de tu destino, arrancando de su anclaje hojas y tallos nacientes. Vas a tener que aprender a ser flexible y consciente, a conjugar confrontados tu corazón y tu mente, resolviendo finalmente lo que entiendas conveniente.
Dialoga, discute, analiza, confronta y recién luego decide con plena objetividad, las variadas y múltiples opciones de enfrentar la realidad. Confía en los que te aman, pues ya han recorrido el tiempo acumulando experiencia… y nunca digas “sé todo” porque ello es un desatino, el que cree que sabe todo ha extraviado el recorrido, asumiendo fantasías que nunca tendrán destino. Busca siempre respeto en las personas, sin alejarte de aquellos que puedan pensar distinto o tengan mayor edad, pues en general son quienes demuestran sinceridad y expresan sus opiniones con respeto y claridad. Si los que están a tu lado siempre te dan la razón, es que no están razonando, o simplemente te ocultan su verdadera opinión y es probable que te encuentres rodeada de falsedad… por lo que tómalo en cuenta en momentos de aceptarlo como una real amistad.

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En Casa Quiroga hubo «Catarsis» mediante versos y relatos

En la noche del pasado viernes quedó presentado en Casa Quiroga el libro «Catarsis», de Wilson Faval Melo. Hicieron uso de la palabra la Presidente de la Asociación Marosa di Giorgio, Prof. Rosario Gómez, el Director de Cultura de la Intendencia, Mtro. Jorge de Souza y el autor del libro. Lo que siguen son algunos pasajes de lo que, como presentador, en la ocasión expusimos sobre el libro:
«Hay que valorar mucho que alguien decida, y quizás más aún a determinada edad, dejar en libros (plural porque sé que vendrán otros) algo de su vida. Eso habla de un amor por las letras, por los libros, que debe ser destacado, y de un amor también por los otros, por nosotros, porque todo lo que Wilson transmite en estas páginas podía haberse perdido, sin embargo él decide que un libro lo contenga y lo pone en nuestras manos. Esto es algo que incluso han expresado explícitamente en sus obras, en algunos prólogos por ejemplo, varios autores importantes, de obras clásicas como el Lazarillo, que dice en el prólogo que su intención es escribir para que ese bien que tiene guardado, que son cosas que le acontecieron, no se pierdan en la sepultura del olvido (…)El autor
¿Qué es Catarsis? El autor, en nota de Diario EL PUEBLO lo llama autobiografía familiar. Y lo es; es el trazado de una vida, la suya, con su propia pluma. Y es familiar porque aquí están sus abuelos, sus padres, hijos. Es decir acá está el conjunto de elementos que conforman quién es Wilson Faval Melo. ¿Y de dónde saca todos esos elementos?, los saca de los muchos caminos que transitó y los saca, por lo tanto, de la memoria. Una memoria llena, que ahora parece desbordar. Habla mucho de la soledad, pero justamente, no debe haber soledad más poblada de hechos, de personas, de recuerdos, que la de un escritor en el momento de crear (…)
El libro recuerda inmediatamente a dos poetas, por un lado Antonio Machado: «he andado muchos caminos he abierto muchas veredas», y Catarsis como libro es reflejo de ese andar muchos caminos, muchas veredas; es reflejo de haber atracado en cien riberas, esa ribera en la que hoy atraca es Salto. Pero recuerda a Machado también por todas esas reflexiones acerca de si el pasado es lo que aconteció o lo que recordamos o queremos recordar que aconteció o lo que soñamos que las cosas fueron. Todo eso se entremezcla en la escritura de Faval Melo, así como se mezcla lo real con lo ficticio, lo frío y estricto propio de una crónica histórica o periodística, con lo cálido y afectuoso propio de lo literario y especialmente de lo lírico. Por otro lado, recuerda unos versos de Gil Vicente que hablan de «recomponer con tantas astillas dispersas el espejo roto de la memoria». Y eso es lo que hace Wilson (…)
«Catarsis» es un libro que se lee fluidamente y que se puede empezar a leer y seguir leyendo desde el texto que uno quiera, no necesariamente en el orden de aparición. Es un libro que se lee para conocer, para entretenerse, es un libro que sensibiliza. Son las astillas dispersas que formarán el espejo. Uno se deslumbra por lugares, hechos, no así por el uso del lenguaje como podría ocurrir y de hecho ocurre en algunas obras literarias en que el lenguaje es un personaje más; aquí no, el lenguaje es sencillo, claro, y por momentos las palabras vienen como en cascada. Eso es lo que tiene de catarsis (…)
Este libro contiene relatos (además de poemas y de otros textos limítrofes) donde es muy difícil hablar de personajes, aunque lo sean, porque uno los siente siempre como personas, y pegados a la realidad de Wilson, incluso por los nombres reales, sobre todo de la familia. Siempre en ellos, como en la poesía, hay un intento de aferrarse y refugiarse en el pasado (…)
Hay una explicación, en el propio libro, de «catarsis» como desborde, desborde en este caso a través de palabras, pero que parte de una especie de desborde emocional. Llega un momento en que el interior de uno mismo crece tanto que desborda, entonces uno se ensimisma (se concentra en sí mismo) y genera una especie de estallido y ese estallido provoca las palabras fluyendo «en cascada», como «destello», como dice uno de los textos. En la memoria no hay orden, todo está allí, como amontonado, agazapado, para salir en cascada (…)
En definitiva, es un libro que muestra a alguien que no solamente ha estado en la vida, sino que ha vivido, y ha andado y ha leído, y este libro puede enseñar algunas cosas pero también deja abiertas las dudas y las ganas de saber, cuestiona cosas que el autor no puede resolver, y por eso también pueden venir a la mente del lector aquellas palabras de Vaz Ferreira: «Cuando un hombre ha leído y pensado mucho, sus maneras de no entender son infinitamente más profundas e inteligentes que sus maneras de entender. En realidad, son las únicas que miden la profundidad que ha alcanzado su pensamiento. Pero no pueden expresarse con palabras».
J.P. 

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Llaman a inscripciones para el Segundo Encuentro de Música Corporal del Uruguay

Se llevará a cabo del 17 al 19 de mayo en Montevideo y ya están abiertas las inscripciones para participar del 2º Encuentro de Música Corporal en nuestro país, organizado por el “Colectivo BANDE – Música Corporal”. Se trata de un encuentro que durante tres días reunirá artistas de la región que utilizan al cuerpo como instrumento, como medio de expresión y herramienta didáctica. “Nos proponemos nuclear y congregar en diferentes seminarios, talleres y espectáculos a los interesados en esta disciplina emergente, en expansión y de gran impacto en países de la región, abriendo puertas a la creatividad utilizando la música corporal como recurso didáctico y de expresión. Formulario de inscripción y otras informaciones a través de: http://bit.ly/FormularioEncuentro19
¿QUÉ ES LA MÚSICA CORPORAL?
La música corporal es una disciplina basada en utilizar únicamente el cuerpo como instrumento musical, incluyendo percusión, canto, movimiento y la infinidad de posibilidades que nuestra creatividad nos permita. Muchas músicas y danzas folclóricas del mundo tienen elementos de percusión corporal, tanto antiguas como contemporáneas (por ejemplo, el malambo, las palmas del flamenco, el hambone estadounidense, el gumboot sudafricano, la danza balinesa kecak, el tap o el beatbox). Actualmente es una disciplina emergente en todo el mundo y hay numerosos artistas que se dedican a redescubrir, crear y difundir desde distintos enfoques esta forma de hacer música. La música corporal es a la vez una herramienta recreativa y didáctica. Posibilita una experiencia directa con el ritmo, el tiempo, la métrica, la expresión, improvisación y creación musical, trabajando también la comunicación grupal a través de procesos de exploración y creación colectiva.

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Sintapujos estrena “vacas gordas” el jueves 9 en el ateneo

El Grupo Teatral “SINTAPUJOS” conmemorando su 30 aniversario estrena una segunda obra teatral en esta temporada 2019, en el ATENEO DE SALTO el jueves 9 de mayo a las 20 y 30 horas.
La obra a estrenar se titula “VACAS GORDAS” de la dramaturga uruguaya Estela Golovchenko (actual Directora de Cultura de la Intendencia de Río Negro). Con esta obra ha obtenido el premio “FLORENCIO” a su texto( máximo galardón que se otorga en nuestro país al Teatro Uruguayo).
La temática retrata la vida de dos adolescentes en un entorno de pobreza y carencias, olvidados por la sociedad. Michino y Renata (interpretados por Iara Carabajal y Lucía González) son dos hermanos abandonados por su madre, y unidos en una relación de amor y mutua dependencia. Ellos exploran en los viejos mitos de la ciudad de Fray bibboBentos y en las nostalgias del pasado, confundiendo fantasía con recuerdos( la historia del Frigorífico “Anglo”- patrimonio mundial de la humanidad- ronda permanentemente en sus recuerdos).
Una aventura que tiene como centro y pretexto el robo de una vaca. A pesar del entorno marginal en el que crecen, encuentran en el mismo lugar donde esconden la vaca, un refugio que los protege de la realidad exterior a través de un mundo de juego y fantasía. El escondite es justamente el frigorífico “Anglo” abandonado.
Los personajes en forma ingenua y con mucho humor retratan la pérdida de un pasado lleno de productividad, sueños de desarrollo y prosperidad, la “Época de las Vacas Gordas”.
Las entradas anticipadas para este segundo estreno de Sintapujos en esta temporada tienen un costo de $ 100.- c/u y están a la venta en Office 2000 en sus dos locales (centro y zona este).

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Intendencia viene realizando una serie de mejoras en el Teatro Larrañaga

El lunes habrá doble función por el Día Internacional de la Danza

Este lunes 29 de abril, el Día Internacional de la Danza se celebrará en Salto con doble función en el Teatro Larrañaga, como forma de poner en común la riqueza que tiene el departamento en el desarrollo de la danza como arte.

Los talleres del departamento de Cultura de la Intendencia de Salto, junto a instituciones, grupos de danza y academias particulares, presentarán un espectáculo que comprenderá diversos estilos como tango, folclore, break dance, hip hop, danzas españolas, flamenco, dance Ability, entre otros. La propuesta, que se armó a partir de un llamado abierto, está dirigida principalmente a centros educativteatroos y clubes de niños, pero es abierto a todo público con entrada gratuita. La primera función se realizará de 10 a 11.30 horas y la segunda de 15 a 16.30 horas.

MEJORAS EN EL TEATRO LARRAÑAGA
El director de Cultura, Jorge de Souza, señaló que será una buena oportunidad para disfrutar de un programa variado en la principal sala del departamento, en la que se vienen realizando una serie de mejoras tales como pintura del área de camerinos, recambio de pisos y recuperación de la fachada.
«Ha sido un objetivo del departamento de Cultura mejorar las condiciones de infraestructura de esta joya que tenemos en el departamento y brindar mayor comodidad a los elencos que en ella se presentan. Agradecemos a todas las instituciones que han formado parte de este proceso de reacondicionamiento, en especial a CTM Salto Grande, cuyo apoyo nos permitirá retirar una maquinaria obsoleta que se encuentra en la plata alta, para poder acondicionar ese espacio que tiene un valor patrimonial muy importante», dijo De Souza.

 

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Relatos y poemas Mañana en Casa Quiroga se presenta el libro “Catarsis”, de Wilson Faval Melo

La presentación será mañana viernes, a las 19:30 horas, en el Auditorio de Casa Quiroga. Nos referimos al libro “Catarsis”, de Wilson Faval Melo, artíguense de 77 años de edad, ahora radicado en Salto después de una vida por diferentes países de Latinoamérica, sobre todo la Amazonia brasileña. Libro Catarsis
“Catarsis” contiene relatos y poemas en los que la nostalgia por lugares y tiempos idos marcan la tónica dominante, siempre con una mirada que busca penetrar en espacios de reflexión filosófica, y conforman un conjunto que entremezcla lo real y lo ficticio, logrando un libro de ágil lectura donde -si bien los textos gozan de absoluta independencia entre sí- se percibe una clara unidad, dada especialmente por la indagación en la memoria.
Es un rescate personal -mediante palabras y fotografías- de lugares, situaciones y personas que el autor hace pasar por el cerno del lenguaje literario y ofrece a los lectores casi a modo de “memorias”.
El libro ha sido editado por Ediciones Caburé (de Montevideo) y es el primero de Wilson Faval Melo, quien ha dicho que no será el único, pues ya se encuentra trabajando en otros de próxima aparición. La presentación es abierta a todo público, estará a cargo de Jorge Pignataro y quienes asistan podrán apreciar, además, la proyección de imágenes de algunos de los lugares a los que refieren los textos.

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Legítimo orgullo para el Uruguay: Ida Vitale recibió el Premio Cervantes

El pasado martes Uruguay debió haber amanecido como en uno de esos días en que la gente madruga porque juega “la celeste”. Es que por segunda vez en la historia, un escritor uruguayo recibe el premio literario más importante que se otorga en lengua española, el Premio Cervantes, que algunos llaman el “Nobel de la Lengua Española”. Lo recibió la poeta Ida Vitale (antes, tan solo una vez un uruguayo en ese podio: Juan Carlos Onetti, en 1980). Incluso los uruguayos, como buena parte del mundo, tuvimos la oportunidad de ver por televisión, en vivo, el acto de premiación realizado en España en el que Ida (de intacta lucidez, a sus 95 años) ofreció un espléndido discurso. Antes, durante y después del acto, las redes sociales “explotaron” con mensajes alusivos al hecho, todos coincidentes en la felicidad y el orgullo que significa para el país. Una selección de esos mensajes, por escueta que sea, serRecibiendo el Premioía muy extensa de publicar en esta página, por eso optamos por compartir tan solo el de su hijo, Claudio Rama Vitale, en su cuenta de Facebook: “Mi madre, Ida Vitale, hoy en su día, recibiendo el Premio Cervantes, maravillada de ser reconocida y de una vida dedicada a este momento. Su sentido de la vida se ha alcanzado. No es poca cosa lograr los sueños y realizar los fantasmas que como a todos nos atraviesan. Salud!”. Y, por supuesto, vale la pena compartir algunos pasajes de su discurso:
“…Acepto que el azar o un orden regido por una mágica fusión de benévolos caprichos me han señalado, como en una época, aceptábamos algún suceso generoso, con alguien muy querido que ya no está a mi lado, suponiéndolo —así decíamos— manifestación de un eón bien dispuesto. Ahora seres benévolos y palpables movieron las piezas de un superior ajedrez, situándolas en posición favorable y acá estoy, agradecida, emocionada. Recuerdo mis inquietudes en un camino de montaña alto y estrecho por el que me llevaban en auto a una velocidad que pensaba inadecuada. No era un sueño. Esto, claro, tampoco lo es. Por eso mismo, prefiero ser consciente y agradecer, claro, en español, cosa que, además, es un valor añadido a la felicidad de este instante (…) Estos días, casual y repentinamente me tocó oír dos veces Pompa y circunstancia, pese a que Elgar no es un músico que integre mi parnaso musical establecido, frecuentado. También, ya de regreso definitivo a Montevideo, ordenando y reordenando la biblioteca, no dejé de detenerme en la sección cervantina, en las diversas ediciones repetidas de don Quijote, conservadas por distintos motivos todas, cuando las reiteraciones de otros autores suelen ser rápidamente corregidas, siempre en busca del espacio que tanta falta me hace (…) Los libros que integraron una biblioteca “mía”, forrada y presuntuosamente numerada, eran libros para niños, algunos pronto relegados. En virtud de un proyecto claramente pedagógico, me correspondía limpiar un pequeño librero abierto del escritorio los sábados por la mañana. Mucho de su contenido no estaba en español. Sobre la casa planeaba, no diré la sombra sino la luz de mi abuelo italiano, abogado y culto, que en su viaje desde el Palermo natal hasta el Uruguay había sido acompañado por Homero, en edición bilingüe grecolatina, junto con el espíritu garibaldino que un día yo sentiría presente en la familia, constituyéndose en un héroe casi doméstico. Es, pues, normal que entre mis primeros embelesos en el campo de los libros adultos aparezca Ariosto —cuando ya la imborrable profesora de italiano, me hubiese permitido tantear, por mi cuenta, con abuso del diccionario, sus fantasías gratísimas. Le donne, il cavalier, l’armi, l’amore formaban, ese escenario, para mí novedoso, donde encontraría anillos con poderes, caballos alados, magas que evocan las sombras de futuros descendientes de Bradamante, aquí el hipogrifo, más allá una sirena, luego un mirto que habla y es en realidad Astolfo, paladín de Francia convertido en planta. En fin, que este mundo de transformaciones que a cada paso surgen, irreales, me encanta pero no me prepara ni siquiera para la Galatea. Mi devoción cervantina carece de todo misterio. Mis lecturas del Quijote, con excepción de la determinada por los programas del liceo, fueron libres y tardías. En realidad, supe de él por una gran pileta que, sin duda regalo de España, lucía en el primer patio de mi escuela. Allí nos amontonábamos en el recreo en busca de agua, y día tras día, me familiarizaba con las relucientes baldositas que contaban, sobre inolvidables cielos azules, la policroma historia que, según supe luego, era la de aquellos desparejos jinetes. No faltan claro, los molinos, los muchos episodios en que don Quijote terminaba por los suelos. Ya adolescente, me regalarían el volumen ilustrado y muy cuidado, que todavía prefiero a la menos infantil edición de Clásicos Castellanos, cuyos ocho volúmenes son menos traslaticios.
El ambular del Quijote lleva consigo la convicción de que hay un mago enemigo que transforma “a la sin par Dulcinea en una aldeana fea y olorosa”, y está detrás de los numerosos percances que sus obsesiones le deparan al pobre don Quijote…”.

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Aspectos de la serie televisiva del momento ‘Juego de tronos’: Las cosas que uno hace por amor

Ya solo quedan cuatro capítulos para que termine la adaptación televisiva y vaya que Juego de tronos lo sabe. A diferencia del primero de la temporada, este episodio estuvo repleto de impulso narrativo, sin perder lo que hace única a la serie. Fue uno de los capítulos más destacados en años.
Cerramos con la revelación clave; Jon sabe y Daenerys, también. Empiezan a discutir en las criptas cuáles serían las posibles consecuencias, excepto que deben dejarlas para después porque la gran amenaza está, literalmente, tocando a la puerta.
En temporadas pasadas, particularmente la séptima, con el final de la serie acercándose cadagot2 vez más, a los creadores se les había hecho más complicado mantener las conversaciones tensas y extensas que solían diferenciar al programa de otras adaptaciones de fantasía. Sin embargo, en este episodio que trata, en gran medida, de la calma antes de la tormenta que representa la llegada del Rey de la Noche a Invernalia, esa parte entrañable regresa con fuerza, con varias conversaciones desatacadas e hitos que algunos espectadores llevamos tiempo esperando.
Empecemos con que la incomparable valentía y perseverancia de Brienne por fin fue reconocida, y quien ya era dama por su familia fue nombrada dama de caballería por Jaime. El momento fue hermosamente capturado por la actriz Gwendoline Christie, con una sonrisa enternecedora y apropiada dado todo lo que ha hecho y ha vivido Ser Brienne, incluso porque ella le había salvado el pellejo a Jaime unos momentos antes.
La promesa que hizo Jaime de que luchará por los vivos en parte le hizo ganar un indulto temporal de Bran, pues decidió no divulgar que Jaime lo tiró de la torre al inicio de la serie porque esa acción lo encaminó a ser “algo distinto”, el Cuervo de tres ojos, y porque es otro Lannister necesario para el conflicto invernal. “Esto supera la lealtad; se trata de la supervivencia”, dice Jaime durante el juicio. Aún así había varios cargos en su contra, desde el asesinato del Rey Loco que enfurece a Daenerys hasta las acciones en contra de Ned Stark cuando todos estaban en Desembarco del Rey que Sansa le reclama, pero la intercesión de Brienne le gana tiempo.
Por decisión de Sansa, al menos. Una decisión que de nuevo subraya las tensiones incipientes entre la Damgot1a de Invernalia y la Reina de Dragones, aunque sean algo aminoradas (hasta que se discute el futuro del Norte, claro está) en una de esas conversaciones que han marcado a esta serie: dos personas a solas en una habitación. “Las familias son complicadas”, reconoce Dany. “Las nuestras sin duda lo han sido”. Un buen resumen para gran parte de la saga de Canción de Hielo y Fuego.
Ambas hablan de liderar cuando no se espera eso de ellas. “Los hombres hacen cosas estúpidas cuando están enamorados”, indica Sansa; no por nada Bran recuerda hace poco justamente lo que dijo Jaime cuando lo tiró de la torre. “Las cosas que uno hace por amor”.
Pero es una conversación que también planta semillas para un desmoronamiento de quienes posiblemente sobrevivan el asalto del Rey de la Noche.
Primero, al lograr reducir el enojo que siente Daenerys hacia Tyrion —a quien la Reina de Dragones llamó antes “un traidor o un idiota” por confiar en Cersei pero a quien después le pide seguir vivo por su sagacidad— cuando Sansa ligeramente intercede por su alguna vez marido (Jorah Mormont también tiene mano en esto). Y segundo, cuando las cuñadas hablan de Jon. La conversación pasa rápidamente de ser sobre la fortaleza de mujeres en cargos de liderazgo a tratarse de hombres, el que tienen en común y el primer amor de Daenerys, Khal Drogo, que era “más alto”.
“Estoy aquí por amor a tu hermano y confío en él”, dice Daenerys sobre Jon. ¿Qué tanto durarán ese amor y confianza ahora que él no solo la llamó Dany (ella había comentado que no es su apodo favorito), sino que le contó cuál es su verdadero linaje?
Aunque, mientras el romance de Jon y Daenerys parece descarrilarse, hay otro a fuego vivo: Gendry y Arya. Entre coqueteos sobre armas y cicatrices, y con Gendry impresionado por las habilidades de Arya, la atracción se forja al lado de un arma especial recién fraguada.
Los dos decidieron que no hay tiempo que perder y de verdad no parece haberlo.
Está aquel detalle importante en la conversación entre Bran y Jaime frente al árbol arciano de Invernalia. “No podrás ayudarnos en esta pelea si dejo que te maten primero”, comenta Bran. “¿Y qué pasa después?”, le responde Jaime. “¿Cómo sabes que habrá algo después?”.
Es cierto lo que dice Sam: morir es el olvido y por ello es que el Rey de la Noche quiere matar al Cuervo de tres ojos.
También nos siembran un mal agüero con la pregunta no contestada de Arya: “¿El fuego de dragones lo detendrá?”. La respuesta de Bran, quien ahora sabría todo lo que ha pasado, está pasando y pasaría: “No sé, nadie lo ha intentado”.
Detalles sin estandarte
• Fantasma reaparece en el momento idóneo, ahora que todos los demás personajes destacados del Norte también se encuentran en Invernalia.
• Varias muestras de cariño se sienten como posibles momentos de despedida: el abrazo de Theon y Sansa; la promesa de Gusano Gris de ir con Missandei a la playa; el recuento de memorias entre Sam, Jon y Edd; la discusión de qué pensarían Tywin de sus hijos luchando por el Norte; cuando Arya hace que el Perro reconozca que sí le importa lo que suceda junto a Beric Dondarrion; la enumeración de todas las batallas que han sobrevivido los caballeros, y dama de caballería, de la mesa redonda en Invernalia.
• La canción que canta Podrick al final la reconocerán quienes han leído los libros: es una que Arya primero escucha en Colina de Alto Corazón cuando una bruja vaticina varias muertes que ya vimos en la serie, como la de Renly Baratheon por una sombra, la de Catelyn Stark y la del padre de Theon y Yara Greyjoy en un puente, a manos de Euron.
“En las grandes salas de reyes que se han ido, Jenny baila con sus fantasmas”. ¿Qué fantasmas habrá en Invernalia después de la lucha que vendrá el siguiente episodio?
(The New York Times en Español)

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La literatura se despide del amor

En las primeras páginas de Camino al Este. Crónicas de amor y desamor, Javier Sinay nos cuenta que Malena Higashi y él llevaban un año enamorados, viéndose a diario en Buenos Aires, cuando de pronto ella decidió irse a Japón para estudiar la cultura del té en una prestigiosa academia.
Durante su ausencia, él toma aviones y trenes para llegar desde Madrid hasta Kioto, a través de París, Moscú, Siberia, Pekín y Seúl: “Yo viajo en busca de una mujer”; dice, y añade poco después: “Yo viajo en busca del amor. Y de lo que lo rodea”.
Por eso colecciona en todos los países testimonios, experiencias y lecturas sobre la pasión, el flirteo, el matrimonio, la prostitución, la impotencia, los amores a distancia, las demasiadas violencias, las rupturas.
Tras seis meses sin verse, Malena y Javier desordenan totalmente la habitación del hotel coreano donde se reencuentran; después cruzan el mar y ella le enseña, ritual y perfecta, la ceremonia del té.
Se imponen el sexo, el tacto, el paladar, los cuerpos, después de tanto tiempo de correos electrónicos, llamadas telefónicas y conversaciones de chat.
“Habrá que reinventar las maneras de hablar del amor”, dice Malena. Tal vez por eso Sinay no acaba su libro con el té compartido, sino revelando que se conocieron a través de una aplicación: “A diferencia de Tinder (que conecta a la gente en un área más o menos cercana), Happn rastrea el camino de los usuarios y enlaza que el viaje cutre que nos está contando, que a quienes se han cruzado en la calle o en cualquier otro sitio”. Si se aceptan mutuamente, la app les permite chatear. Según el cronista, Didier Rappaport, el creador de la aplicación, estaba “obsesionado con una tarea difícil: dotar de romanticismo a la tecnología”.
Esa suerte de tensión eléctrica recorre las narrativas de nuestra época. Unas narrativas que, como la del escritor argentino, también acostumbran a invertir su cronología. Pero —en cambio— no frecuentan el final feliz.
“Coge mi móvil. Lo registra de forma compulsiva. Veo cómo pasa las llamadas perdidas, las llamadas que yo he hecho, los mensajes. Empiezo a enfadarme.
Coloca el teléfono en la mesita y me mira avergonzado”.
Ese pasaje del relato “Las cartas de Gerardo” (el primero de La isla de los conejos), de Elvira Navarro, nos sumerge en las entrañas putrefactas de una separación.

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José Balderrín, sensibilidad que se expresa entre pinceles y pluma

Poemas de José Balderrín son los que ocupan hoy esta página. “Esto de escribir me surgió hace pocos años”, narró al saber que textos suyos serían publicados por EL PUEBLO. Sin embargo, el arte nunca fue algo ajeno en su vida. Se ha dedicado desde siempre a pintar e incluso realizó exposiciones -una de las más recordadas es la que tuvo lugar el pasado año en el Chalet Las Nubes-. “Mi afición principal fue la pintura pero pareciera que con el tiempo se agudiza la sensibilidad, y eso me hizo tomar la pluma: podía expresarme por otro medio más que la pintura”, dice.

Los siguientes poemas han sido presentados por el autor con independencia entre sí y sin título; con su permiso, esta Redacción los ordenó y numeró. Pero obsérvese asimismo, que por su similar tono y motivos, junto a su brevedad, bien podrían ser las distintas partes de un único poema.

1-
quisiera saberBalderrín
en qué lado tuyo
está ese lado mío que me llama
y buscándolo
a tu sombra me asemejo

2-
estoy preso de vos
por favor
no me liberes

3-
voy a cerrar mis ojos
para encontrarme contigo

4-
el día que me vaya quiero
oyendo tu corazón
reclinar en él mi sien
mientras tú tal vez
mires a lo lejos
como lo haces siempre
y nunca me dices en qué piensas

5-
quiero decir tu nombre
para que así al oírlo
busquen tus ojos a los míos

6-
el día que nos besemos
desde el campanario de mi sangre
ascenderán palomas blancas
que cubrirán el sol

7-
conllevo
la alegría de un sueño
junto al dulce dolor
de no tenerte

8-
Carolina que ríe Carolina que llora
préstame tus ojos
para ver a dios
préstame tu risa
para reír con él

9-
Sebastián
tu nombre
de alta montaña viene
el pie de tu ene
se moja en el río
cuéntame tu cuento
del gato que ríe
a la princesa triste
que en la almena llora
le haremos escala
de seda y romero
qué vívida historia
la tuya y la mía

niño
poeta
como yo también

10-
es imposible
callar nuestra historia
porque
de todos modos
nos ha de delatar
el rumor de nuestras alas

11-
recogeré tus flores temblorosas
para dártelas
si no es demasiado tarde
junto con mi corazón

12-
cuando duermas
acallaré el canto de los grillos
con un manto de azahares

13-
amarraré los brazos
de todos los relojes
para eternizar tu beso

14-
sabía que nos encontraríamos
porque
los dos tenemos alas

15-
descorrí el velo de los años
y apareciste tú
quise volver a mi noche
y tu luz me lo impidió
entonces
te daré un abrazo
que ha de durar todo el tiempo
que no estuve contigo

16-
me has preguntado
si te amo
yo te diría que
tu imagen
me ilumina las pupilas

17-
me dices que llegó el otoño
no sé no me interesa
porque con vos
llegó la primavera.

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Los Hermanos Tronche hoy en el Centro Academias Previale

Luego de muy buenas presentaciones en Termas del Arapey la semana pasada, y de una presentación el pasado viernes en el Centro Cultural Academias Previale, la compañía de teatro Los Hermanos Tronche (de Rosario, Argentina) repite hoy domingo (también en Lavalleja Nº 48). Será a las 19:00.
Horas y la entrada tiene un valor de $ 100.
Los espectáculos de Los Hermanos Tronche incluyen actuación, canto y recitado. Hoy es el turno de “Facundito, cantautor”, monólogo cómico -musical para todo público.

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Por el Día Internacional de la Danza

El próximo 29 se celebra el Internacional de la Danza 2019. Fue establecido por el Comité de Danza del Instituto Internacional del Teatro de la Unesco en 1982 con el fin de atraer la atención sobre el arte de la danza. Cada año se elabora, por un artista diferente, un manifiesto. Este año, la encargada ha sido la bailarina, coreógrafa y docente egipcia Karima Mansour. Y el mensaje es el siguiente:
“En el principio hubo el movimiento… y desde el inicio de los tiempos, la danza ha sido un medio poderoso de expresión y celebración. Desde su aparición en los murales de los faraones egipcios hasta el presente, ha inspirado a los creadores de danza. La danza se usó para evocar a los muchos dioses y diosas de la danza, que simbolizaban significados y conceptos como el equilibrio, que se vincula con la justicia, la musicalidad, el tono, la conciencia individual y cósmica, etcétera.
Una vez leí que: “Se creía que, en tiempos de los faraones, la danza servía para elevar el espíritu del bailarín y de la audiencia de espectadores o de los participantes. La música y la danza alentaban los impulsos más elevados de la condición humana al mismo tiempo que consolaban a la gente de las decepciones y de las pérdidas de sus vidas”.Día Internacional de la Danza
Todos nosotros hablamos el lenguaje del movimiento. El movimiento es un lenguaje universal que nos pertenece a todos siempre que estemos dispuestos a aguzar nuestros sentidos y a escuchar. Es preciso escuchar, escuchar sin interferencias, escuchar sin juzgar, escuchar en silencio y permitiendo que el movimiento recorra el cuerpo en cada momento, porque tanto nuestro interior como todo lo que nos rodea está en movimiento, en movimiento constante. Entonces es cuando el cuerpo no miente, porque está escuchando su verdad y la está expresando.
Al escuchar el latido de nuestro corazón, podemos bailar la danza de la vida, que requiere movimiento, agilidad y adaptabilidad, una coreografía en constante variación.
En esta época en la que la conexión y la conectividad han adquirido nuevos significados y estamos en el punto más bajo de nuestra capacidad de conexión… La danza sigue siendo el acto al que más recurrimos para ayudarnos a restablecer esa conexión perdida. La danza nos devuelve a nuestras raíces, tanto en un sentido cultural, como en el sentido sensorial, personal e individual más inmediato, hasta alcanzar el núcleo y el corazón, al tiempo que nos capacita como animales sociales.
Porque solo cuando nos conectamos con nosotros mismos, cuando escuchamos nuestro ritmo interior, podemos conectar verdaderamente con otros y comunicarnos.
La danza es el lugar donde la cultura se comparte y las fronteras se derrumban en el espacio de la inclusión y la unidad, a través del lenguaje tácito de la universalidad.
El cuerpo es un instrumento de expresión, el vehículo de nuestra voz, nuestros pensamientos, sentimientos, historia, de nuestro ser y existencia, de nuestro anhelo de expresar y conectar, que se manifiesta por medio del movimiento.
La danza es un espacio que nos permite conectar con nuestra verdad; por eso, necesita un espacio tranquilo. La danza nos permite conectarnos y sentirnos plenos, y solo en ese sentimiento podemos encontrar la paz, y con la paz llega el silencio y gracias a él, podemos oír, escuchar, hablar y a través de la quietud, aprendemos a bailar nuestras verdades y es entonces cuando la danza se vuelve pertinente.
En el movimiento y en la danza, nos podemos mover de la vertical a la horizontal, de arriba a abajo, y viceversa. El movimiento y la danza pueden crear el caos, reorganizarlo o no. Ahí es donde somos capaces de crear nuestras propias realidades y los momentos fugaces y efímeros, uno tras otro. Momentos que nos pueden conmover y permanecer en nuestros recuerdos para inspirarnos y cambiarnos para toda la vida. Ése es el auténtico poder de la verdadera expresión y, por lo tanto, el poder de la danza.
La danza es sanadora. La danza es donde la humanidad puede encontrarse.
Invito a la gente a ir más allá de las fronteras, más allá de la crisis de identidad, más allá del nacionalismo y más allá de las definiciones. Liberémonos de esas limitaciones y encontremos el movimiento y el impulso en ese lenguaje universal. Invito a todos a bailar al ritmo de su corazón, de su verdad interna, porque son esos movimientos internos los que conducen a las revoluciones internas, donde el cambio real tiene lugar”.

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La influencia de Fidel Castro y los revolucionarios cubanos en la moda

Era como si Sinatra se fuera a presentar en Las Vegas. El 21 de abril de 1959 —el próximo domingo se cumplirán sesenta años— miles de fervientes neoyorquinos se agolparon para recibir a una joven celebridad que saldría de la estación Penn: Fidel Castro, el líder de los revolucionarios cubanos. Menos de cuatro meses antes, había derrocado una dictadura militar despiadada a través de una campaña totalmente inusitada, además contaba con una tremenda popularidad: atrajo a multitudes más grandes que ningún otro líder extranjero en la historia de la ciudad. Mientras la gente coreaba “Fi-del, Fid-el, Fi-del”, Castro se abrió paso entre el cordón policial y comenzó a saludar de mano a los presentes, como si se tratara de un candidato presidencial. Fue el comienzo de una serie de eventos de relaciones públicas en un recorrido de la fidelvictoria de cuatro días que cautivó a Nueva York, y fue un hito en la historia de la moda. Según Sonya Abrego, historiadora de la moda masculina del siglo XX, fue el verdadero surgimiento de lo que más tarde se denominaría “radical chic” (el uso otrora provocador de marcadores visuales relacionados con causas militares que todavía influye en lo que vestimos hoy). Cuando la fotografía de Castro apareció en la primera plana de The New York Times tras su llegada, el pie de foto era casi innecesario: todo mundo reconocía inmediatamente a aquel hombre por su estilo único al vestir, que combinaba un uniforme, una gorra militar de trabajo y una barba desaliñada. Su séquito de setenta personas estaba repleto de exguerrilleros vestidos de pantalones color caqui, cuyo llamativo vello facial se había convertido en un símbolo tan poderoso en Cuba que se les conocía simple y llanamente como los Barbudos. “En cierto sentido, Fidel, el Che y los Barbudos fueron los primeros jipis”, comentó Jon Lee Anderson, autor de Che: una vida revolucionaria y una biografía de Castro que está próxima a salir a la venta. “Irrumpieron en escena al inicio de la era de la televisión como los rebeldes más sexis. Su apariencia en conjunto, con el cabello largo, la barba y la boina, era fuerte y formaba parte del espíritu de la época”. En aquel entonces, muchos jóvenes estadounidenses estaban mostrando las primeras señales de desencanto con lo que consideraban era el conformismo pesado de la época de la Guerra Fría. El himno a la libertad de Allen Ginsberg, Aullido, se publicó en 1956; En el camino, de Jack Kerouac, en 1957. El segundo sexo, de Simone de Beauvoir, se estaba traduciendo y el movimiento por los derechos civiles estaba ganando impulso. “En cierto sentido, Fidel, el Che y los Barbudos fueron los primeros jipis”.
JON LEE ANDERSON, PERIODISTA
Los cubanos formaron un puente estilístico entre los Beats y la contracultura de la década de los sesenta, según Abrego. “La historia de la moda no es lineal”, comentó. “Fácilmente podría haber habido jipis de pelo largo sin el Che, pero la impresión que los cubanos dejaron en el paisaje estilístico de la indumentaria es auténtica”, agregó. Su revolución era más fotogénica y el estilo rebelde de los cubanos se infiltró en Estados Unidos.
Cómo se diseñó el estilo
Las barbas nacieron por necesidad. Luego de un aterrizaje anfibio en el este de Cuba en diciembre de 1956, ni Castro ni su pelotón de unos veinte sobrevivientes tenían rastrillos.No obstante, su floreciente vello facial no tardó en convertirse en un “símbolo de identidad”, explicó posteriormente el líder al periodista español Ignacio Ramonet, cuyas entrevistas con Castro están recopiladas en Fidel Castro: biografía a dos voces. El estilo accidental se volvió permanente “para mantener el simbolismo”. Otros elementos del estilo revolucionario se combinaron durante la campaña, como ha quedado bellamente catalogado en las revistas de moda. En 1958, Raúl, el hermano menor de Fidel, fue fotografiado por Life con el cabello a la altura de los hombros y un garboso sombrero vaquero. Las fotografías del misterioso y bien parecido médico argentino Ernesto Guevara, conocido como el Che, mostraban que este también se dejaba crecer el pelo y llevaba una boina negra que pronto se volvería famosa. Además, no eran solo los hombres. A principios de 1958, una fotógrafa española viajó a la Sierra Maestra como enviada de Paris Match y regresó con imágenes que incluían a una de las principales lideresas de la guerrilla, Vilma Espín (egresada del Instituto Tecnológico de Massachusetts), con una flor de mariposa blanca detrás de la oreja, presagiando la prototípica imagen de los jipis y las flores. En las fotografías, también aparecía Celia Sánchez, la principal organizadora de los rebeldes y quien había diseñado su propio uniforme con pantalones ajustados de sarga y una camisola militar con cuello en v (según Dickie Chapelle, una de las primeras fotógrafas de guerra estadounidenses, que viajaba con ellos). En julio de 1958, Espín apareció en Life con un rifle recargado sobre la cadera, como la versión cubana de Bonnie Parker, de la famosa pareja compuesta por Bonnie y Clyde. En un mundo reinado por Doris Day, en la cúspide del movimiento feminista, la semiótica era subversiva. Antes de la visita de Castro a Estados Unidos en 1959, los cubanos habían contratado al prestigiado agente de relaciones públicas de la avenida Madison, Bernard Rellin, por la generosa suma de 6000 dólares mensuales, para que asesorara a su líder sobre cómo ser atractivo para los estadounidenses. Cuando se conocieron en La Habana, Rellin le dijo a Castro que los revolucionarios debían cortarse el pelo. Castro se negó. Conocía el poder que tenía el estilo del “barbudo rebelde”. Se trató de una decisión astuta. Para abril, la imagen característica de Castro se había vuelto tan famosa, que una empresa estadounidense de juguetes produjo cien mil gorras militares con barbas quitapón para niños, que se vendieron junto con los gorros de piel de mapache estilo Davy Crockett y los cascos de G. I. Joe. Cada gorro militar estaba adornado con el logotipo negro y rojo del revolucionario Movimiento 26 de julio y las palabras “El Libertador”, que hacían referencia al héroe de la independencia Simón Bolívar. La visita de Castro a Nueva York de cuatro días se desarrolló entre un torbellino de vello facial y uniformes militares. Su pintoresca imagen aparecía en escenarios oficiales y turísticos: el alcalde Robert F. Wagner recibió a Castro en el ayuntamiento de la ciudad; saludó a estudiantes con miradas de asombro en la Universidad de Columbia; visitó las oficinas de The New York Times y habló ante una multitud de dieciséis mil personas en el auditorio de Central Park. Todo esto ocurrió en el momento perfecto para influir en los estadounidenses, afirmó Nathaniel Adams, un escritor que se especializa en las subculturas de la moda. El torrente de imágenes mediáticas coincidió con el auge económico en Occidente el cual generó una nueva clase de consumidores jóvenes con dinero para gastar. “Esta era la primera vez que los adolescentes del mundo comenzaban a copiarse mutuamente el estilo de manera consciente”, explicó Adams. “Además, eran ellos mismos quienes creaban las distintas tendencias, sin la intervención de los adultos”. Castro, un hombre con educación superior, era como un James Dean con una agenda política progresista: un rebelde con causa.
Una influencia perdurable
A simple vista, la obsesión de Nueva York con Fidel pareció desvanecerse relativamente rápido. Cuando se dio su siguiente visita a la ciudad, para pronunciar un discurso ante la Organización de las Naciones Unidas en septiembre de 1960, Castro fue ridiculizado por el mismo estilo que antes había resultado tan seductor. The New York Daily News se burló de él, llamándolo el Raro de la Barba o solo la Barba; el senador Barry Goldwater lamentó que el “caballero cubano de la armadura reluciente” hubiera acabado por ser “un vago sin rasurarse”. Al poco tiempo, algunos estadounidenses de corte militar estaban organizando mítines contra los jipis, con carteles que decían cosas como: “El cabello largo es comunismo”. No obstante, la influencia de Castro en la moda perduraría. Para su visita a Nueva York en 1960, él y sus acompañantes no llegaron a la zona de la clase media blanca, sino a un hotel del Harlem, llamado Theresa, donde se encontraron con Malcolm X y otros líderes negros. En esta ocasión, el momento cumbre del estilo fue una recepción en un salón de fiestas organizada por el grupo progresista Fair Play for Cuba a la que asistieron 250 luminarias de la vida bohemia, entre ellas, los poetas Allen Ginsberg y Langston Hughes, el fotógrafo Henri Cartier-Bresson y varios activistas de los derechos civiles. “El personal del proletariado del hotel, el uniforme verde olivo de los ‘guerrilleros’ y la falta de formalidad en conjunto ayudaron a enfatizar la atmósfera alegre y estimulante, aunque no revolucionaria, de la reunión”, escribió un invitado, el periodista europeo K. S. Karol, sobre la fiesta. Diez años más tarde, Tom Wolfe acuñó el término “radical chic” para burlarse de los intelectuales de Nueva York hipnotizados con las modas revolucionarias en una fiesta organizada por Leonard Bernstein en honor a las Panteras Negras, quienes, claro está, habían adoptado el estilo paramilitar de los cubanos y se habían apropiado de él.
Desde entonces, la moda no ha hecho más que seguir desnaturalizando el estilo, por lo que ahora se pueden encontrar pantalones de camuflaje en cualquier parte, desde Old Navy hasta Balmain. “‘Radical chic’ es un término que parece tan del siglo XX”, reflexionó Abrego. “Hubo un tiempo en el que fue muy negativo, cuando hacía referencia a un estilo que se desarrolló de manera orgánica, pero que ha sido víctima de la apropiación y se ha convertido en una imagen de moda que no hace ningún comentario político ni asume un riesgo personal. Me cuesta trabajo explicárselos a los chicos que llevan puestas camisetas del Che en la actualidad”.

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Muestra de Figari en Turismo

Según ha informado la Dirección de Cultura de la Intendencia, la muestra de obras de Pedro Figari, Museo Gallinouna de las más importantes que ha llegado a Salto en los últimos tiempos y que se inauguró el pasado mes de marzo en el Museo María Irene Olarreaga Gallino, en Semana de Turismo se podrá visitar hasta el sábado en el horario de 16:00 a 20:00.

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Los Hermanos Tronche en Arapey y en el Centro Academias Previale

La compañía de teatro Los Hermanos Tronche (de Rosario, Argentina) repite esta tarde en Termas del Arapey, a las 17:30 horas y con acceso libre y gratuito, el espectáculo que ya presentaron ayer en el mismo lugar: “Una gauchada”, espectáculo teatral, criollo y humorístico para toda la familia. Los Hermanos Tronche
Pero mañana viernes 19 y el domingo 21, el conjunto de teatro cómico llega a la ciudad y es así que se presentará en el Centro Cultural Academias Previale (Lavalleja Nº 48), mañana a la hora 20:00 y el domingo a las 19:00.
En ambos casos la entrada tiene un valor de $ 100.
Los espectáculos que estarán brindando incluyen actuación, canto y recitado.
El viernes será “Un míster en Patagonia”, una parodia del viaje de Charles Darwin en la Patagonia.
En tanto el domingo será el turno de “Facundito, cantautor”, monólogo cómico -musical para todo público.

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Notre Dame arde en versos

El imponente incendio de la catedral parisina de Notre Dame también disparó la pluma de varios poetas a lo largo y ancho del mundo. A continuación, como breve muestra, dos poemas: el de un uruguayo y el de un argentino, este último radicado en la capital francesa desde 1958. Catedral Notre Dame

SIN TI PARÍS ES INCONCEBIBLE
1958 te vi
estabas
estás
antes de la isla
mi abuelo te vio
te llevo
yo te reencontré
te vi
te circulé
en tu interior
hacia arriba
hacia abajo
las gárgolas
laberintos en los aires
centro sí
de ahí todo París
y las rosetas
lo maravilloso
dentro de la sólida maravilla
los miles
los miles detalles que se escapan de la mirada
y más
y más
en la memoria colectiva
con raíces en el pasado de todos
tu presencia herida
la luz de las llamas
ninguna alegría
ser renacer
los que te vieron
los que convivieron
más allá de lo religioso
sin ti París es inconcebible
las llamas
las manos del agua
se te vio
se te ve
s e te imagina
hacia atrás
hacia dentro
hacia el después
siempre.
Julio Le Parc (artista plástico nacido en Mendoza, Argentina, y radicado en París)

PARÍS ERA UN INFIERNO
(París era un infierno / tributo a Notre Dame incendiada)
En la niebla de París
había una seda encantada por entreabrir
y había una cumbre azulada por descubrir
y había una rosa enterrada / en la noche de París.

En la noche de París hubo quien jugó a morir
y hubo quien mordió cada madrugada
tragando albas doradas / en la noche de París.
En la lluvia de París la patria triste lloró por mí
Supe perder / el reino sí supe perder
La historia sí supe morder / en el polvo de París.
En el barro de París Nuestra Señora brilló por mí
Nuestra Señora tembló por mí
Nuestra Señora sonrió por mí
para salvarme / en el vientre de París.

En el barro de París el hombre roto rugió por mí
me clavó al horror el hombre roto / entre las ratas de París.
En el madero de París tragué fuego y supe parir
llamaradas supe parir / llamaradas de amor eterno
en el infierno de París.
Hugo Giovanetti Viola (escritor uruguayo nacido en Montevideo en 1948, autor de varios libros).

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Turismo y Cultura: Lo que Salto podría mostrar, pero no puede

Ahora, por estos días en que son muchos los turistas que llegan a Salto; ahora, por estos días en que muchos intentan que cada lugar de la ciudad esté lo mejor posible para lucirlo ante los visitantes; ahora, es también cuando muchos salteños observan la cantidad de lugares de verdadero valor como atracción turística que Salto podría mostrar y, sin embargo, no puede hacerlo.

En primer lugar, no parece serio que una “ciudad turística”, o que pretende serlo, tenga en plena Semana de Turismo, la mayoría de sus museos cerrados. Hasta parece una broma, y de mal gusto por cierto. (Felizmente, el Museo Olarreaga Gallino sí abrirá sus puertas y con el valor agregado de la muestra de Figari que viene exhibiendo, aunque tampoco todos los días ni con horario demasiado amplio). Pero sigamos con cosas aún más complejas y profundas y, por ende, seguramente de solución más difícil, aunque no imposible, si ante todo existe voluntad.museo
– El Museo Histórico (al que algunos identifican como el de la ruta, o el de frente al Parque Solari, lugar de intenso movimiento por ser una de las entradas a la ciudad), espléndido edificio y entorno, supo atesorar -y aún contiene algunos- elementos de elevado valor que vendría la pena recuperar. Pero… desde hace varios años no es más que un depósito de cosas viejas y como tal, por supuesto, cerrado al público.
– Casa Quiroga conquistó hace pocos años un hermoso y amplio espacio (“Espacio Peloduro”) en su subsuelo, ideal para exposiciones de arte y desarrollo de talleres. Además, en él, el visitante podía encontrarse a través de imágenes con Julio Suárez (Peloduro) y conocer más de este artista salteño. Pero… desde hace un buen tiempo no es más que un depósito (utilizado sobre todo para guardar implementos de la Banda Departamental de Música).
– Salto tiene (porque aquí se fabricó) la primera locomotora de ferrocarril construida en Sudamérica: “La Criollo”, ubicada en la esquina de Zorrilla y 19 de Abril. Seguro que para muchos significaría algo realmente interesante de conocer. Pero… desde hace mucho no es más que un lugar para que indigentes pernocten y ensucien, incluso utilizándolo como baño. Como si fuera poco, días pasados, la Intendencia amontonó junto a ella contendedores de residuos. Es cierto que no fue por muchos días, fue algo provisorio, pero bien que fue un símbolo clarísimo de la importancia y valoración que se da a los elementos históricos que nos rodean, y a la Cultura toda, en definitiva.
– Salto homenajea a un gran artista de fama universal, que vivió varios años aquí: el húngaro José Cziffery. Lo hace con una piedra de importantes dimensiones (situada en Costanera Sur) con el magnífico grabado de la figura de dos lavanderas (elemento emblemático en la obra pictórica de Cziffery). Claro que esto también sería un atractivo. Si no estuviera en un entorno absolutamente descuidado, abandonado. No existe letrero alguno que lo señale, la iluminación es escasísima (empieza a caer la noche y ya no se ve) y la maleza a su alrededor hace que la piedra grabada, una obra de arte en sí misma, se vuelva cada vez menos visible aún. Sin ir más lejos, en esa misma costanera, hay lugares que homenajean a María Eugenia Vaz Ferreira, a Eduardo Fabini, y más. Nada de esto luce, poco se ve, casi nada se sabe. Gana la indiferencia y el abandono.
Y con tristeza, debemos decir que todo lo mencionado anteriormente no es más que un pequeño puñado de ejemplos. Casos como estos hay varios más. ¿Por qué? Porque no son ni han sido prioridad para los gobiernos departamentales. Para ninguno, de los tres últimos, al menos. Creemos que no cabe otra explicación. Y ahora, por estos días de visitas y de querer lucir nuestros lugares, es cuando parece que todos tomamos un poco más de conciencia.

JORGE PIGNATARO

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“La belleza está en el ojo del espectador.” Oscar Wilde

Pascal Milhavet, fotógrafo, ha reunido más de un centenar de retratos de mujeres y de hombres. “Miradas cruzadas sin fronteras, de aquí y de allá” es el resultado de dos años de investigación, con el objetivo de hacer visible a través de la imagen uruguayos dispersos por el mundo. No pretende ser una investigación exhaustiva, sino una muestra de algunos talentos, para dar a conocer el patrimonio cultural e inmaterial del Uruguay, fuera de la banda oriental. La propuesta tiene como finalidad despertar el interés del espectador, transmitir emoción y sensibilidad por intermedio del retrato, crear conocimiento, de unos y otros para favorecer el intercambio entre ellos. El fotógrafo ha buscado a través de la imagen acercarlos al país de origen y profundizar el vínculo humano entre los uruguayos de adentro y los de afuera. Con la sensibilidad del ojo, a la búsqueda de la estética, nos permite viajar mediante rostros y miradas que se cruzan y se desvelan de manera simultánea. Captura un momento, una emoción, que inmortaliza en una imagen intemporal, testimonio del instante. Las imágenes desfilan invitando a penetrar en el pensamiento y la creación de los uruguayos por el mundo. Los artistas, científicos y personalidades que han transcendido de alguna manera en el exterior, han dejado su traza en otras culturas y el nombre de Uruguay gracias a sus creaciones y trayectorias.
Heber Perdigon

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Retratos

Fotografías de Pascal Milhavet
La palabra retrato proviene del latín “retractus“ y signifca imagen o representación de una persona. A través de toda la historia del arte el retrato clásico siempre fue un símbolo de status y de poder de quienes podían acceder a él por encargo. A partir de la invención de la fotografía este se popularizó llegando a todas las clases sociales y hoy por hoy la fotografía es una de las artes más democráticas que existen. Por ello no es casual que el lugar contenedor seleccionado para esta presente exposición de fotografías sea el “Pasaje de la Democracia“en la casa que pertenece a todos nosotros los uruguayos: el Parlamento Nacional. Apreciaremos más de un centenar de retratosIMG_7527(1) de uruguayos que viven por el mundo: artistas visuales, músicos, bailarines, tenores, sopranos, científicos, etc., mujeres y hombres de las más variadas profesiones que por diferentes situaciones personales o profesionales viven fuera de Uruguay, temporal o permanentemente. Las obras presentadas por Milhavet son a color, simples y directas, sin artificios, imágenes contundentes que nos dan una pauta de la diversidad de edades, talentos y profesiones de estos compatriotas que moran fuer de fronteras y que estuvieron afines a la convocatoria de ser retratados y sumarse así a este proyecto editorial tan particular. En esta exposición todos los retratados tienen la misma jerarquía e igual protagonismo, nadie es más ni nadie es menos y para manifestar esto dentro del propio libro impreso todos se hallan ubicados alfabéticamente. Algunos posan en su propio hogar, otros en plena calle o en una casual plaza o parque. Se los ve en su propio lugar de trabajo, junto a sus pertenencias o instrumento de profesión que los identifica, junto a sus propias creaciones artistas, lo que nos da una idea de que lejos de su patria cada persona ha creado su propio mundo personal dentro del mundo global.
Carlos Yáñez
Analista de Arte y Curador Montevideo 2019

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Reflexión de Elisa Roubaud sobre la pintura de Graciela Danese, la artista que expone en el Hotel Concordia

Palabras de la periodista especializada en temas culturales Elisa Roubaud, acerca de las obras de Graciela Danese, artista que por estos días expone en el Hotel Concordia como celebración de los 20 años de este Centro Cultural:
“Contenidas en este espacio de sueños las manchas vuelan al ritmo de los tonos que cubren muy suelta y libremente la superficie que ha sido antes tocada por un dibujo firme, tan cierto como para pInauguración de la muestra. Foto de Alberto Eguiluzermitir todas las licencias que la pintora se tomará para expresar poesía y pasión, que son el alma de su arte. Es así como el contemplador puede encontrar en el aparente incendio de un barco en el mar, su visión personal del interior de una catedral. Hay ojos que se licuan como flores deformadas por la distancia derramando su color sobre supuestos tallos negros, mientras para la artista todo ha partido de un corso de figuras humanas que corren por su vida y han quedado estampadas en la tela permitiendo otras lecturas. Más allá de toda figuración la pintura de Danese es justamente eso: pintura pura. Su propia libertad invita a quienes la miran a una interpretación, cuando sus líneas llevan al contemplador hacia sus propios sentimientos”.
La muestra de Graciela Danese está abierta al público durante toda la Semana de Turismo.

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María del Rosario Dubarry Bernhardt, a veces le pide permiso a la pluma para expresar lo que siente

Rosario Dubarry, la salteña que hoy ocupa esta página, se define a sí misma “simplemente como madre y abuela, y como una mujer solidaria y soñadora”. CULTURA. Rosario Dubarry Incansable luchadora por su barrio Talleres Norte y por los reclamos de los “Jubilados Independientes”, en cuanto a la tarea de hacer literatura, dice Rosario: “le pido permiso a la pluma para escribir lo que siento, uno escribe lo que siente y sin esperar que a todos les guste”. Integra el grupo “Escritores Salteños 2000” y una vez fue premiada en un concurso en Trinidad.

“Mi abuelo y yo”, el cuento que hoy comparte con los lectores de EL PUEBLO, participó del concurso de cuentos y poesías de AJUPENSAL en ocasión de celebrarse los 70 años de la institución.

MI ABUELO Y YO
¡¡Father!! Así lo llamaban sus nietos. Era alemán, gringo fuerte, alto, de mirada azul, me daba una sensación de tristeza, como ausente, sus manos huesudas juntas, entrelazadas en un abrazo como queriendo retener recuerdos. Una tarde de domingo fue a visitarnos a nuestra casita, en campaña, mi madre hizo Riwwel Kucher, su torta favorita, con crema doble. Sentados bajo la parra rodeados de naranjos, en familia, tomamos mate. En un momento, quedé a solas con él, le pregunté qué era lo que hacía reflejar esa amargura en sus hermosas pupilas. Se ahuecó en el sillón de mimbre de mi madre, arropó su pipa con tabaco, me miró dulcemente y como en secreto me contó su historia.
Mi familia se componía de ocho personas, mis padres, mis cuatro hermanos mayores y los mellizos de nueve meses, yo era uno de ellos. Huyendo de la guerra nos vinimos en barco para Argentina, nos llevó tres largos meses esa travesía, antes todo era muy difícil, nada lindo de contar, de esa odisea, sólo recuerdo que nos manteníamos siempre juntos, se sufría mucho para sobrevivir. Al llegar desembarcamos y nos fuimos a una fonda, cerca del puerto. A los pocos días mi mellizo enferma de congestión, alguien lo lleva con mi madre a un hospital ya que ella no sabía el castellano. Lo internan en terapia intensiva, como se dice ahora. .Mamá iba todos los días a darle el pecho y volvía ya que también yo necesitaba de él. Una mañana va temprano como siempre y vuelve en un llanto cerrado, le habían notificado que su hijo había fallecido. Todos comenzamos a llorar sin entender nada, mi padre le preguntó por el cuerpo del bebé, ella respondió que no entendió lo que el doctor le dijo en el hospital. Mi padre se va con un amigo argentino ya que tampoco él sabía hablar el español, para saber que pasó. En la entrada del hospital le responden sin muchas explicaciones que cuando mueren bebés de hijos extranjeros sin documentación ellos se encargan rápido de la sepultura. Pasaron los días, creo que, los más tristes de nuestra llegada. Gracias a Dios que enseguida le consiguen a papá, trabajo en una estancia de Paraná, Entre Ríos, como entendía de motores, máquinas de esquilar, y de tractores, lo nombraron capataz, y mi madre cocinera de los peones. Pasaban los días, los años, fuimos a la escuela y no puedo quejarme, tuve una niñez llena de afectos, humildes sí, pero nunca pasamos hambre. Recuerdo que siempre que mi madre me tomaba en sus brazos, me besaba y me decía casi en silencio… yo sé que tu hermano está vivo. Una tarde estaban los peones tomando mate cocido, uno de ellos abre una hoja de un diario arrugado y grita: ¡María! (así se llamaba mi madre) y le dice: ¡Mira mujer, es la foto de tu hijo! (todos sabían de su pérdida y de su búsqueda). No podíamos creer, alguien lee en voz fuerte un recuadro chico en la esquina de la hoja donde rezaba: ”Santiago Bernhardt, joven de 18 años radicado en el Chaco, Provincia Argentina, busca a su familia”. Fue todo una sola idea, hicieron una colecta, averiguaron qué día salía el tren para el Chaco y le regalaron un pasaje de ida y vuelta para que intentara reencontrarse con su hijo. Y partió, con una valija de sueños, de ilusiones, desbordado el corazón de tanto llanto, ese corazón que siempre le dijo que su hijo no estaba muerto. Vimos el cielo de sus ojos brillar feliz mientras el tren comenzaba su marcha. Pasamos cuatro largos días con una incertidumbre que nos hacía doler el estómago, hasta que llegó el día del regreso. Papá nos hizo bañar, ponernos prolijos y fuimos a la vieja estación. Todas las alegrías, las fantasías, los proyectos, las palabras de reencuentro que nos hicimos se opacaron cuando vimos del vagón descender a nuestra madre sola, con su valija vacía. Nos hizo sentar en un banco y narró su búsqueda. – Caminé, caminé por cuantas calles encontré en el pueblito chaqueño mostrando la vieja página del diario, entré en cuantas posadas vi con mi castellano a medias, unos me entendían, otros no. Nadie lo había visto por esos parajes, nadie sabía nada de Santiago Bernhardt, nadie supo decirme nada de mi hijo. Pero lo vi. Lo vi parado en una estación que pasamos… grité…grité que pararan el coche y nadie me entendió, quise apretarlo entre mi corazón, decirle que yo era su mamá, la mamá que siempre supo que él estaba vivo, que se lo habían quitado en el hospital y no pude…, decía mientras el llanto cada vez la ahogaba más. Papá nos cobijó a todos y como si regresáramos de un entierro entramos a nuestra casa. La vi envejecer demasiado rápido, apagarse la luz de sus ojos, su risa ya no fue más su risa. Cuando me hice hombre grande, viajé al Chaco, hice un rastrillaje en toda la zona, hasta el cementerio fui buscando a mi querido hermano mellizo, quería devolverle la sonrisa a mi viejita, quería cerrar esa herida que la sangró toda su existencia pero Dios, la vida y el destino no estuvieron de mi lado.
La tarde ya se dormía debajo del parral, mi abuelo tiró el tabaco de su pipa, quiso regalarme una sonrisa, lo intentó, pero no pudo, se puso de pie, se despidió de todos, a mí me abrazó muy fuerte y en ese abrazo supe que jamás volvería a contar esa historia. Su historia.

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Día de las Américas

Hoy, 14 de abril, es el Día de las Américas. Se trata de una celebración que cada año tiene lugar en todas las repúblicas americanas, como símbolo de su soberanía y su unión voluntaria en una comunidad continental y se conmemoró por primera vez en 1931.
La elección de esta fecha obedece a que el 14 de abril de 1890, mediante resolución de la Primera Conferencia Internacional Americana (celebrada en el Distrito de Columbia, entre octubre de 1889 y abril de 1890), se crearon la Unión de las Repúblicas Americanas y su secretaría permanente, la Oficina Comercial de las Repúblicas Americanas. Estas dieron paso luego a la Unión Panamericana y finalmente a la actual Organización de los Estados Americanos (OEA) en 1948.Américas
Existe un “Himno de las Américas”, que en algunos países se acostumbra a cantar en las celebraciones de este día.
Pertenece al escritor y pianista argentino Rodolfo Sciamarella (Buenos Aires, 1902-1973) y es posible encontrar de él más de una versión, la más difundida es la siguiente (que excluye a Cuba por haber sido expulsado de la OEA entre los años 1962 y 2009):
Un canto de amistad, de buena vecindad,
unidos nos tendrá eternamente.
Por nuestra libertad, por nuestra lealtad
debemos de vivir gloriosamente.
Un símbolo de paz, alumbrará el vivir
de todo el continente americano.
Fuerza de optimismo, fuerza de la hermandad será este canto de buena vecindad.
Argentina, Brasil y Bolivia,
Colombia, Chile y Ecuador,
Uruguay, Paraguay, Venezuela, Guatemala y El Salvador,Costa Rica, Haití, Nicaragua, Honduras y Panamá,
Norteamérica, México y Perú, Santo Domingo y Canadá.
¡Son hermanos soberanos de la libertad!
¡Son hermanos soberanos de la libertad!

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Centro Cultural del Hotel Concordia inauguró exposición de pinturas de Graciela Danese

En la nochecita del pasado viernes y en el marco de las celebraciones por sus 20 años, el Centro Cultural del Hotel Concordia inauguró la muestra de pinturas e intervenciones de la artista plástica Graciela Danese. Según la propia artista, nacida en la ciudad de La Paz, Canelones, la muestra bien que podría llamarse “Diferentes estilos de una misma paleta” y explica: “yo trabajo todo el tiempo en óleo con espátula, pero acá van a encontrar desde retratos, abstractos, figurativos, collages, hay impresiones digitales, también hago intervenciones en hormas de zapatos, que por un cuestión de traslado traje nada más que seis, a lo largo de mi trayectoria he ido cambiando, todo lo que se ve aquí son como etapas, collage fue una etapa, los retratos fueron otra, aunque sigo haciendo retratos, pero en este Graciela Danesemomento lo que más hago son abstractos. También hay pocillos intervenidos, hay prendas como chalinas, bolsos intervenidos con obras mías, por eso digo que lo más apropiado es decir que son diferentes estilos de una misma paleta”. Danese ha expuesto en diversos lugares del Uruguay y del exterior (París, Roma, entre otros), aunque lo que más disfruta son las exposiciones en el interior del país, y sueña con hacer un recorrido con muestras por los diecinueve departamentos. En cuanto a su formación en arte, al ser consultada por EL PUEBLO narró: “Yo fui de muy joven a la Escuela de Bellas Artes, fui con esas ansias propias de los primeros años en que pensé que si no podía ser Picasso no valía la pena, entonces abandoné y guardé todas mis cosas. Pero pasaron muchas cosas y en determinado momento, por los años 90, tuve la necesidad de volver a pintar, retomé y anduve por varios talleres, por ejemplo con (José) Arditti, también con Dardo Ingold, que es un acuarelista de Colonia, al que me acerqué para incursionar en eso, después estuve en el taller de Miriam Núñez, con quien con los años fuimos socias en un taller que abrimos, y terminé en el tema del retrato con Gustavo Alamón, que es una personalidad, un artista plástico realmente, fui más que nada para entrar en los retratos pero Gustavo tiene una personalidad muy rica y fue un placer concurrir a su taller”. La muestra permanecerá abierta al público durante toda la semana de turismo e incluso se prevé que continúe hasta fin de este mes.

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Prof. Mónica Nicollielo reflexiona acerca de la trascendencia histórica de la Semana Santa

Para los primeros cristianos la semana – que precede al día de Pascua propiamente dicho – era vista como sagrada, de ahí el nombre. Un tiempo en el cual se debía extremar la devoción y la santidad en el marco de los grandes misterios de su religión para honrar la Pasión del Salvador y la noche en que se vio cubierto de tormentos y de oprobio.
Una noche tan triste, que, según la tradición, Cristo sudó sangre.
La noche terrible en la cual fue entregado por Judas, llevado ante los tribunales y maltratado por los soldados romanos. A continuación veremos como la celebración de esta semana se fue modificando y cómo cada día tiene un significado propio” – subrayó La Historiadora y Docente Mónica Nicollielo.
La llamaron también Semana de las Vigilias, debido Carta de Colón a su hijo don Diego en la que le encarga, en obsequio del licenciado Cea, que procure en Semana Santa el perdón para dos reosa que pasaban casi todas las noches en ejercicios de oración y en penitencia en memoria del sufrimiento que Cristo había pasado esa noche. Así lo hizo por ejemplo el Papa San Eusebio en el año 309 d.C. De ahí también que se la llamara Semana penosa, o Semana de los Dolores, de la Cruz, de los Suspiros.
Se la denominó también Semana Mayor, no porque tuviera más días que las otras, sino porque se consideraba que en ella Cristo había obrado los mayores misterios, según pensaba San Crisóstomo, ya en el año 400 d.C. Pero el nombre de Semana Santa fue el que se hizo más popular en la Iglesia.
También en sus orígenes todos los días de la Semana Santa eran considerados sagrados y no sólo algunos.
Además, cuando el cristianismo se difundió por el Imperio romano, los emperadores mandaron que fueran considerados feriados, suspendiendo toda actividad durante ellos, e incluso se suspendían todos los pleitos y se cerraban los Tribunales. Cuando se formaron los reinos de España, Italia, y Francia, entre otros, los reyes de la Edad Media mantuvieron estas prácticas.
Más tarde, cuando se produjo la secularización del Estado, en los siglos XIX y XX, separándose el mismo de la Iglesia, se mantuvieron dichos días feriados, y se conservaron muchas de esas prácticas, que antes eran religiosas, en los terrenos ético y jurídico.
En 1919, ya completado el proceso de secularización, en Uruguay, con la Constitución de 1918, se aprobó una Ley de Feriados por la cual la Semana Santa pasó a llamarse también Semana de Turismo y quedó fijada entre el 10 y el 20 de abril.
Por lo tanto, la agenda de la semana también incluye conciertos, exposiciones, ferias, y competencias deportivas.
En este contexto, tomó forma la fiesta infantil de la búsqueda de los huevos de Pascua, originada en una costumbre ancestral por la cual, antiguamente los huevos no eran de chocolate, sino pintados artísticamente, y se suponía que los dejaba un conejo, símbolo de la fertilidad y la abundancia.
Esta celebración también se da de esta manera en Brasil y EEUU, mientras que en el resto de América, la Semana Santa, que en Uruguay también llamamos de Turismo, se celebra de forma más solemne.
Debido a que la Semana Santa era vista antiguamente como un tiempo de indulgencia, remisión y reconciliación, los príncipes y magistrados de la Época Moderna hacían abrir las cárceles, y como la actividad de la Iglesia y del Estado eran la misma cosa hasta fines del siglo XIX, y principios del XX, se los reconciliaba mediante la penitencia cristiana, se los admitía en las ceremonias religiosas y se les redimía la pena, en todo o en parte.
De acuerdo con San Crisóstomo, en los días previos a la Pascua el emperador Teodosio (347-395 d.C.) enviaba órdenes a las ciudades para que liberasen a los presos siguiendo ese procedimiento y sobre todo, perdonando a los condenados a muerte.
Según San León Grande (390-461) era una forma que tenían los emperadores para demostrar que por encima de su autoridad estaba la autoridad de Cristo en momentos en que la Iglesia era el gran referente no solo religioso sino también ético y político.
Por otro lado se buscaba que los gobernantes fueran en esto un modelo de valores cristianos y de convivencia para el resto de la población.
Siglos más tarde, en Francia, en los años 600 d.C. encontramos que se mantenían esas prácticas.
Así lo hizo también Carlos VI de Francia (1368-1422), quien liberó en Semana Santa a unos rebeldes que habían sublevado contra su mandato.
De aquí derivó la costumbre de los jueces y el Parlamento de recorrer las cárceles para dar Audiencia los martes santos, en el transcurso de la cual se revisan muchas causas.
También en el siglo XVIII en España, el Rey, arrodillado en señal de adoración de la Cruz del Viernes Santo, perdonaba a los reos sentenciados a muerte diciendo “Yo perdono a estos reos para que Dios me perdone”.
La visita de las cárceles la hacía el Presidente del Consejo el Sábado de Pasión, la Vigilia de Pascua del Espíritu Santo y la Navidad, liberándose a los presos que estaban encarcelados por delitos ligeros.
Lo mismo se hacía en las Audiencias y Chancillerías.
Esta tradición se sigue practicando por parte del Poder Judicial en el actual Uruguay secularizado.
DOMINGO DE RAMOS
Dentro de la Semana Santa, el día más solemne para la Iglesia es el Domingo de Ramos, un día festivo y alegre, porque representa la entrada triunfante de Cristo en Jerusalén cinco días antes de su muerte. Esta fiesta data de época romana.
El nombre proviene de la ceremonia de las Palmas o Ramos benditos que llevan los fieles en las manos, expresión de su estado espiritual interior, y símbolo del triunfo de Jesús en Jerusalén, como prefiguración de su entrada triunfante en la Jerusalén Celestial.
También se cortan ramas de árboles para enramar el recorrido de la procesión, como hizo el pueblo de Jerusalén.
El sentido profundo de este día es que el pueblo sale al encuentro con su Salvador, como lo hizo en su tiempo el de Jerusalén.
La bendición de las Palmas y de los Ramos y la procesión pública en que se llevan, datan de los tiempos de los primeros ermitaños cristianos, en los primeros siglos de la era cristiana, los cuales se retiraban al interior de los desiertos durante la Epifanía, con la finalidad de prepararse espiritualmente para el día de Pascua, llevando consigo las palmas y ramos.
Las mismas simbolizan las aclamaciones y gritos de júbilo con los cuales el pueblo, lleno de felicidad, durante cinco días, recibió a Cristo a su entrada en Jerusalén: “Salud, Gloria y Bendición al Hijo de David, que viene en nombre del Señor, al Rey de Israel, al Mesías”.

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El calabozo

(Fragmento de un relato)
Por la abertura de la puerta, sin puerta, entraba aquel frío intenso. Llevado por un viento leve pero constante rumbo hacia la pequeña ventana que estaba a dos metros de altura en la pared del lado opuesto, se volvía insoportable. Era apenas un cubículo de un metro y medio por dos, una estructura de cemento sobre la pared mayor, unas colchonetas de cinco centímetros de altura hacían de cama. El camastro le pareció el más bello y confortable de los colchones. Después de pasar tres días en pie, con ojos vendados y encapuchado, brazos levantados en cruz, las piernas abiertas y aquellos golpes de fusil en los riñones con la orden de: levantá los brazos, hijo de puta, le hicieron percibir que había perdido el dominio de sus miembros. Para él los sentía levantados, eso se sumaba al peligro de que la orina pudiese pasar a la sangre, por no orinar. La terrible ceguera forzada de algodón, venda y capucha, al escuchar lo que se le hacía a otros detenidos era una dura tortura psicológica. Debía tener una barba de muchos días y los ojos profundamente hundidos por las largas noches de insomnio forzado.
Aquel olor ácido, fuerte, emanaba de sí mismo, por la necesidad de una higiene que por días no se realizaba. Sentía dolores en la carne, pero asimismo menos dolorosos que los del alma y una conciencia clara de su misión en nombre de sus ideales.
Al mundo distante dejado, aunque próximo, se sumaba una soledad impuesta y solo quebrada por la fuerza incontrolable de la mente… (De “Catarsis”, de Wilson Faval Melo).

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El balcón

(Fragmento de un artículo)
Debió haber sido una habilidad personal, ya que siempre me esperaba a mí, que la traía. Aquella pelota hecha con trapo y papel, tenía una doble condición: que no saltaba arisca como la de goma, y no era inasible como la de fútbol auténtica; con la que, por lo demás, no se hubiera podido jugar allí, en plena calle…Pero saltaba, la pobre. Y cómo le dábamos cuantos aparecíamos diariamente, cinco, diez, quince, siempre los mismos, con algún agregado. Y Ñito, el peluquero, además. En su barbería, a unos pocos paso, teníamos a nuestro alcance…¡Caras y Caretas! Pasar detenidamente las hojas de esta revista, con dibujos en colores, cuentos, versos, de todo, constituía un embeleso.
Cuando no había cliente ni fútbol, Ñito, itálico sentimental, tocaba la mandolina. Valses, canciones lejanas y El Aeroplano, El Caburé, La Morocha. Su hermano, mayor algún año, y como él atildado en el vestir¸ era socialista…
Un socialista tumultuoso. En ristre la brocha, que no terminaba nunca de jabonar, toda la estructura económica del mundo tambaleaba allí, se resquebrajaba, caía junto al cliente que dejaba hacer. Abonados los quince centésimos, todo volvía a su lugar… (De “Estampas de Montevideo”, de Enrique Ricardo Garet).

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Mi familia

(Fragmento de un capítulo)
Nuestros hijos nos pedía el sol y el sol le bajábamos.
Eran dos buenos hijos, nosotros estábamos orgullosos de ellos. Constituíamos una familia feliz, así como en nuestra relación de pareja. Pablo se cuidaba mucho y trabajaba su físico con pesas y remo, preparaba licuados de frutas con huevo crudo –que yo detestaba- y eran tan deliciosos que me los hacía tomar convenciéndome que no tenía huevo.
Con su amplia sonrisa me decía tomate un vaso mamá que a este no le puse huevo.
Era algo realmente rico. Entonces, al terminar de beberlo, él soltaba una carcajada, viste como comes huevo crudo y no te da asco.
Cuando cumplimos las Bodas de Plata con Roberto hicimos una gran fiesta. Todavía éramos una familia bien ensamblada y nos amábamos con locura, pero comenzaron a asomar los problemas. Por ese entonces Pablo conoció a una chica. Poco después nos enteramos que ella estaba esperando un hijo de él. Ese niño llegó a ser la locura de toda la familia.
Pablo lo reconoció pero no quiso casarse, ya que había sido fruto de una noche de relación intempestiva por parte de los dos. Pero ese hijo nacido luego de la inconciencia de una noche fue clave en la vida de mi hijo y de todos nosotros… (De “Ya no rugen los leones”, de Sonia Rodríguez Bentancour).

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