DIANA ROSS: LA DIOSA DE ÉBANO

JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

BELLEZA, SENSUALIDAD, y DEFINIDAS CURVAS

Bien podría representar a todas las mujeres de piel oscura, que poseen belleza, sensualidad y definidas curvas. En su juventud fue la reina del canto y de la imagen, comenzando bien de abajo y llegando bien arriba, como gran triunfadora de la música y de la actuación cinematográfica. Su popularidad no tiene límites famosa en el mundo entero por derecho propio: sus condiciones naturales. Diana Ross. 1Nacida para ser una estrella en todo el sentido de la palabra. Una luminaria que brilla desde sus inicios, allá por 1959, con 15 años recién cumplidos, cuando se une a sus vecinas del barrio, Florence Ballard, Betty McGlown y Mary Wilson, para conformar el cuarteto vocal The Primettes, consiguiendo al poco tiempo de salir a circulación ser teloneras de The Primes, quienes más tarde se llamarían The Temptations. En 1961, se produce un cambio de integrantes en el grupo, y en el título del propio cuarteto; nacen The Supremes, con quien la llamada «Diosa de Ébano» conoce una fama permanente. Ella, se llama Diana Ross, una referente total de la música soul.

EN DETROIT NACIÓ LA REINA
Bajo el nombre de Diana Ernestine Earle Ross, nació la reina el 26 de marzo de 1944, en Detroit, Michigan. Hoy Diana Ross va rumbo a los 75 años, y recuerda que es hija de una maestra de color de Bessemer, Alabama, y de un miembro de raza blanca del ejército de los Estados Unidos. Más tarde, la familia a pleno se afincó durante un tiempo en el estado de Alabama, debido a que su madre estaba bastante enferma. Los Ross retornaron a Detroit cuando Diana tenía 14 años. Ella deseaba en su adolescencia convertirse en diseñadora de moda, por lo que se inscribió en el Cass Technical High School. Cuando salta al éxito con The Supremes, y Betty McGlown es reemplazada por Barbara Martin, logran pegar con varios hits. Ya en 1962 Barbara deja la agrupación, convirtiéndola en un trío. El representante de la discográfica, Berry Gordy, deja a Diana para que fuera la líder del conjunto. Entre agosto de 1964 y mayo de 1967, The Supremes logra que diez de sus simples lleguen al primer lugar del Billboard Hot 100. Después, Gordy cambió a Florence Ballard por la cantante de Patti LaBelle and the Bluebelles, Cindy Birdsong. Inmediatamente, volvió a cambiar el nombre del grupo, llamándolo Diana Ross and The Supremes, para darle protagonismo a la voz principal como al grupo.

UN DIA COMO EL DE HOY
Un día como el de hoy, pero de 1967, Diana Ross brinda el último concierto con Las Supremas. A partir de ese momento, Diana abandona el trío. Habría más The Supremes después y habría más de Diana pero en solitario. Exactamente en mayo de 1970, junto a los grandes productores Ashford & Simpson, llega su primer álbum solista, Diana Ross. Se suceden «Reach out and touch -somebody’s hand-», y «Ain’t no mountain high enough», teniendo ésta última un hit internacional, logrando el primer lugar de las pizarras del mundo. Es nominada al Premio Grammy por mejor vocalista pop. Ross debutó en la pantalla en 1972 en la película «Lady sings the blues», donde interpretó a Billie Holiday, bajo la dirección de Sidney J. Furie. El largometraje tuvo un gran éxito de espectadores. Posteriormente obtuvo un Globo de Oro por «Nueva estrella del año- actriz», y fue distinguida al Óscar por «Mejor actriz». La banda sonora de la cinta logró el primer puesto de Billboard 200, manteniéndose así durante tres semanas consecutivas. En la semana de su lanzamiento vendió más de 300 000 copias.

LA MÁS EXITOSA DE LA ERA POP
Durante las décadas de los setenta y ochenta, Diana se erige como la artista más exitosa de la era pop, abarcando también la industria cinematográfica y televisiva, así como la teatral en Broadway.
En 1993, entra en el libro Guinness de los Récords como la artista de mayor suceso de todos los tiempos, debido en parte a sus 18 números uno, seis de ellos en solitario. Con casi sesenta años de carrera, las ventas de sus álbumes y sencillos tienen un total estimado de más de cien millones de copias, lo cual la convierte en una de artistas con mayores ventas. A comienzos de 2007, Ross apareció en diversos programas de televisión de Estados Unidos y Europa, como por ejemplo American Idol o Live with Regis and Kelly. Está en la ruta hasta el día de hoy brindando conciertos con el tour «In the name of love». Más allá de la Nostalgia.

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HOY: KENNY LOGGINS CUMPLE 70 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

«FOOTLOOSE», TARJETA DE PRESENTACION

Su tarjeta de presentación fue y será por siempre, «Footloose», una de las dos piezas que forman parte de la banda sonora del filme homónimo. Estuvo tres semanas consecutivas en el primer puesto de Billboard Hot 100 USA, en el año 1984, en momentos de su lanzamiento. Un año más tarde, 1985, obtuvo un Grammy a la Canción del Año y el Instituto Americano de Cinematografía la incluyó en el Top 100 de las Bandas Originales de Sonido en la posición 96. El tema, grabado en 1983 y lanzado el 28 de enero de 1984 en forma de disco simple 45 rpm fue editado por Columbia Records, y cuenta con superventas de todos los tiempos. Compuesto, interpretado y producido por Kenny Loggins, «Footloose», mantiene vigencia hasta hoy día, siendo un clásico de la nostalgia. Kenny Loggins. 1
DJ., CANTANTE, AUTOR, GUITARRISTA, PRODUCTOR
Las virtudes profesionales de Kenny Loggins -Kenneth Clark Loggins, su verdadero nombre- son muchas: disc-jockey de radio, cantante, autor, guitarrista y productor musical, teniendo éxito en todos esos rubros. Kenny nació un día como el de hoy, 7 de enero, pero de 1948, en Everett, Washington, y está cumpliendo en la fecha, sus 70 años. Es el más joven de tres hermanos. Hijo de Lina, ama de casa, y de Robert, un vendedor ambulante, por un tiempo residieron en Detroit y Seattle, hasta que se afincaron en forma definitiva en Alhambra, California. El artista en cuestión asistió a San Gabriel Mission High School graduándose en 1966. Estudió guitarra y canto, y formó su primer banda: The Second Helping, la cual editó tres discos simples durante 1968 y 1969, en la fonográfica Viva Records. Luego tocó con Jim Messina, quien llegaba de la agrupación Buffalo Springfield, formando el dúo Loggins & Messina, entre 1972 y 1978. Entre los temas más conocidos del dúo, figuran: «Your mama don’t dance» -canción que fue versionada por las bandas Y&T y Poison en los ochenta- «Danny’s song» y «House at pooh corner». Después de vender más de 16 millones de discos y convertirse en uno de los principales dúos musicales de la década del setenta, Loggins y Messina se separaron en 1976. Pese a que Jim Messina sólo tuvo una popularidad limitada tras la ruptura, Kenny Loggins tuvo una buena colección de sucesos en los ochenta. En 2005 y 2009, Loggins & Messina se volvieron a unir para realizar diversas tournés por territorio norteamericano.
«WE ARE THE WORLD», USA FOR AFRICA, 1985
Llegado el año 1985, Kenny Loggins participa del grupo de cantantes que conformaron el tema «We are the world» para USA for Africa. Tema escrito por Michael Jackson y Lionel Richie, producido por Quincy Jones, lanzado el 7 de marzo de dicho año, por Columbia Records. Los beneficios obtenidos por la canción fueron donados a una campaña humanitaria para intentar acabar con la tremenda hambruna en Etiopia. Participaron 21 vocalistas que interpretaban algún fragmento en solitario, entre los que estaban importantes nombres: Ray Charles, Lionel Richie, Diana Ross, Michael Jackson, Tina Turner, Billy Joel, Stevie Wonder, Cyndi Lauper, Bob Dylan, Bruce Springsteen, el propio Kenny Loggins, entre otros. «We are the world», logró los premios Grammy de Canción del año, y Disco del año. Tan solo en Estados Unidos, el simple vendió casi ocho millones de copias. Posteriormente, fue incluída en el álbum del mismo nombre que colocó más de tres millones de ejemplares vendidos. Los beneficios conjuntos del sencillo, el álbum, el videoclip y merchandising relacionado con «We are the world» superaron la cifra de 50 millones de dólares.
EL REY DEL SOUNDTRACK
Además de «Footloose», colocó en los hits: «Danger zone» -tema de la película «Top gun»- y «I’m free -Heaven Helps the Man-». Muchos lo llaman «El rey del soundtrack» de los ochenta, por sus contribuciones a la música, ya sea cantando o escribiendo temas para diferentes cintas de esa época. Como disc-jockey tampoco le fue mal que digamos, participando en radio en «Los santos rock radio», una adaptación del videojuego «Grand theft auto v.», creado por Rockstar Games. Hasta el presente, Kenny Loggins se encuentra en actividad permanente, registrando discos y realizando conciertos en vivo y en directo, siempre con la misma intensidad de otros años vividos. Más allá de la nostalgia.

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LA BELLEZA DE DONNA REED

UN OSCAR PARA LA ACTRIZ
Actriz de teatro, cine y televisión. Un rostro popular de aquel siempre recordado Hollywood. Su belleza y desempeño la llenó de fama en el séptimo arte durante las decadas de los cincuenta y sesenta. Rodó filmes y luego llegó a la pantalla chica para permanecer allí durante años y años con su propio show, donde se trataba de la vida de una familia. Su verdadero nombre es Donnabelle Mullenger, nacida en una granja de la localidad de Denison, del estado de Iowa, en Estados Unidos, el 27 de enero de 1921. Hija de Hazel Jane Shives y William Richard Mullenger, de joven se destacó por ser bonita de verdad, obteniendo varios certámenes de belleza en determinados estados. The Donna Reed Show, un éxito. 1958-1966. 5Luego de culminar sus primeros estudios se trasladó a California para estudiar en la Universidad de Los Angeles, donde fue elegida “Reina del Campus”. A lo largo de su carrera obtuvo un solo Oscar de la Real Academia, como actriz de reparto en “From here to eternity”, en 1953. Se le conoce artísticamente como Donna Reed, y cuenta con su propia estrella en el Paseo de la Fama.

DEBUTA EN 1941
Donna debuta en la gran pantalla en 1941 con “The get-away”, y no es hasta mediados de 1945 cuando su figura comienza a tener reconocimiento entre el público por su presencia y buen hacer como muchacha enamoradiza, vecina simpática o mujer que aparece en situaciones enredadas. Entre sus largometrajes se le recuerda por su paso en “Qué bello es vivir!”, 1946, y la ya nombrada “From here to eternity” -“De aquí a la eternidad”- pero su dilatada carrera abarca también algunas otras encarnaciones dignas de mención. A partir de su primer film, Donna aparece en pequeños papeles en títulos de primera línea como “La sombra de los acusados”, 1941, “Los chicos de Broadway”, 1941, “Los romances de Andy Hardy”, 1942, “Ojos en la noche”, 1942, “La comedia humana”, 1943, “Thousand cheer”, 1943, un notable musical. A partir de1944, la entidad de los personajes que le ofrecen a Donna sube de nivel pasando a intervenir como co-protagonsta en varios clásicos de comedia y otros: “Private hargrove”, 1944, de Tay Garnett, junto a Robert Montgomery, el bélico “No éramos imprescindibles”, 1945, de John Ford, junto al propio Montgomery y John Wayne, y “El retrato de Dorian Gray”, 1945, de Albert Lewin.

WESTERN, THRILLER y AVENTURAS
También llamada por el western, thriller y el cine de aventuras, Donna aparece en “Trágica información” y “Los forasteros”, ambas de 1952, ésta última con Randolph Scott y Lee Marvin, “El pirata de los siete mares” junto a John Payne, y “Qué par de atorrantes”, con Dean Martin y Jerry Lewis, 1953, “Horizontes azules”, 1955, junto a Fred MacMurray y Charlton Heston, donde interpreta a una india, “La historia de Benny Goodman”, 1955, “Más allá de Mombasa”, y “El sexto fugitivo”, 1956, con Richard Widmark. En 1959, Donna Reed se centró en el mundo de la televisión con “The Donna Reed Show”, 1959-1966, encontrando el medio idóneo de encarnar a la ama de casa norteamericana, que le valdría la nominación al premio Emmy durante 4 años consecutivos. La tira se convierte en un suceso, uno de los más grandes de la tele norteamericana.

SE CASO TRES VECES
Luego de “The Donna Reed Show” sus apariciones en tv fueron mucho más frecuentes, haciendo de todo un poco. Casada en varias ocasiones, dejó cuatro hijos de un mismo marido, Tony Owen -1945-1971- Penny Owen, Tony Owen Jr., Timothy Owen y Mary Owen. Tras retirarse a principios de los setenta, todavía reverdecería en los años ochenta en la televisión con un contrato eventual en la teleserie “Dallas”. Donna Reed dejó de existir el 14 de enero de 1986 a la edad de 64 años, en Beverly Hills, víctima de un cáncer de páncreas. Los críticos, y los espectadores de los grandes cines del mundo la recordarán eternamente como la belleza de la pantalla, la televisión, y del teatro. Más allá de la nostalgia.

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CAIO VILA: EL REGRESO DE UN GUERRERO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EN LA FAMILIA, SOLO PERCUSIÓN

Luego de cuarenta años de estar afincado en Isla Margarita, llamada «La perla del Caribe», en Venezuela, al norte de la península de Araya estado de Sucre, el gran baterista compatriota Carlos Vila «Caio» retorna a su país, víctima de una enfermedad que no se podía encarar en el lugar donde estaba afincado.  El problema era el costoso tratamiento y los medicamentos para llevar todo adelante. Llegó a Montevideo, asesorado por Hugo Fattoruso, y recibido en el mismo predio del aeropuerto fue llevado a un nosocomio para ser manejado como corresponde.

Caio tocando la viola de Hugo, observa Pelín, y Osvaldo en la batería.

Caio tocando la viola de Hugo, observa Pelín, y Osvaldo en la batería.

Batero de profesión, dictando cátedra en lo suyo, ejecuta su instrumento en diferentes etapas, en su casa con su hermano, en la escuela, en el Hot Club, en varias orquestas, en Los Shakers, conjunto donde se hace famoso junto a Hugo, Osvaldo, y Pelín Capobianco. Mientras en el hogar practicaba con tambores, hacía sonar bien los parches en los ensayos de la calle Justicia, donde vivían los «Fatto»con sus padres Josefina y Antonio. Hugo y Osvaldo los fueron a buscar a Pelín y a Caio, para formar el cuarteto más brillante de la historia musical del Río de la Plata, Los Shakers, donde jugarían durante tres años a Los Beatles, a quienes los muchachos llamarían «Los jefazos», registrando tres álbumes, decenas de simples y EP, y realizando infinidad de shows en vivo en América toda. Más allá de todo, triunfaron por talentosos, eran buenos de verdad. Allí Caio, no solamente tocó su instrumento, sino que además compuso varios temas, y hasta cantó e hizo coros. Todo un «guerrero» musical de los sesenta.

ORFEO NEGRO EN CARRASCO

Al influjo de los genios de Liverpool habían llegado a Montevideo Los Beetles norteamericanos -The American Beetles- para tocar en la tele y en un baile. Los traía Montecarlo TV Canal 4 para que actuaran en directo desde sus viejos estudios, ubicados en ese entonces en 18 de Julio y Eduardo Acevedo. La presentación fue en la noche, y una vez culminada Hugo Fattoruso pasó por el canal para saludarlos. No solamente lo recibieron con los brazos abiertos sino que se fueron de paseo por Montevideo, hablando de tomar mate, de música, de las ricas milanesas que hacía Doña Josefina, y hasta de fútbol… Hugo les dijo que estaba formando un grupo en esa onda, y que ya tenía un LP de los originales Beatles. La respuesta de los ilustres visitantes fue muy buena y le desearon suerte. Por ese entonces, Caio estaba viviendo en la zona de Pocitos y se aprestaba a iniciar su ruta con el cuarteto del barrio La Comercial. El puntapié para la banda sería en Orfeo Negro de Carrasco, sitio donde actuarían los fines de semana. El suceso fue tan mayúsculo que se cerraban las puertas de aquel llamado «Night-Club», porque no entraba más gente en sus instalaciones. Los Shakers se habían transformado en un suceso nocturno del Montevideo de entonces, año 1964.

PUNTA DEL ESTE EN LA MIRA

En el verano de 1965, teniendo en cuenta la repercusión conseguida en la boite de Carrasco, Los Shakers son contratados por el reducto puntaesteño i’marangatú. Se constituyen como la atracción de la temporada estival enérgicamente aplaudidos por los turistas de la península. Entre los visitantes una reconocida modelo los recomienda para dar una prueba en la grabadora EMI ODEON de Buenos Aires. Allí viajan; sería el comienzo de todo… «Los Shakers», «Shakers for you», y «La conferencia secreta del Toto’s Bar», se transforman en excelentísimas producciones de los uruguayos, logrando un sinnúmero de hits a través del tiempo. Paralelamente, al compás de «Rompan todo» actúan en la capital uruguaya, Cine Plaza, Parque Hotel, Rambla de Pocitos, Sporting Club, Palacio Peñarol, con multitudinarias caravanas de recibimiento en el Aeropuerto de Carrasco. En 1968, la agrupación se desintegra, tomando sus componentes diferentes rumbos. «Los Fatto» a Estados Unidos, y Pelín y Caio a Brasil.

EN EL ESTUDIO OTRA VEZ

Llegados a Río de Janeiro, Pelín y Caio arreglan para lanzar un LP titulado «En el estudio otra vez» bajo la denominación de Shaker’s, donde estarían los ya nombrados, más Lorenzo, y los dos hermanos de Pelín Capobianco, quien dejó de existir hace unos años. El álbum logró repercusión, pero no la esperada por el sello, entendiendo Caio que debía seguir su camino, no sin antes mantener un diálogo con Lorenzo, y hablarle de la posibilidad de armar un dúo en el perfil acostumbrado, en inglés.
Al poco tiempo, en 1976, se volvieron a reunir, grabando «Leave me alone» y «Goodbye my friend», con reminiscencias de Shakers y Beatles, siendo editado en simple en Brasil y Uruguay, erigiéndose como un megahit. Más adelante, Caio emigra rumbo a Caracas, tocando en determinados lugares, para pasar a ser director artístico y productor en varias fonográficas, Polydor y otras. Los cantantes y músicos de Venezuela, lo tienen como una eminencia, que realmente es. Hoy, con muchos deseos de recuperarse se encuentra entre nosotros, y necesita del respaldo de todos. Más allá de la nostalgia.

 

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LOS NUNCA OLVIDADOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

¡ES UNA NENA!…

Llegaba a éste mundo una niña y se dice que cuando nació allá lejos en Italia, estaba de rostro feliz y por eso sus padres tuvieron la feliz idea de llamarla Graziosa, si Graziosa con Z. Sobremesa de Los Campanelli. 4 Lo que nunca imaginaron es que con el paso de la vida se constituiría en una de las actrices de todos los tiempos en el Río de la Plata, y por cierto bien graciosa pero en este caso con C. Claro que su desempeño fue tan brillante que abarcó muchos rubros estelares en el teatro y ante las cámaras del cine y la televisión, encarnando papeles principales excelentes como por ejemplo en el género drámatico. Aún siendo niña llegó a Buenos Aires, iniciando su carrera integrando el elenco de la ópera «Aída», en el ballet juvenil del Teatro Colón. Pasan los años, y ya en 1938 debuta en la pantalla grande en el largometraje «Mujeres que trabajan», haciendo de extra, de Manuel Romero, con la gran Niní Marshall, Tito Lusiardo, Mecha Ortiz y Sabina Olmos. Desde allí en más, consigue sucesos ininterrumpidos, consagrándose en el año 1950 rodando cinco filmes, destacándose en «Nacha Regules», junto a Zully Moreno y Arturo de Córdoba, obteniendo la distinción como Mejor Actriz de Reparto en Argentina y en el Segundo Certámen Hispano Americano de Cine en España. Casi en los sesenta se afincó en España, actuando en variadas cintas, hizo más producciones en la vecina orilla, un sinfín de obras teatrales e intervino en su último film, «Esto es vida», 1982, de Fernando Siro, que nunca llegó a estrenarse. Conformó pareja durante largas décadas con Juan Carlos Dual, hasta los últimos días del actor. Vió la luz en Milán el 10 de junio de 1920, cuenta hoy con 98 años y su nombre artístico es Diana Maggi, una artista nunca olvidada.

RAÚL y SU HUMOR NEGRO

Los que llegaron a conocerlo, lo respetaron como profesional y mejor persona. Se llamó Raúl Damonte Taborda, espectacular dibujante de la década del 50, en la revista humorística «Tía Vicenta», pasando posteriormente a las publicaciones satíricas «Cuatro patas». En 1961 se mudó a París, colaborando con «Bizarre» y «Le Nouvelle Observateur», haciéndose famoso por sus caricaturas en toda Europa. Aquella gallina, la dama ubicada en la silla y la traviesa niña, se difunden en Italia, España y Francia y consiguen que el público consumidor de los comics y los críticos en general le ayuden a lograr el Premio de Humor Negro. Lo llamaron Copi, trabajó además en dibujos animados, escribió obras, siendo autor de «Los pollos no tienen sillas», en la ciudad luz, y «Té inglés», «El caimán», y «La cola del pescado». Estando vinculado con el semanario «Gente y la actualidad», en diferentes etapas, tomando contacto en julio de 1969 con Susana Giménez -en los primeros pininos de la diva- con quien mantuvieron una excelente amistad de buenos amigos. Raúl Damonte «Copi», es nacido el 20 de noviembre de 1939, dejando de existir el 14 de diciembre de 1987, a los jóvenes 48 años. Su nombre jamás fue olvidado por el gran público que admiró su peculiar estilo.

ALMORZANDO COMO EN CASA
Era una cita ineludible de la tele, los domingos al mediodía. Canal 12 TV Larrañaga emitía la tira con un suceso formidable de rating en el fin de semana. Creada y dirigida por Héctor Maselli, sobre libretos e idea de Juan Carlos Mesa, Jorge Basurto y Osvar Viale, quien también actuaba. Tipo comedia de situaciones y de vaivenes, apareció en grilla en 1969, manteniéndose hasta 1974 en el aire, con un super elenco que componía la familia más famosa de esos tiempos: Adolfo Linvel -Don Carmelo Campanelli- Menchu Quesada -Doña Lucía Campanelli- Raimundo Pastore en el papel del vecino gallego, Marcia Bell, Claudio García Satur, Santiago Bal, Alberto Anchart, María Cristina Laurenz, María Militello, Edda Díaz, Carlos Scazziotta, Tino Pascali, Zulma Grey, Osvaldo Canónico, Arturo Puig, Liliana Caldini, Gloria Montes, Alejandra Kliment, entre otros. Debido a su tan logrado hit, el programa fue llevado al cine en dos oportunidades, «El veraneo de…», 1971, y «El picnic de…», 1972, ambas películas dirigidas por Enrique Carreras. Su música tampoco fue olvidada, siendo compuesta por el reconocido director de orquesta Horacio Malvicino. Muchos hogares argentinos y uruguayos se fueron identificando con aquella larga mesa donde almorzaban «Los Campanelli»…

ROLANDO y MÓNICA, NO FUERON UNA PAREJA MÁS
Fue el teleteatro más exitoso de la historia de la pantalla chica argentina, logrando trascender el género con una popularidad que aún conserva después de tantos años de su emisión original, 7 de marzo de 1972. Con la activa participacion de Claudio García Satur -Rolando, el taxista- Soledad Silveyra -Mónica- Nora Cárpena -Natalia- Marcelo Marcote -Quique- Mabel Landó -Teresa- María Elena Sagrera -Noemí- Leonor Benedetto -Matilde- Dorys del Valle -Odile- y Pablo Codevilla -Juanjo- En el primer episodio la tira comienza con Rolando manejando su taxi deteniéndose en la puerta del canal para hacer una introducción al espacio, allí con el tango característico de la serie -bandoneón muy bien ejecutado- hilvana sus argumentos, para luego subirse en el vehículo y seguir su rumbo por las callecitas del Gran Buenos Aires. También Rolando trabajando en su coche de alquiler conoce a la exquisita vedette Nélida Lobato, para luego visitarla en su exclusivo camarín. Una historia de amor entre Rolando y Mónica que atrajo la atención de millones de espectadores, manifestando un rating que superó los 40 puntos en cada capítulo, y más aún considerando que en aquellos tiempos no existía la televisión por cable y la variedad de programas que se ofrecen en la actualidad. Era la primera vez en la que los hombres formaban parte del público fiel de una telenovela, llamada «Rolando Rivas, taxista». Más allá de la nostalgia.

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ROBERTO ESCALADA: GENIO Y FIGURA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

1938, DEBUT EN LA RADIO
Rodó más de cincuenta películas haciendo casi siempre de galán y algunas veces como actor de reparto, y participó como protagonista de exitosos ciclos televisivos. También hizo teatro, pero sus comienzos fueron en 1938 en reconocidos radioteatros, aprovechando su registro de voz tan particular. El canto del cisne, 1945, con Nelly Darén. 2Incursionó en «La familia Farabutti», en LS 6 Radio El Pueblo, dejando la puerta abierta para otros títulos en la compañia de Raquel Notar. Su aparición en la pantalla grande se produce un año más tarde, el 8 de marzo de 1939, en el largometraje «Doce mujeres», que fue la primera cinta argentina sonora escrita por una dama, Lola Pita Martínez, corriendo la dirección y producción bajo la batuta de Luis José Moglia Barth, y donde estaban -además- Olinda Bozán, el actor uruguayo Paquito Busto, Delia Garcés, Nuri Montsé, Aída Alberti y Cecile Lezard. Desde entonces cubrió los más variados personajes, historias sensuales y de pasión, de ambiente gauchesco, comedias, policiales y hasta de vaqueros, como el caso de «Los irrompibles», con un nutrido elenco uruguayo. Se llamó Roberto Escalada, genio y figura de su actividad y de la vida.

LA CURIOSIDAD SE HIZO PRESENTE
El verdadero nombre de Roberto Escalada es Aldo Roberto Leggero, nacido en el Gran Buenos Aires el 4 de julio de 1914. De chico le agradaba hacer distintas personificaciones en su casa y en la escuela, llamando la atención de su propia familia y la de sus maestras, haciéndolo participar firmemente en espectáculos de fin de curso. La radio la escuchaba admirando las voces de los locutores, hasta que un día movido por la curiosidad se hizo presente en una emisora, para que le tomaran una prueba de sus condiciones. De inmediato quedó, haciéndose firme en cada libreto, en cada diálogo. Hizo muchos radioteatros, inclusive en vivo en fonoplateas, adquiriendo una nutrida experiencia en expresiones y dicción, siendo seguido por el público por su personal registro. Ante su presencia y su voz, los productores de ese momento lo fueron contratando para diferentes filmes. Mientras tanto Roberto ante su afición por el tango, le fue colocando letras a varias composiciones: «Adiós, adiós amor» y «Para vos mamá», ambas con música de Enrique Rodríguez

PELÍCULAS QUE HICIERON HISTORIA
Entre sus filmes se destacan: «El matrero», 1939, «Pájaros sin nido», 1940, «Safo, historia de una pasión», 1943, «24 horas en la vida de una mujer», 1944, «El canto del cisne», 1945, «Cinco besos», 1945, «Un beso en la nuca», 1946, «Treinta segundos de amor», 1947, «Madame Bovary», 1947, «El jugador», 1947, «Los pulpos», 1948, «Una atrevida aventurita», 1948, «La muerte camina en la lluvia», 1948, «La gran tentación», 1948, «Se llamaba Carlos Gardel», 1949, «Morir en su ley», 1949, «El crimen de Oribe», 1950, «Una viuda casi alegre», 1950, «Cartas de amor», 1951, «De turno con la muerte», 1951, «Sala de guardia», 1952, «No abras nunca esa puerta», 1952, «El vampiro negro», 1953, «Sucedió en Buenos Aires», 1954, «Vida nocturna», 1955, «Ayer fue primavera», 1955, «De noche también se duerme», 1956, «Pecadora», 1956, «Culpable», 1960, «La familia Falcón», 1963, «Esta noche mejor no», 1965, «Viaje de una noche de verano», 1965, «El profesor hippie», 1969, «Los debutantes en el amor», 1969, «El mundo es de los jóvenes», 1970, «El profesor tirabombas», 1972, «Clínica con música», 1974, «Un idilio de estación», 1978, «Hormiga negra», 1979, y «El diablo metió la pata», 1980, entre otras producciones memorables.

EL TÍO SOLTERÓN
En 1962, Escalada es llamado por Hugo Moser para encarnar el papel de «El tío solterón», en «La familia Falcón», uno de los programas históricos de la tele argentina, de rating altísimo durante siete años y medio en grilla. Elina Colomer y Pedro Quartucci, eran los padres de la familia, y cuatro hijos: Silvia Merlino, Emilio Comte, José Luis Mazza, y Alberto Fernández da Rosa. El tema de la tira, compuesto e interpretado por Los 5 Latinos llamado «Juntitos, juntitos», sonaba permanentemente en el transcurso del programa… « Un hombre, una esposa, cuatro hijos y hasta un tío solterón». Escalada se lució en su papel, queriendo y aconsejando a sus sobrinos. Luego llegaría «Nino, las cosas simples de la vida», «Los grandes éxitos del sainete porteño», «Un mundo de veinte asientos», «La familia Superstar» y «Día 32 en San Telmo». Hace varios días hizo fecha de su fallecimiento el 5 de diciembre de 1986, en la capital argentina, debido a un ataque cardíaco, ocasionado por problemas de salud, que arrastraba desde los años sesenta; era un fuerte fumador. Roberto Escalada dejó magníficas representaciones en películas y en telenovelas que quedaron en el corazón de la gente. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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GOLDIE HAWN: HAY UNA CHICA EN MI SOPA

A 48 AÑOS DE AQUELLA PICANTE COMEDIA
Robert Danvers es famoso gracias a su programa de cocina emitido por televisión. Utiliza su fama para conseguir a las mujeres más deseadas de Inglaterra, a las que utiliza básicamente como objeto sexual. Un buen día conoce a Marion, una muchacha de la cual se enamora a primera vista. Junto a Peter Sellers en una foto promocional de Hay una chica en mi sopa. 2El pequeño problema es que su ex novio también quiere reconquistarla. Y de eso se trata a grandes razgos el argumento de la película. Una picante comedia sobre parejas y su sexualidad. Se estrenó en 1970, hace 48 años atrás, y hasta hoy en día se pasa en televisión por cable, en espacios dedicados al retrocine, ejemplo Fox Classics, y otros. Se trata de «Hay una chica en mi sopa» -«There’s a girl in my soup»- con los papeles principales de Peter Sellers, la blonda rubia Goldie Hawn, acompañados de Tony Britton, Nicky Henson, Diana Dors, Judy Campbell, y John Comer. Escrita por Terence Frisby, con música de Mike d’Abo, producida por John Boulting y M. J. Frankovich, bajo la dirección de Roy Boulting. Goldie Hawn al participar en «Hay una chica en mi sopa», ya había obtenido su primer Oscar a la mejor actriz de reparto y el Globo de Oro por su intervención en «Flor de cactus», compartiendo escena con Ingrid Bergman y Walter Matthau. La comedia «de la sopa» le otorgó más popularidad a la actriz que en ese momento contaba con tan solo 25 jovenes años.

GOOD MORNING WORLD

La carrera de Goldie comenzó como actriz en la serie tv «Good morning world» – 1967-1968- Luego intervino en el largometraje «Flor de cactus», e inmediatamente llegaría «There’s a girl in my soup», de gran suceso taquillero practicamente en todo el orbe. El largometraje británico basado en una obra de teatro de larga duración, fue también el último suceso comercial de Peter Sellers durante varios años. Luego de un comienzo vacilante, en el argumento Sellers y Hawn ligan un romance y ella lo acompaña en un viaje a un festival de cata de vinos en Francia, dondo lo averguenza insistiendo en beber vino y emborracharse mucho, pero así y todo continúan disfrutando su tiempo juntos en pareja en la costa del sur francesa. Sin embargo, al regresar a Londres, Marion se reconcilia con Jimmy -su pareja- y deja de lado una propuesta desesperada de matrimonio de parte de Sellers -Danvers- A lo largo de la cinta, la línea favorita de Danvers con las damas es «Dios mío, pero eres adorable…», que en la escena final después de que Marion regresó con Jimmy, Danvers ha hecho una cita con otra mujer. La película marca la carrera profesional de Goldie Hawn en el cine.

LAS MARIPOSAS SON LIBRES

En 1971 rueda «Dólares», y en la pantalla chica presenta el programa especial «Pure Goldie». Al año siguiente interpret a Jill Tanner en el film «Las mariposas son libres», actuación que le valió una nueva nominación al Globo de Oro como mejor actriz de comedia o musical. Luego de un impasse en su carrera se relanzó más tarde con la película «Death becomes her» -«La muerte te sienta tan bien»- con Bruce Willis y Meryl Streep, en 1982, para que en 1996 marcaría presencia en «The first wives club» -«El club de las primeras esposas»- con Bette Midler y Diane Keaton, junto quienes cantó el hit de Lesley Gore «Don’t own me» para la banda sonora. Tiempo después grabaría «A hard day’s night» de The Beatles para el disco de George Martin de 1998, titulado «In my life».

VARIOS CASAMIENTOS EN SU HABER

Estuvo casada con Gus Trikonis desde 1969 a 1976 y con Bill Hudson, de los Hudson Brothers entre 1976 y 1980. Con este último tuvo dos hijos: Oliver -1976- y Kate Hudson -1979- ambos actores. Desde 1983 mantiene una relación con Kurt Russell. Tienen un hijo, Wyatt Russell, que vive en Brampton, Ontario, donde aprende y juega al hockey. El 7 de enero de 2004 fue abuela, al nacer el hijo de Kate, llamado Ryder Russell Robinson Hudson. Goldie llegó a éste mundo el 21 de noviembre de 1945, en un barrio judío de Washington D.C., Estados Unidos. Hija de Laura Steinhoff, quien trabajaba en una joyería, y de Edward Rutledge Hawn. Tiene una hermana, Patricia, y también un hermano, Edward, que falleció antes de que ella naciera. En 1964 se graduó en Montgomery Blair High School, debutando como bailarina en una producción de Can-Can en el pabellón de Texas de la New York World’s Fair. Después comenzó a trabajar como bailarina profesional- Fundó la Bright Light Foundation for Children. Cuando ganó el Oscar no acudió a recogerlo debido a que se encontraba rodando una película en Reino Unido, y fue en su lugar Raquel Welch, a quien le entregaron la distinción en su nombre.
Más allá de la nostalgia

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CASABLANCA: A 76 AÑOS DE UN MITO

AVANT-PREMIERE, 26 DE NOVIEMBRE DE 1942

El 26 de noviembre de 1942, un día como el de hoy, hace 76 años, era exhibida por vez primera en Teatro Hollywood de Nueva York, una de las películas más renombradas del séptimo arte, “Casablanca”. Humphrey bogart e ingrid Bergman, protagonistas del filme. 2El estreno oficial fue meses después, el 23 de enero de 1943, logrando una muy buena taquilla de casi cuatro millones de dólares en su estreno inicial en territorio norteamericano. La reacción de los cronistas especializados en la materia en las páginas de los diarios, fue notable:
“Es una cinta que las audiencias necesitaban… con valores… sacrificios dignos de hacer. Y lo muestra de una manera muy entretenida”. El largo-metraje ha mantenido su vigencia a través del tiempo, con más proyecciones en salas en primera instancia y luego en tv abierta y cable. Ya en el año 1955, “Casablanca” había facturado unos siete millones de los verdes USA, ubicándola en el tercer puesto entre los films bélicos más rentables de la Warner Brós, solo detrás de “Shine on”, “Harvest moon”, y “This is the army”. Ya el 21 de abril de 1957, el Teatro Brattle de Cambridge, en Estados Unidos la presentó como parte del repertorio del ciclo de películas retro. Dicha iniciativa se puso tan de moda que comenzó la tradición de pasar “Casablanca” cada vez con más frecuencia, ayudando al mismo film a mantenerse de pie en la memoria popular mientras que el recuerdo de otras producciones famosas de la misma década fue decayendo, y ya para 1977 “Casablanca” era la película más emitida de la pantalla chica.

TRES PREMIOS OSCAR y MÁS DISTINCIONES

En las distinciones Oscar de 1943, “Casablanca” obtuvo tres premios: Mejor película, mejor director y mejor guión adaptado, siendo nominada para otros cinco, que no ganó. Wallis, el productor de la película se molestó mucho cuando el mismo presidente de los Estudios Warner, Jack Warner, recibió la distinción en vez de él; ésta situación desencadenó el final de las relaciones comerciales de Wallis con la Warner Brós en abril de ese año. Otros reconocimientos que ha recibido “Casablanca” son la inscripción en National Film Registry, pizarra que coloca las mejores cintas de la historia, y la nominación por alta calidad de su edición en DVD a los premios DVD Exclusive. En 1989 es seleccionada por National Film Registry para ser preservada en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, por ser “cultural e histórica”. Ocho años más adelante, en 1997, el American Film Institute, tras consultar a mil quinientos expertos del rubro de la cinematografía norteamericana, ubicó a “Casablanca” en sus listas como la segunda mejor película USA de todos los tiempos, detrás de “Ciudadano Kane”. En 2005 fue calificada como una de “Las 100 grandes películas de los últimos 80 años”, por el sitio web de la publicación “Time”. En 2006, una sección del sindicato Writers Guild of America, entidad que agrupa a guionistas del cinéma y televisión, así como a empleados de la radio y tv, seleccionó el guión de “Casablanca” como el “Mejor guión de todos los tiempos” en su lista de “Los 101 mejores guiones”.

TODOS VIENEN AL CAFE DE RICK

“Casablanca” dirigida por Michael Curtiz, narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca, bajo el control del gobierno de Vichy. La cinta, basada en la obra teatral “Everybody comes to Rick’s” -“Todos vienen al café de Rick”- de Murray Burnett y Joan Alison, es estelarizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El argumento se basa en el conflicto de Rick entre el amor y la virtud: Rick deberá elegir entre su bien amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su marido, uno de los líderes de la resistencia, para que éste pueda continuar su lucha contra los nazis. El largo-metraje fue de a poco ganando un marcado suceso a medida que pasó el tiempo, y se fue colocando entre los primeros lugares de las listas de mejores films. Los espectadoes elevaron al máximo los protagónicos de Bogart y Bergman y la química que demostraron entre sí, así como la categoría de las caracterizaciones, la dirección, el ingenio mismo del guión, y porqué no el impacto emocional de la película en general.

20.000 DOLARES EN DERECHOS

Cuando uno de los principales de Warner Brothers revisó detenidamente la obra, la ubicó como que fuera un libreto bien tonto, pero le dió el ok. Inmediatamente la editora encargada de los guiones, Irene Diamond, convenció al productor Hal B. Wallis para que adquiriera los derechos por el precio de 20.000 dólares al contado de ese momento, la cantidad más alta jamás pagada por una obra teatral que no hubiese sido puesta en escena. Luego de comprar los derechos, se le colocó a la producción, “Casablanca”. Así pues, la filmación se inició el 25 de mayo de 1942, y concluyó el 3 de agosto del mismo año, alcanzando un costo de producción de un millón cuarenta mil dólares, que no fue excesivamente alto, pero si realmente superior al promedio de esos años para otras producciones. En “Casablanca”, Ingrid Bergman y Humphrey Bogart protagonizan uno de los besos más famosos de la historia del cine. Más allá de la nostalgia.

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OFRA HAZA: LA TIGRESA DE ORIENTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN BARRIO POBRE DE TEL AVIV

Esta es como una historia de película pero con un muy triste final. Uganda Ofra Haza bat Shoshaná / Yefet Haza llegó a este mundo en Tel Aviv, Israel, el 19 de noviembre de 1957; hoy sería su cumpleaños. Hija de padres judíos que emigraron a Israel desde la República de Yemen, país bicontinental situado en Oriente Próximo y en África. Ofra es la menor de nueve hijos -seis hermanas y dos hermanos- de Yefet y Shoshana Hana. Fue criada en el Barrio Hatikva, un lugar sumamente pobre de Tel Aviv. Su primer casa estaba en la calle Boaz. Teniendo doce años, Haza se unió a un grupo de teatro del lugar, y el gerente de la sala Bezalel Aloni descubrió su enorme talento como cantante.Múltiples discos de oro y platino. 5Así organizó muchas de sus producciones a su alrededor, y enseguida se convirtió en su apoderado. A los 19 años, ya era la estrella pop más destacada de Israel, y los periodistas de la música y de los espectáculos la llamaron “la Virgen del Este”. Cuando concluye el servicio militar en 1979, Haza había madurado como cantante y ya estaba practicamente lista para iniciar una carrera como solista.

ACERCA DE NUESTROS AMORES

Empujada por su productor y por condiciones propias, Ofra Haza lanza su primer álbum, “Al ahavot shelanu” -“Acerca de nuestros amores”- en 1980, logrando impactar en la radio con varios de sus temas: “Hageshem (The rain), “Kmo Tzipor”, “Shir ahava la’chayal” -“Canción de amor para un soldado”- y su hit mayor “Shir ha’frecha”, compuesto para el filme “Schiager”, de 1979, donde Haza encarna el papel principal. Al principio, las emisoras de Israel se opusieron a reproducir el tema por sus letras, que en ese momento no eran aceptadas, pero vertiginosamente trepó en las listas, alcanzando el ansiado número 1, permaneciendo allí durante cinco semanas consecutivas. Más tarde en el año, el álbum alcanzó el disco de oro por superventas. Sin pérdida de tiempo prosiguió con la segunda placa grande, “Bo nedaber (Let’s talk), que finalmente también se convierte en oro, incluyendo dos canciones que se hacen muy populares “Tfila (Prayer)”, y “Simanin shel ohavim (Lovers signs).

LOGRA SUCESO EN EUROVISIÓN

Su tercer disco, “Pituyim (Temptations)” vio la luz en 1982, logrando idéntico impacto que los anteriores, alcanzando el disco de oro, con “Gabrlel y Kol Yom Matchila Shana (A new year starts every day), escribiendo para ella los autores más destacados y conocidos, Tzvika Pick y Nurit Hirsh. En el año entrante, 1983, la carrera de Ofra salta más arriba en la popularidad, es en el Festival de la Canción de Eurovisión, cuando obtiene el segundo lugar con “Chai” (Alive). Desde esa presentación su fama en Israel logra momentos muy gloriosos. Su primera placa de platino, “Chai”, se convierte en su disco más vendido hasta la fecha, y la canción que lleva su nombre es elegida como la número uno del año. Otros hits del disco son “Amen Lamilim (Amen For Words)”, y “Sof Hakayitz (End Of Summer)”. Haza fue votada como “Vocalista Femenina del Año” durante cuatro años consecutivos, desde 1980 hasta 1983. Más tarde, ese mismo año, Haza lanzó “Shirey Moledet”, que consistía en sus interpretaciones de las famosas canciones populares israelíes, que eventualmente también se convirtieron en platino. La respuesta del público fue tan abrumadora que lanzó dos volúmenes más, en 1985 y 1987.
MÁS DISCOS, MÁS ÉXITOS

“Bait ham (warm house)” es editado en 1984, incluyendo “Yad beyad (Hand in hand), y “Itcha halayla (with you tonight)”. Fue disco de oro. “Adama (Tierra)” siguió en 1985, con “Goral echad (One Destiny)”, y “Mishehu holech tamid Iti (Someone always walks with me)”, alcanzando un nuevo oro. Más adelante, en ese mismo año, Ofra lanzó
“Shirey Moledet B”, una continuación de sus interpretaciones de canciones populares israelíes bien conocidas. Otro disco de oro. En 1986, Haza intenta actualizar su sonido y crea “Yamim Nishbarim (Broken days), con un sonido plenamente vanguadista, y letras profundas y personales escritas por la misma Ofra el disco también consigue el oro. Su mejor y mayor avance internacional se produce con el álbum “Shirei teiman (canciones yemenitas), que grabó en 1984. El álbum consistía en temas que Haza había escuchado en su infancia, utilizando arreglos que combinaban la percusión auténtica de Medio Oriente con instrumentos clásicos.
16 DISCOS DE ORO Y PLATINO

A lo largo de su carrera, consiguió 16 discos de oro y platino. Cantó en hebreo, árabe, arameo e inglés, entre otras lenguas como el español. Dejó de existir, de neumonía, y un fallo multiorgánico complicado por SIDA, el 23 de febrero de 2000, aunque las circunstancias de su muerte no fueron confimadas por la familia. Falleció en el Sheba Medical Center de la ciudad de Ramat Gan. Más allá de la nostalgia.

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NEIL YOUNG: LA CREATIVIDAD DE UN ROCKERO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

HOY, A SUS 73 AÑOS DE EXISTENCIA

El punto más alto de su carrera fue cuando integró el famoso cuarteto Crosby, Stills, Nash y Young, de excelentes creaciones en su género y en la música toda. Con ellos se hizo realmente conocido, más que nada por la calidad que llevaban adelante en sus composiciones e interpretaciones. Se trató de una verdadera superbanda de folk rock, reconocida por su magistral unión de voces y por su verdadera influencia en la contracultura norteamericana de los años setenta. Introducidos en el Salón de la Fama de Rock and Roll, lograron desde un principio una clara influencia de los antiguos grupos de sus componentes: The Hollies, The Byrds y Buffalo Springfield. En principio fueron un trío: Crosby, Stills y Nash, y él fue el último en llegar, quedando definitivamente compuestos en cuatro miembros; Neil Young se integró en 1970, estampando con ellos un contrato donde además se le daba la total libertad para mantener una carrera profesional paralela con su flamante creada agrupación de acompañamiento, Crazy Horse. La figura de Neil Young se hizo inmensa a través del tiempo, siendo referente absoluto en su estilo, cumpliendo hoy sus jóvenes 73 años. Neil Young. 1

NACIDO EN CANADÁ UN 12 DE NOVIEMBRE

Neil Percival Young nacido en Toronto, Ontario, Canadá, un 12 de noviembre, pero de 1945, es considerado uno de los más grandes músicos y compositores de su generación. Se inició en su país en 1960, en The Squires y The Mynah Birds, antes de afincarse seis años más tarde en California para fundar Buffalo Springfield con Stephen Stills y Richie Furay. En 1968 se lanzó en solitario, cumpliendo el presente año 50 años de trayectoria como solista y la cantidad de 39 álbumes de estudio hasta 2016, con una continuada exploración de diferentes estilos que fue mezclando paulatinamente, principalmente en la década de los ochenta, blues y rockabilly. Young con Buffalo Springfield, publicó tres álbumes, y registros en directo que fueron editados en los siguientes años. La banda Buffalo estuvo plagada de luchas internas, arrestos relacionados con el consumo o posesión de drogas, y frecuentes cambios de formación que llevaron a la desintegración del conjunto apenas dos años después. A pesar de su corta existencia y de su limitada producción, luego de algunas muy buenas grabaciones Neil Young se marchó buscando nuevos horizontes en el comienzo de su etapa solista.

SIEMPRE CON LA VIOLA

Acompañado siempre por la guitarra se volcó de lleno en el puntapié inicial de su carrera en solitario. Así firma con Reprise Records y lanza “Neil Young”, 1968, álbum debut solista. En mayo, 1969, llegaría “Everybody knows this Is nowhere”, conteniendo una de sus canciones más populares, “Cinnamon girl”; y “Cowgirl in the sand”, y “Down by the river”, caracterizadas por largos trabajos de improvisación musical. A finales de 1970, tras salir de gira nuevamente con Crosby, Stills & Nash, Young publica “After the gold rush”, su tercer álbum de estudio en solitario, que contó con la participación de músicos geniales, Nils Lofgren, Stephen Stills y Greg Reeves. El disco logra su primer gran éxito comercial trepando al puesto ocho en la lista Billboard 200, sirviéndole -además- a Young, de base para consolidar su propio sonido, orientado hacia el country y el folk. En 1972 publica “Harvest”, y su primer simple “Heart of gold”, alcanza el primer puesto en Billboard Hot 100.

FORMA THE SANTA MONICA FLYERS

En la segunda parte de 1973 forma The Santa Monica Flyers con Crazy Horse y Nils Lofgre, grabando “Tonight’s the night”. “Homegrown” sería su lanzamiento posterior, producción enteramente acústica. Más adelante vería la luz, “Tonight’s the night” en forma de LP, logrando buenos comentarios de la prensa especializada y figurando en el casillero 331 del listado de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, en el informe elaborado por la publicación Rolling Stone. Así prosiguió hasta junio de 2015, editando material de manera ininterrumpida, momento en que publica “The monsanto years”, un disco grabado con el grupo Promise of the Real. En el ámbito cinematográfico, obtuvo una nominación al Óscar a la mejor canción original por “Philadelphia”, de la película homónima, del director Jonathan Demme. Además, ha sido galardonado en dos ocasiones con un doctorado honoris causa. Actualmente está casado con la actriz Daryl Hannah, y tiene tres hijos con otras parejas: Zeke, Ben y Amber Jean.? Más allá de la nostalgia.

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ELVIS PRESLEY: A 62 AÑOS DE “LOVE ME TENDER”

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“ÁMAME TIERNAMENTE”, UNA MELODÍA DE TODOS LOS TIEMPOS

“Love me tender” o “Ámame tiernamente” en español, es un tema del Rey Elvis Presley, lanzado por Elvis Presley Musi, adaptado de “Aura Lee” o “Aura Lea”, una genial melodía sentimental. Afiche de la película. 5“Aura Lee” fue publicada en el año 1861 con música de George R. Poulton y letra de W.W. Fosdick, que se volvió famosa en esos tiempos de antaño, cantándose en la Academia Militar de Estados Unidos, en West Point, Nueva York. El Rey del Rock interpretó “Love me tender” en el Show de Ed Sullivan, exactamente el 9 de septiembre de 1956, un poco antes del lanzamiento del disco simple, y cerca de un mes antes del estreno de la película que llevaría el mismo nombre, “Love me tender”, para la cual se registró originalmente la canción. En los días siguientes, la fonográfica RCA Víctor recibió más de un millón de pedidos anticipados de venta, requiriendo la edición, lo que hizo que fuera disco de oro antes de ser lanzado por disquerías y casas de música. La 20th Century Fox, deseaba en principio que el filme se llamara “The Reno Brothers”, pero lo cambió por “Love me tender” para aprovechar la popularidad bien ganada del hit. El tema en cuestión llegó al primer puesto Billboard en la primera semana de noviembre de 1956, y permaneció inamovible allí durante casi tres meses con el mítico cantante. Ocurrió un día como el de hoy, pero hace 62 años atrás. Todo un acontecimiento.

POR LAS REGALÍAS
Debido a un acuerdo en la publicación, “Love me tender” llevó los créditos de Presley-Vera Matson, para asignar las regalías, pero el autor letrista fue Ken Darby, esposo de Vera. Elvis logró derechos por coescribir la canción debido a un acuerdo con Hill & Range, que exigió la mitad de las regalías. En el estudio de grabación del sello del fonógrafo y el perrito, el referente cantante tomo el control de las grabaciones, donde con frecuencia cambiaba todos los arreglos y la letra, hasta el punto de que el tema original fuera casi no reconocido, justificando en parte los créditos como autor. En Inglaterra trepó al puesto No. 11, en las listas R & B llegó al casillero tres, en tres semanas de permanencia, marcando más sucesos resonantes. Todo un logro porque “Love me tender” le siguió a otro simple de Elvis, “Hound dog/Don’t be cruel” en el primer lugar. Esto marcó dos situaciones importantes en la historia de Billboard. Elvis alcanza otro récord: mayor tiempo seguido en el número uno de un artista -unas 16 semanas- aunque con el pasar de los años sería sobrepasado por otros números que se mantendrían al tope de la lista. “Love me tender” fue elegida número 437 por la pizarra de Rolling Stone de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Aunque Presley nunca volvió a registrar “Love me tender”, luego de su desaparición se lanzaron dos versiones grabadas en vivo en las producciones: “NBC-TV Special”, 1968, y “Elvis: As Recorded at Madison Square Garden”, 1972, con canciones adicionales de apariciones en conciertos y televisión. La canción también fue interpretada en la cinta “Elvis on tour”, 1972, ganadora de un Globo de Oro.

“LOVE ME TENDER”: LA PELÍCULA

“Love me tender” versión película en blanco y negro fue estrenada el 21 de noviembre de 1956. Es dirigida por Robert D. Webb y protagonizada por Richard Egan, Debra Paget y Elvis Presley, en su primera cinta. Se trata de un western con números musicales. Dado que era su debut en el cine, es la única cinta de Elvis en que no recibe el crédito de protagonista principal. Hal Wallis, productor del filme, no permitió que Presley fuera acompañado por su banda regular, integrada por Scotty Moore, Bill Black y D.J. Fontana. En cambio, la banda sonora fue provista por The Ken Darby Trio con Red Robinson en percusión, Charles Prescott en bajo, Vita Mumolo en guitarra y Jon Dodson en vocales, con Elvis en la voz principal. Presley encarna a Clint Reno, el más joven de cuatro hermanos que se queda en casa para cuidar de su madre, y la granja de la familia, mientras que sus hermanos mayores, Vance, Brett, y Ray, luchan en la guerra de Secesión para el ejército confederado. Así se desarrolla parte del argumento de “Love me tender”.

DESEABA CONVERTIRSE EN ACTOR

Anteriormente a su impacto como solista, Elvis había mostrado interés en convertirse en actor. Trabajando como portero de una sala del cinéma en sus años mozos, con frecuencia veía en la pantalla a sus ídolos: Marlon Brando, James Dean y Tony Curtis. Los observaba y los contemplaba mientras cumplía funciones de acomodador, estudiando su actuación y aprendiendo líneas de sus películas. Cuando conoció a su futuro manager, el coronel Tom Parker, le expresó su interés en el cine y su ferviente deseo de ser actor. En notas durante su escalera al éxito, Elvis solía hablar de sus esperanzas de asistir a un lugar como el Actors Studio. También agregó en que no le agradaría cantar en ninguno de sus films porque deseaba ser tomado seriamente como una verdadera estrella de cine. Sin embargo, el plan del coronel era promover las películas de Elvis con su música, y ésto llevó a que las bandas sonoras fueran más importantes que los propios guiones. El hit del simple “Love me tender” estableció el tono para cada realización cinematográfica de Elvis que siguió, y el suceso comercial llevó al lanzamiento de otras tres cintas en los futuros dos años: “Loving you”, “Jailhouse rock” y “King Creole”. Más allá de la nostalgia.

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DENNIS EDWARDS: LA VOZ DE DETROIT

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo

PRIMERA FIGURA EN THE TEMPTATIONS

Fueron conocidos por sus movimientos coreográficos, por su unión de voces y por su vestuario coDennis Edwards. 1nstituído por elegantes trajes en cada escenario; se llamaron The Temptations. Su pasar por la música soul fue muy importante, y dejaron sus raíces en el denominado «estilo de los negros de Detroit» y en la fonográfica Tamla Motown. Fueroncuarenta años, 16 entre 1961 y 1977, y 24 más desde 1980 a 2004 -desde 1977 a 1980 registraron convenio con Atlantic Récords- The Temptations colocaron millones y millones de discos en todo el mundo, llamándose en un comienzo The Elgins, teniendo siempre en su delantera cinco cantantes que se movían haciendo pasos bailables al compás de los temas que interpretaban. La banda original tenía integrantes de dos agrupaciones locales de Detroit, The Distants -Elbridge «Al» Bryant, Otis Williams y Melvin Franklin- y The Primes -Paul Williams y Eddie Kendricks- Luego llegarían más vocalistas destacados: David Ruffin, Richard Street, Damon Harris, Ron Tyson, Ali-Ollie Woodson, Theo Peoples, G. C. Cameron, y uno que se convertiría en una de sus voces más reconocidas, estelares y renocidas de la agrupación, Dennis Edwards, registrando una carrera brillante durante su estada en el quinteto y más tarde como solista.

SUPLANTANDO A DAVID RUFFINBrenda Edwards, Dennis Edwards

Dennis Edwards se unió a The Temptations en 1968 suplantando a David Ruffin, y cantó en el conjunto desde 1968 a 1976, de 1980 a 1984, y de 1987 a 1989. El debut oficial de Edwards fue el 9 de julio de 1968 en el escenario de Valley Forge, Pennsylvania, comenzando a cantar desde ese momento éxitos impresionantes de popularidad y ventas: «Ain’t too proud to beg», «Cloud nine», «I can’t get next to you», «Ball of confusion», «Papa wa s a Rollin ‘Stone», y «Shakey ground», entre otros. Dos de estos temas: «Cloud nine» y «Papa was a Rollin ‘Stone», obtuvieron premios Grammy. Paralelamente, Edwards se comprometía en esos tiempos con Yvonne «Frankie» Gearing, la solista principal de Quiet Elegance, quien realizó una gira con The Temptations, cantando como telonera antes que ellos. Dennis permaneció en el grupo hasta que lo despiden en 1977, justo días antes de la ida de la agrupación de Motown a Atlantic Records. Luego de un intento que no funcionó demasiado en solitario de Edwards, se reincorpora a The Temptations en 1980, momento en que regresan a Motown.

NUEVAMENTE COMO SOLISTA

Tamla Motown deseaba tener nuevamente como solista a Dennis Edwards, y lo hace The Temptations, The Miracles, Stevie Wonder, Martha & the Vandellas y The Supremes, Marzo 1965. 5en 1984, con el simple «Don’t look any further» -«No busques más»- a dúo con Siedah Garrett. El álbum del mismo nombre incluía «(You’re my) aphrodisiac» y «Just like you», entre otros, que lograron un impacto en las radios, alcanzando la producción completa el número 2 en Billboard R&B. Un año más tarde, en 1985, Edwards edita su nuevo material, el álbum «Collin ‘out», que incluía el tema idem, un hit de R&B Top 30. Así, fue pasando el tiempo, y Dennis se fue y llegó nuevamente a The Temptations, estando durante sus últimos años reunido a la banda bajo el nombre de The Temptations Review, haciendo giras de manera permanente a través del tiempo. En 1989 Edwards fue incluído en el Salón de la Fama del Rock and Roll, como miembro eterno de The Temptations, y también en el Salón de la Fama de Rhythm & Blues, en 2013.

DIRECTOR DEL CORO DE LA IGLESIAReunión de The Temptations. Dennis en el centro de la foto. 2

Dennis Edwards jr. nació en Fairfield, Alabama, USA, el 3 de febrero de 1943. Comenzó a cantar cuando era un niño de dos años y medio, en la iglesia de su padre quien era el pastor. La familia Edwards se mudó a Detroit, Michigan, cuando Dennis tenía unos diez años, y donde tambíen cantaba en la iglesia del lugar, convirtiéndose finalmente en director del coro. Siendo un adolescente, se unió a un grupo vocal de gospel, The Mighty Clouds of Joy, y estudio música en el Conservatorio de Música de Detroit. Sus padres no deseaban que cantara y estudiara música, sino que trabajara, pero el destino no lo quiso así. Se impuso su rápida disposición para adquirir conocimientos en el pentagrama, logrando notables aprendizajes en el arte del piano y del canto. En 1961 formóAretha Franklin,Dennis Edwards su propio conjunto de soul y jazz, Dennis Edwards and The Fireballs. Ese mismo año registra un disco simple para International Soulville Records de Detroit, que incluía «I didn’t have to (but i did)» «Johnnie on the Spot». En 1966 -luego de alistarse en el ejército- pasa una prueba para Tamla Motown firmando un contrato de exclusividad. Inmediatamente se une a The Contours, luego de que su cantante principal se enfermara.
En 1967 toma contacto con The Temptations a quien se integraría al año entrante, con historia ya conocida. Lamentablemente, Edwards falleció en un hospital de Chicago el 1o. de febrero de 2018, dos días antes de cumplir 75 años. Había luchado contra la meningitis antes de su muerte. Aretha Franklin le admiraba muchísimo como cantante, artista y persona. Su última esposa se llamó Brenda. Tiene una hija, Issa Pointer, de otra pareja. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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PETER CETERA: GOLDSTAR

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

«IF YOU LEAVE ME NOW» CON CHICAGOEn pleno show. 4

Peter Cetera fue la gran voz de Chicago, el popular grupo de rock estadounidense. Sus interpretaciones tan particulares marcaron a fuego la historia de la música a mediados de los setenta. Así, cuelga el primer número uno de la banda, un himno que le pertenece y que se constituye en la canción más representativa de Chicago y de los sonidos de aquel momento, «If you leave me now», un clásico de clásicos. El tema fue editado como disco simple el 31 de julio de 1976, encabezando las listas de Estados Unidos y ReinJunto a Aerosmith. 5o Unido, durante semanas, logrando los premios Grammy por mejor arreglo instrumental con acompañamiento vocal, y por mejor interpretación. Tanto ha tenido de repercusión este trabajo, que hasta hoy día existen más de cien covers del mismo, registrados por distintos artistas alrededor del orbe. Peter Paul Cetera, también fue un miembro original de Chicago, destacándose -además de compositor y cantante- como bajista y hasta a veces productor del grupo. Desde que abandonó el conjunto, ha logrado que dos de sus sencillos logren la máxima ubicación de Billboard Hot 100. Sin dudas, una estrella de oro.

LO LLAMAN «EL POLACO»

Cetera llegó a este mundo el 13 de septiembre de 1944, en el distrito Morgan Park, en el sur de Chicago, Illinois. Tiene 74 años. Es el segundo de seis hijos, de ascendencia polaca-húngara. Los hermanos de Peter incluyen a Tim y Kenny, quien figuran en los créditos de los discos como músicos de estudio en algunas de las grabaciones de Chicago y en varios de los registros en solitario del propio Peter. Cetera asistió al Seminario Preparatorio ArchbishPeter Cetera. 1op Quigley durante un año, porque su madre deseaba que fuera sacerdote. Más adelante, se anotó en Mendel Catholic Prep High School, graduándose en 1962 figurando entre los alumnos notables del instituto. Su interés por la música comenzó a los 11 años cuando sus progenitores le obsequiaron un acordeón en lugar de la guitarra que él deseaba. A los 15, algunos compañeros del secundario lo llevaron a un pequeño club para ver una banda llamada The Rebel Rockers, que lo motivó a comprar una guitarra acústica. Finalmente, aprendió bajo eléctrico y junto a tres amigos -baterista, saxofonista y guitarrista- empezó a tocar en determinados sitios, alternando las voces con el guitarrista. Peter integró varias agrupaciones, como The Exceptions, en los sesenta, grabando varios singles y comentando al respecto más tarde entre sus pares… «Cuando tenía 18 años, ya ganaba más dinero que mi padre».

THE BIG THING A CHICAGOPeter Cetera con su guitarra. 3

A fines de 1967, luego de observar una actuación de la banda The Big Thing -impresionado notoriamente por la combinación de instrumentos de viento con puro rock and roll- Cetera abandona The Exceptions y se une a The Big Thing, que inmediatamente cambiaría su nombre por The Chicago Transit Authority, en Columbia, 1969. Peter fue el cantante principal en tres de los once temas del álbum, junto al tecladista Robert Lamm y el violero Terry Kath. La siguiente producción de Chicago, otorgaría al grupo popularidad mundial; «25 or 6 to 4» fue el primer hit donde Cetera fue vocalista, siendo «Where do we go from here?», la primera composición de Cetera. Seguirían «Wishing you were here», «Happy man», «Baby, what a big surprise», y por supuesto el ya nombrado «If you leave me now». Años posteriores Chicago declinaría en su etapa exitosa y en 1981 Cetera publica su primer álbum como solista, Peter Cetera, con Warner Bros. Records, luego de adquirir los derechos de su contrato anterior con Columbia.
SUCESO EN EL FESTIVAL DE VIÑA DEL MAR
Luego de varias idas y venidas Chicago y Cetera toman caminos diferentes en julio de 1985. Peter registra su segundo álbum «Solitude/Solitaire», en el cual se destacan dos impactos suyos; «Glory of love», y Con Chicago. 2«The next time/fall», a dúo con Amy Grant. Actualmente ‘’Solitude/Solitaire’’ es disco de platino, por ventas superiores a un millón de unidades, colocadas solamente en Estados Unidos. En agosto 1988 edita su tercer placa «One more story», en el cual participan Madonna y David Gilmour. En 1992 saca su cuarto álbum «World falling down». Hasta el presente realiza giras por todo el territorio norteamericano, Europa y hasta llego el año pasado a presentar su show en el Festival de la Canción de Viña del Mar, donde logró la ansiada gaviota de plata. Peter Cetera volvió a grabar «If you leave me now» como solista para su álbum de 1997 «You’re the Inspiration: A Collection». Contrajo nupcias con Diane Nini en 1982, separándose en 1991. Tiene dos hijos: Claire y Senna. Más allá de la nostalgia.

Publicado en 1- Lunes, MÁS ALLÁ DE LA NOSTALGIAComentarios (0)

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