DANA ANDREWS: ASTRO DEL CINE y LA TELE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN ROSTRO CONOCIDO EN LA PANTALLA

Recordado por sus papeles trascendentes como teniente de polícia en el largometraje «Laura», de 1944, y como el veterano de guerra Fred Derry en «The best years of our lives», 1946, siendo ésta última la encarnación por la que recibió los mejores elogios de todos los públicos, pero hubo mucho más en su currÍculum en el cine y también en la televisión. Muchos papeles bien llevados adelante, lo hicieron un rostro sumamente conocido de las diferentes pantallas.

Dana Andrews

Dana Andrews

Nueve años más tarde de llegar a Los Angeles se le ofreció su primer papel en el filme «Lucky Cisco Kid», en 1940, en 20th Century Fox. Continuaría con «Kit Carson», y «The westerner», ambas de 1940, y ésta úlima con la presencia de Gary Cooper, como figura central. Inmediatamente, rodó «Tobacco road», dirigida por John Ford, «Belle starr», con Gene Tierney, y «Swamp water», todas de producción 1941, ésta última dirigida por Jean Renoir. Cerró el año 1941 con «Ball of fire», nuevamente junto a Gary Cooper, donde interpretó a un gángster. Se llamó Dana Andrews, astro del cine y la tele.

EN UNA GRANJA EN EL SUR DE MISSISSIPPI

Dana Andrews llegó a éste mundo en una granja cerca de Collins, en el sur de Mississippi, en el condado de Covington, bajo el nombre de Carver Dana Andrews, el 1o. de enero de 1909. Es el tercero de trece hijos de Annis Speed y Charles Forrest Andrews, un ministro bautista. La familia en pleno se mudó posteriormente a Huntsville, en el condado de Walker, Texas, lugar de nacimiento de sus hermanos menores, incluído el futuro actor de Hollywood, Steve Forrest. Dana asistió a la Universidad Estatal Sam Houston en Huntsville, estudiando administración de empresas en Houston. Durante 1931, se trasladó a Los Angeles, California, para buscar oportunidades como cantante. Trabajó en diferentes funciones, como estar en una estación de servicio en la comunidad cercana de Van Nuys.

REGRESO A FOX

Regresando a Fox, Andrews recibió su primer papel principal en el filme «Berlín corresponsal»,1942. Fue coprotagonista en «Crash dive», 1943, y luego apareció en la adaptación cinematográfica de 1943 de «The ox-bow incident» con Henry Fonda, en un papel a menudo citado como uno de sus importantes realizaciones. De vuelta en Fox, Andrews recibió su primer papel principal, en la película B de «Berlín Corresponsal», 1942.

Junto a Virginia Mayo, The best years of our lives, 1946

Junto a Virginia Mayo, The best years of our lives, 1946

Fue segundo protagonista de Tyrone Power en «Crash Dive», «1943, y luego apareció en la adaptación cinematográfica de 1943 de «The Ox-Bow Incident» con Henry Fonda , en un papel a menudo citado como uno de sus mejores en el que interpretó a una víctima de linchamiento. En ese mismo año, 1943, regresó con «The North Star», en 1943, dirigida por Lewis Milestone. Trabajó en un especial película, «The movie», 1943, luego llegaba con»Up in arms», 1944, apoyando a Danny Kaye, «The purple heart», 1944), luego estuvo en «Wing and a prayer», 1944, para Henry Hathaway.

UN EXCELENTE VAQUERO

Al toque, coapareció con Jeanne Crain en el filme «State fair», 1945, y «Fallen angel», también del mismo año. Andrews hizo una película de guerra con Milestone, «A walk in the sun», 1945, y «Canyon Passage», 1946. Dana regresaría con «The north star», 1946, dirigida por Lewis Milestone, y también en el mismo año, «The movie». «The purple heart», y «Up in arms», apoyando a Danny Kaye, en un papel magistral, realmente. Dana contrajo enlace con Janet Murray el 31 de diciembre de 1932. Murray dejó de existir en 1935 como consecuencia de una neumonia. Su hijo, David -1933-1964- fue un músico y compositor que falleció de una hemorragia cerebral. El 17 de noviembre de 1939, Andrews se casó con la actriz Mary Todd, con quien tuvo tres hijos: Katharine, Stephen y Susan. Durante dos décadas, la familia vivió en lago Toluca, California. En los últimos años de su vida, Andrews padeció la enfermedad de Alzheimer. Pasó sus últimos años viviendo en el John Douglas French Center for Alzheimer’s Disease en Los Alamitos, California. El 17 de diciembre de 1992, 15 días antes de cumplir sus 84 años, Dana Andrews murió de insuficiencia cardíaca congestiva y neumonía. Su esposa se fue en 2003 a la edad de 86 años. Más allá de la nostalgia.

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UGO TOGNAZZI: EL ETERNO COMEDIANTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CON PELICULAS DESNIVELANTES

Fue uno de los gigantes de la pantalla grande de Italia. Poseedor de un particular talento para desempeñarse, actuar y hacer reír más que nada, sin dejar para nada de lado el género dramático. Hizo un montón de películas, que le dieron un título reconocido por todos los públicos hasta hoy en día: el eterno comediante. Al lado de Vittorio Gassman, Marcello Matroianni, Alberto Sordi, Vittorio De Sica, Nino Manfredi, se encuentra su nombre en las marquesinas del cine de ayer y de hoy. Verdadero acaparador de horas de estrenos, continuados y matinés, Ugo Tognazzi, es la imagen cinematográfica de las salas con aroma a celuloide. Con películas desnivelantes: «El magnífico cornudo», 1964, junto a Claudia Cardinale, «Satyricon», 1969, «Pato a la naranja», 1974, y «La jaula de las locas», 1978, filme de taquilla, siendo hasta 1998, el mayor vendedor de entradas en Estados Unidos, como producción de película en otro idioma. Así, con sus encarnaciones, crece de menor a mayor, hasta llegar hasta el lugar más alto, el éxito, y la fama continuada.

Ugo Tognazzi

Ugo Tognazzi

LA PASION POR EL ESPECTACULO

Ugo Tognazzi nació bajo el nombre de Ottavio Ugo Tognazzi, en Cremona, Lombardia, Italia, el 23 de marzo, de 1922. A causa de la profesión del padre, que era inspector de una compañía de seguros, pasó la mayoría de los años de su infancia en varias ciudades de Italia para volver más tarde, en 1936, a su lugar natal Cremona, donde con catorce años, encontró trabajo en Negroni, reconocida fábrica productora de embutidos.
En el tiempo libre, actuaba en una compañía de teatro anexa a la empresa, destinada a las horas posteriores al trabajo de los operarios -su debut teatral ya había ocurrido, cuando tenía sólo cuatro años, en el teatro Donizetti de Bérgamo- Durante la segunda guerra mundial fue llamado al ejército y se dedicó con empeño a organizar espectáculos de variedades para sus compañeros de armas. Después del armisticio del 8 de septiembre retornó a Cremona donde se desempeñó como archivista. La pasión por el espectáculo, sin embargo, lo llevó a abandonar el trabajo y trasladarse, en 1945, a Milán. Aquí participó en una velada para aficionados en el Teatro Puccini tras la cual fue contratado en la compañía teatral de Wanda Osiris.

UN PILAR EN SU ESTILO

Exactamente en 1950 debuta en el cine con una película de Mario Mattoli, «Los cadetes de Gascuña» junto a Walter Chiari. Al año posterior conoce a Raimonde Vianello con quien formará un dueto humorístico de gran suceso de 1954 a 1960 en la recién nacida Rai TV. Inmediatamente llegarían: «La califfa», 1971, «Questa specie d’amore», 1972, y «La tragedia di un uomo ridiculo», 1981, filme que le valió a Tognazzi la Palma de Oro en el Festival de Cannes como mejor actor protagónico. En los años siguientes se autodirigió en «Il mantenuto», «Il fischio al naso», «Sissignore», «Catti vi pensieri», y «I viaggitori della sera». En la década de los ochente se dedicó al teatro, actuando en seis personajes en busca de autor, en «París», 1986, y en «El avaro», 1988. En su vida profesional participó en casi 150 films, compartiendo cartel y escenas, en muchos de ellos, con uno o varios de los ya citados Sordi, Gassman, Mandredi y Mastroianni, como también con otras figuras del nivel de Philippe Noiret, Michel Piccoli, Claudia Cardinale, Ornella Muti, Catherine Deneuve, Monica Vitti o Mariangela Melato, entre otras. Asimismo, trabajó junto a los grandes pesos pesados de la comedia que le precedieron, como Totò, Peppino De Filippo, Tina Pica o Aldo Fabrizi y a los que habrían de sucederle, como Paolo Villaggio o Renato Pozzetto.

Publicidad automovilística, 1957

Publicidad automovilística, 1957

CUATRO HIJOS LIGADOS AL CINE

Tuvo cuatro hijos, ligados todos ellos, de un modo u otro, al cine.
El primero, el actor y director Ricky Tognazzi, con la actriz Pat O’Hara, nacido en 1955.
El segundo, el director y productor Thomas Robsahm, con la actriz Margarete Robsahm, nacido en 1964.
De su posterior pareja con la actriz Franca Bettoia, con quien se casaría en 1972, llegaron a éste mundo, el actor Gianmarco Tognazzi y la asistente de dirección y directora Maria Sole Tognazzi. Lamentablemente, dejó de existir el 27 de octubre de 1990 en Roma, a los 68 años, víctima de una hemorragia cerebral. Más allá de la nostalgia.

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ESTELA MOLLY: BELLEZA E IMAGEN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA MUCHACHA DEL APELLIDO DIFICIL

Perteneciente a una familia de actores, hija de la actriz Noemí Laserre, y criada por ella y por su padrastro Ricardo Lavié, que verdaderamente influenció en su vida y en su carrera artística, guiandola hacia el futuro y sugiriéndole que debía hacer para convertirse en una profesional de la escena y el espectáculo. De casualidad, siendo una niña, cuando estaba en la escuela, la pequeña ascendió por primera vez a un escenario cuando un sábado la llevaron a ver a sus padres al teatro Boedo, y quiso el destino que una de las actrices tuviera un ataque de apendicitis, y allí le dieron la oportunidad de reemplazarla en su papel. De esa forma, de manera inesperada la muchacha del apellido difícil se inició en su exitosa y extensa ruta en el teatro, cine y televisión. Más adelante fueron Esteban y Juan Serrador quienes la convocaron para integrarse a una temporada en Mar del Plata en la obra «No es fácil ser mujer», de Peter Schaffer. Se llamó Estela Noemí Nefimar Mayranx, conocida como Estela Molly. Estela Molly. 1

DE BRILLO Y COLOR

Estela Molly nació el 19 de agosto de 1943, en Buenos Aires. De chica admiraba a sus padres artistas y siempre le agradó el medio donde se movían, de brillo y color permanente. Estela Noemí se inició en la tele en el viejo Canal 9 Libertad, de la vecina orilla, en 1960, cuando recién cumplía sus 17 años, con un pequeño papel en «El fantasma de la ópera», una miniserie adaptada por Luis Peñafiel de la obra de Gastón Leroux, puesta en escena y actuación de Narciso Ibáñez Menta y dirección de Marta Reguera. Ese mismo año tuvo el protagónico en otra serie realizado por el mismo equipo para la pantalla chica. ¿Es Ud. el asesino? En 1961, nuevamente junto a Ibáñez Menta, estelarizó en 1961, con Milagros de la Vega, la versión para televisión de la novela «Ceremonio secreta» de Marco Denevi, lo que le brindaron varias distinciones por su gran desempeño. Se mostró en teleteatros: «Las rosas abren de noche», «Las solteras», «Salto a ciegas», «Los días oscuros», «El hombre que trajo el mar», «En casa de los Videla», con Malvina Pastorino, Sergio Renán y Susana Rinaldi, «Su comedia favorita», con Guillermo Bredeston, «Sátiro», con Narciso Ibáñez Menta, «Alta Comedia», con Raúl Rossi en una versión de «Los miserables» y «Todo es amor» con Jorge Luz, Osvaldo Brandi y María Valenzuela.

FUE PRIMERA FIGURA CON OSVALDO PACHECO

Fue primera figura en «Viernes de Pacheco» donde fue figura estelar acompañando al reconocido actor Osvaldo Pacheco. Continuó con
«Querer y cerrar los ojos», «Retazo», «La peor del colegio» y «Con el agua en las manos». En las tablas, se destacó en «Ejercicio para cinco dedos», dirigida por David Stivel en Teatro Lola Membrives, junto a actores de la talla de Elina Colomer, Santiago Gómez Cou, Walter Vidarte y Guillermo Bredeston. Posteriormente ingresó al elenco del Teatro Nacional Cervantes para distinguirse en diversas obras, «Los invisibles», de Gregorio de Laferrère, «Donde la muerte clava sus banderas», de Omar del Carlo, «La verdad sospechosa», de Juan Ruiz de Alarcón, y «La dama boba», de Lope de Vega, dirigida por Esteban Serrador.
ROSTRO CONOCIDO EN MUCHAS PELICULAS

Integro el elenco y fue rostro conocido en muchas películas: «El Club del Clan», 1964, «Cleopatra era Cándida», 1964, «Ritmo nuevo, vieja ola», 1964, «Fiebre de primavera», 1965, ·»Los hipócritas», 1965, «Muchachos impacientes», 1966, «Ritmo, amor y juventud», 1966, «Como seducir a una mujer», 1967, «Coche, cama, alojamiento», 1968, «La familia hippie»,1971, «Amante para dos», 1981, «La mayoría silenciada», 1986, «Génesis», 2006. Por su actuación en «La mayoría silenciada», dirigida por Zuhair Jury, recibió un galardón en un festival provincial. Estela Molly, una referente de la escena argentina, lamentablemente dejó de existir a los 73 años, luego de sufrir serias complicaciones de salud, el 13 de agosto de 2017. Estuvo casada con Sergio de los Santos, antiguo camarógrafo de Canal 9 y predicador. Más allá de la nostalgia.

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LET IT BE: 50 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EL HIMNO DE THE BEATLES

Considerada una de las mejores canciones de la historia, «Let it Be», en la fecha cumple cincuenta años de su aparición. Fue en marzo del año 1970, cuando se produce el lanzamiento del himno de Los Beatles. Un tema impresionante que los genios de Liverpool supieron registrar en los estudios de Apple Records, su propia empresa.

Paul en momentos de registrar Let it be

Paul en momentos de registrar Let it be

Esta dentro de la lista de las canciones más importantes de todos los tiempos, según Billboard, Record World, y más. La historia de la música afirma que es una de las más grandes. Cincuenta años no es poca cosa, para «Dejalo ser», un verdadero hit de todos los tiempos. Es la más representativa del álbum que lleva el mismo título, junto a «The long and winding road» y «Get back». Compuesta por Paul McCartney y editada como disco simple, trepó al primer puesto en USA y segundo lugar en el Reino Unido. También fue número uno en charts de Noruega, Suiza, Australia, Canadá, Nueva Zelanda, Países Bajos, y en tantos sitios. Ocupa el casillero 179 de «Las 1000 mejores canciones de siempre» de la publicación Q Music, así como el No. 20 de las «500 canciones más grandes de todos los tiempos» de Rolling Stone.

SE ESTRENO EN LA AZOTEA DE APPLE

Cuando el disco se estaba registrando en el estudio de grabación, se ideaba que su nombre fuera «Get back», razón por la cual éste tema fue estrenado y tocado por única vez en vivo, en el famoso concierto en la azotea de Apple, pero finalmente la pieza fue postergada hasta 1970, momento en el que los cortes originales fueron reeditados por Phil Spector, quien se había encargado de la producción por deseo propio de John Lennon. Ocurrió en ese instante que los cuatro de Liverpool decidieron que la placa se llamaría «Let it Be», debido a un tema de orden estrictamente musical. «Let it Be» también fue el nombre de la película documental del cuarteto haciendo sus temas en el estudio de Apple y en la terraza. El tema creado por McCartney, lo desarrolló en letra y melodías, tras soñar con su madre, que había fallecido cuando el ex-Beatle tenía 14 años. En el lado B del sencillo está «You know my name (Look up the number)», que si bien logró difusión simplemente acompañó el suceso eterno del lado A.

GRABADO EN ENERO, 1969

Se grabó exactamente el 31 de enero de 1969, con Paul McCartney tocando el piano, John Lennon en el bajo, Billy Preston en órgano Hammon, George Harrison en guitarra, Ringo Starr en batería, Linda McCartney, coros y piano. Entre preparativos y producción el tiempo pasó, y en marzo de 1970, Phil Spector volvió a mezclar el tema para el álbum «Let it Be».

The Beatles meses antes de grabar el tema

The Beatles meses antes de grabar el tema

Glyn Johns mezcló la canción el 28 de mayo de 1969 para el «Get Back Album», pero esta versión nunca fue publicada. Johns volvió a utilizar la misma mezcla el 5 de enero de 1970 para el álbum oficial pero la versión tampoco fue utilizada.
Otra versión vió la luz en el álbum «Anthology 3», editado el 28 de octubre de 1996. En 2003 con «Let it Be… Naked» se presentó otra toma diferente. Por último en 2009 salió un «Dejalo ser» remasterizado, cambiando sonidos de guitarra y piano.

LAS RADIOS LA PASARON CONTINUAMENTE

Las emisoras estadounidenses y del Reino Unido tocaron incesantemente la canción, siendo muy aceptada por los disc-jockeys y críticos en general. En su mayoría la fueron anunciando como la balada más popular y bonita de Los Beatles. Si bien en las placas se menciona como autores al dúo McCartney-Lennon, éste último negó haberla escrito ni colaborado en la autoría.
«Es un tema bien de McCartney, que bien podría haber tocado con Wings; tiene su estilo, su sello, es de su inspiración y nada más.. « dijo en rueda de prensa, Lennon. Ante 700 personas, Paul McCartney, George Harrison, y Ringo Starr cantaron «Let It Be» durante el funeral de Linda McCartney en St Martin in the Fields, una iglesia anglicana situada en la esquina de Trafalgar Square, en la Ciudad de Westminster, Londres, en 1998.
«Let it Be» ha sido versionada por muchísimos artistas, la primera en ser publicada, incluso antes que la original de Los Beatles, fue realizada por Aretha Franklin, en enero de 1970, en el álbum «This girl’s in love with you», junto con una versión de «Eleanor Rigby».
Gladys Knight and The Pips la hicieron en el álbum tributo «Motown sings The Beatles». Más allá de la nostalgia.

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HUGO MARCEL: DE TANGUERO A CANTANTE MELODICO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DEBUT EN EL DOS POR CUATRO

Gregorio Horacio Cárpena llegó a éste mundo el 24 de enero de 1942, en barrio Villa Luro de Buenos Aires, Argentina. Allí, donde se respiraban aires tangueros, comenzó a gustarle el dos por cuatro, escuchándolo a través de la radio que encendían sus padres, para el regocijo de la familia entera. Bajo el influjo de aquellos intérpretes de esos tiempos, se inició bajo el nombre artístico de Hugo Marcelino, en el año 1957, ingresando a la orquesta de Leopoldo Federico, como niño precoz a los catorce años de edad. Inmediatamente formó parte de un número tanguero junto a Elsa Rivas y Roberto Rufino, debutando por Canal 9 Libertad y actuando en un referente del tango, Cafe Richmond. El asunto se estaba caminando bien, y así fue que una audición especial emitida por Radio Belgrano, recibe el padrinazgo artístico de Azucena Maizani y Alberto Marino, pero a fines de 1958 la agrupación de Rufino, Rivas, Federico, lamentablemente se desintegra.

MIGUEL CALÓ LO LLEVA A SU ORQUESTA

Hugo Marcel

Hugo Marcel

El maestro Miguel Caló lo contrata para llevarlo a su orquesta. Al final no alternó mucho tiempo en esa agrupación, si realizó junto al destacado músico diferentes presentaciones en eventos, bailables y en fonoplateas radiales, no llegando a grabar ningún tema. En 1962 fue llamado por Osvaldo Fresedo para ser vocalista de su orquesta, en la que ya estaba el cantor Carlos Barrios. Allí definitivamente deja de llamarse Hugo Marcelino para convertirse de manera definitiva en Hugo Marcel. Fue aconsejado por su propio padre y Fresedo. Tenía 15 años y ya atravesaba un excelente momento, actuando en todos los clubes importantes: Comunicaciones, Náutico de Olivos, Regatas, Lugano Tennis Club y más. También marcó presencia en los bailes de Confitería Nino, de Vicente López y las elegantes veladas del dos por cuatro del Plaza Hotel y del Alvear Palace Hotel.

GRABA SU PRIMER DISCO

El 12 de enero de 1959, Hugo Marcel registra un disco por vez primera. Los tangos seleccionados fueron «Que lejos de mi Buenos Aires», y «Después del carnaval», pieza que había sido un éxito años atrás en la voz de Ricardo Ruiz. La orquesta con Marcel, es promovida por Canal 7, y en los prestigiosos «Sábados Circulares» de Nicolás «Pipo» Mancera, en Canal 13, llegando a interesar al gran público. Tres años más adelante, en 1962, cuando el trabajo para los cultores de la música ciudadana había bajado, Marcel toma otros caminos y comienza a incursionar en el lineamiento melódico. De la noche a la mañana consigue la consagración como solista nternacional, siendo acompañado por los mejores arregladores y directores de bandas multitudinarias: Waldo de los Ríos, Buby Lavechia, Oscar Toscano, Horacio Malvicino y Lucio Milena. Pero, no tardó demasiado en volver al tango, según el «el amor de toda mi vida».

Promoviendo su disco

Promoviendo su disco

LO CONVOCA EL MAESTRO MARIANO MORES

1964, fue otro año muy bueno para Marcel. Lo llama el talentoso maestro Mariano Mores para cantar en su Orquesta Lírica Popular junto a Susy Leiva. Con Mariano tuvo la oportunidad de realizar destacadas tournés por el interior de Argentina y llegar a la pantalla chica en excelentes producciones. Con la banda estelar de Mores graba «Tan solo un loco amor» y «Viejo Buenos Aires», que son continuamente promocionadas por las radios porteñas. Se convierte en figura en «Grandes valores del tango» con Silvio Soldán. Ese mismo año, debido a las ofertas que se le hicieron de todos los medios, no tuvo más remedio que abandonar la orquesta de Mores. Entre 1969 y 1974, su carrera se repartió entre el repertorio melódico y el tango.Su notable show melódico. 2 En 1971 protagoniza «Así es Buenos Aires», una película de comedia romántica dirigida por Emilio Vieyra, bajo el guión de Salvador Valverde Calvo, compartiendo estelares con Soledad Silveyra, Susana Giménez, Víctor Bó y Ricardo Bauleo. El filme se rodó en blanco y negro, y allí Marcel interpreta «Niña mujer», «Hoy he visto pasar a María», «Nostalgias», «Por quien llora Soledad» y «Que falta que me haces», hits que a través del tiempo perduran en el repertorio del cantante.

GIRAS POR EL EXTERIOR

Llegaron giras, más discos, presentaciones en Festivales de la Canción, y otra películas, manteniéndose Hugo Marcel en actividad hasta hoy en día.
Tiene 78 años, y es un referente del canto melódico y tanguero argentino. Su esposa es Dolores Martha Barros «Lolita», con la cual tiene un hijo, Christian.

Marcel, primero a la izquierda con elenco de Así es Buenos Aires, 1971.

Marcel, primero a la izquierda con elenco de Así es Buenos Aires, 1971.

Más allá de la nostalgia.

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DEPRISA DEPRISA: LA PELICULA QUE MARCO UNA EPOCA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA HISTORIA DE CUATRO AMIGOS

El argumento de «Deprisa, deprisa», cuenta la historia de cuatro amigos, especialmente la de la pareja formada por Ángela y Pablo, la mayoría de ellos provenientes de un ambiente marginal y que encuentran diversión y una salida fácil en los robos a mano armada.

Una historia de delincuentes juveniles

Una historia de delincuentes juveniles

Asaltos que poco a poco se van convirtiendo en golpes más grandes y arriesgados. Entretanto, los cuatro llevan una vida apática y donde únicamente se dedican a ver pasar el tiempo, disfrutar de su compañía y utilizar las drogas como vía de escape. Un reflejo claro del impacto y generalización del uso de la heroína en la España de fines de los años setenta y principios de los ochenta. La trama cuenta que la falta de expectativas de este grupo de delincuentes juveniles, cuatro en total, es suplida por el dinero fácil y las drogas. «Deprisa, deprisa» es una película dirigida por Carlos Saura, de 1981, que marcó toda una época.

Carlos Saura, director del filme

Carlos Saura, director del filme

UN REPARTO NO PROFESIONAL

El reparto del filme estuvo formado por actores que no eran profesionales del área de Villaverde, en el sur de Madrid. Dos integrantes del elenco fueron a la cárcel por diferentes delitos durante el rodaje, causando un gran revuelo entre los críticos cinematográficos y el público en general. Producido por Elias Querejeta, bajo un guión de Blanca Astiasu y Carlos Saura, los protagonistas fueron: André Falcon, Yves Barsacq, José Antonio Valdelomar, Yves Arcanel, y Berta Socuéllamos Zarco. Se estrenó en España y en todo el mundo en 1981 -en algunos sitios llegó después- éste drama y cine de crímenes, de 99 minutos de duración, en colores. La cinta es una cruel existencia de una generación abatida, que lucha para encontrar una salida en una España que salía recién de una fuerte dictadura, luego de cuarenta años, haciendo su paso hacia la democracia. Bajo ese panorama se aprecia a Angela y Pablo, viviendo más allá de todo un apasionante romance, que explota, golpea la pantalla, y a los espectadores, por su marcado apasionamiento, y por la fuerte realidad por la cual atraviesan.

LA CORNISA DE LA MUERTE

«Deprisa, deprisa» marca y muestra las cicatrices de una vida sombría que buscan éstos jovenes asaltantes, pretendiendo salir equivocadamente de las situaciones, aspirando a conseguir un dinero mal habido, caminando sobre la cornisa de la muerte, ante cada robo. El director Carlos Saura describió la película como una historia romántica, en el sentido histórico de la palabra, como lo expresa la perspectiva del siglo XIX, que expresaba rebeldía ante la sociedad y sus reglas. En el film, los cuatro protagonistas se rebelan contra un sistema que rechazan y por el que también han sido rechazados.
Más allá de la crueldad, y de lo que ésta producción cinematográcia ofrece, se rodó con un bajo costo, y obtuvo millones de recaudación, con notables taquillas alrededor del orbe.
Mientras las escenas transcurren se escucha permanentemente el tema central de la banda original de sonido, «Me quedo contigo» de Los Chunguitos, una de las canciones célebres en la historia de la música española, a través del tiempo.
Escrita por Enrique Salazar y Crescencio Ramos Prada -integrantes del grupo- editada por primera vez en 1980, formando parte del álbum «Pa ti y pa tu primo», de Los Chunguitos, de liquidaciones fabulosas por derechos de autor. El final de la película con el tema completo de fondo, es uno de los puntos altos de la película de Saura.

A 39 AÑOS DEL «OSO DE ORO»

Un día como el de hoy, 24 de febrero, pero de 1981, «Deprisa, deprisa» lograba el «Oso de Oro» de Berlín. Hace 39 años. Fue el mayor suceso del productor Elias Querejeta durante sus quince años de colaboración con Carlos Saura.
Sin embargo, hubo algunos periodistas de espectáculos que catalogaron la película como una de las peores en la extensa filmografía de Carlos Saura.
En Francia y Alemania Occidental se prohibió al considerar que glorifica la violencia y la cultura de las drogas. Posteriormente, fue admitida en ambos países.
Al fin y al cabo se trataba de una película. Editada en VHS y DVD, no logró demasiadas emisiones por señales de cable. Más allá de la nostalgia.

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KIM NOVAK, UNA ESTRELLA HOLLYWOODENSE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

CON «PICNIC» SALTÓ A LA FAMA

Se llama Marilyn, pero el estudio cinematográfico se lo cambió, para que no hubieran comparaciones entre ella y Marilyn Monroe. Ella insistió que su apellido fuera el propio, de forma que finalmente todos lograron un acuerdo en que se llamara Kim Novak. Estudió actuación en College State, y salió a la luz inmediatamente en lo que fue su cinta debut, «Pushover» con Fred MacMurray, en 1954. Aunque su interpretación no fue la mejor, los espectadores apreciaron su fineza y humanidad, de manera que meses más tarde retornó con otra película,
«Phffft!» junto a Jack Lemmon, también en 1954. Después del estreno de éstos filmes, Kim se hizo sumamente popular, con aprecio distinguido ya por un público fanático de la actriz. Así, salta a la fama con «Picnic», en 1955, resultando un impacto para la exquisita rubia, donde se luce junto a William Holden. Desde ese instante, y luego de ganar el «Globo de Oro» por su trabajo, se multiplican presencias estelares como figura principal haciendo dupla con actores de prestigio, llegan «Pal Joey» y «El hombre del brazo de oro» junto a Frank Sinatra, y «Vértigo» con James Stewart.

Kim Novak

Kim Novak

ACABA DE CUMPLIR 87 AÑOS!

Marilyn Pauline Novak, nació el 13 de febrero de 1933 -acaba de cumplir 87 años!- en Chicago, Illinois, y es hija de Blanche y Joseph, de origen checo. A pesar de que sus padres eran profesores, Kim no fue una buena estudiante. No se sentía a gusto y le molestaba bastante que se le dijera lo que tenía que hacer. Al finalizar sus estudios y siendo ya una adolescente fue a mostrar su figura con vestidos en varias pasarelas de la ciudad como modelo. Era buena en eso, y es por ello que obtiene una beca para convertirse en modelo profesional. Pero, en ese interín hace de todo, es empleada en un super, ascensorista, y hasta secretaria en un centro odontológico. Pero no conforme con eso, retorna a su labor de modelo, que había realizado muy bien. Mientras se va a Los Angeles para intentar mejorar sus ingresos como modelo, comienza a trabajar y un productor de la RKO le ofrece un pequeño papel en un film de 1954. Aunque se trató de un papel diminuto, un agente se fija en Kim y le realiza un casting ante cámaras en la Columbia Studios, que termina muy bien parada, siendo contratada por espacio de seis meses.

JEANNE EAGELS, FILME BIOGRAFICO

Lo próximo de Kim fue «The Eddy Duchin Story», en 1956, interpretando a Marjorie Oelrichs, la esposa del pianista Eddy Duchin, estelarizado por Tyrone Power. Posteriormente se le ofreció una opción para su próximo proyecto, seleccionando el filme biográfico «Jeanne Eagels», 1957, en la que retrató al escenario y a la actriz de pantalla muda que era adicta a la heroína . Protagonizada por Jeff Chandler, la cinta fue un relato en gran parte ficticio de la vida de Eagels. El film alcanzó un suceso de taquilla. La familia de Eagels demandó a Columbia por la forma en que Eagels había sido representado en la película. Y llegarían más y más producciones cinematográficas para Kim. Después de rodar «The Amorous Adventures of Moll Flanders», en 1965, Novak decidió retirarse del cine por un tiempo, y volvió tres años después con «The Legend of Lylah Clare». Actuó en la serie «Falcon Crest», haciendo de Kit Marlowe.
En 1977 rodó con Charles Bronson «El desafío del búfalo blanco», en 1979, «Just A Gigolo», y en 1980 participó en «El espejo roto», adaptación de un relato de Agatha Christie con un largo plantel de estrellas: Angela Lansbury, Elizabeth Taylor, Tony Curtis, Rock Hudson. En 1991 hizo su último filme para la gran pantalla, «Liebestraum», bajo la dirección de Mike Figgis, con quien tuvo una tensa relación durante el rodaje.

VARIOS CASAMIENTOS, MUCHOS AMORIOS

El primer matrimonio de Kim fue con el actor inglés Richard Johnson . Duró 13 meses, desde el 15 de marzo de 1965 hasta el 23 de abril de 1966. Después de su compromiso con el director Richard Quine , se habló mucho de sus relaciones con Sammy Davis, Jr. y Ramfis Trujillo , el hijo adoptivo del dictador dominicano Rafael Trujillo. Salió con Frank Sinatra, Richard Beymer y el actor Michael Brandon. En 1974, conoció a su actual esposo, el veterinario equino Robert Malloy, cuando hizo una visita a domicilio después de que una de sus yeguas árabes estuviera enferma. Han estado juntos desde entonces, y se casaron el 12 de marzo de 1976.
La pareja construyó una casa de troncos a lo largo del río Williamson cerca de Chiloquin, Oregon, donde residen. Hoy retirada de la actuación, es fotógrafa, poeta y artista visual. Más allá de la nostalgia.

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WALTER LANTZ, EL CREADOR DEL «PÁJARO LOCO»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LOQUILLO, EL CARPINTERO

Esta es la historia verdadera de un mecánico que se transformó en caricaturista de la noche a la mañana. La historia de Walter Lantz es encumbrada en realizaciones de dibujos animados, no siendo fácil sus inicios en el rubro, pero creando un personaje cómico sin igual en el rubro de los comics, su vida profesional cambió rotundamente. Ese fue «El Pájaro Loco» -»Woody Woodpecker»- también conocido como «Loquillo», diseñado originalmente por el dibujante Ben Hardaway, autor también de Bugs Bunny y el Pato Lucas, producido por el propio Walter Lantz, en su estudio Walter Lantz Productions, distribuido por Universal Studios. «El Pájaro Loco» vió la luz a fines de los años treinta y se mantuvo hasta 1972 exactamente, que fue cuando Lantz cerró su estudio. Las repeticiones del famoso pájaro carpintero se mantienen hasta el día de hoy en diferentes señales televisivas alrededor del mundo -hasta existe un canal que lleva su nombre y emite todo el día esos dibujos con Lantz presentándolos- habiendo aparecido en determinadas producciones especiales, como el filme ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Se trata de una de las luminarias del séptimo arte de animación que tiene su propia estrella en el paseo de la fama de Hollywood. Loquillo, el carpintero, es una de las caricaturas más famosas y exitosas del mundo de la caricatura de todos los tiempos.

Walter Lantz, 1983

Walter Lantz, 1983

SE LE OCURRIO EN SU LUNA DE MIEL

Al padre de la criatura, Walter Lantz se le ocurrió éste personaje sin igual durante su viaje de luna de miel, en June Lake, California, cuando escuchó a un pájaro hacer ruido en el techo de la casa donde habitaba junto a su flamante esposa Grace. Salió al exterior, trató de ahuyentarlo, y el movedizo pájaro se hechó a volar no sin antes emitir un grito muy particular, algo que luego daría origen a la risa del ave en el dibujo. Este célebre pájaro con animación ha sido gran protagonista de 197 cortos y 350 películas de dibujos. En 1978 la Academia de Hollywood otorgó a Walter Lantz un Oscar Honorífico por su contribución al cine de dibujos y por «El Pájaro Loco». La tira comprendía episodios de veinticinco minutos que presentaba cortos no solo de Woody, sino también de Chilly Willy, Inspector Willoughby -El Bigote que Investiga- Andy Panda, Wally Walrus -Pablo Morsa- y tantos más. En verdad, se hicieron de tanto suceso, que se lanzaron revistas llamadas «de chistes», o comics en Estados Unidos, y también por parte de Editorial Novaro S.A. de México DF., lo que hizo que el inquieto y zarpado pájaro fuera conocido desde el papel, no solamente en territorio mexicano sino en América Latina, toda.

CON DIBUJOS EN EL TALLER

Walter Benjamín Lantz nació el 27 de abril de 1899 en Nueva Rochelle, Estados Unidos, hijo de María Gervasi y Francesco Paolo Lanza, oriundos de Calitri, Italia. Walter, desde pequeño mostró una inclinación por el dibujo artístico, llevando a sus padres a suscribirlo a unos clases por correspondencia a los doce años de edad. Ya adolescente fue mecánico, pero los dibujos con los cuales decoraba artísticamente su taller, llamaron la atención a un cliente, animándolo a estudiar en el New York City’s Art Students League. Asi, prontamente abandonó su taller, instalándose en John R. Bray Studios de Nueva York, permitiéndole dirigir su primer dibujo animado, Dinky Doodle. En 1927 viaja a Hollywood, donde el director Frank Capra lo selecciona como guionista para las comedias de Mack Sennett. Un año más tarde, Walter es contratado para dirigir la serie animada eOswald the Lucky Rabbit, de Universal. Su carrera se hace progresiva y ya en 1935, empieza de productor independiente, suministrando animaciones al Estudio, en vez de solo supervisar el departamento de creaciones.

Con Walt Disney y otros caricaturistas

Con Walt Disney y otros caricaturistas

EN 1940, LA PRIMERA APARICIÓN

En 1940 Lantz logra el debut de «El Pájaro Loco» en un capítulo de Andy Panda, llamado “Knock Knock». A partir de ese momento, su propio Estudio de animación, fue catalogado como uno de los más influyentes en sus realizaciones cinematográficas de dibujos, junto al de Walt Disney y el de Hanna-Barbera. La generación que vió estos dibujos animados conoció y quiso a Lantz como el verdadero creador de «El Pájaro Loco». Hizo varias apariciones donde explicaba como era el proceso de la animación. Para muchos era la primera vez que veían como se creaban esos dibujos. En su retiro Lantz siguió administrando los dibujos del estudio con repeticiones de estos. Incluso continuó dibujando y pintando «El Pájaro Loco», estos trabajos se vendieron rápidamente. En 1982, Lantz donó diecisiete objetos al Museo Nacional de Historia Americana, incluyendo el modelo de madera utilizado en el debut de «El Pájaro Loco». Walter Lantz se casó en dos oportunidades: Con Doris Hollister, de quien se divorció en 1940, contrayendo enlace con Grace Stafford ese mismo año, divorciándose de ella en 1992, logrando un hijo de esa unión. Walter Lantz murió en el centro médico de St. Joseph en Burbank, California, de una insuficiencia cardíaca el 22 de marzo de 1994, a la edad de 94 años. Más allá de la nostalgia.

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AQUELLA ACTRIZ LLAMADA JEAN SIMMONS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

VARINIA, LA MUJER DE ESPARTACO

Una luminaria que brilló en infinidad de filmes, pero su actuación de mujer de «Espartaco», en la película épica del mismo nombre, la llenó de satisfacciones y de un buen pasar. Jean Simmons. 1 El filme rodado en la ciudad española de Alcalá de Henares, concretamente en la Puerta de Madrid, el Paseo de los Curas y los Cerros de Alcalá, cuenta con la actuación de Kirk Douglas -»Espartaco»- Laurence Olivier, John Gavin, Charles Laughton, Peter Ustinov, Herbert Lom, Woody Strode, Tony Curtis, y de la propia Jean Simmons. La cinta posee un argumento donde los esclavos luchan por la libertad definitiva, y de la relación de Varinia -Jean Simmons- con Espartaco, el principal de los esclavos. Basada en la novela histórica homónima de Howard Fast, y dirigida por Stanley Kubrick, galardonada con cuatro premios Oscar, formando parte de los Top 10 en la categoría de «Películas épicas» de AFI’s, fue un suceso de taquilla por las salas cinematográficas del mundo. Jean Simmons, destacada por los especializados del cinéma por el desempeño en «Espartaco», tuvo un antes y un después de ésta producción.

NOMINADA DOS VECES AL OSCAR

Jean Merilyn Simmons, llegó a éste mundo el 31 de enero de 1929 -hubiese cumplido años unos días atrás- en Londres, logró ser nominada en dos ocasiones al premio Oscar.
Entre sus realizaciones se destacan «Hamlet», de Laurence Olivier, «Horizontes de grandeza», de William Wyler, «Después de la oscuridad», de Mervyn LeRoy, «El fuego y la palabra», de Richard Brooks, y la ya nombrada «Espartaco», su más fuerte referencia. Nacida en el barrio londinense de Crouch Hill, desde chica deseo ser actriz y logró debutar en la pantalla grande en su adolescencia, surgiendo en «Give us the moon», 1944, de Val Guest y Caryl Brahms. Su fama en el Reino Unido tampoco tardaría mucho en llegar, ya que su figura se hizo reconocible gracias a su intervención en la película de David Lean «Cadenas rotas» -»Great expectations», 1946- A partir de ese momento, sus apariciones se multiplicarían: «César y Cleopatra», 1945, de Gabriel Pascal, «Narciso negro», 1947, de Michael Powell y Emeric Pressburger, y sobre todo, su interpretación de Ofelia en «Hamlet», 1948, la adaptación de la obra de William Shakespeare dirigida y protagonizada por Laurence Olivier.
Este papel le valió a Jean Simmons la candidatura al premio Óscar de 1948 a la mejor actriz de reparto, que al final no llegó a ganarla, ya que la distinción fue para Claire Trevor por su papel en Cayo Largo.

SE CASA CON STEWART GRANGER

En 1960, al mismo tiempo que rodaba «Espartaco», mientras su fama aumentaba más y más, Simmons se casa con el reconocido actor Stewart Granger, en un matrimonio que dura muy poco. En la década de los sesenta, la actriz comienza a ser habitual en grandes producciones de Hollywood, destacándose por sus participaciones en «Androcles y el león», 1962, de Chester Erskine, «Cara de angel», 1963, de Otto Preminger, «La túnica sagrada», 1963, de Henry Koster, «Sinuhé, el egipcio», 1964, de Michel Curtiz, «Desirée», 1964, de Henry Koster, y «Ellos y ellas», de Joseph L. Mankiewicz. Casi a fines de 1960, contrae enlace con el director Richard Brooks, quien la dirige en «El fuego y la palabra» y «Con los ojos cerrados», por el que Simmons es candidata al Oscar, en la categoría de «Mejor actriz principal». En la década de los setenta, Simmons se centró en la actuación teatral y televisiva. Realizó una gira por Estados Unidos en «A little night music» de Stephen Sondheim , luego llevó el espectáculo a Londres, y así originó el papel de Desirée Armfeldt en el West End.

UN EMMY POR SU CALIDAD INTERPRETATIVA

Encarnando a Fiona «Fee» Cleary, en la miniserie «The thorn birds», 1983, logra una distinción Emmy por su papel de calidad. Apareció en «Norte y sur», 1985, y protagonizó «The dawning», 1988, con Anthony Hopkins y Hugh Grant.
Por esos años también reapareció en una nueva versión de «Great expectations», 1989, ésta vez desarrollando la encarnación de Miss Havisham, la madre adoptiva de Estella.
Lamentablemente, Jean Simmons dejó de existir de un cáncer de pulmón en su casa de Santa Mónica, el 22 de enero de 2010, nueve días antes de cumplir sus ochenta y un años. Sus obras cinematográficas eternas aparecen dos por tres en los cables del séptimo arte, otorgándole vida a sus personajes.
Más allá de la nostalgia.

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LUIS ALBERTO SPINETTA: POETA DE LOS SETENTA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

INSPIRADO y FANTASIOSO

Postrimerías del año 1969, exactamente el 29 de noviembre, y en las radios argentinas comenzaba a sonar uno de los himnos de la música más grandes de todos los tiempos: «Muchacha, ojos de papel», tema que fue puntapié inicial del rock moderno en el Río de la Plata. De la mano de Almendra, aquel grupo fantástico que marcaría una época, y de la inspiración del guitarrista y compositor Luis Alberto Spinetta. La canción forma parte, al estar dentro del disco «Almendra I», del ranking de la revista Rolling Stone, de los «100 mejores álbumes del rock argentino».

Luis Alberto Spinetta

Luis Alberto Spinetta

Ha sido considerada por la misma publicación y la cadena MTV, como el segundo tema más influyente del rock de la vecina orilla, y la 28o. del rock hispanoamericano. Antes de ser publicada «Muchacha, ojos de papel» fue estrenada en vivo y en directo en un concierto en Teatro Coliseo de Buenos Aires, el 22 de junio de 1969. El tema marcó al «flaco» Spinetta -como le decían- como el gran poeta de los setenta. Desaparecido el 8 de febrero de 2012, hubiese cumplido el pasado 23 de enero, 70 años.

CANTANTE, GUITARRISTA, POETA, ESCRITOR, DIBUJANTE, COMPOSITOR

Nacido en 1950, Luis Alberto considerado hasta hoy en día uno de los más importantes y respetados músicos de América Latina, es el segundo de tres hermanos. Su familia vivía en el barrio de Núñez, y en su casa efectuó Almendra sus primeros ensayos, haciéndolo también Pescado Rabioso. Spinetta comienza a componer canciones desde muy niño, antes incluso de aprender a tocar un instrumento. Cuando aún estaba en la escuela primaria cantó por primera vez en público, casualmente, durante un carnaval en San Miguel de Tucumán, ciudad en la que vivían sus tíos y primos. Así, en los años posteriores se presenta en un concurso de cantantes en el programa de tv «Escala Musical», donde sale segundo, e inmediatamente se integra a Los Larkins, y a Los Sbirros, sumando experiencias, llegando Los Mods, a finales de 1966, cuando Spinetta no había cumlido los 17 años y las bases de Almendra se estaban cimentando. Ya a principios de 1967, Almendra estaba ensayando, cuando apareció otro suceso impresionante, «La balsa» de Los Gatos, con la voz de su creador Lito Nebbia conjuntamente con Tanguito, marcando la apertura de un nuevo lineamiento musical denominado como «rock nacional» o «rock argentino». Dos años más tarde, dentro de esas transformaciones arranca Almendra, con su mensaje, grabando su primer álbum «Almendra I», donde la carátula es un dibujo del propio Spinetta representando a un payaso llorando, donde incluirían «Figuración», «Ana no duerme», «Plegaria para un niño dormido», «Laura va», «A éstos hombres tristes», y la propia «Muchacha, ojos de papel», entre otros. Temas poéticos de letras diversas que llamaban la atención. El disco fue un suceso y consagró a la agrupación. Sin embargo las diferencias artísticas y personales entre sus miembros eran muy importantes, y luego de fracasar la preparación de una ópera rock, el grupo se separó en septiembre de 1970.

Con Almendra

Con Almendra

LLEGA PESCADO RABIOSO

Luego de la desintegración de Almendra, y varias incursiones con Pappo, otro legendario rockero argentino, forma Pescado Rabioso, que se colocaría entre las bandas más destacadas de la música popular argentina, logrando tres formaciones. Inicialmente fue un trío, integrado por Spinetta en guitarra y primera voz, Black Amaya en batería y Osvaldo Bocón Frascino en bajo. Cuando estaban grabando el primer álbum se agregó al grupo Carlos Cutaia en teclados. Spinetta con Pescado Rabioso hace recitales, graba un disco doble y hace interesar a la gente de su propuesta. Al tiempo, Luis Alberto saldría como solista. Desde 1974 a 1976 formaría Invisible. 1977: A 18′ del sol y la Banda Spinetta. Hasta que en 1980 se produce el regreso del magistral Almendra, con el fin de hacer dos recitales en Obras Sanitarias, pero debido al éxito se terminan realizando seis. 1980-1981: Spinetta Jade. 1982: Kamikaze. 1983-1984: Spinetta Jade. 1994-1999: Spinetta y los Socios del Desierto. 2000-2009: Solista en el Siglo XXI. En 2012 graba junto a Amelita Baltar, «Laura va», para el disco de la cantante, «El nuevo rumbo».

RUMBO AL CIELO EN 2012

El viernes 23 de diciembre de 2011, se da a conocer que el «flaco Spinetta», padece de un cáncer abdominal en estado avanzado. Después de una operación de urgencia, permaneció internado durante enero de 2012. El debilitamiento resultado de la intervención, combinado con el desgaste físico provocado por el tratamiento contra el cáncer derivaron en su fallecimiento el 8 de febrero. Se fue rumbo al cielo rodeado de su familia. Dejó aquí su mensaje poético de altura. Fue un grande de la música y del rock. Más allá de la nostalgia.

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A 50 AÑOS DE «WOODSTOCK» EN EL CINE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

TRES DIAS DE PAZ y MUSICA

Agosto 1969, 400.000 almas marcan la historia del rock cuando se reunieron en el estado de Nueva York para presenciar un festival de música para vivar a sus artistas favoritos. Asitieron Janis Joplin, Sly and the Family Stone, Jimi Hendrix, Joe Cocker, The Who, Richie Havens, Joan Báez, Country Joe and the Fish, Crosby Stills & Nash, Ten Years After, John Sebastian, Carlos Santana, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane, entre otros. Las instalaciones quedaron chicas ante semejante concurrencia. Paz, música, sexo, drogas, sin violencias. Al año venidero, 1970, Warner Brós lanzó un documental épico de pantalla múltiple de 70 mm., de máximo brillo editado por Thelma Schoonmaker, con asistencia de Martin Scorsese. «Woodstock: 3 days of peace & music» se convirtió en el lema de la época. Cincuenta años más tarde, que se conmemoran en la fecha, no podría haber un mejor testimonio de aquellas jornadas llenas de sonidos sorprendentes, y de una magia inusitada. El director Michael Wadleigh y su equipo inundan la pantalla con imágenes divididas dobles y triples, audio irresistible y escenas fantásticas para documentar el evento más grande de todos los tiempos en su estilo. Joe Cocker. 2

WOODSTOCK, LA PELICULA

«Woodstock: 3 days of peace & music», llamada por éstos lares «Woodstock, la película», es considerada como punto de referencia de filmes de recitales, por la publicación Entertainment Weekly, y la cataloga como una de las mejores cintas de entretenimiento mejor llevadas a cabo. Dirigida por Michael Wadleigh, la película obtuvo un Oscar al mejor documental de 1970, así como una nominación al «Mejor sonido». También fue exhibida en la edición del Festival de Cannes, 1970, fuera del concurso.
En 1994 fue relanzada una nueva edición de éste film con 220 minutos adicionales. El documento fílmico dejó registrado a gigantes del rock, algunos desaparecidos hace bastante tiempo y otros que han quedado para seguir adelante con sus respectivas y largas carreras. Entre tanto, se mostró a los hippies en su amor a la paz, siendo éste un punto de relación del verdadero nacimiento de dicho movimiento pacífico. En 1994 apareció a la venta una edición especial de la película en la que se agregaron cuarenta minutos e incluye las actuaciones de Cannet Heat, Jefferson Airplane y Janis Joplin omitidas en la versión original. Se agregaron dos números adicionales a la presentación de Jimi Hendrix. Algunas escenas de multitudes en la cinta original fue cambiada por material inédito. Toma aérea del evento. 1

CULTURAL, HISTORICA y SIGNIFICATIVA

En 1996, «Woodstock» fue seleccionada para su conservación en los archivos de National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser cultural, histórica o estéticamente significativa.
El 9 de junio de 2009, se lanzó una edición especial remasterizada del film en formatos DVD y Blu-ray. La edición 40º aniversario se encuentra disponible como un disco doble -edición especial- y un disco triple -edición para coleccionistas- La película fue remasterizada y con audio remezclado. Contiene dos horas adicionales de material inédito, entre ellas las actuaciones de grupos y cantantes como Joan Baez, Country Joe McDonald, Santana, The Who, Jefferson Airplane, Canned Heat, Joe Cocker, así como material de grupos y cantantes como Paul Butterfield, Creedence Clearwater Revival, Grateful Dead, Johnny Winter y Mountain, que no aparecen en ninguna de las versiones anteriores.

50o. ANIVERSARIO DEL DOCUMENTAL

Con la celebración de los cincuenta años de la cinta, varias señales de cable, emitirán una nueva «Woodstock», con más y más imágenes agregadas recordando a aquellos activistas hippies y a diferentes personalidades que habían influído en la realización del festival canoro:
John F. Kennedy, Malcolm X, Che Guevara, Martin Luther King Jr., Mama Cass Elliot, Jim Morrison, John Lennon, Max Yasgur -propietario del terreno donde se hizo el concierto- Abbie Hoffman, Paul Butterfield, Keith Moon, Bob Hite, Richard Manuel, Janis Joplin y Jimi Hendrix. Ocurrió desde el viernes 15 de agosto de 1969, hasta la madrugada del lunes 18 de agosto, en una granja de 240 hectáreas en Bethel, condado de Sullivan, estado de Nueva York, aunque estaba programado para que tuviese lugar en el pueblo de Wallkill, condado de Orange, en el mismo estado de Nueva York, donde los pobladores, sin embargo, se opusieron. Los organizadores también tuvieron la misma experiencia con la sede Saugerties, Nueva York, que había sido seleccionada mientras tanto.
El escritor Elliot Tiber ayudó a negociar a los organizadores con el granjero Max Yasgur, para recibir el concierto en los terrenos de esa familia, 64 km al suroeste de Woodstock. Más allá de la nostalgia.

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LOS 75 DE ROD STEWART: ETERNAMENTE JOVEN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

NI PIENSEN EN EL RETIRO

Su nombre y su estilo se mantienen bien arriba, digamos en la cúspide. Hoy por hoy su disco special de recopilaciones «You’re in my heart» con la Royal Philarmonic Orchesta se pasea en el tope del chart en el Reino Unido. Si comparamos aquel Rod Stewart de principios de los setenta con el de hoy en pleno año 2020, no tiene diferencias, simplemente la edad que recién cumplió: 75 años. Rod Stewart. 1 Tiene la misma personalidad, la voz no la cambió, la interpretación le sale igual, el cabello rubio de siempre y el carácter a veces alegre y por momentos provocador y fanfarrón, que lo ha empujado a veces bien y a veces no tanto, a lo largo y a lo ancho de su interminable carrera en el mundo de la música. Rockero con todas las letras, de muchos himnos en su haber, con infinidad de tournés por el mundo entero, se convirtió auténticamente en una estrella. Dando que hablar como vocalista de The Jeff Beck Group y Faces, se inició como guitarrista callejero, para luego partcipar en The Dimensions y en The Steampacket, en los comienzos de la increíble decada de los sesenta, dando pie al nacimiento a la invasión de grupos británicos a los Estados Unidos. Con su tan especial voz rasposa, sigue tan campante en plena actividad. Así, que por lo pronto, por ahora ni piensen en el retiro.

SU CARRERA SOLISTA

Estando en Faces, Stewart comenzó su carrera solista con el lanzamiento de su primer disco «An old raincoat won’t ever let you down», logrando tener más suerte, que con la propia banda. Al desintegrarse Faces, se dedicó a componer temas y a buscar nuevas canciones para continuar obteniendo sucesos y ventas millonarias desde ese momento hasta el presente. En lo extenso de su trayectoria, cantando solo con su agrupación ha practicado diferentes estilos: new wave, folk, soft rock, soul, blues rock, pop rock, rhythm and blues, disco, white soul, y más. Ha sido distinguido con infinidad de galardones, tales como Premio Brit, Grammy y un testimonial como fundador de la ASCAP -The American Society of Composers, Authors and Publishers- Incluído dos veces en el mismísimo Salón de la Fama del Rock, en 1994 como solista y en 2012 como miembro de Faces, penetrando en el Salón de la Fama del Reino Unido, en 2006. Además, agregamos que sus ventas están llegando a los 200 millones de discos por el orbe, por lo cual ha recibido discos de oro, de platino, de doble platino, entre tantos.
UNA MÁQUINA DE HACER HIMNOS

De a poco fue colocando un sin número de himnos de cada época que convierte a Rod Stewart en un clásico. «Da ya think I’m sexy?», «Maggie May», «Sailing», «You wear It well», «Young turks», «The first cut Is the deepest», «Have you ever seen the rain», «Reason to believe», «Forever young»,»Have i told you lately»,»Downtown train», «Rhythm of my heart», «I was only joking», «All for love», «This old heart of mine»,»Passion», figuran en su máquina de escribir y versionar temas de singular suceso. Ya en 2011, junto a Stevie Nick iniciaron la gira Heart & Soul Tour, por varias ciudades de Estados Unidos y Canadá. En 2012 firma contrato con Universal Music Group para el lanzamiento de su próximo álbum. Lanza su primer álbum navideño, Merry Christmas, Baby, colocando casi tres millones de placas en el mundo durante 2012. Un año más tarde, su disco Time, llega al número uno en Inglaterra. Durante 2012 y 2013 realiza una gira mundial, actuando en el Festival de la Canción de Viña del Mar, Chile. En octubre de 2016, fue nombrado caballero de la Orden del Imperio Británico por Guillermo de Cambridge, título otorgado por la Reina en junio por la celebración de sus 90 años.
En 2017 celebró una serie de conciertos llamados The Hits, varias veces por semana en el Colloseum del Hotel Casino Caesars Palace, en Las Vegas, Estados Unidos. Hay varias fechas anunciadas para 2019.

OCHO HIJOS CON CINCO MUJERES

Rod Stewart o Roderick David Stewart, quien nació el 10 de enero de 1945, en Highgate, al norte de Londres, ha tenido ocho hijos con cinco damas diferentes, y todas ellas excepto la primera, Susannah Boffey, quien quedó embarazada cuando él tenía 17 años, y cuya hija dieron en adopción, continuan estando presentes en su vida. Una familia unida en sistema moderno, la modelo y periodista Penny Lancaster, su pareja actual, madre de Alastair y Alden, Alana Stewart -madre de Sean y Kimberly- Rachel Hunter -madre de dos hijos Renee y Liam- y Kelly Emberg -madre de su hija Ruby- Mujeriego empedernido, catalogado de esa manera por su pasado, actuó una vez en Montevideo, brillando. Más allá de la nostalgia.

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ESTUDIOS SONDOR: RUMBO A LOS 82 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

1938-2020

Allá por los años treinta surgen los Estudios Sondor a raíz del interés del joven Enrique Abal Salvo, por los sistemas de grabación. Actualmente, existen en los archivos «Son d’OR», registros de 1934 realizados por Enrique, cuando tenía 16 años en su grabador de discos. Hacía 1938 ya le ponía la marca «Son d’OR» -Sonido de Oro en francés- a los discos que registraba, tanto musicales, como de publicidad o discursos de políticos. Utilizando sus propios micrófonos y haciendo sus propias consolas de grabación, llevaba adelante el emprendimiento, sosteniendo que en esa época era más facil «hacer que comprar». Tres años más tarde, en 1941 se hicieron los primeros discos prensados en Uruguay, instalando la parte de matrices en los fondos de la residencia de Enrique Abal, y en un taller, con una caldera de tintorería! y una prensa hidráulica, se armó la fábrica.

Don Enrique Abal Salvo, fundador de Sondor

Don Enrique Abal Salvo, fundador de Sondor

DONATO RACCIATTI, ROMEO GAVIOLI y JULIO SOSA

En 1944, ve la luz el sello fonográfico Sondor, con motivo de un concurso de música popular, patrocinado por AGADU, Sondor y Radio Carve, donde se promovían los autores e intérpretes compatriotas.
Así se empieza a grabar y editar comercialmente a Romeo Gavioli, a la orquesta de Donato Racciatti, a Julio Sosa, entre otros. Esos primeros registros los realizaba en una pieza del estudio de Radio Ariel, la emisora de Luis Batlle. Allí instalaba los equipos y luego seguía el proceso en el taller de prensado. En 1943 trasladó el Estudio a los pisos superiores del edificio donde emitía Radio El Aguila, en Plaza Cagancha. A principios de la década del cincuenta se mudó a Río Branco 1536. En ese tiempo se empezó a grabar en cinta magnética y se desarrolló una verdadera multiplicación de los registros de artistas de acá: Amalia de la Vega, Puglia-Pedroza, Washington Oreiro, Miguel Villasboas, y más. Asimismo, de agrupaciones del exterior, como: Armando Oréfiche y sus Havana Cuban Boys, Los Lecuona Cuban Boys, así como orquestas típicas argentinas, en una larga lista.

LA MUSICA BEAT y EL CANTO POPULAR

En los sesenta el ritmo beat acaparó la atención, y bajo el impulso de Enrique Abal, «Quique», hijo de Don Enrique Abal Salvo se grabaron a nuevos artistas como Mateo, Rada, El Kinto Conjunto, Urbano, Aldo y Daniel, y muchos otros que marcaron gran parte de la historia de la música uruguaya. En los setenta, Quique fue el principal impulsor del llamado Canto Popular en nuestro país, llevando a los Estudios a artistas de una nueva generación: Darnauchans, Fossati, Benavides, Larbanois-Carrero, entre tantos. Ya en 1975 se inaugura un nuevo estudio de grabación en la ubicación actual, con un sistema de 24 pistas, siempre con una consola diseñada por Don Enrique Abal, y construída junto con otro hijo suyo, el Ing. Rafael Abal, actual director de Sondor. En los Estudios Sondor han grabado Joan Manuel Serrat, Alfredo Zitarrosa, Pepe Guerra, Jaime Roos, La Vela Puerca, el Cuarteto de Nos, Los Terapeutas, Santiago Chalar, Aníbal Sampayo, Roberto Goyeneche, Hugo y Osvaldo Fattoruso, Armando Manzanero, la Orquesta Filarmónica de Montevideo, la Orquesta Sinfónica del SODRE. Actualmente registran para el sello Sondor: Oscar Ramírez, Carlos Alberto Rodríguez, Sonora Borinquen, Yesti Prieto, La Sabrosura, La Decana, Daniel Bertolone, Eustaquio Sosa, Julio Frade y Alejandro Luzardo.

Las grabadoras AMPEX a cinta

Las grabadoras AMPEX a cinta

EL GRAN ARCHIVO y LOS SONIDOS

El archivo Sondor se ha mantenido desde las primeras grabaciones, gracias al esfuerzo de Don Enrique Abal Salvo, así como la dedicación de otro de sus hijos, Alejandro, que se preocupó de convervar en buen estado esos registros hasta el día de hoy. Pero no sólo se han custodiado sonidos, sino también diseños gráficos de etiquetas, carátulas, y afiches que han expresado las tendencias de su tiempo. Actualmente Sondor se encuentra en proceso de digitalización de su catálogo, ya hay a disposición del público más de 13.000 piezas musicales, a través de los diferentes servicios digitales. Ahora que Sondor va rumbo a los 82 años de vida de las primeras grabaciones, trabaja en la empresa un equipo que incluye miembros de la segunda y tercera generación, hijos y nietos de Don Enrique Abal Salvo, quien dejó de existir en junio de 2008, al filo de sus noventa años. Enrique conservó hasta el final su interés por la empresa y por todos los aspectos técnicos que ésta implica, aportando soluciones sobre la base de la experiencia que adquirió con tantos años de grabaciones a cuestas. Más allá de la nostalgia.

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TRAPPER, EL CIRUJANO DEL EJERCITO DE «M.A.S.H»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UNA DE LAS SERIES MÁS POPULARES
Se mantuvo durante once temporadas en grilla, desde el 17 de septiembre de 1972 hasta el 28 de febrero de 1983, con 251 capítulos en su haber, constituyéndose en una de las series más populares en la historia de la televisión norteamericana, con un verdadero récord en la salida al aire: 125 millones de espectadores. Inspirada en la película del mismo nombre de Robert Altman, de 1970, de la novela de Richard Hooker, siendo sus protagonistas Donald Sutherland y Elliott Gould, logrando la Palma de Oro, Cannes 1970, y un Oscar de Mejor Guión Adaptado. La tira se dirigía a la guerra de Vietnam, que se desarrollaba cuando la serie se estrenó, aunque el argumento se detenía en una batalla anterior, la guerra de Corea, tan violenta como la otra. Se trata de M.A.S.H. -Hospital quirúrgico móvil del ejército- por sus siglas en inglés, basada en un grupo de doctores de un campamento estadounidense que atiende a los heridos en las batallas.

LA EXISTENCIA COTIDIANA
M.A.S.H. sigue la existencia cotidiana de éstos médicos militares que desarrollaban sus funciones en plena guerra. Este conjunto de doctores de gran camaradería son liderados por Capitán Benjamín Franklin «Hawkeye» Pierce, estelarizado por Alan Alda, y por el Capitán John McIntyre «Trapper», encarnado por Wayne Rogers, durante los años 1972-1975, junto con otros personajes que son enfermeras y soldados del campamento.

Wayne Rogers

Wayne Rogers

Durante los tres años de participación en la serie dió mucho que hablar la actuación del que fuera justamente el cirujano del ejército McIntyre, por el actor Wayne Rogers, quien se hizo conocido ante el desarrollo de su interpretación. «Trapper» o «Trampero» entró a los hogares del mundo, ante la sucesión de episodios, donde aparecía su figura manejando diferentes y difíciles situaciones.

EL MÁS QUERIDO DE M.A.S.H
William Wayne McMillan Rogers III, nació en Birmingham, Alabama, se consagró como actor de cine y tele. Su personaje de «Trapper» fue el más querido de M.A.S.H. intercambiando bromas con su compañero de juerga y travesuras en éste caso, Pierce, Alan Alda. Rogers se licenció en historia en la Universidad de Princeton, y se unió a la Marina de los Estados Unidos. Durante su servicio militar, se interesó en la actuación. Debido a «Trapper» obtiene una estrella en el paseo de la Fama de Hollywood en el año 2005. Wayne apareció previamente a M.A.S.H. como invitado en «Los invasores», «F.B.I. en acción», «Combate», «El fugitivo», entre otras tiras y un papel especial en «Cool hand luke», filme de 1967.

Elenco de M.A.S.H, 1974

Elenco de M.A.S.H, 1974

En 1959, logró el papel de Slim Davis en la telenovela «Search for tomorrow». Rogers también tuvo un desempeño en «Odds against tomorrow», nominada al Golden Globe Award, 1960, como la mejor película de Promoción Internacional de Entendimiento. Tuvo su protagónico con Robert Bray y Richard Eyer, en la serie tv western«Stagecoach west», ABC, 1960-1961. En 1965, Wayne estelarizó al teniente del ejército USA, Richard Henry Pratt, el último de Carlisle Indian School, en el epísodio «The journey» del grupo de series western Death valley days. Rogers también protagonizó en 1981 la cinta «The hot touch» de Roger Vadim. Luego llegó «The gig», 1985, desempeñando a un músico aficionado de jazz cuyo grupo tiene la oportunidad de tocar en un resort de Catskills y debe enfrentar el fracaso. También en 1985, protagonizó con Barbara Eden la película de la serie «I dream of Jeaniie»… Fifteen years later basada en la comedia de los años sesenta.

VIDA PERSONAL
En sus años mozos, Rogers conoció a la actriz Mitzi McWhorter en Nueva York a fines de los cincuenta. Se casaron en 1960, tuvieron dos hijos y se divorciaron en 1983. Estuvieron separados durante casi cuatro años antes del divorcio. Rogers se casó con su segunda esposa, Amy Hirsh, en 1988. Lamentablemente, dejó de existir el 31 de diciembre de 2015 -hace cuatro años- debido a complicaciones de neumonia en Los Angeles, California, a la edad de 82 años. Más allá de la nostalgia.

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LOS WAWANCO DE LAS FIESTAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Década tras década desde los sesenta se han caracterizado por ser los más escuchados, disfrutados, y bailados en las fiestas tradicionales. En Salto, Montevideo, o en el pueblo más lejano que sea, Los Wawanco se lucen con sus cumbias tradicionales. Quién no se habrá movido en alguna nochebuena o fin de año con «Nochebuena en mi pueblito», «El niño está con nosotros», «Amor y paz», «Navidad de los pobres», entre otras; seguramente desde épocas de nuestros abuelos -o más para atrás- nos hemos identificado con ésta música tan bonita, cumbia de verdad, simple, pero bien interpretada, de ritmo espectacular. Si de recordar se trata, los queridos Wawanco con la voz de Hernán Rojas, llevan adelante la nostalgia y otros momentos vividos, que hoy los traemos al presente al borde de la emoción. Felicidades con Los Wawanco!… Reyes de la cumbia. 4

LOS REYES DE LA CUMBIA
Aparecieron de la nada en el Gran Buenos Aires. Estudiantes que llegaban a la vecina orilla para continuar con su carrera universitaria, llevando la música en su corazón, tal es así que los muchachos se reunían en sus ratos libres para interpretarla. Ocurrió en el año 1965, cuando en las universidades argentinas albergaban a cientos de estudiantes que llegaban desde todas partes de América Latina. Un grupo de recién llegados con ganas de divertirse se juntaba a tocar muy seguido, hasta que un buen día los contratan por esas cosas de la vida en un restaurante bailable de Vicente López llamado Tom y Jerry, aceptando la invitación del empresario Francisco Trimboli. Llamando la atención por sus camisas floreadas, la primera conformacion de Los Wawancó tuvo a Rafael Aedo Salcedo, Enrique Salazar y Hernán Rojas, desde Colombia, Carlos Cabrera, Perú, Sergio Solar, Chile, y Mario Castellón, desde Costa Rica. Los caballeros presentaron una mezcla de los ritmos de sus países: cumbia colombiana, merengue, salsa, guaracha, y si bien ese fue un comienzo continuaron adelante. Muy pronto los llamarían los reyes de la cumbia. Serían primeros en América, como se promocionan en sus múltiples discos editados.

PRIMEROS EN AMERICA
El nombre de Wawancó deriva del término «guaguancó» que hace referencia a un ritmo musical cubano de fines del siglo XIX -coincidente con el momento de la abolición de la esclavitud en esa isla- Algunos sostienen que su significado representa al carnaval. Luego de aquel show en Vicente López, llegó otro, otro, otro y más, hasta que son contratados por la empresa fonográfica que los lanzaría a la fama EMI Odeón. En sus estudios grabarían los éxitos más importantes de su carrera, que los erigiría en primeros en América: «Villa cariño», «Un sombrero de paja», «Cumbia que te vas de ronda», «La pollera colorá», «La cosecha de mujeres», «El cuartetazo», «Atrévete a mirarme de frente», «El pescador», «El gavilán», «Tiburón a la vista», «Pajarito mañanero», «El palomo y la paloma», «No te vayas corazón», «La banda está borracha», «La arañita de Martita», «Lucerito», «La burrita», entre otros. Antes éstos suceso se acercarían momentos de películas:»Villa Cariño» y «El gordo catástrofe», ésta última junto al gran Jorge Porcel.

HERNAN ROJAS, UN REFERENTE
Hernán Rojas un referente de la banda, la abandonaría luego de momentos de esplendor. Es de notar, que Los Wawancó se hicieron conocidos por el registro de su espectacular voz. Marcó una época, un momento. Hasta que se retiró de la agrupación, llamado a ser solista, iniciando allí otro momento de su trayectoria. Los Wawancó continuaron adelante en sus planes, con más grabaciones, recitales y bailes. Mientras tanto, Hernán aterrizó en Montevideo para agruparse con Los Graduados de Uruguay para realizar un montón de shows, registrando algunos discos además en Sondor S.A. Los tuvieron como primeras figuras de largos e interminables carnavales por todo el territorio uruguayo, grabando varios discos con sus hits más notorios, que se fueron constituyendo en sendos discos de oro.

JOSE OSCAR «TACO» MORALES
Exactamente en 1969 ingresa en Los Wawancó ante la ausencia de Hernán Rojas, el cantante oriundo de Mar del Plata, José Oscar «Taco» Morales, con las que serían sus primeras grabaciones: «Bucaramanga» y «Daniela la del Palmar». Taco había sido integrante originario de «El Club del Clan» junto a Chico Novarro y Palito Ortega, entre otros destacados. Fue componente del conjunto hasta el año 1990 y falleció en noviembre de 2006. Hernán Rojas dejó de existir el 7 de octubre de 2001, reconocido por su gran carisma y afabilidad. Hernán le cantó al amor, al paisaje de su tierra colombiana y a los niños, siempre llevando un mensaje de paz y alegría. A través de él la música colombiana se ha escuchado y difundido por los cinco continentes, donde siempre destacó con orgullo su origen cartagüeño y colombiano. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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LA DURA BATALLA DE MARIE FREDRIKSSON

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Se llamó Gun-Marie Fredriksson, nacida en Suecia, el 30 de mayo de 1958, conocida artísticamente como Marie Fredriksson, y fue una cantante y compositora sueca conocida por ser la voz femenina del dúo pop Roxette junto a Per Gessle. En el año 1992 los famosos artistas se presentaron en el Estadio Centario de Montevideo, ante un lleno practicamente total. Marie era hija de Charles Gösta Fredriksson -1914-1981- y de Inez Dagmar Hoffer -1922-1998- Tenía tres hermanas, una de ellas, Anna-Lissa Fredriksson -1945-1965- falleció a los veinte años en un accidente de tránsito. Desde temprana edad tuvo relación con la música. En su juventud, formó dos bandas: Strul y Mamas Barn, sin embargo el reconocimiento en su país llegaría después, cuando se dedicó por completo a su carrera solista. Marie Fredriksson. 1

SU PRIMER ALBUM
Su primer álbum «Het vind» fue un gran éxito en 1984. Posteriormente Den Sjunde Vågen la consagró como una artista de renombre en Suecia. En 1986 comenzó su trabajo en Roxette, pero no del todo segura del suceso de este proyecto internacional, decidió seguir con su carrera en solitario, y en 1987 lanzó su tercer álbum, «Efter stormen». Sin embargo, Roxette comenzaba a tomar forma. En 1989 el sencillo «Sparvöga» representó el último hit como solista de la década de los ochenta. Esta balada fue un gran impacto en Suecia, pero Marie no tenía tiempo para un nuevo álbum, ya que el éxito de Roxette y las giras internacionales no le permitieron centrarse en su carrera en solitario, hasta que en 1992 regresó con el lanzamiento de «Den standiga resan», que colocó más que cualquier otro disco de Marie. Una gira por Suecia la llevó al reencuentro con sus más fieles seguidores. Ya más acostumbrada a las agendas de Roxette y a lo que significaba ser parte de un número internacional, Marie regresó en distintas ocasiones. En 1996 «I en tid som vår» nuevamente logró buenas ventas y tres sencillos del álbum mantienen su carrera en la cima. El disco «Äntligen – bästa» 1984-2000, editado en 2000, recopiló los mejores hits de Marie. Incluye además dos nuevas canciones: «Det som var nu», una balada cantada a dúo con Patrik Isaksson y el tema que da nombre al álbum, «Äntligen», inició una nueva gira por Suecia y el impacto llevó a más de cien mil personas a asistir a sus conciertos. Aquel recopilatorio de grandes éxitos vendió más de trescientos mil discos en Suecia.

UNA CAJA DE CINCO ALBUMES
En 2002 salió al mercado mundial una caja que incluía los cinco álbumes de estudio de Marie grabados entre 1984 y 1996 más un disco con sus mejores temas en directo tourné «Äntligen, 2000». En septiembre del mismo año, Marie iba a embarcarse junto a su compañero Per Gessle en una serie de conciertos sinfónicos, pero un acontecimiento hizo que este y muchos planes cambiasen de rumbo. Horas antes de conceder una conferencia de prensa, Marie Fredriksson se desmayó en su hogar y fue hospitalizada. Al día siguiente, después de una serie de estudios, se le diagnosticó un tumor cerebral, la noticia conmocionó no sólo a sus seguidores, sino también al mundo entero.
Semanas más tarde, Marie fue intervenida quirúrgicamente y el tumor fue extirpado por completo. Si bien la operación fue un éxito, la gran cantante fue sometida a un estricto tratamiento con el fin de evitar otras nuevas formaciones de cáncer. Como secuela de dicha operación, Marie perdió la capacidad para leer y cantar, teniendo que aprender de nuevo. Durante casi dos años permaneció lejos de la escena musical, dedicándose por completo a su familia y recibiendo el tratamiento. A lo largo de ese lapso, escribió y grabó un álbum, «The change», que refleja todos esos momentos vividos.

EL REGRESO DE MARIE
«The change» marcó el regreso de Marie, pero esta vez en inglés, debutando así en el mercado internacional. En 2007, Marie volvió a la escena, interpretando cuatro temas en el disco debut de su esposo, Mikael Bolyos, «A family affair». En dicho lanzamiento se incluye finalmente la canción «Hometown», que originalmente fue grabada en 1996 para la banda sonora de la película sueca «Such is life». Por razones desconocidas, dicha banda sonora nunca salió a la venta. En enero de 2011 se produjo el retorno de Roxette, con el sencillo «She’s got nothing on (But The Radio)», que forma parte de la produccion «Charm school». Disco con el cual comenzaron una nueva gira mundial que los llevó por los cinco continentes y que duró hasta 2012. Ese mismo año lanzaron «Travelling», un disco en el que se mezclaron canciones en vivo y de estudio. No obstante el 19 de abril de 2016, se produjo la cancelación de la tourné mundial por el 30o. aniversario del dúo, debido a problemas de salud de la cantante, a la que sus médicos aconsejaron que no viajara. Luego de una dura batalla contra el cruel cáncer, el pasado 9 de diciembre, Marie dejó de existir en su bunker de Djursholm, Estocolmo, a los 61 años de edad. Con su pareja, Mikael Bolyos tuvo dos hijos: Inez Josefin y Oscar Mikael. Más allá de la nostalgia.
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LOS JUVENILES 103 AÑOS DE KIRK DOUGLAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN CUMPLE TRANQUILO y EN FAMILIA

No es un cumpleaños más, son 103 años los que está cumpliendo uno de los actores más famosos de Hollywood de todos los tiempos, Kirk Douglas. Kirk Douglas, 2019. 1 El caballero más longevo del cine norteamericano, nacido un día como el de hoy 9 de diciembre, pero de 1916, en Nueva York. Reconocido por infinidad de estelares en películas, entre las que se destacan «El loco del pelo rojo», haciendo del pintor Vincent van Gogh y «Espartaco», fllme de Stanley Kubrick, entre otras. Hizo de ganster, policía, esclavo, vaquero, militar y más, resaltando siempre con muy buenos trabajos. Por su extensa y reconocida carrera le entregaron un Premio Oscar Honorífico en 1996, padre del también actor Michael Douglas. En 1954 Kirk participó en la superproducción de Walt Disney «20.000 leguas de viaje submarino», por la que ganaría 175.000 dólares, cifra récord en aquellos tiempos. En los años posteriores participó en producciones como «La pradera sin ley», de King Vidor y «Hombres temerarios», de Henry Hathaway. En 1955, Douglas fundó su propia productora cinematográfica, Bryna, llamada así en honor a su madre, y realiza su primera cinta como productor: «Pacto de honor», dirigida por André De Toth. Si bien en los cumple de los años 100 hasta 102 fueron super fiestas sorpresa organizadas por Michael en honor a su padre, ésta vez le pidió Kirk a su hijo, que solamente deseaba un cumpleaños tranquilo en familia, con una simple cena. Eso será lo que le espera ésta noche, al ícono del séptimo arte. Muy feliz aniversario!!…

VENDIA REFRESCOS y DULCES

Los padres de Kirk Douglas eran campesinos judíos, procedentes de Chavusy, región de Maguilov, en el Imperio ruso -actualmente en Bielorrusia- El padre de Douglas, Herschel Danielóvich, se ganaba la vida vendiendo alimentos y madera en las calles de Amsterdam, Nueva York, pero eso no alcanzaba para mantener a seis hijas y un hijo varón, por lo que Kirk tuvo que empezar a trabajar desde muy joven, pues aún iba al colegio. En aquel entonces vendía refrescos y dulces en la calle y también repartió periódicos durante una temporada. Su padre abandonó el hogar cuando Kirk tenía cinco años. Kirk tuvo su primer contacto con el mundo de la actuación en la escuela primaria y en el instituto de educación secundaria Wilbur Lynch High School, donde obtuvo una medalla por recitar el poema «Across the Border». En ese tiempo se inició en la oratoria y el debate, uniéndose al equipo del instituto. A los 17 años culminó la secundaria y quiso matricularse en la universidad, pero su salario no le alcanzaba para ingresar. Aun así, Douglas decidió solicitar su admisión en la St. Lawrence University de Nueva York directamente al decano, que le aceptó en la universidad a cambio de que Douglas trabajase allí como jardinero y posteriormente como bedel, mientras estudiara allí.

CUATRO AÑOS DE UNIVERSIDAD

Hizo cuatro años de universidad, y se destacó en otras actividades, en especial en lucha libre, llegando ser campeón invicto del St. Lawrence y ganador del «Campeonato de lucha libre universitario». Se dedicó también al debate y al teatro, uniéndose al grupo de teatro de la universidad The Mummers. Durante un verano participó en un número teatral de una feria, actuando como luchador, como el propio Kirk Douglas describió: «Teníamos un número donde yo era un chico del público que salía al escenario para enfrentarse al campeón. A efectos interpretativos fue un gran aprendizaje». Tras graduarse en la Universidad de St. Lawrence consiguió una beca en la Academia Norteamericana de Arte Dramático de Nueva York, lugar en el que permaneció hasta 1939, con 23 años de edad. Durante su estancia allí, Kirk impartía clases de arte dramático a los niños del centro y durante los veranos, trabajaba en teatros veraniegos como actor de reperto. Fueron sus inicios en la actuación como profesional, y fue durante esta época en la que Kirk Douglas adoptó su nombre artístico. Fue también allí, en la Academia Norteamericana de Arte Dramático.
Así es que Kirk centró su objetivo en los escenarios teatrales de Broadway, donde debutó en 1941 en la obra «Spring again», protagonizada por Charles Aubrey Smith, y en 1942 participa como director de la obra. Ese mismo año fue llamado al servicio militar, y se incorporó a la Armada de los Estados Unidos, llegando a la escuela de guardamarina de la Notre Dame University, donde se graduó como alférez. Acto seguido fue destinado a la Unidad Antisubmarina, en el océano Pacífico, donde estuvo dos años -1942-1943- como oficial de telecomunicaciones.

LOS VALIENTES ANDAN SOLOS

En la década de los sesenta Kirk ya estaba entre los grandes de Hollywood, y continuaba con «Un extraño en mi vida», 1960, y «El último atardecer», 1961, y con la producción de películas propias, que no funcionaron muy bien: «Ciudad sin piedad», «Los valientes andan solos», 1962, «Dos semanas en otra ciudad», «Silencio de muerte», 1963, «Tres herederas», 1963, «El último de la lista»,1963, y «Siete días de mayo», 1964. En 1963, Douglas volvió a Broadway para protagonizar «One flew over the cuckoo’s Nest», e incluso intentó llevar a cabo una adaptación cinematográfica, aunque no consiguió apoyo, así que cedió los derechos de la novela a su hijo Michael, cuya posterior versión cinematográfica con Jack Nicholson resultó un éxito. Fue candidato en tres ocasiones a un Premio Óscar de la Academia, aunque nunca lo ganó debido a sus tendencias izquierdistas conocidas, sin embargo, fue galardonado en 1996 con el Oscar Especial. En 1983, Kirk ganó el Premio Jefferson por sus servicios a la comunidad, y en 1986, mientras presentaba los actos del centenario de la Estatua de la Libertad, fue galardonado con la Medalla de Honor de la Isla de Ellis. La American Academy of Dramatic Arts le galardonó con un premio muy especial.
Más allá de la nostalgia.

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CLARENCE, EL LEON BIZCO: TAN CARIÑOSO COMO UN GATITO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UNA PELÍCULA y UNA SERIE

Más que un león, podría ser un minino cariñoso. Estrella del cine y la tv, el público lo tiene como una mascota inofensiva que le llegó al corazón. Siempre se le ha visto junto a otros animalitos, como por ejemplo Judy, la chimpancé, ocupando un lugar de atracciones estelares en la pantalla, manteniendo su propia trama de andanzas, enredos cómicos y graciosas travesuras, en todo lo filmico que han realizado. Primero fue «Clarence, el león bizco», en el cine, y más tarde -después del suceso de la cinta- en la televisión con la serie «Daktari». Lo llamaron, Clarence, y es un poco la historia de un gatito adorable, perdón, de un león mimoso!…

Elenco de Daktari junto a Clarence

Elenco de Daktari junto a Clarence

CLARENCE, THE CROSS-EYED LION

«Clarence, el león bizco» -»Clarence, the cross-eyed lion»- es la película en cuestión, filmada en 1965, en Soledad Canyon, cerca de Los Angeles, California, y en Miami, producida por Ivan Tors, Leonard B. Kaufman y Harry Redmond Jr., dirigida por Andrew Marton y protagonizada por Marshall Thompson y Betsy Drake. Aventuras y comicidad al por mayor con la participación de Paula Tracey -Cheryl Miller- una niña aventurera y valiente, hija del veterinario Dr. Marsh Tracey -Marshall Thompson- El Dr. Tracey es el director del Hospital de animales y la reserva natural de Africa Oriental. En el argumento, el médico lucha para proteger toda la vida silvestre africana, mientras estudia y cuida a los animales heridos y las especies en peligro de extinción. Paula y su padre encuentran a Clarence, un león de Africa, salvaje, bizco, que le hacen imposible la caza en la naturaleza, y lo adoptan como un nuevo miembro de su reserva natural. Lo llamaron Clarence, quien más tarde salvaría a Julie Harper -Betsy Drake- y a sus monos de investigación, cuando son amenazados por cazadores de animales. En el elenco figuran, además,
Richard Haydn -Rupert Rowbotham- Alan Caillou -Carter- Rockne Tarkington -Juma- Maurice Marsac -Gregory- Robert DoQui -Sargento-
Albert Amos -Husseini- Dinny Powell -Dinny- Mark Allen -Larson-Laurence Conroy -Turista- Allyson Daniell -esposa del turista-
Naamán Brown, Napoleón Whiting -Aldeanos- entre otros. El filme fue seguido por la serial tv CBS, «Daktari», con Marshall Thompson y Cheryl Miller, repitiendo sus papeles del cine.

EL PARTICULAR LEÓN CRECE EN LA TIRA

Los productores de la Metro se frotaron las manos de alegría, ante el lanzamiento de «Daktari» en la pantalla chica, anticipando un éxito de teleaudiencia. Y así fue, «Daktari» -»Doctor» en lengua suajili- se constituyó en suceso permaneciendo cuatro temporadas en grilla, desde 1966 a 1969, inclusive, a través de la cadena CBS, en asociación con MGM Televisión, en una producción de Ivan Tors. En la realización aparece el Dr. Marsh Tracy, un veterinario en el Centro de Estudios de Comportamiento Animal, en el este de Africa. La serie representa una gran aventura en el corazón de África. Sigue el trabajo del Dr. Marsh Tracy, a quien los nativos llamaban «Daktari», que ejerce su profesión estudiando los animales de la región en el campamento «Wamerú», donde es ayudado por su hija Paula, sus colaboradores, Jack Dane y Mike, un nativo; ocasionalmente aparecía el oficial Hedley, un guardián británico, quienes con frecuencia debían enfrentarse a distintas peripecias, no sólo con los riesgos de la selva como ataques de animales salvajes u otros, sino también que lidiaban con eventuales tribus hostiles, y con los funcionarios locales. Al mismo tiempo debían proteger a los animales de todo tipos de peligros, principalmente luchar contra los cazadores furtivos.

CLARENCE TENÍA DOS DOBLES

Más allá de todo, el león Clarence y la chimpancé Judy se trasnsformaron en «Daktari», en personajes muy populares, brindando una gran dosis de ternura, humor y simpatía. En la tira, Clarence no realizó todas las escenas peligrosas, tenía un substituto. Leo, otro león entrenado por Ralph Helfer reemplazaba a Clarence cada vez que había escenas con camiones, ya que Clarence se asustaba al ver esos vehículos. Leo, incluso tenía su propia maquilladora, quien le aplicaba una caracterización cosmética como si fuese Clarence, por lo que se asemejaba a éste cuando era tomado en primeros planos. Un tercer león, menos amigable, también llamado Leo, proveniente de una familia de Utah, doblaba a Clarence en otro tipo de escenas. Únicamente se lo utilizó para las escenas en las que debía emitir rugidos, mostrar ferocidad y escenas generales que no implicaban proximidad con los seres humanos. Judy la chimpancé, además representó a la mascota espacial «Debbie, el Bloop», en la serie Perdidos en el espacio. Más allá de la nostalgia.

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EL SHOW DE TAB HUNTER

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN REFERENTE DE AQUEL HOLLYWOOD
Su show fue un programa histórico en la televisión de los Estados Unidos. Junto al de Frank Sinatra y Dean Martin, se ubicaba el de éste actor famoso en los cincuenta y sesenta por sus desempeños cinematográficos y televisivos. Su pasaje por películas y series lo hicieron un referente de aquel Hollywood. Su porte de caballero elegante se paseó por la pantalla, hasta que se declaró homosexual perdiendo buena parte del público femenino que se sintió defraudado ante la situación. Trajo aparejado un bajón en su actividad y alguna perdida de contratos, pero siguió adelante con otras realizaciones. Canal 10 de Montevideo, pudo emitir su show y sus seriales, con una magnífica recepción de televidentes. Rodó westerns, policiales, drama, bélicas, y hasta alguna producción de humor. Se llamó Tab Hunter, un nombre popular y reconocido por muchos espectadores en el mundo entero. Tab Hunter. 1

HIJO DE INMIGRANTES ALEMANES

Tab Hunter o Arthur Andrew Kelm, es hijo de Gertrude Gelien y Charles Kelm, nacido el 11 de julio de 1931, en Nueva York. Sus padres se separaron y luego del divorcio, Gertrude, la madre de Tab se mudó a California junto a sus dos hijos, recuperando su apellido de soltera Gelien, cambiando el apellido de sus hijos por éste. Hunter se unió a la Marina a los quince años, mintiendo acerca de su edad para alistarse. Mientras estuvo allí, se ganó el apodo de «Hollywood» por su afición por ver películas en lugar de ir a bares mientras estaba de asueto. Cuando sus superiores descubrieron su verdadera edad, lo despidieron. Allí es cuando conoce al actor Dick Clayton. Clayton sugirió que Hunter se convirtiera en actor. Por otra parte, su madre, en sus últimos años, fue arrastrando problemas de salud que obligaron a ser internada haciéndole tratamientos especiales. Tab apoyó a Gertrude hasta que ésta partió por diferentes enfermedades.

NACE TAB HUNTER EN EL CINE

Así es que Clayton presenta a Hunter al agente Henry Wilson, quien era representante de otras figuras estelares, como Rock Hudson y Robert Wagner. Wilson le coloca el nombre fantasía de Tab Hunter. Su primer filme fue «The Lawless», 1950. Hunter era amigo del actor Paul Guilfoyle, quien lo recomienda al director Stuart Heisler, que estaba buscando una cara nueva para estelarizar el papel central de «Island of desire», 1952, junto a Linda Darnell. La cinta se convierte en suceso de taquilla rapidamente. Inmediatamente, en 1953 llega «Gun belt», un western producido por Edward Small. Logró un buen desempeño, y el propio Small lo convoca nuevamente para una película de guerra, «The steel lady», 1953, junto a Rod Cameron. Continuaría con una producción de aventuras: «Return to treasure island», 1954. Ante tal suceso en los filmes, le ofrecen un contrato con Warner Brós y lo firma aceptando más películas y lluvia de dólares.

JUNTO A JOHN WAYNE y LANA TURNER

Su película lanzamiento para Warner fue «The sea chase», 1955, con John Wayne y Lana Turner. Logró un gran suceso de taqilla, pero la parte de Hunter fue relativamente pequeña. Su papel decisivo se produjo cuando fue elegido como el joven Marine Danny en el drama de la Segunda Guerra Mundial «Battle Cry», de 1955. Su personaje tiene un romance con una mujer mayor, pero termina casándose con la chica de al lado . Se basó en un éxito de Leon Uris y se convirtió en Warner Bros. la película más taquillera de ese año, consolidando la posición de Hunter como uno de los mejores jóvenes protagonistas románticos de Hollywood, y al poco tiempo se constituiría como la estrella más popular desde 1955 a 1959. En 1967 se largó a cantar interpretando «Young love», número uno de Billboard Hot 100 durante seis semanas en USA, siete en Reino Unido, colocándose más de un millón de copias, obteniendo un disco de oro por superventas. Tab Hunter dejó de existir a los 86 años, el 8 de julio de 2018, en Santa Bárbara, California. En 1959, Tab fue protagonista de «That kind of woman», nominada al Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín, junto a Sophia Loren. Más allá de la nostalgia.

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MARIA PEREGO: IDEOLOGA DEL TOPO GIGIO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo.

UNA MARIONETA EN LA PANTALLA CHICA

El popular ratón con Ed Sullivan.

Juan Carlos Pinocho Mareco con Gigio.

Desde un principio fue absoluto protagonista de un espectáculo infantil de marionetas en la televisión italiana. Su primera aparición fue en 1959 en el famoso espacio «Canzonissima», donde estaban los grandes protagonistas de la música ligera itálica, y su voz original fue la del actor Peppino Mazzullo, y más tarde la de David Garbolino. Básicamente construido de gomaespuma y vestido de pequeñas ropas cuyo estilo fue evolucionando con las épocas, era animado hábilmente desde atrás mientras un fondo negro ocultaba a quienes estaban detrás moviéndolo. El trabajo de animación de este personaje fue famoso, como lo fue su «caída de ojos», cuando le daba vergüenza o quería conseguir algo, o tal vez por sus frases particulares: «A la camita, pero antes el besito de buenos noches..!», «Podrías venir y abrazarme hasta que me duerma?», «Solo pasaba a decirte que… te quiero mucho!», entre otras. Su segundo show en la tele fue a fines de 1959 en el programa «Alta Fedelta», con la voz de Domenico Modugno. Ya en 1960, «Storie», dirigido por Guido Stagnaro y emitido los miércoles por la tarde, captó toda la atención de los niños y la familia general. Se llama Topo Gigio, y goza de muy buena salud. Topo significa ratón en italiano, Gigio es una manera de llamar a Luigi -Luis- por lo que Topo Gigio podría traducirse como Ratón Gigio -Luigi. Su creadora fue María Perego, una italiana que lo inventó y le dió vida en los sesenta, que acaba de fallecer a los 95 años.

EN VENECIA NACIO MARIA 

Su creadora con el muñeco en la tele italiana.

María Perego, la ideóloga del Topo Gigio, junto a su esposo Federico Caldura, nació en Venecia el 8 de diciembre de 1923. María luego de la primaria y secundaria, comenzó a estudiar animación y a crear diferentes personajes. Años más tarde se vivía en Italia una época de innovación con la televisión y el cine animado, y fue entonces cuando Perego introdujo una nueva técnica desconocidad hasta ese momento, utilizando títeres en vez de dibujos animados, inspirada por el ilustrador checo Jiji Trnka. Antes de Topo Gigio, ideó a Picchio Cannocchiale, inspìrándose en un personaje ya existente, querido por los niños, el Pájaro Loco. Lo mismo hizo con Topo Gigio, pero ésta vez tomó como inspiración a Mickey Mouse. En 1959 nace Gigio, quien fue presentado en horarios estelares. El ratón atrajo no solo a niños, sino que también logró atraer al público adulto. Topo Gigio también tuvo un éxito increíble en la venta de peluches. Una de las muchas peculiaridades que caracterizan a este personaje es la representación de la realidad como si de una ficción se tratase, porque, a pesar de ser un personaje ficticio, también enfrenta problemas reales, que son parte de la vida de todos, lo cual era un objetivo intencional por parte de sus creadores.

ACOMPAÑANDO A RAFFAELLA CARRA

María Perego con Topo Gigio.

En 1974 el muñeco se convierte en coanfitrión de «Canzoníssima», acompañado de Raffaella Carrá y Cochi e Renato. Gigio incluso llegó a hacer duetos con personalidades como Louis Armstrong y Frank Sinatra. Su creación ha sido muy conocida y disfrutada alrededor del mundo entero. Decidida a defender su propia autonomía creativa, Maria Perego se ganó una reputación como mujer y profesional, con motivo de sus relaciones no siempre fáciles con la RAI. Fue la autora de una pieza musical interpretada por Memo Remigi -autor de la música- y Topo Gigio, titulado «Che tipo di topo». Así, la llamativa marioneta va apareciendo con Xuxa, Ed Sullivan, y Juan Carlos «Pinocho» Mareco en la tv española y argentina, pero hubieron muchos otros profesionales que acompañaron las andanzas de Gigio, en diferentes latitudes del planeta. En Japón, Nippon Animation creó en 1988 una serie de animación para la televisión de 34 episodios titulada «Welcome back Topo Gigio», emitida en Italia en 1992, en la que Gigio es representado como el primer ratón astronauta que viaja por la Vía Láctea. Cuando Gigio apareció originalmente en televisión, sus programas fueron apreciados en blanco y negro, y posteriormente en color. Sus programas han sido grabados en DVD, y también se le ve hoy por señales de cable.

Topo Gigio.

POR LA VUELTA DE TOPO GIGIO 2020

La creadora María Perego dejó de existir el pasado 7 de noviembre, en Milán, tras sufrir un infarto, lugar donde estaba trabajando en la reaparición pública de Topo Gigio 2020, en gira mundial, dejando inconcreta ésta posibilidad.
Hoy en día, Gigio sigue contando con una gran popularidad, convertido en un ícono de la cultura pop italiana. Actúa regularmente en el festival Zecchino d’Oro y en otros programas creados por Antoniano y la RAI. En 1965 se estrenó internacionalmente un largometraje de ficción, «El mundo mágico de Topo Gigio».
El personaje ha sido reconocido y galardonado en muchos sitios del orbe. Más allá de la nostalgia.

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NELLY MEDEN: UNA ARTISTA MULTIPLE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SE DIZFRAZABA CON ROPA DE SUS TIAS

De chica se dizfrazaba con la ropa que le daban sus tías, y vestida así personificaba a cantantes y actores, que escuchaba por la radio en radioteatros.

Su comedia favorita, Guillermo Bredeston,  Nelly Meden, Canal 9, 1969

Su comedia favorita, Guillermo Bredeston,
Nelly Meden, Canal 9, 1969

Con algunos años más, ya de adolescente sus padres la llevaban al cine en las funciones de matinés y continuados para ver películas de la época. Sumamente atraída por la actuación, casi con 17 años ya pasa a incorporarse a aquel radioteatro que escuchaba, y así años después, en una gira de una compañía por su ciudad, parte del elenco le recomienda que se traslade a Buenos Aires para tentar suerte. Una vez allí, en el año 1947, cubre una vacante actoral en la película «Los secretos del buzón», de Catrano Catrani, iniciando así su larga carrera en radio, cine, teatro, y televisión. Inmediatamente, llega al teatro de la mano de Narciso Ibáñez Menta, en Presidente Alvear, en la comedia musical «Luna de miel para tres», de Carlos Olivari y Sixto Pondal Ríos, que a su vez estelarizaban Gloria Marín, Jorge Negrete, Francisco Canaro y Blanquita Amaro. Se llamó Nelly Meden, una artista múltiple.

«EL ULTIMO PERRO»: MAGISTRAL ACTUACION

Nelly Meden o Nélida Mabel Medina, nació en Rosario, el 14 de marzo de 1928. En la capital argentina se catapultó como una verdadera profesional, dejando a su paso ganador, muy buenas presentaciones en las tablas y las cámaras. Ya en 1950 es llamada por César Amadori para estar en «Nacha Regules», y un año más tarde por Mario Soffici para «La indeseable», ya para papeles más destacados. Luego, llegarían notables actuaciones en «El conde de Montecristo», «En carne viva», «Del otro lado del puente», «El cura Lorenzo», y especialmente su magistral presencia en «El último perro», de Lucas Demare, con el papel de María Fabiana. Se trataba de una cinta rodada en colores, sobre el guión de Guillermo House y Sergio Leonardo según la novela de Guillermo House, estrenada en 1956 en Argentina y Uruguay, teniendo como protagonistas -además de Meden- a Hugo del Carril, Nelly Panizza y Mario Passano. «El último perro» en un principio iba a ser dirigido por Carlos Schlieper con Mirtha Legrand como protagonista femenina, pero luego de varias idas y venidas se cambió al director, y a la actriz por la propia Nelly Meden. A mediados de los sesenta, Meden vuelve a demostrar su calidad para interpretar drama en «Orden de matar», de Román Viñoly Barreto, en una intervención actoral que recibió una distinción del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.

LA CALIDAD DE SU VOZ

Nelly Meden tuvo también una extensa trayectoria en radio merced a la calidad de su voz. En ese medio debutó en 1949 en «Club de mujeres», programa que conducía la periodista Mariofelia; luego participó en Radio El Mundo en el ciclo «Radio-Cine Lux», que se transmitía los sábados con adaptaciones de películas famosas, trabajó en muchos radioteatros en pareja con Carlos Estrada y Jorge Salcedo En teatro dictó cátedra en “La salvaje”, “Buenas noches, Patricio”, “Mesas separadas” y “Telón de sombras”, su último desempeño en 1997. Mientras transcurría brillantemente su labor en cine y teatro, llega a la pantalla chica, actuando en el ciclo «Son cosas de ésta vida», junto a Raúl Rossi y Amalia Sánchez Ariño, «Los solteros del 10o. C», «Desesperadamente vivir», «Su comedia favorita», «Silvia muere mañana», y «Tiempo de amor prohibido», éste último haciendo pareja con Atilio Marinelli.

16 AÑOS EN MÉXICO
En los últimos días de 1967 al no conseguir trabajo en la vecina orilla se radica en México, donde se queda por espacio de 16 años, logrando impactar en su actividad frente al público, con «Cuatro mujeres para Adán», 1968, «El retrato de Dorian Gray» con Enrique Alvarez Féliz, 1969, «Puente de amor», con Angélica María y Ernesto Alonzo, 1969, «La constitución», con María Félix, 1970, «Muchacha italiana viene a casarse», con Angélica María y Ricardo Blume, 1971, «El carruaje», con José Carlos Ruiz, 1972, «Las gemelas», con Maricruz Olivier y Guillermo Murray, 1972, «La hiena», con Amparo Rivelles, 1973, «El chofer», Jorge Rivero y Linda Cristal, 1974, «Mañana será otro día», con Jacqueline Andere, 1976, «La venganza», con Helena Rojo y Enrique Lizalde, 1977, «Pecado de amor», con Jacqueline Andere, Enrique Alvarez Félix y Ernesto Alonso, 1978, «Secreto de confesión», con Silvia Derbez y Gustavo Rojo, 1980, «Infamia», con Susana Dosamantes y Julio Alemán, 1981, entre otras obras. Luego, en 1983 regresó a Argentina, donde apareció con intermitencias. En 2001 fue una de las actrices galardonadas en «El Cine y la Mujer» del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y recibió en 2002 la distinción Cóndor de Plata a la trayectoria otorgado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina. Jamás se casó, vivía acompañada de su anciana madre Betsabé, su perra y sus amigos.
Tras permanecer internada algunos meses en el Sanatorio Colegiales de Buenos Aires por padecer de cáncer falleció el 8 de noviembre de 2004, víctima de la enfermedad incurable. Más allá de la nostalgia.

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SILVIA MONTANARI: LA ESTRELLA DEL TELETEATRO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DE NIÑA DEDICADA A LA ACTUACIÓN

Fue primera figura en cada telenovela que protagonizó, e hizo muchas. De mala era el papel que más le gustaba, y sabía aplicarlo con estilo. Tenía talento porque había estudiado y lo transmitía en cada desempeño que realizaba en todos los unitarios para la tele y en infinidad de obras de teatro. A partir de la década de los sesenta y durante treinta años de trabajos obtuvo una gran popularidad en Argentina y América toda. Entre sus logros, se la recuerda por estelarizar «Panorama desde el puente», junto a Alfredo Alcón en teatro. Entre sus logros en la pantalla chica fue la heroína de «La sombra», «Todo tuyo», «La cruz de Marisa Cruces», «Entre el amor y el poder», «Stefania», y «Cuando es culpable el amor», en coproducción con Puerto Rico, entre tantos. En los noventa, protagonizó durante tres años «Son de diez», e inmediatamente seguiría con «Collar de esmeraldas». Se llamó Silvia Dina Montanari, una actriz de aquellas, que a sus 76 años acaba de fallecer, el pasado 26 de octubre, en Buenos Aires, debido a una enfermedad que la tenía a mal traer. Silvia Montanari, se había ganado por derecho propio, el respeto de la gente y de sus pares, convirtiéndose en la verdadera estrella del teleteatro porteño. Silvia Montanari. 1

NACIDA EN CRUZ ALTA, CORDOBA

Silvia es nacida en Cruz Alta, Córdoba, el 14 de enero de 1943. Cuando era pequeña sus padres escuchaban radioteatros y la niña emulaba a los actores que se desempeñaban en aquellas épocas doradas de las broadcasters. Muy pronto su familia se traslada a Quilmes, y desde entonces su pasión por la actuación se hace cada vez màs grande. Así, toma clases de desempeños artísticos, e inmediatamente la convocan para un pequeño papel en «Obras maestras del terror», junto a Narciso Ibáñez Menta, que se interesa por ella brindándole una posibilidad que la actriz no desaprovechó. Fue tal la calidad de su desempeño que pasa por «Hombres en pugna» dejando su marca, «Los otros y nosotros», «La banda del Golden Rocket», «Cita a ciegas», es figura en el ciclo de «Mujeres asesinas», y también en «Gasoleros», bajo la realización de Adrián Suar. Este acontecimiento ocurriría durante los años 1998 y 1999, en dos brillantes temporadas.

LA VIDA DE LA FAMILIA PANIGASI

En una trama basada en la vida de los Panigasi, una familia de clase media algo empobrecida, se basa «Gasoleros», El padre de éste verdadero clan es Héctor -encarnado por el actor Juan Leyrado- un ex-colectivero que termina siendo mecánico, que posee un taller junto a familiares y amigos. A su vez, el desarrollo de la tira se centra en un romance con el propio Héctor con Roxana Presutti -Mercedes Morán- una dama casada con un caballero al que cree amar, Jorge -Manuel Callau- hasta que realmente conoce a Héctor. Emilia Nieto -Silvia Montanari- es otro personaje central en el argumento, que posee un bar al que consiguió con sumo esfuerzo, lugar en el cual ocurren muchas de las historias surgida a lo largo de la novela. Silvia, de fenomenal desempeño, ayuda a reflejar las costumbres argentinas y porque no rioplatenses más comunes y la vida de la gente de clase media, en la época en que fue realizada. Fue producida por Pol-ka, siendo el tema musical central de Vicentico. «Gasoleros» alcanzó un notable rating de teleaudiencia en Argentina y Uruguay, con 464 episodios.

FORMA PAREJA CON DARIO GRANDINETTI

En el plano personal, Silvia Montanari vivió un acalorado romance de dos años con el actor Darío Grandinetti, 16 años menor que ella, y más tarde se casó con Gerardo Aragón, con quien tuvo a su único hijo Rodrigo Aragón, quien reside en Miami en éstos momentos. Montanari fue una de las primeras en declarar que se había realizado cirugías estéticas. Fue a los 29 años cuando pasó por ese momento, ya que según confesó en rueda de amigos, que sentía que su cuerpo y mente se lo estaban reclamando. En sus últimos años, rodó mucho cine y retornó al teatro con «Mujeres de ceniza» en teatro Picadilly, junto a Mercedes Carreras, Zulma Faiad, y Nora Cárpena. Hizo también producciones en teatro y tv, y dejó su marca registrada en el mundo artístico de la vecina orilla. Más allá de la nostalgia.

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DIAS DE CELULOIDE CON AROMA A CINE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CAMBIA, TODO CAMBIA

Parafraseando a la gran Mercedes Sosa, cambia, todo cambia, en éste mundo. No solamente lo superficial y las costumbres, sino que las técnicas también.
Por ejemplo, el mundo de la cinematografía, se perfeccionó en parte en la era digital, donde se utiliza dicha ciencia para registrar, distribuir o proyectar películas. Generalmente, se caracteriza por la alta resolución de las imágenes, prescindiendo de algunos aspectos antiguos, y por lograr otras posibilidades en el resultado final manejado por computadoras.

Luis Sandrini y María Esther Buschiazzo, La casa  grande, 1953.  Exito de matinés

Luis Sandrini y María Esther Buschiazzo, La casa
grande, 1953. Exito de matinés

Pero, si bien se generaron progresos en el cine digital, el celuloide de antes, logra un verdadero matizado del color o blanco y negro, siendo éste más natural. Digitalmente, la película final se puede distribuir en DVD, disco duro extraíble, por satélite, y pasarse en un proyector digital.
Teniendo en cuenta eso, marca una diferencia con los viejos rollos pesados del celuloide de siempre en aquellas bovinas gigantes en muchos actos, tenían un aroma especial. Aroma a cine, nada más ni nada menos. Aroma a cine de barrio, ese que ha desaparecido.

UN ARTE DESDE ÉPOCAS REMOTAS

A partir del nacimiento del cine como espectáculo, el 28 de diciembre de 1895, en París, cuando los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto, la cinematografía se constituyó en un arte verdadero de narrar historias o acontecimientos: lo llamaron «séptimo arte».
Registrando todo tipo de cintas de gran diversidad y procedencia, las salas comenzaron a llenarse por todo el mundo.
Aquí, en Uruguay, las salas barriales marcaron su historia, en Montevideo o interior, proyectando a través del tiempo espectaculares producciones, y también de las otras. En medio de esa vorágine, las latas de celuloide en bolsas iban y volvían desde las compañías distribuidoras. Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox, Warner Brothers, Pàramount, Posa Films o Lumiton, entre otros acercaban los múltiples títulos. En lugares lejanos el celuloide llegaba vía ferrocarril o en los ómnibus de ONDA. O si el filme era programado por varios cines a la vez, un cadete en bicicleta trasladaba los carretes por separado. Qué tiempos!…

La gran Marilyn Monroe, How to marry a millionaire, 1953

La gran Marilyn Monroe, How to marry a millionaire, 1953

MANI CON CHOCOLATE o CARAMELOS ZABALA

Eran tiempos de maní con chocolate, caramelos Zabala o candes Astra… No había venta de palomitas de maíz en las salas, en esos momentos.
Para las matinés muchos llevaban su «merienda», que bien podía ser bizcochos, o tortas fritas -si llovía- al compás del celuloide que corría velozmente por las «ventanillas» de las dos máquinas de la cabina que estaba en el primer piso. Buster Keaton, Charles Chaplin, John Wayne, Randolph Scott, Spencer Tracy, Kirk Douglas, Burt Lancaster, la rubia más bonita de todos los tiempos Marilyn, Ava Gadner, Lana Turner, Errol Flynn, Mario Moreno «Cantinflas», Luis Sandrini, Miguel Aceves Mejía, Rock Hudson, entre tantos se convierten en figuras frecuentes de la pantalla grande.
Más los cortos, las sinopsis, los noticieros UFA, y hasta los dibujos y las publicidades, que también estaban ahí.

TECHNICOLOR y CINEMASCOPE

Quedó bien atras la primera producción parlante del cine, «El cantante de jazz», estrenada en 1927.
Ese mismo año apareció el doblaje. En 1935 se rodó en Technicolor «La feria de la vanidad» -»Becky Sharp»- de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente el color consiguió su máxima plenitud con «Lo que el viento se llevó», 1939. La primera película estrenada en CinemaScope fue «The robe», producida por la 20th Century Fox, dirigida por Henry Koster e interpretada por Richard Burton y Victor Mature, estrenada en 1953. Por primera vez se proyectó Cinerama el 30 de septiembre de 1952. La cinta «This is Cinerama», fue muy bien recibida, fruto de muchos años de desarrollo en 1971 en copia de 70 mm. Antes habían pasado «Vacaciones en Cinerama», 1955, «Las siete maravillas del mundo», 1956, «En busca del Paraíso», 1957, y «Aventuras en los mares del sur», 1958.
En nuestro país, un solo cine presentó funciones de Cinerama: Cine Teatro Eliseo, de la Avda. 18 de Julio esquina Río Branco. Agregamos un dato importante para la historia del cine digital; la primera proyección en éste sistema se realizó en París, Francia, el 2 de febrero de 2000, utilizando procesador digital de luz Cinema, desarrollado por Texas Instruments. Al presente, en Estados Unidos aún existen muchos cines con proyección de celuloide, a la antigua, estilo cine de aquellos años. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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CACHO CASTAÑA: MAS ALLA DE LA LEYENDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SE FUE EL ULTIMO BOHEMIO

Alguna vez en éstas mismas páginas lo manifestamos que era «El último bohemio» que estaba quedando. Había dedicado su vida a la música, la noche, a los amigos, y luego de estar grave durante largas semanas se fue Cacho Castaña. Ocurrió en la mañana del pasado martes 15 de octubre, a los 77 años, en la vecina orilla, debido a complicaciones por su EPOC, enfermedad pulmonar obstructiva crónica. Se trata de una complicación pulmonar grave que con el tiempo, hace que resulte difícil respirar. También se le llama con otros nombres, como enfisema o bronquitis crónica.

Cacho, Palito, grandes amigos

Cacho, Palito, grandes amigos

En sus últimos años, su adicción al tabaco había provocado que el pòpular artista debiera ser internado en distintas oportunidades. En septiembre de 2011, debió permanecer en terapia intensiva en un sanatorio, a raíz de un síndrome bronquial agudo, acompañado de fiebre; y fue en el 2005 que tuvo su situación médica límite cuando se le efectuó una compleja angioplastica coronaria de urgencia, donde le colocaron 3 stents con medicamentos. Lamentablemente no resistió tanto, y se fue a cantar a otros sitios. Ahí, entre las nubes y las estrellas, su nombre se elevó al cielo celeste, para quedar inmortalizado. Así, partía Cacho Castaña, el último bohemio.

HUMBERTO VICENTE NACIO EN FLORIDA

Humberto Vicente Castagna, más conocido por su nombre artístico, Cacho Castaña, había llegado a éste mundo el 11 de junio de 1942, en Florida, Provincia de Buenos Aires. Fue el tercer hijo del matrimonio entre Rosa Curra, ama de casa, apasionada por escuchar las voces por la radio de los intérpretes, y don Antonio ‘Ntoni Castagna, comerciante italiano de calzado. La vocación y el amor de Cacho Castaña por la música comenzaron en la niñez. A los 14 años ya era profesor de piano. Empezó como pianista en orquestas de tango, y en la segunda mitad de la década de los sesenta se presentó como cantante en aquellos programas «ómnibus» -espacios de más de 6 horas en vivo- que los sábados destinaban su primera hora a nuevas voces, en Canal 9, Libertad, de la capital argentina. Inmediatamente, formó el grupo Beto y los Huracanes, junto a Bingo Reyna, en guitarra, Kuky, en batería, Alfredo en guitarra rítmica, y Juan como bajista, dando sus primeros pasos como vocalista. De buenas a primeras, se convierte en intérprete, y brillante compositor, componiendo muchos temas para otros cantantes, que le graban sus creaciones y las cuelgan en la fama.

En pleno show, Cacho Castaña a coro con Adriana Varela

En pleno show, Cacho Castaña a coro con Adriana Varela

POLYDOR LE FIRMA CONTRATO

Valorando su capacidad autoral y también su forma de cantar Polydor le firma contrato de ediciones fonográficas.
Empezó con «poco bombo» pero su fuerza y categoría, de a poco le fue agradando a la gente. Aquel muchacho de barrio, comenzaba a ser popular, ya con shows por toda Argentina, pasando de una discográfica a otra, y a otra, metiendo temas de corte espectacular: «Cara de tramposo», «Quiero un pueblo que baile», «Si te agarro con otro te mato», «Para vivir un gran amor», «Lo llaman el matador», «El regreso del ladrón», «Café la humedad», «Garganta con arena», «Espalda con espalda», «Ojalá que no puedas», «Cacho de Buenos Aires», «Septiembre del 88», «Que tango hay que cantar», «La novia del viajante», «La reina de la bailanta», «Señora si Ud. supiera», «La noche que no me quieras», entre tantos. Acompañado por su participación en las películas: «Ritmo, amor y primavera» y la larga serie de Aries y Microfón «Del amor»: Los éxitos, la playa, la discoteca, la carpa, desde el año 1978 en adelante. Pero, Cacho continuaba hacia adelante, buscando nuevos temas, nuevas creaciones.

ROMANCES, RELACIONES y ESCANDALOS…

Paralelamente a su carrera artística, llega su adicción al cigarrillo, y sus relaciones con mujeres de la farándula, y otras no tan conocidas, que lo llevan a perjudicar su vida profesional en muchos aspectos.
Su salud se va deteriorando, realizando de todas maneras sendos recitales en las grandes salas teatrales de Buenos Aires y del interior argentino, logrando una magnífica recepción de público que lo acompaña en cada acontecimiento.

En su último cumpleaños

En su último cumpleaños

Deseo recordar las notas que le realizamos a Cacho, en Montevideo y en Buenos Aires, en algunas de sus presentaciones por aquí, y en Microfón de la capital porteña, o en su casa cuando compartimos algún almuerzo al lado de su pareja de entonces, que jamás lo olvidó, Mónica Gonzaga.
O cuando una tarde de lluvia, se apareció en uno de los programas que teníamos en ese momento en 22 Universal, «Música en Orbita» para comentarnos sus cosas y decirnos que esa noche actuaba por éstos lares. Simpático, profesional, generoso, artista, Cacho Castaña. Un verdadero fenómeno de la música toda. Más allá de la leyenda.

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Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

IDA LUPINO: PRIMERA DIRECTORA DEL CINE CLASICO

ACTRIZ, DIRECTORA, GUIONISTA y PRODUCTORA

En Anything Goes 1936, junto a Arthur Treacher. 3

Con Jean Gabin en Moontide, 1942. 4

En la década de los cuarenta en Hollywood fue la primera dama que ejerció de manera simultánea trabajos de actriz, guionista, dirección y producciones cinematográficas. A partir de ese momento se le considera una de las cineastas más destacadas de la pantalla grande, ya que con su compañía co-escribió y produjo varias cintas de mensajes sociales, dirigiendo un film de culto: «The Hitch-Hiker», en 1953, por la cual recibió muy buenos elogios de la prensa especializada y espectadores en general. A lo largo de sus 48 años de carrera, hizo apariciones como actriz en 59 cintas, dirigiendo otras ocho, haciendo carrera preferentemente en Estados Unidos, donde se convirtió en ciudadana en 1948. También dirigió más de cien episodios televisivos en variedad de géneros, incluídos westerns, cuentos sobrenaturales, comedias, dramas y policiales. Se llamó Ida Lupino, siendo la única mujer en dirigir episodios de la serie tv «The twilight zone» -»La dimensión desconocida»- así como la única directora que estelarizó la tira. Su trayectoria quedó marcada de manera sobresaliente por sus diferentes actvidades en el Reino Unido y USA.

HIJA DE UN CONOCIDO COMEDIANTE

Ida Lupino nació en Herne Hill, Londres, el 4 de febrero de 1918. Hija de la actriz Connie O’Shea -Connie Emeral, nombre artístico- y el artista de music hall Stanley Lupino, miembro de una familia británica de gente de teatro de origen italiano. Ida fue animada a entrar en el mundo del espectáculo por sus padres, y por un primo, Lupino Lane, que había debutado en el cine en 1931 con «The love race». La familia llevó adelante «Teatral Lupino», construyendo en el patio trasero de su casa, un teatro con todas las luces, donde se desarrollaron Ida y su hermana Rita, quien también se convirtió en actriz y bailarina. Sin pérdida de tiempo, Lupino escribió su primera obra a los siete años de edad, estando de gira con una compañía de teatro que viajaba de pueblo en pueblo. A los diez años, la muchacha había memorizado los papeles femeninos principales en cada una de las obras de Shakespeare. Luego de su entrenamiento infantil teatral, estudia y avanza a pasos agigantados hacia la actuación cinematográfica, al lograr su desempeño como actriz en British International Studios.

En Road House, 1948, junto a Cornel Wilde. 5

DESEABA CONVERTIRSE EN ESCRITORA

Ida Lupino. 1

Ida Lupino deseaba ser escritora, pero solamente para complacer a su padre, se inscribió en la Real Academia de Arte Dramático. Se destacó en una serie de papeles en films de bajo costo, casi siempre estelarizando a prostitutas.
A ella no le gustaba ser actriz, y se sentía incómoda con muchos de los primeros papeles que le otorgaron. Ida sintió realmente que fue empujada a la profesión debido a su historia familiar, pero lejos de detenerse y dedicarse a otras actividades, continuó adelante triunfando plenamente en cada rubro. Ya en 1934 fue protagonista de «La búsqueda de la felicidad» en Paramount Studio Theatre. Interpretó papeles principales en cinco películas británicas en 1933 en los estudios Teddington de Warner Bros. y para Julius Hagen en Twickenham , incluyendo «The ghost camera» con John Mills y «I lived with you con Ivor Novello. Desde 1934 en adelante prosiguió con «Ready for love», «París in spring», «La fiesta de Santa Bárbara», «Anything goes», «One rainy afternoon», «Yours for the asking», «Sea devils», «Let’s get married», «Artists and models», «Fight for your lady», «The lone wolf spy hunt», «The lady and the mob», «The adventures of Sherlock Holmes», «The light that failed», «They drive by night», «Ladies in retirement», «Moontide», «Life begins at eight-thirty», «The hard way», «Forever and a day», entre otras.

SE FUE A LOS 77 AÑOS

Ready for Love, 1934, con Ralph Remley. 2

De enero de 1957 a septiembre de 1958, Lupino protagonizó junto a su último marido, Howard Duff, la comedia de la CBS «Mr. Adams and Eve». También participaron en 1959, como ellos mismos, en uno de los episodios de «Lucy-Desi Comedy Hour». Hacia el final de su carrera, Lupino participó como actriz invitada en numerosos espacios televisivos, y su última participación fue en 1978. Se retiró a los sesenta años de edad. Se casó y se divorció tres veces. Sus parejas fueron
Louis Hayward, actor, noviembre de 1938 a mayo de 1945. Collier Young, productor televisivo -1948 – 1951- Howard Duff, actor, octubre de 1951 a diciembre 1984. Con él tuvo una hija, Bridget Duff, nacida el 23 de abril de 1952. Ida Lupino falleció el 3 de agosto de 1995 mientras era tratada de un cáncer de colon. Tenía 77 años de edad. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución a la televisión y al cine, localizadas en el 1724 de Vine Street y en el 6821 de Hollywood Boulevard.
Fue una gran estrella del cine. Más allá de la nostalgia.

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JOSÉ JOSÉ: UN SENTIMIENTO EN CADA CANCIÓN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

PARTIO A LOS 71 AÑOS

El mismísimo Frank Sinatra lo escuchó cantar a través de sus discos, y le pidió a su productor que le agendara una reunión en Estados Unidos, para introducirlo en «La Gran Manzana», con grabaciones y shows estelares. La entrevista nunca se dió a expreso pedido de la discográfica del intérprete que no lo dejó acudir, debido a que tenía un contrato firmado con el artista por los registros canoros, management, y presentaciones personales. Apesadumbrado, al perder una oportunidad que el entendía sería motivadora y enriquecedora para sus movimientos profesionales, al trabajar al lado de una estrella como Sinatra, asesorándolo, no disminuyó la marcha siguiendo adelante con su carrera, registrando una sucesión de himnos románticos, entrando en el corazón de la gente. Así, supo primero conquistar México, donde le llamaron «El príncipe de la canción», «El rey de la canción méxicana» o «El rey sin corona», vendiendo la friolera de más de cien millones de discos, que lo convierten en uno de los solistas latinos más exitosos de la historia misma, recibiendo numerosos reconocimientos a nivel internacional, nueve nominaciones al Grammy, llenando el Madison Square Garden y Radio City Music Hall, con introducción en Arabia Saudi, Egipto, Israel, Japón, y Rusia. Se llamó José José, o José Rómulo Sosa Ortíz, quien acaba de partir a sus 71 años rumbo al cielo eterno, el pasado 28 de septiembre, en Homestead, USA, debido a su cáncer de páncreas. Jose Jose en acción. 1

NACIDO EN UNA FAMILIA DE MUSICOS

José José llegó a éste mundo el 17 de febrero de 1948, en Azcapotzalco, Ciudad de México, y la vida lo fue transformando en un gran vocalista y actor en distintas películas. A través de 55 años de trayectoria, su categoría, brillo, y estilo influyeron sobre numerosos cantantes del ámbito mundial. Nacido en una familia de músicos, tocaba la guitarra ya de pequeño, entonando verdaderas serenatas durante su juventud a jovenes enamoradas que lo escuchaban y observaban atónitas desde el balcón. Al tiempo, se unió a un trío de jazz y bossa nova en el que cantaba y tocaba el contrabajo. Poco duró el número, ya que directivos de Orfeón Records le graban su primer simple solista con versiones de «El mundo», de Jimmy Fontana, y «Ma vie», de Alain Barriere, hits de Italia y Francia que estaban sonando de manera mundial. Para promover el lanzamiento se presentó en «Orfeón a go-go», espacio televisivo juvenil bajo el nombre artístico de Pepe Sosa o José Sosa. Escuchando ésta placa ya el intérprete impresionaba por sus condiciones, pero, con el disco no pasó demasiado, grabando su segundo sencillo con «Amor» de Coqui Navarro, y «No me dejes solo» de Rodolfo Tovar, teniendo un poquito más de suerte, pero no demasiada. En 1967, desembarca en RCA.

LA NAVE DEL OLVIDO, EL DESPEGUE

Entra al gran estudio de la grabadora del fonógrafo y del perrito, bajo la supervisión de los compositores Rubén Fuentes y Armando Manzanero, editando su primer álbum en 1969, ya adoptando el seudónimo de José José; el primer José por su primer nombre, y el otro por su padre, quien había fallecido en 1968, víctima del alcoholismo. Pero, quiso el destino de que en diciembre de 1969, lanzaría lo que sería su «caballito de batalla» o «tarjeta de presentación» que lo convertiría de la noche a la mañana, en un solista de brillo y colorido: «La nave del olvido», bajo la autoría del compositor argentino Dino Ramos. A fines de ese año, fue el tema más escuchado por las radios en tierra azteca, elevando la popularidad de José José hacia otros países de Latinoamérica, como Chile, Venezuela, y Argentina. Lejos de dormirse en los laureles, el 15 de marzo de 1970, representa a su país en el «II Festival de la Canción Latina» con «El triste», de Roberto Cantoral García, que consigue el tercer puesto en el evento, pero que se convierte en el ganador moral de la competencia, según el voto del público presente, brindándole trascendencia como hit internacional.

INSACIABLE AMANTE, DE CAMILO SESTO

En 1977 se desvincula de RCA, y firma con Ariola, logrando imponer una sucesión de temas románticos de impresionante proyección en América toda: «Gavilán o paloma», «Volcán», «Lo pasado, pasado», «Si me dejas ahora», «El amar y el querer», «Lo que no fue no será», «Desesperado», «Amor amor», e «Insaciable amante», éste último de la inspiración del español Camilo Sesto, entre otros, que le otorgarían a José José, una década de los ochenta que lo vería en su máximo esplendor, pero cuyo final lamentablemente lo marcaría por un notado quebranto de su salud y de su voz. Envuelto en esos problemas, abusa del alcohol y de otras sustancias, pero, paralelamente rompe récords con sus ventas de discos, logrando discos de oro, de platino, y de doble platino, por doquier, sumando más de doscientos en total!… El 6 de junio de 2007 sufre una parálisis facial que lo mantiene alejado varios meses de los escenarios. El 19 de noviembre de 2008, recibe la codiciada Estrella de la Fama en el Paseo de las Estrellas en Las Vegas, Nevada.
Su última mujer, la cubana Sarita Salazar, lo ayuda a salir del alcoholismo, rehabilitándolo. Ya en los últimos tiempos, se había deteriorado bastante, ayudado por quimioterapias, siguió lo que pudo hacia adelante, hasta encontrar su final hace unos días. Dejó sus sentidas obras, y sus filmes: «Buscando una sonrisa», «La carrera del millón», «Gavilán o paloma», «Sabor a mí», y «Perdóname todo», su último protagónico en 1995.
Se le recordará siempre por ser uno de los cantantes mas virtuosos del estilo romántico universal. Más allá de la nostalgia.

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JOHNNY MATHIS: STATUS ORO y PLATINO, A SUS 84 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

AQUELLOS AÑOS DE LOS CANTANTES ROMANTICOS

A fines de los cincuenta y comienzo de los sesenta en Estados Unidos predominaban los cantantes románticos con espectaculares baladas, que sonaban noche y día por las broadcasters con imponente promoción. A saber, ahí estaban marcando presencia figuras de la valía de Frank Sinatra, Perry Como, Dean Martin, Andy Williams, Al Martino, y hasta el mismo Johnny Mathis, concentrándose éste más que nada desde sus inicios, en el jazz, alternando con temas sentimentales que llegaban al corazón. Así, supo grabar cantidad de discos que treparon con fuerza infinita en las pizarras de popularidad y ventas más que nada en territorio norteamericano.

Un gran intérprete de canciones románticas

Un gran intérprete de canciones románticas

El historial de Billboard así lo testimonia en sus documentados charts. Arrancando su carrera con un aluvión de simples, Mathis se hizo más conocido como un artista de álbumes, con varias docenas de discos de oro y de platino, teniendo 73 entradas en las listas a la fecha, colocando más de 350 millones de sencillos y álbumes, a nivel mundial, lo cual ha hecho que Johnny Mathis sea el tercer artista que más ha grabado durante el siglo veinte y en los últimos sesenta años. Y ésto último tiene un tremendo valor, cuando el artista hoy está cumpliendo sus 84 años.

30 DE SEPTIEMBRE ES LA FECHA INDICADA

Johnny Mathis, nació en Gilmer, Texas, un día como el de hoy, 30 de septiembre, pero de 1935. Hijo de Clem Mathis, artista de vodevil, y de Mildred Boyd, ama de casa. Johnny fue el cuarto de los siete hijos de la pareja, y ya de pequeño cantaba y tenía facilidad para la música. Al poco tiempo la familia se trasladó a San Francisco, California, lugar donde el padre vió que su hijo Johnny poseía verdaderas condiciones para seguir adelante, y quiso que éste antes que nada estudiara piano y solfeo, comprándole un viejo piano para que practicara sus toques, aprendiendo practicamente de su propio progenitor. Su primera canción fue «My blue heaven», mientras se presentaba en actos de la escuela y de la iglesia de San Francisco. Cuando cumplió 13 años, una maestra de canto comenzó a trabajar con él, por espacio de seis años, escalas vocales y ejercicios de voz, entonando clásico y operetas. Debutó en una banda, a través de un amigo de la secundaria, que le ayudó a que se incorporara al conjunto, cuando aún no estaba verdaderamente preparado para hacerlo. En San Francisco, mientras cantaba en una sesión improvisada con amigos de un sexteto de jazz en el Black Hawk Club, Mathis atrajo la atención de la gente, y de los dueños de otros clubes, que de inmediato le propusieron trabajo con muy buena remuneración. El cantante aceptó alternando en cuatro locales, siendo apalabrado durante un show por un productor de A&R, Columbia Records, quién le ofrece suscribir contrato discográfico para CBS, cambiándole la vida a Mathis, dando un verdadero avance en su profesión, desde todo punto de vista.

«A NEW SOUND IN POPULAR SONG»: PRIMER ALBUM

El primer álbum de Mathis llevó por nombre «A new sound In popular song»; fue un disco de jazz que tuvo ventas muy bajas. Pero como el cantante estaba en New York actuando en clubes nocturnos, registró muy rápidamente su segundo disco-grande producido ésta vez por el vicepresidente y productor de discos, de la CBS, Mitch Miller, el cual ayudó a definir el estilo Mathis. Miller prefería que cantara suavemente, baladas románticas, siendo apoyado por el conductor y arreglista musical Ray Conniff y más tarde, Ray Ellis, Glenn Osser y Robert Mersey. A fines de 1956, ya Mathis estaba grabando dos de sus más populares temas: «Wonderfull, wonderfull» -»Maravilloso, Maravilloso»- y «It’s not for me to say» -»No es para mí, decir»- En ese mismo año, MGM le registra un contrato para cantar la última canción en el filme «Lizzie». Breve tiempo más tarde aparece en una película de la 20th Century Fox, entonando «A certain smile», en la cinta del mismo nombre. Inmediatamente cantó varios temas en «El show de Ed Sullivan», incrementando su popularidad. 1957, llegó de la mano de «Chaces are», su primer número uno en Billboard. Desde ese momento lo llamaron «The velvet voice» -»La voz de terciopelo»-

TODA UNA VIDA CANTANDO

En éste entorno, Mathis, pasó toda una vida cantando, grabando discos y haciendo shows por todo el mundo, obteniendo varios premios Grammy, entre múltiples distinciones. Mathis estuvo en rehabilitación por adicción al alcohol y a medicamentos de prescripción restringida, y ha dado apoyo a muchas organizaciones a través de los años: American Cancer Society, The March Dimes, YMCA, The Muscular Distrophy Association, y the NAACP. Mathis se manifestó gay. Su primera declaración explosiva apareció en 1982 en un artículo publicado en «Us Magazine» donde se le preguntó y terminó diciendo: «La homosexualidad es una manera de vida que ha crecido en mi y que me he acostumbrado…». Pero él no hizo comentarios de esto, y envió una carta al Us Magazine donde se retractaba.
En 2006, Mathis reveló que su silencio había sido por las amenazas de muerte que recibió como resultado de´ese artículo. Más allá de la nostalgia.

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CARLOS MONZON: EXCESOS, LUJURIAS y VIOLENCIAS TERCERA PARTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

COLGO LOS GUANTES PARA SIEMPRE

«Cuando comencé en el boxeo, no tenía botas, y entrenaba solo descalzo hasta que me dolían los pies, por las astillas clavadas en la piel en el piso de madera; eso es el boxeo, y con tal de boxear lo hago de cualquier manera y con quien me pongan enfrente»… dijo antes de uno de sus combates en el Luna Park, Carlos Monzón. Ya habían quedado atrás las defensas del Título de Campeón del Mundo, el romance y la pasión con Susana Giménez, y el rodaje de varias películas en Italia y Argentina. El boxeador había colgado los guantes para siempre. Imagen de Carlos Monzón, Campeón Mundial de Boxeo. 1 Al alejarse de las cuerdas, con algún dinero en el bolsillo, deseoso de conocer a fondo la noche bonaerense, sin tener compromisos de entrenamiento al otro día, entra en una etapa de excesos, lujurias, celos, y hasta de femicidio, de trágico final. Paralelamente, combina las veladas con alcohol y cigarrillos, poniéndose de carácter cambiante según el entorno y la situación. «Una vez estaba compartiendo una mesa con varios artistas, entre ellos Monzón, y éste en determinado momento empezó a decir cosas atroces sobre los periodistas de espectáculos, poniéndose bastante violento. Los demás que estaban allí me aconsejaron que me levantara y me fuera. Y así lo hice. Quedarme hubiese sido un peligro», recordó el especializado periodista de espectáculos de nacionalidad uruguayo recientemente desaparecido, Lucho Avilés. El 14 de febrero de 1988, Monzón cometió el femicidio -en una casa de alquiler en Mar del Plata- de quien fue su esposa, de la cual estaba separado, Alicia Muñiz, hecho por el que fue juzgado y condenado a once años en varias cárceles por homicidio simple, dado que, por ese entonces, no existía un tratamiento especial para esa clase de delitos. Durante una salida transitoria, en un fatal accidente automovilístico, el ex-boxeador deja de existir el 8 de enero de 1995.

CONOCE A ALICIA MUÑIZ

Carlos Monzón fue una luminaria del deporte mundial como fruto de sus conquistas en el cuadrilátero, pero su conducta lo hace caer estrepitosamente en su vida privada. El lamentable deceso de Alicia Muñiz, lo marca, y lo deja knockout en el ring de la vida. Así, cientos de personas que aguardan su paso en la puerta del juzgado, cuando la policía lo lleva para que declare, le gritan al unísono… «Asesino!, Asesino!!»… Es en 1981, que Mónzón conoce a la modelo, peluquera, vedette y actriz uruguaya, nacida en Montevideo, Alicia Muñiz. Fue en un intervalo de un desfile de modas, que la mira insistentemente siendo cautivado por su belleza. Desde allí en más, la encara, salen, se conocen, se enamoran, disfrutan de todo lo que pueden hacer, conviven, y hasta se casan. Al poco tiempo nace Maximiliano Roque, el único hijo de la pareja. El matrimonio luego de varios años, comienza a tener grandes conflictos, debido a malos entendidos, y por la bebida que consume Monzón que se avalancha sobre su mujer poniéndose violento en varias oportunidades, hecho que persigue al ex-pugilista desde anteriores relaciones. En esos términos, Muñiz le pone fin a la situación, ante los gritos ensordecedores de su marido.

JUICIO POLEMICO y MEDIATICO

Alba Alicia Muñiz Calatayud de nombres y apellidos completos, había nacido en Montevideo, siendo la hija de Alba Calatayud y Héctor Muñiz García. A partir de 1972 se había radicado en la vecina orilla, y después de varios años se nacionalizó argentina. Debido a su belleza natural siguió el modelaje, primero en Uruguay en 1971 y posteriormente en Argentina. Fue bailarina en conocidos restaurantes árabes, y trabajó en los escenarios porteños como vedette de las grandes revistas de la época, incursionando también en la actuación, en varias películas de Alberto Olmedo y Jorge Porcel. En el momento de la ruptura con Monzón estaba alejada del ambiente artístico, y se dedicaba a atender su propio salón de belleza en pleno Barrio Norte, y en ratos libres diseñaba ropa. Estaba dialogando con el ex-púgil, acerca de un aumento en la manutención de su hijo, y para eso se reunirían en Mar del Plata. Fue en febrero de 1988, cuando Monzón en estado de ebriedad, retornando de una reunión, discute con ella, la golpea salvajemente y finalmente la lanza desde el balcon de la casa que ocupaba en la ciudad feliz. Es juzgado por la muerte de Muñiz y declarado culpable en un juicio polémico y mediático.

ENCUENTRA LA MUERTE EN LOS CERRILLOS

En cumplimiento de su condena, Monzón es alojado en el penal de Batán, cercano a Mar del Plata, luego en la cárcel de Junín, y finalmente en el centro de reclusión de Las Flores, en la ciudad de Santa Fé. Tras largos años de encarcelamiento, logra conseguir algunos fines de semana libres, teniendo que retornar por las noches a Las Flores. En ese ámbito, encuentra la muerte en el verano de 1995, en brutal accidente automovilístico en el paraje Los Cerrillos de Ruta Provincial, en la provincia de Santa Fé. Su automóvil Renault 19 gris, queda convertido en chatarra, tras morder la banquina con su rueda delantera derecha, el vehículo voló, dando casi siete tumbos, y casi a 35 metros de la banquina detuvo su descontrolada marcha. Muchos lo recuerdan como un gran boxeador. En el ranking libra por libra de todos los tiempos del sitio web Boxrec fue ubicado en la posición 7. La revista The Ring lo colocó en el número 11 de la lista de los mejores boxeadores históricos.
En 1990 fue incorporado al Salón Internacional de la Fama del Boxeo. Más allá de la Nostalgia.

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CARLOS MONZÓN: COSECHANDO AMORES y ODIOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA BATALLA DE ROMA
Corría el año 1970 y a Carlos Monzón le tocaba disputar una pelea que a decir verdad le cambiaría la vida, era el combate con el boxeador italiano Nino Benvenuti por el Campeonato Mundial de los Medianos en el Pallazo Dello Sport de Roma. Para muchos críticos deportivos esa fue «La batalla de Roma», y que el enfrentamiento hizo reconocer a Monzón, como el gran boxeador de todos los tiempos. En la partida desde Buenos Aires, muy pocos familiares de Monzón solamente marcaron presencia en el Aeroparque de Ezeiza, ya que el púgil no era el favorito. Nadie creía en Argentina que ganara la disputa. El destino quiso todo lo contrario, ya que Carlos «Escopeta» Monzón ganó por KO. El «tano» venía con todas las luces prendidas y credenciales a flor de piel, con grandes triunfos y pocas derrotas, así y todo Monzón no lo perdonó, tirándolo de brutal manera, de un derechazo, en el duodécimo asalto, sorprendiendo a todos en el mundo, convirtiéndose en campeón absoluto. Esa vez el recibimiento en Argentina fue apoteótico con largos festejos por la Avenida Corrientes y alrededores, cuando el pugilista apareció montado en la caja de un viejo camión rodeado de decenas de personas. Así y todo, Benvenuti pidió la revancha que se realizó en Mónaco ésta vez, meses después, donde en el tercer asalto le tiraron la toalla desde el rincón, ya que estaba siendo muy castigado. Volvió a triunfar Monzón. Carlos Monzón. 1

87 PELEAS GANADAS, 3 DERROTAS, 9 EMPATES
En su brillante carrera por el boxeo Monzón ganó por 87 veces -59 knockouts, 28 decisiones- perdió tres veces, tuvo nueve empates y un combate sin veredicto. Luego de las peleas con Benvenuti, llegaron los encuentros con Emile Griffith, el 25 de septiembre de 1971 en el Luna Park de Baires, Denny Moyer, el 4 de marzo de 1972, en Roma, Jean-Claude Bouttier, el 17 de junio de 1972, en París, con Tom Bogs, el 19 de agosto de 1972, en Copenhague, con Bennie Briscoe, el 11 de noviembre de 1972, en Buenos Aires, nuevamente con Emile Griffith, el 2 de junio de 1973, en Montecarlo, con Jean-Claude Bouttier, el 29 de septiembre de 1973, en París, con Mantequilla Nápoles, el 9 de febrero de 1974, en París, y màs adelante habrían más. Paralelamente al boxeo, en 1974 fue convocado por el director y guionista Daniel Tinayre -quien fuera esposo de Mirtha Legrand- para estelarizar la película «La Mary». Es allí que conoce a Susana Giménez, quien sería también coprotagonista de la película. Demás está agregar que Monzón era un púgil ya famoso a esa altura, pero no un actor, y sus deficiencias en los parlamentos forzaron a los diferentes productores del filme a contratar a un profesional, para doblar su voz. Se estrenó el 8 de agosto de 1974, en Argentina y Uruguay, con un elenco brillante: Susana Giménez como «Mary», Carlos Monzón encarnando a «Cholo», Alberto Argibay, Dora Baret, Teresa Blasco, Juan José Camero, María Rosa Gallo, Dora Ferreiro, Antonio Grimau, Leonor Manso, Ubaldo Martínez, Olga Zubarry, Guillermo Battaglia, entre otros. Actualmente «La Mary» es considerada una película de culto.

SUSANA GIMÉNEZ, SU ETERNA PASIÓN

Durante el rodaje de «La Mary» nace el amor y la pasión entre Giménez y Monzón. Compartiendo días de rodaje, se hicieron amigos, jugaron a las cartas, se fueron de paseo, a veces a almorzar y otras a cenar, y la pasaron bien en una palabra. Se comenta a viva voz que no les costó demasiado grabar las escenas más íntimas de la cinta, es más se dice que hacían ambos oídos sordos al escuchar la palabra «corten!»… seguían en lo suyo acaloradamente como si tal cosa. La pareja desprendía fuego y duró por cuatro largos años. Vivieron juntos, viajaron por el mundo; ella acompañando a Monzón en su ruta de boxeador y hasta disfrutaron una luna de miel permanente. A Susana le daba brillo estar al lado de la figura de Monzón, y más allá de todo, Susana le enseñó a Monzón a compartir una vida social que hasta ese momento el no conocía. Le enseñó a vestirse, a estar y a compartir una mesa, modales, y más. Con el tiempo la pareja se fue deteriorando, pasando por momentos vehementes de Carlos Monzón hacia Susana Giménez, hasta que ésta no soportó más las durezas y le dió la despedida. Hasta el día de su desaparición Monzón sostuvo que «Susana fue el amor más grande de mi vida. Fué mi pasión… «

SE ENTERO POR UNA REVISTA
Mercedes Beatriz «Pelusa» García, la esposa de Monzón, se entera por una revista de espectáculos de las andanzas de su marido con Susana, y pone el grito en el cielo. Cuando regresa éste a su casa en Santa Fé, su mujer no lo tolera y le pide que se vaya del hogar, a lo que Carlos accede; solamente regresaría esporádicamente para visitar a sus hijos. Mientras continuaba su entrenamiento, pelearía en el Luna Park, con Tony Mundine, el 5 de octubre de 1974, en Nueva York, con Tony Licata, el 30 de junio de 1975, en París, con Gratien Tonna, el 13 de diciembre de 1975, y en Montecarlo, con Rodrigo Valdez, el 26 de junio de 1976 y el 30 de julio de 1977, siendo éstos sus dos últimos combates, retirándose definitivamente de la práctica del boxeo. Mientras tanto participaba de los filmes «Soñar, soñar» de Leonardo Favio, «Amigos para la aventura», y «Las locuras del profesor» de Palito Ortega, y «Los hijos de López», y «Un loco en acción», de Enrique Dawi.
Luego del alejamiento del ring, Carlos Monzón entra en la otra etapa sombría de su vida que supo de noches intensas, de lujurias, combinadas con alcohol y vehemencias. Más allá de la Nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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CARLOS MONZÓN: ENTRE LA GLORIA y EL FEMICIDIO – PRIMERA PARTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UNA PEGADA VIOLENTA…
Muchos lo reconocen como el gran boxeador de todos los tiempos en Argentina, de una pegada violenta que repercutía intensamente en la humanidad de sus contrincantes. Hasta cuando retrocedía continuaba lastimando a sus combatientes con los puños. Campeón Mundial en su rubro, con infinidad de peleas obtenidas por knockout. Carlos Monzón. 1 Comenzando a entrenar cuando era un adolescente pobre, pensando siempre en la remota posibilidad de llegar algún día a convertirse en un grande del deporte en el Gran Buenos Aires. Más allá de sus condiciones, el destino quiso que se transformara en ídolo mundial, admiradado, y hasta a veces temido por sus propios desafiantes en el ring. De origen sumamente humilde, de ascendencia mocovi -pueblo indígena de Argentina desprendido del conjunto de los gualcurües, que aún perdura en las zonas que habitan, Formosa, Santa Fé y Chaco- de familia muy golpeada, tuvo que dejar la escuela para salir a trabajar a los once años para ganarse la vida lustrando zapatos por las calles, vendiendo diarios, soda y hasta repartiendo leche, llevando el producido a su hogar para ayudar a sus padres y hermanos. La historia de Carlos Monzón empieza de una manera sacrificada, en jornadas cuando se comía salteado y se pasaban precariedades en muchos sentidos. Fue de menos a más en su carrera, llegando a la cúspide, para luego de su retiro conocer su otra cara, su triste verdad: la de su vida en la noche, de farándula, rodeado de mujeres, de aventuras fáciles, de alcohol, y hasta de femicida, de lamentable final.

BARRANQUITAS, BARRIO DE CASITAS FEDERALES
Los padres de Carlos Roque Monzón se llamaban Amadia Ledesma y Roque Monzón, y Carlos fue el quinto hijo del matrimonio, llegado a éste mundo el 7 de agosto de 1942 -hubiese cumplido 77 años en éstos días- en la localidad de San Javier, en provincia de Santa Fé. Ya en 1950, los Monzón deciden afincarse en la ciudad misma de Santa Fe, en la búsqueda urgente de nuevos horinzontes, pasando a vivir en Barranquitas, barrio de casitas federales, de laburantes. El sustento había que salir a buscarlo y no era nada fácil, y Carlos siendo un muchacho se ponía a vender refrescos en los partidos entre los equipos de Colón y Unión, donde asistían miles de personas en ese tiempo. Llamado por la curiosidad que en la sede del Club Unión se enseñaba boxeo, hacía allí se dirige Carlos, interesándose desde ese momento en esa disciplina, pero tratando de ocultar siempre su condición, para de esa forma otorgarle a su familia una mejor vida en todo sentido. Su primer encuentro entre las sogas fue a nivel amateur, el 2 de octubre de 1959 y el último, antes de hacerse profesional, el 12 de diciembre de 1962 como boxeador de peso medio. Su principal entrenador fue Amílcar Brusa, quien murió el 27 de octubre de 2011. Cuando lo conoció, tenía siete peleas como aficionado y había perdido dos; con Don Amílcar hizo 80 combates más como amateur, hasta llegar a ser en breve tiempo Campeón de Boxeo de Santa Fé. Su arribo a Buenos Aires era inminente. Concretando anhelos, llegarían tiempos mejores en su trayectoria. Ya en 1970, exactamente el 7 de noviembre, Monzón alcanza el título de Campeón Mundial en la Categoría Medianos, defendiéndolo satisfactoriamente en 14 ocasiones, hasta su retiro el 29 de agosto de 1977.

LOS GUANTES, EL RING y EL CONTRINCANTE
A base de entrenamientos duros, régimen de alimentos, caminatas, y luchas diarias con sparrings en el gimnasio, traza objetivos y se encamina por distintos combates, siendo lo más importante para él: los guantes, el ring, y el contrincante. El 6 de febrero de 1962 debutó como profesional, al enfrentarse a Ramón Montenegro, a quien derrotó por KO. Pero, entre 1963 y 1964 debido a su inexperiencia y la propia calidad de los rivales, sufrió algunas derrotas; por suerte a partir de 1965, sus presentaciones se dieron vuelta y ganó siempre. El 1o. de febrero de 1966 es coronado Campeón de los Medianos en Santa Fe, y el 3 de septiembre del mismo año logra su combate en el Luna Park, derrotando a Jorge Fernández, al que llamaban «El torito de Pompeya» obteniendo el título de Campeón Argentino de Peso Mediano. Luego de ganarle a Fernández, se fué raudamente a Santa Fé -para con lo que logró económicamente- a levantar su casa a puro ladrillo, haciendo de constructor y albañil, sorprendiendo a todos, para que su familia tenga un techo y piso de cemento. Estaba cerca, la tan sonada pelea con el púgil italiano Nino Benvenuti, el Campeón Mundial de los Medianos. Al momento de anunciarse éste combate nadie daba nada por Monzón, no era el favorito. Cuando viaja rumbo a Roma por el enfrentamiento solamente sus familiares estaban en el aeropuerto, para saludarlo y desearle buena suerte.

INVESTIGACION DEL FEMICIDIO
Paralelamente, a sus entrenamientos y peleas, Monzón se habia casado en primera instancia con Zulma Encarnación Torres, con la cual tuvo un hijo, Carlos Alberto, el mayor, y despues de divorciarse contrajo enlace con Mercedes Beatriz García, más conocida como «Pelusa», teniendo con ella tres hijos, Silvia, Abel y Carlos Raúl. En esos años todavía no habían arribado a la vida del boxeador, la vedette y modelo de entonces Susana Giménez, la también modelo uruguaya Alicia Muñiz -a quien ultimaría- entre otras mujeres famosas y otras menos conocidas. El 17 de junio de 2019, el canal Space estrenó la miniserie «Monzón», producida por Disney Media Distribution Latin America y Pampa Film, que narra su vida, haciendo foco principalmente en la investigación del femicidio por el cual fue condenado. Más allá de la Nostalgia.

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GILDA: EL MITO A 23 AÑOS DE SU ADIOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA CONDICIÓN DE SANTA POPULAR

El 7 de septiembre de 1996, en el kilómetro 129 de Ruta Nacional 12, en Villa Paranacito, cuando se dirigía al norte de la provincia de Entre Ríos, en Argentina, encontró la muerte una de las cantantes de ese momento, Gilda, a los 35 años de vida. Estaba cumpliendo con infinidad de presentaciones personales cada semana, y si bien ya habían atravesado algunas situaciones de tránsito sin importancia, meses atrás, ésta vez el destino quiso lo contrario. Un camión embistió el ómnibus donde viajaba falleciendo ella, su madre Tita, su hija Mariel de quince años, tres de sus músicos, y el chofer del vehículo. Desde su partida, muchos seguidores le atribuyen la condición de santa popular, debido a que creen que ha realizado varios milagros. Sin ir más lejos, existe un santuario en el interior del autobús accidentado y en el lugar donde ocurrió la tragedia, teniendo infinidad de visitas de sus admiradores y público en general. Una artista con talento, transmitiendo sentimientos, que se fue muy joven, en el momento más trascendente de su carrera. Fue hace 23 años. Gilda. 1

NO ES MI DESPEDIDA

Increíblemente, Gilda estaba disfrutando del éxito de varias canciones, una de ellas, la última que escribió, «No es mi despedida», con una letra realmente muy tocante de corazón: «Quisiera no decir adiós, pero debo marcharme, no llores por favor no llores, porque vas a matarme…» Aquella vez debía cumplir con su show en Chajari, pero al chocar la unidad, fue todo infausto con el sonido de chapas retorcidas y los gritos desgarradores de varios de los ocupantes. Algunos con fuertes golpes, pero sin gravedad, como Toti Giménez, pareja y productor de Gilda, terminaron desmayados a cuarenta metros del lugar, tirados en el pasto sin saber que había ocurrido o que hacían ahí. Otras doce personas terminaron heridas. Había quedado atrás para Gilda, el haber recibido el Disco de Oro por Superventas por «Corazón valiente», álbum lanzado en 1995 y entregado por Leader Music en uno de los bailables más destacados del Gran Buenos Aires, Metrópolis. Se sumaban otros hits de la intérprete: «Fuiste», «Un amor verdadero», y «Paisaje», con la emblemática instantánea de la carátula, en la que Gilda posa para la posteridad con la corona de flores observando que pasaba bien arriba. Los temas se erigieron en himnos, escuchándose por todos los sitios, sonando permanentemente no solo en Argentina, sino en casi toda América, inclusive Uruguay, a lo largo y a lo ancho. En ese entorno, efectuó giras por Bolivia y Perú, quedando truncas salidas en Montevideo, donde ya estaba programada. Una de las fotos más promovidas de la cantante. 4

LA HISTORIA COMIENZA EN BUENOS AIRES

La verdadera historia de Gilda se inicia en Buenos Aires, donde nace bajo el nombre de Miriam Alejandra Bianchi, el 11 de octubre de 1961. Después de la primaria, empezó a estudiar para recibirse de maestra jardinera y profesora de educación física, pero al dejar de existir su padre, debió interrumpirlas en 1977, para pasar a hacerse cargo del lugar donde residían. Al poco tiempo se casó teniendo dos hijos, Mariel y Fabricio Cagnin. Atrapada por la música y el canto, en un aviso publicado en prensa escrita, solicitaban cantantes para un conjunto. Allí se dirigió Gilda. Su voz, personalidad, y condiciones ganaron un espacio en una agrupación del lineamiento tropical. Claro, que su familia no deseaba para nada que ella ocupara ese lugar, pero después de un tiempo cedió, brindándole un apoyo total. Deseando crecer en el rubro, conoce a Toti Giménez, compositor y tecladista en ese momento de la agrupación de Ricky Maravilla, que se transforma primero en su pareja de la vida y luego en su productor artístico, lanzándola como solista ingresando por la puerta grande de la música en general. Y «La puerta» se coloca como hit, conjuntamente con «Se me ha perdido un corazón», «Rompo las cadenas», «No te quedes afuera», «Tu cárcel», y «Corazón herido», entre otros.

SE PASEA ENTRE EL BRILLO y EL COLOR

Es tan fuerte el suceso, que hasta otros artistas desean versionar los temas de Gilda. Los Charros, Attaque 77, Natalia Oreiro, Leo García, por citar algunos de los nombres, se preocupan para incluir en su material fonográfico los temas de la compositora e intérprete. Ella en su corto periplo se pasea entre el brillo y el color, logrando sendos discos de oro, de platino y de doble platino, por ventas millonarias en todos los sitios. De esa forma se convirtió en una referente de la música de la vecina orilla. Con canciones que mantienen vigencia hasta hoy en día. Es un mito. Más allá de la nostalgia.

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LAURA BRANIGAN: UN MITO QUE DURARA SIEMPRE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN DIA COMO EL DE HOY, PERO DE 2004

Un día como el de hoy, 26 de agosto, pero de 2004, hace quince años, se fue rumbo al cielo Laura Branigan. Ocurría cuando dormía en su chacra en East Quogue, en Nueva York. La causa se atribuyó a un aneurisma cerebral ventricular no diagnosticado previamente. En aquel momento se informó a los diferentes medios que había experimentado dolores de cabeza durante varias semanas antes de su desaparición, pero no buscó atención médica. Las cenizas de Laura fueron esparcidas por Long Island Sound, tenía tan solo 52 años, y quedaba atrás una carrera brillante en la música y el cine, donde fue presentando canciones que quedaron en el recuerdo eterno de todos, convirtiéndolas en himnos absolutos que se pegaron en las diferentes pizarras de éxitos por todo el mundo. Así, en la pasada «Noche de la Nostalgia» se escucharon mucho «Gloria» y «Self control», con total vigencia.

Laura Branigan

Laura Branigan

ERAN CINCO HERMANOS

Laura Ann Branigan nació el 3 de julio de 1952, en Brewster, Nueva York. Fue la cuarta de cinco hermanos, hija de Kathleen O’Hare Branigan, ama de casa, y James Branigan, un ejecutivo de cuentas y corredor de bolsa, quienes al tiempo se separaron. Laura concurrió a Byram Hills High School desde 1966 a 1970, estelarizando un musical en la secundaria, «The Pajama Game», en su último año. Entre 1970 y 1972, asistió a la Academia Estadounidense de Artes Dramáticas de Nueva York, y se desempeñó como camarera. En 1972 conoce al violero acústico Walker Daniels y su futura esposa Sharon Storm, y al también guitarrísta Chris Van Cleave, formando Meadow, agrupación de folk rock. Un año más tarde, 1973, con el bajista Bob Valdez edita su álbum debut, «The Friend Ship», junto a los simples «When you were young», y «Cane and Able». Durante los años posteriores, después de que Meadow se desintegrara, Laura consiguió varios trabajos, incluído un período como cantante telonera de Leonard Cohen, para su tournée europea durante los meses de abril, agosto, 1976. Lo mejor estaba por llegar.

DISCO DE ORO y PLATINO POR SUPERVENTAS

En una fiesta en Manhattan, conoce al abogado Larry Ross Kruteck, y en diciembre, 1978, Laura se casa con él, siendo éste 16 años mayor. Larry al margen de convertirse en su esposo, cuido la imagen de Laura, dándole una mano en su carrera, hasta que deja de existir el 15 de junio de 1996, debido a un cáncer de colón. En 1979, Branigan firma con Atlantic, y en 1981 lanza «Looking out for number one», desde su producción inédita «Silver dreams». Le siguieron «Tell him» y «Fool’s affair». Ya en 1982 edita «All night with me», de su nuevo disco, alcanzando el número 69 en Billboard, en los primeros meses de ese año. El álbum contenía distintos ritmos, incluído uno de los pocos temas compuestos por Laura, «I wish we could be alone». Asimismo, «Gloria», grabada en 1979 por el cantautor italiano Umberto Tozzi de gran impacto por Europa, es promovida como el segundo simple del LP. La versión de Laura, algo distinta de la original, es arreglada por el propio arreglador de Tozzi, Greg Mathieson, quien actualizó su producción junto a Jack White, para darle un toque norteamericano que coincida con la nueva letra en inglés. En primera instancia, las emisoras USA no propalaron el tema, pero si lo hicieron luego que los dancings comenzaron a tocarla, convirtiéndolo en uno de los mayores hits bailables de la década de los ochenta. El álbum se erigió en disco de oro, y el simple colocó más de dos millones de ejemplares solamente en los Estados Unidos, siendo finalmente certificado como platino.

DESTROZANDO LOS CHARTS CON «SELF CONTROL»

Durante el apogeo en la música, Laura también hizo apariciones como actriz, primero en 1981 en «An American Girl in Berlin», para la tele de Alemania Occidental, y luego del suceso de «Gloria», se convierte en invitada especial en algunas series tales como «Chips», «Automan» y «Knight rider». Luego llegarían películas en producciones independientes, incluída «Mugsy’s girls», y el filme australiano «Backstage». En 1984, Laura destrozaría los charts con «Self control», tema principal de su tercer disco-grande, convirtiéndose en su mayor impacto a nivel internacional, encabezando las listas de infinidad de países, especialmente Alemania, donde se paró durante seis largas semanas en el primer lugar. En Norteamérica trepó al casillero número cuatro, en el Reino Unido No. 10, y en el orbe fue un hit de tremendas dimensiones. En 1982, fue nominada al Grammy por su interpretación de «Gloria», y en 1983, por el álbum «Imaginación» -desde la banda sonora de «Flashdance»- en 1984, American Music Awards la destaca por el clip de «Self control», y en el Tokio Music Festival, obtiene el Premio Grand Prix a la mejor interpretacion vocal. Hasta el año de su desaparición, Laura Branigan continuó en actividad constante. Más allá de la nostalgia.

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PETER FONDA: UN ICONO CINEMATOGRAFICO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA AVENTURA DE CRUZAR ESTADOS UNIDOS

Cuando se estrenó la película «Easy rider» -»Buscando mi destino»- la fui a ver al Cine Trocadero, ubicado justo en la esquina de 18 de julio y Yaguarón. en Montevideo. En ese momento, estaba realizando mi debut profesional por las radios con «Meridiano Juvenil», tu mediodía joven, espacio de música underground que se emitía por C X 26 y C X 38, Emisoras del Sodre. Llamado más que nada por su espectacular banda de sonido, que integraban The Band, The Byrds, The Jimi Hendrix Experience, Roger McGuinn, y Steppenwolf, me acerqué a la sala, para disfrutar de esos artistas y saber de que se trataba la cinta. Allí, me enontré con el trabajo actoral de Peter Fonda y de un muy buen reparto compuesto por Dennis Hopper, Jack Nicholson, Phil Spector y Luke Askew, entre otros.Peter Fonda and wife Parky Fonda La película desarrolla la historia de Wyatt -Peter Fonda- y Billy -Dennis Hipper- que se embarcan en un viaje en moto cruzando buena parte de Estados Unidos con el objetivo de asistir al carnaval Mardi Gras. Para financiar el viaje, se sirven del tráfico de cocaína en la frontera con México, y con sus motocicletas emprenden un viaje en el que conocen diversas caras de la sociedad norteamericana. En el camino se encuentran con diversos y poco habituales personajes, un ranchero y su familia, un hippie, y terminan siendo arrestados en un poblado por desfilar sin un permiso, donde conocen a un abogado alcohólico -Jack Nicholson- que les saca de la cárcel y luego decide unirse a ellos. Dirigida por Dennis Hopper, producida por Peter Fonda, bajo el guión de Peter Fonda y Dennis Hopper, con un costo de U$ 400.000, llegando a recaudar la exquisita cantidad de 60 millones de dólares. Un éxito formidable de taquilla. Desde ese momento, «Easy rider», fue con Peter Fonda, uno de mis films favoritos.

LA CONTRACULTURA DE LOS SESENTA
«Easy rider» fue también ganadora de numerosas distinciones y candidata a otras muchas. Considerada un hito de la contracultura de los sesenta y película de culto fundamental en la historia del cine en USA y del mundo. Precursora de la producción independiente, apareció en el puesto 88 en la lista «100 años, 100 películas» del American Film Institute. Diez años más tarde se ubicó en el puesto 84 de la versión actualizada de la lista. En 1988, «Easy rider» fue considerada cultural, histórica y estéticamente significativa, por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. Si bien fue uno de los puntos más altos en la carrera de Peter Fonda, como actor, guionista y productor, éste ya venía con buenas credenciales interpretativas. En 1960 actuaba en el Cecilwood Theatre de Nueva York, y en Broadway gana notoriedad en «Blood, sweat» y «Stanley Poole», escritas por James y Willliam Goldman, logrando 84 presentaciones en 1960 y 1961. Luego pasó a la televisión como figura invitada en diferentes series: «Naked city», «The new breed», «Wagon train» y «The defenders».

UN SINFIN DE PRODUCCIONES
La primera cinta de Fonda se produjo cuando el productor Ross Hunter estaba seleccionando un nuevo actor para llevar adelante un romance con Sandra Dee en «Tammy and the doctor», en 1963. El mismo año, continuó con «The victors», valiéndole a Fonda un Premio Globo de Oro. Seguiría en la pantalla chica nuevamente como invitado especial en «Channing», «Arrest and trial», «The Alfred Hitchcock hour», y «12 O’Clock high». 1964 sería el año de «Lilith», junto a Warren Beatty, Jean Seberg, y Gene Hackman. Meses después, rodaría «The young lovers» bajo la dirección de Samuel Goldwyn Jr. El primer protagónico de Fonda orientado a la contracultura fue también como motociclista en «The wild angels», en 1966, con Bruce Dern, Nancy Sinatra y Diane Ladd. Más adelante, «The trip», 1967, «Spirits of the dead»,1968, y «Certain honorable men», también en 1968, hasta que ya estaba por concretarse, su gran momento en «Easy rider».

SE FUE A LOS 79 AÑOS
Peter Henry Fonda nació el 23 de febrero de 1940 en Nueva York. Hijo de Frances Ford Seymour y del también actor Henry Fonda. Su hermana era la actriz Jane Fonda, nacida en 1937. Peter y Jane tenían una media hermana, Frances de Villers Brokaw, del primer matrimonio de su madre, Frances, quien se suicidó en un hospital psiquiátrico cuando Peter tenía tan solo diez años, aunque éste no descubrió las circunstancias ni el lugar de su muerte hasta que llegó a la edad de quince años.
Peter estudió actuación en Omaha, Nebraska, la ciudad natal de su padre, y después siguió en la Escuela Fay, en Southborough, Massachusetts, y en la Academia Westminster, en Connecticut. Lamentablemente, Peter Fonda, falleció de insuficiencia respiratoria causada por cáncer de pulmón, en su casa de Los Angeles, California, el pasado 16 de agosto, a los 79 años. Lo despidieron su esposa, Margaret «Parky» DeVogelaere, su hija, también actriz, Bridget Fonda, su hermana, Jane Fonda, y Troy Garity, su sobrino. En 1998, había escrito su autobiografía, «Don’t tell dad: a memoir». Su actuación en «Easy rider» será recordada por siempre. Más allá de la nostalgia.

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MICHEL FUGAIN: EL SHOWMAN DE CIUDAD LUZ

SE LE CONOCIÓ POR «NO TOCA BOTÓN»
Seguro que alguna vez tuvieron la oportunidad de apreciar el comienzo de «No toca botón» en la tele o en algún dvd con el sonido a viva voz de un tema rítmico que funcionaba a manera de cortina del programa. Se trataba de «Attention mesdames et messieurs» del cantante francés Michel Fugain. La canción sumamente pegadiza se coló en el gusto popular de la gente y se convirtió en un gol de media cancha, dando a conocer al artista, si bien éste ya venía con muy buenas credenciales y extensa biografía en sus lares y también en algunas ciudades europeas. La obra de letra particular en español, especial para un espacio que identificaba al «negro» Alberto Olmedo: «Atención, señoras y señores, en un momento comenzaremos… siéntate en tu silla, 5, 4, 3, 2, 1, 0, todos los proyectores se encenderán, y todos los actores cobrarán vida al mismo tiempo… « Fue apabullante el suceso, muchas veces comentado publicamente por Hugo Sofovich, productor del humorístico y hasta por el propio Olmedo. Michel Fugain. 1 Mientras se mantuvo en el aire «No toca botón» la característica musical fue inicio, leitmotiv y cierre de los diferentes capítulos. Así fue como el showman de París, Michel Fugain fue ganando adeptos por el Río de la Plata.
UNA BELLA HISTORIA
La historia de vida de Michel Fugain da comienzo el 12 de mayo de 1942, cuando llega a este mundo en una ciudad del sureste de Francia, Grenoble. Cuenta en la actualidad con 77 años. Hijo del doctor Pierre Fugain que lo destina a convertirse en neurocirujano mientras su madre observa en Michel una carrera como pianista, abandona sus estudios en el primer año de medicina; contaba con veintiuna primaveras, y se pone a estudiar de lleno música y canto. Pero, ya en 1964 le brota la composición, y se dedica a escribir temas para Ediciones Barclay, siendo sus primeras creaciones interpretadas por Marie Laforét, Hervé Vilard, Hugues Aufray, y Dalida, entre otros. Cinco años más tarde, en 1969 lanza su primer álbum, «Je n’aurai pas le temps». Inteligente, rápido y creativo, en 1972 crea Big Bazar, grupo artístico y musical de 15 componentes. En ese preciso momento produce «Una belle histoire» y «La féte», realizando una adaptación del tema brasileño «Voce abusou» -de Antonio Carlos y Jocafi- registrándolo como propio, llamándole «Fais comme l’oiseau». La canción se convirtió en el himno del Partido Socialista Francés. El dúo brasileño, al enterarse del plagio, inició una demanda judicial, que finalmente ganó. Sin embargo, la mayor parte de los franceses creen que la canción es de Fugain. Big Bazar dejó de existir en 1976.
VIVA LA VIDA
Después de hacer fehacientemente un estudio de mercado, Fugain funda en 1977 la Compagnie Michel Fugain, con Roland Magdane. En 1979, le da vida a un taller de comedia musical -un verdadero campo de entrenamiento para artistas jóvenes en ese rubro- en Niza, en los Estudios de la Victorine. De 1981 a 1986, prácticamente desaparece de la escena, editando solamente un álbum, «Capernaum», en 1981, y «The girl of Rockefeller» en 1985, haciendo algunas giras acompañado de una gran orquesta en directo. Regresó al éxito en 1988 con la canción «Viva la vida», imponiéndola en Francia y alrededores. Después de haber compuesto el disco de Michel Sardou, en 2000, lanza en el siguiente año un nuevo álbum a los 58 años. Producido en su propio estudio, Encore presenta once temas cuya música fue escrita por Fugain con la letra de otros autores: Claude Lemesle y Brice Homs.
ATTENTION MESDAMES ET MESSIEURS
La muerte de Laurette, su hija, el 18 de mayo de 2002, lo lleva a encerrarse solo en su bunker de L’Île-Rousse, deseando acortar su carrera, para realizar solamente lo esencial en presentaciones. Seguiría con «Attention mesdames et messieurs», en 2005, y «Bravo et merci», última producción en forma de homenaje a sus pares, donde interpreta textos ofrecidos por Michel Sardou, Maxime Le Forestier, Claude Nougaro y Charles Aznavour. También se convierte en el padrino del Festival de Auris, en Oisans. Michel Fugain está casado con Sanda, «la mujer que le da sabor a mi vida…», según sus propias palabras. Contrajeron enlace hace unos años, luego de más de una década de conocerse, y estar en pareja durante mucho tiempo.
La ceremonia nupcial tuvo lugar en Córcega, y fue solamente para la familia y muy allegados a la pareja. A partir del próximo mes de Octubre, Fugain iniciará una tourné por distintos lugares de Francia y Bélgica. Más allá de la nostalgia.

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RODOLFO ZAPATA: LA RUTA DE UN CAMPEÓN DE LA VIDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DE CORTE HUMORISTICO, DE DOBLE SENTIDO

Cantante de temas simples, que el mismo creaba, casi siempre solo, que se transformaban en pegadizos ciento por ciento. «No vamo’ a trabajar» es su ejemplo más sonado, que mantiene vigencia absoluta hasta éstos días, tarareado hasta por las barras bullangueras de los estadios de fútbol del Río de la Plata. Artista de teatro, cine y tv, poseedor de un talento impresionante que atrapaba multitudes desde los escenarios cuando actuaba ante miles de personas, ya sea en el interior de Argentina o en Uruguay, tomando su guitarra y soltando los primeros compases de «La gorda»… «Señores yo no soy muy flaco, pero de corazón tierno, y tengo una novia gorda, para pasar el invierno. Pesa ciento treinta kilos, se come un lechón entero, que me importa que sea gorda, si pa’ correr no la quiero…» De corte humorístico, de doble sentido se fue metiendo en el corazón de la gente, a lo largo y a lo ancho de su extensa carrera, hasta que el pasado 1o. de agosto se fue a sus 87 años rumbo al cielo. Bonachón, querible, apasionado de la profesión, hombre de familia, amigo de los amigos, Rodolfo Zapata, no fue un exponente más de la música o de la grey artística, fue un pedazo de la vida misma. Rodolfo Zapata. 1

ENTRE EL FOLKLORE y EL CLUB HURACÁN
En barrio Parque Patricios estaba su amor. Si, amor por el fútbol, con el Club Huracán, allí donde concurría asiduamente para estar con aquellos jugadores que hacían malabares con la pelota de fútbol, los verdaderos cracks que aplaudía la multitud vivando por sus colores preferidos, los del «globito»: Miguel Brindisi, Roque Avallay, o Carlos Babington, entre otros, componentes del equipo campeón argentino de 1973. Su sentimiento y pasión lo llevaba a acompañarlos en las concentraciones entonando su folklore tan particular para entretenerlos con una sonrisa a flor de piel y dejarlos contentos. Así, fue pasando el tiempo al compás de su mensaje, el que de a poco fue brindando comenzando bien de abajo en su casa paterna de Nueva Pompeya en la ciudad de Buenos Aires. Llegó a éste mundo el 10 de mayo de 1932, y ya con diez años de edad comenzó a estudiar guitarra y danza. Exactamente en 1946, con solo 14 carnavales en su haber debuta en la compañía teatral de Olinda Bozán y Francisco Alvarez, demostrando que su talento daba para mucho más. Tres años más tarde, en 1949 aparece por primera vez en la pantalla grande en el filme «Crisol de hombres» con Fernando Siro. También en ese año participa de «Vidalita», haciendo de doble de los mismísimos pies de Mirtha Legrand bailando un característico malambo, asombrando a todos ante su realización.

MALAMBO EN LA NOCHE
En los primeros meses de 1957 escribe y compone «Malambo en la noche», tema que lo registran Horacio Guarany y Antonio Tormo, siendo muy promovido en territorio argentino a nivel radial. Decidido a continuar en la ruta de la composición, junto a Ernesto Cabeza, componente de Los Chalchaleros, se dividen la autoría de «La gorda», hit que inicialmente fuera grabado por dicha agrupación. El tema se convierte en suceso y debido a eso, a Rodolfo Zapata se le abre de par en par la posibilidad de grabar un álbum como solista tentado por una novel fonográfica. En 1965 llegan «Regalito», «No vamo’ a trabajar» y «La gorda» en su propia versión, siendo tan rotundo el éxito que Argentina Sono Film le ofrece hacer como protagonista «La gorda», película en blanco y negro dirigida por Rubén W. Cavallotti según el guión de Gius -seudónimo de Augusto Giustozzi- que se estrena el 14 de abril de 1966, con Nelly Beltrán, Marta González, Rosángela Balbo, y el propio Zapata, donde un cantor aficionado abandona su pueblo para ir a la capital, donde se enamora de una muchacha, pero no podrá librarse de su rellenita novia que dejó en su lugar natal. Una trama ligera, pero simpática y eficaz en el humor.

MAS PELÍCULAS, TEATRO y ALGUNAS GIRAS
En 1969 estelariza otra cinta, lo hace con Susana Brunetti, Fidel Pintos, y Horacio Bruno, en «Un gaucho con plata», dirigida por Angel Acciaresi, bajo libretos de Abel Santa Cruz, estrenada el 26 de febrero de 1970.
En años posteriores continua lanzando discos y actuando en diferentes países de América y área latina de Estados Unidos, actuando en el mismísimo Madison Square Garden de Nueva York. En las tablas del teatro fue figura en «Los reyes del Tabaris», junto a Dringue Farías y Adolfo Stray. Vivió durante años en la ciudad de Bella Vista, partido de San Miguel, en provincia de Buenos Aires, destacándose como activo colaborador de varios centros de enseñanza donde presentaba su canto sin pedir honorarios para ayudar a recaudar fondos para las escuelas necesitadas. Se había casado con Martha su mujer durante muchas décadas hasta su fallecimiento, y su hijo es Rodolfo Zapata Jr., ex-futbolista y actual entrenador deportivo de reconocida actividad en el medio africano y norteamericano. Sus famosas «Picardías de Zapata» serán recordadas eternamente. Más allá de la nostalgia.

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RAPHAEL: 50º ANIVERSARIO DE «EL GOLFO»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EN LA MATINEE, EN LA TELE, EN EL CABLE
Se trata de una de esas películas, que uno recuerda con mucho cariño. «El golfo». Ocurrió en el año 1969, hace cincuenta años atrás, cuando Raphael se había convertido en un suceso mundial con espectaculares presentaciones en España, Inglaterra, Estados Unidos, Francia, y practicamente en todo el mundo. Sus shows en el Carnegie Hall en la 7h Ave. de Nueva York, en Theatre The Roundhouse de Londres, el Olympia de París, y el Madison Square Garden de La Gran Manzana, eran moneda corriente, con precios siderales de boletos y llenos totales de público. En esa carrera que fue siempre de menos a más, figuran en sus comienzos la obtención de festivales de la canción, y siendo muy joven la incursión en la tele del Río de la Plata, cuando junto al excepcional músico y arreglador Manuel Alejandro le acompañaba tocando el piano de cola, para él interpretar sus gloriosos himnos de la música hasta hoy día: «Yo soy aquel», «Mi gran noche», «Ave María», «Hablemos del amor», entre otros, ante la mirada de admiración y la conducción de Lila González y Américo Torres, en las siempres recordadas «Noches Brillantes» de Tiendas Angenscheidt, de Canal 4 Montecarlo TV, de los domingos a las nueve de la noche. En esos tiempos que transcurrían de blanco y negro en la pantalla chica, en 1966 Raphael filma su primera cinta como protagonista, «Cuando tu no estás», a la que le siguieron en años sucesivos: «Al ponerse el sol», 1967, «Digan lo que digan» en 1968, hasta llegar a «El golfo», y luego seis largometrajes más. «El golfo» fue una coproducción España-México de Aspa Producciones Cinematográficas, rodada en 1968 y estrenada al año siguiente, con proyecciones posteriores en las matinés, en la tele y en el cable. Triunfando en el Festival de Viña del Mar. 5
OCURRIO EN ACAPULCO
Bajo la dirección y guión de Vicente Escrivá, la música de Manuel Alejandro y la participación de Shirley Jones, Héctor Suarez, Pedro Armendáriz Jr., Patricia Morán, José Gálvez, y Ahui Camacho, «El golfo» se rueda en Acapulco, dentro del género comedia musical. El director Escrivá dirigió a Raphael en el momento más importante de su carrera como actor. Siendo ésta la primera colaboración entre ambos, que se extendería luego a dos títulos siguientes. Raphael declaró en sus memorias, que éste filme tiene un muy buen significado: «Fue el mejor de mi carrera…» sic. En el argumento mismo Mary O’Hara -encarnada por la actriz y cantante estadounidense Shirley Jones, que hoy cuenta con 85 años- una ejecutiva de una renombrada compañía norteamericana, sumamente aburrida por lo monótono de su empleo, se va de vacaciones a la gran bahía de Acapulco, en la costa del Pacífico de México, para tratar de distraerse y descansar. En su playa, sus esperanzas se derrumban cuando no hace más que encontrarse con caballeros rápidos sin ningún tipo de escrúpulos. Eludiendo todas las ofertas de amor, conoce a Pancho «El golfo» -Raphael- un joven que se gana la vida sacando dinero como puede. Solo Pancho dejará una huella en la vida de Mary, al compás de las canciones que va desarrollando la banda de sonido de la película.
ENTRE EL AMOR DE MARY y PANCHO…
Entre el amor de Mary y Pancho… Raphael canta en «El golfo»: «Cuando llega mi amor», «En Acapulco» -que abre la cinta- «Será mejor», «El Amor es triste» -«Love is blue»- «Me gusta pensar en ti», «El golfo» y más, siendo ese el punto más alto de la producción de muy buenos colores e imagen. El álbum con la banda de sonido del film fue lanzado por Récord Company-Compañía del gramófono-Odeón, S.A.E., editado aquí en Uruguay bajo los derechos de Palacio de la Música. Logró super ventas en muchos lugares, y no hizo más que consolidar la tan bien ganada fama del intérprete de Linares. Posteriormente a «El golfo», el español filma en 1969, «El angel» -Raphael- astuto y habilisimo cerebro gris especializado en células fotoeléctricas, es propietario de un elegante centro nocturno de Madrid, en la que se desempeña como cantante. El suicidio de su amiga Ivet lo sume en una gran crisis que lo lleva a entrar en un convento. Al frente del local queda un amigo suyo, y la desaparición de «El Angel» crea una tremenda sorpresa en todo el mundo. En 1970, llega «Sin un adiós», donde trata de una joven que tiene la oportunidad de pasar tres días en Mallorca, conociendo al cantante Mario Leyva, quien no es otro que nuestro conocido Raphael. Ya en 1973, «Volveré a nacer»; un cantante que fue acusado del asesinato de dos compañeros suyos, se escapa y se esconde con la compañía de su gerente.
PRECURSOR DE LA BALADA ROMANTICA ESPAÑOLA
En 2017 Raphael recibe la distinción «Toda una vida» de Madridiario. En 1982 le entregan un simbólico disco de uranio por las ventas de más de 50 millones de discos durante su carrera musical, premio único en el mundo también adjudicado a Michael Jackson y Queen. A Miguel Rafael Martos Sánchez a través del tiempo lo llaman: «El torbellino de la Alameda», «El monstruo de la canción», «El niño de Linares», o «El divo de Linares», y cuenta en la actualidad con 76 años, ya que es nacido el 5 de Mayo de 1943, en Jaén. Está unido en matrimonio con la periodista Natalia Figueroa desde el año 1972, con la cual tiene tres hijos, Jacobo, Alejandra y Manuel. Es el verdadero precursor de la balada romántica española. Actualmente se encuentra de gira mundial 2019. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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SPENCER DAVIS: ALMA MATER DE LA INVASIÓN BRITANICA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN MÚSICO MULTIFACÉTICO

Los que vivimos «in situ» los mediados de los sesenta, supimos disfrutar y apreciar aquella llamada «Invasión Británica» -British Invasion- con excepcionales bandas influenciadas por el rock and roll, el blues, y el rhythm & blues norteamericano, procedentes del Reino Unido, que alcanzaron notable popularidad a raíz del suceso de The Beatles, que invadieron USA y el mundo entero al compás de su música.Spencer Davis. 1 Con temas sencillos y pegadizos que ellos mismos elaboraban fueron penetrando figuras como Cliff Richard o Tom Jones, y grupos de nivel, estilo The Shadows, Rolling Stones, The Dave Clark Five, The Animals, The Who, Them, The Kinks, The Yardbirds, The Hollies y The Spencer Davis Group. En la corriente inglesa, estos últimos marcaron una notoria diferencia por su clase y estilo. Liderados por el multifacético Spencer Davis, que le puso su nombre a la agrupación, y el muy buen compositor y cantante de esos años, Steve Winwood, llamado por muchos «Genio del rock». Llegaron a encabezar las pizarras de éxitos y fama en EEUU e Inglaterra, a puro lanzamientos discográficos de singles y álbumes.

LA BANDA DE BIRMINGHAM
The Spencer Davis Group, procedente de Birmingham, estaba conformado por el propio Spencer Davis, vocalista y guitarra rítmica, Muff Winwood -hermano de Steve- bajista, Peter York en batería y Steve Winwood, primera guitarra, teclados, y voz líder. En 1964 firmaron con la fonográfica Fontana, lanzando varios sencillos: «Dimples», «I can’t stand it», «Every little bit hurts», y «Strong love». conviertiendo al cuarteto en uno de los mejores del medio británico. Más producciones fueron: «Keep on running», notable tema compuesto por Jackie Edwards, y producido por Chris Blackwell, llegando al tope de las listas británicas en noviembre de 1965, consiguiendo impactar también en USA pero llegando al número 76 de Billboard. Más tarde, «Somebody help me», «When i come home», «Gimme some lovin», “I’m a man”, “Time seller”, “Mr. Second Class”, y tras la falta de sucesos en sus últimos lp’s y simples: «After tea» y «Short change», The Spencer Davis Group se desintegra, aficándose Spèncer Davis en Estados Unidos, en donde graba en solitario regresando a los escenarios de manera independiente.

VIAJE y REGRESO
Mientras Steve Winwood se fue de la agrupación para fundar el supergrupo Traffic, Spencer Davis se radicó en la Gran Manzana, para iniciar una carrera solista. Realizó contactos y se trasladó a California grabando un álbum en vivo y en directo con Peter Jameson, «It’s been so long» para Mediarts, a mediados de 1971. Al poco tiempo con un disco-grande en solitario, «Mousetrap», editado por United Artists. Al no tener mucha suerte, retornó a Reino Unido formando nuevamente The Spencer Davis Group, registrando contrato con Vértigo, publicando en 1986, «Vibrate», en 2003, «The singles», una recopilación de hits de The Spencer Davis, y en 2005, «Gimme some lovin’ live 1966″, con buenas ventas. Mientras actúa y graba con su banda, Spencer Davis se presenta por todo Estados Unidos y buena parte de Europa, en solitario.

ACABA DE CUMPLIR SUS 80 AÑOS
Spencer Davis llegó a este mundo el 17 de julio de 1939, en el sur de Gales. Acaba de cumplir sus 80 años. Su padre fue paracaidista. Influenciado por su tío Herman, quien ejecutaba la mandolina, Spencer aprendió a tocar muy bien la armónica y el acordeón a los 6 años de edad. Luego concurrió a la Dynevor School donde pasó siete exámenes con muy alto nivel.
Luego, se trasladó a Londres cuando cumplió sus 16, comenzando a trabajar en el Servicio Civil como oficial administrativo de la Post Office Savings Bank en Hammersmith y también realizó tareas en HM Customs and Excise, pero tiempo después vovió a su antigua escuela para estudiar un nivel avanzado en idiomas, convirtiéndose en director en 1959. Un año después se fue a Birmingham. En los medios musicales y artísticos, Spencer Davis fue reconocido más tarde como «el profesor». Hoy por hoy, continúa en actividad grabando temas y presentándose en diferentes ciudades. Más allá de la nostalgia.

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JOAO GILBERTO: EL PADRE DE LA BOSSA NOVA

EL MITO O LA LEYENDA

Lo llamaron el mito -O mito- o la leyenda. Aprendió a tocar la viola sacándole acordes nomás, de forma autodidacta. Mientras Uruguay derrotaba a Brasil en Maracaná, 1950, hizo sus valijas y se fue para ahí, rumbo a Río de Janeiro, donde logró un lugar entonando canciones en Garotos da Lua, banda rítmica de la zona. Pero, al artista en cuestión no le agradaban los largos ensayos y fue despedido por la agrupación.Joao Gilberto. 1 Así, pasó varios años sin trabajar, pero siempre con la firme idea de crear una nueva corriente de expresión musical con la guitarra. Corrían tiempos renovadores, los estilos estaban cambiando y se veía venir un nuevo movimiento. En la unión del jazz con el samba, nacía la bossa nova, junto a él y sus entrañables amigos Jobim y Vinicius, marcando la vanguardia en esa fusión. Era el comienzo de los sesenta, y lo mejor estaba por suceder en la máquina del tiempo. Joao Gilberto sería un protagonista absoluto en la materia. La historia de la música tendría un sitio preferencial para él.

ENTRE JAZZ y SAMBA, A PURA POESIA

Joao Gilberto fue Joao Gilberto Prado Pereira de Oliveira, y nació el 10 de junio de 1931, en Juazeiro. Cantó, compuso temas, y se hizo guitarrero al azar desde que empezó a balbucear sus primeras palabras. Luego de varios intentos en la música en grupos y en solitario, la búsqueda de algo bien distinto dio resultado al conocer a un pianista y autor con educación clásica, Tom Jobim, pero que también gustaba del jazz de Estados Unidos, con quien empieza a madurar rápidamente el estilo que se llamó bossa nova. Joao y Tom se hicieron buenos amigos, y experimentaron un largo recorrido juntos, conociendo las mieles del éxito durante muchos años, con absoluta vigencia hasta hoy en día. La bossa nova era una forma rítmica de percusión, acompañada de samba, tocada en una guitarra sin acompañamiento; bien acústico. Muchos le atribuyen a Joao Gilberto el puntapié inicial de ésta creación del género, y también la de cantar a bajo volúmen. Jazz, samba, a pura poesía, interpretado a las mil maravillas. Bajo esa identidad fue edificando la propuesta no teniendo límites en su alcance.

GAROTA DE IPANEMA

En 1958 se lanzó la producción fonográfica «Cancao do amor demais» de Elizeth Cardoso, una nueva cantante que incorporaba temas compuestos de Jobim con letras de Vinicius de Moraes. A los pocos meses, Joao Gilberto editaba su primer disco, «Chega de Saudade». Se dio el caso de que la canción que da título al álbum de Gilberto también estaba en el LP de Cardoso, constituyéndose en un hit en todo Brasil. De esta manera se iniciaba la carrera de Joao, y también el movimiento de la bossa nova, de la MPB: música popular brasileña. Más tarde en 1960 y 1961 llegarían dos producciones más que incluían temas compuestos por una nueva generación de intérpretes y autores. A fines de 1962 la bossa nova tenía lista propia, siendo también asimilada por músicos norteamericanos que practicaban jazz, al estilo Stan Getz, quien invitó a Joao y Jobim en 1963 para que le dieran forma en lo que terminó convirtiéndose en uno de los discos bossa-jazz más importantes de todos los tiempos, y más vendidos de la historia. La producción en 1965 logró el Grammy, destacándose «Garota de Ipanema», en versión en inglés, cantada por Astrud Gilberto, esposa en ese momento de Joao Gilberto. Con el tiempo, la cantarían Dean Martin, Frank Sinatra, Tony Bennett, Al Martino, entre otros, siendo una de las obras de más versiones por el orbe.

MAS DISCOS, INFINIDAD DE VIAJES Y la bossa seguía tan campante de la mano de los grandes cultores. En 1968 -momento que Joao estaba afincado en México- editó el volumen «Ela é carioca», luego «The best of two worlds», con la participación de Stan Getz y de la cantante brasileña Miúcha -Heloísa María Buarque de Hollanda- hermana de Chico Buarque, que se había convertido en esposa de Joao en 1965. En 1977 vería la luz «Amoroso», largaduración con arreglos de Claus Ogerman. 1981, «Brasil», con Gilberto Gil, Caetano Velosa y María Bethania- En 1991 aparecería «Joao», y a lo largo de su discografía álbumes en vivo: «Live in Montreux», «Prado Pereira de Oliveira», «Live at Umbria Jazz in Tokyo». Joao tenía dos hijas con diferentes parejas, y residía en solitario desde 2009. En sus últimos años tuvo problemas económicos, decayendo su salud. Vivía en una casa prestada en Río de Janeiro, con endeudamientos y un agravante deterioro mental. Lamentablemente, dejó de existir el pasado 6 de julio de 2019- Fue el alma máter de la bossa nova. Escribió páginas y páginas llenas de música. Más allá de la nostalgia.

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CHRISTIAN BACH: LA DIOSA DE LAS TELENOVELAS

DESEMPEÑO y DISPOSICION

«Parece imposible que tus ojos carguen con ellos tanto amor y tanta felicidad. Es casi absurdo que en ese breve momento pueda ver toda mi vida reflejada y lo único que me provoca es sonreír. Sonrío porque no pasa desapercibida la alegría que me rodea. Creada por el simple hecho de saber que en ti, en esa mirada, puedo encontrar una madre, una amiga, una inspiración y mucho más que lo que podría describir con las pocas palabras que conozco. Diría que en esos ojos, en esa sonrisa, siento la magia de una estrella fugaz…», comentó en su cuenta de instagram el joven actor Emiliano Zurita, con relación a la desaparición de su madre, la reconocida actriz Christian Bach, hecho que sucedió el pasado 26 de febrero, en Los Angeles, California, a causa de un paro respiratorio. Ella tenía casi 60 años, y su imagen hizo explotar la televisión mexicana, al converirse en la diosa de las telenovelas, por su belleza, su desempeño en las producciones, y su disposición a realizar escenas muy sensuales en las décadas de los ochenta y los noventa. La historia de Christian Bach comienza en Buenos Aires, Argentina. Christian Bach. 1

SE CONVIERTE EN ABOGADA
Christian Bach nació bajo el nombre de Adela Christian Bach Bottino, el 9 de mayo de 1959, en el Gran Buenos Aires. Hija de Adela Adamowa Bottino, primera bailarina del Teatro Colón, quien había bailado en la Opera de París, y en la Scala de Milán, convirtiéndose además en una conocida coreógrafa en la televisión argentina. Su abuela materna, oriunda de Rusia, también era bailarina. Lo hizo en el Bolshoi. A partir de su adolescencia Christian decidió estudiar ballet y jazz, tomando más tarde clases de actuación, y al culminar la secundaria opta por seguir la carrera de Derecho, donde tuvo una formación profesional, que complementó con el aprendizaje de inglés, francés y ruso. Exactamente en 1976, mientras estaba preparando sus estudios de abogacía en la Universidad de Buenos Aires, obtiene su primer papel en la segunda versión de la primera telenovela argentina, «El amor tiene cara de mujer» -1976-1977- cuya primera versión había sido un rotundo suceso, con ocho temporadas en su haber -1964-1972- con Cristina Tejedor, Beatriz Dia Quiroga, Virginia Lago y Dora Prince. Un año más tarde, en 1977, logra empezar en el cine con un papel importante en la comedia «Brigada en acción», con Palito Ortega, Carlitos Balá, y Alberto Martín. Pero, el destino quiso que México le aguardaba para triunfar.

LOS RICOS TAMBIEN LLORAN
En 1979 cuando se gradúa como abogada, tras cinco años de estudios, se afinca en México para hacer una gran carrera como actriz. La había convencido Valentín Pimstein, productor chileno de telenovelas en territorio azteca, quien la observó en su participación en «El amor tiene cara de mujer». Al llegar, obtiene un papel en la tira «Los ricos también lloran», donde encarna a la madre de Edith González. Seguiría con «Verónica», en el mismo año, «Soledad», junto a Libertad Lamarque, en la que conocería a quien se convertiría en su esposo, el actor Humberto Zurita, en 1980, «Bodas de odio» -1983-1984- en su primer papel principal, «De pura sangre», con Humberto Zurita, realizando con él escenas eróticas, en 1986, y ese mismo año en marzo contraen enlace. Así, en 1995, la pareja Christian Bach-Humberto Zurita, deciden formar su empresa de producción a la cual llamarían Zuba Producciones, rodando las producciones «La chacala», 1997, y «Azul tequila», 1998.

ANTONIA GUERRA, LA VILLANA DE «LA PATRONA»
Luego de nueve años de ausencia Christian graba «Vidas robadas», y en 2013, logra su papel como villana, se transforma en Antonia Guerra, la villana, en «La Patrona», con Aracely Arámbula y Jorge Luis Pila. En 2014, Bach junto a su hijo Sebastian Zurita actúan en la tira «La impostora», con Lisette Morelos.
Christian permaneció casada con Humberto Zurita por más de treinta años, teniendo dos hijos, Sebastián y Emiliano. Logró infinidad de distinciones por sus desempeños artísticos en la pantalla chica. Fue una figura fundamental para el espectáculo mexicano y latinoamericano, que ella misma edificó por sus protagónicos en las producciones televisivas. Filmó más de veinte películas, y además fue productora de teatro y tele. Más allá de la nostalgia.

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«LA COCA» SARLI: EMBLEMA DEL CINE ARGENTINO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UNA AUTÉNTICA ESTRELLA
Quién no habrá visto alguna vez una película de Isabel Sarli? En el cine, en la tele, o en el cable, siempre marcó presencia quizás hasta hoy en día. Sus filmes hicieron época, y por qué no, la ubicaron como la diosa del cine erótico por el Río de la Plata. Hermosa mujer, símbolo sexual, que eclipsó a los caballeros desde la pantalla. Una explosión en la pantalla. 3 Famosa por sus baños al natural en las aguas de Argentina o Paraguay, al compás del sonido de las arpas, enseñando su impactante cuerpo y su delantera escultural, también poseía una bonita sonrisa y mirada sensual. «La Coca» Sarli fue y será una de las damas más lindas de la cinematografía argentina, y una verdadera adelantada y despegada en su rubro. La década de los sesenta y los setenta se nutrieron de su imagen al desnudo, más allá que «la censura» le pasó mucha tijera a sus cintas, cortando y destrozando el celuloide a más no poder, en olvidables tiempos de dictadura. Así y todo la distribución de sus largometrajes fue excelente de manera internacional, llegado a España, Italia, Alemania, Estados Unidos, Rusia, y tantos otros países, siendo taquilla en todos los sitios. Su paso por la escena la fue convirtiendo en una auténtica estrella, reconocida así por todos los públicos, ya sean mujeres y hombres.

DE URGENCIA AL CENTRO MEDICO
De extensa cinematografía, había dejado de trabajar hace algunos años, debido a su edad y algunas «nanas», hasta que a partir de junio de 2011 debió ser internada por un edema de pulmón que asomó como muy delicado, pero con el correr de las horas pudo ser sorteado sin mayores complicaciones. Más adelante, el pasado 18 de marzo cuando intentaba levantarse de la cama cae abruptamente al piso, golpeándose la cadera izquierda, siendo trasladada de urgencia a un centro médico; la operaron el 22 del mismo mes. La recuperación de la cirugía fue normal, pero los médicos decidieron dejarla internada, ya que previo al accidente había contraído neumonía, siendo tratada con antibióticos. Le dieron el alta el 3 de abril, indicándole que debía hacer ejercicios apropiados para lograr una perfecta mejoría en la fractura. El 26 de mayo Isabel retornó para ser internada otra vez. Había empeorado. Los doctores le efectuaron una nueva operación de cadera, bajo un cuadro bastante cambiante. A los pocos días a «La Coca» se le sumaron más problemas de salud, y lamentablemente el martes 25 de junio alrededor de las 8.30 de la mañana, dejó de existir debido a un paro cardiorespiratorio. Tenía 83 años. Dejaba de existir un emblema del cine argentino.

LAS PASIONES DE SUS PELICULAS
Las memorables películas de Isabel Sarli agitaron las pasiones más desenfrenadas para esos momentos. Una escena culminante, es entre tantas, cuando «La Coca», raptada, plagiada por unos machistas –inmundos y fanáticos- en un viejo camión frigorífico -mionca de la carnaza- como una res, les dice convincentemente: ¡¿Otra vez!?… ¡! ¡Canallas! ¿¿Es que ustedes no tienen madre!!??… Qué escenas repletas de todo. Grandes Isabel y Armando Bó -su descubridor- verdaderos pioneros en el rubro del destape cinematográfico en años difíciles. Carne, expresiva metáfora de la más arrolladora lujuria que despierta la inocente y subyugante Coca. Qué gestos modula ese rostro encarnecido, en el imposible ocultamiento de su bello y sutil cuerpo que magnetiza a esos inmorales. Fiebre, trueno, lujuria descocada, quema cabezas. Qué pretende usted de mi??…» En su galería del cine se destacan: «El trueno entre las hojas», 1957, «Sabaleros», 1958, «India», 1959, «Favela», 1960, «Y el demonio creó a los hombres» –rodada en Argentina y Uruguay- 1960, «La burrerita de Ypacarai» -en Paraguay- 1961, «Lujuria tropical» –se hizo en Venezuela- 1962, «Setenta veces siete», 1962, «La diosa impura» –coproducción argentina mexicana- 1963, «La leona» –mostrando islas de Brasil- 1964, «La mujer del zapatero» –con el retorno de Pepe Arias a la pantalla grande- 1965, «Los días calientes» 1965, «La tentación desnuda», 1966, «La señora del intendente», 1966, «La mujer de mi padre», 1967, «Carne», 1968, «Desnuda en la arena», 1969, «Fuego», 1970, «Fiebre», 1970, «Furia infernal», 1972, «Intimidades de una cualquiera», 1973, «El sexo y el amor», 1973, «Una mariposa en la noche», 1975, «Insaciable», 1976, «El último amor en Tierra del Fuego», 1978, «Una viuda descocada» –con José “Pepe” Marrone- 1980, y algunas más, hoy por hoy siguen cobrando actualidad.

MISS ARGENTINA, 1955
La actriz que hizo el primer desnudo total en el cine porteño se llamó Hilda Isabel Gorrindo Sarli, nacida en Concordia, Entre Ríos, el nueve de septiembre de 1935, y fue coronada Miss Argentina en 1955, desde un programa de televisión. Fascinante mujer, dejó su huella en todo lo que hizo. La Sarli enseñando sus atributos corporales de excepción, encarnando situaciones difíciles: casi siempre dramas de barrios y pueblos que se sublevan en el bajo fondo. Isabel Sarli es única, no tuvo doble, no hubo ni habrá otra igual. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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EL ADIÓS A «LA TURCA», BEATRIZ SALOMÓN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EN CALINGASTA, PROVINCIA DE SAN JUAN

En la localidad de Calingastala, provincia de San Juan, Argentina, donde se elaboran exquisitos vinos, de creciente actividad agrícola, famosa por su montañismo de continua atracción turística, nacía una niña, a quien sus padres llamarían Beatriz Raquel Salomón, exactamente el 9 de octubre de 1953, a las tres de la tarde. Fue la hija mayor de la familia, protegiendo así a sus tres hermanos por un tema de edad, Isabel, Daniel Eduardo, y Guillermo Abraham. Beatriz al culminar sus estudios de primaria, secundaria, y preparación comercial ingresa como auxiliar al Banco Agrario de San Juan. Paralelamente, atraída por el mundo artístico en general, sabiéndose bonita por donde se le mire, se presenta en varios certámenes de belleza, hasta que en el verano del año 1971, despegada, se consagra como Miss San Juan, que le permite ser candidata a Miss Universo por Argentina, donde se le distingue Miss Simpatía. Tres años más tarde, en 1974, se erige como Virreina de la Fiesta Nacional del Sol, en la hermosa ciudad de San Juan. Durante ese período de tiempo ya estaba cumpliendo con varios desfiles como modelo, haciendo publicidades al compás de su impactante figura. Pidiendo una licencia en el Banco, decididamente, llamada por la popularidad y el brillo, llega al Gran Buenos Aires junto a su hermana Isabel, para instalarse en el cuarto de una pensión, buscando que el destino le brinde una oportunidad en el medio de la televisión y el cine. Lo mejor estaba por llegar.La secretaria del Manosanta. 2

EL GRAN MAESTRO DIJO SÍ

Antes de su paso triunfal por la pantalla chica, la llaman desde varias agencias de publicidad para que pasee su encanto, en importantes spots promocionales de prestigiosas marcas. En ese ir y venir de las diferentes filmaciones, se entera de que en un espacio de tv, requieren una chica llamativa para que luzca su humanidad, con breves parlamentos ante cámaras. Así, se presenta ante Hugo Sofovich y el propio Alberto Olmedo, quienes luego de apreciarla le preguntan en plena reunión, su edad y cuánto desea ganar?… a lo que Beatriz les responde «Yo solo quiero trabajar!». Al culminar, la saludaron cordialmente, y le manifestaron que la llamarían por si o por no. Transcurridas varias semanas de la situación, que había quedado un poco en el olvido, al sonar el teléfono de la pensión, penso que era por un trabajo más, pero no fue así, era para debutar por la puerta grande de «No toca botón!», constutiyéndose en una de las chicas del que fuera «su gran maestro», Olmedo, quien había dicho si, porque le agradó su forma y simpatía en el desarrollo de aquella entrevista. De esa manera, Beatriz Salomón encarna su papel como secretaria en el sketch del «Manosanta», haciéndose famosa por sus múltiples apariciones. Obras teatrales, películas, y más televisión, se acercaban para la sanjuanina.

LA REALIDAD DE LA FAMA

Junto a «la bebota» Adriana Brodsky fueron las dos damas en «El Manosanta», marcando toda una época, en uno de los bloques de mayor rating en el espacio, logrando casi cincuenta puntos, que hoy lo convierten en histórico en su rubro. El éxito y la masividad estaban allí. Más adelante, Beatriz confesaría entre sus pares que la relación con el capocómico fue excelente, que era lo mejor que le había pasado en su vida profesional, sintiéndose muy feliz por el suceso desarrollado, y que jamás tomó en serio la realidad de lo que ocurrió en todo aquello. Maravillada ante los requerimientos de todo tipo, la fama de Beatriz llega a los flashes de las revistas, siendo tapa en más de cincuenta publicaciones, entre ellas Playboy y Eroticón. Debido al hit televisivo, participa en las películas «El manosanta está cargado» y «No toca botón!», ambas de 1987 -entre otros con el binomio de Porcel-Olmedo- y en las obras de teatro «El negro no puede», 1986, junto a Alberto Olmedo, Javier Portales, César Bertrand, Silvia Pérez, y Divina Gloria. «Eramos tan pobres», 1987, con Olmedo, Silvia Pérez, Divina Gloria, y más. «Hay fiesta en el conventillo», 1988-1989, Teatro Provincial de Mar del Plata – Teatro Brodway – Teatro Metrópolis de Buenos Aires, junto a Porcel, Jorge Luz, Adriana Brodsky, Tito Mendoza, Leticia Moreira y elenco. «Se pudrió todo», 1989-1990- con Jorge Porcel y Jorge Luz, entre otras realizaciones. Pero, si bien profesionalmente Beatriz estaba disfrutando las mieles del éxito, su vida personal se transforma en un infierno.

SE DESMORONA SU FELICIDAD

Había comenzado un romance con Hernán Di Natale, ex-director técnico del equipo de fútbol de Nueva Chicago. La relación se extendió durante un poco más de dos años, y culminó a las patadas, en una separación escandalosa, con varias denuncias realizadas por la actriz vinculadas a la violencia de género. Dedicada a su trabajo, tratando de que la situación fuera quedando en un definitivo olvido, conoce al cirujano plástico Alberto Ferriols, con quien contrae enlace, y parte de luna de miel. Su felicidad se desmorona prontamente ante el hecho de que su esposo es descubierto en un video que se hace público en la tele manteniendo relaciones con una mujer trans. Inmediatamente, se divorcia de Ferriols, pero entra en un pozo emocional que le dura en toda su existencia. El 2 de enero de 2017 tras un proceso de doce años Beatriz Salomón gana un juicio sin precedentes, por divulgación de imágenes intimas, violación a la intimidad y daño moral. Ante la resolución en la puerta del juzgado declara por lo claro «No está bien destruir familias solo por rating». La habían operado de la cadera hace un tiempo, y ante un análisis de sangre le detectaron cáncer de colon, enfermedad que se la lleva el pasado 15 de junio del presente año a la edad de 65 años. La grey artística y el público lloró su pérdida. Había adoptado dos niñas, Noelia y Bettina. De familia descendiente de sirios, la llamaron cariñosamente «La turca». Más allá de la nostalgia.

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LUCHO AVILÉS: ENTRE LA FARANDULA y LOS ESCANDALOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA HISTORIA SE INICIA EN MONTEVIDEO

Cubría como periodista varios diarios de Montevideo en tiempos de adolescente. Se había comprado una vespa en la cual se desplazaba para conseguir las noticias que la dirección de los periódicos le requerían. Inteligente y astuto sabía donde se encontraba la acción y hacia allí se dirigía, cumpliendo de manera notable cada entrega en el medio escrito. Hijo de un militante del Partido Colorado, que además trabajaba en el Teatro 18 de Julio como conserje, fue de a poco adquiriendo la forma de moverse en el rubro de los artistas. Un buen día dijo en rueda de amigos «Esto que desarrollo acá en Buenos Aires es otra cosa…», y sin pérdida de tiempo se marchó a la vecina orilla, no imaginando que se convertiría en poco tiempo en el ideólogo de los programas de chimentos en la pantalla chica. Paralelamente, y ante la práctica de su forma de encarar cada espacio, y de ventilar situaciones bastante privadas, se fue metiendo en escándalos y líos, que lo fueron envolviendo bajo un rótulo de polémico y odiado. Llegó al Gran Buenos Aires a mediados de 1965, y sus primeros pasos los díó como cronista de Crónica y redactor de la popular revista de entonces, Radiolandia. Se llamó Luis César Avilés Volante, y se le conoció como Lucho Avilés, maestro de periodistas del espectáculo. Lucho Aviles. 1

DEBUTA EN «FEMINISIMA»
Lo llamaron desde siempre Lucho, y nació en Montevideo, el 30 de abril de 1938. Mientras era reportero de diario Crónica, hizo su debut en televisión en «Feminísima» en el viejo canal 2 de La Plata, hablando de lo que pasaba por escenarios teatrales, en el cine, y con los artistas porteños. Sus inicios no fueron del todo buenos en la tv, ya que el público le daba importancia a otras situaciones que tenían que ver con la tele, como las series y los espacios musicales. Así y todo se fue enderezando, sabiendo cosechar éxitos y buenos ratings. Escribiendo para Radiolandia, se le ocurrió ventilar comentarios artísticos de otra manera, hacerlo en televisión. Así surge «Radiolandia en TV» en 1971, marcando de esa manera un hito en las audiciones de chimentos. Antes había estado en «El juicio del gato», en 1970, por un breve espacio, y a mediados de los setenta, debutaría en lo que fue su mejor programa periodístico junto a Pinky, «El pueblo quiere saber», donde estaba un invitado famoso que lo sentaban en el banquito de los acusados, para preguntarle de todo los conductores y el público presente en vivo en los estudios del canal. Con el paso del tiempo el ciclo cambiaría de nombre para pasar a llamarse «El pueblo quiere saber», en 1988, en Teledós, repitiendo el suceso de otrora.

1990: NACE «INDISCRECIONES», SU MAXIMO EXPONENTE
Lucho Avilés tuvo una carrera de más de cincuenta años de radio y tv, creando cantidad de ciclos. Su momento más importante fue cuando decide producir y conducir, el programa más destacado de comentarios y chimentos de los espectáculos argentinos y del mundo, «Indiscreciones» en el año 1990. Allí se formarían junto a Lucho, figuras de la talla de Jorge Rial, Marcelo Polino, Marcela Tauro, Teto Medina, entre otros tantos. Al mismo tiempo se erige en odiado y polémico, por sus ácidos comentarios de la vida privada de los demás, enemistándose de por vida con Andrea del Boca, Susana Giménez, Gustavo Yankelevich, y Gerardo Sofovich. Con varios de ellos llegó hasta tener algún juicio en los noventa. Pero «Indiscreciones» indudablemente fue la gran vidriera para los exponentes del medio artístico de Buenos Aires, porque mientras algunos se enojaban terriblemente por lo que se decía de ellos, otros sin embargo deseaban estar y ser nombrados con promoción en el referido espacio, ya que sobrepasaba los 25 puntos de rating en cada emisión. Perduró durante los años 1990-1999, y 2017, en Telefé, Canal 9, ATC y CN23.

EL ALMUERZO QUE NO PUDO CULMINAR
En los títulos de sus producciones también figuran: Revista 11, Canal 11, 1981, Noticias 11, Primera Edición, Canal 11, 1982, Toda la verdad, Canal 11, 1982, «Venga y tráiganos su problema», Canal 11, 1982, Astros y estrellas en televisión, Teledós, 1987-1988, El pueblo quiere saber, Teledós, 1988, El público quiere saber, Canal 9 y Magazine, 1992 y 2012, Indomables, América, 2001, Convicciones, Plus Satelital y Magazine, 2003-2012, siendo jurado en Cantando por un sueño 2, Canal 13, en el año 2007. Mucho se comentó en su momento que a mediados de los noventa, se tomó a golpes de puño con el periodista Jorge Jacobson frente a cámaras durante una emisión de Indiscreciones por Telefé, desatándose otro escándalo mayor. Muchos lo rotularon de sarcástico y maldito, por la forma de comentar situaciones en sus programas. Jamás se ofendió por eso, por el contrario siguió trabajando con más ganas, según sus propias palabras. Hace unos veinte días se había caído de una escalera, quebrándose dos costillas, y el pasado sábado 8 de junio de 2019, mientras almorzaba en un club del barrio Belgrano, con amigos, se levantó para ir al gabinete higiénico desvaneciéndose a pocos pasos debido a un infarto masivo que lo dejó sin vida.
Acostumbrado a hacer declaraciones sin pelos en la lengua, se había casado en 1984 con María del Carmen Festa, teniendo con ella un hijo, Alvaro. Más allá de la nostalgia.

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EDGAR RICE BURROUGHS: EL PADRE DE TARZÁN

LO DOTA DE GRANDES HABILIDADES FISICAS
Si bien jamás se mostró la imagen ni el nombre del verdadero padre de Tarzán – ni siquiera en las películas- bien se sabe que detrás de la misma historia escrita por el autor, cuando es pequeño el bebe que viaja junto a sus padres que recorren Africa en un viejo barco, a finEl personaje de Tarzán más recordado, el de Weissmuller, en sus películas. 3ales del siglo XIX, es abandonado junto a sus progenitores en plena selva, después de un fuerte motín en la embarcación. Los padres fallecen y la criatura -a quien llamaron John Clayton III- es encontrado y adoptado por una manada de simios parecidos a los gorilas, los «mangani», éstos le llaman Tarzán, que en magani significa «mono blanco». Así, el propio Edgar Rice Burroughs, lo manifiesta en sus escritos, creando el personaje, y siendo el verdadero «padre» de Tarzán, donde lo dota de grandes movimientos físicos, saltando desde los árboles, columpiándose por las lianas -al igual que los monos- siendo capaz de enfrentarse a cualquier animal salvaje para defender a su familia; heredando un gran nivel de habilidad mental. Edgar Rice B. lo llevó de la mano a la fama, y lo cuidó, haciéndolo popular en todas partes, por sus filmes, revistas de caricaturas, libros y demás.Edgar Rice Burroughs en su oficina con sus novelas. 1

BAJO LAS LUNAS DE MARTE
Burroughs nació en Chicago, Illinois, USA, el 1o. de septiembre de 1875, siendo el cuarto hijo de María Evaline Zieger Burroughs, y del Mayor George Tyler Burroughs, veterano de guerra. Edgar concurrió a varias escuelas, y durante la edpidemia de gripe que asoló Chicago en 1891, pasó un año y medio en el rancho de su hermano en Río Balsa, Idaho. Más tarde concurre a la Academia Phillips en Adonver, Massachusetts, e inmediatamente a la Academia Militar de Michigan, graduándose en 1895, pero al no salvar la prueba de ingreso en la Academioa Militar de Estados Unidos, culminó como soldado alistado de caballería en Fort Grant, Arizona. Después de acusar un fuerte problema cardíaco, no fue apto para el servicio; le dieron de baja enSus libros recorren el mundo. 4 1897. Dos años más adelante, empieza a realizar tareas en la empresa de su padre, y contrae enlace con Emma Hulbert, novia de la infancia, en enero de 1900. En 1911, luego de once años de salarios bajos, por varios trabajos, se emplea con un mayorista de sacapuntas de lápices, comenzando a escribir ficción, y leyendo en ratos libres infinidad de revistas de aventuras, que lo alientan a escribir en esa línea su primer cuento, llamado «Bajo las lunas de Marte», en 1912.

TARZÁN DE LOS MONOS
«Bajo las lunas de Marte» fue un suceso, de manera que Edgar se dedicó a escribir todo el tiempo. Llegarían varias novelas más, entre ellas «Tarzán de los monos», publicada en octubre de 1912, transformándose en una de sus más logradas series. Tal fue su impacto, que aprovechó el personaje para explotarlo en todas las posibilidades, ya sea en cintas, una tira de radio, estilo radioteatro, variado tipo de merchandising y la famosa tira llamada «Tarzán», que fuera un verdadero «boom» a posteriori, convertiéndolo en uno de los animados de mayor hit hasta el día de hoy. La primera película de Tarzán, llevaría el título de «Tarzán de los monos» -»Tarzán of the apes»- muda, 1918, blanEdgar junto a Maureen O'Sullivan, Jane, y Johnny Weissmuller, Tarzán. 2co y negro, encarnada por Elmo Lincoln, Enid Markey, y George B. French. Con el paso de los años, Tarzán sería estelarizado por otros actores en el cine, siendo el más reconocido y el más popular, la personificación del rumano Johnny Weissmuller, que lograría su primera película siempre con la trama de Edgar Rice Burroughs, en la remake de «Tarzán de los monos», sonora, 1932, para después continuar con otras tantas de taquilla enorme.

EDGAR RICE BURROUGHS, INC.
Ya en 1923, Burroughs había establecido su propia compañía, Edgard Rice Burroughs, Inc, comenzando a imprimir sus propios libros y novelas hasta los años cuarenta. Ya El cartoon también le pertenece al autor en las tramas. 5había escrito ciencia ficción popular, con historias fantasiosas de aventureros en varios planetas, westerns, y todo el sentimiento en romances de la historia. Se casó en dos ocasiones, con Emma Hulbert, novia de la infancia, en enero de 1900, con la cual tuvo tres hijos: Joan, Hulbert, y John. Se divorciaron en 1934, y Edgar contrajo enlace nuevamente en 1935 con la ex-actriz Florencia Dearholt Gilbert, ex-esposa de su amigo Ashton Dearholt. Burroughs adoptó a los dos hijos de Dearholt. La pareja se divorció en 1942. Edgar, quien había tenido con anterioridad problemas de salud, falleció de un ataque cardíaco, el 19 de marzo de 1950, en Encino, California, a los 74 años, luego de haber escrito alrededor de 80 novelas. Con parte de lo recaudado por el «personaje de la selva» se había comprado un costoso rancho, que le había puesto el nombre de «Tarzana», idem de la zona donde vivía. Más allá de la nostalgia.

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MARY PICKFORD: LA CHICA DE CABELLOS DORADOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

REINA DEL CINE MUDO

Mary Pickford fue la dama más popular y célebre del cine mudo. Pero, dió mucho más que eso en el teatro, y más tarde como guionista, productora y empresaria, habiendo fundado junto a Douglas Fairbanks y Charles Chaplin, la compañía cinematográfica United Artists, ayudando a establecer la Real Academia de Hollywood.Mary Pickford. 1 Reconocida como «El amor de Estados Unidos», de manera continuada salía en la pantalla en papeles de dama joven, incluso hasta cuando llegó a ser adulta. Mary empezó a actuar a los cinco años por los escenarios, y fue llamada durante un tiempo como «Baby Gladys». Luego de recorrer diferentes espectáculos y elencos durante más de nueve años, viajó a Nueva York para conquistar Broadway. Tomando el nombre artístico, Mary Pickford, hizo su debut en Broadway en «The warrens of Virginia». De ahí al cine, todo resultó muy rápido y ascendente. Se constituyó en primera figura durante el período 1915-1925, practicando papeles de romántica ingenua, llegando a ser la actriz mejor pagada de la época, algo así como «La Reina de Hollywood». Los espectadores estadounidenses y del mundo la conocieron, la admiraron y la erigieron como la super estrella de aquellos años.

NACIDA EN TORONTO, CANADA
Gladys Marie Smith o Mary Pickfod, llegó a éste mundo el 8 de abril de 1892, en Toronto, Canadá. Hija de Charlotte y John Charles Smith pasó las de Cain en sus primeros años, ya que su padre sufría de alcoholismo, falleciendo cuando Gladys Marie contaba con tan sólo seis años, dejando a la familia -tenían dos hijos más, Lottie y Jack, menores que Marie- en una condición más que precaria que hizo a su madre, por consejo de una amiga y compañera de trabajo, introducirlos en el mundo teatral. De inmediato, la pequeña gigante de Gladys se convirtió en suceso, y fue paulatinamente haciendo mejores encarnaciones. Pero, luego de la desaparición física de su padre, Mary Pickford, forjó una personalidad de riesgo y muy depresiva, situación ésta que cargaría sobre sus hombros practicamente toda la vida. A los quince, la muchacha se dirige en solitario a la Gran Manzana para solicitar trabajo al productor de Broadway, David Belasco, y su propia estrella se lo permitió, logró conseguirlo. Corría el verano de 1907, cuando junto a Belasco, decidió cambiar su nombre al de Mary Pickford para sus realizaciones en las tablas, pero pronto descubrió el cine. Y no se durmió en los laureles, muy curiosa del nuevo arte, es contratada por los Estudios Biograph, de David Wark Griffith, haciendo su debut en el filme de 1909, «The violin maker of Cremona».

GANABA UN MILLÓN DE LOS VERDES AL AÑO!
Paralelamente, fue rodando varios cortos, junto a Owen Moore, quien fue su primer marido en 1911, cuando contrajeron enlace sin que nadie lo supiera. Totalmente ambiciosa, como la fama estaba, comenzó a exigir más dinero, y ya en 1914 recaudaba más de 100.000 dólares al año!… En 1915, ya poseía su productora propia, Mary Pickford Famous Players Company. Así, fue conformando hits en la pantalla grande: «Heart O’the hills» -»Almas de la cumbre»- y «Daddy long legs» -»Papaíto piernas largas»- ambas de 1919, «Suds» -»Sueño y realidad- 1920, «Through the back door» -»Por la puerta de servicio»- y «Little lord fauntleroy» -»El pequeño lord»- 1921, y «Tess of the storm country» -»Tess en el país de las tempestades», en 1922. Al año posterior, sus ganancias ya eran de un millón de dólares, y le contratan al célebre director alemán Ernst Lubitsch, para que la dirija en la cinta «Rosita» -»Rosita la cantante callejera», donde consigue una superación absoluta.

SE ENAMORA DE DOUGLAS FAIRBANKS
Pickford se había enamorado de Douglas Fairbanks, famoso actor galán, que estaba casado y con un hijo, causando esa relación un revuelo entre la gente, por consiguiente la pareja luego de conseguir sus respectivos divorcios se casoriaron el 28 de marzo de 1920. Pickford y Fairbanks formaron la pareja del cine más conocida de ese momento, apareciendo juntos solamente en el largometraje «The taming of the shrew» -»La fierecilla domada»- en 1929. La carrera de los dos fue espectacular, hasta las muertes de Charlotte, de su hermano Jack, y de su hermana Lottie, que es cuando Pickford entra en una cruel depresión convirtiéndose en alcoholica. El matrimonio con Fairbanks se cayó, y se divorciaron en 1936. El 24 de junio de 1937 Mary se casó con Charles Rogers, doce años menor que ella, y con quien adoptaría, en 1943, dos niños: Ronald y Roxanne. El 29 de mayo de 1979 falleció de una hemorragia cerebral, a los 87 años, luego de haber vivido durante décadas en total reclusión. Mary Pickford obtuvo dos Oscar de la Academia: En 1929 como»Mejor actriz» en «Coqueta», y en 1976 recibe el Oscar honorífico. Más allá de la nostalgia.

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DANIEL MAGAL: A 42 AÑOS DE «CARA DE GITANA»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CELEBRANDO LA VIDA CON CANCIONES

El tema firmado por Daniel Magal y Rubén Lotes ha recorrido el mundo en diferentes versiones: español, inglés, alemán, portugués e italiano, y le ha servido a su intèrprete hacerse de muy buenas recaudaciones por derechos de autor, y de emprender largas giras por todo el orbe enseñando su show. Una vez estando por Buenos Aires, donde acudiamos continuamente a buscar material fonográfico como adelanto por las editoras para un programa de «Impactos Musicales» que realizábamos en C X 28, Radio Imparcial de Montevideo, pasábamos por CBS Columbia ubicada en la calle Paraguay, y la encargada de promoción y asuntos internacionales de la compañía, Ana María Cao nos lo presentó en 1977, porque lanzaba su hit en disco simple y en LP, se trataba de Daniel Magal. Al toque le hicimos una nota en diminuto grabador a cassette -corrían otros tiempos- y como novedad llevamos para la radio el reportaje. Así fue que «Cara de gitana» con abundantes «pasadas» se convirtió en uno de los hits de ese año, y de años siguientes. Hoy por hoy, integra listas de canciones muy vendidas, y se ubica entre los 100 temas latinos de todos los tiempos. Daniel Magal, quien fue celebrando la vida con canciones, lo ha sabido llevar adelante manteniéndolo en vigencia hasta hoy en día. Así, transcurrieron 42 años de aquella edición en vinilo. Daniel Magal. 1

DE JUJUY A LA CAPITAL
Daniel Magal empezó bien de abajo con la música. Fue en San Salvador de Jujuy, Ledesma, Argentina, que nació el 23 de enero de 1950. De muy pequeño se siente totalmente identificado por los grupos y cantantes que se pasaban por la radio, y paralelamente se convierte en boy scout, y comienza a integrarse en varios conjuntos rockeros, soñando que algún día podría ser famoso. Ya en la escuela aprende a tocar la guitarra y concurre a un conservatorio para perfeccionarse. Compone sus primeros temas con guitarras, bombos, y voces, y a mediados de los setenta, una vez cumplido el servicio militar, inicia su carrera en Buenos Aires. Canta en todo tipo de reductos, cafés, eventos y luego de un breve lapso de tiempo, pasa a grupo Guatambó. En esa banda compone temas, se convierte en tecladista, guitarrista y finalmente es compositor de algunos temas de la conformación, haciendo -además- temas para otros artistas que se lo solicitaban. Lo mejor lo estaba aguardando, estaba por venir.

UN MILLON DE COPIAS
Después de algunos años en Guatambó, Daniel Magal se independiza, deseando grabar como solista. Su amigo y productor Juan «Gamba» Gentilini lo presenta en el sello naranja de CBS Columbia. Llevan una maqueta con canciones, donde la disquera selecciona con muy buen criterio «Cara de gitana». Se registra el tema y debuta en solitario. La verdad que mejor tarjeta de presentación no pudo tener. El tema se convierte en hit de inmediato, alcanzando tal notoriedad que trasciende fronteras, se hacen versiones en otros idiomas, y se graban cerca de medio centenar de versiones en distintas partes del mundo. Sus ventas superan el millón de copias y su presentación en directo llega a todos los sitios de América, a México y al área latina de Estados Unidos. Pero, aunque Magal continuó trabajando y «Cara de gitana» fue el comienzo de su brillante carrera, no pudo igualar jamás el suceso logrado en su debut.

DIEZ AÑOS EN BUENOS AIRES
Luego de diez años en Baires, Daniel Magal residió en México y durante una temporada se instala en Norteamérica, regresando a Jujuy por temas de familia y luego de un tiempo deja de presentarse en vivo. Posteriormente, retorna a los estudios de grabación y a producir algún disco: «Fuera de juego», 2011, y «Es mucho mejor», 2012. Los Nocheros, Sandro, Chavela Vargas, Juan Ramón, Caravelli y su orquesta, José Manuel Soto en España, Enrique Lynch, realizan su versión diferente de «Cara de gitana». Pero, con el paso del tiempo, aparecen más versiones del tema de Daniel Magal. Así, el artista se presenta después de muchos años nuevamente en Jujuy en Teatro Mitre, donde en el recital el público apoya a Magal con el canto en los coros del tema. Evidentemente, Daniel Magal es componente de una generación dorada que conoció nombres como los de Juan Bau, Braulio, Miguel Gallardo, el compatriota Mario Echeverría, o los argentinos Fernando de Madariaga y Beto Orlando. Una generación que ha reunido verdaderamente los corazones con las letras y las melodías de sus canciones. Más allá de la nostalgia.

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DORIS DAY: ENTRE LA INOCENCIA y LA BELLEZA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

ICONO DE LA GRAN PANTALLA

Fue cantante, actriz y comediante, y todo lo hizo bien. Se proyectó de forma notable en los escenarios como intérprete, registrando muchos discos, y luego los sets de los estudios cinematográficos la iluminaron para constituírse en una figura de siempre de aquel Hollywood, en una brillante carrera de veinte años rodando películas. Doris Day. 1 Todo se inició con la cinta sentimental «Romance on the high seas» de 1948, prosiguiendo con dramas, musicales y comedias: «Calamity Jane», 1953, «The man who knew too much», 1956, de Alfred Hitchcock, junto a James Stewart, «Pillow talk» con Rock Hudson, donde es nominada para el Premio de la Real Academia a la «Mejor actriz», «Move over, Darling» y «The thrill of it all», ambas de 1963, con James Garner, entre otras. Se llamó Doris Mary Ann Kappelhoff, más conocida como Doris Day.

LA CULTURA MUSICAL COMENZABA EN CASA
Doris Mary Ann Kappelhoff llegó a éste mundo el 3 de abril de 1922, en Cincinnati, Ohio, es hija de Alma Sophia -1895-1976- ama de casa, y William Joseph Kappelhoff -1892-1967- profesor de música, y director de diferentes coros en centros de enseñanza. Doris fue la menor de tres hermanos: Richard, quien falleció antes de su nacimiento, y Paul, tres años mayor que ella, también desaparecido hace años atrás. Sus padres se separaron en su momento, y ella desarrolló un interés inusitado en la danza, formando un dúo con Jerry Doherty, presentándose en Cincinnati, pero el destino quiso que Doris sufriera un accidente automovilístico exactamente el 13 de octubre de 1937, lesionándose la pierna derecha, haciendo eso que limitara sus posibilidades como bailarina profesional. Mientras se recuperaba, empezó a cantar con los artistas de aquella época escuchando la radio, descubriendo que poseía talento que en verdad no sabía que tenía.

1939: CANTANDO EN LAS BIG BANDS
Breve tiempo después, Doris forma parte de las big bands, acompañando a cantantes de la talla de Bob Crosby, Les Brown, y Barney Rapp, en shows en vivo en night clubs y escenarios teatrales. Es Barney Rapp quien le sugiere que cambie su nombre por el de Doris Day, por el tema «Day after day», que formaba parte de su repertorio. Admirando a artistas reconocidos como Benny Goodman, Duke Ellington, Tommy Dorsey y Glenn Miller, siguió adelante en busca de más trabajo y de más exitos. Así, con Les Brown edita casi quince discos simples: «My dreams are getting better all the time», y «Sentimental journey», entre los títulos que lograron el primer lugar en el listado norteamericano de popularidad Billboard Hot 100. Pero, la pantalla grande estaba por llegar para la futura estrella del cinéma.

HOLLYWOOD DIJO SI
Un dúo de compositores la recomendaron para un papel en un largometraje y ahí comenzó todo. Se erigió velozmente en la figura de los estudios cinematográficos, reconocida y aplaudida por todos los públicos del mundo. Su rostro se hizo familiar, apareciendo en portada de revistas, notas de páginas completas en diarios, y de película en película al lado de Clark Gable, Ronald Reagan, Gary Grant, James Cagney, David Niven, Jack Lemmon, Frank Sinatra, Richard Widmark, Kirk Douglas, Lauren Bacall, entre tantos. Desde 1959 hasta 1970, Doris recibió nueve nominaciones a los Premios Laurel, ganándolo cuatro veces a la mejor actuación femenina en ocho comedias y un drama. Desde 1959 hasta 1969, recibió seis nominaciones al Globo de Oro a la mejor actuación femenina en tres comedias, un drama -»Midnight lace»- un musical -»Jumbo»- y su serie de televisión que presentó al concluir su itinerario en el cine en 1968, durante seis largas temporadas, «The Doris Day Show», entre los años 1968 a 1973.

SE FUE A LOS 97 AÑOS
Doris Day se casó en cuatro oportunidades. Con Al Jorden -1941-1943- teniendo un hijo Terence Paul Jorden. Su segundo matrimonio fue con George William Weidler -1946-1949- El tercer enlace fue con Martin Melcher -1951 hasta la fecha de la desaparación de éste en abril de 1968. Melcher también fue el agente artístico de Doris, adoptando además al hijo de Day, Terry, quien se convirtió en un popular músico y productor de discos bajo el nombre de Terry Melcher. El cuarto casamiento fue con Barry Comden -1976-1982- Doris falleció el pasado 13 de mayo de éste año, a la edad de 97 años, luego de haber contraído neumonia.
Doris Day fue una consagrada nata del cine y del canto, fundando la Doris Day Animal Foundation, por su tremendo amor hacia los animales, teniendo muchos de ellos en su propia quinta. Más allá de la nostalgia.

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URSULA THIESS: DESDE ALEMANIA A HOLLYWOOD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

MI VIDA ANTES Y DESPUES DE ROBERT TAYLOR

«Mi vida antes, con, y después de Robert Taylor», se llamó su autobiografía que se constituyó en un bestseller en Estados Unidos. Allí es donde relata sus historias en el cine y parte de su vida al lado del que fuera su esposo, el gran Robert Taylor. Ella, comenzó su itinerario en el escenario en su Alemania natal, doblando voces en películas norteamericanas bajo el nombre de Ursula Schmidt. Luego de contraer enlace con Georg Otto Thies, se convirtió en Ursula Thiess, y apareció fotografiada en muchas publicaciones de su país, así como en la portada de la afamada Life, como modelo que se estaba imponiendo entre sus pares, siendo bautizada «La mujer más bella del mundo». Ursula Thiess. 1 El zar de RKO, Howard Hughes, observó su belleza inusual y aptitudes, y la contrató para el estudio, viajando a Hollywood rodando muchas películas: «The Iron glove», 1954, junto a Robert Stack, «Bengal brigade», 1954, con Rock Hudson, «The americano», 1955, junto a Glenn Ford, y «Bandido», 1956, con Robert Mitchum, entre otras. Su carrera conoce de brillo, color, y fama, de forma casi ininterrumpioda.

UNA MUCHACHA EN LA AGRICOLA
Ursula Thiess nació en Hamburgo, Alemania, el 15 de mayo de 1924, hija de Wilhelmine Lange, ama de casa, y de Hans Schmidt, director de una imprenta. Su infancia fue movida, se erigió como una chica rebelde bien turbulenta, trabajando en una agrícola obligatoria por orden del gobierno nazi, por haberse negado a unirse al movimiento paramilitar Hitler Youth. Cuando llega a Estados Unidos conoce a Robert Taylor en 1952, y se casan el 23 de mayo de 1954, en Jackson Hole, Wyoming. Ursula abandonó su carrera en el cine para convertirse en madre y ama de casa, a la vez. La familia tuvo dos hijos: Terrance»Terry», llegado a éste mundo el 18 de junio de 1955, en Santa Mónica, California, y Tessa, 16 de agosto de 1959, en Santa Mónica. Un buen día cambiaron de domicilio mudándose con los dos hijos de Ursula en su matrimonio anterior, a su rancho de grandiosas dimensiones, en Brentwood, California, en 1956, viviendo allí hasta la muerte de Taylor por cáncer en 1969. Los dos hijos de Ursula, Manuela y Michael tuvieron muchos problemas de adaptación en su nueva vida y, a menudo, se sucedieron problemas con la policía, lo que provocó que la familia sufriera como resultado una mala publicidad.
Su hijo, Michael, quien había cumplido un año en una prisión alemana por intentar envenenar a su padre natural, falleció de una sobredosis de drogas el 26 de mayo de 1969, poco antes de la muerte de Robert Taylor. Úrsula lo descubrió muerto cuando pasó por su residencia para dejarle algunos medicamentos.

GALANES POR DOQUIER
Los largometrajes que protagonizó Ursula se vieron rodeados de galanes de la pantalla que estaban de moda. Eso hacía que los filmes tuvieran una importancia mayor, más allá de los argumentos, y de la trama en general. En 1952 la revista Modern Screen la distingue como la «Estrella más prometedora de 1952, y logra un Globo de Oro en el año entrante. Pero, tras el trágico suicidio de su hijo Michael y la muerte de su esposo Taylor, Ursula se vislumbró aquí y allá en apariciones en cine y televisión antes de retirarse por completo. Su última película fue «La mano izquierda de Géminis», 1972, sin éxito de taquilla, con Richard Egan e Ian McShane.

EXCELENTE DECORADORA DE CASAS
Ursula era conocida por ser una excelente decoradora de residencias, cocinera gourmet, creadora de cajas de sombra, y voluntaria del Hospital de niños de UCLA. En los momentos que había suspendido sus trabajos, igualmente acompañaba a su esposo Taylor cuando rodaba la serie «Los detectives», teniendo hasta un papel en la tira, en 1960. Ursula Theiss falleció de causas naturales en un centro asistencial en Burbank, el 19 de junio de 2010, a la edad de 86 años, descansando junto a su esposo y su hijo en Forest Lawn Memorial Park, en Glendale, California. Sus años activos fueron desde 1949 a 1972, y sus esposos tres: Georg Otto Thies, hasta 1947, Robert Taylor 1954 hasta su desaparición en 1969, y Marshall Schacker, desde 1973 hasta su fallecimiento en 1986. Más allá de la nostalgia.

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MICHELLE PFEIFFER: GATUBELA AL ACECHO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

ENTRE LAS MAS BELLAS DE LA PANTALLA

Es considerada como una de la más mujeres más bellas de la pantalla de todos los tiempos. Actriz que se iniciara en series y películas de televisión. Su salto al cine fue encarnando a damas misteriosas en donde ciertas veces hacía saltar al espectador de su butaca, cuando ella aparecía en acción. Junto a Al Pacino. 3 Rubia, de hermosos ojos, de figura singular, de notable interpretación en sus papeles, se abrió paso triunfal en aquel Hollywood de excepcionales luminarias, y de estrellas irrepetibles. «La isla de la fantasía» y «Delta House», fueron sus primeros pasos por los sets tv, casi a fines de los setenta. Ya en 1980 llega «The Hollywood Knights», para su lanzamiento en el celuloide. Inmediatamente rodaría «Scarface», 1983, «Las brujas de Eastwick», 1987, «Las amistades peligrosas», 1988, «Casada con todos», 1988, «Los fabulosos Baker Boys», 1989, «La casa Rusia», 1990, «Frankie and Johnny», 1991, «Por encima de todo», 1992, «Batman returns», 1992, y «La edad de la inocencia», 1993, logrando así reconocimientos por sus encarnaciones, haciéndose acreedora de distinciones por doquier, destacándose un Oso de Plata, un galardón BAFTA, y tres nominaciones al Oscar de la Real Academia. Se llama Michelle Marie Pfeiffer, quien acaba de cumplir sus 61 años. Hasta hoy en día se mantiene en actividad paseándose con su talento por las marquesinas de las salas cinematográficas del mundo entero.

VERSATILIDAD DE PERSONAJES
Michelle Pfeiffer nació el 29 de abril de 1958, en Santa Ana, condado de Orange, California, teniendo ascendencia neerlandesa, alemana, sueca, irlandesa y suiza. Hija de Donna Née Taverna, ama de casa, y de Richard Pfeiffer. Michelle tiene tres hermanos: Richard, Dedee, que es también actriz, y Lori, modelo. Su primer sueldo se lo pagó su padre, quien reparaba equipos de aire acondicionado. En el garage de su casa, la muchacha de aquel tiempo le sacaba brillo a esas máquinas, mientras pensaba en convertirse en alguien importante del ambiente artístico. Curiosamente, el destino le deparó que años siguientes, respaldada por un amigo coiffeur, logró ganar «Miss Orange County», importante evento de belleza californiano. Dió la casualidad que integrando el jurado del certámen existía un descubridor de talentos que rápidamente la contrató para lanzarla como modelo publicitaria y más tarde para trabajar como actriz en noveles seriales televisivas. De esa forma, consiguió su propia tira, «B.A.D. Cats», que duró unos pocos episodios de solamente una corta temporada por su bajo nivel de audiencia. Continuando su imparable carrera filmaría «Volver al amor», 1980, con Elliot Gould y Susannah York. Logró ser protagonista en 1982 en la remake musical «Grease 2», como Stephanie Zinone. La cinta fracasó, siendo Michelle la más destacada en la producción, a la que nominaron como «Mejor actriz debutante».

LA MEJOR CATWOMAN
En 1988 obtiene su primera nominación de seis consecutivas a los Globo de Oro, por «Casada con todos», de Jonathan Demme, una hilarante comedia sobre la mafia, encarnada también por Matthew Modine, y Alec Baldwin. También en ese año, aparecería en «Conexión Tequila», junto a Mel Gibson y Kurt Russell. En «Las relaciones peligrosas» toca el cielo con las manos con su trabajo, situándola entre las mejores actrices de la década, siendo nominada por vez primera a los Oscar, como «Mejor actriz secundaria». Exactamente en 1992 le da forma a «Catwoman», en la segunda secuencia de las aventuras de Batman, en «Batman Returns» de Tim Burton, junto a Michael Keaton y Danny DeVito. Se consideró su presencia como la mejor «Catwoman» de la historia, y se convierte en la actriz, junto con Julia Roberts, mejor pagada de Hollywood. En muchas notas posteriores la propia Michelle Pfeiffer se confesaría que «Batman Returns» era su película favorita.

DOS CASAMIENTOS, DOS HIJOS, ALGUNOS AFFAIRES
Michelle Pfeiffer se casó en Santa Mónica en 1981, con Peter Horton, y fue en su luna de miel que se enteró que había ganado la distinción por su labor en «Grease 2». De común acuerdo deciden separarse en 1988, y se divorciaron dos años después. Luego del matrimonio con Horton, Michelle tuvo una relación de tres años con el actor-productor Fisher Stevens. Se conocieron cuando Pfeiffer protagonizó la producción del Festival de Shakespeare en Nueva York, de «Twelfth night», en la que Stevens encarnó el papel de Sir Andrew Aguecheek. También estuvo involucrada en un romance con John Malkovich, su co-estrella en «Dangerous liaisons», quien en ese momento estaba casado con Glenne Headly. El 13 de noviembre de 1993 contrae enlace con David E. Kelley, estando con él hasta el presente. En marzo de 1993, Michelle había adoptado una hija recién nacida, Claudia Rose, quien fue bautizada el día de su casamiento con Kelley. En agosto de 1994, Pfeiffer dió a luz un hijo, John Henry. Más allá de la nostalgia.

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AMELITA VARGAS: ESTRELLA DE LAS MATINÉS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

RUMBAS y MAMBOS AL POR MAYOR

Veía sus películas en el viejo y querido Cine Edison de la calle Garibaldi y Guaviyú. En las cabalgatas de cintas de las recordadas matinés que comenzaban a las doce y media del mediodía y no se sabía a que hora culminaba la exhibición. Década de los cincuenta y en la pantalla grande estaban figuras argentinas consagradas que llegaban al corazón de los espectadores. Desde el inefable Luis Sandrini, Pepe Arias, Niní Marshall «Catita», Olinda Bozán, Los Cinco Grandes del Buen Humor, Juan Carlos Thorry, Alfredo Barbieri, Alberto Castillo, a Amelita Vargas, y tantos, tantos otros. Amelita Vargas. 1Justamente, entre esas luminarias, Amelita brilló en muchas producciones; ésta sensacional estrella cubana que se afincó por esas cosas de la vida en la vecina orilla, residiendo allí hasta sus últimos días. Vivió 91 años siempre en Barrio Norte del Gran Buenos Aires, dejando rumbas y mambos al por mayor en su pasaje por el cine, el teatro de revistas, y en sus espectáculos. Su belleza, simpatía, y calidad de persona fue lo que dejó, siendo admirada por el público y la grey artística, toda. Amelita Vargas, supo ser una adelantada en su rubro, y una referente de aquel recordado cine argentino en blanco y negro.

UN PAR DE PIERNAS DE CAMPEONATO

Usaba bikini y tacones en esos tiempos tan recatados. Bailaba y cantaba como los dioses. Tenía clase. Linda, de figura explosiva. Con un par de piernas de campeonato. De mirada pícara a la cámara, Amelia Graciela Vargas Ipaneca, había nacido en La Habana, un 16 de enero, y con el tiempo se nacionalizó argentina. Comenzó con su danza cuando tenía tan solo trece años, siendo su profesor un reconocido percusionista llamado Chano Pozo -que más tarde hiciera carrera en Estados Unidos- y a los quince años se radicó con su familia en México, donde realizó presentaciones en diferentes sitios, y en el reducto El Patio de DF, el sitio de variedades más destacado del territorio azteca, junto a Mario Moreno «Cantinflas» y los populares cantante Pedro Vargas y Miguel Aceves Mejía. Del signo Capricornio, busco el éxito y el buen camino de la vida y lo encontró como luchadora empedernida. Haciéndole una guiñada a la fama, en 1942 se fue a Norteamérica para amenizar con su voz clubes nocturnos de San Francisco. Y hasta participó de varios largo-metrajes. Pero, ésta parte de América le tiraba y llegó a Buenos Aires en 1944, luego de intervenir como bailarina en «Perilous Holiday», con Pat O’Brien.

LA BOMBA CUBANA EN ACCION

El debut porteño fue en el teatro de revistas de la noche bonaerense en «Se acabó el jabón!», en Teatro Nacional, siendo un suceso de taquilla, y de ahí saltó al cine en 1947, participando en «Con el diablo en el cuerpo», de Carlos Hugo Christensen, donde actuó junto a Susana Freyre. A partir de ese momento comenzaría su impresionante llegada con los espectadores, rodando hasta cuatro filmes al año, con muy buenos dividendos económicos. En 1948 Mario Soffici la convoca para realizar un protagónico en «La secta del árbol», y dos años más tarde, en 1950, Carlos Schlieper la dirige en «Arroz con leche» y «Cuando besa mi marido». A mediados de los cincuenta Enrique Carreras la convierte en sensación filmando películas con Alfredo Barbieri, donde Amelita actuaba y realizaba varios cuadros musicales donde bailaba y cantaba mambo, rumba y hasta chachachá: «La mano que aprieta», 1953, «Los tres mosquiteros», 1953, «Romeo y Julita», 1954, «Ritmo, amor y picardía», 1955, donde está además Alberto Castillo, «El fantasma de la opereta», 1955, y «Escuela de sirenas… y tiburones», en 1955. En 1952, filmó con Leo Marini, «Que rico el mambo!», también de suceso marcado. Llegó a participar de casi 30 películas en su trayectoria.

FORMO DÚO CON BLANQUITA AMARO

En 1960 -tiempos donde todavía era bien famosa- rodó «La procesión», que compitió representando a Argentina en el «Festival Internacional de Cine de Cannes» y en 1964 participó en «Cleopatra era Cándida», protagonizada por Niní Marshall, Juan Verdaguer, y Johnny Tedesco. Paralelamente, se mostró como estupenda vedette por los teatros y en diferentes espectáculos de music-hall. A fines de los sesenta se retiró, pero en los setenta Antonio Gasalla la llamó para conformar una obra revisteril. En 1978 se presentó junto a Blanquita Amaro, formando un suceso sin fin; además intervino en lo que fue su última cinta, «La obertura» de Julio Saraceni; en 1991 incursionó en la tele en «El gordo y el flaco», por Telefé. En 2005 fue homenajeada junto a Mirtha Legrand, Amelia Bence y Elsa Daniel por el Museo de Cine Porteño. En 2006 fue distinguida junto con Enrique Pinti por sus colegas artistas.

SE CASO DOS VECES, VARIOS AMORIOS
Amelita se había casado con Mario Lugones y luego con Tulio Demicheli, ambos directores de cine en Baires. No tuvo hijos, ni familiares cercanos a ella en Argentina. Se comenta que personajes muy famosos la cortejaban, y sus amoríos se daban al compás de sus actividades. Ella escribió su propia leyenda secreta de amantes misteriosos desconocidos. Lamentablemente, dejó de existir hace unos días en el Sanatorio Colegiales de Buenos Aires, tras varias semanas de internación, el pasado 21 de abril. Recordamos al pasar que un buen día en Hollywood, se escapó de un rodaje para ir a conocer a su gran admirada Rita Hayworth, que se encontraba en el set vecino haciendo un trabajo de cámaras. Se fue Amelita Vargas, y la luz del teatro se cayó, jamás iluminará igual. Más allá de la nostalgia.

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LA PARTIDA DE BIBI ANDERSSON: MUSA DE INGMAR BERGMAN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

MAS DE 50 AÑOS DE TRAYECTORIA

Bibi Andersson. 1

Bibi Andersson.

Bibi y Nils Poppe, El Séptimo Sello, 1957. 2

Bibi y Nils Poppe, El Séptimo Sello, 1957

En sus más de cincuenta años de trayectoria dejó en el haber un sinfin de buenas películas, d estacándose entre ellas varias obras fílmicas de relieve: «Fresas salvajes», «Persona», «Secretos de un matrimonio», y «El séptimo sello», dirigidas por su compatriota Ingmar Bergman, al cual también estuvo unida sentimentalmente durante un tiempo. Justamente, en 1951 comenzó su carrera en el cinema con Bergman, en la realización de un comercial para un detergente. Inmediatamente trabajó de extra en los rodajes de filmes para adolescentes, estudiando actuación en la Escuela de Teatro de Terserus, y en la Academia de Teatro Dramático Real, uniendose al Royal Dramatic Theatre, de Estocolmo, siendo su primer papel en el celuloide en 1953 junto al actor y director Nils Poppe, en la comedia «Dum-Bom». En 1963, logró el Oso de Plata de Berlín a la Mejor Actriz en el «13o. Festival Internacional de Cine», por su actuación en «The Mistress», de Vilgot Sjöman. Más adelante, después de más teatro y cine de nivel en Suecia, hizo su aparición en el teatro norteamericano, con la producción «Full Circle», de Erich María Remarque, en 1973, registrando cuatro años más tarde su cinta más reconocida en Estados Unidos, «I never promised you a Rose Garden», de 1977, que estelarizó junto a Kathleen Quinlan. Se llamó Berit Elisabet Andersson, Bibi Andersson, y fue la musa inspiradora de Bergman.

Junto al director Ingemar Johansson, en New York's Idlewild Airport, 1959. 4

Junto al director Ingemar Johansson, en New York’s Idlewild Airport, 1959.

EXCELENTE Y MAJESTUOSA EN «EL SEPTIMO SELLO»
Bibi Andersson, nació en Kungsholmen, Estocolmo, el 11 de noviembre de 1935. De chica ya tenía inclinaciones hacia la actuación profesional, siendo sumamente ayudada por sus padres, Karin née Mansion, que se desempeñaba como trabajadora social, y Josef Andersson, respetado hombre de negocios de buena posición. Bibi tuvo fortuna, ya a los quince años había debutado haciéndose dueña de una muy buena estrella desde sus comienzos. «El séptimo sello», de 1957, fue uno de sus puntos más altos, donde interpretó a las mil maravillas a Mía. El largo-metraje del estilo drama, es ambientado en la Europa medieval durante la peste negra, relata el viaje de un caballero cruzado -Max von Sydow- y de una partida de ajedrez que él juega con la muerte -Bengt Ekerot- la cual ha venid o a tomar su alma. Bergman desarrolló la trama de la cinta basándose en una obra teatral propia, «Pintura sobre tabla». El film es considerado un gran clásico del cine universal, por los críticos y el público en general. En «La linterna mágica», autobiografía de Bergman, cuenta que «El séptimo sello» fue financiado por Svensk Filmindustri, bajo un presupuesto de 150.000 dólares, que fue la película decimoséptima que dirigía, que tuvo que escribir cinco veces el guión hasta que fue aceptado, otorgándole 35 días para concluir el rodaje, y que la labor actoral de Bibi Andersson fue excelente, majestuosa…

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Bibi Andersson, Ingmar Bergman y Liv Ullman, en un momento de la filmación.

DOS PELICULAS EN ARGENTINA
«Persona», 1966, es otro de los filmes emblemáticos de Andersson y Bergman, en la que la actriz Elizabet Vogler -Liv Ullman- es en su mayoría muda y padece de una enfermedad. Por su actuación Bibi logra la distinción a la «Mejor actriz» en los 4tos. Premios Guldbagge. Ese año protagonizó junto a James Garner y Sidney Poitier «Duel at Diablo» -»Duelo en Diablo»- Siguieron más colaboraciones de Bergman, y ella alternó con John Huston, «The Kremlin Letter» , 1970, y de Robert Altman «Quintet» , 1979, con Paul Newman. En Argentina, participó de «Pobre mariposa», 1986, dirigida por Raúl de la Torre, y «Los dueños del silencio», 1987, de Carlos Lemos. En 1986 publicó su autobiografía «Ett flimmer-Ett ögonblick» -»Un parpadeo». En 1990, Bibi empieza como directora de teatro en Estocolmo, estando al frente de varias obras en Dramaten. También fue supervisora del proyecto humanitario «Camino a Sarajevo».

Mejor actriz, Cannes, 1958. 5

Mejor actriz, Cannes, 1958.

TRES CASAMIENTOS, UNA HIJA
Se había casado con el director Kjell Grede con quien tuvo una hija, luego con el político y escritor Per Ahlmark, y con Gabriel Mora Baeza, en 2004. En 2009 sufrió un derrame cerebral, con parálisis del lado derecho de su cuerpo.
El pasado 14 de abril del presente año dejó de existir, a sus 83 años. Más allá de la nostalgia.

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ELSA AGUIRRE: ESTRELLA DE ORO DEL CINE MEXICANO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UNA DIVA DE LA BELLA EPOCA DE LA PANTALLA GRANDE

Se ubicó rápidamente entre las actrices referentes de la época en la pantalla grande de México, junto a María Félix, Dolores del Río, Libertad Lamarque, Silvia Pinal, Martha Mijares, Rosita Arenas, su hermana Alma Rosa Aguirre, Rosita Quintana, Rebeca Iturbide, Lilia Prado, Blanca Estela Pavón, María Elena Marqués, Yolanda Varela, Meche Barba, Amalia Aguilar, Katy Jurado, Isabela Corona, Martha Roth, entre otras. Elsa Aguirre en tiempos de esplendor. 1Con imagen de bonita y sensual irrumpió en el cine dejando su marca registrada en una cantidad de películas que la tuvieron como protagonista. Su inicio en el cine fue por esas cosas de la vida, como ella misma lo ha reconocido. Cuando apenas tenía 14 años y estudiaba en secundaria, obtuvo un evento de belleza organizado por la productora cinematográfica CLASA Films Mundiales, que reclutaba nuevos talentos. Y así, ella y su hermana Alma Rosa fueron seleccionadas para participar en 1945 en su primera aparición en escena, un filme de ciencia ficción y comedia, «El sexo fuerte», con la dirección de Emilio Gómez Muriel. Esta producción es sumamente destacada dentro de la historia misma del cine azteca, ya que es uno de los largometrajes pioneros de ese estilo. Elsa Aguirre, es el nombre de la actriz, referente de aquel cine de los cuarenta en adelante.
CONSIDERADA UNA DE LAS MAS GRANDES
Considerada una de las más grandes estrellas mexicanas, Elsa Irma Aguirre Juárez, nació en Chihuahua, el 25 de septiembre de 1930. Va rumbo a sus 89 años!… Sus padres fueron Emma Juárez y el general Jesús Aguirre. A Elsa le agradaba pasear con su prima Esperanza Aguirre por las calles de Chihuahua. En realidad nadie imaginaba que se convirtiría en una de las actrices más populares por su imagen y categoría, y que lograría interpretar varios personajes de fuerte carácter. De hecho, su madre fue quien la apoyó para que ingresara al mundo del cine. Sus hermanos, Hilda, Mario, Alma Rosa y Jesús, y también le brindaron su respaldo para que lograra realmente su consagración definitiva. Ella, bien ubicada con su familia le reconoce su valía y le agradece permanentemente su constante seguimiento.
COMEDIA, ROMANCE, ACCION, FANTASIA Y HASTA DRAMA
A lo largo de su carrera ha participado en varios estilos de producciones: comedia, drama, romance, acción, musicales y fantasía, compartiendo marquesinas con las celebridades más importantes de la época dorada del cine de su país. Entre sus cintas destacadas están: «Ojos de juventud», 1948, dirigida por Emilio Gómez Muriel,actuando con Joaquín Pardavé, «Una mujer decente», 1950, de Raúl de Anda, estelarizando con Rafael Baledón, «La estatua de carne», 1951, de Chano Urueta, actuando al lado de Miguel Torruco y Carlos López Moctezuma, «Acapulco», 1951, de Emilio «Indio» Fernández, alternando protagónicos con Armando Calvo y Miguel Torruco, «Cuatro noches contigo», 1951, de Raúl de Anda, junto a Luis Aguilar, «Cantando nace el amor», 1953, junto a Raúl Martínez, y dirigida por Miguel M. Delgado, comedia musical, con Luis Arcaraz y Dámaso Pérez Prado y su orquesta, «Cuidado con el amor», 1954, de Miguel Zacarías, con Pedro Infante y Eulalio González Piporro, «Vainilla, bronce y morir» (Una mujer más), 1956, de Rogelio A. González, con Ignacio López Tarso, «Pancho Villa y la Valentina», 1958, de Ismael Rodríguez, junto a Pedro Armendáriz, «Ama a tu prójimo», 1958, de Tulio Demicheli con su hermana Alma Rosa y Mario Moreno «Cantinflas», «Casa de mujeres», 1966, de Julián Soler, con Dolores del Río, y «Los años vacíos», 1969, de Sergio Véjar, con Joaquín Cordero, entre otras realizaciones.
TELEVISION y GRANDES OBRAS TEATRALES
Además de ser figura estelar en la cinematografía, Elsa también intervino en teatro en excelentes obras y en 1962 debuta en la tele al aceptar la invitación del actor y productor Ernesto Alonso para integrarse a la serie «Las momias de Guanajuato». Desde ese momento, su carrera se torna imparable con trabajos que la requiren por doquier. Paralelamente, se fue manifestando también en canto, siendo «Flor de azalea», su tema de cabecera; una especie de «caballito de batalla». En la década de los noventa se fue retirando de sus actuaciones en el cine, a no ser que la llamaran para encarnar un buen guión que le interesara. En el mes de octubre de 2008 interpretó a Esperanza Iris, diva del arte lírico, en Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Elsa Aguirre se casó en tres oportunidades: Armando Rodríguez Morado, José Bolaños y Rafael Estrada, teniendo con su primer marido, su único hijo, Hugo Rodríguez Aguirre -1966-1996- y fue pareja durante un tiempo de Jorge Negrete. Por sus múltiples trabajos como actriz obtuvo varias distinciones: Luminaria de Oro, Reconocimiento de la agrupación de críticos y periodistas de teatro, Ariel de Oro por su trayectoria fílmica, y Lunas del Auditorio, por una vida en el escenario. Más allá de la nostalgia.

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JOHN GAVIN: EMBAJADOR DEL CINE y LA DIPLOMACIA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

HABLABA ESPAÑOL CON TOTAL NATURALIDAD

Rodó películas al lado de Sophia Loren, Peter Ustinov, Kirk Douglas, Tony Curtis, Maurice Chevalier, Susan Hayward, Sandra Dee, entre otros; hizo teatro, participó en varias series televisivas y hasta se convitió en embajador diplomático representando a Estados Unidos en México, desde 1981 a 1986, bajo el gobierno de Ronald Reagan. Todo eso y mucho más encierra la vida de John Anthony Golenor -como se hacía llamar- también conocido en la faz artística bajo el nombre de John Gavin. Actor de protagónicos estelares, de superproducciones, de grandes elencos, caso: «Imitation of life», 1959, «Espartaco», 1960, «Psicosis», 1960, de Alfred Hitchcock, «Escándalo en la corte», 1960, «Romanoff and Juliet», 1961. y «Thoroughly modern Millie», 1967, marcando época en la pantalla grande en una serie de cintas para el productor Ross Hunter. Nacido en Los Angeles, California, un día como el de hoy, 8 de abril, pero de 1931, como Juan Vincent Apablasa Jr., Gavin era de ascendencia mexicana, chilena y española, hablando español con total naturalidad. Su padre, Juan Vincent Apablasa era de origen chileno, y sus antepasados paternos, entre ellos Cayetano Apablasa, fueron los primeros propietarios de tierras en California cuando aún estaba bajo el dominio español. La madre de Gavin, Delia Diana Pablos, provenía de la familia Pablos, de gran influencia histórica, del estado mexicano de Sonora. Dos años más tarde después de la llegada a éste mundo de Gavin, su madre obtuvo el divorcio de Apablasa. Su próximo matrimonio fue con Herald Ray Golenor, quien adoptó a John y cambió su nombre a John Anthony Golenor, siendo utilizado de esa manera por Gavin.

Junto a su última esposa, Constance Towers, 2009

Junto a su última esposa, Constance Towers, 2009

FIRMA CON UNIVERSAL INTERNATIONAL
Luego de concurrir a la Academia Militar de San Juan, en Los Angeles, y Villanova Preparatory de Ojai, California, Gavin logra una Licenciatura en Ciencias Económicas y Asuntos Latinoamericanos de la Universidad de Stanford, donde trabajó en Honores Superiores, en la historia económica latinoamericana, y se convierte en miembro de la Fraternidad Chi Psi y de la Armada ROTC. Llegada la segunda guerra mundial, Gavin fue comisionado en la Marina USA, sirviendo a bordo del USS Princeton en la costa de Corea, donde se desempeñó como oficial de inteligencia aérea hasta el final de la guerra. En 1954 recibe una distinción por su trabajo en las inundaciones de Honduras de ese año. Culminado su servicio naval, Gavin se ofreció como asesor técnico a un amigo de la familia, el productor cinematográfico Bryan Foy, quien estaba haciendo un largometraje sobre Princeton. En cambio, Foy le organizó al futuro actor una prueba de pantalla con Universal International. Al principio Gavin no quería nada con eso -jamás había actuado antes- pero su padre insistió en que lo intentara. El casting fue exitoso e inmediatamente firmó con el estudio. Le ofrecieron un montón de dólares.
GLOBO DE ORO A LA NUEVA ESTRELLA
La Universal apostó fuerte por Gavin dándole un papel principal en una de las cintas más costosas que había producido hasta ese momento el estudio, «Tiempo de amar, tiempo de morir», 1958, por la cual obtuvo el Globo de Oro a la nueva estrella del año. Posteriormente, Gavin rueda otras películas: «Un grito en la niebla», 1960, «La calle de atrás», 1961, «Pedro Páramo», 1967, «La loca del Chaillot», 1969, siempre recordado en la histórica «Espartaco», en donde llevó adelante una notable interpretación de Julio César. A su vez, fue integrando lugares importates en series de televisión, siendo protagonista de «Destry» en 1964. Durante los setenta realizó tournés teatrales participando en los musicales «The Fantasticks» y «Seesaw», el cual estelarizó en Broadway. En 1971 fue electo presidente del Sindicato de Actores de Cine, cargo que ocupó hasta 1973.
INTERESES COMERCIALES PARALELOS
Gavin tenía numerosos intereses comerciales paralelos a su carrera como actor. En junio de 1986, después de su pasaje como embajador en México, se convirtió en vicepresidente de Atlantic Richfield en el campo de las relaciones federales internacionales. En 1987 renunció para convertirse en presidente de Univisa Satellite Communications, una nueva subsidiaria de Univisa, el imperio de transmisión en español. Contrajo nupcias en dos ocasiones, primero con la actriz Cicely Evans en 1957. Con ella tuvo dos hijas, residiendo en la antigua casa de Dennis O’Keefe en Beverly Hills. Se divorciaron en 1965. En 1974, se casó con Constance Towers, quien tenía dos hijos de un anterior matrimonio. John Gavin dejó de existir el 9 de febrero de 2018, a la edad de 86 años, debido a complicaciones de neumonia, en su lucha contra la leucemia por un largo período de tiempo. Fue un grande de Hollywood. Más allá de la nostalgia.

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«LOS SIETE SAMURAIS» DE TOSHIRO MIFUNE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LEON DE PLATA EN LA MOSTRA DE VENECIA…

Y dos candidaturas al gran Oscar, obtuvo ésta pélicula japonesa de 1954, verdadero drama de época, dirigida por Akira Kurosawa, siendo considerada como una de las cintas más grandes e influyentes de la historia, y uno de los largometrajes nipones que obtuvo fama y popularidad en el Occidente durante muchos años. «Los siete Samurais» ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público; en 1982 fue seleccionada en el listado de Sight & Sound de las diez películas mas importantes de todos los tiempos, y entre las diez preferidas de los directores en las votaciones de 1992 y 2002. La producción hasta influyó en posteriores producciones occidentales, como el conocido western «Los siete magníficos». La trama transcurre en el Japón del siglo XVI. Los habitantes de un poblado de campesinos, hartos de ser periódicamente asaltados por bandidos, deciden algo al respecto. Así, el anciano del pueblo sugiere contratar samuráis para que los defiendan. Tras varios intentos fallidos de ubicar samuráis dispuestos a luchar tan solo a cambio de comida, encuentran a uno llamado Kanbei, quien acepta reunir a a un grupo de siete samuráis que defenderán al poblado más por su valentía, que por los dos puñados de arroz que se les ofrecían. Entraría en acción rápidamente Kikuchiyo un joven de origen campesino que intenta llegar a ser conocido como un verdadero samurái. El papel lo desarrolla de forma excelente Toshiro Mifune, en encarnación memorable, al frente de los siete guerreros. Samurai Assassin, 1965. 5

COMO TOSHIRO SE CONVIERTE EN ACTOR?
Toshiro Mifune nació un día como el de hoy, 1o. de abril de 1920, en Qingdao. De padres japoneses,debido a su nacimiento en China, le dieron al pequeño el nombre de Sanchuan Minland. Su padre Tokuzo, un hombre de negocios emigrado a China, lo familiarizó con la fotografía. Después de terminar la escuela cursó estudios de bachillerato en el Instituto de Port Arthur, y fue admitido en la Armada Imperial Japonesa cumpliendo con el servicio militar durante la Segunda Guerra Mundial. Estando en servicio, sus conocimientos de fotografía fueron apreciados y fue destinado al reconocimiento aéreo. Finalizada la guerra, Toshiro trabajó para Toho films como asistente de cámara. En ese tiempo, un amigo suyo remitió una fotografía suya a una selección de actores para una película, sin que él lo supiera. Toshiro quedó y a pesar de no haber emprendido él mismo la situación aceptó gustoso, es que deseaba de alguna manera convertirse en actor. Días siguientes se puso a estudiar actuación en una academia de arte dramático de Toho Films que surgió a raíz de una huelga de actores.

SHIN BAKA JIDAI, SU PRIMERA PELICULA
El puntapié inicial lo dió en «Shin Baka Jidai», que se rodó en 1947. Un año más tarde conoce al director Akira Kurosawa, naciendo entre ambos una muy buena relación. Es bien claro, que Toshiro fue el actor predilecto de Kurosawa. En efecto, a lo largo de su extensa carrera, Mifune actúa en 16 películas de Akira, la mayoría de las cuales se convierten en clásicos del cine japonés. Entre las cintas más atrapantes de Mifune figuran: «Rashomon», 1950, dirigida por Akira Kurosawa, «Beyond love and hate», 1951, por Senkichi Taniguchi, «The idiot», 1951, por A. Kurosawa, «Pirates», 1951, por Hiroshi Inagaki, «The life of a horsetrader», 1951, por Keigo Kimura, «Vendetta for a Samurai», 1952, por Kazuo Mori, «Foghorn», 1952, por Senkichi Taniguchi, «The life of Oharu», 1952, por Kenji Mizoguchi, «My wonderful yellow car», 1953, por Senkichi Taniguchi, «The last embrace», 1953, por Masahiro Makino, «Love in a Teacup», 1953, dirigida por Yasuke Chiba, la clásico de culto «Los siete Samurais», 1954, por Akira Kurosawa, «The sound of waves», 1954, por Senkichi Taniguchi, «Trono de sangre», 1957, por Akira Kurosawa, «Legacy of the 500,000», 1963, dirigida por el propio Toshiro Mifune, «Red beard», 1965, por Akira Kurosawa, «Fort graveyard», 1965, por Kihachi Okamoto, «Samurai Assassin», 1965, por Kihachi Okamoto, y «Akage» -»Red lion», 1969, por Kihachi Okamoto, entre otras.

CALIDAD INTERPRETATIVA AL POR MAYOR
Verdaderamente en «Los siete Samurais» se aprecia toda la calidad interpretativa de Toshiro, siendo conocido mundialmente por ese personaje. Siempre dando vida a caballeros duros los cuales encarnaba matizandolos si se quiere, hasta con un fino toque de humor. En 1960 contrae matrimonio con Sachiko Yoshimine. De la unión nacieron: Shiro, 1950, y Takeshi, 1952. Sachiko, su esposa, dejó de existir a los 67 años, en 1995. En 1982, tendría una tercera hija: Mika, de la unión con la actriz-amante Mika Kitagawa. Toshiro Mifune dejó de existir en Mitaka, Tokio, el 24 de diciembre de 1997, a los 77 años, víctima de cáncer de páncreas. Fue un actor despegado. Más allá de la nostalgia.

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ELTON JOHN: 72 AÑOS, HOY

UN GIGANTE DE LA MÚSICA

Cierre del show, saludando a su público.

Con su pareja David Furnish.

Es el único artista en mantener al menos un tema dentro del Billboard Hot 100 durante 31 años consecutivos, desde 1970 hasta el 2000. Su canción «Candle in the wind 1997», reescrita en ocasión de la muerte de Diana de Gales colocó más de 33 millones de copias y es el sencillo más vendido en la historia. Con una carrera d e más de 50 años continuados en actividad, ha lanzado alrededor de 30 álbumes de estudio y se ha despachado con más de 300 millones de copias en el mundo, siendo uno de los artistas más exitosos de la vida musical de todos los tiempos. Ha colaborado con el letrista Bernie Taupin desde 1967 y muchas de sus obras han alcanzado la cima de las listas de éxito en el mundo. Recibió cinco Grammy, cinco premios Brit, dos distinciones por su contribución sobresaliente al rock y el primer ícono de los británicos en 2013 por su «Larga trayectoria en la cultura británica», galardón de la Academia, un Globo de Oro, condecoración Tony, Corona Disney Legends, y el Kennedy Center Honor en 2004. En ese mismo año, la publicación Rolling Stone lo clasificó con el escalón No. 49 en su lista de 100 influyentes de la era musical. Fue incluído en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1994, siendo miembro del Salón de la Fama de los Compositores, y participante de la Academia inglesa de compositores y autores. Fue nombrado caballero por Elizabeth II por «Servicios a la música y caritativos» en 1998. Y se ha presentado en varios eventos reales como por ejemplo en el funeral de la Princesa Diana en la Abadía de Westminster en 1997, la Fiesta en el Palacio en 2002, y el Queen’s Diamond Jubilee Concert fuera del Palacio de Buckingham en 2012. Sus trabajos también se han extendido hacia la composición, la producción, y en ocasiones, a la actuación. Se llama Elton Hercules John o Sir Elton John, un gigante de la música.

HERCULES NACIO EN INGLATERRA

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Elton John.

Elton John nació en Pinner, suburbio de Londres, bajo el nombre de Reginald Kenneth Dwight, un día como el de hoy 25 de marzo, pero de 1947: está cumpliendo 72 años. Hijo mayor de Stanley Dwight -1925-1991- e hijo único de Sheila Eileen Harris -1925-2017- fue criado en la casa de sus abuelos maternos, en Pinner. Elton se educó en Pinner Wood Junior School, Reddiford School, y Pinner County Grammar School, hasta los 17 años, momento en el que se retiró del centro de enseñanza antes de rendir sus exámenes, para continuar una carrera que él adoró desde pequeño: la música. Aprendió a tocar el piano a una temprana edad. En 1962 ya integraba su primera agrupación, Bluesology, 1962. Enseguida se une a Bernie Taupin para escribir temas para la cantante Lulú, The Hollies y The Scaffold. En 1969 lograba su debut con la producción «Empty sky», logrando impactar con «Your song», encabezando las listas de USA, Reino Unido y otros países europeos. Otras bellas composiciones de su discografía: «Crocodile rock», 1972, «Goodbye yellow brick road», 1973, «Don’t go breaking my heart», 1976, «Sacrifice», 1989, entre tantas. Después de muchísimos años siendo hit absoluto reconocido por el gran público llega al teatro musical y la pantalla grande componiendo la música para «Billy Elliot», «Aída», y «El rey león».

En presentación europea junto a su inseparable piano Yamaha

«NIKITA»: UN SUCESO TAMBIEN EN CLIP

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Junto a Miley Cyrus.

Elton también llevó a la fama otros recordados sucesos a lo largo y a lo ancho de la década de los ochenta, incluyendo «Nikita», cuyo videoclip es dirigido por el propio Ken Russell. El tema llegó al lugar 7 en territorio norteamericano, y al sitio tres en Reino Unido. En 1986, una versión de orquesta de «Candle in the wind», trepa al número seis en Estados Unidos. Su simple más destacado fue una colaboración con Dionne Warwick, Gladys Knight y Stevie Wonder, «That’s what friends are you», que se pegó en el primer puesto en USA en 1985, titulado como Dionne and Friends. La canción sirvió para recaudar fondos para la investigación del Sida. A partir de éste trabajo comenzó a involucrarse en la lucha contra esa cruel enfermedad, estableciendo la Fundación de Sida Elton John, recaudando desde su creación hasta el presente más de 200 millones de dólares. Elton, quien anunció que era bisexual en 1976, y ha sido abiertamente gay desde 1988, se unió con David Furnish, el 21 de diciembre de 2005, y luego de que el casamiento entre personas del mismo sexo se legalizara en Inglaterra, en 2014 se unió en matrimonio.

UN 2019 REPLETO DE GIRAS
Sus álbumes siguieron vendiéndose, pero de los editados en la segunda parte de la década ochentosa solo «Reg strikes back», se colocó entre los primeros veinte en Estados Unidos.
Exactamente el 22 de abril de 2017, fue dado de alta de un hospital luego de dos noches de cuidados intensivos por haber contraído «una infección bacteriana» durante su vuelo de regreso a casa, de una tourneé por Santiago de Chile, donde se vió obligado a cancelar la totalidad de sus espectáculos ya programados con anterioridad en abril y mayo del mismo año. Hoy por hoy su agenda tiene giras hasta fines de año, recorriendo todo USA practicamente de punta a punta, Polonia, Alemania, y Reino Unido.
Los boletos para los conciertos se venden con mucha anticipación. Más allá de la nostalgia.

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

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ANTHONY BLAKE: SACANDO CONEJOS DE LA GALERA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

AQUEL ACTOR LLAMADO BILL BIXBY

Si bien su carrera se extendió a lo largo de más de treinta años, tiempo en que apareció en escena, en diversas películas y como protagonista de cinco series televisivas entre 1961 y 1992, se hizo realmente popular encarnando los personajes de Anthony «Tony» Blake en «El Mago» -»The Magician»- de la NBC, en una sola temporada, 1973 a 1974, y como el Dr. David Bruce Banner en «El increíble Hulk» -»The incredible Hulk»- emitido por CBS, desde 1977 a 1982. Su primera tira fue «Mi marciano favorito» -»My favorite martian»- en CBS, de 1963 a 1966, durando tres temporadas, con 107 episodios de 25′, interpretando a Tim O’Hara, el juvenil reportero amigo de Ray Walston. El Mago, 1973. 3En 1969 estelarizó su segundo papel de buen perfil, haciendo de Tom Corbett en «Buscando novia a papá», tira propalada por ABC, desde 1969 a 1972, comedia dramática que se refería a un padre viudo criando a un pequeño hijo, administrando una importante revista. Serial que estuvo en el estilo de otros programas de situaciones similares de los años sesenta y setenta que trataron la viudez, a saber: «The Andy Griffith Show» y «My Three Sons». Y también hizo de Matt Cassidy en «Goodnight beantown», de CBS, desde 1983 a 1984. Pero, al margen también fue productor y director cinematográfico, actuó en teatros en el transcurso de su profesión y hasta se dió el lujo de impulsar a diversos actores. Se llamó Wilfred Bailey Everett Bixby III, reconocido artísticamente como Bill Bixby. Actor de actores.

LE DISPARO AL OBISPO!…

Bill Bixby nació un 22 de enero de 1934, en San Francisco, californiano de ascendencia inglesa. Su padre Wilfred Everett Bixby II, era empleado de una tienda, y su madre Jane Bixby, era la gerente de I. Magnin & Co. En 1942, cuando Bixby tenía ocho años, su padre se alistó en la Marina, durante la Segunda Guerra Mundial y viajó al Pacífico Sur. Mientras estaba en séptimo grado, Bixby asistió a Grace Cathedral y cantó en el coro de la iglesia. En un incidente, le disparó al obispo usando una honda durante un servicio y fue expulsado del coro. En 1946, su madre lo alentó a tomar clases de baile de salón y desde allí comenzó a danzar por toda la ciudad. Mientras bailaba, asistió a Lowell High School , donde perfeccionó sus habilidades orales y dramáticas como miembro de la Sociedad Forense de Lowell. A pesar de que recibió calificaciones relativamente buenas, también compitió en torneos de oratoria de preparatorio a nivel regional. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1952, en contra de los deseos de sus padres, se especializó en teatro en el City College de San Francisco.

EL MAGO CON SU GALERA

«El Mago», es el inicio de su popularidad en todo el mundo. Una serie que se desarrolló con suceso por todos lados. Canal 10 Tv la presentaba en Montevideo. Protagonizada por Bixby como el ilusionista teatral Anthony Blake, un filántropo de playboy que usó sus habilidades para resolver crímenes difíciles según fuera necesario. En la serie piloto, el personaje se llamaba Anthony Dorian; el nombre fue cambiado debido a un conflicto que existía con un mago de la vida real. La tira fue muy apreciada pero solo duro una temporada. Un experto mago aficionado, fue anfitrión de varios especiales televisivos a mediados de la década de los setenta, en los que participaron otros magos aficionados, y fue un miembro respetado de la comunidad mágica de Hollywood, perteneciente a The Magic Castle, un club exclusivo para gente de la magia. Durante la producción popular del programa, aunque de corta duración, Bixby invitó a algunos viejos amigos como coprotagonistas: Pamela Britton -en su papel final- Kristina Holland y Ralph O’Hara.

VIDA PERSONAL CON VAIVENES

El primer matrimonio de Bixby fue con la actriz Brenda Benet. Se casaron en 1971, y ella dio a luz a su hijo Christopher en septiembre de 1974. La pareja se divorció en 1980. Unos meses después, en marzo de 1981, Christopher, de seis años, murió mientras estaba de vacaciones de esquí en Mammoth, donde sufrió un paro cardíaco después de que los médicos le insertaron un tubo de respiración cuando sufría epiglotitis aguda. Benet se suicidó el año siguiente. Bixby conoció a Laura Jane Michaels en 1989, quien había trabajado en el set de una de sus películas de Hulk. La pareja se casó un año después en Hawai. A Bixby en los comienzos de 1991, le diagnosticaron cáncer de próstata y se sometió a un tratamiento. Se divorció en el mismo año, al enterarse Laura de la enfermedad de su marido. A fines de 1992, unos amigos le presentaron a la artista Judith Kliban, viuda de B. Kliban, un dibujante que había muerto de una embolia pulmonar. Bixby se casó con Judith a fines de 1993, un mes antes de su muerte, acontecida el 21 de noviembre de 1993. Bill Bixby, que está sepultado en su mansión de Kliban, en Hawái, fue homenajeado por el aquel entonces presidente estadounidense Bill Clinton por su valor frente al cáncer, al igual que su amigo Michael Landon. Es recordado con su traje de mago, de galera y baston, y por aquel «giganton» verde en el cual se transformaba en «Hulk». Mas allá de la nostalgia.

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HOY: EL ADIOS DE PETER TORK, EX-THE MONKEES

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN CASTING ENTRE MÁS DE 500

Nos ubicamos en el año 1966 plena efervescencia de los fabulosos cuatro, The Beatles, por América. Es bien sabido que por negligencias de productores varios de la compañía fonográfica que los representaba, su lanzamiento demoró varios años en Estados Unidos, no creyendo en parte que tendrían éxito en Norteamérica. Por el contrario, los genios de Liverpool al pisar el suelo de Nueva York lograron impactar aún más desde todo punto de vista, naciendo la Beatlemanía a vivas voces por el mundo. Marcando récords absolutos en aquella memorable presentación en El Show de Ed Sullivan, logrando una teleaudiencia excepcional a lo largo y a lo ancho de USA. Peter Tork. 1Ese sonado impacto le abrieron los ojos a determinados productores que deseaban armar un conjunto estaounidense «parecido» para que tuviera su propia serie de tv. Así fue que se hizo un casting -una selección, de aquellos tiempos- entre mas de 500 jovenes, donde se buscaba más la presencia, antes de que fueran músicos de verdad. Hasta que al final quedaron los cuatro que llevarían adelante el proyecto que se convertiría en The Monkees: Micky Dolenz, Davy Jones, Michael Nesmith, y Peter Tork, siendo los dos últimos los únicos músicos de la banda. Tal es así, que en las grabaciones y en los espectáculos en directo que realizaron eran acompañados por un conjunto, haciendo Dolenz y Jones la parodia de que tocaban algún instrumento.

NACE THE MONKEES, COMEDIA TELEVISIVA

Así, ell 12 de septiembre de 1966 nacía The Monkees, comedia televisiva musical creada por Bob Rafelson y Bert Schneider, para Raybert Productions y Screen Gems, en la cadena NBC, distribuída por Columbia Pictures Television. El show se mantuvo durante dos temporadas en grilla, alcanzando la cantidad de 58 episodios, participando los cuatro personajes seleccionados, realizando en la trama una verdadera copia de lo mostrado por John, Paul, George y Rinco en su primer filme «»A Hard Day’s Night». De todas maneras la tira logró un buen suceso hasta que se levantó el 25 de marzo de 1968, por escaso rating, imponiendo en ese tiempo una cantidad de hits, creados en su mayoría por Neil Diamond, Neil Sedaka, Carole King, Tommy Boice, Bobby Hart, y los propios Michael Nesmith y Peter Tork: «Last train to Clarkville», «I’m a believer», «She», «I’m not your steepin’ stone», «A little bit me a little bit you»,»Sweet young thing», «Look out here comes tomorrow», «Pleasent valley sunday «, «When loves come knockin’ at your door», «I wanna be free», «Theme of The Monkees», «Daydream believer», entre otros.

TOMARON OTROS RUMBOS

Concluída ésta primera etapa, los músicos Michael Nesmith y Peter Tork tomaron otros rumbos. Sabedores de que eran buenos ejecutantes intentaron otras opciones, como por ejemplo Nesmith se lanzó como solista con interesantes logros, y con la First National Band siendo precursor del estilo country-rock. Por otra parte, Peter Tork, bajista y tecladista con méritos, paso por otros grupos, The Peter Tork Project , y Shoe Suede Blues, con el cual se estaba presentando hasta fines del 2018. Lamentablemente, en el 2009, luego de un examen médico, fue diagnosticado con Adenoid Cystic Carcinoma, un tipo raro de cáncer. Pero, en el año 2011 fue superando su enfermedad. Sin embargo, retornó en 2018, y Tork dejó de existir por complicaciones asociadas con su enfermedad el pasado 21 de febrero del presente año, en su casa de Mansfield, Connecticut, una semana después de haber cumplido sus 77 años.

EL SEGUNDO EN DESAPARECER

Antes de la partida de Tork, había desaparecido otro componente de The Monkees, Davy Jones, cuyo nombre real era David Thomas Jones, llegado a éste mundo el 30 de diciembre de 1945 en Manchester, Inglaterra. Fue el cantante de la mayoría de los temas de la agrupación, que al llegar a su final, se convirtió en compositor, empresario, actor y cantante en solitario. Como actor fue nominado al premio Tony, por su papel de Artful Dodger, en la obra Oliver, participando además en las series The Brady Bunch, Love american style y My two dads. Se fue rumbo al cielo el 29 de febrero de 2012, en Indiantown, Florida, debido a un fuerte ataque cardíaco.

SE CASO CUATRO VECES

Peter Tork estuvo casado en cuatro ocasiones, con Jody Bab, Reine Stewart, y Barbara Iannoli culminando todas las veces en divorcio. Desde el 2014 hasta su muerte, contrajo nupcias con Pamela Grapes. Tuvo tres hijos: Hallie, con Stewart, Ivan con Iannoli y Erica, de una relación con Tammy Sestak. Nacido en Washington D.C., el 13 de febrero de 1942, se llamó Peter Halsten Thorkelson o Peter Tork en la faz artística, desempeñándose ademàs como actor de televisión con el paso del tiempo.
Se le recordará siempre por aquella serial que emitía Montecarlo TV Canal 4 de Montevideo, los lunes por la noche, en momentos del blanco y negro: The Monkees. Más allá de la nostalgia.

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HOY: BOB HOPE: LAS CINCO GRANDES DE UN COMEDIANTE NATO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

VER SU ROSTRO EN LA PANTALLA…

Ya alcanzaba para reír… su cara, su expresión, hacía saltar con carcajadas al espectador en su butaca en las salas cinematográficas. Ya sea en los estrenos, continuados, y en las viejas y tan queridas matinés, donde se veían cuatro o cinco películas sin ningún tipo de detención. Ruta de Marruecos, 1942. 2Apareció en la radio, luego hizo teatro, y más tarde en el séptimo arte y la pantalla chica. Idolo del gran Hollywood, rodó muchas comedias al lado de estrellas rutilantes de los estudios. Hijo de una cantante de opereta, escocesa, y de un trabajador inglés, era el quinto de siete hermanos. Antes de dedicarse al mundo del espectáculo, trabajó como boxeador, bajo el nombre de Packy Easte, aunque realmente no logró tener demasiado suceso. Ahí es cuando participa en varios certámenes, imitando a Charles Chaplin. En uno de ellos lo observa el comediante Fatty Arbuckle, y en 1925 le da trabajo. Aparece por varias broadcasters, forma parte de un número llamado The Dancemedians con las Hermanas Hilton, y después de cinco años en el mundo del vodevil, regresa a Nueva York, y se inicia en determinados musicales de Broadway. Desde ese momento los periodistas y parte del público norteamericano lo comienza a destacar por su sentido del humor. Se llamó Leslie Townes Hope, a quien se le conoce en la faz artística como Bob Hope, actor estadounidense nacido en Inglaterra el 29 de mayo de 1903, y desaparecido en Toluca Lake, California, el 27 de julio de 2003, a los 100 años de edad. Durante más de sesenta años rodó infinidad de películas, en ésta ocasión destacamos cinco grandes producciones reideras de su filmografía.

MI RUBIA FAVORITA

My favorite blonde, Mi rubia favorita, fue una de las primeras cintas que ví de Bob Hope, muchos años después de su estreno; fue en el glorioso Cine Edison de la Avda. Garibaldi, del Barrio Goes en la capital. Me hizo reír mucho, claro era más joven, y también otros tiempos, pero Hope tenia un algo especial para el humor, en ese entonces. Mi rubia favorita es un filme de 1942, dirigido por Sidney Lanfield, estelarizada por Hope y la rubia Madeleine Carroll. Se trata de una historia de Melvin Frank y Norman Panamá. La película se basa en un artista de vodevil que se mezcla con agentes secretos británicos y alemanes en los días que Estados Unidos entra en la batalla de la Segunda Guerra Mundial. Cuando un espía británico es asesinado en cumplimiento del deber, la agente Karen Bentley hereda la misión de su compañero. La misión es entregar un plan de vuelo para un centenar de aviones bombarderos estadounidenses a un agente británico en Chicago. Los planes están ocultos en un pequeño medallón de escorpión que Karen lleva. Todo tiene sabor a comedia hilarante, la verdad. Como dato curioso, en el transcurso del film aparece Bing Crosby, pero su nombre no está ni en el reparto.

RUTA DE MARRUECOS

Road to Morocco, Ruta de Marruecos, o Camino a Marruecos, fue otra desopilante entrega de Hope, junto a Bing Crosby y la bella Dorothy Lamour. Es de 1942, escrita por Frank Butler y Don Hartman, dirigida por David Butler para la Paramount Pictures, siendo la segunda de la tira «Road to…» Fue precedida por Road to Zanzibar, 1941, y seguida por Road to Utopia, 1946. La historia trata sobre dos hombres que hablan rápido, náufragos en una orilla del desierto y vendidos como esclavos a una bella princesa. El escenario es en Marruecos. La cinta empieza con un carguero en el mar explotando, mientras se escuchan noticias por la radio. La causa de la explosión es un misterio, ya que estaba toda la tripulación, con excepción de dos polizones no identificados. Ruta de Marruecos, logró dos nominaciones al Oscar de la Academia: Guión original y sonido. Tres décadas más tarde la pude ver en la tele en un canal de cable, comprobando de que no fue un filme más para Hope, por el contrario resultó una muy buena realización en su estilo. Hoy, el DVD de la película es todo un documento de esa época, y de lo bien que se llevaban en escena Hope y Crosby.

MI ESPIA FAVORITA y EL HIJO DEL CARAPALIDA

Nueve años después, en 1951, Hope le daría más alegrías a la pantalla grande con My favorite spy, Mi espía favorita, dirigida por Norman Z. McLeod y estelarizada por Hope y la bella morocha Hedy Lamarr. También muy proyectada en matinés de salas barriales, de muy buena taquilla. Todo lo cómico bien llevado en la trama que dibujaba a agentes de inteligencia de Norteamérica reclutando al cómico burlesco Peanuts White para hacerse pasar por el espía internacional Eric Augustine, a quien se parece para adquirir un microfilme de un millón de dólares en Tánger. Allí, se encuentra con la irresistible Lily Dalbray, la única «amiga» de Augustine, que ahora está aliada con su archienemigo, Brubaker. Otra excelente de Hope, fue Son of Paleface, El hijo del carapálida, 1952, que encarna junto a Jane Russell, y Roy Rogers, una espectacular comedia del oeste americano, dirigida por Frank Tashlin, y escrita por Tashlin, Joseph Quillan y Robert L. Welch, que trata sobre un hombre que regresa a casa para reclamar el oro de su padre, que no se encuentra en ninguna parte. Una producción para no parar de reír.
Por último, recordamos Call me bwana,
El amo de la selva, de 1963, con Hope y Anita Ekberg, filme británico, una comedia británica bajo la dirección de Gordon Douglas, producida por Albert R. Broccoli, en el guión de Nate Monaster, Harwood, Lachman, y Larkin. Una cápsula espacial estadounidense de regreso a la Tierra con muestras lunares, sufre un desperfecto y va a aterrizar en un remoto lugar de África, donde se suceden todo tipo de aventuras y… diversiones! Sin dudas, fueron cinco grandes producciones de un comediante nato. Más allá de la nostalgia.

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GEORGE HARRISON: EL MAS INNOVADOR DE LOS BEATLES

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

TÉCNICA y PERFECCIONISMO AL POR MAYOR
En su juventud aprendió a rasgar la viola estando enfermo, y fue tal su vocación por la música que de buenas a primeras salió tocando, mientras recién llegaba a la escuela. George Harrison. 1La guitarra estaba con él en todos los sitios donde frecuentaba, y solía sacarle notas en cualquier lugar, caso en los autobuses. Compañero de estudios de Paul McCartney, fue éste que observando sus aptitudes en el instrumento lo escuchó y se lo llevó a John Lennon diciéndole.. «Este, bien puede ser uno de los nuestros…» Al poco tiempo, nacía el trío The Quarrymen, que con el paso de los años se transformarían en The Silver Beatles y más adelante con el agregado de Ringo Starr, en uno de los grupos más grandes de todos los tiempos, The Beatles. Cuando lo dejaban Paul y John, componía y cantaba -siempre hizo coros- y su sutileza lo llevó a ser autor de himnos de la talla de «Norwegian wood», «Something», y «Here comes the sun», entre otros. Su técnica, constante perfeccionismo y aires innovadores lo llevaron a conocer al músico indio Ravi Shankar destacado mundialmente como virtuoso del sitar. Así, bajo el influjo Brahmana de nacimiento de Shankar -perteneciente a la casta sacerdotal india propia de los artistas y músicos- llevó a sus compañeros por el sendero del misticismo hindú, donde al margen de lo espiritual, supo sacar provecho del sitar. Con el transcurrir de los años, se hizo solista lanzando muy buenas producciones fonográficas, dejando un famoso recital donde además se rodó una película, donde participaron sus amigos Eric Clapton, Bob Dylan, y Ringo Starr, entre tantos: The Concert for Bangladesh -Concierto para Bangladesh- donde todo lo recaudado se destinó a los damnificados en la tragedia que vivía Bangladesh, celebrado en el Madison Square Garden, en agosto de 1971. Se llamó Sir George Harold Harrison, y hoy hubiese cumplido 76 años.

THE REBELS, SU PRIMER CONJUNTO
Nacido el 25 de febrero de 1943, en Liverpool, Inglaterra, en el seno de una familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre. George fue el único Beatle cuya infancia no fue empañada por la muerte o el divorcio de sus padres. Cursó la escuela infantil Dovedale Road, cercana a Penny Lane, al mismo tiempo que John Lennon, aunque por diferencia de edad no se conocieron, si lo harían más tarde. A los 11 años, llegó al Liverpool Institute for Boys. A los 12 poco antes dar inicios a los cursos, fue ingresado en el hospital debido a nefritis. Durante su convalecencia adquirió su primera guitarra, una Egmond. Poco después, al tiempo que se hacía de otra viola, una Hofner President, forma su primer conunto tras el auge del skiffle: The Rebels, junto a su hermano Peter, y Arthur Kelly. Entre los artistas que influyen en su forma de tocar se destacan Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. Tras idas y venidas se une a The Quarrymen, y después de varias etapas llegarían The Beatles, con varios componentes que abandonarían el grupo. Presentaciones por Alemania, la cueva en Liverpool, en fin. Mucho más se avecinaba.

LLEGA LA BEATLEMANIA
Y la Beatlemanía estaba ahí, a la vuelta de la esquina. George fue el cantante de todos los temas compuestos por él en su etapa con The Beatles. Asimismo, también cantó canciones de otros artistas, incluyendo «Chains» y «Do you want to know a secret» en «Please please me», «Roll over Beethoven», y «Devil in her heart» en «With the Beatles», «I’m happy just to dance with you» en «A hard day’s night», y «Everybody’s trying to be my baby» en «Beatles for sale». Mientras tanto las películas se sucederían: «Llegan los Beatles» -filme documental- «Anochecer de un día agitado», y «Help». Los roces entre Harrison, Lennon y McCartney comenzaron a hacerse notar a partir de la muerte de Brian Epstein, mánager del grupo, y en especial desde las sesiones de grabación de Los Beatles, llegando a intentar dejar el grupo en aquel momento. Tras la disolución de The Beatles en 1970, y tras años opacado por las sombras de Lennon y McCartney, publicó gran parte del material que había acumulado durante los últimos años en su proyecto más loado por la crítica, «All things must pass», su primer álbum triple.

TRATAMIENTOS EN SUIZA y NUEVA YORK

Más allá en el tiempo, se le detecta a George Harrison un cáncer de pulmón. Harrison se sometió a tratamientos agresivos en Suiza y en Nueva York, pero el 22 de noviembre los médicos le confirmaron su carácter terminal. Decidieron aplicar entonces tratamientos únicamente paliativos, que le permitiesen pasar sus últimos días en familia, con amigos y dar las últimas indicaciones de algunos proyectos a ser terminados por su hijo Dhani y su esposa Olivia. Organizó un último encuentro absolutamente privado con Paul y Ringo, de quienes pudo despedirse en paz, así como con su hermana Louise. Dejó de existir el 29 de noviembre de 2001, a los 58 años.
George Harrison fue uno de los grandes de la música. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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YOKO ONO: LA JAPONESA CUMPLE 86 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA MUJER QUE TERMINO CON LOS BEATLES?…

John Lennon y Yoko Ono salieron heridos de un accidente de tráfico en junio del año 1969, en medio de la grabación del álbum «Abbey road». Ono, Yoko & Lennon, Sean & Cox, KyokoEn ese momento se colocó una cama y un micrófono en el estudio para que la japonesa pudiera hacer comentarios artísticos sobre el disco. Se pensó de alguna manera que la presencia constante de Yoko durante la última parte de la carrera de Los Beatles puso a prueba la relación del propio John con los otros componentes del conjunto. A partir de ese momento en las radios londinenses la llamaron «La mujer que terminó con Los Beatles…» Sin embargo la artista ha declarado en muchas oportunidades que los británicos se disolvieron sin mediar participación de ella. Todó quedó en la nada cuando McCartney y Harrison salieron al paso comentando de que los problemas que había dentro de la agrupación se iniciaron mucho tiempo antes de que Ono apareciera en la vida de Lennon. Fiel compañera del ex-Beatle, luego del fallecimiento de John, en 1980, resultó heredera de una fortuna que oscila los 360 millones de dólares, que podrían ser en la actualidad de casi 800 millones, de acuerdo a los derechos de autor que se han ido generando. Más allá de la nostalgia, la vida de Yoko Ono ha pasado en medio de excentricidades, polémicas, discusiones, y amor y paz. Hoy está cumpliendo 86 años.

DESDE TOKIO A SAN FRANCISCO, y MÁS

Yoko Ono llegó a éste mundo el 18 de febrero de 1933, en Tokio, Japón. Hija de Isoko Ono y Eisuke Ono, un banquero y pianista de música clásica. Dos semanas antes del nacimiento de Yoko, Eisuke fue trasladado a San Francisco, a expreso pedido de la entidad donde trabajaba, Yokohama Specie Bank. El resto de la familia viajó tiempo después, así fue que Yoko conoció a su padre cuando tenía dos años. Su hermano menor, Keisuke, nació en diciembre de 1936. Yoko se inclinó por la música, siendo inscripta en clases de piano a los cuatro años. En 1937, los Ono regresan a Japón y Yoko pasa a estudiar en Peers School, una de las escuelas más exclusivas de Japón. En 1940 la familia se mudó a Nueva York. Posteriormente, Eisuke fue trasladado a Hanoi, y la familia regresó a Japón. Yoko continuó estudiando en una academia primaria cristiana, permaneciendo en Tokio durante la Segunda Guerra Mundial y el gran bombardeo de 1945. Luego de que la batalla concluyó, Yoko se quedó en Japón mientras que su familia se mudó a Estados Unidos, exactamente en Scarsdale, Nueva York, ciudad al norte del centro de Manhattan. Cuando Yoko vuelve a reunirse con los suyos es momento de la Universidad, y atraída por el arte, es su deseo conocer artistas, poetas, y músicos que representaban un estilo de vida bohemia al que realmente ella aspiraba.

DEJA LA UNIVERSIDAD PARA CASARSE

En 1956 Yoko abandona la Universidad para casarse con el compositor japonés Toshi Ichiyanagi. Con él, luego de vivir separados durante años, se divorcia en 1962. Así, vuelve a la casa materna para vivir nuevamente con sus padres, sufriendo depresión, siendo internada en un centro médico. Luego de recuperarse, el 28 de noviembre de 1962, contrae enlace con Anthony Cox, un músico de jazz, productor de cine y promotor de arte estadounidense, pero debido a un problema con el divorcio con Ichiyanagi, el matrimonio es anulado el 1o. de marzo de 1963. Luego de concluído el divorcio, Cox y Yoko se volvieron a casar el 6 de junio de 1963. De la relación, llega su hija Kyoko Chan Cox, dos meses después, el 8 de agosto de 1963. La pareja se derrumba rápidamente, pero Yoko y Anthony permanecen juntos cuidando la imagen de sus carreras paralelas, separándose definitivamente el 2 de febrero de 1969, casándose con John Lennon ese mismo año.

HICIERON EL AMOR HASTA EL AMANECER

John Lennon y Yoko Ono se conocen en una galería de arte en Londres. A los efectos manifestó Yoko: «Me sentí muy atraída por él. Fue una situación realmente extraña…». En mayo de 1969, mientras su esposa estaba de vacaciones en Grecia, John invita a Yoko a visitar su casa. Pasaron la noche grabando lo que se convertiría en el álbum «Two virgins», después de lo cual según la versión de Yoko, hicieron el amor hasta el amanecer. Cuando la esposa de Lennon regresó al hogar, encontró a Yoko con su bata de baño y tomando té con John, quien simplemente dijo: «Oh, hola!»… Unas pocas semanas después de que John se divorciara de Cynthia, Yoko quedó embarazada, pero sufrió el aborto espontáneo de un niño el 21 de noviembre de 1968. John y Yoko se casaron el 20 de marzo de 1969 en Gibraltar, pasando su luna de miel en Amsterdam, haciendo su campaña para la paz, grabando «Give peace a chance», desde la misma cama del Hotel Queen Elizabeth, de Montreal. El 9 de octubre de 1975, nace el único hijo de la pareja, que hoy tiene 43 años, Sean Lennon. Juntos John y Yoko escribirían largas historias musicales, sociales y de todo tipo, hasta el fallecimiento del ex-Beatle, el 8 de diciembre de 1980, en el edificio Dakota de Nueva York, a manos de un enajenado mental.

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ROMY SCHNEIDER: EL CINE LA CONVIRTIO EN LEYENDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SISSI, TRIPLE EXITO CONSULAR POR EL MUNDO

El hecho de haber representado el papel de la emperatriz Isabel de Baviera en la trilogía Sissi, Sissi emperatriz, y El destino de Sissi, la convirtió en toda una leyenda de la cinematografía. Impactando por sus encarnaciones, su fina belleza, y sus distinguidos vestuarios mostrados en los tres filmes. Sissi ImperatriceEn la primera, Sissi, de 1955, 102 minutos, en idioma alemán, basada en la obra Sissys Brautfahrt, de Ernst Décsey y Gustav Holm, es dirigida por Ernst Marischka y es protagonista junto a Karlheinz Böhm, Magda Schneider -su madre en la vida real- Franz Uta, Gustav Knuth, Degischer Vilma y Josef Meinrad. La cinta narra la vida tranquila y libre de la princesa Isabel en el Palacio de Possenhofen, rodeado por el lago Starnberg, donde la eminencia reside junto a sus padres, los duques Max y Ludovica en Baviera, y varios hermanos. La segunda, Sissi Emperatriz, 1956, es una realización austríaca, dirigida por Ernst Marischka y estelarizada por la estrella y Karlheinz Böhm. El largometraje se caracteriza por mostrar una Sissi políticamente activa y comprometida con la causa húngara, a la vez que busca la libertad en una corte que no se lo permite. Se inscribió en 1957 en el Festival de Cine de Cannes. La tercera y última, El destino de Sissi, 1957, producción austríaca-alemana, también dirigida y libretada por Ernst Marischka, y con el reparto de Karlheinz Böhm, Magda Schneider, Gustav Knuth, Uta Franz, Walter Reyer, Vilma Degischer, Josef Meinrad, que acompañó a la figura central: Romy Schneider.
DRAMA y ROMANCE DEL SIGLO XIX
Aunque el comportamiento de Sissi es intachable, la archiduquesa Sofía, su rígida suegra, aprovecha cualquier ocasión para inventar falsos romances entre Sissi y el conde Andrassy con el fin de romper el matrimonio entre la emperatriz y su hijo. Mientras tanto, Sissi contrae en Hungría una grave enfermedad pulmonar que la obliga a trasladarse a Grecia para recuperarse, es parte de la trama de El destino de Sissi. En 1958, es nominada a la Palma de Oro, como mejor película en el Festival de Cannes. Así, Romy Schneider logra impactar y crecer en la gran pantalla. Pero, mientras tanto su vida personal se va convirtiendo en tremenda. Nacida bajo el nombre de Rose Marie Magdalena Albach-Retty, en Viena, el 23 de septiembre de 1938, durante la ocupación de la Alemania Nazi en Austria. Poseía también la ciudadanía francesa. Sus padres eran los actores Wolf Albach-Retty y Magda Schneider, que trabajó con ella en algunas películas. Por su lugar de nacimiento y ascendencia paterna, también podría considerarse austriaca, sin embargo nunca solicitó esa ciudadanía y mantuvo la nacionalidad alemana de su madre, Magda Schneider. Su primera cinta la hace a los 15 años junto a su madre en Lilas blancas, asimismo canta el tema musical de la película. Después de ese film toma el apellido de su madre y cambia su nombre a Romy Schneider.
LOS JOVENES AÑOS DE UNA REINA
Las producciones que continúan son del estilo romántico por las que se hizo famosa en toda Europa: Los jóvenes años de una reina, La panadera y el emperador y Christine. Luego de la trilogía Sissi, a partir de los sesenta empieza a incursionar en un cinema más maduro compartiendo marquesinas con Alain Delon y Jack Lemmon, bajo las órdenes de directores del estilo de Claude Sautet, Claude Chabrol, Orson Welles y Luchino Visconti. Con Luchino filmó Ludwig- Luis II de Baviera, en 1972, en la que vuelve a interpretar a la emperatriz Sissi. El 5 de julio de 1981, recibe una cruel noticia, David su hijo mayor, deja de existir a los 14 años, trepando las rejas de su casa, resbala y queda atravesado por una de ellas. Romy jamás se recuperaría de tan tremendo golpe. En 1982, rueda su última película, Testimonio de mujer, pidiendo que al final de la cinta Romy aparezca la dedicatoria: “Para David y su padre”.
SE CONVIERTE EN ALCOHOLICA
Totalmente consternada, Romy se convierte en alcohólica, bebiendo de forma continuada durante meses y meses, hasta que lamentablemente el 29 de mayo de 1982, a la edad de 43 años, la encuentran sin vida en su departamento de París. Se dice que se trató de un suicidio con una mezcla de alcohol y barbitúricos. Había contraído nupcias en 1966 con Harry Meyen, durando el matrimonio hasta 1975. Ese mismo año se casó con Daniel Biasini, separándose en 1981. Fue pareja del célebre Alain Delon entre los años 1959 y 1963.
Tuvo dos hijos: David Haubenstock, 1966-1981, y Sarah Biasini, 1977. Fue toda una diva que quedó retratada en la pantalla, eternamente. Más allá de la Nostalgia.

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