HECTOR ALTERIO: UN ILUSTRE DE LA ESCENA

CUMPLE 91AÑOS!…

Hector Alterio

Hector Alterio

«Cumplir 91 años no es para todos los días…» comentó entre familiares y amigos, Héctor Alterio, un ilustre de la escena. Con cantidad de obras teatrales, varios especiales por televisión, e infinidad de películas producidas y filmadas en Argentina y España, lo convierten paralelamente en un referente del rubro actoral. Nacido un día como el de hoy, 21 de septiembre, pero de 1929, en Buenos Aires, bajo el nombre de Héctor Benjamín Alterio Onorato.

La tregua, 1974.

La tregua, 1974.

En el comienzo de la estación primaveral llegó Héctor, para beneplácito de sus padres de ascendencia italiana, originarios de Carpinone, pequeña localidad y comune itálica de la provincia de Isernia, región de Molise. El inicio por las tablas para Alterio fue en el año 1948, protagonizando «Prohibido suicidarse en primavera», obra escrita en 1937 por Don Alejandro Casona. Al concluir sus estudios actorales, es el ideólogo de la compañía teatral «Nuevo Teatro» ya en 1950, teniendo en ejercicio y en actividad con pleno rendimiento a todos los artistas que participaron én éste proyecto hasta 1968, inclusive. Evidentemente, se trataba de un renovador de la escena argentina por esos tiempos.

LOS NUEVOS CINEASTAS
ARGENTINOS

En el teatro

En el teatro

Pero, Héctor Alterio se fue haciendo popular pòr sus desempeños en la pantalla grande más que nada, ya que sabedores que estaba triunfando en la escena teatral, los nuevos cineastas argentinos lo fueron llamando para que interpretara cine en serio. El puntapié inicial fue «Todo el sol es amargo» de Alfredo Mathé, en 1965, seguiría con «Como seducir a una mujer», 1967, «Don Segundo Sombra», 1969, «El santo de la espada», con Leopoldo Torre Nilsson, 1969, «Argentino hasta la muerte», junto a Fernando Ayala, 1969, «La fidelidad», en 1970, de la mano de Juan José Jusid, «El habilitado», 1971; «La maffia», 1971, y «Los siete locos», 1972, también bajo las órdenes de Torre Nilsson, y junto a Héctor Olivera en «La venganza del Beto Sánchez», 1972, y «La Patagonia Rebelde», 1974, filme dramático e histórico de acción,

La historia oficial, 1985

La historia oficial, 1985

protagonizado por Alterio, Luis Brandoni, Federico Luppi y Pepe Soriano. Fue escrita por el propio Olivera, Fernando Ayala y Osvaldo Bayer, basada en el libro de Bayer «Los vengadores de la Patagonia trágica», que relata los hechos de la denominada Patagonia rebelde de 1921. La cinta fue sumamente elogiada por la prensa y público en general, prohibida durante la dictadura argentina, muy laureada en el Festival Internacional de Cine de Berlín, con el Oso de Plata, 1974.

LOGRA LA NACIONALIDAD
ESPAÑOLACaballos salvajes, 1995. 4

En 1975, mientras estaba en Madrid, Héctor Alterio es amenazado de muerte por la Triple A -Alianza Anticomunista Argentina (AAA)- por lo que decide quedarse en España y no volver a Argentina. Así, logra conseguir también la nacionalidad española. Ya en la madre patria, se reune con su esposa Modesta Angela «Tita» Bacaicoa Destéfano, y con sus hijos Ernesto Alterio, 1970, y Malena Alterio, 1974, que continúan sus pasos en el rubro artístico, como actores. Demostrando aquello «de tal palo, tal astilla», se da en éste caso. A partir de su exilio en 1975, Alterio también logró participaciones en varias producciones hispánicas, dejando destacadísimas actuaciones en «A un dios desconocido», 1977, de Jaime Chávarri, con la que obtiene la distinción «Mejor actor» en el Festival de San Sebastián, «El crimen de Cuenca», 1979, de Pilar Miró, «El nido», 1980, de Jaime de Armiñán, filme nominado al Oscar y premio a «Mejor actor» de la Asociación de Cronistas de Nueva York, o «Don Juan en los infiernos», 1991, y «El detective y la muerte», 1994, ambas cintas de Gonzálo Suárez Morillo, consagrado director y escritor del cine español.

«LA TREGUA» y «LA HISTORIA
OFICIAL»: DOS CLASICAS

Alterio nunca dejó de participar en películas argentinas, en donde es uno de los principales en cuatro de las primeros filmes del vecino país que llegaron a ser candidatos en la instancia final del Oscar a «Mejor película de habla no inglesa», e incluso uno de ellos lo obtuvo. A saber: «La tregua», 1974, «Camila», 1984, «La historia oficial», 1985 -que alcanzó la distinción- y «El hijo de la novia», 2001. Otros logros fueron: Cóndor de Plata, a «Mejor actor de reparto», 1973, Concha de Plata, a «Mejor actor», 1977, Martín Fierro, a «Mejor actor dramático protagónico», 1996, Goya de Honor, 2004, Cóndor de Plata, «A la trayectoria». En 2008 retornó y obtuvo nuevamente el Cóndor de Plata por su «Trayectoria profesional». Lo último que filmó es «Kamikaze», 2014, «Fermín», 2014, y «Due uomini, quattro donne e una mucca depressa», 2015. El festejo de su cumple, hoy será en familia. Más allá de la nostalgia

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LUCIO BATTISTI: UN FENOMENO DE LA MUSICA

DE ROCKERO A LA MUSICA LIGERA

Lucio Battisti fue un fenómeno musical de verdad. Se definiría como algo fuera de lo común, sobresaliendo netamente dentro de su perfil como compositor y cantante. Eso que muchos intentan lograr, y que consiguen unos pocos. Alcanzar suceso con su material fonográfico, llegar a los primeros escalones de la popularidad, conquistar una extensa trayectoria, y mantenerse en vigencia más allá del tiempo. Virtudes que le llaman, y que realmente poseía el brillante artista italiano.

Componiendo junto a Mina, 1969

Componiendo junto a Mina, 1969

A saber: sus creaciones definieron la era de la composición peninsular de finales de los sesenta y setenta, considerado entre los más grandes e influyentes músicos del rock italiano, la balada y la música ligera, tanto como autor e intérprete de sus propios temas, como la de otros artistas. Lucio colocaba la música, y de los textos se encargaba el letrista Mogol. En 1966 registró su primer simple, «Per una lira». Muchas de sus canciones fueron grabadas reiteradamente por infinidad de solistas y agrupaciones, italianos y extranjeros: Mina, Paolo Meneguzzi, I Camaleonti, Patty Pravo, Dik Dik, Antonio Zabaleta, Dyango, Fedra, Ricardo Montaner, Laura Pausini, Emmanuel, entre otros. Battisti lanzó 18 álbumes de estudio entre 1969 y 1994, con una parte muy significativa de éste catálogo traducido al español, inglés, francés y alemán, vendiendo la friolera de más de 25 millones de discos por el orbe.

AQUELLAS VERDADERAS CREACIONES

En el Festival de San Remo, 1969

En el Festival de San Remo, 1969

Lucio Battisti nació el 5 de marzo de 1943, en Poggio Bustone, un pueblo pequeño de la provincia de Rieti, al norte de Lacio, aficándose con su familia en Roma en los años cincuenta.

Ya de niño se sintió atraído por la música y el canto; guitarrista autodidacta, Lucio se inició como músico en la década del sesenta, presentándose en orquestas del medio, para más adelante unirse a I Campioni -The Champions- la banda de respaldo del reconocido cantante de esos tiempos Tony Dallara. Viajando por el exterior en actividad con su viola a cuestas, por el Reino Unido, vivió «in situ» el sonido de The Beatles, Bob Dylan, The Animals, Rolling Stones, Jimi Hendrix, con todo el soul, el blues y el beat, algo que luego introduciría en el pop italiano, a través de verdaderas creaciones. Ya en solitario, con «Per una lira», vende varios centenares de placas, y eso le permite a seguir adelante en su ruta como cantante. Pero, él continuaría escribiendo para otros que se lo solicitaban, así The Grass Roots, consigue un hit en Estados Unidos con una de sus composiciones, «Bella linda». Con el mismo tema, Lucio se clasifica cuarto en el Cantagiro, por aquel momento popular concurso canoro de música pop de Italia.

MÁS FESTIVALES, MÁS VICTORIASLucio-Battisti-il-film

También en 1969 otra de las creaciones de Battisti, «Il Paradiso», se erige en suceso en el Reino Unido, cuando la banda Amen Corner lo presenta en su disco bajo el nombre de «If paradise is, half as nice», y lo logra colocar en el primer lugar en el hit parade de discos sencillos. Al mismo tiempo, The Hollies, graban otro tema de Lucio en italiano, «Non prego per me». Con muchas composiciones y canto en su haber, llega al Festival de San Remo 1969, con «Un’avventura», y su popularidad empieza a crecer. Su primer gran éxito fue «Acqua azzurra, acqua chiara «, que ganó el Festivalbar . El mismo año, la fonográfica Ricordi publicó el álbum debut homónimo de Battisti. Durante este impactante año conoció a Grazia Letizia Veronese, con quien luego contrajo enlace, viviendo con Battisti hasta su muerte. Y los álbumes en solitario de Lucio continuaban apareciendo, donde lo convierten a esa altura en un clásico de la música ligera italiana, con muchísimos shows en RAI televisión. Ya en 1970, obtiene nuevamente el Festivalbar por segunda vez consecutiva con «Fiori rosa, fiori di pesco», comenzando a colaborar con Mina, quien entonó varias de las mejores melodías de Mogol-Battisti.5779b4cce97973b07a8471e57f444c4c

VOZ AGUDA QUE LLEGABA AL CORAZÓN

Con su particular voz aguda, va reuniendo sus grandes hits: «La canzone del sole», «I giardini dI marzo»,»Comunque bella»,»E penso a te»,»Il mio canto libero»,»La collina dei ciliegi»,»Il nostro caro Angelo», »Ancora tu», »Respirando», »Si viaggiare»,»Amarsi un po», «Perche no»,»Una donna per amico»,»Una giornata uggiosa»,»Con il nastro Rosa», y más.

La publicación estadounidense Billboard nominó a Battisti como «Personalidad italiana del año» en 1972, definiéndolo como «cantante, compositor, editor de música de fama internacional, que ha elevado el gusto del público italiano y fortalecido el mercado». Sus últimos discos fueron «Cosa successderà alla ragazza», 1992, y «Hegel», 1994. Músicos como David Bowie declararon su admiración hacia la música de Battisti; de hecho, Bowie intentó traducir al inglés algunas canciones de Battisti en 1997, lo que se vio interrumpido con el fallecimiento de éste. Por otro lado, Paul McCartney, quien guarda en su colección toda la discografía de Battisti y sentía admiración por su música, también quiso acercarse a traducir alguna producción al idioma inglés. Exactamente el 9 de septiembre de 1998, Battisti dejó de existir en un nosocomio de Milán, a causa del mal del cáncer.

Es un ícono de la música. Más allá de la nostalgia.

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PETER LAWFORD: UNA CELEBRIDAD DEL JET-SET

DE PORTERO A FAMOSO ACTOR
Uno de sus primeros trabajos fue portero y acomodador de una sala teatral, para luego convertirse en reconocido actor cuando un cazatalentos lo descubre por Hollywood.

Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford, Joey Bishop y Sammy Davis Jr., los Rat Pack

Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford, Joey Bishop y Sammy Davis Jr., los Rat Pack

Pero, paralelamente se casa con Patricia Kennedy, hermana del presidente norteamericano John F. Kennedy, en su momento, como así también de los senadores Robert Kennedy y Edward Kennedy, también era primo de la actriz Betty Lawford, y fue miembro del famoso Rat Pack -Pandilla de ratas- nombre con el que se conoció a un grupo de actores y músicos de Estados Unidos de la escena de Las Vegas que, reunidos como amigos, se generó alrededor primero de Humphrey Bogart y, a su muerte, pasó a Frank Sinatra, trabajando juntos en películas, conciertos, espectáculos, incluso en eventos políticos, conformado en esos tiempos -también bajo el nombre del llamado «Clan Sinatra»- por el propio Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Joey Bishop. Todo eso le ayudó a Peter Lawford para ser más conocido por su celebridad fuera de la gran pantalla que por su trabajo como actor. Desde finales de los años treinta, hasta los cincuenta, en su actividad como profesional, tuvo una presencia constante en la cultura popular, protagonizando filmes importantes.

Peter Lawford

Peter Lawford

Nacido un día como el de hoy, 7 de septiembre, pero de 1923, en Londres, Inglaterra, bajo el nombre de Peter Sydney Ernest Aylen, se casó cuatro veces, siendo padre en cuatro oportunidades. Vivió entre la magia del cine, el glamour, y la fama.

COMO MIEMBROS DE LA REALEZA
Peter Lawford era hijo único de May Somerville Bunny y del Teniente General Sir Sydney Turing Lawford, héroe de la Primera Guerra Mundial. Vivió su infancia en París y comenzó a actuar a una edad muy temprana. Se dice que su madre lo vestía de mujer hasta los once años, y May y Sir Sydney no estaban casados cuando nació Peter, y el escándalo que ello supuso los llevó a afincarse en USA.

Con Elizabet Taylor

Con Elizabet Taylor

Peter vivió por todo el mundo junto a sus padres. Por razones de éstos viajes familiares, jamás fue educado donde se debía -escuelas o centros de enseñanza- si por institutrices y tutores, incluyendo lecciones de tenis y ballet. La familia de Lawford estaba relacionada con la aristocracia inglesa a través de la esposa de su tío Ernest Lawford -hija del decimocuarto conde de Eglinton- y de su tía Ethel Turner Lawford -que se casó con un hijo del primer barón de Avebury- Su tía, Jessie Bruce Lawford, otra de las hermanas de su padre, fue la segunda esposa del Hon Hartley Williams, juez principal de la Corte Suprema de la colonia de Victoria, Australia. Un pariente, a través de su madre, era el artista australiano Rupert Bunny. En territorio norteamericano, Sir Sydney y Lady Lawford fueron tratados como miembros de la realeza entre la gente bien de su nuevo vecindario de Palm Beach, Florida, y eran siempre invitados a actos sociales.

Jimmy Durante, Lauritz Melchior,  June Allyson, Kathryn Grayson y Peter Lawford

Jimmy Durante, Lauritz Melchior, June Allyson, Kathryn Grayson y Peter Lawford

HERIDO GRAVEMENTE EN UN BRAZO
De pequeño, Peter se hirió gravemente en un brazo accidentado en una puerta de vidrio. Consigue salvar el brazo, pero las heridas las llevó por el resto de su vida, y ese brazo le quedó ligeramente deformado. La herida fue considerada grave y se libró de ser alistado en la Segunda Guerra Mundial, algo que le serviría próximamente para empezar su carrera, ante la falta en Hollywood de actores que si estaban en la batalla. Su primer papel en una producción de cine destacada fue en «A yank At Eton», 1942, donde interpretó a un matón; la cinta fue un suceso y la encarnación de Peter muy elogiada. Lawford hizo apariciones sin acreditar en «La señora Miniver», 1942, y como un marinero en «Sherlock Holmes desafía a la muerte» en 1943. MGM lo contrata para hacer «The white cliffs of dover», 1944, en el que interpretó a un joven soldado durante la Segunda Guerra Mundial. Continuaría con «The Canterville Ghost», y «Mrs. Parkington», 1944, «The picture of Dorian Gray», 1945, «Son of Lassie», 1945, «Two sisters from Boston», 1946, «Cluny brown», 1946, «My brother talks to horses», 1947, «It happened in Brooklyn», 1947, «Good news», 1947, y hasta con las estrellas femeninas, como: Esther Williams en «Una isla contigo», 1948, con Judy Garland en «Easter parade», 1948, con June Allyson y Elizabeth Taylor en «Little women», 1949, y más que llegarían más adelante.

ESTRELLA DE LA FAMA EN HOLLYWOOD

Junto a su cuñado  John F. Kennedy

Junto a su cuñado John F. Kennedy

En 1972 Lawford se sometió a una cirugía para extirpar un tumor de páncreas. En ese momento, tenía muchos problemas de salud como consecuencia del alcoholismo que padecía desde hacía mucho tiempo. Peter Lawford dejó de existir en el hospital Cedars-Sinai Medical Center en Los Ángeles el 24 de diciembre de 1984, con 61 años, de un paro cardíaco. Había sufrido de insuficiencia renal y hepática después de años de abuso de sustancias. Una placa con su nombre fue colocada en el Westwood Village Memorial Park. Por su contribución a la industria de la televisión y el cine, Lawford tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situada en el 6920 Hollywood Boulevard. Más allá de la nostalgia.

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«LA MARCHA DE LA BRONCA»: 50o. ANIVERSARIO

PEDRO y PABLO
Se llaman Miguel Cantilo y Jorge Durietz, pero se hicieron populares bajo los nombres de Pedro y Pablo, dúo folk rock y de canción protesta de Argentina, creado en el año 1968, considerados como uno de los números pioneros del rock de la vecina orilla. Cantilo y Durietz hacían covers de Los Beatles en determinadas fiestas como trío, donde se les unía Guillermo Cerviño. En la tempora estival de 1968 viajaron a Punta del Este, donde organizaban toques por las playas, y en algún centro nocturno. Allí los empezaron a seguir jovenes entusiastas que les agradaba el sonido que ellos ejecutaban y cantaban, en un lugar de moda por aquellos años en la península, La Fusa, café y bar, que tenía una filial en el Gran Buenos Aires. Posteriormente regresan a Argentina para grabar su primer simple con «Yo vivo en ésta ciudad» y «Los caminos que no sigue nadie», en 1970, en el sello CBS Columbia. En ese tiempo no tenían decidico todavía el nombre del dúo. Primero le pondrian Jorge y Miguel que según ellos parecía de coiffeurs, luego sus apellidos pero eso no estaba de moda, seleccionando por último Pedro y Pablo, porque tenía que ver con el dibujo de Hanna-Barbera Los Picapiedra, ya que sus protagonistas se llamaban Pedro y Pablo. —-Como Pedro y Pablo, entonces, grabarían ese mismo año, lo que sería su «caballito de batalla» histórico. Lo mejor estaba por venir.images
BRONCA CUANDO A PLENA LUZ DEL DIA…
El segundo disco simple de Pedro y Pablo llevaría en el lado B, «Vivimos paremos», y en el lado A, una canción de protesta que tiene vigencia hasta hoy en día: «La marcha de la bronca». Fue el primer éxito masivo del dúo, con el cual obtienen el Segundo Festival de Música Beat, también en 1970. El sencillo y el primer álbum está cumpliendo cincuenta años de su edición. «La marcha…» es una canción contestataria que aborda a resistirse a los silencios y expulsa hacia afuera del alma oprimida enojos, reclamos y molestia de todo tipo. Eso es la bronca. El peso de la presión sobre las libertades que obligan a ensayar una resistencia, como si de la defensa más aguerrida se tratara. «Bronca porque ríen satisfechos, al haber comprado sus derechos. Bronca cuando se hacen moralistas,
y entran a correr a los artistas. Bronca cuando a plena luz del día, sacan a pasear su hipocresía. Bronca de la brava, de la mía, bronca que se puede recitar…» Se dice que parte de la letra y la música la componen Cantilo y Durietz, en las blancas arenas de las playas de Punta del Este, cuando hacían sus cantadas por las costas de Maldonado. «… Para los que toman lo que es nuestro, con el guante de disimular. Para el que maneja los piolines, de la marioneta universal. Para el que ha marcado las barajas,y recibe siempre la mejor. Con el as de espadas nos domina, y con el de bastos entra a dar y dar y dar…» Pedro y Pablo consiguen presentar su himno en el Pabellón de las Rosas, Auditorium de Piriápolis, ante una importante multitud que los aplaude, corea el tema junto a ellos y los ovaciona. El hecho no hace más que poner de moda la canción y la protesta. Fue en 1970.

CATALINA BAHIA
La carrera de Pedro y Pablo continuaría con la edición de «Catalina Bahía», compuesto por Miguel Cantilo para su novia de ese momento. En 1972 lanzarían el álbum «Conesa» a través de la fonográfica Trova, que es presentado en sociedad en el Festival Buenos Aires Rock, ante unos veinte mil espectadores. En los años posteriores hasta 1975 los shows ya fueron esporádicos, debido a que Cantilo se ubicó en otro proyecto -Miguel Cantilo y Grupo Sur. Por aquel entonces Cantilo se radicó, primero en la colonia hippie patagónica de El Bolsón, y luego en España. Sin embargo, llegaron a grabar «Apóstoles», disco que sería postergado, y recién editado en 1981. Ya en 1982 vuelven a actuar en B.A. Rock edición 1982 y llenan Obras Sanitarias en tres grandes recitales, ofreciendo allí el flamante disco de estudio, tras diez años de paréntesis, «Contracrisis», al que más tarde le siguieron varios álbumes en vivo: «Pedro y Pablo en vivo», 1982, y «Pedro y Pablo en gira», 1984.

REUNION DE AMIGOS
En septiembre de 2004 Miguel Cantilo reunió a diversas personalidades del rock local, contando como invitado especial a Rubén Rada, y realizó una nueva versión de «La marcha de la bronca». El proyecto tuvo el nombre de Miguel Cantilo& Amigos, y los músicos invitados fueron: León Gieco, Gustavo Cordera, Ricardo Mollo, Alejandro Lerner, María Rosa Yorio, Hilda Lizarazu, Claudia Puyó, Los Súper Ratones, Andrés Calamaro, Fabiana Cantilo, Charly García, Juan Carlos Baglietto, y Jorge Durietz. Y por ahí se dice que volverán a hacer algo en vivo y en directo. Más allá de la nostalgia.

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NADA MÁS QUE NOSTALGIAS (Solo eso)

JUANJO ALBERTI

SIN FIESTA, SIN BAILEBee Gees, nostalgias latentes. 1

Evidentemente se trata de una Noche de la Nostalgia, diferente. Sin celebración, sin baile, de acuerdo a la emergencia sanitaria existente. Suena extraño, pero es así, y quedará en eso, en nada más que nostalgias. Quizás muchos de ustedes, en ésta jornada festejen en familia las nostalgias, ya sea online o poniendo en el equipo todo el sonido retro de décadas pasadas. Si es así, que lo disfruten, sean felices que ésto es corto. Pero, la magia se mantiene intacta, quizás para el año entrante nos encuentre mejor parados para salir y divertirnos al estilo de siempre de la Noche de los Recuerdos. Hace 42 años nacía ésta fiesta, exactamente en 1978 cuando al joven de aquel momento Pablo Lecueder, convertido en disc-jockey, al frente de su espacio musical «Old Hits», se le ocurre hacer un baile-celebración para reunir a sus oyentes de C X 44 Radio Color Panamericana.

El asunto era convocar a sus seguidores en una víspera de feriado, eligiendo la noche del 24 de agosto, ya que al otro día nadie trabajaría, por ser 25 de agosto, Declaratoria de la Independencia, y un festejo que tendría un título diferente y sumamente peculiar: «La Noche de la Nostalgia». La fiesta original ha pasado por Ton Ton Metek en los Lagos de Carrasco, saliendo de Montevideo, y muchísimas veladas en Zum Zum, llegando adeptos y fanáticos desde muchos lugares del interior del país. En la presente edición, se extrañará mucho, ya que no se realizará, por razones obvias.

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En esas reuniones la consigna era salir a bailar y divertirse con la música de finales del sesenta y comienzo de los setenta, perdurando eso hasta hoy en día. Su vigencia continúa siendo enorme con los hits de Gloria Gaynor, Eagles, Neil Sedaka, Bee Gees, Barry White, Cat Stevens, The Stylistics, The Beatles, Donna Summer, Beach Boys, Queen, Dire Straits, Simon & Garfunkel, Supertramp, Olivia Newton-John, entre tantos. Claro, que el tiempo fue pasando rápidamente, y con el correr de los años más música «de antes» se fue colando en la selección: Mikko Mission, Mike Platinas, David Lime, Baltimora, Toni Peret, y luego, de la década de los noventa: 2unlimited, Snap, Technotronic, y otros nombres del recuerdo. Con el transcurrir de los años, varios empresarios del rubro entretenimiento, amigos, familiares, comenzaron a hacer otras noches de la nostalgia. Rápidamente, el mercado y la demanda crecieron, y se produjeron diferentes fiestas para distinto público, con una variada gama de precios, fiestas del reencuentro, cenas show y hasta noches de anti-nostalgia con pistas anti-boliche para quienes quieren salir ese día y no se encuentran identificados con la temática, sobre todo público que oscila entre la edad de 18 y 25 años.

UN ATRACTIVO TURISTICOPablo Lecueder el creador de La Noche de la Nostalgia, junto a nosotros. 5 (1)

Junto con las fiestas de nochebuena y fin de año, «La Noche de la Nostalgia» se ha convertido en uno de los eventos que convoca más gente a fiestas. Incluso se considera que se supera en movimiento de gente a las fiestas de fin de año, ya que en esa jornada suelen salir tanto mayores como jóvenes, casados y solteros, a recordar viejos tiempos y no tanto, dependiendo de la edad. El Ministerio de Turismo promociona esta noche como un atractivo turístico. El 26 de agosto de 2004, mediante la Ley N.o 17.825, este evento fue denominado en forma oficial «Noche de la Nostalgia», estableciendo en su artículo 2.o: «El Ministerio de Turismo incluirá en los eventos de carácter turístico a la Noche de la Nostalgia, promocionando la misma en el exterior a través de Embajadas, Consulados y oficinas comerciales».

PABLO LECUEDER, EL ARTÍFICE
Pablo Lecueder, hoy director de Oceano FM. A nivel de anécdota, cuál es la fiesta que más recordás en éstos cuarenta y dos años?
-Indiscutiblemente, la primera. Porqué todo era un comienzo y todo se hizo a pulmón. Tenía 21 años recién cumplidos cuando se me dio por crearla y parece mentira, muchos dicen que es una fiesta para viejos ¿?… Y bueno, seguimos celebrándola. En sí, desde la entrada hasta el disc-jockey, pasando por el personal que atendía la barra y todo eso, pertenecían al equipo de la radio y eran tan jóvenes o más que yo. Recuerdo que teníamos que inflar unas botellas de plástico y lo tuvimos que hacer con nuestros pulmones, porque no teníamos nada para hacerlo…
Realmente una historia real, de bailes, de música, de recuerdos. Una fiesta uruguaya, que éste año no se lleva a cabo. Hoy, quedáte en casa, cuidáte. y celebra nostalgias con tu gente, con tu familia, la de todos los días. Más allá de la nostalgia.

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RHONDA FLEMING: LA REINA DEL TECHNICOLOR

FOTOGRAFIABA MUY BIEN EN ESE MEDIO

La llamaban «La reina del technicolor» porque realmente fotografiaba muy bien en ese medio: Technicolor, marca registrada de una serie de procesos de cine en color desarrollados, que se usaba mucho en tiempos de Hollywood de verdad, cuando se filmaba allí, entre los años 1922 y 1952. Ella, logró todo el glamour de la época, pero se merecía mucho más, muy buena actriz, cantante, bonita, de notable figura, y de excelentes desempeños según el papel que encarnaba en la pantalla grande. Actuó en más de cuarenta películas, principalmente en las décadas del cuarenta y cincuenta, y se hizo famosa y popular, querida por los espectadores. Entre sus cintas más conocidas figuran: «Mientras Nueva York duerme», 1956, junto a Dana Andrews, Ida Lupino, y George Sanders,»Duelo de titanes», 1957, con Kirk Douglas y Burt Lancaster, y «El gran circo», 1959, compartiendo la cartelera principal con Victor Mature. En 1953, protagonizó «La serpiente del Nilo», junto a William Lundigan, Raymond Burr, y Jean Byron, convirtiéndose en una de las actrices que a lo largo de su carrera ha interpretado el papel de Cleopatra. Su última aparición tuvo lugar en el filme «Waiting for the wind», con Robert Mitchum, y Jameson Parker, en 1990. Se llama Marilyn Louis, a quien se le conoce como Rhonda Fleming.

Con Bing Crosby en A Connecticut Yankee in King Arthur's Court, 1949

Con Bing Crosby en A Connecticut Yankee in King Arthur’s Court, 1949

ACABA DE CUMPLIR 97 AÑOS
Rhonda Fleming nació en la meca del cine, Hollywood, California, el 10 de agosto de 1923. Acaba de cumplir 97 años. Hija de Effie Graham, una actriz de teatro que había aparecido junto a Al Jolson en el musical Dancing Around en el Winter Garden Theatre de Nueva York desde 1914 a 1915, y de Harold Cheverton Louis, un vendedor de seguros. Fue una familia de raíces artísticas, ya que el abuelo de Rhonda era John C. Graham, actor, propietario de un teatro y editor de un periódico en Utah. Rhonda mientras asistía a Beverly Hills High School, de la que se graduó en 1941, comenzó a trabajar como actriz. Allí, la descubrió Henry Willson, un agente de Hollywood, quien le cambia su nombre a Rhonda Fleming. Willson le firmó un contrato de siete años sin una prueba de pantalla; ella tenía tan solo 17 años, parecido a una historia del cine, pero fue real. Se inició en papeles pequeños en «In old Oklahoma», 1943, «Since you went away», 1944, y en «When strangers Marry», 1944. Su primer papel destacado fue en el thriller dirigido por Alfred Hitchcock: «Spellbound», 1945. Inmediatamente llegaría otro drama: «The spiral staircase», 1946, bajo la dirección de Robert Siodmak. Y entre tanto, también hizo papeles secundarios en «Western Abilene Town», junto a Randolph Scott, 1946, en United Artists, y en un clásico del cine negro: «Out of the past», con Robert Mitchum, en RKO.

DEBUT COMO CANTANTE JUNTO A BING CROSBY

Tropic Zone, 1953,  con Ronald Reagan

Tropic Zone, 1953, con Ronald Reagan

El primer protagónico de verdad de Rhonda llegó en «Adventure island», 1947, film de acción para la Paramount, junto a Rory Calhoun. Más adelante, estaría presente en «A Connecticut Yankee in King Arthur’s Court» -»Un yanqui en la corte del rey Arturo»- con Bing Crosby, 1949, un musical basado en la historia de Mark Twain. En determinado momento de la película hace dueto con Crosby, cantando junto a él «Once and for always» y «When is sometime». Dicho material fue lanzado por Decca, con tres discos, que fue un gran suceso de ventas en Norteamérica. Luego interpretó otro estelar con Bob Hope en «The great lover», 1949, una comedia que obtuvo muy buena taquilla. En 1951, hace de mujer fatal junto a Dick Powell en «Cry danger», y también en ese año en Paramount lleva adelante el papel principal en un western con Glenn Ford, «The redhead and the cowboy». Ese mismo año sería también importante para Rhonda Fleming ya que actuaría junto a Ronald Reagan en dos largometrajes; un western, «The last outpost», y «Hong Kong». Paralelamente, canta en NBC’S Colgate Comedy Hour en vivo y en directo contando con la presencia de Errol Flynn, el 30 de septiembre de 1951, desde el Capitan Theater de Hollywood. En 1960, la actriz se declara «semi jubilada» en la etapa como actriz, ya que había ganado un buen dinero en inversiones inmobiliarias. Ese año realizó una temporada como cantante en Las Vegas y Palm Springs.

DEDICADA A OBRAS BENEFICAS.

Rhonda Fleming

Rhonda Fleming

Desde que se retiró se ha dedicado a realizar obras benéficas, especialmente en la cura del cáncer. En 1991 ella junto a su por entonces marido, el productor Ted Mann, crearon la Rhonda Fleming Mann Clinic For Women’s Comprehensive Care en el centro clínico de la UCLA. Fleming se casó seis veces: Thomas Wade Lane, decorador de interiores: 1940-1942, Dr. Lewis V. Morrill, médico de Hollywood: 1952-1954, Lang Jeffries, actor: 1960-1962, Hall Bartlett, productor: 1966-1972, Ted Mann, productor, 1977-2001, Darol Wayne Carlson: 2003-2017, hasta el momento de la muerte de éste.
Con su primer marido tiene un hijo, Kent Lane, nacido en 1941, quien junto a su pareja le dió dos nietas: Kimberly y Kelly, y cuatro bisnietos: Wagner, Page, Lane, y Cole. Junto a algunos de éstos últimos, Rhonda, a veces se detiene a mirar en DVD algunas de sus películas tan referentes. Más allá de la nostalgia.

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Más allá de la Nostalgia

HELP!: 55o. ANIVERSARIO

EL SEGUNDO FILME DE «LOS GENIOS»La escena que más identifica a Help. 1
Richard Lester ya los había dirigido en «A Hard Day’s Night», en 1964, haciendo una muy buena comedia musical que describe un par de días en la vida de The Beatles. Estilo documental ficticio muestra a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, y Ringo Starr, durante su apogeo en la denominada Beatlemanía, siendo tan exitosa desde todo punto de vista, que la publicación Time la calificó como una de «Las 100 mejores películas de todos los tiempos». La cinta distribuida por United Artists, dejó ganancias suculentas nunca pensadas por los productores y por el propio estudio cinematográfico. Los entendidos comentaron al respecto que el film no hizo otra cosa que elevar el prestigio y la fama del cuarteto de Liverpool. Teniendo en cuenta éstos antecedentes se le pidió al director Richard Lester que dirigiera el segundo largometraje de los genios. Así, fue que el proyecto vió la luz: «Help», en agosto de 1965, hace 55 años atrás. Cómo ha pasado el tiempo sin darnos cuenta!…

LA AGENDA DE LOS BEATLESJohn, George, Paul, y Ringo en Help. 3

La agenda de ruta de los británicos venía a full. Su manager Brian Epstein tenía un itinerario ya trazado de antemano, el asunto principal era la conquista de Estados Unidos, lugar donde demoró un poco más en llegar la edición de sus discos, y el suceso del grupo inglés. En agosto la banda estaría por muchos días en Norteamérica, a través de conferencias de prensa y publicidad en primera instancia, luego la presentación en «El show de Ed Sullivan», y una tourneé que finalizaría en el famoso show al aire libre -el primero en ese aspecto- en el Shea Stadium, ante más de 55.000 almas. Antes de eso, The Beatles lanzarían «Help!», el quinto álbum de la agrupación, el que sería además el título y la banda sonora de su película, producido por George Martin para la subsidiaria de EMI, Parlophone. El disco presentaba catorce canciones, no todas de la cinta, había otras, como «Yesterday», una joyita audible de los sesenta, interpretada por Paul McCartney, en su edición inglesa original. Los muchachos estaban más cerca de la cima, y llegaba «Help!» a las salas cinematógraficas, que sería el espaldarazo final, no solamente en el Reino Unido y USA, sino en todo el mundo.

EL ANILLO DE RINGOLa noche del estreno, en el Reino Unido. 5

«Help!», o la caza del anillo de Ringo, porque de eso trata el argumento bastante reidero de ésta producción fue presentada en sociedad en función privada en el London Pavilion Theatre de Londres, el 29 de julio de 1965, en presencia de la princesa Margaret, condesa de Snowdon y el conde de Snowdon. En las próximas semanas se estrenaría en los cines del mundo, de manera simultánea. Secundaban a The Beatles en la cinta Leo McKern, Eleanor Bron, Víctor Spinetti, John Bluthal, Roy Kinnear, y Patrick Cargill. En «Help!» se ve luchar al grupo para grabar su nuevo álbum, mientras intenta proteger a Ringo Starr de un culto siniestro y un par de científicos locos, todos los cuales están obsesionados con conseguir uno de sus anillos, que tiene un valor muy especial. Así, son perseguidos por Londres, por miembros de dicho culto, y después de que un joyero no logra cortar el anillo, los científicos entran en acción decidiendo que deben adquirirlo de alguna manera.

RUMBO A LAS BAHAMASLos fabulosos cuatro rumbo a Bahamas, a filmar, Febrero 1965. 2

El grupo corre hacia los Alpes suizos y escapa por poco de una trampa allí, por ello piden protección a Scotland Yard. Se ocultan en el Palacio de Buckingham, y luego huyen a las Bahamas, seguidos por los policías, el científico y los miembros de culto. La película tiene muchas escenas en la playa, y al final Ringo está a punto de ser sacrificado, el anillo se le desprende de repente, y lo pone en el dedo de otra persona, quien luego es perseguida por el culto de siempre, y es donde aparece la música de «Help!».Ellos, en otro pasaje del filme. 4

The Beatles comentaron que el largometraje se inspiró en la clásica película de los hermanos Marx, «Duck soup», también fue directamente satírica de la serie de películas de James Bond. En el momento del lanzamiento original de «Help!», su distribuidor, United Artists, también tenía los derechos de la serie Bond. En el filme están: «Help!», «The night before», «You’ve got to hide your love away», «I need you», «Another girl», «You’re going to lose that girl», y «Ticket to ride». El álbum y la película, llegan a su 55o. aniversario. Más allá de la nostalgia.

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EL ADIÓS A PETER GREEN

Juanjo Alberti

FUNDADOR DE FLEETWOOD MAC

Es considerado hasta hoy en día uno de los violeros más originales y creativos que ha dado Inglaterra. Fundador de Fleetwood Mac, notable banda de todos los tiempos, de música exquisita, incluído en el Salón de la Fama del Rock and Roll, en 1998. Autor de temas que con el tiempo se fueron transformando en himnos, al estilo: «Black magic woman», «The green Manalishi (With the two prong crown)» «Albatros», «Man of the world», «Oh Well», entre otros tantos que aparecieron en las listas, siendo varios adaptados por una variedad de músicos. La publicación Rolling Stone lo clasificó en el casillero 58 en su lista de «Los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos». Su tono en «The super natural», fue calificado como uno de «Los 50 mejores históricos» por Guitar Player. Exactamente en junio de 1996, es elegido el tercer mejor violero de todos los tiempos en el mensuario «Mojo». Lo llamaron Peter Green, lamentablemente desaparecido el pasado 25 de julio, hace apenas unos días.images

PETER ALLEN GREENBAUM, SU VERDADERO NOMBRE

Peter Allen Greenbaum, son los nombres y apellidos reales que figuran en los documentos de identificación del musico y compositor Peter Green, nacido el 29 de octubre de 1946, en Bethnal Green, Londres, Inglaterra, Reino Unido. Peter es el menor de cuatro hijos de Ann y Joe Greenbaum. Su hermano, Michel, fue quien le enseñó los primeros acordes de guitarra, y a la edad de 11 años, Green ya la tenía tan clara como su propio hermano. A los 15 años, mientras trabajaba para una compañía de navegación, tocaba el bajo en la agrupación Bobby Dennis and the Dominoes, luego se uniría a The Muskrats, más tarde a Tridents, inmediatamente en Peters Bardens, como guitarra solista de la banda, donde conoce y entra en amistad con el baterista Mick Fleetwood. Es en The Looners de Peter B que Green hace su debut fonográfico con el disco simple «If you wanna be habby» y «Jodrell Blues». Ya en 1966, Green forma y entra en Shotgun Express, grupo que practicaba música soul, de moda por esos años, pero Peter deja el conjunto luego de unos meses.

REEMPLAZA A ERIC
CLAPTONdescarga

En ese ir y venir, Green tiene la oportunidad de reemplazar a Eric Clapton en John Mayall & The Bluesbreakers en cuatro recitales. Al poco tiempo Clapton abandona la agrupación y Green se convierte en componente durante tiempo completo de la banda de Mayall. Así, registró dos de sus propias composiciones, «The supernatural» y «The same way», pero en 1967, Peter forma su propia banda de blues, con Mick Fleetwood, dejando a The Bluesbreakers. Se habían reunido Green, Fleetwood y Jeremy Spencer, en la guitarra, para darle forma a ese nuevo título que de manera primaria se llamó Fleetwood Mac de Peter Green con Jeremy Spencer. Al tiempo se unió Bob Brunning en el bajo. Al mes de haberse formado hicieron un toque en el Windsor National Jazz and Blues Festival, en agosto, 1967, firmando contrato con la fonográfica Blue Horizon de Mike Vernon. Los primeros temas grabados fueron «Rambling pony», y «I believe my time ain’t long»; lanzando su álbum debut convirtiéndose en suceso rápidamente por el Reino Unidos, e infinidad de países europeos. Su segundo LP «Mr wonderful»fue editado en 1968 y siguió la fórmula del disco debut, siendo considerado de interés para muchos de sus seguidores en esos años.

BLACK MAGIC WOMAN, UN TEMA INSIGNIA

También en 1968 pegan el hit «Black magic woman» de Peter Green -que luego rescataría Carlos Santana- «Albatros»,1969, con formidable sonido de guitarra instrumental, y más. Llegaría el álbum doble «Blues jam in Chicago», 1969, registrado en Chess Records Ter-Mar Studio de Chicago, también de impacto en el Reino Unido. Deseando mejorar en sus lanzamientos, Fleetwood Mac firma con Reprise Records de Warner Bros. Records, grabando su tercer álbum de estudio, «Then play on». El 20 de mayo de 1970, Green abandona definitivamente Fleetwood Mac. Por diferentes motivos, más adelante en el tiempo Green es diagnosticado con esquizofrenia pasando meses y meses en hospitales psiquiátricos sometido a terapias continuadas a mediados de los setenta. Así y todo continuó haciendo distintos trabajos en la música blues rock, como solista y en varias agrupaciones. Durante los períodos de enfermedad mental e indigencia, Green se mudó con su hermano mayor Len a su casa en Great Yarmouth, donde inició un proceso de recuperación, residiendo durante unos meses en Canvey Island, Essex. Se había casado con Jane Samuels en enero de 1978, divorciándose en 1979. Tenían una hija, Rosebud, nacida en 1978. Peter dejó de existir el sábado 25 de julio, a los 73 años, tranquilamente mientras dormía. Fue un verdadero virtuoso del rock. Más allá de la nostalgia.

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Más alla de la Nostalgia

ELSA MARTINELLI:
UN DESCUBRIMIENTO DE HOLLYWOOD

 

DE LA MANO DE KIRK DOUGLASdescarga
Bajo el nombre de Elsa Tia nació en Grossetto, Toscana, Italia, el 30 de enero de 1935. Años posteriores la familia se marchó a Roma, allí el empresario de vestuarios femeninos, Roberto Capucci quedó encantado con su imagen y forma de expresarse, comenzando -siendo una adolescente- una muy buena carrera como modelo. Ya en la década del cincuenta debutó en varias películas encarnando pequeños diálogos. Una fue «Se vincessi cento milioni» de Carlo Campogalliani y Carlo Moscovini, hasta aparecer de una manera fulminante en «Claude Autant-Lara’s Le Rouge et le Noir», adaptación de la obra de Stendhal a cargo del francés Claude Autant, en 1954, pero su papel en un filme importante fue en «Pacto de honor», 1955, junto a Kirk Douglas, quien la había visto en notas de varias publicaciones revisteriles artísticas, en alguna tapa de las mismas, y la recomendó que la contrataran en su productoria, Bryna Productions. Según comentó en su momento Douglas, ella apenas hablaba un poquito de inglés, pero el desconocimiento no fue realmente algo problemático, ya que tenía una página y media de diálogos, y su aspecto resultaba notable para su interpretación. Asi fue, que en éste filme dirigido por André De Toth, en la primera producción de Douglas, dicha actriz que no tenía experiencia como tal, fue muy alabada en su debut hollywoodense.

La actriz en cuestión, bajo su nombre artístico se llamó Elsa Martinelli. El destino quiso que se convirtiera en una diva.

Con Kirk Douglas en Pacto de honor, 1955

Con Kirk Douglas en Pacto de honor, 1955

ONAHTI, LA HIJA DEL CACIQUE SIOUX

En el año 1870, una caravana de carretas y vaqueros montados en bravíos caballos intenta llegar a Oregón, pero tiene que detenerse en un pequeño puesto fronterizo, pues no es prudente que atraviese el territorio de los indios Sioux. Desde el fuerte del ejército Laramie envían a Johnny Haws -Kirk Douglas- un hombre experimentado en el trato con dicha tribu para que actúe como intermediario. En ese entorno, se suceden diferentes situaciones, y hasta Haws enamora a la hija del Cacique, Onahti -Elsa Martinelli- es parte del argumento de «The indian fighter», «Pacto de honor», cinta en colores, con música de Franz Waxman, distribuida por United Artists, con una duración de 85 minutos, donde es lanzada Martinelli, y también está en los protagónicos Walter Matthau. En 1956, Elsa Martinelli obtiene en el Sexto Festival Internacional de Cine en Berlín, un Oso de Plata «A la mejor actriz» por su papel en «Donatella, de Mario Monicelli.

DONATELLA CONTRAE NUPCIAS

Junto a John Wayne, Hatari, 1962

Junto a John Wayne, Hatari, 1962

Aunque el gran debut de Martinelli sucedió en Hollywood, donde se afianzó como actriz fue en Italia, teniendo en cuenta su gran interpretación en «Donatella». Donde trabajó junto a Walter Chiari, Gabriele Ferzetti, Aldo Fabrizi, Xavier Cugat, Abbe Lane, y Liliana Bonfatti, en una película del año 1956, que dió mucho que hablar. Por esos momentos, contrajo nupcias con el conde Franco Mancinelli Scotti di San Vito, lo que le permitió vivir de otra manera, más holgada. El matrimonio tuvo una hija, Cristiana Mancinelli, también actriz. Tras la anulación del matrimonio en 1968, se casó con el fotógrafo de Paris-Match Willy Rizzo, con el que permaneció hasta el fallecimiento de éste en 2013. Su desempeño en «Pacto de honor», gustó tanto en Hollywood, que la llamaron para otros largometrajes como «Hatari», de Howard Hawks, donde es protagonista junto a John Wayne. Allí, se hace fanática de los animales de la selva, y varios de ellos los convierte en mascotas de su hogar.

HATARI, UNA HISTORIA

Se convirtió en una diva

Se convirtió en una diva

Un grupo de cazadores dirigido por Sean Mercer -John Wayne- cumple en Tanzania el encargo de capturar animales de muy variadas especies, momento que se incorpora al grupo Ana María D’Allesandro -Elsa Martinelli- que será llamada Dallas y que tiene la tarea de fotografiar su trabajo, y al tirador francés Charles Maurey -Gerard Blain- al que llamarán Chips. Es la mecánica de «Hatari», otro suceso de Elsa Martinelli en su brillante curriculum. En 1970 viajó a Perú y Chile para el rodaje de «La Araucana», dirigida por Julio Coll e inspirada en el poema épico homónimo escrito por Alonso de Ercilla y Zúñiga. En este filme, Martinelli encarnó a Inés de Suárez, compañera del conquistador Pedro de Valdivia. A partir de entonces sólo actuó esporádicamente en alguna película, serie de televisión o telefilmes italianos. En 1971 cantó y presentó el Festival de San Remo junto a Carlo Giuffrè. Elsa Martinelli, dejó de existir de cancer, en Roma, el 8 de julio de 2017, a los 82 años. Será recordada por siempre. Más allá de la nostalgia.

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MARIA VANER: EMBLEMA DE LOS SESENTA

Una nota exclusiva de: JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo

DE AQUEL CINE ARGENTINO

Fue modelo publicitaria, asistente de dirección, escenógrafa, y luego al debutar en el cine, de la mano de quien sería más tarde su marido, Leonardo Favio, realizaría una muy buena carrera en la pantalla grande de los sesenta. A través de sus encarnaciones, se convertiría en un verdadero símbolo de la cinematografía de la vecina orilla. Filmes como: «Tres veces Ana», «Los jóvenes viejos», «Crónica de un niño solo» y «El romance del Aniceto y la Francisca», entre otros, le brindaron la popularidad de esa época. Hermana de la actriz Norma Aleandro, hija de María Luisa Robledo, también reconocida actriz, y de Pedro Aleandro, realizó su primera aparición pública en la década del cincuenta, cuando participa en «Miss Televisión», siendo una de las ganadoras. Desde allí en adelante, no se alejaría por muchos años del rubro artístico, destacándose por ser una persona distinguida y educada, ante todo, y de talento en los sets.Maria vaner

El mismo Favio se siente atraído por ella, desde que actúan juntos en «El secuestrador», en 1958, dirigidos por Leopoldo Torre Nilsson, siendo considerada allí la revelación femenina de ese año, junto con Ana Casares. La cinta se estrena, y Favio se ilusiona por conseguir el amor de la actriz. Va tras ella, le consigue papeles diversos, la dirige en sus películas, y hasta la llega a enamorar. Se llamó María Luisa Josefa Ángela Aleandro Robledo, más conocida bajo el nombre de María Vaner.

NACIDA EN MADRID

María Vaner llegó a éste mundo, el 23 de marzo de 1935, en Madrid, pero se crió y fue creciendo en Argentina, donde fue desarrollando su gran carrera. Primero, utilizó el seudónimo de Marilin Aleandro, en 1957, realizando distintos trabajos, hasta que le llegó el momento del cine. Se consagra definitivamente en los sesenta, en «Prisioneros de una noche», de David José Kohon, y «Tres veces Ana», por la que es seleccionada «Mejor actriz» de 1962 en la entrega de los Cóndor de Plata, historia que se repite en 1963 por su desempeño en «Los jóvenes viejos».

Simiente humana, 1959

Simiente humana, 1959

Los directores del momento la convocan: Enrique Cahen Salaberry, Daniel Tinayre, Rubén W. Cavallotti y René Mugica. De esta manera se fueron sucediendo: «En la ardiente oscuridad», 1959, «Simiente humana», 1959, «El bote, el río y la gente», 1960, «Dar la cara», 1962, «Un largo silencio», 1963, «Racconto», 1963, «Primero yo», 1964, «El octavo infierno, cárcel de mujeres», 1964, «Sombras en el cielo», 1964, «Turismo de carretera», 1968, «El caradura y la millonaria», 1971, «Heroína», 1972, «La malavida», 1973, «La balada del regreso», 1974, «Bodas de cristal», 1975, «La Raulito», 1975, «Una mujer», 1975, «Un grito de Celina», 1975, «No toquen a la nena», 1976, «Proceso a la infamia», 1978. Y más…

SE CASA CON LEONARDO FAVIO

En el año 1967 contrae nupcias con Leonardo Favio, padre de sus dos hijos, y en 1969 María Vaner decide cantar. RCA la lanza publicando un simple con «Tu risa al viento» como lado A, junto a Horacio Malvicino y su orquesta, coproducido por el compositor y productor Jacko Zeller.

Racconto, con Leonardo Favio, 1963

Racconto, con Leonardo Favio, 1963

En 1974 fue amenazada por la Triple A y se exilió en España con sus hijos. Volvió a Buenos Aires instaurada la democracia, continuando con su carrera, pero en papeles de poca relevancia, su momento había quedado atrás. En su desempeño televisivo, participó en los ciclos de «El ángel de la muerte», «Alta comedia», «El exterminador», «Los que estamos solos», «Valeria y Alas, poder y pasión». Hizo también lo propio en obras de teatro en «Francisco Bernardone» y «El Jorobado de Notre Dame». En 2002 protagonizó «Sin intervalo», años después se destacó con el personaje de «Chola» en «Cara de queso», con Mercedes Morán y Juan Manuel Tenuta, y en 2007 tuvo un breve personaje en la exitosa película «La mujer sin cabeza».

CIUDAD INVISIBLE, SU ULTIMA ACTUACIONimages

De las entrañas al cielo de Buenos Aires, un personaje casi dantesco que partiendo del subsuelo de la ciudad, emergiendo del agua y recorriendo el curso sinuoso de escaleras, llega a las cúpulas de Avenida de Mayo hasta una mirada de Buenos Aires desde la máxima altura de los rascacielos. Durante su recorrido, este personaje descubre una humanidad indiferente, una humanidad perversa, una humanidad repleta de dramas pero también plena de sentimientos y de amor. De eso se trata «Ciudad invisible», su última actuación en ese mediometraje de Pietro Silvestri. Mientras filmaba ésta producción María Vaner deja de existir el 21 de julio de 2008 -hace doce años atrás- a los 73 años, luego de padecer la enfermedad del cáncer. Fue una artista de verdad. Más allá de la nostalgia.

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LOS 80 DE RINGO

INTEGRA LOS SENIORS DE LA MUSICA

Junto a otros grandes referentes del rock británico, integra los seniors de la música, con su amigo y compañero Paul McCartney, 78 años, Mick Jagger, muy próximo a los 77, Rod Stewart, 75, Keith Richards, 76, Elton John, 73, Bill Wyman, 83, Charlie Watts, 79, Eric Burdon, 79, y él, Ringo Starr, que acaba de cumplir sus 80 años. Alguna vez dieron algún concierto, juntos la mayoría, como el pasado martes 7 de julio, que desde su bunker, en un show virtual y solidario, celebró su aniversario con un mensaje de paz, amor, amistad y simpatía, ésta vez al lado de Paul McCartney, Joe Walsh, Sheryl Crow, Ben Harper y Gary Clark Jr. , acompañado de sus ocho nietos y un bisnieto. El paso del tiempo no ha detenido a Ringo sus quehaceres con la música, con su batería, constituído además en compositor, cantautor, actor de cine, pintor, guionista, productor cinematográfico, guitarrista, editor de películas, y más. Desde sus comienzos, antes de Los Beatles, fue un músico respetado por su calidad, y al integrar los genios de Liverpool, se contituyó en un personaje popular en el mundo entero, manteniéndose activo hasta ahora en todo lo que sabe hacer, teniendo intacta su capacidad creativa. Su último álbum»What’s my name», se publicó en octubre del año pasado, cantando «I wanna be your man», «Yellow submarine», y «With a little help from my friends», resultando de muy buenas ventas en varios territorios. El artista ya piensa en nuevas realizaciones en un futuro inmediato._55436205_55436171

LUEGO DE LA SEPARACION DE THE BEATLES
Luego de la desintegración de los fabulosos cuatro, en 1970, Ringo Starr inició una carrera como solista con el lanzamiento de «Ringo», 1973, «Goodnight Vienna», 1974, y otros en los ochenta que no gozaron de un suceso pleno, debido a que se dedicó más que nada a debutar en el cine, participando en algunos filmes, al estilo de «El cavernícola», 1981. Paralelamente, estaba acompañando como músico grabaciones de otras figuras, como sus tres ex-compañeros de Los Beatles, narrando además las dos primeras temporadas de la teleserie infantil animada Thomas y sus amigos, y exactamente en 1989, es el ideólogo de Ringo Starr & His All-Starr, una agrupación con la que habitualmente sale de gira, y con la cual edita el buen álbum «Time takes time», la primera de una serie de colaboraciones con Mark Hudson, reconocido músico, quien hizo la producción de registros que llegarían más adelante: «Vertical man», 1997, «Ringo Rama», 2003, y «Choose love», 2005.

FANATICO DEL SKIFFLE y DEL BLUESdescarga

Durante su juventud, cuando ya sabía tocar la batería, Ringo se hizo fans del estilo skiffle y del blues, pero al formar parte The Texans, en 1958, se manifestó atraído por el rock and roll. También la música country, le entró a gustar, cuyo estilo influyó en el modo de tocar de Starr. El primer exponente que siguió definitivamente Ringo fue Gene Autry, quien lo conquistó artísticamente con «South of the border». Después en su gusto, seguiría con Lee Dorsey. Basado en eso el batero figura como coescritor de varios temas, «What goes on», «Flying», y «Dig it». Tras la separación del cuarteto, fue compositor de «Taking a trip to Carolina», «Bar original», «Los paranoias», «Christmas time (is here again)», y los instrumentales «Jessie’s dream», y «Suzy Parker», marcando presencia en las bandas de las cintas «Let it be» y «Magical mystery tour».

FAMA DE LA PERCUSSIVE

En el año 2002, Starr es destacado en el Salón de los Famosos de Percusive Arts Sciety junto a Ed Thigpen y John S. Pratt. En 2008 recibe el Diamond Award en nombre de Los Beatles durante los World Music Awards, llevados a cabo en Mónaco.
En 2010 es reconocido con la estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, frente al edificio de Capitol Récords. El 20 de marzo de 2018, Ringo es declarado «Sir» del Imperio Británico por el duque de Cambridge, William. Su primer gran reconocimiento fue el 12 de junio de 1965, cuando Ringo, Paul, John y George son designados miembros de la Orden del Imperio Británico, recibiendo la insignia de manos de la Reina Isabel II en el Palacio de Buckingham. También junto a sus compañeros del famoso grupo, fue nominado a un premio Bafta, al mejor debutante, por el filme «A hard day’s night», 1964, logrando un Oscar a la mejor banda sonora por la película «Let it be», 1970. Ringo Starr está casado con la actriz y modelo Barbara Bach, desde el año 1981. Más allá de la nostalgia.

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EVELYN «CHAMPAGNE» KING: DE LA MUSICA DISCO A LA NOSTALGIA

Una nota exclusiva de: JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo

«SHAME»: HIT TOP 10 BILLBOARD HOT 100

En la recordada música disco de fines de los setenta y comienzo de los ochenta, existieron figuras de relieve que acapararon la atención del público en general, que lo llevó a adquirir discos y a bailar la música de éstos artistas en diferentes ámbitos y lugares. La llamada música disco o simplemente disco es un género de música bailable derivada del rhythm and blues que mezcló elementos anteriores, como el soul y el funk, con toques sinfónicos plasmados en arreglos de cuerdas, como ser violines, y latinos en muchos casos, que se popularizó en las salas en épocas setenteras. En ese proceso de evolución toman parte un destacado número de artistas de ese estilo, que van aportando paulatinamente los elementos que acabarán definiendo lo que es en si la música en cuestión: Barry White, MFSB, Gloria Gaynor, The Trammps, Donna Summer, The Jackson Five, Chic, Kool & the Gang, Bee Gees, KC and the Sunshine Band, Village People, Boney M, La Bionda, Eletric Light Orchestra, y hasta la misma Evelyn «Champagne» King, a quien muchos llamaron «la princesa de la música disco». La propia Evelyn con «Shame», hit Top 10 Billboard Hot 100, se constituyó en uno de los grandes sucesos de esos momentos, y hasta hoy día la estrella de los escenarios continúa con sus shows.Evelyn Champagne King. 1

ACABA DE CUMPLIR 60 AÑOS

Evelyn llegó a éste mundo el 1o. de julio de 1960 -acaba de cumplir 60 años- en el Bronx, Nueva York, y se crió en Filadelfia, Pensilvania. Tiene siete hermanos. Su padre cantaba en los intervalos de grupos bailables en Harlem’s Teatro Apollo. Su madre también tenía conocimientos musicales y había manejado la banda Quality Red. «Champagne» fue descubierta cuando era una adolescente mientras ayudaba a su mamá a limpiar las oficinas de la fonográfica Philadelphia International Records. El productor Theodore T. Life la escuchó cantar en el baño y comenzó a entrenarla. Meses más tarde, estampó su firma en el contrato que la ligaría con Life’s Galaxy Productions y con la RCA Records, que la lanzaría en breve como nueva figura de la canción de los Estados Unidos.En tiempos juveniles. 2

Su álbum debut fue «Smooth talk», en 1977, que incluía «Shame», su tema más sonado. El registro se convirtió en disco de oro por superventas. Otro simple de ese disco grande, «I don’t know if it’s right», llegó al casillero 23 en el Billboard Hot 100 y al 7 Soul, logrando su segundo disco de oro de manera continuada.
MÁS y MÁS DISCOS

En 1981, Evelyn graba «I’m in love», que es lanzado en sencillo y álbum, logrando el primer lugar en R&B y en la lista bailable de agosto de ese año; también logró su punto máximo en el sitio 40 en la lista de hits. Al año siguiente edita el álbum «Get loose», con el simple «Love come down», impactando en UK singles chart, parándose en el escalón siete durante tres semanas. Continuó con»Betcha she don’t love you», logrando el puesto 2 en la lista Soul y 49 en la lista Pop. Desde mediados hasta fines de la década de los ochenta, King proseguiría en el listado exitoso, colocando ocho discos simples en el top 20 Soul. En pleno show. 4
El 20 de septiembre de 2004, «Shame» se convirtió en uno de los primeros discos en ser incluido en el Dance Music Hall of Fame en una ceremonia celebrada en el club Spirit de Nueva York.

PLANEO UN RETIRO y UN RETORNO
Exactamente el 14 de agosto de 2007, Evelyn lanza su primer álbum de estudio luego de doce años de inactividad, «Open book». Presentó el simple «The dance», que alcanzó el casillero número 12 en la lista de reproducción de Hot Dance Club.

En 2011, King también colaboró con el productor de «deep house» Miguel Migs, en el tema «Everybody», que se incluyó en su disco-grande «Outside the skyline». El single de «Everybody» fue editado el 19 de julio de 2011. En 2015 formó una banda con las cantantes disco Martha Wash y Linda Clifford, llamada First ladies of Disco. Junto a Maurice Watts 5
La agrupación lanzó su primer sencillo «Show some love» en marzo de 2015, que logró el número seis en las diferentes listas. La banda hizo su primera gira en 2017, pero ya en diciembre de ese año, Evelyn abandonó el grupo. En 1990, King había contraído nupcias con Freddie Fox, un guitarrista de jazz. Siete años más tarde, en 1997, perdió a tres familiares por diversas enfermedades. En 1987, su hija Johnniea nació con problemas varios, dejando de existir dos años después. Más allá de todo, hoy continúa realizando giras y presentaciones por todo el territorio norteamericano y también en el exterior.

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EN TIEMPOS DE ANTENAS

Una nota exclusiva de: JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo

AQUELLA TELEVISION BLANCO y NEGRO

En tiempos de grandes antenas en la azotea y pesados aparatos en blanco y negro, la televisión de los sesenta y parte de los setenta, nos dejó diferentes programas que nos llegaron a entusiasmar, reviviendo historias de repente con alguna semejanza del diario vivir, nos ponían sentimentales, y hasta nos hacían emocionar o reír. Hubieron muchos espacios que seguramente se recordarán a través del tiempo, de buenos contenidos, con infinita nostalgia.

Papa Corazón, 1973

Papa Corazón, 1973

Las series, los musicales, los dibujos, los periodisticos, los teleteatros, los espacios humorísticos. Todos ellos tenían cabida en aquella caja mágica que emitía imágenes con audios. En los primeros años de la década setentera, ya había llegado el conocido «video-tape» a través de un rollo de cinta que registraba cada momento, pero ¡que situacion!.. como no había muchos en los stocks de filmoteca de los canales, cada programa se regrababa en el mismo carrete cada semana, aunque Ud. no lo crea. De esa forma, muchos espacios antológicos no poseen de un determinado archivo -citemos «Decalegrón», entre tantos- ya que el material se destruía sobre cada registro que se hacía.

Carmiña, 1972. Stella Maris Closas, Arturo Puig, María de los Angeles Medrano, Wagner Mautone y Yayi Cristal.

Carmiña, 1972. Stella Maris Closas, Arturo Puig, María de los Angeles Medrano, Wagner Mautone y Yayi Cristal.

Es que nadie se imaginaba -además- que lo que grababan se constituiría a través de los años, en algo referente para la televisión. Así fue transcurriendo el tiempo, con la llegada de los avances tecnológicos. Pero, quedémosnos por ésta vez en esos momentos memorables para la pantalla chica.

EL VIDEO PARA LA EMISION

En los primeros instantes de los setenta al aparecer el video, crecen los teleteatros argentinos, que comienzan a distribuirse por toda América Latina, marcando un alto pico de teleaudiencia. En el año 1972, nacía «Carmiña», tira protagonizada por la exquisita María de los Angeles Medrano, y Arturo Puig. De la mano del autor Abel Santa Cruz, el elenco estaba de manifiesto con Diana Arias, Betiana Blum, Emilio Comte, Yayi Cristal, Marité de la Torre, Francisco de Paula, el actor y cantante Ricardo Dupont, y más invitados especiales. Mientras se dejaban oír: «Yo quiero dibujarte» con Elío Roca, «Tu sangre es mi sangre» por Graciela Yuste y «Ave María» por Silvestre, se desarrollaban las diferentes escenas en una producción de Canal 9, que presentaba Saeta Canal 10 de Montevideo, por las noches de aquella época.

Claudio Levrino, Cristina del Valle, y Enrique Kossi en Amar al ladron, 1973.

Claudio Levrino, Cristina del Valle, y Enrique Kossi en Amar al ladron, 1973.

Fue tan impactante el suceso de la serie que al año siguiente se rodó la película de «Carmiña» (Su historia de amor) que reeditó el impacto del contenido televisivo por las salas cinematográficas.

PAPÁ CORAZÓN, 1973

Hubieron muchas tiras por esa época, pero «Papá corazón», consiguió colarse en el corazón de los televidentes. Se trataba de una novela de corte infantil de 1973, escrita por Abel Santa Cruz, y estelarizada por la niña estrella de ese momento, Andrea del Boca, junto a Norberto Suárez, Laura Bové, y Elcira Olivera Garcés. Por ese desempeño, Andrea del Boca -que había recibido tres años atrás el premio Martín Fierro como revelación- se convirtió en uno de los nombres del momento de la tv. Se grabó en los estudios de Argentina Sono Films, en blanco y negro, y al año siguiente se hizo un filme llamado «Papá corazón se quiere casar», 1974, que se pudo disfrutar en colores por las diferentes salas.

El Preso y Minguito, inolvidables de la tele, en Operación Ja-Ja, 1982

El Preso y Minguito, inolvidables de la tele, en Operación Ja-Ja, 1982

También en ese año 1973, irrumpía en pantallas «Amar al ladrón», se acuerdan?.. encarnada por Cristina del Valle y Claudio Levrino. Bajo la autoría de Luis Gallo Paz, y Lucy Rossi, desfilaba el elenco con Cristina Alberó, Raúl Aubel, Patricia Castell, Noemí Escalada, Gustavo Fabiani, Oscar Fontova, y más. Producida por Perla Márquez, con el leiv-motiv de apertura de Anne Marie David, «Te reconocerás». Los temas musicales evidentemente siempre identificaron cada tira.

MINGUITO y EL PRESO

«Piel naranja», fue una de las producciones argentinas de ese instante llevada adelante por Arnaldo André, Marilina Ross y Raúl Rossi, entre otros. Creada por Alberto Migré, uno de los autores más exitosos de ese rubro, siendo emitida originalmente por Canal 13 de Buenos Aires en 1975, logrando índices de teleaudiencia históricos y muy recordada hasta hoy en día. «Piel naranja», en blanco y negro, fue un ícono en el rubro. En la tira se dejaba oír «Quiéreme tengo frío» por Marilina Ross que sonaba permanentemente en la novela.

Arnaldo André y Marilina Ross, Piel naranja, 1975

Arnaldo André y Marilina Ross, Piel naranja, 1975

Y cerramos con «Minguito y el Preso», que estaban en el espacio de «Operación Ja Ja», registrando toda una época. Notable… Con las ocurrencias y locuras bien escritas por «el ruso» Sofovich y que tan bien desarrollaban los dos actores. Qué más podemos agregar?.. Esos si que hacían reír y que la tenían bien clara!! Más allá de la Nostalgia.

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Una nota exclusiva de: JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CHICO BUARQUE: EL POETA DE LA MPB

 

POR LAS RUAS DE RIO

Chico Buarque

Chico Buarque

Entre sambas, batuques de carnaval, playa y fútbol, nació en Río de Janeiro, Chico Buarque. Fue un 19 de junio, pero de 1944; acaba de cumplir 76 años. Transitando por las ruas cariocas, entre los barrios de Sao Vicente y Alegría, Chico, comenzó a respirar los aires de la Música Popular Brasileña, y porque no hacerse fanático del Fluminense Futebol Clube. De nombre verdadero, Francisco Buarque de Hollanda, lejos de la imaginación de aquel muchacho estaba que se convertiría en referente y leyenda de la música. Cantautor, dramaturgo, guitarrista, escritor, y actor, entre otras serían en el futuro sus cualidades. Hoy, de nombre reconocido en el mundo entero en su especialidad, posee una discografía de más de ochenta álbumes, donde se incluyen discos como solista, con agrupaciones, y participaciones, entre vinilos y compactos.

En familia

En familia 

A los 18 años escribió su primer cuento, obteniendo categoría como cantante a partir de 1966, cuando registra su primera producción, Chico Buarque de Hollanda, y consigue el primer lugar en el Festival de Música Popular Brasileña con «A Banda». Exiliado en Italia en 1969, debido a la creciente represión militar de Brasil, se convirtió a su regreso el año venidero, en uno de los artistas más activos de la crítica política y la lucha por la democracia en el país norteño. En 1971 lanza «Construçâo», y en 1976, «Meus caros amigos», figurando en la lista de «Los 100 discos más importantes de MPB», de la publicación Rolling Stone Brasil.

SAMBAS PEGADIZAS CON NOSTALGIA

Con María Bethania, en show

Con María Bethania, en show 

Chico es hijo de María Amélia Cesário Alvim -1910-2020- pianista y pintora, y de Sergio Buarque de Hollanda -1902-1982- periodista e historiador, y nieto de Cristóvao Buarque de Hollanda. Sus intelectuales padres le dieron tres hermanas, que también salieron cantantes: Ana de Hollanda, Miúcha, y Cristina Buarque. El cantautor estuvo casado durante 33 años, desde 1966 a 1999, con la actriz Marieta Severo, con quien tuvo tres hijas: Silvia, Helena, y Luisa Buarque, teniendo a través de ellas, cinco nietos. El debut público de Buarque como músico y compositor sucedió en 1964, y pronto se hizo de una reputación a través de su participación en festivales canoros y shows de televisión. Su primer álbum, «Chico Buarque», enseñaba el trabajo por venir, con sambas pegadizas, caracterizadas por juegos de palabras creativas y un trasfondo de nostalgia trágica. La primera grabación también fue una marchinha, «Marcha por un día soleado», registrada por Maricene Costa, en 1964.

CONOCE A ELIS REGINA

Entabla amistad con Elis Regina, quien había ganado el Festival de Música Popular Brasileña en 1965, con «Arrastao», y deciden crear temas en conjunto. En el Festival MPB de 1967, Chico tendría suceso con «Roda viva», interpretada por el propio intérprete y por el grupo MPB-4, amigos y cantantes de muchas de sus propias canciones.

Chico Buarque y Bob Marley, en práctica de fútbol.

Chico Buarque y Bob Marley, en práctica de fútbol. 

En 1968, ganó otro evento, «El 3er Festival Internacional de la Canción» de TV Globo. Como compositor, en colaboración con Tom Jobim, con el tema «Sabiá. Pero esta vez, la victoria fue impugnada por el público, que prefirió la canción que quedó en segundo lugar. En 1973, presenta «Cálice», que fue compuesta en conjunto con Gilberto Gil, ya que juega con las palabras portuguesas para «cállese» y «cáliz» para cantar sobre la opresión militar bajo la apariencia de relato bíblico. Inmediatamente, llegaría «A pesar de vocé», convirtiéndose en un himno de la época, vendiendo más de cien mil copias, siendo censurado, retirándose todas las copias que estaban en el mercado.

BRILLANTE CARRERA LITERARIA

Además de ser un notable cantautor, Chico Buarque desarrolló una carrera literaria a lo largo de los años, siendo autor de obras de teatro y novelas. Obtuvo tres distinciones Jabuti: «El mejor romance», en 1992 con Estorvo y «El Libro del Año», ambos por el libro Budapest, lanzado en 2004, y por «Leite Derramado», en 2010. En 2019, fue distinguido con el Premio Camões, el Trofeo literario principal de la lengua portuguesa, para toda la obra. Silvio Rodríguez lo nombra en «Quién fuera» (Corazón)», también Fito Páez lo menciona en «Carabelas nada». En 1998, la escuela de samba Mangueira ganó el primer lugar del carnaval carioca con un tema de homenaje a Chico Buarque. Desde muy joven, Chico ganó el reconocimiento de la crítica y el público tan pronto como se presentaron los primeros trabajos.

Junto a Gilberto Gil.

Junto a Gilberto Gil.

A lo largo de su carrera, ha sido socio como compositor e intérprete de varios de los mejores artistas de MPB como Tom Jobim, Vinícius de Moraes, Toquinho, Milton Nascimento, Ruy Guerra, y Caetano Veloso. Más allá de la nostalgia

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SERGIO ENDRIGO: EL ACAPARADOR DE SAN REMO

1966: DEBUT EN
EL GRAN FESTIVAL

Debutó en los famosos Festivales de San Remo en 1966, con «Ora si» -»Ahora si»- quedando en el octavo lugar. Ese año la canción ganadora fue «Dios, como te amo» de Doménico Modugno. En 1967, participa con «Dove credi di andare», alcanzando el séptimo casillero, en una edición canora que protagonizó la crónica negra cuando el cantante Luigi Tenco fue encontrado sin vida en su habitación. Si bien se habla generalmente de suicido, todavía quedan muchas dudas sobre la verdadera causa de su deceso.

Sergio Endrigo

Sergio Endrigo

Al año posterior, 1968, compone «Canzone per te», que junto a Roberto Carlos obtiene el primerísimo lugar de San Remo. Fue un gran logro, que apreció en directo casi toda Europa y parte de América, ya que se emitió vía satélite. Sin embargo, por razones nunca aclaradas, la letra de las dos versiones -una en portugués y la otra en italiano- entonada por ambos cantautores por separado, no coincide, y de hecho, presenta a veces, diferencias considerables en el estribillo. De todas formas, «Canzone per te» luego de llegar al primer escalón en el evento, se constituye en exito en todo el mundo. En 1969, ocupa el segundo sitio en San Remo, interpretando «Lontano dagli occhi», en 1970, llega al tercer lugar con «El arca de Noé», junto a Iva Zanicchi. Su sexta participación consecutiva logró un suceso menor en 1971, cuando llega al undécimo lugar con «Una storia», con New Trolls, que hicieron una versión estilo rock progresivo. El, se llamó Sergio Endrigo, el acaparador de San Remo, de aquellos años.

UN DIA COMO EL DE HOY

Sergio Endrigo, Fred Bongusto y Nicola Di Bari

Sergio Endrigo, Fred Bongusto y Nicola Di Bari

Un día como el de hoy, 15 de junio, pero de 1933, nacía Sergio Endrigo, en Pula, Istria, Italia. Hijo de Claudia Smareglia y del pintor, escultor y tenor Romeo Endrigo, pasó su infancia junto a su familia en Istria.
En febrero de 1947, Sergio se vió obligado, debido a derivaciones que continuaron al final de la Segunda Guerra Mundial, a abandonar su ciudad natal junto a su madre -su padre ya había fallecido en 1939- y llegar primero a Brindisi, y luego a Venecia. Para tratar de ayudar a su madre, abandona sus estudios y comienza a trabajar como portero en el Hotel Excelsior, y paralelamente empieza a tocar la guitarra y al poco tiempo debuta como cantante y bajista en varias orquestas del medio, incluída la de Ruggero Oppi.

Los artistas de aquel festival, esperando para recibir las distinciones

Los artistas de aquel festival, esperando para recibir las distinciones

Fue precisamente en ésta banda que se produce su debut fonográfico como solista, en 1959, con un disco simple que incluía «No ocupes mi teléfono», como lado A, e «Hielo caliente», en el B. Así, participa en el primer Burlamacco d’oro en 1959, presentando el tema «Notte, long night», compuesto por Franco Migliacci y Enrico Polito, que más tarde registraría Doménico Modugno. En el mismo año, utilizando el seudónimo Notarnicola, graba un disco sencillo con «Arrivederci» y «Nuvola», ambos de la autoría de Umberto Bindi y Giorgio Calabrese.

RCA EN 1962

En 1962 llega a RCA, siguiendo a su productor Nanni Ricordi, y edita una de sus creaciones más populares, «Lo che amo solo te», un himno al amor que con el paso de los años lo realizaron otros intérpretess en varias versiones: Mina , Ornella Vanoni , Marisa Sannia , Gino Paoli , Enzo Jannacci , Claudio Baglioni , Fiorella Mannoia , Rita Pavone , Chiara Civello junto con Chico Buarque de Hollanda, y más. Ese mismo año se proyecta con su primer álbum como solista, titulado Sergio Endrigo, que incluía, además de «Lo che amo solo te», otros clásicos al estilo de «Vecchia balera», «Aria di neve», «Via Broletto 34», «Viva Maddalena», «Tus veinte años», entre otros.
En éste mismo período se casó con Lula, convirtiéndose en cuñado de Riccardo Del Turco -quien en el mismo período se casó con la hermana de Lula, Donella- Endrigo y su esposa tuvieron una hija llamada Claudia, en 1965. En 1964, continuó con su segundo álbum «Endrigo», con otros clásicos: «Se le cose sta così», «Annamaria», «La rosa bianca», y más. En 1965 apareció en el cine con películas dirigidas y producidas por Tullio Piacentini, «These Pazzi Pazzi Italiani» y «008 Operation Ritmo», dentro de las cuales también hay una de las apariciones cinematográficas muy raras de su amigo y colega Luigi Tenco.

1973: ELISA ELISA

Aqui´componiendo, otra faceta del artista

Aqui´componiendo, otra faceta del artista

Sergio Endrigo regresó a los Festivales de San Remo, en 1973, con «Elisa Elisa», en 1976 con»Cuando hubo mar», y una última vez en 1986, con un tema italiano, que a diferencia de todos los otros con los que había competido en el pasado, no fue escrito por él sino por Claudio Mattone. Sergio Endrigo participó de una tourné por Cuba y América Latina en 2000, siendo esa su última gira. Dejó de existir en Roma, el 7 de septiembre de 2005, debido a un cáncer de pulmón, que había sido diagnosticado unos meses atrás. También tradujo al italiano y entonó el poema «La paloma», del poeta español Rafael Alberti, con música del compositor argentino Carlos Guastavino, y con el título de «Se equivocó la paloma», canción que luego popularizó el cantautor catalán Joan Manuel Serrat y posteriormente fue versionada por otros intérpretes. Otro de sus grandes hits de Endrigo fue «Lontano dagli occhi» de 1969, traducida al castellano y popularizada por el orbe por Dyango como «Lejos de mí». Más allá de la nostalgia.

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DEANNA DURBIN: UNA FIGURA DE CULTO

Una nota exclusiva de: JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

ACTRIZ y CANTANTE DE LUJO

Deanna Durbin.

Deanna Durbin.

Apareció en las comedias musicales de los treinta y de los cuarenta, destacándose al poseer una voz realmente privilegiada. Cuando dió la prueba para estar en esas películas, sorprendió a todos los que la escucharon y supieron admirar su registro. La contrataron inmediatamente, sin pérdida de tiempo. Era en esos momentos, una adolescente. La mayoría de las veces haciendo de ingenua, sumaba sus dotes de hermosa mujer, con su estilo canoro de soprano ligera. Descubierta por la Metro Goldwyn Mayer en un certámen escolar de cantantes en Los Angeles, lugar donde se había trasladado junto a su familia aguardando su turno para debutar en la pantalla grande. Hollywood la recibió con los brazos abiertos: críticos, colegas y público, comentaban las virtudes que tenía, que eran muchas. Su verdadero era Edna Mae Durbin, conocida como Deanna Durbin, aquella chica canadiense que llegó a ocupar las marquesinas de los cines más importantes del mundo, por talento propio.

POSEIA UN TALENTO DEFINIDO

His Butler's Sister, 1943

His Butler’s Sister, 1943

Deanna Durbin llegó a éste mundo el 4 de diciembre de 1921, en Winnipeg, capital y ciudad más poblada de la provincia de Manitova, localizada en las praderas del oeste de Canadá. Hija menor de Ada Durbin y James Allen Durbin, originarios de Chester, Inglaterra. Deanna tenía una hermana mayor, Edith, nacida en Inglaterra y fallecida en California en 2010. La familia a pleno, cuando Deanna era una pequeña, se trasladó a USA, convirtiéndose sus padres en ciudadanos estadounidenses. Siendo niña ya entonaba bien canciones infantiles, y para cuando cumplió los diez años, sus progenitores entendieron que poseía un talento inusual y la inscribieron en Academia Ralph Thomas, para que tomara clases de canto. Tiempo después, se convirtió en alumna destacada de Thomas, enseñando sus condiciones en varios clubes e iglesias locales. En los inicios de 1935, la MGM mientras planeaba una película biográfica, teniendo problemas para ubicar una actriz que cantara ópera, la fueron a buscar a Deanna para un casting, a quien luego de escucharla, le firmaron un contrato de exclusividad de seis meses.The Amazing Mrs. Holliday, 1943. 4

EVERY SUNDAY, SU PRIMER CORTO
Debutó en el corto «Every Sunday», junto a otra juvenil figura, Judy Garland; ambas tenían quince años. Con papeles de muchachita en suaves producciones muy al gusto de ese momento, obtuvo fama y ya en Universal, rodó «Mad about music». En 1938 recibió junto a Mickey Rooney, un Oscar de honor, por su significativa contribución a llevar a la pantalla el espíritu y la personificación de la juventud. Ya a los 25 años, figuraba como la mujer que más ganaba dólares en Hollywood, por detrás de Bette Davis, y su club de fanáticos era el más fuerte de los años cuarenta. Su última película fue «For the love of Mary», de Frederick De Cordova, en 1948. Ya a los 28 años se alejó de los estudios, al contraer nupcias con el director de cine francés Charles David, en su tercer matrimonio, con quien tuvo su segundo hijo, Peter H. David, desapareciendo del cinéma. Se afincó con su familia: hijos, nietos y bisnietos, en una casa en las cercanías de París, rechazando ofertas durante décadas y décadas para regresar a la gran pantalla.

FIGURA REPRESENTATIVA DEL CINEThat Certain Age, 1938. 2
Con el paso de la vida, Deanna Durbin se erigió en una figura representativa del cine de Hollywood. En 1983, el historiador de cine David Shipman realizó una rara entrevista de Durbin.
En la nota, ella afirmó firmemente su derecho a la privacidad y la mantuvo hasta el final de su vida, negándose -inclusive- a aparecer en los sitios web.
El 17 de abril de 2013, falleció a la edad de 91 años, en París, Francia. I'll Be Yours, 1947. 5
Deanna posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, dejando marcadas sus huellas y manos frente al propio teatro Chino de Grauman. El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine destacó a Durbin entre cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal Studios, 2008. Fue una actriz y cantante, que dejó su huella. Muchos la recuerdan en «Three smart girls», 1936, debido a su muy buen desempeño frente a las cámaras. Más allá de la nostalgia.

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GUSTAVO GUILLEN: PROTAGONISTA DE TELENOVELAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LARGA LISTA DE TITULOS

 

«La cuñada», «Sin marido», «Amándote», «Manuela», «Los Libonatti», «Micaela», «Perla negra», «Dulce Ana», «Los ángeles no lloran», «Ricos y famosos», «Mía sólo mía», «Muñeca brava», «Chiquititas», «Amor latino», «Primicias», «Luna salvaje», «099 Central», «1000 millones», «Abre tus ojos», «La niñera», «Floricienta», «Sálvame María», «Casados con hijos», «Collar de esmeraldas», «Tiempo de pensar», «Condicionados», «Solamente vos», «Somos familia», «Quiero vivir a tu lado», entre otros fueron los títulos de las novelas donde se paseo como galán, o más bien se desempeñó como muy buen actor.Con Paula Medici. 2

Sabía lo que hacía, tenía oficio. No fue un protagonista más en las tiras, sus encarnaciones eran comentadas por los mismos críticos en los diferentes medios, y el público que lo reconoció de la forma que era, un auténtico profesional, que adoraba su familia, su trabajo, y la música. Dentro de esos parámetros, y con altura se manejaba en lo suyo Gustavo Guillén, que lamentablemente debido a una larga enfermedad, dejó de existir el pasado jueves 28 de mayo, a los 57 años, en La Plata. Se fue por la puerta grande del movimiento artístico argentino.

1987: COCO MEDINA EN «LA CUÑADA»Gustavo Guillén. 1

Gustavo Guillén debutó en las novelas, en 1987, haciendo de Coco Medina en «La cuñada», teleteatro con María Valenzuela, Gustavo Garzón y Daniel Fanego, siendo éste comienzo siempre muy recordado por el actor, nacido el 30 de junio de 1962, en Buenos Aires, bajo el nombre de Gustavo Héctor Dasso. De adolescente, le gustaba observar las vidrieras comerciales de Lavalle, recrearse con las fotos y afiches de los artistas que estaban en las salas cinematográficas y hasta detenerse para probar algún instrumento musical en exhibición para una futura venta.

Junto a Millie Stegman

Junto a Millie Stegman

Con veinte años en su haber, en 1982, plena guerra de Malvinas, se sentía seguidor del rock argentino que en esos momentos vivía tiempos de renovación con Sumo, GIT, Virus, y Soda Stereo. Pero su destino estaba en otro lado, exactamente en la televisión, donde obtendría muy buenos dividendos dedicado a la actuación, que despegaría justamente cinco años más tarde.

UN FAMOSO EN SU SALSA

Llegaba el momento de «Casados con hijos» y Guillén también marcó época con su labor de Jorge «Krakatoa» Pérez. Convertido en un afamado boxeador, retando a Pepe a una pelea para vengarse de las maldades que Argento le había hecho en tiempos mozos. Y llegarían más títulos teleteatrales. A esa altura ya estaba disfrutando de ser un personaje conocido de la pantalla chica, un auténtico famoso en su salsa, que realmente iba a más. Siempre haciendo eso que sabía hacer, que le agradaba hacer. La actuación. En los últimos tiempos incursionó en teatro.

«Asesiname dulcemente», 2008, y «La lengua de los amantes», 2011, fueron algunas puestas que lo tuvieron como actor destacado. En 2007, la producción de Marcelo Tinelli en «Bailando por un sueño», lo convocó para participar junto a la uruguaya Abigail Pereira, quien entonces hacía su debut en el mundo de la televisión porteña. Guillén y Pereira se comprometieron con el baile, pero también con el sueño de una joven llamada Ayelén. Llegaron hasta las finales del evento y la popularidad de Guillén se elevó hasta lo más alto de toda su carrera.

SE HIZO ROCKEROCon Abigail Pereyra en Bailando por un sueño. 5

Paralelamente de ser galán televisivo en las décadas de los ochenta y los noventa, Gustavo Guillén, desde hace años incursionaba en una banda de música llamada Fuera de Peligro, en donde se desempeñaba en la percusión, tocando la batería, haciendo covers y con temas propios, logrando shows espaciados en vivo, haciéndolos cuando su profesión se lo permitía. «El momento» lleva por título su último álbum. El actor era padre de Valentino -17 años- de su primer matrimonio, y de Pedro -3 años- fruto de su relación con la bailarina Luciana Abelenda quien el año pasado lo denunció por violencia de género, a lo que él respondió con otra denuncia. Todos sus colegas, lamentaron profundamente su partida tan repentina. Dejó su mensaje de buena gente, de buen compañero. Gustavo Guillén será eternamente recordado. Más allá de la nostalgia.

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WILLIAM BENDIX: ROSTRO CONOCIDO DE HOLLYWOOD

juanjoalberti@hotmail.com www.losfavoritosdejuanjoalberti.blogspot.com

 

TEATRO, CINE, RADIO y TV

Fue un personaje de Hollywood, rodando películas y series, pero casi siempre haciendo de rudo, ganster, asaltante, o criminal, más que nada con cantidad de actuaciones de reparto, porque realizó solamente breves protagónicos en algunos filmes, nada más. Era uno de los llamados «malos» de las matinés, ya que en esa época dorada de la cinematografía aparecía su imagen en el celuloide de manera continuada. Llamado «el terror de la platea», ante su llegada los espectadores temblaban en sus butacas porque algo inusitado y fuerte seguramente ocurriría. Hizo teatro,cine, radio, y televisión. Pasta de muy buen actor, con identidad, y con oficio, nacido en Manhattan, Nueva York, el 14 de enero de 1906, y ya siendo un muchacho, en los años veinte, cuidaba los bates de beisbol del popular equipo New York Yankees.

William Bendix. Foto promocional de Paramount

William Bendix. Foto promocional de Paramount

Trabajó en una tienda, vendiendo de todo, y su debut en la pantalla grande le llegó en el año 1942. William Bendix se llamó, y la historia del buen cine hollywoodense lo tiene entre sus rostros más conocidos.

LE PUSIERON WILLIAM POR SU ABUELO

Bendix, llamado William en honor a su abuelo paterno que era alemán, fue único hijo de Hilda Carnell y Oscar Bendix. Su tío era compositor, director de orquesta y violinista: Max Bendix. Se inició como actor a los treinta años en el Teatro Federal de Nueva Jersey, en una obra que poco duró en cartel. Pero, inmediatamente llegaron otras y otras. Sumó experiencia en las tablas hasta que se acercó a los estudios del cinéma, para conformar algunas apariciones en el llamado «cine negro».

The Life of Riley, filme, 1949

The Life of Riley, filme, 1949

Eran papeles secundarios, pero bien encarnados, como por ejemplo «The glass key», 1942, con Alan Ladd, Brian Donlevy, y Verónica Lake en los papeles estelares. Luego de participar en «Lifeboat», 1944, de Alfred Hitchcok, sumaría popularidad y proseguiría con «The babe Ruth Story», 1948, como jugador de beisbol, y con «Yankee in King Arthur’s Court», 1949, haciendo de Sir Sagramore, cinta en la que trabajó junto a Bing Crosby, interviniendo en la interpretación de «Busy doing nothing», famoso tema de esa época. También fue Nick, el camarero, en la versión 1948, de la obra de William Saroyan «The time of your life», junto a James Cagney. Bendix actuó asimismo en la versión teatral, pero conformando otro papel.

A PUNTA DE REVOLVER

Bendix se hizo conocido en esos momentos por su actividad radial, haciendo de Chester A. Riley en «The life of Riley», entre 1944 y 1951. También tuvo el papel principal en la segunda versión tv de éste título, que salió en 1953 hasta 1958. En ese año, interpretó el protagónico de «The time element», escrito por Rod Serling. Se trataba de una aventura acerca de un hombre que viaja en el tiempo a Honolulú en 1941, intentando sin fortuna alertar sobre el inminente ataque a Pearl Harbor. Ya en 1959, participó en diferentes seriales, como invitado especial, destacándose en el capítulo 9 de la primera temporada de «Los Intocables», donde aparece a punta de revolver, enérgico, y a puro fuego.
Al año posterior, en 1960, Bendix protagonizó 17 episodios del serie western de la NBC, «Overland Trail», como Frederick Thomas «Fred» Kelly, superintendente de la Overland Stage Company. Doug McClure, más adelante Trampas, en la serie «El virginiano», era su coprotagonista.
En 1964, Bendix estaba con problemas de salud, así y todo hizo una comedia que interpretaron el propio Bendix y Martha Raye, pero ésta nunca se emitió.

SE FUE A LOS 58 AÑOS

Junto a Kirk Douglas, en Detective Story, 1951

Junto a Kirk Douglas, en Detective Story, 1951

Lamentablemente, William Bendix dejó de existir el 14 de diciembre de 1964, por complicaciones de salud, en Los Angeles, a los 58 años, como resultado de una enfermedad crónica del estómago que le provocó desnutrición y, en última instancia, neumonia lobular. Recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en el 6251 de Hollywood Boulevard, por su trabajo televisivo. En 1927, Bendix se casó con Theresa Stefanotti, con la cual tuvo dos hijos.
Hoy se le recuerda como una cara famosa de aquel Hollywood, inolvidable desde todo punto de vista.
Un actor de reparto, con muchas condiciones, con carpeta. William Bendix, fue un tremendo actor y no paso inadvertido. Más allá de la Nostalgia.

 

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SILVIA GOLDY LEGRAND: LA HERMANA GEMELA DE MIRTHA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

PÀRTIO RUMBO AL CIELO

Silvia Goldy Legrand

Silvia Goldy Legrand

Debutaron las dos juntas en el cine, fue en «Hay que educar a Niní», con la inefable Niní Marshall, en 1940, bajo la dirección de Luis César Amadori. Ellas cumplirían papeles como extras, pero por su buen hablar y desempeño, les dieron un mejor parlamento. Desde allí en más, ambas continuaron adelante en la pantalla grande argentina, pero con actuaciones más destacadas. En casa, de chicas, a una le pusieron «Goldy» por ser la más grande: Silvia, y a la otra «Chiquita», por ser la más pequeña: Mirtha. Muy pronto en el ambiente artístico porteño, se hablaría mucho de ellas. Después de «Hay que educar a Niní», llegarían fotos promocionales estampadas con sus nombres, páginas en periódicos, tapas de revistas, firma de autográfos en determinadas empresas comerciales con cientos de personas que las aclamaban, hasta que se acercaría la oportunidad de seguir rodando por los sets de aquellos tiempos. Las gemelas Mirtha y Silvia Legrand volverían a actuar juntas en «Novios para las muchachas». Mirtha y Silvia nacieron bajo los nombres de Rosa María Juana Martínez Suárez y María Aurelia Paula Martínez Suárez, respectivamente en Villa Cañás, General López, Provincia de Santa Fé, el 23 de febrero de 1927. Desde allí fueron generando su historia, que continuaría entre las luces y las cámaras del cine y la tv. Exactamente, el pasado 1o. de mayo de 2020, Silvia «Goldy» o María Aurelia, fue a la siesta diaria de la tarde y jamás despertó. Dejó de existir a los 93 años, en su residencia de Martínez, a causa de un infarto.

Goldy en acción

Goldy en acción

HIJAS DE UNA MAESTRA
El matrimonio español compuesto por Rosa Suárez y José Martínez son los padres de las gemelas Silvia y Mirtha. Tenían un hermano mayor, nacido en 1925, José Antonio Martínez Suárez, quien fue director de cine, desaparecido el pasado año 2019. El padre de origen andaluz era dueño de una librería en Villa Cañás, y su madre se desempeñó como maestra de la escuela de la zona. En 1934, la madre entendió que a las chicas les debía dar una mejor educación y partió junto a ellas a Rosario, a 200 km de donde estaban, mientras que Don José se quedó atendiendo su librería en el pueblo. Ya en Rosario, Silvia y Mirtha además de perfeccionarse en estudiar, tomaron cursos infantiles en Teatro Municipal. En 1936, al morir su padre cuando tenía 37 años, la madre se traslada con sus tres hijos al barrio de La Paternal, de Buenos Aires. En la capital, María Aurelia y Rosa María siguen sus pasos artísticos, asistiendo a la academia PAADI y al Conservatorio Nacional de Arte Escénico. En 1940, ya tendrían ambas su primera aparición en la película de Niní Marshall. Así, repentinamente iniciarían su escalera a la fama.

Las gemelas Silvia y Mirtha

Las gemelas Silvia y Mirtha

LA CARRERA DE SILVIA
Silvia «Goldy» Legrand rodó en total 16 filmes: “Hay que educar a Niní”, “La casa de los cuervos”, “El más infeliz del pueblo”, junto a Luis Sandrini,“Un nuevo amanecer”, “Soñar no cuesta nada”, “Claro de luna”, “El tercer beso”, “Su hermana menor”, “Siete mujeres”, “El juego del amor y del azar”, “Campo arado”, “El bote, el río y la gente”, “Los acusados” y “Bajo un mismo rostro”. Tras un paréntesis que realizó entre 1944 y 1959 para casarse y criar a sus hijas, retornó para la etapa más madura de su carrera, que le valió algunas distinciones como actriz dramática.
En teatro se lució especialmente en “Flor de cactus” y “Blum”, que subió a escena en 1963. En la tele también actuó en variados ciclos, los más destacados “Silvia X de X”, “Caer en la tentación”, “Carola y Carolina, las hermanas viceversa”, “Sol, mar y Silvia”, “Silvia muere mañana”, “La mujer y el héroe”, “Alta comedia”, “JC”, “Su comedia favorita” y “El Robot”, junto a Narciso Ibáñez Menta, además de una participación en “Viendo a Biondi”, en 1964. Su última labor en cine fue en “Juan Manuel de Rosas”, en 1972, donde encarnó a Mariquita Sánchez de Thompson, al lado de Rodolfo Bebán. Su despedida definitiva de la actuación fue con varios episodios de “Alta comedia”, que se grabaron y emitieron entre 1973 y 1974, con Ana Emanuelli y Alejandro Staropoli.

EL CLUB DE LA AMISTAD

Silvia, a la derecha, y sus dos hermanos

Silvia, a la derecha, y sus dos hermanos

Silvia también hizo radio y fue junto a su hermana Mirtha. El programa se llamó «El club de la amistad», fue en 1941, y se realizaba en vivo y en directo desde la fonoplatea de Radio Splendid, una vez a la semana, acercando muchísimo público a sus estudios, luego de varias cuadras de cola.
En 1944, Goldy se casó con Eduardo Lópina, coronel del ejército, teniendo con él dos hijas, Gloria y Mónica. Su vida matrimonial fue realmente reservada, hasta que en el año 2005 falleció su esposo, en San Isidro.
Tenía una estrecha relación con su hermana Mirtha, a quien veía, y hablaba con ella por teléfono hasta tres o cuatro veces por día, y con su hermano José Antonio también, hasta la ida de éste.
Era una persona querida por sus amigas, y por el público de sus tiempos.
De un hablar simpático, de más palabras que Mirtha, dejó su imagen registrada en la pantalla grande de la vecina orilla. Se fue sin avisar. Más allá de la nostalgia.

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YVONNE CRAIG: BATICHICA, LA PRIMERA HEROINA ENMASCARADA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DEL BALLET A LA ACTUACI ÓN

Yvonne Craig, The young land, 1959.

Yvonne Craig, The young land, 1959.

La descubrió Alexandra Danilova, quien la invitó a unirse al «Ballet Ruso», cuando tenía 16 jovenes años, estando de gira con ésta popular compañía durante tres temporadas. Fue el miembro más joven de ese cuerpo de ballet. Aprendió lo mejor de la danza y la presentó sobre los escenarios de Estados Unidos y casi toda Europa, sin embargo paralelamente estaba estudiando actuación, aguardando una oportunidad que de alguna manera le cambiara su vida social y económica. Según contó ella misma «Una vez estaba cenando en un restaurante de Hollywood con un caballero, cuando se acercó a nuestra mesa Patrick Ford -hijo del director John Ford- y me preguntó a boca de jarro: ¿Sos actriz? Yo, con la boca llena, no podía responderle, y la persona que estaba conmigo en el acto le contestò.. Sí, soy su manager!.. Así empezó todo de una manera muy inesperada, realmente» Sin pensarlo, abandonó el ballet y comenzó a estudiar el libreto de «The young land», una película de vaqueros de bajo presupuesto, junto a Patrick Wayne, Dennis Hopper, y Dan O’Herlihy, ambientada en California 1848, en una realización de Columbia Pictures, que se estrenaría en 1959. Pero, su mayor momento de gloria, no fue en el cine, sino en la televisión, haciéndose ahí muy popular. Se llamó Yvonne Craig, y fue la primera heroína enmascarada: Batichica.

A TODA POTENCIA y ENERGIA

Junto a Elvis

Junto a Elvis

Yvonne Joyce Craig naciò en Taylorville, Illinois, Estados Unidos, el 16 de mayo de 1937, y se criò en Columbus, Ohio. Su familia se trasladó al vecindario de Oak Cliff en Dallas, Texas, donde asistió a WH Adamson High School, y luego a Sunset High School, colegio éste último donde no se pudo graduar debido a su pobre educación física. Así, y todo la fue llevando adelante, mediante ejercicios que practicaba en su casa con un profesor, evolucionando paulatinamente hasta llegar a recuperarse totalmente, con potencia y energía. Desbordando contundencia le llega lo del ofrecimiento del ballet y lo aprovecha con creces. Practicamente sin querer aparece en «The young land», y de ahí en adelante abundante tv como invitada: «Perry Mason», «Mr. Lucky», «Laramie», y otras. Cada vez más productores la observan en su desempeño, y se avecinan más protagónicos en diferentes largometrajes.

COMEDIAS, WESTERNS, DRAMAS

En las playas de California

En las playas de California

«The Gene Krupa Story», película biográfica con la historia del baterista Gene Krupa, centrandose en el ascenso a la fama de Krupa y su vida personal consumiendo drogas. Siendo los protagónicos: Sal Mineo como Gene Krupa, Susan Kohner encarnando a Ethel Maguire, James Darren como Eddie Sirota, Susan Oliver personificando a Dorissa Dinell, y la propia Yvonne Craig como Gloria Corregio. «Gidget», una historia de la llamada «beach generation», «High time», con Bing Crosby, livianita comedia dirigida por Blake Edwards, «Seven women from Hell», un drama de guerra, dirigido por Robert D. Webb, y estelarizado por Patricia Owens, Denise Darcel, Yvonne Craig, Margia Dean y César Romero, con argumento basado en un campo de concentración para mujeres de la Segunda Guerra Mundial, internadas junto a otros prisioneros. En «The long road back», 1962, cinta especial, de la serie «Laramie», y varias con Elvis Presley.

BATICHICA, EL PAPEL INDICADO

Batgirl

Batgirl

Entre algunos ofrecimientos llegó a Yvonne la posibilidad de convertirse en Batichica -Batgirl- junto a Batman, en su serie televisión ABC. De pleno aceptó, y desde septiembre de 1967 hasta marzo de 1968, se convirtió en su papel más acertado. Como Batichica, llevaba un atuendo amarillo que brillaba, montando en una super motocicleta con encajes blancos. El personaje marcó una época siendo reconocido en todo el mundo. Gracias a él, hizo shows, giras y hasta grabó discos.
Después de Batman, continuó actuando esporádicamente en seriales del estilo de «Kentucky Jones», «It takes a thief», «The Mod Squad», «The Six Million Dollar Man» y «Emergency!», y aparece en el documental «Ballets Russes». Yvonne al terminar su carrera en Hollywood se dedicó a los negocios inmobiliarios, donde no le fue demasiado bien.
Dejó de existir el 17 de agosto de 2015, a los 78 años de edad en Pacific Palisades, luego de una complicación de cáncer de seno. Más allá de la nostalgia.

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SHEENA EASTON: LA ESTRELLA DEL POP

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

NOSTALGIAS POR DOQUIER

Sheena durante una presentación

Sheena durante una presentación

 

La carrera discográfica de Sheena Easton nace con el lanzamiento de sus dos primeros simples: «Modern gilr», y «9 to 5», los cuales entraron con muchísima fuerza en la pizarra de éxitos del Reino Unido, y más tarde sería punta del Hot 100 USA Billboard, haciendo historia al respecto siendo la tercera cantante de Inglaterra en lograrlo, después de Petula Clark y Lulú, convirtiéndola en una de las solistas británicas más populares de los ochenta, llamándola «La estrella del pop». Sus comienzos juveniles fueron en un show tv anglo, «The big time pop singer», donde varios productores captaron de inmediato sus condiciones, y la presentaron en EMI Records, donde firma su contrato para el registro y edición de sencillos y álbumes. En el momento de incorporarse a la grabadora cambia su nombre de Sheena Shirley Orr -como se llama realmente- por el de Sheena Easton, apellido éste tomado de su primer marido, con quien se casó a los 19 años: Sandi Easton. Así, con el paso de las décadas, Sheena se transforma en una referente de la música, logrando nostalgias por doquier.

Con Don Johnson, 1987

Con Don Johnson, 1987

HOY CUMPLE 61 AÑOS

Un día como el de hoy, 27 de abril, pero de 1959, veía la luz Sheena, en Bellshill, North Lanarkshire, Escocia. Es la menor de seis hijos de Annie y Alex Orr. Tiene tres hermanas: Marilyn, Anessa y Morag, y dos hermanos: Robert y Alex. En momentos que está cumpliendo sus 61 años, comentó horas pasadas en familia que a la edad de cinco entonó «Early one morning» siendo inolvidable para sus tíos, en la celebración de los 25 años de casados de la pareja. El padre de Sheena, Alex, falleció en 1969, y su madre Annie tuvo que salir a trabajar para mantener a sus hijos. Llevó adelante su casa y su gente, y dió todo para enseñarles a sus herederos como debían desarrollarse en la vida. Pero, en realidad la joven no consideró una carrera como cantante hasta que vió el filme «The way we were», con Barbra Streisand. El tema de Streisand en el inicio de la película eclipsó a Sheena de tal manera que quedó convencida de que lo que más deseaba era convertirse en una intérprete y lograr el cariño del gran público.

«MIAMI VICE» JUNTO A DON JOHNSON

Logra una beca para concurrir a Royal Scottish Academy of Music and Drama, donde se forma a partir de 1975 hasta 1979, como profesora teatral durante el día, mientras por las noches canta en la banda Something Else, en clubes de la zona. En 1979, se casa con Sandi Easton, el primero de sus cuatro esposos. Se divorciaron después de ocho meses, y Sheena decide mantener el apellido Easton, por siempre. Muy pronto llegaría su debut en la pantalla chica y en la multinacional EMI Records, con la edición de varios simples y su primer álbum. Durante 1980, Easton es votada «Mejor cantante femenina británica» por Daily Mirror Pop & Rock, «Mejor debut» por Capital Radio y «Mejor cantante femenina», por TV TImes Readers.

En show con Kenny Rogers.

En show con Kenny Rogers.

El repertorio de su extensa carrera si bien es en inglés, ha registrado impactantes versiones en español de sus sucesos.
Graba y realiza shows en vivo junto a figuras de la talla de Prince, Kenny Rogers, Barry Manilow, Al Jarreau, Luis Miguel y Dyango, y coloca para la saga de James Bond, el hit «For your eyes only», canción nominada para un premio de la Academia y un Globo de Oro en 1982, en el rubro «Mejor música, canción original». Y en la actividad como actriz se destaca un papel especial en la serie «Miami Vice», encarnando a la esposa del protagonista, Don Johnson, y además incursiones en la comedia musical «El Hombre de la Mancha».

Sheena logra impactar en Estados Unidos, logrando un Grammy a «La Mejor artista nueva», en 1981, adquiriendo la doble ciudadanía británica-estadounidense.

CUATRO CASAMIENTOS, DOS HIJOS ADOPTIVOS

Se casó primero con Sandi Easton. Su segundo matrimonio ocurrió en 1984 con Rob Light, un agente y manager de artistas. La unión finalizó luego de 18 meses de convivencia.
En 1994 adoptó a su primer hijo, Jake Rion Cousins Easton. Dos años más tarde, adoptó nuevamente, ésta vez una niña llamada Skylar.
En el verano de 1997, conoció al productor Tim Delarm mientras rodaba un episodio de «Canon photo safari», por ESPN, en el Parque Nacional de Yellowstone, casándose con él en Las Vegas, en julio de 1997. En éste caso también duró poco: un año.

En el casamiento con John Minoli, su último marido

En el casamiento con John Minoli, su último marido

El 9 de noviembre de 2002 contrajó nupcias con John Minoli, un cirujano plástico de Beverly Hills; se divorciaron en el año 2003. Sheena Easton hoy vive en Henderson, Nevada, y realiza giras cuando la contratan. Más allá de la nostalgia.

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LOS COWBOYS DORADOS DE LA TELE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

PIONEROS EN SU RUBRO

En la que se llamó la era de oro de la televisión, a fines de los años cuarenta, comenzaron a aparecer en la caja mágica las series del lejano oeste, y por consiguiente los primeros vaqueros. Llevaban puro entretenimiento a los televidentes, y marcaron la historia en la pantalla chica. Así, fueron creados personajes de antología, al estilo de «El Llanero Solitario», «El Cisco Kid», «Kit Carson», «Roy Rogers» o el intrépido «Hopalong Cassidy». Claro, que llegarían muchos más con el correr del tiempo, pero éstos fueron los primeros en arribar en blanco y negro, lejanos en el tiempo. Pioneros en su rubro, agrupaban a las familias alrededor de la mesa para compartir cada tarde emocionantes aventuras. Ya sea corriendo a los cuatreros montados en sus caballos, luchando contra los indios, peleando a puño cerrado en el saloon, o ayudando a alguien necesitado. Fueron los cowboys dorados de la tele.

Kit Carson, 1951-1955

Kit Carson, 1951-1955

«¡HI-YO, SILVER!
«The Lone Ranger» -»El Llanero Solitario»- fue la primera serie de cowboys en aparecer en tv. Desde 1949 hasta 1957 se mantuvo en grilla, durante cinco temporadas, con 221 episodios. Un personaje ficticio creado por el escritor Fran Striker, recorriendo Estados Unidos, enmascarado, encarnado primero por Paul Halliwell, en busca de la justicia junto a su inseparable amigo indio Toro. Se haría super famosa la frase de «El Llanero Solitario», cuando montado en su caballo blanco Plata, cabalgaba hacia el futuro gritando «¡Hi-yo, Silver!» -o sea «¡Arre, Plata!»… La primera aparición del personaje fue en 1933, en un programa de radio estadounidense que permaneció mucho tiempo en el aire, creado por el productor George W. Trendle. «Un brioso caballo veloz como la luz, una nube de polvo y el grito «Hi-Yo Silver!» es El Llanero Solitario»… decía el presentador en off en el comienzo de la serial. Con su compañero Toro, el hombre audaz e ingenioso con antifaz de las llanuras llevó la lucha por la ley y el orden en el salvaje oeste.

En la producción televisiva se lucen Clayton Moore como «El Llanero Solitario» y Jay Silverheels haciendo de Toro.

«EL CISCO KID»: PRIMERA SERIE EN COLOR

El Cisco Kid, 1950-1956

El Cisco Kid, 1950-1956

Durante veinticinco minutos de duración aparecía «El Cisco Kid», en una serie estelarizada por Duncan Renaldo y Leo Carrillo, haciendo de Cisco Kid y Pancho, respectivamente. Eran salvadores de los pobres, de esos que estaban en problemas que no podían resolver. Fue la primera serie de televisión en ser rodada en colores, aunque muy pocos espectadores la vieron así en su momento, hasta décadas después. Desde 1950 a 1956 se mantuvo en programación, durante seis temporadas, filmando 156 episodios. Escrita por O. Henry, J. Benton Cheney y Barry Cohon, dirigida por Paul Landres, fue una tira referente de la pantalla chica de todos los tiempos. «El Cisco Kid» fue nominada en 1953 con una distinción Emmy por la programación infantil. Para 1955 era la serie de televisión más popular entre los niños estadounidenses. Fue producida a partir de 1949 y fue rodada por ZIV Productios en Rancho Ray Corrigan en Simi Valley, California, y en otros lugares del suroeste de los Estados Unidos.

LAS AVENTURAS DE KIT CARSON

El llanero solitario, 1949-1957

El llanero solitario, 1949-1957

«Las aventuras de Kit Carson», fue una serie que se emitió desde agosto de 1951 hasta noviembre de 1955, patrocinada por Coca-Cola, protagonizada por Bill Williams en el papel principal como el explorador fronterizo Christopher «KIt» Carson, y de Don Diamond como «El Toro», el compañero mexicano de Carson. Duró cuatro temporadas, con un total de 103 episodios, con un gran suceso de teleaudiencia. También en 1951 aparecería al aire Roy Rogers, cantante y actor estadounidense, que a través de su tira mantenía latente el interés del público en estas producciones del oeste. «The Roy Rogers Show» se mantuvo hasta 1957 presentando una buena trama en sus episodios. A Roy Rogers lo llamaron «El rey de los cowboys». Por último «Hopalong Cassidy», un verdadero héroe, creado en 1904 por Clarence E. Mulford, aparecía en una serie de relatos y novelas populares. «Hopalong Cassidy» ya había logrado cautivar a los espectadores en los cines con largometrajes; tal es así que los estudios trabajaron con sus películas para armar una serie televisiva, que logró impactar. No había tiempo para perder, el éxito estaba a la vuelta de la esquina. Más allá de la nostalgia.

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LAS PELICULAS DE CANTINFLAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CLASICOS DELCINE DE OROMario Moreno, Cantinflas. 1

Es increíble que después de tanto tiempo -décadas enteras- sus cintas se mantienen con gran vigencia en televisión. Desde Galavisión, De Película, pasando por Volver, el propio Canal de las Estrellas, o Canal 10, de la capital, que hace poco las tenía en la grilla, el gran actor continúa marcando presencia a través de las obras que rodaba en los estudios Posa Films Internacional, que a propósito fueron creados especialmente para el armado de sus lucrativas producciones. Cantinflas hace añares que entró en la historia de los clásicos del cine de oro, hoy todas sus películas están maravillosamente digitalizadas y en forma de DVD se comercializan en infinidad de mercados: México, España, Francia, Estados Unidos, y América Latina toda. Sus ocurrencias, su forma de hablar, su arte de «Cantinflear», su exagerado y contagiante baile, su mensaje, perduran, y ni por asomo se vislumbra que pasarán de moda. Luminaria indiscutida en el mundo del cinéma, Mario Moreno, comenzó bien de abajo, integrando un hogar de gente humilde, siendo hijo de una ama de casa y de un simple trabajador del correo. Proponiéndose una meta, teniendo condiciones, de mucha constancia, la suerte y el destino quiso que se convirtiera en estrella, interpretando casi todos los oficios: albañil, barrendero, boticario, polícia, bombero, zapatero, fotógrafo, cartero, ascensorista, mago, piloto, peluquero, lustrabotas, portero, abogado, sacerdote, profesor, político, médico, todos personificados con su inconfundible personalidad ingeniosa, extrovertido y elocuente. Cantinflas es un ícono de México.Ahi está el detalle, 1940. 2

FUERON CATORCE LOS HIJOS

El nombre real de Cantinflas es Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes, siendo el sexto de los catorce hijos de María de la Soledad Reyes Guizar y Pedro Moreno Esquivel, que tenían su hogar en Santa María la Redonda, en las cercanías del barrio de Tepito. Mario trabajó en distintos lugares desde chico, alistándose en el ejército cuando tenía 16 años. El 27 de octubre de 1934, contrajo enlace con Valentina Ivanova Zuvareff, él tenía 23 años y estuvieron juntos hasta el fallecimiento de ella, en 1966. Debido a la imposibilidad de la pareja de tener hijos, en 1962, adoptaron a Mario Arturo Moreno Ivanova. Su bis humorística lo acercó a los circos, allí donde nace el nombre fantasía de Cantinflas, llegando luego al teatro y al cine, haciendo su debut en 1936 en «No te engañes corazón», cinta que pasó bastante desapercibida. Cuatro años más tarde, en 1940, se convierte en personaje popular despegando con todo filmando «Ahí está el detalle», que además era una frase bocadillo habitual del comediante en aquel momento. «Ahí está el detalle» lo marca a lo largo de su carrera, siendo considerada una de las diez más grandes producciones del cine mexicano.Caballero a la medida, 1954. 3
CASI 50 LARGO-METRAJES

Las décadas del cuarenta y del cincuenta serían las óptimas para Cantinflas. 1941, dos películas: «El gendarme desconocido», y «Ni sangre ni arena», logrando una notable taquilla. 1942, «Los tres mosqueteros», 1943, dos cintas: «El circo», y «Romeo y Julieta», 1944, «Gran Hotel», 1945, «Un día con el diablo». Ya en 1946, firma contrato con Columbia Pictures, rodando ese mismo año «Soy un prófugo», 1947, «¡A volar joven!», 1948, «El Supersabio», 1949, «El mago», 1950, «El portero», 1951, «El siete machos», 1952, dos: «El bombero atómico», y «Si yo fuera diputado…», 1953, «El Sr. fotográfo», 1954, «Caballero a la medida», 1955, «Abajo el telón», 1956, «La vuelta al mundo en ochenta días», hablada en inglés, producción norteamericana, haciendo de Passepartout, con el cual obtiene la distinción Golden Globe al mejor actor, 1957, «El bolero de Raquel», 1958, «Ama a tu prójimo», 1959, «Sube y baja», 1960, «Pepe», en inglés, coproducción con Estados Unidos, 1961, «El analfabeto», 1962, «El extra», y en 1963, «Entrega inmediata», la última producción que realizaría en blanco y negro, habiendo realizado hasta ese momento seis en colores.Su excelencia, 1967. 5

EL COMICO MEJOR PAGADO DEL MUNDO

Considerado el cómico mejor pagado del mundo, proseguiría en 1964, con «El padrecito», 1965, «El Sr. doctor», 1966, «Su excelencia», 1968, «Por mis pistolas», 1969, «Un Quijote sin mancha», 1971, «El profe», 1973, dos: «Don Quijote cabalga de nuevo», coproducción española, y «Conserje en condominio», 1975, «El ministro y yo», 1978, «El patrullero 777», y 1982, «El barrendero», lo cual sería su última película.
Los filmes de Cantinflas, hasta la fecha le siguen generando ganancias a Columbia Pictures. La propia Columbia informó un aproximado de 5 millones de dólares generado por las ganancias de la distribución en otros países. Eduardo Moreno Laparade, sobrino del actor mexicano, quedó como beneficiario único de los derechos de autor de 39 de sus películas. Mario Moreno, dejó de existir el 20 de abril de 1993, tras haber sufrido un infarto al corazón; miles de personas se reunieron en un día lluvioso para su funeral, un evento que duró tres días.
Más allá de los escenarios fue una persona culta y reservada, que deseaba el perfeccionismo en sus encarnaciones.
Dedicó su vida a ayudar a los demás a través de la caridad y de varias organizaciones de beneficiencia, sobre todo las de ayuda a la infancia.
Su cinta favorita fue «Su excelencia», el representante de la República de los Cocos.
Una vez apareció en Montevideo, para promover una de sus reideras películas.

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PROTAGONISTAS DEL AUDITORIO y DE LA PANTALLA

Una nota exclusiva de
JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo

SOSTENIDOS A FUEGO

Dentro de las grandes situaciones que han marcado nuestra existencia se encuentran recuerdos imborrables de la radio, el cine y la televisión. Protagonistas del auditorio y de la pantalla, con momentos desopilantes, tiernos, emocionantes, entre otros, que sostenidos a fuego se acercaron a nuestros corazones para luego quedarse ahí eternamente. Fueron instantes gratísimos que vivimos todos y que de alguna manera siempre los tenemos presente y los invocamos en forma de anécdota de vez en cuando en reunión de amigos o donde sea. Es que las situaciones podrán variar según el gusto del consumidor, pero la remembranza no. Por ejemplo: Aquellas «Noticias que eran… cantadas!…»

DE LOS CONTENIDOS DE «PLOP»

Las noticias cantadas haciendo historia

Las noticias cantadas haciendo historia

Aparecieron con fuerza a partir del año 1987, en «Plop», pero ya habían estado antes en «Telecataplum», junto al fantástico elenco de humoristas uruguayos que triunfaron en su propio país, Argentina, Chile y otros países de América: D’Angelo, Almada, Frade, Espalter, Carámbula, Soto, Redondo. En «Plop» con otros nombres se hicieron ver y sentir a través de Canal 12, Televisora Larrañaga, los viernes a la noche. Se trataba de un coro armado con la mayoría de los componentes del espacio: Laura Sánchez, Hugo Giachino, Pepe Vázquez, Imilce Viñas, Jorge Denevi, Silvia Novarese, Diego Delgrossi, Ángel Armagno, Mary da Cuña, Francisco Nápoli, Susana Sellanes, Franklin Rodríguez, y Roberto Jones, bajo letras de Jorge Scheck y Andrés Tulipano, y los arreglos musicales del maestro Raúl Medina. Se trataba de poner humor del bueno al cantar las noticias de actualidad, segmento al cual le pusieron «Noticias cantadas», haciéndolo uno de los puntos más altos de esa producción. Ello quedó grabado en nuestra retina.

EL CASAMIENTO DEL SUPERAGENTE 86 CON LA 99

El Superagente 86 con la 99, en su casamiento

El Superagente 86 con la 99, en su casamiento

Parodiando a James Bond, en pleno furor, apareció en la tele un Superagente, era Maxwell Smart, «temible operario del recontra espionaje», estelarizado por Don Adams, quien en la intro de su serie, con la música presentación de por medio, se mostraba de traje y moña, estacionando su flamante convertible, para luego introducirse en un largo corredor, bajar unas escaleras, hasta llegar a una cabina telefónica. Te acordas? En la tira también era protagonista la tan bonita actriz Bárbara Feldon, compañera de Max en su lucha contra los espías de turno, como la agente 99; ambos trabajaban para Control, una supuesta institución secreta del gobierno de Estados Unidos. En «Superagente 86», que dicho sea de paso, obtuvo siete Premios Emmy, y fue nominado para otros catorce, y para dos Globos de Oro, la pareja de Max y «la 99» se hicieron muy populares con el transcurso de la tira. Allí es donde los guionistas se inspiran gastando la máquina de escribir -no existían las pc- y escriben el casamiento de los agentes. En el medio de las grandes torpezas de Smart y estando los dos en peligro, le dice a su compañera «Si zafamos de ésta, 99, nos casamos!…» El asunto es que salieron de la contingencia, y en el próximo capítulo en medio de situaciones disparatadas, contrajeron enlace, quedando registrado en uno de los mejores momentos de ésta producción que proporcionó situaciones muy hilarantes. El hecho fue muy comentado por los espectadores en el mundo entero.

DOÑA FULGENCIA y FORTUNATO

En 1946 Mirtha Legrand anunciaba  que se retiraba del mundo artístico

En 1946 Mirtha Legrand anunciaba
que se retiraba del mundo artístico

Exactamente en el año 1942, Olinda Bozán y Luis Sandrini se encuentran en una película blanco y negro que batió récords de taquilla en los cines rioplatenses: «La casa de los millones», dirigida por Luis Bayón Herrera, según su propio guión sobre argumento de Oscar Luis Massa, que se estrenara el 18 de noviembre de ese año. Además de Bozan y Sandrini, estaba el actor Héctor Quintanilla, haciendo de Don Aquiles, mayordomo en la casa de la millonaria. La cinta tiene momentos espectaculares de comicidad, reiterando actuaciones la pareja central, y el propio Quintanilla, dos años más tarde en otro largometraje del género humorístico, de excepción para esos tiempos, «La danza de la fortuna», también dirigida por Luis Bayón Herrera, haciendo su debut cinematográfico Lolita Torres. Ambas producciones repletos de gags fantasiosos y super cómicos, registran lo bien que se llevaban ante las cámara y fuera de ellas, Bozán y Sandrini, dejando escenas que estarán siempre en nuestra memoria. Luego de éstos filmes Olinda y Luis, se encontraron muy pocas veces. Más adelante en el tiempo, festejarían un aniversario de dichas películas, que quedaría plasmado en varias instantáneas.

¿SE RETIRABA MIRTHA LEGRAND?

Olinda Bozán y Luis Sandrini, una de  las grandes parejas del cine argentino

Olinda Bozán y Luis Sandrini, una de
las grandes parejas del cine argentino

Según una revista artística argentina del año 1946, Mirtha Legrand confesaba que se retiraría de las actividades artísticas?… Algo que fue reiterando practicamente en todos los años entrantes hasta la fecha, pero jamás se dió. Pero, bueno para beneplácito de sus seguidores, siempre siguió hasta hoy en día, que es suplantada en su mesa de sábado y domingo, por su propia nieta Juana Viale, por motivos de la pandemia. Esta página también la tenemos en nuestro recuerdo. Más allá de la nostalgia.

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DANA ANDREWS: ASTRO DEL CINE y LA TELE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN ROSTRO CONOCIDO EN LA PANTALLA

Recordado por sus papeles trascendentes como teniente de polícia en el largometraje «Laura», de 1944, y como el veterano de guerra Fred Derry en «The best years of our lives», 1946, siendo ésta última la encarnación por la que recibió los mejores elogios de todos los públicos, pero hubo mucho más en su currÍculum en el cine y también en la televisión. Muchos papeles bien llevados adelante, lo hicieron un rostro sumamente conocido de las diferentes pantallas.

Dana Andrews

Dana Andrews

Nueve años más tarde de llegar a Los Angeles se le ofreció su primer papel en el filme «Lucky Cisco Kid», en 1940, en 20th Century Fox. Continuaría con «Kit Carson», y «The westerner», ambas de 1940, y ésta úlima con la presencia de Gary Cooper, como figura central. Inmediatamente, rodó «Tobacco road», dirigida por John Ford, «Belle starr», con Gene Tierney, y «Swamp water», todas de producción 1941, ésta última dirigida por Jean Renoir. Cerró el año 1941 con «Ball of fire», nuevamente junto a Gary Cooper, donde interpretó a un gángster. Se llamó Dana Andrews, astro del cine y la tele.

EN UNA GRANJA EN EL SUR DE MISSISSIPPI

Dana Andrews llegó a éste mundo en una granja cerca de Collins, en el sur de Mississippi, en el condado de Covington, bajo el nombre de Carver Dana Andrews, el 1o. de enero de 1909. Es el tercero de trece hijos de Annis Speed y Charles Forrest Andrews, un ministro bautista. La familia en pleno se mudó posteriormente a Huntsville, en el condado de Walker, Texas, lugar de nacimiento de sus hermanos menores, incluído el futuro actor de Hollywood, Steve Forrest. Dana asistió a la Universidad Estatal Sam Houston en Huntsville, estudiando administración de empresas en Houston. Durante 1931, se trasladó a Los Angeles, California, para buscar oportunidades como cantante. Trabajó en diferentes funciones, como estar en una estación de servicio en la comunidad cercana de Van Nuys.

REGRESO A FOX

Regresando a Fox, Andrews recibió su primer papel principal en el filme «Berlín corresponsal»,1942. Fue coprotagonista en «Crash dive», 1943, y luego apareció en la adaptación cinematográfica de 1943 de «The ox-bow incident» con Henry Fonda, en un papel a menudo citado como uno de sus importantes realizaciones. De vuelta en Fox, Andrews recibió su primer papel principal, en la película B de «Berlín Corresponsal», 1942.

Junto a Virginia Mayo, The best years of our lives, 1946

Junto a Virginia Mayo, The best years of our lives, 1946

Fue segundo protagonista de Tyrone Power en «Crash Dive», «1943, y luego apareció en la adaptación cinematográfica de 1943 de «The Ox-Bow Incident» con Henry Fonda , en un papel a menudo citado como uno de sus mejores en el que interpretó a una víctima de linchamiento. En ese mismo año, 1943, regresó con «The North Star», en 1943, dirigida por Lewis Milestone. Trabajó en un especial película, «The movie», 1943, luego llegaba con»Up in arms», 1944, apoyando a Danny Kaye, «The purple heart», 1944), luego estuvo en «Wing and a prayer», 1944, para Henry Hathaway.

UN EXCELENTE VAQUERO

Al toque, coapareció con Jeanne Crain en el filme «State fair», 1945, y «Fallen angel», también del mismo año. Andrews hizo una película de guerra con Milestone, «A walk in the sun», 1945, y «Canyon Passage», 1946. Dana regresaría con «The north star», 1946, dirigida por Lewis Milestone, y también en el mismo año, «The movie». «The purple heart», y «Up in arms», apoyando a Danny Kaye, en un papel magistral, realmente. Dana contrajo enlace con Janet Murray el 31 de diciembre de 1932. Murray dejó de existir en 1935 como consecuencia de una neumonia. Su hijo, David -1933-1964- fue un músico y compositor que falleció de una hemorragia cerebral. El 17 de noviembre de 1939, Andrews se casó con la actriz Mary Todd, con quien tuvo tres hijos: Katharine, Stephen y Susan. Durante dos décadas, la familia vivió en lago Toluca, California. En los últimos años de su vida, Andrews padeció la enfermedad de Alzheimer. Pasó sus últimos años viviendo en el John Douglas French Center for Alzheimer’s Disease en Los Alamitos, California. El 17 de diciembre de 1992, 15 días antes de cumplir sus 84 años, Dana Andrews murió de insuficiencia cardíaca congestiva y neumonía. Su esposa se fue en 2003 a la edad de 86 años. Más allá de la nostalgia.

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UGO TOGNAZZI: EL ETERNO COMEDIANTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CON PELICULAS DESNIVELANTES

Fue uno de los gigantes de la pantalla grande de Italia. Poseedor de un particular talento para desempeñarse, actuar y hacer reír más que nada, sin dejar para nada de lado el género dramático. Hizo un montón de películas, que le dieron un título reconocido por todos los públicos hasta hoy en día: el eterno comediante. Al lado de Vittorio Gassman, Marcello Matroianni, Alberto Sordi, Vittorio De Sica, Nino Manfredi, se encuentra su nombre en las marquesinas del cine de ayer y de hoy. Verdadero acaparador de horas de estrenos, continuados y matinés, Ugo Tognazzi, es la imagen cinematográfica de las salas con aroma a celuloide. Con películas desnivelantes: «El magnífico cornudo», 1964, junto a Claudia Cardinale, «Satyricon», 1969, «Pato a la naranja», 1974, y «La jaula de las locas», 1978, filme de taquilla, siendo hasta 1998, el mayor vendedor de entradas en Estados Unidos, como producción de película en otro idioma. Así, con sus encarnaciones, crece de menor a mayor, hasta llegar hasta el lugar más alto, el éxito, y la fama continuada.

Ugo Tognazzi

Ugo Tognazzi

LA PASION POR EL ESPECTACULO

Ugo Tognazzi nació bajo el nombre de Ottavio Ugo Tognazzi, en Cremona, Lombardia, Italia, el 23 de marzo, de 1922. A causa de la profesión del padre, que era inspector de una compañía de seguros, pasó la mayoría de los años de su infancia en varias ciudades de Italia para volver más tarde, en 1936, a su lugar natal Cremona, donde con catorce años, encontró trabajo en Negroni, reconocida fábrica productora de embutidos.
En el tiempo libre, actuaba en una compañía de teatro anexa a la empresa, destinada a las horas posteriores al trabajo de los operarios -su debut teatral ya había ocurrido, cuando tenía sólo cuatro años, en el teatro Donizetti de Bérgamo- Durante la segunda guerra mundial fue llamado al ejército y se dedicó con empeño a organizar espectáculos de variedades para sus compañeros de armas. Después del armisticio del 8 de septiembre retornó a Cremona donde se desempeñó como archivista. La pasión por el espectáculo, sin embargo, lo llevó a abandonar el trabajo y trasladarse, en 1945, a Milán. Aquí participó en una velada para aficionados en el Teatro Puccini tras la cual fue contratado en la compañía teatral de Wanda Osiris.

UN PILAR EN SU ESTILO

Exactamente en 1950 debuta en el cine con una película de Mario Mattoli, «Los cadetes de Gascuña» junto a Walter Chiari. Al año posterior conoce a Raimonde Vianello con quien formará un dueto humorístico de gran suceso de 1954 a 1960 en la recién nacida Rai TV. Inmediatamente llegarían: «La califfa», 1971, «Questa specie d’amore», 1972, y «La tragedia di un uomo ridiculo», 1981, filme que le valió a Tognazzi la Palma de Oro en el Festival de Cannes como mejor actor protagónico. En los años siguientes se autodirigió en «Il mantenuto», «Il fischio al naso», «Sissignore», «Catti vi pensieri», y «I viaggitori della sera». En la década de los ochente se dedicó al teatro, actuando en seis personajes en busca de autor, en «París», 1986, y en «El avaro», 1988. En su vida profesional participó en casi 150 films, compartiendo cartel y escenas, en muchos de ellos, con uno o varios de los ya citados Sordi, Gassman, Mandredi y Mastroianni, como también con otras figuras del nivel de Philippe Noiret, Michel Piccoli, Claudia Cardinale, Ornella Muti, Catherine Deneuve, Monica Vitti o Mariangela Melato, entre otras. Asimismo, trabajó junto a los grandes pesos pesados de la comedia que le precedieron, como Totò, Peppino De Filippo, Tina Pica o Aldo Fabrizi y a los que habrían de sucederle, como Paolo Villaggio o Renato Pozzetto.

Publicidad automovilística, 1957

Publicidad automovilística, 1957

CUATRO HIJOS LIGADOS AL CINE

Tuvo cuatro hijos, ligados todos ellos, de un modo u otro, al cine.
El primero, el actor y director Ricky Tognazzi, con la actriz Pat O’Hara, nacido en 1955.
El segundo, el director y productor Thomas Robsahm, con la actriz Margarete Robsahm, nacido en 1964.
De su posterior pareja con la actriz Franca Bettoia, con quien se casaría en 1972, llegaron a éste mundo, el actor Gianmarco Tognazzi y la asistente de dirección y directora Maria Sole Tognazzi. Lamentablemente, dejó de existir el 27 de octubre de 1990 en Roma, a los 68 años, víctima de una hemorragia cerebral. Más allá de la nostalgia.

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ESTELA MOLLY: BELLEZA E IMAGEN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA MUCHACHA DEL APELLIDO DIFICIL

Perteneciente a una familia de actores, hija de la actriz Noemí Laserre, y criada por ella y por su padrastro Ricardo Lavié, que verdaderamente influenció en su vida y en su carrera artística, guiandola hacia el futuro y sugiriéndole que debía hacer para convertirse en una profesional de la escena y el espectáculo. De casualidad, siendo una niña, cuando estaba en la escuela, la pequeña ascendió por primera vez a un escenario cuando un sábado la llevaron a ver a sus padres al teatro Boedo, y quiso el destino que una de las actrices tuviera un ataque de apendicitis, y allí le dieron la oportunidad de reemplazarla en su papel. De esa forma, de manera inesperada la muchacha del apellido difícil se inició en su exitosa y extensa ruta en el teatro, cine y televisión. Más adelante fueron Esteban y Juan Serrador quienes la convocaron para integrarse a una temporada en Mar del Plata en la obra «No es fácil ser mujer», de Peter Schaffer. Se llamó Estela Noemí Nefimar Mayranx, conocida como Estela Molly. Estela Molly. 1

DE BRILLO Y COLOR

Estela Molly nació el 19 de agosto de 1943, en Buenos Aires. De chica admiraba a sus padres artistas y siempre le agradó el medio donde se movían, de brillo y color permanente. Estela Noemí se inició en la tele en el viejo Canal 9 Libertad, de la vecina orilla, en 1960, cuando recién cumplía sus 17 años, con un pequeño papel en «El fantasma de la ópera», una miniserie adaptada por Luis Peñafiel de la obra de Gastón Leroux, puesta en escena y actuación de Narciso Ibáñez Menta y dirección de Marta Reguera. Ese mismo año tuvo el protagónico en otra serie realizado por el mismo equipo para la pantalla chica. ¿Es Ud. el asesino? En 1961, nuevamente junto a Ibáñez Menta, estelarizó en 1961, con Milagros de la Vega, la versión para televisión de la novela «Ceremonio secreta» de Marco Denevi, lo que le brindaron varias distinciones por su gran desempeño. Se mostró en teleteatros: «Las rosas abren de noche», «Las solteras», «Salto a ciegas», «Los días oscuros», «El hombre que trajo el mar», «En casa de los Videla», con Malvina Pastorino, Sergio Renán y Susana Rinaldi, «Su comedia favorita», con Guillermo Bredeston, «Sátiro», con Narciso Ibáñez Menta, «Alta Comedia», con Raúl Rossi en una versión de «Los miserables» y «Todo es amor» con Jorge Luz, Osvaldo Brandi y María Valenzuela.

FUE PRIMERA FIGURA CON OSVALDO PACHECO

Fue primera figura en «Viernes de Pacheco» donde fue figura estelar acompañando al reconocido actor Osvaldo Pacheco. Continuó con
«Querer y cerrar los ojos», «Retazo», «La peor del colegio» y «Con el agua en las manos». En las tablas, se destacó en «Ejercicio para cinco dedos», dirigida por David Stivel en Teatro Lola Membrives, junto a actores de la talla de Elina Colomer, Santiago Gómez Cou, Walter Vidarte y Guillermo Bredeston. Posteriormente ingresó al elenco del Teatro Nacional Cervantes para distinguirse en diversas obras, «Los invisibles», de Gregorio de Laferrère, «Donde la muerte clava sus banderas», de Omar del Carlo, «La verdad sospechosa», de Juan Ruiz de Alarcón, y «La dama boba», de Lope de Vega, dirigida por Esteban Serrador.
ROSTRO CONOCIDO EN MUCHAS PELICULAS

Integro el elenco y fue rostro conocido en muchas películas: «El Club del Clan», 1964, «Cleopatra era Cándida», 1964, «Ritmo nuevo, vieja ola», 1964, «Fiebre de primavera», 1965, ·»Los hipócritas», 1965, «Muchachos impacientes», 1966, «Ritmo, amor y juventud», 1966, «Como seducir a una mujer», 1967, «Coche, cama, alojamiento», 1968, «La familia hippie»,1971, «Amante para dos», 1981, «La mayoría silenciada», 1986, «Génesis», 2006. Por su actuación en «La mayoría silenciada», dirigida por Zuhair Jury, recibió un galardón en un festival provincial. Estela Molly, una referente de la escena argentina, lamentablemente dejó de existir a los 73 años, luego de sufrir serias complicaciones de salud, el 13 de agosto de 2017. Estuvo casada con Sergio de los Santos, antiguo camarógrafo de Canal 9 y predicador. Más allá de la nostalgia.

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LET IT BE: 50 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EL HIMNO DE THE BEATLES

Considerada una de las mejores canciones de la historia, «Let it Be», en la fecha cumple cincuenta años de su aparición. Fue en marzo del año 1970, cuando se produce el lanzamiento del himno de Los Beatles. Un tema impresionante que los genios de Liverpool supieron registrar en los estudios de Apple Records, su propia empresa.

Paul en momentos de registrar Let it be

Paul en momentos de registrar Let it be

Esta dentro de la lista de las canciones más importantes de todos los tiempos, según Billboard, Record World, y más. La historia de la música afirma que es una de las más grandes. Cincuenta años no es poca cosa, para «Dejalo ser», un verdadero hit de todos los tiempos. Es la más representativa del álbum que lleva el mismo título, junto a «The long and winding road» y «Get back». Compuesta por Paul McCartney y editada como disco simple, trepó al primer puesto en USA y segundo lugar en el Reino Unido. También fue número uno en charts de Noruega, Suiza, Australia, Canadá, Nueva Zelanda, Países Bajos, y en tantos sitios. Ocupa el casillero 179 de «Las 1000 mejores canciones de siempre» de la publicación Q Music, así como el No. 20 de las «500 canciones más grandes de todos los tiempos» de Rolling Stone.

SE ESTRENO EN LA AZOTEA DE APPLE

Cuando el disco se estaba registrando en el estudio de grabación, se ideaba que su nombre fuera «Get back», razón por la cual éste tema fue estrenado y tocado por única vez en vivo, en el famoso concierto en la azotea de Apple, pero finalmente la pieza fue postergada hasta 1970, momento en el que los cortes originales fueron reeditados por Phil Spector, quien se había encargado de la producción por deseo propio de John Lennon. Ocurrió en ese instante que los cuatro de Liverpool decidieron que la placa se llamaría «Let it Be», debido a un tema de orden estrictamente musical. «Let it Be» también fue el nombre de la película documental del cuarteto haciendo sus temas en el estudio de Apple y en la terraza. El tema creado por McCartney, lo desarrolló en letra y melodías, tras soñar con su madre, que había fallecido cuando el ex-Beatle tenía 14 años. En el lado B del sencillo está «You know my name (Look up the number)», que si bien logró difusión simplemente acompañó el suceso eterno del lado A.

GRABADO EN ENERO, 1969

Se grabó exactamente el 31 de enero de 1969, con Paul McCartney tocando el piano, John Lennon en el bajo, Billy Preston en órgano Hammon, George Harrison en guitarra, Ringo Starr en batería, Linda McCartney, coros y piano. Entre preparativos y producción el tiempo pasó, y en marzo de 1970, Phil Spector volvió a mezclar el tema para el álbum «Let it Be».

The Beatles meses antes de grabar el tema

The Beatles meses antes de grabar el tema

Glyn Johns mezcló la canción el 28 de mayo de 1969 para el «Get Back Album», pero esta versión nunca fue publicada. Johns volvió a utilizar la misma mezcla el 5 de enero de 1970 para el álbum oficial pero la versión tampoco fue utilizada.
Otra versión vió la luz en el álbum «Anthology 3», editado el 28 de octubre de 1996. En 2003 con «Let it Be… Naked» se presentó otra toma diferente. Por último en 2009 salió un «Dejalo ser» remasterizado, cambiando sonidos de guitarra y piano.

LAS RADIOS LA PASARON CONTINUAMENTE

Las emisoras estadounidenses y del Reino Unido tocaron incesantemente la canción, siendo muy aceptada por los disc-jockeys y críticos en general. En su mayoría la fueron anunciando como la balada más popular y bonita de Los Beatles. Si bien en las placas se menciona como autores al dúo McCartney-Lennon, éste último negó haberla escrito ni colaborado en la autoría.
«Es un tema bien de McCartney, que bien podría haber tocado con Wings; tiene su estilo, su sello, es de su inspiración y nada más.. « dijo en rueda de prensa, Lennon. Ante 700 personas, Paul McCartney, George Harrison, y Ringo Starr cantaron «Let It Be» durante el funeral de Linda McCartney en St Martin in the Fields, una iglesia anglicana situada en la esquina de Trafalgar Square, en la Ciudad de Westminster, Londres, en 1998.
«Let it Be» ha sido versionada por muchísimos artistas, la primera en ser publicada, incluso antes que la original de Los Beatles, fue realizada por Aretha Franklin, en enero de 1970, en el álbum «This girl’s in love with you», junto con una versión de «Eleanor Rigby».
Gladys Knight and The Pips la hicieron en el álbum tributo «Motown sings The Beatles». Más allá de la nostalgia.

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HUGO MARCEL: DE TANGUERO A CANTANTE MELODICO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DEBUT EN EL DOS POR CUATRO

Gregorio Horacio Cárpena llegó a éste mundo el 24 de enero de 1942, en barrio Villa Luro de Buenos Aires, Argentina. Allí, donde se respiraban aires tangueros, comenzó a gustarle el dos por cuatro, escuchándolo a través de la radio que encendían sus padres, para el regocijo de la familia entera. Bajo el influjo de aquellos intérpretes de esos tiempos, se inició bajo el nombre artístico de Hugo Marcelino, en el año 1957, ingresando a la orquesta de Leopoldo Federico, como niño precoz a los catorce años de edad. Inmediatamente formó parte de un número tanguero junto a Elsa Rivas y Roberto Rufino, debutando por Canal 9 Libertad y actuando en un referente del tango, Cafe Richmond. El asunto se estaba caminando bien, y así fue que una audición especial emitida por Radio Belgrano, recibe el padrinazgo artístico de Azucena Maizani y Alberto Marino, pero a fines de 1958 la agrupación de Rufino, Rivas, Federico, lamentablemente se desintegra.

MIGUEL CALÓ LO LLEVA A SU ORQUESTA

Hugo Marcel

Hugo Marcel

El maestro Miguel Caló lo contrata para llevarlo a su orquesta. Al final no alternó mucho tiempo en esa agrupación, si realizó junto al destacado músico diferentes presentaciones en eventos, bailables y en fonoplateas radiales, no llegando a grabar ningún tema. En 1962 fue llamado por Osvaldo Fresedo para ser vocalista de su orquesta, en la que ya estaba el cantor Carlos Barrios. Allí definitivamente deja de llamarse Hugo Marcelino para convertirse de manera definitiva en Hugo Marcel. Fue aconsejado por su propio padre y Fresedo. Tenía 15 años y ya atravesaba un excelente momento, actuando en todos los clubes importantes: Comunicaciones, Náutico de Olivos, Regatas, Lugano Tennis Club y más. También marcó presencia en los bailes de Confitería Nino, de Vicente López y las elegantes veladas del dos por cuatro del Plaza Hotel y del Alvear Palace Hotel.

GRABA SU PRIMER DISCO

El 12 de enero de 1959, Hugo Marcel registra un disco por vez primera. Los tangos seleccionados fueron «Que lejos de mi Buenos Aires», y «Después del carnaval», pieza que había sido un éxito años atrás en la voz de Ricardo Ruiz. La orquesta con Marcel, es promovida por Canal 7, y en los prestigiosos «Sábados Circulares» de Nicolás «Pipo» Mancera, en Canal 13, llegando a interesar al gran público. Tres años más adelante, en 1962, cuando el trabajo para los cultores de la música ciudadana había bajado, Marcel toma otros caminos y comienza a incursionar en el lineamiento melódico. De la noche a la mañana consigue la consagración como solista nternacional, siendo acompañado por los mejores arregladores y directores de bandas multitudinarias: Waldo de los Ríos, Buby Lavechia, Oscar Toscano, Horacio Malvicino y Lucio Milena. Pero, no tardó demasiado en volver al tango, según el «el amor de toda mi vida».

Promoviendo su disco

Promoviendo su disco

LO CONVOCA EL MAESTRO MARIANO MORES

1964, fue otro año muy bueno para Marcel. Lo llama el talentoso maestro Mariano Mores para cantar en su Orquesta Lírica Popular junto a Susy Leiva. Con Mariano tuvo la oportunidad de realizar destacadas tournés por el interior de Argentina y llegar a la pantalla chica en excelentes producciones. Con la banda estelar de Mores graba «Tan solo un loco amor» y «Viejo Buenos Aires», que son continuamente promocionadas por las radios porteñas. Se convierte en figura en «Grandes valores del tango» con Silvio Soldán. Ese mismo año, debido a las ofertas que se le hicieron de todos los medios, no tuvo más remedio que abandonar la orquesta de Mores. Entre 1969 y 1974, su carrera se repartió entre el repertorio melódico y el tango.Su notable show melódico. 2 En 1971 protagoniza «Así es Buenos Aires», una película de comedia romántica dirigida por Emilio Vieyra, bajo el guión de Salvador Valverde Calvo, compartiendo estelares con Soledad Silveyra, Susana Giménez, Víctor Bó y Ricardo Bauleo. El filme se rodó en blanco y negro, y allí Marcel interpreta «Niña mujer», «Hoy he visto pasar a María», «Nostalgias», «Por quien llora Soledad» y «Que falta que me haces», hits que a través del tiempo perduran en el repertorio del cantante.

GIRAS POR EL EXTERIOR

Llegaron giras, más discos, presentaciones en Festivales de la Canción, y otra películas, manteniéndose Hugo Marcel en actividad hasta hoy en día.
Tiene 78 años, y es un referente del canto melódico y tanguero argentino. Su esposa es Dolores Martha Barros «Lolita», con la cual tiene un hijo, Christian.

Marcel, primero a la izquierda con elenco de Así es Buenos Aires, 1971.

Marcel, primero a la izquierda con elenco de Así es Buenos Aires, 1971.

Más allá de la nostalgia.

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DEPRISA DEPRISA: LA PELICULA QUE MARCO UNA EPOCA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA HISTORIA DE CUATRO AMIGOS

El argumento de «Deprisa, deprisa», cuenta la historia de cuatro amigos, especialmente la de la pareja formada por Ángela y Pablo, la mayoría de ellos provenientes de un ambiente marginal y que encuentran diversión y una salida fácil en los robos a mano armada.

Una historia de delincuentes juveniles

Una historia de delincuentes juveniles

Asaltos que poco a poco se van convirtiendo en golpes más grandes y arriesgados. Entretanto, los cuatro llevan una vida apática y donde únicamente se dedican a ver pasar el tiempo, disfrutar de su compañía y utilizar las drogas como vía de escape. Un reflejo claro del impacto y generalización del uso de la heroína en la España de fines de los años setenta y principios de los ochenta. La trama cuenta que la falta de expectativas de este grupo de delincuentes juveniles, cuatro en total, es suplida por el dinero fácil y las drogas. «Deprisa, deprisa» es una película dirigida por Carlos Saura, de 1981, que marcó toda una época.

Carlos Saura, director del filme

Carlos Saura, director del filme

UN REPARTO NO PROFESIONAL

El reparto del filme estuvo formado por actores que no eran profesionales del área de Villaverde, en el sur de Madrid. Dos integrantes del elenco fueron a la cárcel por diferentes delitos durante el rodaje, causando un gran revuelo entre los críticos cinematográficos y el público en general. Producido por Elias Querejeta, bajo un guión de Blanca Astiasu y Carlos Saura, los protagonistas fueron: André Falcon, Yves Barsacq, José Antonio Valdelomar, Yves Arcanel, y Berta Socuéllamos Zarco. Se estrenó en España y en todo el mundo en 1981 -en algunos sitios llegó después- éste drama y cine de crímenes, de 99 minutos de duración, en colores. La cinta es una cruel existencia de una generación abatida, que lucha para encontrar una salida en una España que salía recién de una fuerte dictadura, luego de cuarenta años, haciendo su paso hacia la democracia. Bajo ese panorama se aprecia a Angela y Pablo, viviendo más allá de todo un apasionante romance, que explota, golpea la pantalla, y a los espectadores, por su marcado apasionamiento, y por la fuerte realidad por la cual atraviesan.

LA CORNISA DE LA MUERTE

«Deprisa, deprisa» marca y muestra las cicatrices de una vida sombría que buscan éstos jovenes asaltantes, pretendiendo salir equivocadamente de las situaciones, aspirando a conseguir un dinero mal habido, caminando sobre la cornisa de la muerte, ante cada robo. El director Carlos Saura describió la película como una historia romántica, en el sentido histórico de la palabra, como lo expresa la perspectiva del siglo XIX, que expresaba rebeldía ante la sociedad y sus reglas. En el film, los cuatro protagonistas se rebelan contra un sistema que rechazan y por el que también han sido rechazados.
Más allá de la crueldad, y de lo que ésta producción cinematográcia ofrece, se rodó con un bajo costo, y obtuvo millones de recaudación, con notables taquillas alrededor del orbe.
Mientras las escenas transcurren se escucha permanentemente el tema central de la banda original de sonido, «Me quedo contigo» de Los Chunguitos, una de las canciones célebres en la historia de la música española, a través del tiempo.
Escrita por Enrique Salazar y Crescencio Ramos Prada -integrantes del grupo- editada por primera vez en 1980, formando parte del álbum «Pa ti y pa tu primo», de Los Chunguitos, de liquidaciones fabulosas por derechos de autor. El final de la película con el tema completo de fondo, es uno de los puntos altos de la película de Saura.

A 39 AÑOS DEL «OSO DE ORO»

Un día como el de hoy, 24 de febrero, pero de 1981, «Deprisa, deprisa» lograba el «Oso de Oro» de Berlín. Hace 39 años. Fue el mayor suceso del productor Elias Querejeta durante sus quince años de colaboración con Carlos Saura.
Sin embargo, hubo algunos periodistas de espectáculos que catalogaron la película como una de las peores en la extensa filmografía de Carlos Saura.
En Francia y Alemania Occidental se prohibió al considerar que glorifica la violencia y la cultura de las drogas. Posteriormente, fue admitida en ambos países.
Al fin y al cabo se trataba de una película. Editada en VHS y DVD, no logró demasiadas emisiones por señales de cable. Más allá de la nostalgia.

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KIM NOVAK, UNA ESTRELLA HOLLYWOODENSE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

CON «PICNIC» SALTÓ A LA FAMA

Se llama Marilyn, pero el estudio cinematográfico se lo cambió, para que no hubieran comparaciones entre ella y Marilyn Monroe. Ella insistió que su apellido fuera el propio, de forma que finalmente todos lograron un acuerdo en que se llamara Kim Novak. Estudió actuación en College State, y salió a la luz inmediatamente en lo que fue su cinta debut, «Pushover» con Fred MacMurray, en 1954. Aunque su interpretación no fue la mejor, los espectadores apreciaron su fineza y humanidad, de manera que meses más tarde retornó con otra película,
«Phffft!» junto a Jack Lemmon, también en 1954. Después del estreno de éstos filmes, Kim se hizo sumamente popular, con aprecio distinguido ya por un público fanático de la actriz. Así, salta a la fama con «Picnic», en 1955, resultando un impacto para la exquisita rubia, donde se luce junto a William Holden. Desde ese instante, y luego de ganar el «Globo de Oro» por su trabajo, se multiplican presencias estelares como figura principal haciendo dupla con actores de prestigio, llegan «Pal Joey» y «El hombre del brazo de oro» junto a Frank Sinatra, y «Vértigo» con James Stewart.

Kim Novak

Kim Novak

ACABA DE CUMPLIR 87 AÑOS!

Marilyn Pauline Novak, nació el 13 de febrero de 1933 -acaba de cumplir 87 años!- en Chicago, Illinois, y es hija de Blanche y Joseph, de origen checo. A pesar de que sus padres eran profesores, Kim no fue una buena estudiante. No se sentía a gusto y le molestaba bastante que se le dijera lo que tenía que hacer. Al finalizar sus estudios y siendo ya una adolescente fue a mostrar su figura con vestidos en varias pasarelas de la ciudad como modelo. Era buena en eso, y es por ello que obtiene una beca para convertirse en modelo profesional. Pero, en ese interín hace de todo, es empleada en un super, ascensorista, y hasta secretaria en un centro odontológico. Pero no conforme con eso, retorna a su labor de modelo, que había realizado muy bien. Mientras se va a Los Angeles para intentar mejorar sus ingresos como modelo, comienza a trabajar y un productor de la RKO le ofrece un pequeño papel en un film de 1954. Aunque se trató de un papel diminuto, un agente se fija en Kim y le realiza un casting ante cámaras en la Columbia Studios, que termina muy bien parada, siendo contratada por espacio de seis meses.

JEANNE EAGELS, FILME BIOGRAFICO

Lo próximo de Kim fue «The Eddy Duchin Story», en 1956, interpretando a Marjorie Oelrichs, la esposa del pianista Eddy Duchin, estelarizado por Tyrone Power. Posteriormente se le ofreció una opción para su próximo proyecto, seleccionando el filme biográfico «Jeanne Eagels», 1957, en la que retrató al escenario y a la actriz de pantalla muda que era adicta a la heroína . Protagonizada por Jeff Chandler, la cinta fue un relato en gran parte ficticio de la vida de Eagels. El film alcanzó un suceso de taquilla. La familia de Eagels demandó a Columbia por la forma en que Eagels había sido representado en la película. Y llegarían más y más producciones cinematográficas para Kim. Después de rodar «The Amorous Adventures of Moll Flanders», en 1965, Novak decidió retirarse del cine por un tiempo, y volvió tres años después con «The Legend of Lylah Clare». Actuó en la serie «Falcon Crest», haciendo de Kit Marlowe.
En 1977 rodó con Charles Bronson «El desafío del búfalo blanco», en 1979, «Just A Gigolo», y en 1980 participó en «El espejo roto», adaptación de un relato de Agatha Christie con un largo plantel de estrellas: Angela Lansbury, Elizabeth Taylor, Tony Curtis, Rock Hudson. En 1991 hizo su último filme para la gran pantalla, «Liebestraum», bajo la dirección de Mike Figgis, con quien tuvo una tensa relación durante el rodaje.

VARIOS CASAMIENTOS, MUCHOS AMORIOS

El primer matrimonio de Kim fue con el actor inglés Richard Johnson . Duró 13 meses, desde el 15 de marzo de 1965 hasta el 23 de abril de 1966. Después de su compromiso con el director Richard Quine , se habló mucho de sus relaciones con Sammy Davis, Jr. y Ramfis Trujillo , el hijo adoptivo del dictador dominicano Rafael Trujillo. Salió con Frank Sinatra, Richard Beymer y el actor Michael Brandon. En 1974, conoció a su actual esposo, el veterinario equino Robert Malloy, cuando hizo una visita a domicilio después de que una de sus yeguas árabes estuviera enferma. Han estado juntos desde entonces, y se casaron el 12 de marzo de 1976.
La pareja construyó una casa de troncos a lo largo del río Williamson cerca de Chiloquin, Oregon, donde residen. Hoy retirada de la actuación, es fotógrafa, poeta y artista visual. Más allá de la nostalgia.

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WALTER LANTZ, EL CREADOR DEL «PÁJARO LOCO»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LOQUILLO, EL CARPINTERO

Esta es la historia verdadera de un mecánico que se transformó en caricaturista de la noche a la mañana. La historia de Walter Lantz es encumbrada en realizaciones de dibujos animados, no siendo fácil sus inicios en el rubro, pero creando un personaje cómico sin igual en el rubro de los comics, su vida profesional cambió rotundamente. Ese fue «El Pájaro Loco» -»Woody Woodpecker»- también conocido como «Loquillo», diseñado originalmente por el dibujante Ben Hardaway, autor también de Bugs Bunny y el Pato Lucas, producido por el propio Walter Lantz, en su estudio Walter Lantz Productions, distribuido por Universal Studios. «El Pájaro Loco» vió la luz a fines de los años treinta y se mantuvo hasta 1972 exactamente, que fue cuando Lantz cerró su estudio. Las repeticiones del famoso pájaro carpintero se mantienen hasta el día de hoy en diferentes señales televisivas alrededor del mundo -hasta existe un canal que lleva su nombre y emite todo el día esos dibujos con Lantz presentándolos- habiendo aparecido en determinadas producciones especiales, como el filme ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Se trata de una de las luminarias del séptimo arte de animación que tiene su propia estrella en el paseo de la fama de Hollywood. Loquillo, el carpintero, es una de las caricaturas más famosas y exitosas del mundo de la caricatura de todos los tiempos.

Walter Lantz, 1983

Walter Lantz, 1983

SE LE OCURRIO EN SU LUNA DE MIEL

Al padre de la criatura, Walter Lantz se le ocurrió éste personaje sin igual durante su viaje de luna de miel, en June Lake, California, cuando escuchó a un pájaro hacer ruido en el techo de la casa donde habitaba junto a su flamante esposa Grace. Salió al exterior, trató de ahuyentarlo, y el movedizo pájaro se hechó a volar no sin antes emitir un grito muy particular, algo que luego daría origen a la risa del ave en el dibujo. Este célebre pájaro con animación ha sido gran protagonista de 197 cortos y 350 películas de dibujos. En 1978 la Academia de Hollywood otorgó a Walter Lantz un Oscar Honorífico por su contribución al cine de dibujos y por «El Pájaro Loco». La tira comprendía episodios de veinticinco minutos que presentaba cortos no solo de Woody, sino también de Chilly Willy, Inspector Willoughby -El Bigote que Investiga- Andy Panda, Wally Walrus -Pablo Morsa- y tantos más. En verdad, se hicieron de tanto suceso, que se lanzaron revistas llamadas «de chistes», o comics en Estados Unidos, y también por parte de Editorial Novaro S.A. de México DF., lo que hizo que el inquieto y zarpado pájaro fuera conocido desde el papel, no solamente en territorio mexicano sino en América Latina, toda.

CON DIBUJOS EN EL TALLER

Walter Benjamín Lantz nació el 27 de abril de 1899 en Nueva Rochelle, Estados Unidos, hijo de María Gervasi y Francesco Paolo Lanza, oriundos de Calitri, Italia. Walter, desde pequeño mostró una inclinación por el dibujo artístico, llevando a sus padres a suscribirlo a unos clases por correspondencia a los doce años de edad. Ya adolescente fue mecánico, pero los dibujos con los cuales decoraba artísticamente su taller, llamaron la atención a un cliente, animándolo a estudiar en el New York City’s Art Students League. Asi, prontamente abandonó su taller, instalándose en John R. Bray Studios de Nueva York, permitiéndole dirigir su primer dibujo animado, Dinky Doodle. En 1927 viaja a Hollywood, donde el director Frank Capra lo selecciona como guionista para las comedias de Mack Sennett. Un año más tarde, Walter es contratado para dirigir la serie animada eOswald the Lucky Rabbit, de Universal. Su carrera se hace progresiva y ya en 1935, empieza de productor independiente, suministrando animaciones al Estudio, en vez de solo supervisar el departamento de creaciones.

Con Walt Disney y otros caricaturistas

Con Walt Disney y otros caricaturistas

EN 1940, LA PRIMERA APARICIÓN

En 1940 Lantz logra el debut de «El Pájaro Loco» en un capítulo de Andy Panda, llamado “Knock Knock». A partir de ese momento, su propio Estudio de animación, fue catalogado como uno de los más influyentes en sus realizaciones cinematográficas de dibujos, junto al de Walt Disney y el de Hanna-Barbera. La generación que vió estos dibujos animados conoció y quiso a Lantz como el verdadero creador de «El Pájaro Loco». Hizo varias apariciones donde explicaba como era el proceso de la animación. Para muchos era la primera vez que veían como se creaban esos dibujos. En su retiro Lantz siguió administrando los dibujos del estudio con repeticiones de estos. Incluso continuó dibujando y pintando «El Pájaro Loco», estos trabajos se vendieron rápidamente. En 1982, Lantz donó diecisiete objetos al Museo Nacional de Historia Americana, incluyendo el modelo de madera utilizado en el debut de «El Pájaro Loco». Walter Lantz se casó en dos oportunidades: Con Doris Hollister, de quien se divorció en 1940, contrayendo enlace con Grace Stafford ese mismo año, divorciándose de ella en 1992, logrando un hijo de esa unión. Walter Lantz murió en el centro médico de St. Joseph en Burbank, California, de una insuficiencia cardíaca el 22 de marzo de 1994, a la edad de 94 años. Más allá de la nostalgia.

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AQUELLA ACTRIZ LLAMADA JEAN SIMMONS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

VARINIA, LA MUJER DE ESPARTACO

Una luminaria que brilló en infinidad de filmes, pero su actuación de mujer de «Espartaco», en la película épica del mismo nombre, la llenó de satisfacciones y de un buen pasar. Jean Simmons. 1 El filme rodado en la ciudad española de Alcalá de Henares, concretamente en la Puerta de Madrid, el Paseo de los Curas y los Cerros de Alcalá, cuenta con la actuación de Kirk Douglas -»Espartaco»- Laurence Olivier, John Gavin, Charles Laughton, Peter Ustinov, Herbert Lom, Woody Strode, Tony Curtis, y de la propia Jean Simmons. La cinta posee un argumento donde los esclavos luchan por la libertad definitiva, y de la relación de Varinia -Jean Simmons- con Espartaco, el principal de los esclavos. Basada en la novela histórica homónima de Howard Fast, y dirigida por Stanley Kubrick, galardonada con cuatro premios Oscar, formando parte de los Top 10 en la categoría de «Películas épicas» de AFI’s, fue un suceso de taquilla por las salas cinematográficas del mundo. Jean Simmons, destacada por los especializados del cinéma por el desempeño en «Espartaco», tuvo un antes y un después de ésta producción.

NOMINADA DOS VECES AL OSCAR

Jean Merilyn Simmons, llegó a éste mundo el 31 de enero de 1929 -hubiese cumplido años unos días atrás- en Londres, logró ser nominada en dos ocasiones al premio Oscar.
Entre sus realizaciones se destacan «Hamlet», de Laurence Olivier, «Horizontes de grandeza», de William Wyler, «Después de la oscuridad», de Mervyn LeRoy, «El fuego y la palabra», de Richard Brooks, y la ya nombrada «Espartaco», su más fuerte referencia. Nacida en el barrio londinense de Crouch Hill, desde chica deseo ser actriz y logró debutar en la pantalla grande en su adolescencia, surgiendo en «Give us the moon», 1944, de Val Guest y Caryl Brahms. Su fama en el Reino Unido tampoco tardaría mucho en llegar, ya que su figura se hizo reconocible gracias a su intervención en la película de David Lean «Cadenas rotas» -»Great expectations», 1946- A partir de ese momento, sus apariciones se multiplicarían: «César y Cleopatra», 1945, de Gabriel Pascal, «Narciso negro», 1947, de Michael Powell y Emeric Pressburger, y sobre todo, su interpretación de Ofelia en «Hamlet», 1948, la adaptación de la obra de William Shakespeare dirigida y protagonizada por Laurence Olivier.
Este papel le valió a Jean Simmons la candidatura al premio Óscar de 1948 a la mejor actriz de reparto, que al final no llegó a ganarla, ya que la distinción fue para Claire Trevor por su papel en Cayo Largo.

SE CASA CON STEWART GRANGER

En 1960, al mismo tiempo que rodaba «Espartaco», mientras su fama aumentaba más y más, Simmons se casa con el reconocido actor Stewart Granger, en un matrimonio que dura muy poco. En la década de los sesenta, la actriz comienza a ser habitual en grandes producciones de Hollywood, destacándose por sus participaciones en «Androcles y el león», 1962, de Chester Erskine, «Cara de angel», 1963, de Otto Preminger, «La túnica sagrada», 1963, de Henry Koster, «Sinuhé, el egipcio», 1964, de Michel Curtiz, «Desirée», 1964, de Henry Koster, y «Ellos y ellas», de Joseph L. Mankiewicz. Casi a fines de 1960, contrae enlace con el director Richard Brooks, quien la dirige en «El fuego y la palabra» y «Con los ojos cerrados», por el que Simmons es candidata al Oscar, en la categoría de «Mejor actriz principal». En la década de los setenta, Simmons se centró en la actuación teatral y televisiva. Realizó una gira por Estados Unidos en «A little night music» de Stephen Sondheim , luego llevó el espectáculo a Londres, y así originó el papel de Desirée Armfeldt en el West End.

UN EMMY POR SU CALIDAD INTERPRETATIVA

Encarnando a Fiona «Fee» Cleary, en la miniserie «The thorn birds», 1983, logra una distinción Emmy por su papel de calidad. Apareció en «Norte y sur», 1985, y protagonizó «The dawning», 1988, con Anthony Hopkins y Hugh Grant.
Por esos años también reapareció en una nueva versión de «Great expectations», 1989, ésta vez desarrollando la encarnación de Miss Havisham, la madre adoptiva de Estella.
Lamentablemente, Jean Simmons dejó de existir de un cáncer de pulmón en su casa de Santa Mónica, el 22 de enero de 2010, nueve días antes de cumplir sus ochenta y un años. Sus obras cinematográficas eternas aparecen dos por tres en los cables del séptimo arte, otorgándole vida a sus personajes.
Más allá de la nostalgia.

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LUIS ALBERTO SPINETTA: POETA DE LOS SETENTA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

INSPIRADO y FANTASIOSO

Postrimerías del año 1969, exactamente el 29 de noviembre, y en las radios argentinas comenzaba a sonar uno de los himnos de la música más grandes de todos los tiempos: «Muchacha, ojos de papel», tema que fue puntapié inicial del rock moderno en el Río de la Plata. De la mano de Almendra, aquel grupo fantástico que marcaría una época, y de la inspiración del guitarrista y compositor Luis Alberto Spinetta. La canción forma parte, al estar dentro del disco «Almendra I», del ranking de la revista Rolling Stone, de los «100 mejores álbumes del rock argentino».

Luis Alberto Spinetta

Luis Alberto Spinetta

Ha sido considerada por la misma publicación y la cadena MTV, como el segundo tema más influyente del rock de la vecina orilla, y la 28o. del rock hispanoamericano. Antes de ser publicada «Muchacha, ojos de papel» fue estrenada en vivo y en directo en un concierto en Teatro Coliseo de Buenos Aires, el 22 de junio de 1969. El tema marcó al «flaco» Spinetta -como le decían- como el gran poeta de los setenta. Desaparecido el 8 de febrero de 2012, hubiese cumplido el pasado 23 de enero, 70 años.

CANTANTE, GUITARRISTA, POETA, ESCRITOR, DIBUJANTE, COMPOSITOR

Nacido en 1950, Luis Alberto considerado hasta hoy en día uno de los más importantes y respetados músicos de América Latina, es el segundo de tres hermanos. Su familia vivía en el barrio de Núñez, y en su casa efectuó Almendra sus primeros ensayos, haciéndolo también Pescado Rabioso. Spinetta comienza a componer canciones desde muy niño, antes incluso de aprender a tocar un instrumento. Cuando aún estaba en la escuela primaria cantó por primera vez en público, casualmente, durante un carnaval en San Miguel de Tucumán, ciudad en la que vivían sus tíos y primos. Así, en los años posteriores se presenta en un concurso de cantantes en el programa de tv «Escala Musical», donde sale segundo, e inmediatamente se integra a Los Larkins, y a Los Sbirros, sumando experiencias, llegando Los Mods, a finales de 1966, cuando Spinetta no había cumlido los 17 años y las bases de Almendra se estaban cimentando. Ya a principios de 1967, Almendra estaba ensayando, cuando apareció otro suceso impresionante, «La balsa» de Los Gatos, con la voz de su creador Lito Nebbia conjuntamente con Tanguito, marcando la apertura de un nuevo lineamiento musical denominado como «rock nacional» o «rock argentino». Dos años más tarde, dentro de esas transformaciones arranca Almendra, con su mensaje, grabando su primer álbum «Almendra I», donde la carátula es un dibujo del propio Spinetta representando a un payaso llorando, donde incluirían «Figuración», «Ana no duerme», «Plegaria para un niño dormido», «Laura va», «A éstos hombres tristes», y la propia «Muchacha, ojos de papel», entre otros. Temas poéticos de letras diversas que llamaban la atención. El disco fue un suceso y consagró a la agrupación. Sin embargo las diferencias artísticas y personales entre sus miembros eran muy importantes, y luego de fracasar la preparación de una ópera rock, el grupo se separó en septiembre de 1970.

Con Almendra

Con Almendra

LLEGA PESCADO RABIOSO

Luego de la desintegración de Almendra, y varias incursiones con Pappo, otro legendario rockero argentino, forma Pescado Rabioso, que se colocaría entre las bandas más destacadas de la música popular argentina, logrando tres formaciones. Inicialmente fue un trío, integrado por Spinetta en guitarra y primera voz, Black Amaya en batería y Osvaldo Bocón Frascino en bajo. Cuando estaban grabando el primer álbum se agregó al grupo Carlos Cutaia en teclados. Spinetta con Pescado Rabioso hace recitales, graba un disco doble y hace interesar a la gente de su propuesta. Al tiempo, Luis Alberto saldría como solista. Desde 1974 a 1976 formaría Invisible. 1977: A 18′ del sol y la Banda Spinetta. Hasta que en 1980 se produce el regreso del magistral Almendra, con el fin de hacer dos recitales en Obras Sanitarias, pero debido al éxito se terminan realizando seis. 1980-1981: Spinetta Jade. 1982: Kamikaze. 1983-1984: Spinetta Jade. 1994-1999: Spinetta y los Socios del Desierto. 2000-2009: Solista en el Siglo XXI. En 2012 graba junto a Amelita Baltar, «Laura va», para el disco de la cantante, «El nuevo rumbo».

RUMBO AL CIELO EN 2012

El viernes 23 de diciembre de 2011, se da a conocer que el «flaco Spinetta», padece de un cáncer abdominal en estado avanzado. Después de una operación de urgencia, permaneció internado durante enero de 2012. El debilitamiento resultado de la intervención, combinado con el desgaste físico provocado por el tratamiento contra el cáncer derivaron en su fallecimiento el 8 de febrero. Se fue rumbo al cielo rodeado de su familia. Dejó aquí su mensaje poético de altura. Fue un grande de la música y del rock. Más allá de la nostalgia.

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A 50 AÑOS DE «WOODSTOCK» EN EL CINE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

TRES DIAS DE PAZ y MUSICA

Agosto 1969, 400.000 almas marcan la historia del rock cuando se reunieron en el estado de Nueva York para presenciar un festival de música para vivar a sus artistas favoritos. Asitieron Janis Joplin, Sly and the Family Stone, Jimi Hendrix, Joe Cocker, The Who, Richie Havens, Joan Báez, Country Joe and the Fish, Crosby Stills & Nash, Ten Years After, John Sebastian, Carlos Santana, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jefferson Airplane, entre otros. Las instalaciones quedaron chicas ante semejante concurrencia. Paz, música, sexo, drogas, sin violencias. Al año venidero, 1970, Warner Brós lanzó un documental épico de pantalla múltiple de 70 mm., de máximo brillo editado por Thelma Schoonmaker, con asistencia de Martin Scorsese. «Woodstock: 3 days of peace & music» se convirtió en el lema de la época. Cincuenta años más tarde, que se conmemoran en la fecha, no podría haber un mejor testimonio de aquellas jornadas llenas de sonidos sorprendentes, y de una magia inusitada. El director Michael Wadleigh y su equipo inundan la pantalla con imágenes divididas dobles y triples, audio irresistible y escenas fantásticas para documentar el evento más grande de todos los tiempos en su estilo. Joe Cocker. 2

WOODSTOCK, LA PELICULA

«Woodstock: 3 days of peace & music», llamada por éstos lares «Woodstock, la película», es considerada como punto de referencia de filmes de recitales, por la publicación Entertainment Weekly, y la cataloga como una de las mejores cintas de entretenimiento mejor llevadas a cabo. Dirigida por Michael Wadleigh, la película obtuvo un Oscar al mejor documental de 1970, así como una nominación al «Mejor sonido». También fue exhibida en la edición del Festival de Cannes, 1970, fuera del concurso.
En 1994 fue relanzada una nueva edición de éste film con 220 minutos adicionales. El documento fílmico dejó registrado a gigantes del rock, algunos desaparecidos hace bastante tiempo y otros que han quedado para seguir adelante con sus respectivas y largas carreras. Entre tanto, se mostró a los hippies en su amor a la paz, siendo éste un punto de relación del verdadero nacimiento de dicho movimiento pacífico. En 1994 apareció a la venta una edición especial de la película en la que se agregaron cuarenta minutos e incluye las actuaciones de Cannet Heat, Jefferson Airplane y Janis Joplin omitidas en la versión original. Se agregaron dos números adicionales a la presentación de Jimi Hendrix. Algunas escenas de multitudes en la cinta original fue cambiada por material inédito. Toma aérea del evento. 1

CULTURAL, HISTORICA y SIGNIFICATIVA

En 1996, «Woodstock» fue seleccionada para su conservación en los archivos de National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser cultural, histórica o estéticamente significativa.
El 9 de junio de 2009, se lanzó una edición especial remasterizada del film en formatos DVD y Blu-ray. La edición 40º aniversario se encuentra disponible como un disco doble -edición especial- y un disco triple -edición para coleccionistas- La película fue remasterizada y con audio remezclado. Contiene dos horas adicionales de material inédito, entre ellas las actuaciones de grupos y cantantes como Joan Baez, Country Joe McDonald, Santana, The Who, Jefferson Airplane, Canned Heat, Joe Cocker, así como material de grupos y cantantes como Paul Butterfield, Creedence Clearwater Revival, Grateful Dead, Johnny Winter y Mountain, que no aparecen en ninguna de las versiones anteriores.

50o. ANIVERSARIO DEL DOCUMENTAL

Con la celebración de los cincuenta años de la cinta, varias señales de cable, emitirán una nueva «Woodstock», con más y más imágenes agregadas recordando a aquellos activistas hippies y a diferentes personalidades que habían influído en la realización del festival canoro:
John F. Kennedy, Malcolm X, Che Guevara, Martin Luther King Jr., Mama Cass Elliot, Jim Morrison, John Lennon, Max Yasgur -propietario del terreno donde se hizo el concierto- Abbie Hoffman, Paul Butterfield, Keith Moon, Bob Hite, Richard Manuel, Janis Joplin y Jimi Hendrix. Ocurrió desde el viernes 15 de agosto de 1969, hasta la madrugada del lunes 18 de agosto, en una granja de 240 hectáreas en Bethel, condado de Sullivan, estado de Nueva York, aunque estaba programado para que tuviese lugar en el pueblo de Wallkill, condado de Orange, en el mismo estado de Nueva York, donde los pobladores, sin embargo, se opusieron. Los organizadores también tuvieron la misma experiencia con la sede Saugerties, Nueva York, que había sido seleccionada mientras tanto.
El escritor Elliot Tiber ayudó a negociar a los organizadores con el granjero Max Yasgur, para recibir el concierto en los terrenos de esa familia, 64 km al suroeste de Woodstock. Más allá de la nostalgia.

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LOS 75 DE ROD STEWART: ETERNAMENTE JOVEN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

NI PIENSEN EN EL RETIRO

Su nombre y su estilo se mantienen bien arriba, digamos en la cúspide. Hoy por hoy su disco special de recopilaciones «You’re in my heart» con la Royal Philarmonic Orchesta se pasea en el tope del chart en el Reino Unido. Si comparamos aquel Rod Stewart de principios de los setenta con el de hoy en pleno año 2020, no tiene diferencias, simplemente la edad que recién cumplió: 75 años. Rod Stewart. 1 Tiene la misma personalidad, la voz no la cambió, la interpretación le sale igual, el cabello rubio de siempre y el carácter a veces alegre y por momentos provocador y fanfarrón, que lo ha empujado a veces bien y a veces no tanto, a lo largo y a lo ancho de su interminable carrera en el mundo de la música. Rockero con todas las letras, de muchos himnos en su haber, con infinidad de tournés por el mundo entero, se convirtió auténticamente en una estrella. Dando que hablar como vocalista de The Jeff Beck Group y Faces, se inició como guitarrista callejero, para luego partcipar en The Dimensions y en The Steampacket, en los comienzos de la increíble decada de los sesenta, dando pie al nacimiento a la invasión de grupos británicos a los Estados Unidos. Con su tan especial voz rasposa, sigue tan campante en plena actividad. Así, que por lo pronto, por ahora ni piensen en el retiro.

SU CARRERA SOLISTA

Estando en Faces, Stewart comenzó su carrera solista con el lanzamiento de su primer disco «An old raincoat won’t ever let you down», logrando tener más suerte, que con la propia banda. Al desintegrarse Faces, se dedicó a componer temas y a buscar nuevas canciones para continuar obteniendo sucesos y ventas millonarias desde ese momento hasta el presente. En lo extenso de su trayectoria, cantando solo con su agrupación ha practicado diferentes estilos: new wave, folk, soft rock, soul, blues rock, pop rock, rhythm and blues, disco, white soul, y más. Ha sido distinguido con infinidad de galardones, tales como Premio Brit, Grammy y un testimonial como fundador de la ASCAP -The American Society of Composers, Authors and Publishers- Incluído dos veces en el mismísimo Salón de la Fama del Rock, en 1994 como solista y en 2012 como miembro de Faces, penetrando en el Salón de la Fama del Reino Unido, en 2006. Además, agregamos que sus ventas están llegando a los 200 millones de discos por el orbe, por lo cual ha recibido discos de oro, de platino, de doble platino, entre tantos.
UNA MÁQUINA DE HACER HIMNOS

De a poco fue colocando un sin número de himnos de cada época que convierte a Rod Stewart en un clásico. «Da ya think I’m sexy?», «Maggie May», «Sailing», «You wear It well», «Young turks», «The first cut Is the deepest», «Have you ever seen the rain», «Reason to believe», «Forever young»,»Have i told you lately»,»Downtown train», «Rhythm of my heart», «I was only joking», «All for love», «This old heart of mine»,»Passion», figuran en su máquina de escribir y versionar temas de singular suceso. Ya en 2011, junto a Stevie Nick iniciaron la gira Heart & Soul Tour, por varias ciudades de Estados Unidos y Canadá. En 2012 firma contrato con Universal Music Group para el lanzamiento de su próximo álbum. Lanza su primer álbum navideño, Merry Christmas, Baby, colocando casi tres millones de placas en el mundo durante 2012. Un año más tarde, su disco Time, llega al número uno en Inglaterra. Durante 2012 y 2013 realiza una gira mundial, actuando en el Festival de la Canción de Viña del Mar, Chile. En octubre de 2016, fue nombrado caballero de la Orden del Imperio Británico por Guillermo de Cambridge, título otorgado por la Reina en junio por la celebración de sus 90 años.
En 2017 celebró una serie de conciertos llamados The Hits, varias veces por semana en el Colloseum del Hotel Casino Caesars Palace, en Las Vegas, Estados Unidos. Hay varias fechas anunciadas para 2019.

OCHO HIJOS CON CINCO MUJERES

Rod Stewart o Roderick David Stewart, quien nació el 10 de enero de 1945, en Highgate, al norte de Londres, ha tenido ocho hijos con cinco damas diferentes, y todas ellas excepto la primera, Susannah Boffey, quien quedó embarazada cuando él tenía 17 años, y cuya hija dieron en adopción, continuan estando presentes en su vida. Una familia unida en sistema moderno, la modelo y periodista Penny Lancaster, su pareja actual, madre de Alastair y Alden, Alana Stewart -madre de Sean y Kimberly- Rachel Hunter -madre de dos hijos Renee y Liam- y Kelly Emberg -madre de su hija Ruby- Mujeriego empedernido, catalogado de esa manera por su pasado, actuó una vez en Montevideo, brillando. Más allá de la nostalgia.

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ESTUDIOS SONDOR: RUMBO A LOS 82 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

1938-2020

Allá por los años treinta surgen los Estudios Sondor a raíz del interés del joven Enrique Abal Salvo, por los sistemas de grabación. Actualmente, existen en los archivos «Son d’OR», registros de 1934 realizados por Enrique, cuando tenía 16 años en su grabador de discos. Hacía 1938 ya le ponía la marca «Son d’OR» -Sonido de Oro en francés- a los discos que registraba, tanto musicales, como de publicidad o discursos de políticos. Utilizando sus propios micrófonos y haciendo sus propias consolas de grabación, llevaba adelante el emprendimiento, sosteniendo que en esa época era más facil «hacer que comprar». Tres años más tarde, en 1941 se hicieron los primeros discos prensados en Uruguay, instalando la parte de matrices en los fondos de la residencia de Enrique Abal, y en un taller, con una caldera de tintorería! y una prensa hidráulica, se armó la fábrica.

Don Enrique Abal Salvo, fundador de Sondor

Don Enrique Abal Salvo, fundador de Sondor

DONATO RACCIATTI, ROMEO GAVIOLI y JULIO SOSA

En 1944, ve la luz el sello fonográfico Sondor, con motivo de un concurso de música popular, patrocinado por AGADU, Sondor y Radio Carve, donde se promovían los autores e intérpretes compatriotas.
Así se empieza a grabar y editar comercialmente a Romeo Gavioli, a la orquesta de Donato Racciatti, a Julio Sosa, entre otros. Esos primeros registros los realizaba en una pieza del estudio de Radio Ariel, la emisora de Luis Batlle. Allí instalaba los equipos y luego seguía el proceso en el taller de prensado. En 1943 trasladó el Estudio a los pisos superiores del edificio donde emitía Radio El Aguila, en Plaza Cagancha. A principios de la década del cincuenta se mudó a Río Branco 1536. En ese tiempo se empezó a grabar en cinta magnética y se desarrolló una verdadera multiplicación de los registros de artistas de acá: Amalia de la Vega, Puglia-Pedroza, Washington Oreiro, Miguel Villasboas, y más. Asimismo, de agrupaciones del exterior, como: Armando Oréfiche y sus Havana Cuban Boys, Los Lecuona Cuban Boys, así como orquestas típicas argentinas, en una larga lista.

LA MUSICA BEAT y EL CANTO POPULAR

En los sesenta el ritmo beat acaparó la atención, y bajo el impulso de Enrique Abal, «Quique», hijo de Don Enrique Abal Salvo se grabaron a nuevos artistas como Mateo, Rada, El Kinto Conjunto, Urbano, Aldo y Daniel, y muchos otros que marcaron gran parte de la historia de la música uruguaya. En los setenta, Quique fue el principal impulsor del llamado Canto Popular en nuestro país, llevando a los Estudios a artistas de una nueva generación: Darnauchans, Fossati, Benavides, Larbanois-Carrero, entre tantos. Ya en 1975 se inaugura un nuevo estudio de grabación en la ubicación actual, con un sistema de 24 pistas, siempre con una consola diseñada por Don Enrique Abal, y construída junto con otro hijo suyo, el Ing. Rafael Abal, actual director de Sondor. En los Estudios Sondor han grabado Joan Manuel Serrat, Alfredo Zitarrosa, Pepe Guerra, Jaime Roos, La Vela Puerca, el Cuarteto de Nos, Los Terapeutas, Santiago Chalar, Aníbal Sampayo, Roberto Goyeneche, Hugo y Osvaldo Fattoruso, Armando Manzanero, la Orquesta Filarmónica de Montevideo, la Orquesta Sinfónica del SODRE. Actualmente registran para el sello Sondor: Oscar Ramírez, Carlos Alberto Rodríguez, Sonora Borinquen, Yesti Prieto, La Sabrosura, La Decana, Daniel Bertolone, Eustaquio Sosa, Julio Frade y Alejandro Luzardo.

Las grabadoras AMPEX a cinta

Las grabadoras AMPEX a cinta

EL GRAN ARCHIVO y LOS SONIDOS

El archivo Sondor se ha mantenido desde las primeras grabaciones, gracias al esfuerzo de Don Enrique Abal Salvo, así como la dedicación de otro de sus hijos, Alejandro, que se preocupó de convervar en buen estado esos registros hasta el día de hoy. Pero no sólo se han custodiado sonidos, sino también diseños gráficos de etiquetas, carátulas, y afiches que han expresado las tendencias de su tiempo. Actualmente Sondor se encuentra en proceso de digitalización de su catálogo, ya hay a disposición del público más de 13.000 piezas musicales, a través de los diferentes servicios digitales. Ahora que Sondor va rumbo a los 82 años de vida de las primeras grabaciones, trabaja en la empresa un equipo que incluye miembros de la segunda y tercera generación, hijos y nietos de Don Enrique Abal Salvo, quien dejó de existir en junio de 2008, al filo de sus noventa años. Enrique conservó hasta el final su interés por la empresa y por todos los aspectos técnicos que ésta implica, aportando soluciones sobre la base de la experiencia que adquirió con tantos años de grabaciones a cuestas. Más allá de la nostalgia.

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TRAPPER, EL CIRUJANO DEL EJERCITO DE «M.A.S.H»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UNA DE LAS SERIES MÁS POPULARES
Se mantuvo durante once temporadas en grilla, desde el 17 de septiembre de 1972 hasta el 28 de febrero de 1983, con 251 capítulos en su haber, constituyéndose en una de las series más populares en la historia de la televisión norteamericana, con un verdadero récord en la salida al aire: 125 millones de espectadores. Inspirada en la película del mismo nombre de Robert Altman, de 1970, de la novela de Richard Hooker, siendo sus protagonistas Donald Sutherland y Elliott Gould, logrando la Palma de Oro, Cannes 1970, y un Oscar de Mejor Guión Adaptado. La tira se dirigía a la guerra de Vietnam, que se desarrollaba cuando la serie se estrenó, aunque el argumento se detenía en una batalla anterior, la guerra de Corea, tan violenta como la otra. Se trata de M.A.S.H. -Hospital quirúrgico móvil del ejército- por sus siglas en inglés, basada en un grupo de doctores de un campamento estadounidense que atiende a los heridos en las batallas.

LA EXISTENCIA COTIDIANA
M.A.S.H. sigue la existencia cotidiana de éstos médicos militares que desarrollaban sus funciones en plena guerra. Este conjunto de doctores de gran camaradería son liderados por Capitán Benjamín Franklin «Hawkeye» Pierce, estelarizado por Alan Alda, y por el Capitán John McIntyre «Trapper», encarnado por Wayne Rogers, durante los años 1972-1975, junto con otros personajes que son enfermeras y soldados del campamento.

Wayne Rogers

Wayne Rogers

Durante los tres años de participación en la serie dió mucho que hablar la actuación del que fuera justamente el cirujano del ejército McIntyre, por el actor Wayne Rogers, quien se hizo conocido ante el desarrollo de su interpretación. «Trapper» o «Trampero» entró a los hogares del mundo, ante la sucesión de episodios, donde aparecía su figura manejando diferentes y difíciles situaciones.

EL MÁS QUERIDO DE M.A.S.H
William Wayne McMillan Rogers III, nació en Birmingham, Alabama, se consagró como actor de cine y tele. Su personaje de «Trapper» fue el más querido de M.A.S.H. intercambiando bromas con su compañero de juerga y travesuras en éste caso, Pierce, Alan Alda. Rogers se licenció en historia en la Universidad de Princeton, y se unió a la Marina de los Estados Unidos. Durante su servicio militar, se interesó en la actuación. Debido a «Trapper» obtiene una estrella en el paseo de la Fama de Hollywood en el año 2005. Wayne apareció previamente a M.A.S.H. como invitado en «Los invasores», «F.B.I. en acción», «Combate», «El fugitivo», entre otras tiras y un papel especial en «Cool hand luke», filme de 1967.

Elenco de M.A.S.H, 1974

Elenco de M.A.S.H, 1974

En 1959, logró el papel de Slim Davis en la telenovela «Search for tomorrow». Rogers también tuvo un desempeño en «Odds against tomorrow», nominada al Golden Globe Award, 1960, como la mejor película de Promoción Internacional de Entendimiento. Tuvo su protagónico con Robert Bray y Richard Eyer, en la serie tv western«Stagecoach west», ABC, 1960-1961. En 1965, Wayne estelarizó al teniente del ejército USA, Richard Henry Pratt, el último de Carlisle Indian School, en el epísodio «The journey» del grupo de series western Death valley days. Rogers también protagonizó en 1981 la cinta «The hot touch» de Roger Vadim. Luego llegó «The gig», 1985, desempeñando a un músico aficionado de jazz cuyo grupo tiene la oportunidad de tocar en un resort de Catskills y debe enfrentar el fracaso. También en 1985, protagonizó con Barbara Eden la película de la serie «I dream of Jeaniie»… Fifteen years later basada en la comedia de los años sesenta.

VIDA PERSONAL
En sus años mozos, Rogers conoció a la actriz Mitzi McWhorter en Nueva York a fines de los cincuenta. Se casaron en 1960, tuvieron dos hijos y se divorciaron en 1983. Estuvieron separados durante casi cuatro años antes del divorcio. Rogers se casó con su segunda esposa, Amy Hirsh, en 1988. Lamentablemente, dejó de existir el 31 de diciembre de 2015 -hace cuatro años- debido a complicaciones de neumonia en Los Angeles, California, a la edad de 82 años. Más allá de la nostalgia.

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LOS WAWANCO DE LAS FIESTAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Década tras década desde los sesenta se han caracterizado por ser los más escuchados, disfrutados, y bailados en las fiestas tradicionales. En Salto, Montevideo, o en el pueblo más lejano que sea, Los Wawanco se lucen con sus cumbias tradicionales. Quién no se habrá movido en alguna nochebuena o fin de año con «Nochebuena en mi pueblito», «El niño está con nosotros», «Amor y paz», «Navidad de los pobres», entre otras; seguramente desde épocas de nuestros abuelos -o más para atrás- nos hemos identificado con ésta música tan bonita, cumbia de verdad, simple, pero bien interpretada, de ritmo espectacular. Si de recordar se trata, los queridos Wawanco con la voz de Hernán Rojas, llevan adelante la nostalgia y otros momentos vividos, que hoy los traemos al presente al borde de la emoción. Felicidades con Los Wawanco!… Reyes de la cumbia. 4

LOS REYES DE LA CUMBIA
Aparecieron de la nada en el Gran Buenos Aires. Estudiantes que llegaban a la vecina orilla para continuar con su carrera universitaria, llevando la música en su corazón, tal es así que los muchachos se reunían en sus ratos libres para interpretarla. Ocurrió en el año 1965, cuando en las universidades argentinas albergaban a cientos de estudiantes que llegaban desde todas partes de América Latina. Un grupo de recién llegados con ganas de divertirse se juntaba a tocar muy seguido, hasta que un buen día los contratan por esas cosas de la vida en un restaurante bailable de Vicente López llamado Tom y Jerry, aceptando la invitación del empresario Francisco Trimboli. Llamando la atención por sus camisas floreadas, la primera conformacion de Los Wawancó tuvo a Rafael Aedo Salcedo, Enrique Salazar y Hernán Rojas, desde Colombia, Carlos Cabrera, Perú, Sergio Solar, Chile, y Mario Castellón, desde Costa Rica. Los caballeros presentaron una mezcla de los ritmos de sus países: cumbia colombiana, merengue, salsa, guaracha, y si bien ese fue un comienzo continuaron adelante. Muy pronto los llamarían los reyes de la cumbia. Serían primeros en América, como se promocionan en sus múltiples discos editados.

PRIMEROS EN AMERICA
El nombre de Wawancó deriva del término «guaguancó» que hace referencia a un ritmo musical cubano de fines del siglo XIX -coincidente con el momento de la abolición de la esclavitud en esa isla- Algunos sostienen que su significado representa al carnaval. Luego de aquel show en Vicente López, llegó otro, otro, otro y más, hasta que son contratados por la empresa fonográfica que los lanzaría a la fama EMI Odeón. En sus estudios grabarían los éxitos más importantes de su carrera, que los erigiría en primeros en América: «Villa cariño», «Un sombrero de paja», «Cumbia que te vas de ronda», «La pollera colorá», «La cosecha de mujeres», «El cuartetazo», «Atrévete a mirarme de frente», «El pescador», «El gavilán», «Tiburón a la vista», «Pajarito mañanero», «El palomo y la paloma», «No te vayas corazón», «La banda está borracha», «La arañita de Martita», «Lucerito», «La burrita», entre otros. Antes éstos suceso se acercarían momentos de películas:»Villa Cariño» y «El gordo catástrofe», ésta última junto al gran Jorge Porcel.

HERNAN ROJAS, UN REFERENTE
Hernán Rojas un referente de la banda, la abandonaría luego de momentos de esplendor. Es de notar, que Los Wawancó se hicieron conocidos por el registro de su espectacular voz. Marcó una época, un momento. Hasta que se retiró de la agrupación, llamado a ser solista, iniciando allí otro momento de su trayectoria. Los Wawancó continuaron adelante en sus planes, con más grabaciones, recitales y bailes. Mientras tanto, Hernán aterrizó en Montevideo para agruparse con Los Graduados de Uruguay para realizar un montón de shows, registrando algunos discos además en Sondor S.A. Los tuvieron como primeras figuras de largos e interminables carnavales por todo el territorio uruguayo, grabando varios discos con sus hits más notorios, que se fueron constituyendo en sendos discos de oro.

JOSE OSCAR «TACO» MORALES
Exactamente en 1969 ingresa en Los Wawancó ante la ausencia de Hernán Rojas, el cantante oriundo de Mar del Plata, José Oscar «Taco» Morales, con las que serían sus primeras grabaciones: «Bucaramanga» y «Daniela la del Palmar». Taco había sido integrante originario de «El Club del Clan» junto a Chico Novarro y Palito Ortega, entre otros destacados. Fue componente del conjunto hasta el año 1990 y falleció en noviembre de 2006. Hernán Rojas dejó de existir el 7 de octubre de 2001, reconocido por su gran carisma y afabilidad. Hernán le cantó al amor, al paisaje de su tierra colombiana y a los niños, siempre llevando un mensaje de paz y alegría. A través de él la música colombiana se ha escuchado y difundido por los cinco continentes, donde siempre destacó con orgullo su origen cartagüeño y colombiano. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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LA DURA BATALLA DE MARIE FREDRIKSSON

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Se llamó Gun-Marie Fredriksson, nacida en Suecia, el 30 de mayo de 1958, conocida artísticamente como Marie Fredriksson, y fue una cantante y compositora sueca conocida por ser la voz femenina del dúo pop Roxette junto a Per Gessle. En el año 1992 los famosos artistas se presentaron en el Estadio Centario de Montevideo, ante un lleno practicamente total. Marie era hija de Charles Gösta Fredriksson -1914-1981- y de Inez Dagmar Hoffer -1922-1998- Tenía tres hermanas, una de ellas, Anna-Lissa Fredriksson -1945-1965- falleció a los veinte años en un accidente de tránsito. Desde temprana edad tuvo relación con la música. En su juventud, formó dos bandas: Strul y Mamas Barn, sin embargo el reconocimiento en su país llegaría después, cuando se dedicó por completo a su carrera solista. Marie Fredriksson. 1

SU PRIMER ALBUM
Su primer álbum «Het vind» fue un gran éxito en 1984. Posteriormente Den Sjunde Vågen la consagró como una artista de renombre en Suecia. En 1986 comenzó su trabajo en Roxette, pero no del todo segura del suceso de este proyecto internacional, decidió seguir con su carrera en solitario, y en 1987 lanzó su tercer álbum, «Efter stormen». Sin embargo, Roxette comenzaba a tomar forma. En 1989 el sencillo «Sparvöga» representó el último hit como solista de la década de los ochenta. Esta balada fue un gran impacto en Suecia, pero Marie no tenía tiempo para un nuevo álbum, ya que el éxito de Roxette y las giras internacionales no le permitieron centrarse en su carrera en solitario, hasta que en 1992 regresó con el lanzamiento de «Den standiga resan», que colocó más que cualquier otro disco de Marie. Una gira por Suecia la llevó al reencuentro con sus más fieles seguidores. Ya más acostumbrada a las agendas de Roxette y a lo que significaba ser parte de un número internacional, Marie regresó en distintas ocasiones. En 1996 «I en tid som vår» nuevamente logró buenas ventas y tres sencillos del álbum mantienen su carrera en la cima. El disco «Äntligen – bästa» 1984-2000, editado en 2000, recopiló los mejores hits de Marie. Incluye además dos nuevas canciones: «Det som var nu», una balada cantada a dúo con Patrik Isaksson y el tema que da nombre al álbum, «Äntligen», inició una nueva gira por Suecia y el impacto llevó a más de cien mil personas a asistir a sus conciertos. Aquel recopilatorio de grandes éxitos vendió más de trescientos mil discos en Suecia.

UNA CAJA DE CINCO ALBUMES
En 2002 salió al mercado mundial una caja que incluía los cinco álbumes de estudio de Marie grabados entre 1984 y 1996 más un disco con sus mejores temas en directo tourné «Äntligen, 2000». En septiembre del mismo año, Marie iba a embarcarse junto a su compañero Per Gessle en una serie de conciertos sinfónicos, pero un acontecimiento hizo que este y muchos planes cambiasen de rumbo. Horas antes de conceder una conferencia de prensa, Marie Fredriksson se desmayó en su hogar y fue hospitalizada. Al día siguiente, después de una serie de estudios, se le diagnosticó un tumor cerebral, la noticia conmocionó no sólo a sus seguidores, sino también al mundo entero.
Semanas más tarde, Marie fue intervenida quirúrgicamente y el tumor fue extirpado por completo. Si bien la operación fue un éxito, la gran cantante fue sometida a un estricto tratamiento con el fin de evitar otras nuevas formaciones de cáncer. Como secuela de dicha operación, Marie perdió la capacidad para leer y cantar, teniendo que aprender de nuevo. Durante casi dos años permaneció lejos de la escena musical, dedicándose por completo a su familia y recibiendo el tratamiento. A lo largo de ese lapso, escribió y grabó un álbum, «The change», que refleja todos esos momentos vividos.

EL REGRESO DE MARIE
«The change» marcó el regreso de Marie, pero esta vez en inglés, debutando así en el mercado internacional. En 2007, Marie volvió a la escena, interpretando cuatro temas en el disco debut de su esposo, Mikael Bolyos, «A family affair». En dicho lanzamiento se incluye finalmente la canción «Hometown», que originalmente fue grabada en 1996 para la banda sonora de la película sueca «Such is life». Por razones desconocidas, dicha banda sonora nunca salió a la venta. En enero de 2011 se produjo el retorno de Roxette, con el sencillo «She’s got nothing on (But The Radio)», que forma parte de la produccion «Charm school». Disco con el cual comenzaron una nueva gira mundial que los llevó por los cinco continentes y que duró hasta 2012. Ese mismo año lanzaron «Travelling», un disco en el que se mezclaron canciones en vivo y de estudio. No obstante el 19 de abril de 2016, se produjo la cancelación de la tourné mundial por el 30o. aniversario del dúo, debido a problemas de salud de la cantante, a la que sus médicos aconsejaron que no viajara. Luego de una dura batalla contra el cruel cáncer, el pasado 9 de diciembre, Marie dejó de existir en su bunker de Djursholm, Estocolmo, a los 61 años de edad. Con su pareja, Mikael Bolyos tuvo dos hijos: Inez Josefin y Oscar Mikael. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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LOS JUVENILES 103 AÑOS DE KIRK DOUGLAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN CUMPLE TRANQUILO y EN FAMILIA

No es un cumpleaños más, son 103 años los que está cumpliendo uno de los actores más famosos de Hollywood de todos los tiempos, Kirk Douglas. Kirk Douglas, 2019. 1 El caballero más longevo del cine norteamericano, nacido un día como el de hoy 9 de diciembre, pero de 1916, en Nueva York. Reconocido por infinidad de estelares en películas, entre las que se destacan «El loco del pelo rojo», haciendo del pintor Vincent van Gogh y «Espartaco», fllme de Stanley Kubrick, entre otras. Hizo de ganster, policía, esclavo, vaquero, militar y más, resaltando siempre con muy buenos trabajos. Por su extensa y reconocida carrera le entregaron un Premio Oscar Honorífico en 1996, padre del también actor Michael Douglas. En 1954 Kirk participó en la superproducción de Walt Disney «20.000 leguas de viaje submarino», por la que ganaría 175.000 dólares, cifra récord en aquellos tiempos. En los años posteriores participó en producciones como «La pradera sin ley», de King Vidor y «Hombres temerarios», de Henry Hathaway. En 1955, Douglas fundó su propia productora cinematográfica, Bryna, llamada así en honor a su madre, y realiza su primera cinta como productor: «Pacto de honor», dirigida por André De Toth. Si bien en los cumple de los años 100 hasta 102 fueron super fiestas sorpresa organizadas por Michael en honor a su padre, ésta vez le pidió Kirk a su hijo, que solamente deseaba un cumpleaños tranquilo en familia, con una simple cena. Eso será lo que le espera ésta noche, al ícono del séptimo arte. Muy feliz aniversario!!…

VENDIA REFRESCOS y DULCES

Los padres de Kirk Douglas eran campesinos judíos, procedentes de Chavusy, región de Maguilov, en el Imperio ruso -actualmente en Bielorrusia- El padre de Douglas, Herschel Danielóvich, se ganaba la vida vendiendo alimentos y madera en las calles de Amsterdam, Nueva York, pero eso no alcanzaba para mantener a seis hijas y un hijo varón, por lo que Kirk tuvo que empezar a trabajar desde muy joven, pues aún iba al colegio. En aquel entonces vendía refrescos y dulces en la calle y también repartió periódicos durante una temporada. Su padre abandonó el hogar cuando Kirk tenía cinco años. Kirk tuvo su primer contacto con el mundo de la actuación en la escuela primaria y en el instituto de educación secundaria Wilbur Lynch High School, donde obtuvo una medalla por recitar el poema «Across the Border». En ese tiempo se inició en la oratoria y el debate, uniéndose al equipo del instituto. A los 17 años culminó la secundaria y quiso matricularse en la universidad, pero su salario no le alcanzaba para ingresar. Aun así, Douglas decidió solicitar su admisión en la St. Lawrence University de Nueva York directamente al decano, que le aceptó en la universidad a cambio de que Douglas trabajase allí como jardinero y posteriormente como bedel, mientras estudiara allí.

CUATRO AÑOS DE UNIVERSIDAD

Hizo cuatro años de universidad, y se destacó en otras actividades, en especial en lucha libre, llegando ser campeón invicto del St. Lawrence y ganador del «Campeonato de lucha libre universitario». Se dedicó también al debate y al teatro, uniéndose al grupo de teatro de la universidad The Mummers. Durante un verano participó en un número teatral de una feria, actuando como luchador, como el propio Kirk Douglas describió: «Teníamos un número donde yo era un chico del público que salía al escenario para enfrentarse al campeón. A efectos interpretativos fue un gran aprendizaje». Tras graduarse en la Universidad de St. Lawrence consiguió una beca en la Academia Norteamericana de Arte Dramático de Nueva York, lugar en el que permaneció hasta 1939, con 23 años de edad. Durante su estancia allí, Kirk impartía clases de arte dramático a los niños del centro y durante los veranos, trabajaba en teatros veraniegos como actor de reperto. Fueron sus inicios en la actuación como profesional, y fue durante esta época en la que Kirk Douglas adoptó su nombre artístico. Fue también allí, en la Academia Norteamericana de Arte Dramático.
Así es que Kirk centró su objetivo en los escenarios teatrales de Broadway, donde debutó en 1941 en la obra «Spring again», protagonizada por Charles Aubrey Smith, y en 1942 participa como director de la obra. Ese mismo año fue llamado al servicio militar, y se incorporó a la Armada de los Estados Unidos, llegando a la escuela de guardamarina de la Notre Dame University, donde se graduó como alférez. Acto seguido fue destinado a la Unidad Antisubmarina, en el océano Pacífico, donde estuvo dos años -1942-1943- como oficial de telecomunicaciones.

LOS VALIENTES ANDAN SOLOS

En la década de los sesenta Kirk ya estaba entre los grandes de Hollywood, y continuaba con «Un extraño en mi vida», 1960, y «El último atardecer», 1961, y con la producción de películas propias, que no funcionaron muy bien: «Ciudad sin piedad», «Los valientes andan solos», 1962, «Dos semanas en otra ciudad», «Silencio de muerte», 1963, «Tres herederas», 1963, «El último de la lista»,1963, y «Siete días de mayo», 1964. En 1963, Douglas volvió a Broadway para protagonizar «One flew over the cuckoo’s Nest», e incluso intentó llevar a cabo una adaptación cinematográfica, aunque no consiguió apoyo, así que cedió los derechos de la novela a su hijo Michael, cuya posterior versión cinematográfica con Jack Nicholson resultó un éxito. Fue candidato en tres ocasiones a un Premio Óscar de la Academia, aunque nunca lo ganó debido a sus tendencias izquierdistas conocidas, sin embargo, fue galardonado en 1996 con el Oscar Especial. En 1983, Kirk ganó el Premio Jefferson por sus servicios a la comunidad, y en 1986, mientras presentaba los actos del centenario de la Estatua de la Libertad, fue galardonado con la Medalla de Honor de la Isla de Ellis. La American Academy of Dramatic Arts le galardonó con un premio muy especial.
Más allá de la nostalgia.

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CLARENCE, EL LEON BIZCO: TAN CARIÑOSO COMO UN GATITO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UNA PELÍCULA y UNA SERIE

Más que un león, podría ser un minino cariñoso. Estrella del cine y la tv, el público lo tiene como una mascota inofensiva que le llegó al corazón. Siempre se le ha visto junto a otros animalitos, como por ejemplo Judy, la chimpancé, ocupando un lugar de atracciones estelares en la pantalla, manteniendo su propia trama de andanzas, enredos cómicos y graciosas travesuras, en todo lo filmico que han realizado. Primero fue «Clarence, el león bizco», en el cine, y más tarde -después del suceso de la cinta- en la televisión con la serie «Daktari». Lo llamaron, Clarence, y es un poco la historia de un gatito adorable, perdón, de un león mimoso!…

Elenco de Daktari junto a Clarence

Elenco de Daktari junto a Clarence

CLARENCE, THE CROSS-EYED LION

«Clarence, el león bizco» -»Clarence, the cross-eyed lion»- es la película en cuestión, filmada en 1965, en Soledad Canyon, cerca de Los Angeles, California, y en Miami, producida por Ivan Tors, Leonard B. Kaufman y Harry Redmond Jr., dirigida por Andrew Marton y protagonizada por Marshall Thompson y Betsy Drake. Aventuras y comicidad al por mayor con la participación de Paula Tracey -Cheryl Miller- una niña aventurera y valiente, hija del veterinario Dr. Marsh Tracey -Marshall Thompson- El Dr. Tracey es el director del Hospital de animales y la reserva natural de Africa Oriental. En el argumento, el médico lucha para proteger toda la vida silvestre africana, mientras estudia y cuida a los animales heridos y las especies en peligro de extinción. Paula y su padre encuentran a Clarence, un león de Africa, salvaje, bizco, que le hacen imposible la caza en la naturaleza, y lo adoptan como un nuevo miembro de su reserva natural. Lo llamaron Clarence, quien más tarde salvaría a Julie Harper -Betsy Drake- y a sus monos de investigación, cuando son amenazados por cazadores de animales. En el elenco figuran, además,
Richard Haydn -Rupert Rowbotham- Alan Caillou -Carter- Rockne Tarkington -Juma- Maurice Marsac -Gregory- Robert DoQui -Sargento-
Albert Amos -Husseini- Dinny Powell -Dinny- Mark Allen -Larson-Laurence Conroy -Turista- Allyson Daniell -esposa del turista-
Naamán Brown, Napoleón Whiting -Aldeanos- entre otros. El filme fue seguido por la serial tv CBS, «Daktari», con Marshall Thompson y Cheryl Miller, repitiendo sus papeles del cine.

EL PARTICULAR LEÓN CRECE EN LA TIRA

Los productores de la Metro se frotaron las manos de alegría, ante el lanzamiento de «Daktari» en la pantalla chica, anticipando un éxito de teleaudiencia. Y así fue, «Daktari» -»Doctor» en lengua suajili- se constituyó en suceso permaneciendo cuatro temporadas en grilla, desde 1966 a 1969, inclusive, a través de la cadena CBS, en asociación con MGM Televisión, en una producción de Ivan Tors. En la realización aparece el Dr. Marsh Tracy, un veterinario en el Centro de Estudios de Comportamiento Animal, en el este de Africa. La serie representa una gran aventura en el corazón de África. Sigue el trabajo del Dr. Marsh Tracy, a quien los nativos llamaban «Daktari», que ejerce su profesión estudiando los animales de la región en el campamento «Wamerú», donde es ayudado por su hija Paula, sus colaboradores, Jack Dane y Mike, un nativo; ocasionalmente aparecía el oficial Hedley, un guardián británico, quienes con frecuencia debían enfrentarse a distintas peripecias, no sólo con los riesgos de la selva como ataques de animales salvajes u otros, sino también que lidiaban con eventuales tribus hostiles, y con los funcionarios locales. Al mismo tiempo debían proteger a los animales de todo tipos de peligros, principalmente luchar contra los cazadores furtivos.

CLARENCE TENÍA DOS DOBLES

Más allá de todo, el león Clarence y la chimpancé Judy se trasnsformaron en «Daktari», en personajes muy populares, brindando una gran dosis de ternura, humor y simpatía. En la tira, Clarence no realizó todas las escenas peligrosas, tenía un substituto. Leo, otro león entrenado por Ralph Helfer reemplazaba a Clarence cada vez que había escenas con camiones, ya que Clarence se asustaba al ver esos vehículos. Leo, incluso tenía su propia maquilladora, quien le aplicaba una caracterización cosmética como si fuese Clarence, por lo que se asemejaba a éste cuando era tomado en primeros planos. Un tercer león, menos amigable, también llamado Leo, proveniente de una familia de Utah, doblaba a Clarence en otro tipo de escenas. Únicamente se lo utilizó para las escenas en las que debía emitir rugidos, mostrar ferocidad y escenas generales que no implicaban proximidad con los seres humanos. Judy la chimpancé, además representó a la mascota espacial «Debbie, el Bloop», en la serie Perdidos en el espacio. Más allá de la nostalgia.

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EL SHOW DE TAB HUNTER

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN REFERENTE DE AQUEL HOLLYWOOD
Su show fue un programa histórico en la televisión de los Estados Unidos. Junto al de Frank Sinatra y Dean Martin, se ubicaba el de éste actor famoso en los cincuenta y sesenta por sus desempeños cinematográficos y televisivos. Su pasaje por películas y series lo hicieron un referente de aquel Hollywood. Su porte de caballero elegante se paseó por la pantalla, hasta que se declaró homosexual perdiendo buena parte del público femenino que se sintió defraudado ante la situación. Trajo aparejado un bajón en su actividad y alguna perdida de contratos, pero siguió adelante con otras realizaciones. Canal 10 de Montevideo, pudo emitir su show y sus seriales, con una magnífica recepción de televidentes. Rodó westerns, policiales, drama, bélicas, y hasta alguna producción de humor. Se llamó Tab Hunter, un nombre popular y reconocido por muchos espectadores en el mundo entero. Tab Hunter. 1

HIJO DE INMIGRANTES ALEMANES

Tab Hunter o Arthur Andrew Kelm, es hijo de Gertrude Gelien y Charles Kelm, nacido el 11 de julio de 1931, en Nueva York. Sus padres se separaron y luego del divorcio, Gertrude, la madre de Tab se mudó a California junto a sus dos hijos, recuperando su apellido de soltera Gelien, cambiando el apellido de sus hijos por éste. Hunter se unió a la Marina a los quince años, mintiendo acerca de su edad para alistarse. Mientras estuvo allí, se ganó el apodo de «Hollywood» por su afición por ver películas en lugar de ir a bares mientras estaba de asueto. Cuando sus superiores descubrieron su verdadera edad, lo despidieron. Allí es cuando conoce al actor Dick Clayton. Clayton sugirió que Hunter se convirtiera en actor. Por otra parte, su madre, en sus últimos años, fue arrastrando problemas de salud que obligaron a ser internada haciéndole tratamientos especiales. Tab apoyó a Gertrude hasta que ésta partió por diferentes enfermedades.

NACE TAB HUNTER EN EL CINE

Así es que Clayton presenta a Hunter al agente Henry Wilson, quien era representante de otras figuras estelares, como Rock Hudson y Robert Wagner. Wilson le coloca el nombre fantasía de Tab Hunter. Su primer filme fue «The Lawless», 1950. Hunter era amigo del actor Paul Guilfoyle, quien lo recomienda al director Stuart Heisler, que estaba buscando una cara nueva para estelarizar el papel central de «Island of desire», 1952, junto a Linda Darnell. La cinta se convierte en suceso de taquilla rapidamente. Inmediatamente, en 1953 llega «Gun belt», un western producido por Edward Small. Logró un buen desempeño, y el propio Small lo convoca nuevamente para una película de guerra, «The steel lady», 1953, junto a Rod Cameron. Continuaría con una producción de aventuras: «Return to treasure island», 1954. Ante tal suceso en los filmes, le ofrecen un contrato con Warner Brós y lo firma aceptando más películas y lluvia de dólares.

JUNTO A JOHN WAYNE y LANA TURNER

Su película lanzamiento para Warner fue «The sea chase», 1955, con John Wayne y Lana Turner. Logró un gran suceso de taqilla, pero la parte de Hunter fue relativamente pequeña. Su papel decisivo se produjo cuando fue elegido como el joven Marine Danny en el drama de la Segunda Guerra Mundial «Battle Cry», de 1955. Su personaje tiene un romance con una mujer mayor, pero termina casándose con la chica de al lado . Se basó en un éxito de Leon Uris y se convirtió en Warner Bros. la película más taquillera de ese año, consolidando la posición de Hunter como uno de los mejores jóvenes protagonistas románticos de Hollywood, y al poco tiempo se constituiría como la estrella más popular desde 1955 a 1959. En 1967 se largó a cantar interpretando «Young love», número uno de Billboard Hot 100 durante seis semanas en USA, siete en Reino Unido, colocándose más de un millón de copias, obteniendo un disco de oro por superventas. Tab Hunter dejó de existir a los 86 años, el 8 de julio de 2018, en Santa Bárbara, California. En 1959, Tab fue protagonista de «That kind of woman», nominada al Oso de Oro en el Festival Internacional de Cine de Berlín, junto a Sophia Loren. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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MARIA PEREGO: IDEOLOGA DEL TOPO GIGIO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo.

UNA MARIONETA EN LA PANTALLA CHICA

El popular ratón con Ed Sullivan.

Juan Carlos Pinocho Mareco con Gigio.

Desde un principio fue absoluto protagonista de un espectáculo infantil de marionetas en la televisión italiana. Su primera aparición fue en 1959 en el famoso espacio «Canzonissima», donde estaban los grandes protagonistas de la música ligera itálica, y su voz original fue la del actor Peppino Mazzullo, y más tarde la de David Garbolino. Básicamente construido de gomaespuma y vestido de pequeñas ropas cuyo estilo fue evolucionando con las épocas, era animado hábilmente desde atrás mientras un fondo negro ocultaba a quienes estaban detrás moviéndolo. El trabajo de animación de este personaje fue famoso, como lo fue su «caída de ojos», cuando le daba vergüenza o quería conseguir algo, o tal vez por sus frases particulares: «A la camita, pero antes el besito de buenos noches..!», «Podrías venir y abrazarme hasta que me duerma?», «Solo pasaba a decirte que… te quiero mucho!», entre otras. Su segundo show en la tele fue a fines de 1959 en el programa «Alta Fedelta», con la voz de Domenico Modugno. Ya en 1960, «Storie», dirigido por Guido Stagnaro y emitido los miércoles por la tarde, captó toda la atención de los niños y la familia general. Se llama Topo Gigio, y goza de muy buena salud. Topo significa ratón en italiano, Gigio es una manera de llamar a Luigi -Luis- por lo que Topo Gigio podría traducirse como Ratón Gigio -Luigi. Su creadora fue María Perego, una italiana que lo inventó y le dió vida en los sesenta, que acaba de fallecer a los 95 años.

EN VENECIA NACIO MARIA 

Su creadora con el muñeco en la tele italiana.

María Perego, la ideóloga del Topo Gigio, junto a su esposo Federico Caldura, nació en Venecia el 8 de diciembre de 1923. María luego de la primaria y secundaria, comenzó a estudiar animación y a crear diferentes personajes. Años más tarde se vivía en Italia una época de innovación con la televisión y el cine animado, y fue entonces cuando Perego introdujo una nueva técnica desconocidad hasta ese momento, utilizando títeres en vez de dibujos animados, inspirada por el ilustrador checo Jiji Trnka. Antes de Topo Gigio, ideó a Picchio Cannocchiale, inspìrándose en un personaje ya existente, querido por los niños, el Pájaro Loco. Lo mismo hizo con Topo Gigio, pero ésta vez tomó como inspiración a Mickey Mouse. En 1959 nace Gigio, quien fue presentado en horarios estelares. El ratón atrajo no solo a niños, sino que también logró atraer al público adulto. Topo Gigio también tuvo un éxito increíble en la venta de peluches. Una de las muchas peculiaridades que caracterizan a este personaje es la representación de la realidad como si de una ficción se tratase, porque, a pesar de ser un personaje ficticio, también enfrenta problemas reales, que son parte de la vida de todos, lo cual era un objetivo intencional por parte de sus creadores.

ACOMPAÑANDO A RAFFAELLA CARRA

María Perego con Topo Gigio.

En 1974 el muñeco se convierte en coanfitrión de «Canzoníssima», acompañado de Raffaella Carrá y Cochi e Renato. Gigio incluso llegó a hacer duetos con personalidades como Louis Armstrong y Frank Sinatra. Su creación ha sido muy conocida y disfrutada alrededor del mundo entero. Decidida a defender su propia autonomía creativa, Maria Perego se ganó una reputación como mujer y profesional, con motivo de sus relaciones no siempre fáciles con la RAI. Fue la autora de una pieza musical interpretada por Memo Remigi -autor de la música- y Topo Gigio, titulado «Che tipo di topo». Así, la llamativa marioneta va apareciendo con Xuxa, Ed Sullivan, y Juan Carlos «Pinocho» Mareco en la tv española y argentina, pero hubieron muchos otros profesionales que acompañaron las andanzas de Gigio, en diferentes latitudes del planeta. En Japón, Nippon Animation creó en 1988 una serie de animación para la televisión de 34 episodios titulada «Welcome back Topo Gigio», emitida en Italia en 1992, en la que Gigio es representado como el primer ratón astronauta que viaja por la Vía Láctea. Cuando Gigio apareció originalmente en televisión, sus programas fueron apreciados en blanco y negro, y posteriormente en color. Sus programas han sido grabados en DVD, y también se le ve hoy por señales de cable.

Topo Gigio.

POR LA VUELTA DE TOPO GIGIO 2020

La creadora María Perego dejó de existir el pasado 7 de noviembre, en Milán, tras sufrir un infarto, lugar donde estaba trabajando en la reaparición pública de Topo Gigio 2020, en gira mundial, dejando inconcreta ésta posibilidad.
Hoy en día, Gigio sigue contando con una gran popularidad, convertido en un ícono de la cultura pop italiana. Actúa regularmente en el festival Zecchino d’Oro y en otros programas creados por Antoniano y la RAI. En 1965 se estrenó internacionalmente un largometraje de ficción, «El mundo mágico de Topo Gigio».
El personaje ha sido reconocido y galardonado en muchos sitios del orbe. Más allá de la nostalgia.

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NELLY MEDEN: UNA ARTISTA MULTIPLE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SE DIZFRAZABA CON ROPA DE SUS TIAS

De chica se dizfrazaba con la ropa que le daban sus tías, y vestida así personificaba a cantantes y actores, que escuchaba por la radio en radioteatros.

Su comedia favorita, Guillermo Bredeston,  Nelly Meden, Canal 9, 1969

Su comedia favorita, Guillermo Bredeston,
Nelly Meden, Canal 9, 1969

Con algunos años más, ya de adolescente sus padres la llevaban al cine en las funciones de matinés y continuados para ver películas de la época. Sumamente atraída por la actuación, casi con 17 años ya pasa a incorporarse a aquel radioteatro que escuchaba, y así años después, en una gira de una compañía por su ciudad, parte del elenco le recomienda que se traslade a Buenos Aires para tentar suerte. Una vez allí, en el año 1947, cubre una vacante actoral en la película «Los secretos del buzón», de Catrano Catrani, iniciando así su larga carrera en radio, cine, teatro, y televisión. Inmediatamente, llega al teatro de la mano de Narciso Ibáñez Menta, en Presidente Alvear, en la comedia musical «Luna de miel para tres», de Carlos Olivari y Sixto Pondal Ríos, que a su vez estelarizaban Gloria Marín, Jorge Negrete, Francisco Canaro y Blanquita Amaro. Se llamó Nelly Meden, una artista múltiple.

«EL ULTIMO PERRO»: MAGISTRAL ACTUACION

Nelly Meden o Nélida Mabel Medina, nació en Rosario, el 14 de marzo de 1928. En la capital argentina se catapultó como una verdadera profesional, dejando a su paso ganador, muy buenas presentaciones en las tablas y las cámaras. Ya en 1950 es llamada por César Amadori para estar en «Nacha Regules», y un año más tarde por Mario Soffici para «La indeseable», ya para papeles más destacados. Luego, llegarían notables actuaciones en «El conde de Montecristo», «En carne viva», «Del otro lado del puente», «El cura Lorenzo», y especialmente su magistral presencia en «El último perro», de Lucas Demare, con el papel de María Fabiana. Se trataba de una cinta rodada en colores, sobre el guión de Guillermo House y Sergio Leonardo según la novela de Guillermo House, estrenada en 1956 en Argentina y Uruguay, teniendo como protagonistas -además de Meden- a Hugo del Carril, Nelly Panizza y Mario Passano. «El último perro» en un principio iba a ser dirigido por Carlos Schlieper con Mirtha Legrand como protagonista femenina, pero luego de varias idas y venidas se cambió al director, y a la actriz por la propia Nelly Meden. A mediados de los sesenta, Meden vuelve a demostrar su calidad para interpretar drama en «Orden de matar», de Román Viñoly Barreto, en una intervención actoral que recibió una distinción del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.

LA CALIDAD DE SU VOZ

Nelly Meden tuvo también una extensa trayectoria en radio merced a la calidad de su voz. En ese medio debutó en 1949 en «Club de mujeres», programa que conducía la periodista Mariofelia; luego participó en Radio El Mundo en el ciclo «Radio-Cine Lux», que se transmitía los sábados con adaptaciones de películas famosas, trabajó en muchos radioteatros en pareja con Carlos Estrada y Jorge Salcedo En teatro dictó cátedra en “La salvaje”, “Buenas noches, Patricio”, “Mesas separadas” y “Telón de sombras”, su último desempeño en 1997. Mientras transcurría brillantemente su labor en cine y teatro, llega a la pantalla chica, actuando en el ciclo «Son cosas de ésta vida», junto a Raúl Rossi y Amalia Sánchez Ariño, «Los solteros del 10o. C», «Desesperadamente vivir», «Su comedia favorita», «Silvia muere mañana», y «Tiempo de amor prohibido», éste último haciendo pareja con Atilio Marinelli.

16 AÑOS EN MÉXICO
En los últimos días de 1967 al no conseguir trabajo en la vecina orilla se radica en México, donde se queda por espacio de 16 años, logrando impactar en su actividad frente al público, con «Cuatro mujeres para Adán», 1968, «El retrato de Dorian Gray» con Enrique Alvarez Féliz, 1969, «Puente de amor», con Angélica María y Ernesto Alonzo, 1969, «La constitución», con María Félix, 1970, «Muchacha italiana viene a casarse», con Angélica María y Ricardo Blume, 1971, «El carruaje», con José Carlos Ruiz, 1972, «Las gemelas», con Maricruz Olivier y Guillermo Murray, 1972, «La hiena», con Amparo Rivelles, 1973, «El chofer», Jorge Rivero y Linda Cristal, 1974, «Mañana será otro día», con Jacqueline Andere, 1976, «La venganza», con Helena Rojo y Enrique Lizalde, 1977, «Pecado de amor», con Jacqueline Andere, Enrique Alvarez Félix y Ernesto Alonso, 1978, «Secreto de confesión», con Silvia Derbez y Gustavo Rojo, 1980, «Infamia», con Susana Dosamantes y Julio Alemán, 1981, entre otras obras. Luego, en 1983 regresó a Argentina, donde apareció con intermitencias. En 2001 fue una de las actrices galardonadas en «El Cine y la Mujer» del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y recibió en 2002 la distinción Cóndor de Plata a la trayectoria otorgado por la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina. Jamás se casó, vivía acompañada de su anciana madre Betsabé, su perra y sus amigos.
Tras permanecer internada algunos meses en el Sanatorio Colegiales de Buenos Aires por padecer de cáncer falleció el 8 de noviembre de 2004, víctima de la enfermedad incurable. Más allá de la nostalgia.

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SILVIA MONTANARI: LA ESTRELLA DEL TELETEATRO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DE NIÑA DEDICADA A LA ACTUACIÓN

Fue primera figura en cada telenovela que protagonizó, e hizo muchas. De mala era el papel que más le gustaba, y sabía aplicarlo con estilo. Tenía talento porque había estudiado y lo transmitía en cada desempeño que realizaba en todos los unitarios para la tele y en infinidad de obras de teatro. A partir de la década de los sesenta y durante treinta años de trabajos obtuvo una gran popularidad en Argentina y América toda. Entre sus logros, se la recuerda por estelarizar «Panorama desde el puente», junto a Alfredo Alcón en teatro. Entre sus logros en la pantalla chica fue la heroína de «La sombra», «Todo tuyo», «La cruz de Marisa Cruces», «Entre el amor y el poder», «Stefania», y «Cuando es culpable el amor», en coproducción con Puerto Rico, entre tantos. En los noventa, protagonizó durante tres años «Son de diez», e inmediatamente seguiría con «Collar de esmeraldas». Se llamó Silvia Dina Montanari, una actriz de aquellas, que a sus 76 años acaba de fallecer, el pasado 26 de octubre, en Buenos Aires, debido a una enfermedad que la tenía a mal traer. Silvia Montanari, se había ganado por derecho propio, el respeto de la gente y de sus pares, convirtiéndose en la verdadera estrella del teleteatro porteño. Silvia Montanari. 1

NACIDA EN CRUZ ALTA, CORDOBA

Silvia es nacida en Cruz Alta, Córdoba, el 14 de enero de 1943. Cuando era pequeña sus padres escuchaban radioteatros y la niña emulaba a los actores que se desempeñaban en aquellas épocas doradas de las broadcasters. Muy pronto su familia se traslada a Quilmes, y desde entonces su pasión por la actuación se hace cada vez màs grande. Así, toma clases de desempeños artísticos, e inmediatamente la convocan para un pequeño papel en «Obras maestras del terror», junto a Narciso Ibáñez Menta, que se interesa por ella brindándole una posibilidad que la actriz no desaprovechó. Fue tal la calidad de su desempeño que pasa por «Hombres en pugna» dejando su marca, «Los otros y nosotros», «La banda del Golden Rocket», «Cita a ciegas», es figura en el ciclo de «Mujeres asesinas», y también en «Gasoleros», bajo la realización de Adrián Suar. Este acontecimiento ocurriría durante los años 1998 y 1999, en dos brillantes temporadas.

LA VIDA DE LA FAMILIA PANIGASI

En una trama basada en la vida de los Panigasi, una familia de clase media algo empobrecida, se basa «Gasoleros», El padre de éste verdadero clan es Héctor -encarnado por el actor Juan Leyrado- un ex-colectivero que termina siendo mecánico, que posee un taller junto a familiares y amigos. A su vez, el desarrollo de la tira se centra en un romance con el propio Héctor con Roxana Presutti -Mercedes Morán- una dama casada con un caballero al que cree amar, Jorge -Manuel Callau- hasta que realmente conoce a Héctor. Emilia Nieto -Silvia Montanari- es otro personaje central en el argumento, que posee un bar al que consiguió con sumo esfuerzo, lugar en el cual ocurren muchas de las historias surgida a lo largo de la novela. Silvia, de fenomenal desempeño, ayuda a reflejar las costumbres argentinas y porque no rioplatenses más comunes y la vida de la gente de clase media, en la época en que fue realizada. Fue producida por Pol-ka, siendo el tema musical central de Vicentico. «Gasoleros» alcanzó un notable rating de teleaudiencia en Argentina y Uruguay, con 464 episodios.

FORMA PAREJA CON DARIO GRANDINETTI

En el plano personal, Silvia Montanari vivió un acalorado romance de dos años con el actor Darío Grandinetti, 16 años menor que ella, y más tarde se casó con Gerardo Aragón, con quien tuvo a su único hijo Rodrigo Aragón, quien reside en Miami en éstos momentos. Montanari fue una de las primeras en declarar que se había realizado cirugías estéticas. Fue a los 29 años cuando pasó por ese momento, ya que según confesó en rueda de amigos, que sentía que su cuerpo y mente se lo estaban reclamando. En sus últimos años, rodó mucho cine y retornó al teatro con «Mujeres de ceniza» en teatro Picadilly, junto a Mercedes Carreras, Zulma Faiad, y Nora Cárpena. Hizo también producciones en teatro y tv, y dejó su marca registrada en el mundo artístico de la vecina orilla. Más allá de la nostalgia.

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DIAS DE CELULOIDE CON AROMA A CINE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CAMBIA, TODO CAMBIA

Parafraseando a la gran Mercedes Sosa, cambia, todo cambia, en éste mundo. No solamente lo superficial y las costumbres, sino que las técnicas también.
Por ejemplo, el mundo de la cinematografía, se perfeccionó en parte en la era digital, donde se utiliza dicha ciencia para registrar, distribuir o proyectar películas. Generalmente, se caracteriza por la alta resolución de las imágenes, prescindiendo de algunos aspectos antiguos, y por lograr otras posibilidades en el resultado final manejado por computadoras.

Luis Sandrini y María Esther Buschiazzo, La casa  grande, 1953.  Exito de matinés

Luis Sandrini y María Esther Buschiazzo, La casa
grande, 1953. Exito de matinés

Pero, si bien se generaron progresos en el cine digital, el celuloide de antes, logra un verdadero matizado del color o blanco y negro, siendo éste más natural. Digitalmente, la película final se puede distribuir en DVD, disco duro extraíble, por satélite, y pasarse en un proyector digital.
Teniendo en cuenta eso, marca una diferencia con los viejos rollos pesados del celuloide de siempre en aquellas bovinas gigantes en muchos actos, tenían un aroma especial. Aroma a cine, nada más ni nada menos. Aroma a cine de barrio, ese que ha desaparecido.

UN ARTE DESDE ÉPOCAS REMOTAS

A partir del nacimiento del cine como espectáculo, el 28 de diciembre de 1895, en París, cuando los hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon, la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto, la cinematografía se constituyó en un arte verdadero de narrar historias o acontecimientos: lo llamaron «séptimo arte».
Registrando todo tipo de cintas de gran diversidad y procedencia, las salas comenzaron a llenarse por todo el mundo.
Aquí, en Uruguay, las salas barriales marcaron su historia, en Montevideo o interior, proyectando a través del tiempo espectaculares producciones, y también de las otras. En medio de esa vorágine, las latas de celuloide en bolsas iban y volvían desde las compañías distribuidoras. Metro-Goldwyn-Mayer, 20th Century Fox, Warner Brothers, Pàramount, Posa Films o Lumiton, entre otros acercaban los múltiples títulos. En lugares lejanos el celuloide llegaba vía ferrocarril o en los ómnibus de ONDA. O si el filme era programado por varios cines a la vez, un cadete en bicicleta trasladaba los carretes por separado. Qué tiempos!…

La gran Marilyn Monroe, How to marry a millionaire, 1953

La gran Marilyn Monroe, How to marry a millionaire, 1953

MANI CON CHOCOLATE o CARAMELOS ZABALA

Eran tiempos de maní con chocolate, caramelos Zabala o candes Astra… No había venta de palomitas de maíz en las salas, en esos momentos.
Para las matinés muchos llevaban su «merienda», que bien podía ser bizcochos, o tortas fritas -si llovía- al compás del celuloide que corría velozmente por las «ventanillas» de las dos máquinas de la cabina que estaba en el primer piso. Buster Keaton, Charles Chaplin, John Wayne, Randolph Scott, Spencer Tracy, Kirk Douglas, Burt Lancaster, la rubia más bonita de todos los tiempos Marilyn, Ava Gadner, Lana Turner, Errol Flynn, Mario Moreno «Cantinflas», Luis Sandrini, Miguel Aceves Mejía, Rock Hudson, entre tantos se convierten en figuras frecuentes de la pantalla grande.
Más los cortos, las sinopsis, los noticieros UFA, y hasta los dibujos y las publicidades, que también estaban ahí.

TECHNICOLOR y CINEMASCOPE

Quedó bien atras la primera producción parlante del cine, «El cantante de jazz», estrenada en 1927.
Ese mismo año apareció el doblaje. En 1935 se rodó en Technicolor «La feria de la vanidad» -»Becky Sharp»- de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente el color consiguió su máxima plenitud con «Lo que el viento se llevó», 1939. La primera película estrenada en CinemaScope fue «The robe», producida por la 20th Century Fox, dirigida por Henry Koster e interpretada por Richard Burton y Victor Mature, estrenada en 1953. Por primera vez se proyectó Cinerama el 30 de septiembre de 1952. La cinta «This is Cinerama», fue muy bien recibida, fruto de muchos años de desarrollo en 1971 en copia de 70 mm. Antes habían pasado «Vacaciones en Cinerama», 1955, «Las siete maravillas del mundo», 1956, «En busca del Paraíso», 1957, y «Aventuras en los mares del sur», 1958.
En nuestro país, un solo cine presentó funciones de Cinerama: Cine Teatro Eliseo, de la Avda. 18 de Julio esquina Río Branco. Agregamos un dato importante para la historia del cine digital; la primera proyección en éste sistema se realizó en París, Francia, el 2 de febrero de 2000, utilizando procesador digital de luz Cinema, desarrollado por Texas Instruments. Al presente, en Estados Unidos aún existen muchos cines con proyección de celuloide, a la antigua, estilo cine de aquellos años. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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CACHO CASTAÑA: MAS ALLA DE LA LEYENDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SE FUE EL ULTIMO BOHEMIO

Alguna vez en éstas mismas páginas lo manifestamos que era «El último bohemio» que estaba quedando. Había dedicado su vida a la música, la noche, a los amigos, y luego de estar grave durante largas semanas se fue Cacho Castaña. Ocurrió en la mañana del pasado martes 15 de octubre, a los 77 años, en la vecina orilla, debido a complicaciones por su EPOC, enfermedad pulmonar obstructiva crónica. Se trata de una complicación pulmonar grave que con el tiempo, hace que resulte difícil respirar. También se le llama con otros nombres, como enfisema o bronquitis crónica.

Cacho, Palito, grandes amigos

Cacho, Palito, grandes amigos

En sus últimos años, su adicción al tabaco había provocado que el pòpular artista debiera ser internado en distintas oportunidades. En septiembre de 2011, debió permanecer en terapia intensiva en un sanatorio, a raíz de un síndrome bronquial agudo, acompañado de fiebre; y fue en el 2005 que tuvo su situación médica límite cuando se le efectuó una compleja angioplastica coronaria de urgencia, donde le colocaron 3 stents con medicamentos. Lamentablemente no resistió tanto, y se fue a cantar a otros sitios. Ahí, entre las nubes y las estrellas, su nombre se elevó al cielo celeste, para quedar inmortalizado. Así, partía Cacho Castaña, el último bohemio.

HUMBERTO VICENTE NACIO EN FLORIDA

Humberto Vicente Castagna, más conocido por su nombre artístico, Cacho Castaña, había llegado a éste mundo el 11 de junio de 1942, en Florida, Provincia de Buenos Aires. Fue el tercer hijo del matrimonio entre Rosa Curra, ama de casa, apasionada por escuchar las voces por la radio de los intérpretes, y don Antonio ‘Ntoni Castagna, comerciante italiano de calzado. La vocación y el amor de Cacho Castaña por la música comenzaron en la niñez. A los 14 años ya era profesor de piano. Empezó como pianista en orquestas de tango, y en la segunda mitad de la década de los sesenta se presentó como cantante en aquellos programas «ómnibus» -espacios de más de 6 horas en vivo- que los sábados destinaban su primera hora a nuevas voces, en Canal 9, Libertad, de la capital argentina. Inmediatamente, formó el grupo Beto y los Huracanes, junto a Bingo Reyna, en guitarra, Kuky, en batería, Alfredo en guitarra rítmica, y Juan como bajista, dando sus primeros pasos como vocalista. De buenas a primeras, se convierte en intérprete, y brillante compositor, componiendo muchos temas para otros cantantes, que le graban sus creaciones y las cuelgan en la fama.

En pleno show, Cacho Castaña a coro con Adriana Varela

En pleno show, Cacho Castaña a coro con Adriana Varela

POLYDOR LE FIRMA CONTRATO

Valorando su capacidad autoral y también su forma de cantar Polydor le firma contrato de ediciones fonográficas.
Empezó con «poco bombo» pero su fuerza y categoría, de a poco le fue agradando a la gente. Aquel muchacho de barrio, comenzaba a ser popular, ya con shows por toda Argentina, pasando de una discográfica a otra, y a otra, metiendo temas de corte espectacular: «Cara de tramposo», «Quiero un pueblo que baile», «Si te agarro con otro te mato», «Para vivir un gran amor», «Lo llaman el matador», «El regreso del ladrón», «Café la humedad», «Garganta con arena», «Espalda con espalda», «Ojalá que no puedas», «Cacho de Buenos Aires», «Septiembre del 88», «Que tango hay que cantar», «La novia del viajante», «La reina de la bailanta», «Señora si Ud. supiera», «La noche que no me quieras», entre tantos. Acompañado por su participación en las películas: «Ritmo, amor y primavera» y la larga serie de Aries y Microfón «Del amor»: Los éxitos, la playa, la discoteca, la carpa, desde el año 1978 en adelante. Pero, Cacho continuaba hacia adelante, buscando nuevos temas, nuevas creaciones.

ROMANCES, RELACIONES y ESCANDALOS…

Paralelamente a su carrera artística, llega su adicción al cigarrillo, y sus relaciones con mujeres de la farándula, y otras no tan conocidas, que lo llevan a perjudicar su vida profesional en muchos aspectos.
Su salud se va deteriorando, realizando de todas maneras sendos recitales en las grandes salas teatrales de Buenos Aires y del interior argentino, logrando una magnífica recepción de público que lo acompaña en cada acontecimiento.

En su último cumpleaños

En su último cumpleaños

Deseo recordar las notas que le realizamos a Cacho, en Montevideo y en Buenos Aires, en algunas de sus presentaciones por aquí, y en Microfón de la capital porteña, o en su casa cuando compartimos algún almuerzo al lado de su pareja de entonces, que jamás lo olvidó, Mónica Gonzaga.
O cuando una tarde de lluvia, se apareció en uno de los programas que teníamos en ese momento en 22 Universal, «Música en Orbita» para comentarnos sus cosas y decirnos que esa noche actuaba por éstos lares. Simpático, profesional, generoso, artista, Cacho Castaña. Un verdadero fenómeno de la música toda. Más allá de la leyenda.

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Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

IDA LUPINO: PRIMERA DIRECTORA DEL CINE CLASICO

ACTRIZ, DIRECTORA, GUIONISTA y PRODUCTORA

En Anything Goes 1936, junto a Arthur Treacher. 3

Con Jean Gabin en Moontide, 1942. 4

En la década de los cuarenta en Hollywood fue la primera dama que ejerció de manera simultánea trabajos de actriz, guionista, dirección y producciones cinematográficas. A partir de ese momento se le considera una de las cineastas más destacadas de la pantalla grande, ya que con su compañía co-escribió y produjo varias cintas de mensajes sociales, dirigiendo un film de culto: «The Hitch-Hiker», en 1953, por la cual recibió muy buenos elogios de la prensa especializada y espectadores en general. A lo largo de sus 48 años de carrera, hizo apariciones como actriz en 59 cintas, dirigiendo otras ocho, haciendo carrera preferentemente en Estados Unidos, donde se convirtió en ciudadana en 1948. También dirigió más de cien episodios televisivos en variedad de géneros, incluídos westerns, cuentos sobrenaturales, comedias, dramas y policiales. Se llamó Ida Lupino, siendo la única mujer en dirigir episodios de la serie tv «The twilight zone» -»La dimensión desconocida»- así como la única directora que estelarizó la tira. Su trayectoria quedó marcada de manera sobresaliente por sus diferentes actvidades en el Reino Unido y USA.

HIJA DE UN CONOCIDO COMEDIANTE

Ida Lupino nació en Herne Hill, Londres, el 4 de febrero de 1918. Hija de la actriz Connie O’Shea -Connie Emeral, nombre artístico- y el artista de music hall Stanley Lupino, miembro de una familia británica de gente de teatro de origen italiano. Ida fue animada a entrar en el mundo del espectáculo por sus padres, y por un primo, Lupino Lane, que había debutado en el cine en 1931 con «The love race». La familia llevó adelante «Teatral Lupino», construyendo en el patio trasero de su casa, un teatro con todas las luces, donde se desarrollaron Ida y su hermana Rita, quien también se convirtió en actriz y bailarina. Sin pérdida de tiempo, Lupino escribió su primera obra a los siete años de edad, estando de gira con una compañía de teatro que viajaba de pueblo en pueblo. A los diez años, la muchacha había memorizado los papeles femeninos principales en cada una de las obras de Shakespeare. Luego de su entrenamiento infantil teatral, estudia y avanza a pasos agigantados hacia la actuación cinematográfica, al lograr su desempeño como actriz en British International Studios.

En Road House, 1948, junto a Cornel Wilde. 5

DESEABA CONVERTIRSE EN ESCRITORA

Ida Lupino. 1

Ida Lupino deseaba ser escritora, pero solamente para complacer a su padre, se inscribió en la Real Academia de Arte Dramático. Se destacó en una serie de papeles en films de bajo costo, casi siempre estelarizando a prostitutas.
A ella no le gustaba ser actriz, y se sentía incómoda con muchos de los primeros papeles que le otorgaron. Ida sintió realmente que fue empujada a la profesión debido a su historia familiar, pero lejos de detenerse y dedicarse a otras actividades, continuó adelante triunfando plenamente en cada rubro. Ya en 1934 fue protagonista de «La búsqueda de la felicidad» en Paramount Studio Theatre. Interpretó papeles principales en cinco películas británicas en 1933 en los estudios Teddington de Warner Bros. y para Julius Hagen en Twickenham , incluyendo «The ghost camera» con John Mills y «I lived with you con Ivor Novello. Desde 1934 en adelante prosiguió con «Ready for love», «París in spring», «La fiesta de Santa Bárbara», «Anything goes», «One rainy afternoon», «Yours for the asking», «Sea devils», «Let’s get married», «Artists and models», «Fight for your lady», «The lone wolf spy hunt», «The lady and the mob», «The adventures of Sherlock Holmes», «The light that failed», «They drive by night», «Ladies in retirement», «Moontide», «Life begins at eight-thirty», «The hard way», «Forever and a day», entre otras.

SE FUE A LOS 77 AÑOS

Ready for Love, 1934, con Ralph Remley. 2

De enero de 1957 a septiembre de 1958, Lupino protagonizó junto a su último marido, Howard Duff, la comedia de la CBS «Mr. Adams and Eve». También participaron en 1959, como ellos mismos, en uno de los episodios de «Lucy-Desi Comedy Hour». Hacia el final de su carrera, Lupino participó como actriz invitada en numerosos espacios televisivos, y su última participación fue en 1978. Se retiró a los sesenta años de edad. Se casó y se divorció tres veces. Sus parejas fueron
Louis Hayward, actor, noviembre de 1938 a mayo de 1945. Collier Young, productor televisivo -1948 – 1951- Howard Duff, actor, octubre de 1951 a diciembre 1984. Con él tuvo una hija, Bridget Duff, nacida el 23 de abril de 1952. Ida Lupino falleció el 3 de agosto de 1995 mientras era tratada de un cáncer de colon. Tenía 77 años de edad. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución a la televisión y al cine, localizadas en el 1724 de Vine Street y en el 6821 de Hollywood Boulevard.
Fue una gran estrella del cine. Más allá de la nostalgia.

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JOSÉ JOSÉ: UN SENTIMIENTO EN CADA CANCIÓN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

PARTIO A LOS 71 AÑOS

El mismísimo Frank Sinatra lo escuchó cantar a través de sus discos, y le pidió a su productor que le agendara una reunión en Estados Unidos, para introducirlo en «La Gran Manzana», con grabaciones y shows estelares. La entrevista nunca se dió a expreso pedido de la discográfica del intérprete que no lo dejó acudir, debido a que tenía un contrato firmado con el artista por los registros canoros, management, y presentaciones personales. Apesadumbrado, al perder una oportunidad que el entendía sería motivadora y enriquecedora para sus movimientos profesionales, al trabajar al lado de una estrella como Sinatra, asesorándolo, no disminuyó la marcha siguiendo adelante con su carrera, registrando una sucesión de himnos románticos, entrando en el corazón de la gente. Así, supo primero conquistar México, donde le llamaron «El príncipe de la canción», «El rey de la canción méxicana» o «El rey sin corona», vendiendo la friolera de más de cien millones de discos, que lo convierten en uno de los solistas latinos más exitosos de la historia misma, recibiendo numerosos reconocimientos a nivel internacional, nueve nominaciones al Grammy, llenando el Madison Square Garden y Radio City Music Hall, con introducción en Arabia Saudi, Egipto, Israel, Japón, y Rusia. Se llamó José José, o José Rómulo Sosa Ortíz, quien acaba de partir a sus 71 años rumbo al cielo eterno, el pasado 28 de septiembre, en Homestead, USA, debido a su cáncer de páncreas. Jose Jose en acción. 1

NACIDO EN UNA FAMILIA DE MUSICOS

José José llegó a éste mundo el 17 de febrero de 1948, en Azcapotzalco, Ciudad de México, y la vida lo fue transformando en un gran vocalista y actor en distintas películas. A través de 55 años de trayectoria, su categoría, brillo, y estilo influyeron sobre numerosos cantantes del ámbito mundial. Nacido en una familia de músicos, tocaba la guitarra ya de pequeño, entonando verdaderas serenatas durante su juventud a jovenes enamoradas que lo escuchaban y observaban atónitas desde el balcón. Al tiempo, se unió a un trío de jazz y bossa nova en el que cantaba y tocaba el contrabajo. Poco duró el número, ya que directivos de Orfeón Records le graban su primer simple solista con versiones de «El mundo», de Jimmy Fontana, y «Ma vie», de Alain Barriere, hits de Italia y Francia que estaban sonando de manera mundial. Para promover el lanzamiento se presentó en «Orfeón a go-go», espacio televisivo juvenil bajo el nombre artístico de Pepe Sosa o José Sosa. Escuchando ésta placa ya el intérprete impresionaba por sus condiciones, pero, con el disco no pasó demasiado, grabando su segundo sencillo con «Amor» de Coqui Navarro, y «No me dejes solo» de Rodolfo Tovar, teniendo un poquito más de suerte, pero no demasiada. En 1967, desembarca en RCA.

LA NAVE DEL OLVIDO, EL DESPEGUE

Entra al gran estudio de la grabadora del fonógrafo y del perrito, bajo la supervisión de los compositores Rubén Fuentes y Armando Manzanero, editando su primer álbum en 1969, ya adoptando el seudónimo de José José; el primer José por su primer nombre, y el otro por su padre, quien había fallecido en 1968, víctima del alcoholismo. Pero, quiso el destino de que en diciembre de 1969, lanzaría lo que sería su «caballito de batalla» o «tarjeta de presentación» que lo convertiría de la noche a la mañana, en un solista de brillo y colorido: «La nave del olvido», bajo la autoría del compositor argentino Dino Ramos. A fines de ese año, fue el tema más escuchado por las radios en tierra azteca, elevando la popularidad de José José hacia otros países de Latinoamérica, como Chile, Venezuela, y Argentina. Lejos de dormirse en los laureles, el 15 de marzo de 1970, representa a su país en el «II Festival de la Canción Latina» con «El triste», de Roberto Cantoral García, que consigue el tercer puesto en el evento, pero que se convierte en el ganador moral de la competencia, según el voto del público presente, brindándole trascendencia como hit internacional.

INSACIABLE AMANTE, DE CAMILO SESTO

En 1977 se desvincula de RCA, y firma con Ariola, logrando imponer una sucesión de temas románticos de impresionante proyección en América toda: «Gavilán o paloma», «Volcán», «Lo pasado, pasado», «Si me dejas ahora», «El amar y el querer», «Lo que no fue no será», «Desesperado», «Amor amor», e «Insaciable amante», éste último de la inspiración del español Camilo Sesto, entre otros, que le otorgarían a José José, una década de los ochenta que lo vería en su máximo esplendor, pero cuyo final lamentablemente lo marcaría por un notado quebranto de su salud y de su voz. Envuelto en esos problemas, abusa del alcohol y de otras sustancias, pero, paralelamente rompe récords con sus ventas de discos, logrando discos de oro, de platino, y de doble platino, por doquier, sumando más de doscientos en total!… El 6 de junio de 2007 sufre una parálisis facial que lo mantiene alejado varios meses de los escenarios. El 19 de noviembre de 2008, recibe la codiciada Estrella de la Fama en el Paseo de las Estrellas en Las Vegas, Nevada.
Su última mujer, la cubana Sarita Salazar, lo ayuda a salir del alcoholismo, rehabilitándolo. Ya en los últimos tiempos, se había deteriorado bastante, ayudado por quimioterapias, siguió lo que pudo hacia adelante, hasta encontrar su final hace unos días. Dejó sus sentidas obras, y sus filmes: «Buscando una sonrisa», «La carrera del millón», «Gavilán o paloma», «Sabor a mí», y «Perdóname todo», su último protagónico en 1995.
Se le recordará siempre por ser uno de los cantantes mas virtuosos del estilo romántico universal. Más allá de la nostalgia.

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JOHNNY MATHIS: STATUS ORO y PLATINO, A SUS 84 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

AQUELLOS AÑOS DE LOS CANTANTES ROMANTICOS

A fines de los cincuenta y comienzo de los sesenta en Estados Unidos predominaban los cantantes románticos con espectaculares baladas, que sonaban noche y día por las broadcasters con imponente promoción. A saber, ahí estaban marcando presencia figuras de la valía de Frank Sinatra, Perry Como, Dean Martin, Andy Williams, Al Martino, y hasta el mismo Johnny Mathis, concentrándose éste más que nada desde sus inicios, en el jazz, alternando con temas sentimentales que llegaban al corazón. Así, supo grabar cantidad de discos que treparon con fuerza infinita en las pizarras de popularidad y ventas más que nada en territorio norteamericano.

Un gran intérprete de canciones románticas

Un gran intérprete de canciones románticas

El historial de Billboard así lo testimonia en sus documentados charts. Arrancando su carrera con un aluvión de simples, Mathis se hizo más conocido como un artista de álbumes, con varias docenas de discos de oro y de platino, teniendo 73 entradas en las listas a la fecha, colocando más de 350 millones de sencillos y álbumes, a nivel mundial, lo cual ha hecho que Johnny Mathis sea el tercer artista que más ha grabado durante el siglo veinte y en los últimos sesenta años. Y ésto último tiene un tremendo valor, cuando el artista hoy está cumpliendo sus 84 años.

30 DE SEPTIEMBRE ES LA FECHA INDICADA

Johnny Mathis, nació en Gilmer, Texas, un día como el de hoy, 30 de septiembre, pero de 1935. Hijo de Clem Mathis, artista de vodevil, y de Mildred Boyd, ama de casa. Johnny fue el cuarto de los siete hijos de la pareja, y ya de pequeño cantaba y tenía facilidad para la música. Al poco tiempo la familia se trasladó a San Francisco, California, lugar donde el padre vió que su hijo Johnny poseía verdaderas condiciones para seguir adelante, y quiso que éste antes que nada estudiara piano y solfeo, comprándole un viejo piano para que practicara sus toques, aprendiendo practicamente de su propio progenitor. Su primera canción fue «My blue heaven», mientras se presentaba en actos de la escuela y de la iglesia de San Francisco. Cuando cumplió 13 años, una maestra de canto comenzó a trabajar con él, por espacio de seis años, escalas vocales y ejercicios de voz, entonando clásico y operetas. Debutó en una banda, a través de un amigo de la secundaria, que le ayudó a que se incorporara al conjunto, cuando aún no estaba verdaderamente preparado para hacerlo. En San Francisco, mientras cantaba en una sesión improvisada con amigos de un sexteto de jazz en el Black Hawk Club, Mathis atrajo la atención de la gente, y de los dueños de otros clubes, que de inmediato le propusieron trabajo con muy buena remuneración. El cantante aceptó alternando en cuatro locales, siendo apalabrado durante un show por un productor de A&R, Columbia Records, quién le ofrece suscribir contrato discográfico para CBS, cambiándole la vida a Mathis, dando un verdadero avance en su profesión, desde todo punto de vista.

«A NEW SOUND IN POPULAR SONG»: PRIMER ALBUM

El primer álbum de Mathis llevó por nombre «A new sound In popular song»; fue un disco de jazz que tuvo ventas muy bajas. Pero como el cantante estaba en New York actuando en clubes nocturnos, registró muy rápidamente su segundo disco-grande producido ésta vez por el vicepresidente y productor de discos, de la CBS, Mitch Miller, el cual ayudó a definir el estilo Mathis. Miller prefería que cantara suavemente, baladas románticas, siendo apoyado por el conductor y arreglista musical Ray Conniff y más tarde, Ray Ellis, Glenn Osser y Robert Mersey. A fines de 1956, ya Mathis estaba grabando dos de sus más populares temas: «Wonderfull, wonderfull» -»Maravilloso, Maravilloso»- y «It’s not for me to say» -»No es para mí, decir»- En ese mismo año, MGM le registra un contrato para cantar la última canción en el filme «Lizzie». Breve tiempo más tarde aparece en una película de la 20th Century Fox, entonando «A certain smile», en la cinta del mismo nombre. Inmediatamente cantó varios temas en «El show de Ed Sullivan», incrementando su popularidad. 1957, llegó de la mano de «Chaces are», su primer número uno en Billboard. Desde ese momento lo llamaron «The velvet voice» -»La voz de terciopelo»-

TODA UNA VIDA CANTANDO

En éste entorno, Mathis, pasó toda una vida cantando, grabando discos y haciendo shows por todo el mundo, obteniendo varios premios Grammy, entre múltiples distinciones. Mathis estuvo en rehabilitación por adicción al alcohol y a medicamentos de prescripción restringida, y ha dado apoyo a muchas organizaciones a través de los años: American Cancer Society, The March Dimes, YMCA, The Muscular Distrophy Association, y the NAACP. Mathis se manifestó gay. Su primera declaración explosiva apareció en 1982 en un artículo publicado en «Us Magazine» donde se le preguntó y terminó diciendo: «La homosexualidad es una manera de vida que ha crecido en mi y que me he acostumbrado…». Pero él no hizo comentarios de esto, y envió una carta al Us Magazine donde se retractaba.
En 2006, Mathis reveló que su silencio había sido por las amenazas de muerte que recibió como resultado de´ese artículo. Más allá de la nostalgia.

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CARLOS MONZON: EXCESOS, LUJURIAS y VIOLENCIAS TERCERA PARTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

COLGO LOS GUANTES PARA SIEMPRE

«Cuando comencé en el boxeo, no tenía botas, y entrenaba solo descalzo hasta que me dolían los pies, por las astillas clavadas en la piel en el piso de madera; eso es el boxeo, y con tal de boxear lo hago de cualquier manera y con quien me pongan enfrente»… dijo antes de uno de sus combates en el Luna Park, Carlos Monzón. Ya habían quedado atrás las defensas del Título de Campeón del Mundo, el romance y la pasión con Susana Giménez, y el rodaje de varias películas en Italia y Argentina. El boxeador había colgado los guantes para siempre. Imagen de Carlos Monzón, Campeón Mundial de Boxeo. 1 Al alejarse de las cuerdas, con algún dinero en el bolsillo, deseoso de conocer a fondo la noche bonaerense, sin tener compromisos de entrenamiento al otro día, entra en una etapa de excesos, lujurias, celos, y hasta de femicidio, de trágico final. Paralelamente, combina las veladas con alcohol y cigarrillos, poniéndose de carácter cambiante según el entorno y la situación. «Una vez estaba compartiendo una mesa con varios artistas, entre ellos Monzón, y éste en determinado momento empezó a decir cosas atroces sobre los periodistas de espectáculos, poniéndose bastante violento. Los demás que estaban allí me aconsejaron que me levantara y me fuera. Y así lo hice. Quedarme hubiese sido un peligro», recordó el especializado periodista de espectáculos de nacionalidad uruguayo recientemente desaparecido, Lucho Avilés. El 14 de febrero de 1988, Monzón cometió el femicidio -en una casa de alquiler en Mar del Plata- de quien fue su esposa, de la cual estaba separado, Alicia Muñiz, hecho por el que fue juzgado y condenado a once años en varias cárceles por homicidio simple, dado que, por ese entonces, no existía un tratamiento especial para esa clase de delitos. Durante una salida transitoria, en un fatal accidente automovilístico, el ex-boxeador deja de existir el 8 de enero de 1995.

CONOCE A ALICIA MUÑIZ

Carlos Monzón fue una luminaria del deporte mundial como fruto de sus conquistas en el cuadrilátero, pero su conducta lo hace caer estrepitosamente en su vida privada. El lamentable deceso de Alicia Muñiz, lo marca, y lo deja knockout en el ring de la vida. Así, cientos de personas que aguardan su paso en la puerta del juzgado, cuando la policía lo lleva para que declare, le gritan al unísono… «Asesino!, Asesino!!»… Es en 1981, que Mónzón conoce a la modelo, peluquera, vedette y actriz uruguaya, nacida en Montevideo, Alicia Muñiz. Fue en un intervalo de un desfile de modas, que la mira insistentemente siendo cautivado por su belleza. Desde allí en más, la encara, salen, se conocen, se enamoran, disfrutan de todo lo que pueden hacer, conviven, y hasta se casan. Al poco tiempo nace Maximiliano Roque, el único hijo de la pareja. El matrimonio luego de varios años, comienza a tener grandes conflictos, debido a malos entendidos, y por la bebida que consume Monzón que se avalancha sobre su mujer poniéndose violento en varias oportunidades, hecho que persigue al ex-pugilista desde anteriores relaciones. En esos términos, Muñiz le pone fin a la situación, ante los gritos ensordecedores de su marido.

JUICIO POLEMICO y MEDIATICO

Alba Alicia Muñiz Calatayud de nombres y apellidos completos, había nacido en Montevideo, siendo la hija de Alba Calatayud y Héctor Muñiz García. A partir de 1972 se había radicado en la vecina orilla, y después de varios años se nacionalizó argentina. Debido a su belleza natural siguió el modelaje, primero en Uruguay en 1971 y posteriormente en Argentina. Fue bailarina en conocidos restaurantes árabes, y trabajó en los escenarios porteños como vedette de las grandes revistas de la época, incursionando también en la actuación, en varias películas de Alberto Olmedo y Jorge Porcel. En el momento de la ruptura con Monzón estaba alejada del ambiente artístico, y se dedicaba a atender su propio salón de belleza en pleno Barrio Norte, y en ratos libres diseñaba ropa. Estaba dialogando con el ex-púgil, acerca de un aumento en la manutención de su hijo, y para eso se reunirían en Mar del Plata. Fue en febrero de 1988, cuando Monzón en estado de ebriedad, retornando de una reunión, discute con ella, la golpea salvajemente y finalmente la lanza desde el balcon de la casa que ocupaba en la ciudad feliz. Es juzgado por la muerte de Muñiz y declarado culpable en un juicio polémico y mediático.

ENCUENTRA LA MUERTE EN LOS CERRILLOS

En cumplimiento de su condena, Monzón es alojado en el penal de Batán, cercano a Mar del Plata, luego en la cárcel de Junín, y finalmente en el centro de reclusión de Las Flores, en la ciudad de Santa Fé. Tras largos años de encarcelamiento, logra conseguir algunos fines de semana libres, teniendo que retornar por las noches a Las Flores. En ese ámbito, encuentra la muerte en el verano de 1995, en brutal accidente automovilístico en el paraje Los Cerrillos de Ruta Provincial, en la provincia de Santa Fé. Su automóvil Renault 19 gris, queda convertido en chatarra, tras morder la banquina con su rueda delantera derecha, el vehículo voló, dando casi siete tumbos, y casi a 35 metros de la banquina detuvo su descontrolada marcha. Muchos lo recuerdan como un gran boxeador. En el ranking libra por libra de todos los tiempos del sitio web Boxrec fue ubicado en la posición 7. La revista The Ring lo colocó en el número 11 de la lista de los mejores boxeadores históricos.
En 1990 fue incorporado al Salón Internacional de la Fama del Boxeo. Más allá de la Nostalgia.

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CARLOS MONZÓN: COSECHANDO AMORES y ODIOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA BATALLA DE ROMA
Corría el año 1970 y a Carlos Monzón le tocaba disputar una pelea que a decir verdad le cambiaría la vida, era el combate con el boxeador italiano Nino Benvenuti por el Campeonato Mundial de los Medianos en el Pallazo Dello Sport de Roma. Para muchos críticos deportivos esa fue «La batalla de Roma», y que el enfrentamiento hizo reconocer a Monzón, como el gran boxeador de todos los tiempos. En la partida desde Buenos Aires, muy pocos familiares de Monzón solamente marcaron presencia en el Aeroparque de Ezeiza, ya que el púgil no era el favorito. Nadie creía en Argentina que ganara la disputa. El destino quiso todo lo contrario, ya que Carlos «Escopeta» Monzón ganó por KO. El «tano» venía con todas las luces prendidas y credenciales a flor de piel, con grandes triunfos y pocas derrotas, así y todo Monzón no lo perdonó, tirándolo de brutal manera, de un derechazo, en el duodécimo asalto, sorprendiendo a todos en el mundo, convirtiéndose en campeón absoluto. Esa vez el recibimiento en Argentina fue apoteótico con largos festejos por la Avenida Corrientes y alrededores, cuando el pugilista apareció montado en la caja de un viejo camión rodeado de decenas de personas. Así y todo, Benvenuti pidió la revancha que se realizó en Mónaco ésta vez, meses después, donde en el tercer asalto le tiraron la toalla desde el rincón, ya que estaba siendo muy castigado. Volvió a triunfar Monzón. Carlos Monzón. 1

87 PELEAS GANADAS, 3 DERROTAS, 9 EMPATES
En su brillante carrera por el boxeo Monzón ganó por 87 veces -59 knockouts, 28 decisiones- perdió tres veces, tuvo nueve empates y un combate sin veredicto. Luego de las peleas con Benvenuti, llegaron los encuentros con Emile Griffith, el 25 de septiembre de 1971 en el Luna Park de Baires, Denny Moyer, el 4 de marzo de 1972, en Roma, Jean-Claude Bouttier, el 17 de junio de 1972, en París, con Tom Bogs, el 19 de agosto de 1972, en Copenhague, con Bennie Briscoe, el 11 de noviembre de 1972, en Buenos Aires, nuevamente con Emile Griffith, el 2 de junio de 1973, en Montecarlo, con Jean-Claude Bouttier, el 29 de septiembre de 1973, en París, con Mantequilla Nápoles, el 9 de febrero de 1974, en París, y màs adelante habrían más. Paralelamente al boxeo, en 1974 fue convocado por el director y guionista Daniel Tinayre -quien fuera esposo de Mirtha Legrand- para estelarizar la película «La Mary». Es allí que conoce a Susana Giménez, quien sería también coprotagonista de la película. Demás está agregar que Monzón era un púgil ya famoso a esa altura, pero no un actor, y sus deficiencias en los parlamentos forzaron a los diferentes productores del filme a contratar a un profesional, para doblar su voz. Se estrenó el 8 de agosto de 1974, en Argentina y Uruguay, con un elenco brillante: Susana Giménez como «Mary», Carlos Monzón encarnando a «Cholo», Alberto Argibay, Dora Baret, Teresa Blasco, Juan José Camero, María Rosa Gallo, Dora Ferreiro, Antonio Grimau, Leonor Manso, Ubaldo Martínez, Olga Zubarry, Guillermo Battaglia, entre otros. Actualmente «La Mary» es considerada una película de culto.

SUSANA GIMÉNEZ, SU ETERNA PASIÓN

Durante el rodaje de «La Mary» nace el amor y la pasión entre Giménez y Monzón. Compartiendo días de rodaje, se hicieron amigos, jugaron a las cartas, se fueron de paseo, a veces a almorzar y otras a cenar, y la pasaron bien en una palabra. Se comenta a viva voz que no les costó demasiado grabar las escenas más íntimas de la cinta, es más se dice que hacían ambos oídos sordos al escuchar la palabra «corten!»… seguían en lo suyo acaloradamente como si tal cosa. La pareja desprendía fuego y duró por cuatro largos años. Vivieron juntos, viajaron por el mundo; ella acompañando a Monzón en su ruta de boxeador y hasta disfrutaron una luna de miel permanente. A Susana le daba brillo estar al lado de la figura de Monzón, y más allá de todo, Susana le enseñó a Monzón a compartir una vida social que hasta ese momento el no conocía. Le enseñó a vestirse, a estar y a compartir una mesa, modales, y más. Con el tiempo la pareja se fue deteriorando, pasando por momentos vehementes de Carlos Monzón hacia Susana Giménez, hasta que ésta no soportó más las durezas y le dió la despedida. Hasta el día de su desaparición Monzón sostuvo que «Susana fue el amor más grande de mi vida. Fué mi pasión… «

SE ENTERO POR UNA REVISTA
Mercedes Beatriz «Pelusa» García, la esposa de Monzón, se entera por una revista de espectáculos de las andanzas de su marido con Susana, y pone el grito en el cielo. Cuando regresa éste a su casa en Santa Fé, su mujer no lo tolera y le pide que se vaya del hogar, a lo que Carlos accede; solamente regresaría esporádicamente para visitar a sus hijos. Mientras continuaba su entrenamiento, pelearía en el Luna Park, con Tony Mundine, el 5 de octubre de 1974, en Nueva York, con Tony Licata, el 30 de junio de 1975, en París, con Gratien Tonna, el 13 de diciembre de 1975, y en Montecarlo, con Rodrigo Valdez, el 26 de junio de 1976 y el 30 de julio de 1977, siendo éstos sus dos últimos combates, retirándose definitivamente de la práctica del boxeo. Mientras tanto participaba de los filmes «Soñar, soñar» de Leonardo Favio, «Amigos para la aventura», y «Las locuras del profesor» de Palito Ortega, y «Los hijos de López», y «Un loco en acción», de Enrique Dawi.
Luego del alejamiento del ring, Carlos Monzón entra en la otra etapa sombría de su vida que supo de noches intensas, de lujurias, combinadas con alcohol y vehemencias. Más allá de la Nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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CARLOS MONZÓN: ENTRE LA GLORIA y EL FEMICIDIO – PRIMERA PARTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UNA PEGADA VIOLENTA…
Muchos lo reconocen como el gran boxeador de todos los tiempos en Argentina, de una pegada violenta que repercutía intensamente en la humanidad de sus contrincantes. Hasta cuando retrocedía continuaba lastimando a sus combatientes con los puños. Campeón Mundial en su rubro, con infinidad de peleas obtenidas por knockout. Carlos Monzón. 1 Comenzando a entrenar cuando era un adolescente pobre, pensando siempre en la remota posibilidad de llegar algún día a convertirse en un grande del deporte en el Gran Buenos Aires. Más allá de sus condiciones, el destino quiso que se transformara en ídolo mundial, admiradado, y hasta a veces temido por sus propios desafiantes en el ring. De origen sumamente humilde, de ascendencia mocovi -pueblo indígena de Argentina desprendido del conjunto de los gualcurües, que aún perdura en las zonas que habitan, Formosa, Santa Fé y Chaco- de familia muy golpeada, tuvo que dejar la escuela para salir a trabajar a los once años para ganarse la vida lustrando zapatos por las calles, vendiendo diarios, soda y hasta repartiendo leche, llevando el producido a su hogar para ayudar a sus padres y hermanos. La historia de Carlos Monzón empieza de una manera sacrificada, en jornadas cuando se comía salteado y se pasaban precariedades en muchos sentidos. Fue de menos a más en su carrera, llegando a la cúspide, para luego de su retiro conocer su otra cara, su triste verdad: la de su vida en la noche, de farándula, rodeado de mujeres, de aventuras fáciles, de alcohol, y hasta de femicida, de lamentable final.

BARRANQUITAS, BARRIO DE CASITAS FEDERALES
Los padres de Carlos Roque Monzón se llamaban Amadia Ledesma y Roque Monzón, y Carlos fue el quinto hijo del matrimonio, llegado a éste mundo el 7 de agosto de 1942 -hubiese cumplido 77 años en éstos días- en la localidad de San Javier, en provincia de Santa Fé. Ya en 1950, los Monzón deciden afincarse en la ciudad misma de Santa Fe, en la búsqueda urgente de nuevos horinzontes, pasando a vivir en Barranquitas, barrio de casitas federales, de laburantes. El sustento había que salir a buscarlo y no era nada fácil, y Carlos siendo un muchacho se ponía a vender refrescos en los partidos entre los equipos de Colón y Unión, donde asistían miles de personas en ese tiempo. Llamado por la curiosidad que en la sede del Club Unión se enseñaba boxeo, hacía allí se dirige Carlos, interesándose desde ese momento en esa disciplina, pero tratando de ocultar siempre su condición, para de esa forma otorgarle a su familia una mejor vida en todo sentido. Su primer encuentro entre las sogas fue a nivel amateur, el 2 de octubre de 1959 y el último, antes de hacerse profesional, el 12 de diciembre de 1962 como boxeador de peso medio. Su principal entrenador fue Amílcar Brusa, quien murió el 27 de octubre de 2011. Cuando lo conoció, tenía siete peleas como aficionado y había perdido dos; con Don Amílcar hizo 80 combates más como amateur, hasta llegar a ser en breve tiempo Campeón de Boxeo de Santa Fé. Su arribo a Buenos Aires era inminente. Concretando anhelos, llegarían tiempos mejores en su trayectoria. Ya en 1970, exactamente el 7 de noviembre, Monzón alcanza el título de Campeón Mundial en la Categoría Medianos, defendiéndolo satisfactoriamente en 14 ocasiones, hasta su retiro el 29 de agosto de 1977.

LOS GUANTES, EL RING y EL CONTRINCANTE
A base de entrenamientos duros, régimen de alimentos, caminatas, y luchas diarias con sparrings en el gimnasio, traza objetivos y se encamina por distintos combates, siendo lo más importante para él: los guantes, el ring, y el contrincante. El 6 de febrero de 1962 debutó como profesional, al enfrentarse a Ramón Montenegro, a quien derrotó por KO. Pero, entre 1963 y 1964 debido a su inexperiencia y la propia calidad de los rivales, sufrió algunas derrotas; por suerte a partir de 1965, sus presentaciones se dieron vuelta y ganó siempre. El 1o. de febrero de 1966 es coronado Campeón de los Medianos en Santa Fe, y el 3 de septiembre del mismo año logra su combate en el Luna Park, derrotando a Jorge Fernández, al que llamaban «El torito de Pompeya» obteniendo el título de Campeón Argentino de Peso Mediano. Luego de ganarle a Fernández, se fué raudamente a Santa Fé -para con lo que logró económicamente- a levantar su casa a puro ladrillo, haciendo de constructor y albañil, sorprendiendo a todos, para que su familia tenga un techo y piso de cemento. Estaba cerca, la tan sonada pelea con el púgil italiano Nino Benvenuti, el Campeón Mundial de los Medianos. Al momento de anunciarse éste combate nadie daba nada por Monzón, no era el favorito. Cuando viaja rumbo a Roma por el enfrentamiento solamente sus familiares estaban en el aeropuerto, para saludarlo y desearle buena suerte.

INVESTIGACION DEL FEMICIDIO
Paralelamente, a sus entrenamientos y peleas, Monzón se habia casado en primera instancia con Zulma Encarnación Torres, con la cual tuvo un hijo, Carlos Alberto, el mayor, y despues de divorciarse contrajo enlace con Mercedes Beatriz García, más conocida como «Pelusa», teniendo con ella tres hijos, Silvia, Abel y Carlos Raúl. En esos años todavía no habían arribado a la vida del boxeador, la vedette y modelo de entonces Susana Giménez, la también modelo uruguaya Alicia Muñiz -a quien ultimaría- entre otras mujeres famosas y otras menos conocidas. El 17 de junio de 2019, el canal Space estrenó la miniserie «Monzón», producida por Disney Media Distribution Latin America y Pampa Film, que narra su vida, haciendo foco principalmente en la investigación del femicidio por el cual fue condenado. Más allá de la Nostalgia.

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GILDA: EL MITO A 23 AÑOS DE SU ADIOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA CONDICIÓN DE SANTA POPULAR

El 7 de septiembre de 1996, en el kilómetro 129 de Ruta Nacional 12, en Villa Paranacito, cuando se dirigía al norte de la provincia de Entre Ríos, en Argentina, encontró la muerte una de las cantantes de ese momento, Gilda, a los 35 años de vida. Estaba cumpliendo con infinidad de presentaciones personales cada semana, y si bien ya habían atravesado algunas situaciones de tránsito sin importancia, meses atrás, ésta vez el destino quiso lo contrario. Un camión embistió el ómnibus donde viajaba falleciendo ella, su madre Tita, su hija Mariel de quince años, tres de sus músicos, y el chofer del vehículo. Desde su partida, muchos seguidores le atribuyen la condición de santa popular, debido a que creen que ha realizado varios milagros. Sin ir más lejos, existe un santuario en el interior del autobús accidentado y en el lugar donde ocurrió la tragedia, teniendo infinidad de visitas de sus admiradores y público en general. Una artista con talento, transmitiendo sentimientos, que se fue muy joven, en el momento más trascendente de su carrera. Fue hace 23 años. Gilda. 1

NO ES MI DESPEDIDA

Increíblemente, Gilda estaba disfrutando del éxito de varias canciones, una de ellas, la última que escribió, «No es mi despedida», con una letra realmente muy tocante de corazón: «Quisiera no decir adiós, pero debo marcharme, no llores por favor no llores, porque vas a matarme…» Aquella vez debía cumplir con su show en Chajari, pero al chocar la unidad, fue todo infausto con el sonido de chapas retorcidas y los gritos desgarradores de varios de los ocupantes. Algunos con fuertes golpes, pero sin gravedad, como Toti Giménez, pareja y productor de Gilda, terminaron desmayados a cuarenta metros del lugar, tirados en el pasto sin saber que había ocurrido o que hacían ahí. Otras doce personas terminaron heridas. Había quedado atrás para Gilda, el haber recibido el Disco de Oro por Superventas por «Corazón valiente», álbum lanzado en 1995 y entregado por Leader Music en uno de los bailables más destacados del Gran Buenos Aires, Metrópolis. Se sumaban otros hits de la intérprete: «Fuiste», «Un amor verdadero», y «Paisaje», con la emblemática instantánea de la carátula, en la que Gilda posa para la posteridad con la corona de flores observando que pasaba bien arriba. Los temas se erigieron en himnos, escuchándose por todos los sitios, sonando permanentemente no solo en Argentina, sino en casi toda América, inclusive Uruguay, a lo largo y a lo ancho. En ese entorno, efectuó giras por Bolivia y Perú, quedando truncas salidas en Montevideo, donde ya estaba programada. Una de las fotos más promovidas de la cantante. 4

LA HISTORIA COMIENZA EN BUENOS AIRES

La verdadera historia de Gilda se inicia en Buenos Aires, donde nace bajo el nombre de Miriam Alejandra Bianchi, el 11 de octubre de 1961. Después de la primaria, empezó a estudiar para recibirse de maestra jardinera y profesora de educación física, pero al dejar de existir su padre, debió interrumpirlas en 1977, para pasar a hacerse cargo del lugar donde residían. Al poco tiempo se casó teniendo dos hijos, Mariel y Fabricio Cagnin. Atrapada por la música y el canto, en un aviso publicado en prensa escrita, solicitaban cantantes para un conjunto. Allí se dirigió Gilda. Su voz, personalidad, y condiciones ganaron un espacio en una agrupación del lineamiento tropical. Claro, que su familia no deseaba para nada que ella ocupara ese lugar, pero después de un tiempo cedió, brindándole un apoyo total. Deseando crecer en el rubro, conoce a Toti Giménez, compositor y tecladista en ese momento de la agrupación de Ricky Maravilla, que se transforma primero en su pareja de la vida y luego en su productor artístico, lanzándola como solista ingresando por la puerta grande de la música en general. Y «La puerta» se coloca como hit, conjuntamente con «Se me ha perdido un corazón», «Rompo las cadenas», «No te quedes afuera», «Tu cárcel», y «Corazón herido», entre otros.

SE PASEA ENTRE EL BRILLO y EL COLOR

Es tan fuerte el suceso, que hasta otros artistas desean versionar los temas de Gilda. Los Charros, Attaque 77, Natalia Oreiro, Leo García, por citar algunos de los nombres, se preocupan para incluir en su material fonográfico los temas de la compositora e intérprete. Ella en su corto periplo se pasea entre el brillo y el color, logrando sendos discos de oro, de platino y de doble platino, por ventas millonarias en todos los sitios. De esa forma se convirtió en una referente de la música de la vecina orilla. Con canciones que mantienen vigencia hasta hoy en día. Es un mito. Más allá de la nostalgia.

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LAURA BRANIGAN: UN MITO QUE DURARA SIEMPRE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN DIA COMO EL DE HOY, PERO DE 2004

Un día como el de hoy, 26 de agosto, pero de 2004, hace quince años, se fue rumbo al cielo Laura Branigan. Ocurría cuando dormía en su chacra en East Quogue, en Nueva York. La causa se atribuyó a un aneurisma cerebral ventricular no diagnosticado previamente. En aquel momento se informó a los diferentes medios que había experimentado dolores de cabeza durante varias semanas antes de su desaparición, pero no buscó atención médica. Las cenizas de Laura fueron esparcidas por Long Island Sound, tenía tan solo 52 años, y quedaba atrás una carrera brillante en la música y el cine, donde fue presentando canciones que quedaron en el recuerdo eterno de todos, convirtiéndolas en himnos absolutos que se pegaron en las diferentes pizarras de éxitos por todo el mundo. Así, en la pasada «Noche de la Nostalgia» se escucharon mucho «Gloria» y «Self control», con total vigencia.

Laura Branigan

Laura Branigan

ERAN CINCO HERMANOS

Laura Ann Branigan nació el 3 de julio de 1952, en Brewster, Nueva York. Fue la cuarta de cinco hermanos, hija de Kathleen O’Hare Branigan, ama de casa, y James Branigan, un ejecutivo de cuentas y corredor de bolsa, quienes al tiempo se separaron. Laura concurrió a Byram Hills High School desde 1966 a 1970, estelarizando un musical en la secundaria, «The Pajama Game», en su último año. Entre 1970 y 1972, asistió a la Academia Estadounidense de Artes Dramáticas de Nueva York, y se desempeñó como camarera. En 1972 conoce al violero acústico Walker Daniels y su futura esposa Sharon Storm, y al también guitarrísta Chris Van Cleave, formando Meadow, agrupación de folk rock. Un año más tarde, 1973, con el bajista Bob Valdez edita su álbum debut, «The Friend Ship», junto a los simples «When you were young», y «Cane and Able». Durante los años posteriores, después de que Meadow se desintegrara, Laura consiguió varios trabajos, incluído un período como cantante telonera de Leonard Cohen, para su tournée europea durante los meses de abril, agosto, 1976. Lo mejor estaba por llegar.

DISCO DE ORO y PLATINO POR SUPERVENTAS

En una fiesta en Manhattan, conoce al abogado Larry Ross Kruteck, y en diciembre, 1978, Laura se casa con él, siendo éste 16 años mayor. Larry al margen de convertirse en su esposo, cuido la imagen de Laura, dándole una mano en su carrera, hasta que deja de existir el 15 de junio de 1996, debido a un cáncer de colón. En 1979, Branigan firma con Atlantic, y en 1981 lanza «Looking out for number one», desde su producción inédita «Silver dreams». Le siguieron «Tell him» y «Fool’s affair». Ya en 1982 edita «All night with me», de su nuevo disco, alcanzando el número 69 en Billboard, en los primeros meses de ese año. El álbum contenía distintos ritmos, incluído uno de los pocos temas compuestos por Laura, «I wish we could be alone». Asimismo, «Gloria», grabada en 1979 por el cantautor italiano Umberto Tozzi de gran impacto por Europa, es promovida como el segundo simple del LP. La versión de Laura, algo distinta de la original, es arreglada por el propio arreglador de Tozzi, Greg Mathieson, quien actualizó su producción junto a Jack White, para darle un toque norteamericano que coincida con la nueva letra en inglés. En primera instancia, las emisoras USA no propalaron el tema, pero si lo hicieron luego que los dancings comenzaron a tocarla, convirtiéndolo en uno de los mayores hits bailables de la década de los ochenta. El álbum se erigió en disco de oro, y el simple colocó más de dos millones de ejemplares solamente en los Estados Unidos, siendo finalmente certificado como platino.

DESTROZANDO LOS CHARTS CON «SELF CONTROL»

Durante el apogeo en la música, Laura también hizo apariciones como actriz, primero en 1981 en «An American Girl in Berlin», para la tele de Alemania Occidental, y luego del suceso de «Gloria», se convierte en invitada especial en algunas series tales como «Chips», «Automan» y «Knight rider». Luego llegarían películas en producciones independientes, incluída «Mugsy’s girls», y el filme australiano «Backstage». En 1984, Laura destrozaría los charts con «Self control», tema principal de su tercer disco-grande, convirtiéndose en su mayor impacto a nivel internacional, encabezando las listas de infinidad de países, especialmente Alemania, donde se paró durante seis largas semanas en el primer lugar. En Norteamérica trepó al casillero número cuatro, en el Reino Unido No. 10, y en el orbe fue un hit de tremendas dimensiones. En 1982, fue nominada al Grammy por su interpretación de «Gloria», y en 1983, por el álbum «Imaginación» -desde la banda sonora de «Flashdance»- en 1984, American Music Awards la destaca por el clip de «Self control», y en el Tokio Music Festival, obtiene el Premio Grand Prix a la mejor interpretacion vocal. Hasta el año de su desaparición, Laura Branigan continuó en actividad constante. Más allá de la nostalgia.

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PETER FONDA: UN ICONO CINEMATOGRAFICO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA AVENTURA DE CRUZAR ESTADOS UNIDOS

Cuando se estrenó la película «Easy rider» -»Buscando mi destino»- la fui a ver al Cine Trocadero, ubicado justo en la esquina de 18 de julio y Yaguarón. en Montevideo. En ese momento, estaba realizando mi debut profesional por las radios con «Meridiano Juvenil», tu mediodía joven, espacio de música underground que se emitía por C X 26 y C X 38, Emisoras del Sodre. Llamado más que nada por su espectacular banda de sonido, que integraban The Band, The Byrds, The Jimi Hendrix Experience, Roger McGuinn, y Steppenwolf, me acerqué a la sala, para disfrutar de esos artistas y saber de que se trataba la cinta. Allí, me enontré con el trabajo actoral de Peter Fonda y de un muy buen reparto compuesto por Dennis Hopper, Jack Nicholson, Phil Spector y Luke Askew, entre otros.Peter Fonda and wife Parky Fonda La película desarrolla la historia de Wyatt -Peter Fonda- y Billy -Dennis Hipper- que se embarcan en un viaje en moto cruzando buena parte de Estados Unidos con el objetivo de asistir al carnaval Mardi Gras. Para financiar el viaje, se sirven del tráfico de cocaína en la frontera con México, y con sus motocicletas emprenden un viaje en el que conocen diversas caras de la sociedad norteamericana. En el camino se encuentran con diversos y poco habituales personajes, un ranchero y su familia, un hippie, y terminan siendo arrestados en un poblado por desfilar sin un permiso, donde conocen a un abogado alcohólico -Jack Nicholson- que les saca de la cárcel y luego decide unirse a ellos. Dirigida por Dennis Hopper, producida por Peter Fonda, bajo el guión de Peter Fonda y Dennis Hopper, con un costo de U$ 400.000, llegando a recaudar la exquisita cantidad de 60 millones de dólares. Un éxito formidable de taquilla. Desde ese momento, «Easy rider», fue con Peter Fonda, uno de mis films favoritos.

LA CONTRACULTURA DE LOS SESENTA
«Easy rider» fue también ganadora de numerosas distinciones y candidata a otras muchas. Considerada un hito de la contracultura de los sesenta y película de culto fundamental en la historia del cine en USA y del mundo. Precursora de la producción independiente, apareció en el puesto 88 en la lista «100 años, 100 películas» del American Film Institute. Diez años más tarde se ubicó en el puesto 84 de la versión actualizada de la lista. En 1988, «Easy rider» fue considerada cultural, histórica y estéticamente significativa, por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, y seleccionada para su preservación en el National Film Registry. Si bien fue uno de los puntos más altos en la carrera de Peter Fonda, como actor, guionista y productor, éste ya venía con buenas credenciales interpretativas. En 1960 actuaba en el Cecilwood Theatre de Nueva York, y en Broadway gana notoriedad en «Blood, sweat» y «Stanley Poole», escritas por James y Willliam Goldman, logrando 84 presentaciones en 1960 y 1961. Luego pasó a la televisión como figura invitada en diferentes series: «Naked city», «The new breed», «Wagon train» y «The defenders».

UN SINFIN DE PRODUCCIONES
La primera cinta de Fonda se produjo cuando el productor Ross Hunter estaba seleccionando un nuevo actor para llevar adelante un romance con Sandra Dee en «Tammy and the doctor», en 1963. El mismo año, continuó con «The victors», valiéndole a Fonda un Premio Globo de Oro. Seguiría en la pantalla chica nuevamente como invitado especial en «Channing», «Arrest and trial», «The Alfred Hitchcock hour», y «12 O’Clock high». 1964 sería el año de «Lilith», junto a Warren Beatty, Jean Seberg, y Gene Hackman. Meses después, rodaría «The young lovers» bajo la dirección de Samuel Goldwyn Jr. El primer protagónico de Fonda orientado a la contracultura fue también como motociclista en «The wild angels», en 1966, con Bruce Dern, Nancy Sinatra y Diane Ladd. Más adelante, «The trip», 1967, «Spirits of the dead»,1968, y «Certain honorable men», también en 1968, hasta que ya estaba por concretarse, su gran momento en «Easy rider».

SE FUE A LOS 79 AÑOS
Peter Henry Fonda nació el 23 de febrero de 1940 en Nueva York. Hijo de Frances Ford Seymour y del también actor Henry Fonda. Su hermana era la actriz Jane Fonda, nacida en 1937. Peter y Jane tenían una media hermana, Frances de Villers Brokaw, del primer matrimonio de su madre, Frances, quien se suicidó en un hospital psiquiátrico cuando Peter tenía tan solo diez años, aunque éste no descubrió las circunstancias ni el lugar de su muerte hasta que llegó a la edad de quince años.
Peter estudió actuación en Omaha, Nebraska, la ciudad natal de su padre, y después siguió en la Escuela Fay, en Southborough, Massachusetts, y en la Academia Westminster, en Connecticut. Lamentablemente, Peter Fonda, falleció de insuficiencia respiratoria causada por cáncer de pulmón, en su casa de Los Angeles, California, el pasado 16 de agosto, a los 79 años. Lo despidieron su esposa, Margaret «Parky» DeVogelaere, su hija, también actriz, Bridget Fonda, su hermana, Jane Fonda, y Troy Garity, su sobrino. En 1998, había escrito su autobiografía, «Don’t tell dad: a memoir». Su actuación en «Easy rider» será recordada por siempre. Más allá de la nostalgia.

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MICHEL FUGAIN: EL SHOWMAN DE CIUDAD LUZ

SE LE CONOCIÓ POR «NO TOCA BOTÓN»
Seguro que alguna vez tuvieron la oportunidad de apreciar el comienzo de «No toca botón» en la tele o en algún dvd con el sonido a viva voz de un tema rítmico que funcionaba a manera de cortina del programa. Se trataba de «Attention mesdames et messieurs» del cantante francés Michel Fugain. La canción sumamente pegadiza se coló en el gusto popular de la gente y se convirtió en un gol de media cancha, dando a conocer al artista, si bien éste ya venía con muy buenas credenciales y extensa biografía en sus lares y también en algunas ciudades europeas. La obra de letra particular en español, especial para un espacio que identificaba al «negro» Alberto Olmedo: «Atención, señoras y señores, en un momento comenzaremos… siéntate en tu silla, 5, 4, 3, 2, 1, 0, todos los proyectores se encenderán, y todos los actores cobrarán vida al mismo tiempo… « Fue apabullante el suceso, muchas veces comentado publicamente por Hugo Sofovich, productor del humorístico y hasta por el propio Olmedo. Michel Fugain. 1 Mientras se mantuvo en el aire «No toca botón» la característica musical fue inicio, leitmotiv y cierre de los diferentes capítulos. Así fue como el showman de París, Michel Fugain fue ganando adeptos por el Río de la Plata.
UNA BELLA HISTORIA
La historia de vida de Michel Fugain da comienzo el 12 de mayo de 1942, cuando llega a este mundo en una ciudad del sureste de Francia, Grenoble. Cuenta en la actualidad con 77 años. Hijo del doctor Pierre Fugain que lo destina a convertirse en neurocirujano mientras su madre observa en Michel una carrera como pianista, abandona sus estudios en el primer año de medicina; contaba con veintiuna primaveras, y se pone a estudiar de lleno música y canto. Pero, ya en 1964 le brota la composición, y se dedica a escribir temas para Ediciones Barclay, siendo sus primeras creaciones interpretadas por Marie Laforét, Hervé Vilard, Hugues Aufray, y Dalida, entre otros. Cinco años más tarde, en 1969 lanza su primer álbum, «Je n’aurai pas le temps». Inteligente, rápido y creativo, en 1972 crea Big Bazar, grupo artístico y musical de 15 componentes. En ese preciso momento produce «Una belle histoire» y «La féte», realizando una adaptación del tema brasileño «Voce abusou» -de Antonio Carlos y Jocafi- registrándolo como propio, llamándole «Fais comme l’oiseau». La canción se convirtió en el himno del Partido Socialista Francés. El dúo brasileño, al enterarse del plagio, inició una demanda judicial, que finalmente ganó. Sin embargo, la mayor parte de los franceses creen que la canción es de Fugain. Big Bazar dejó de existir en 1976.
VIVA LA VIDA
Después de hacer fehacientemente un estudio de mercado, Fugain funda en 1977 la Compagnie Michel Fugain, con Roland Magdane. En 1979, le da vida a un taller de comedia musical -un verdadero campo de entrenamiento para artistas jóvenes en ese rubro- en Niza, en los Estudios de la Victorine. De 1981 a 1986, prácticamente desaparece de la escena, editando solamente un álbum, «Capernaum», en 1981, y «The girl of Rockefeller» en 1985, haciendo algunas giras acompañado de una gran orquesta en directo. Regresó al éxito en 1988 con la canción «Viva la vida», imponiéndola en Francia y alrededores. Después de haber compuesto el disco de Michel Sardou, en 2000, lanza en el siguiente año un nuevo álbum a los 58 años. Producido en su propio estudio, Encore presenta once temas cuya música fue escrita por Fugain con la letra de otros autores: Claude Lemesle y Brice Homs.
ATTENTION MESDAMES ET MESSIEURS
La muerte de Laurette, su hija, el 18 de mayo de 2002, lo lleva a encerrarse solo en su bunker de L’Île-Rousse, deseando acortar su carrera, para realizar solamente lo esencial en presentaciones. Seguiría con «Attention mesdames et messieurs», en 2005, y «Bravo et merci», última producción en forma de homenaje a sus pares, donde interpreta textos ofrecidos por Michel Sardou, Maxime Le Forestier, Claude Nougaro y Charles Aznavour. También se convierte en el padrino del Festival de Auris, en Oisans. Michel Fugain está casado con Sanda, «la mujer que le da sabor a mi vida…», según sus propias palabras. Contrajeron enlace hace unos años, luego de más de una década de conocerse, y estar en pareja durante mucho tiempo.
La ceremonia nupcial tuvo lugar en Córcega, y fue solamente para la familia y muy allegados a la pareja. A partir del próximo mes de Octubre, Fugain iniciará una tourné por distintos lugares de Francia y Bélgica. Más allá de la nostalgia.

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RODOLFO ZAPATA: LA RUTA DE UN CAMPEÓN DE LA VIDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DE CORTE HUMORISTICO, DE DOBLE SENTIDO

Cantante de temas simples, que el mismo creaba, casi siempre solo, que se transformaban en pegadizos ciento por ciento. «No vamo’ a trabajar» es su ejemplo más sonado, que mantiene vigencia absoluta hasta éstos días, tarareado hasta por las barras bullangueras de los estadios de fútbol del Río de la Plata. Artista de teatro, cine y tv, poseedor de un talento impresionante que atrapaba multitudes desde los escenarios cuando actuaba ante miles de personas, ya sea en el interior de Argentina o en Uruguay, tomando su guitarra y soltando los primeros compases de «La gorda»… «Señores yo no soy muy flaco, pero de corazón tierno, y tengo una novia gorda, para pasar el invierno. Pesa ciento treinta kilos, se come un lechón entero, que me importa que sea gorda, si pa’ correr no la quiero…» De corte humorístico, de doble sentido se fue metiendo en el corazón de la gente, a lo largo y a lo ancho de su extensa carrera, hasta que el pasado 1o. de agosto se fue a sus 87 años rumbo al cielo. Bonachón, querible, apasionado de la profesión, hombre de familia, amigo de los amigos, Rodolfo Zapata, no fue un exponente más de la música o de la grey artística, fue un pedazo de la vida misma. Rodolfo Zapata. 1

ENTRE EL FOLKLORE y EL CLUB HURACÁN
En barrio Parque Patricios estaba su amor. Si, amor por el fútbol, con el Club Huracán, allí donde concurría asiduamente para estar con aquellos jugadores que hacían malabares con la pelota de fútbol, los verdaderos cracks que aplaudía la multitud vivando por sus colores preferidos, los del «globito»: Miguel Brindisi, Roque Avallay, o Carlos Babington, entre otros, componentes del equipo campeón argentino de 1973. Su sentimiento y pasión lo llevaba a acompañarlos en las concentraciones entonando su folklore tan particular para entretenerlos con una sonrisa a flor de piel y dejarlos contentos. Así, fue pasando el tiempo al compás de su mensaje, el que de a poco fue brindando comenzando bien de abajo en su casa paterna de Nueva Pompeya en la ciudad de Buenos Aires. Llegó a éste mundo el 10 de mayo de 1932, y ya con diez años de edad comenzó a estudiar guitarra y danza. Exactamente en 1946, con solo 14 carnavales en su haber debuta en la compañía teatral de Olinda Bozán y Francisco Alvarez, demostrando que su talento daba para mucho más. Tres años más tarde, en 1949 aparece por primera vez en la pantalla grande en el filme «Crisol de hombres» con Fernando Siro. También en ese año participa de «Vidalita», haciendo de doble de los mismísimos pies de Mirtha Legrand bailando un característico malambo, asombrando a todos ante su realización.

MALAMBO EN LA NOCHE
En los primeros meses de 1957 escribe y compone «Malambo en la noche», tema que lo registran Horacio Guarany y Antonio Tormo, siendo muy promovido en territorio argentino a nivel radial. Decidido a continuar en la ruta de la composición, junto a Ernesto Cabeza, componente de Los Chalchaleros, se dividen la autoría de «La gorda», hit que inicialmente fuera grabado por dicha agrupación. El tema se convierte en suceso y debido a eso, a Rodolfo Zapata se le abre de par en par la posibilidad de grabar un álbum como solista tentado por una novel fonográfica. En 1965 llegan «Regalito», «No vamo’ a trabajar» y «La gorda» en su propia versión, siendo tan rotundo el éxito que Argentina Sono Film le ofrece hacer como protagonista «La gorda», película en blanco y negro dirigida por Rubén W. Cavallotti según el guión de Gius -seudónimo de Augusto Giustozzi- que se estrena el 14 de abril de 1966, con Nelly Beltrán, Marta González, Rosángela Balbo, y el propio Zapata, donde un cantor aficionado abandona su pueblo para ir a la capital, donde se enamora de una muchacha, pero no podrá librarse de su rellenita novia que dejó en su lugar natal. Una trama ligera, pero simpática y eficaz en el humor.

MAS PELÍCULAS, TEATRO y ALGUNAS GIRAS
En 1969 estelariza otra cinta, lo hace con Susana Brunetti, Fidel Pintos, y Horacio Bruno, en «Un gaucho con plata», dirigida por Angel Acciaresi, bajo libretos de Abel Santa Cruz, estrenada el 26 de febrero de 1970.
En años posteriores continua lanzando discos y actuando en diferentes países de América y área latina de Estados Unidos, actuando en el mismísimo Madison Square Garden de Nueva York. En las tablas del teatro fue figura en «Los reyes del Tabaris», junto a Dringue Farías y Adolfo Stray. Vivió durante años en la ciudad de Bella Vista, partido de San Miguel, en provincia de Buenos Aires, destacándose como activo colaborador de varios centros de enseñanza donde presentaba su canto sin pedir honorarios para ayudar a recaudar fondos para las escuelas necesitadas. Se había casado con Martha su mujer durante muchas décadas hasta su fallecimiento, y su hijo es Rodolfo Zapata Jr., ex-futbolista y actual entrenador deportivo de reconocida actividad en el medio africano y norteamericano. Sus famosas «Picardías de Zapata» serán recordadas eternamente. Más allá de la nostalgia.

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RAPHAEL: 50º ANIVERSARIO DE «EL GOLFO»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EN LA MATINEE, EN LA TELE, EN EL CABLE
Se trata de una de esas películas, que uno recuerda con mucho cariño. «El golfo». Ocurrió en el año 1969, hace cincuenta años atrás, cuando Raphael se había convertido en un suceso mundial con espectaculares presentaciones en España, Inglaterra, Estados Unidos, Francia, y practicamente en todo el mundo. Sus shows en el Carnegie Hall en la 7h Ave. de Nueva York, en Theatre The Roundhouse de Londres, el Olympia de París, y el Madison Square Garden de La Gran Manzana, eran moneda corriente, con precios siderales de boletos y llenos totales de público. En esa carrera que fue siempre de menos a más, figuran en sus comienzos la obtención de festivales de la canción, y siendo muy joven la incursión en la tele del Río de la Plata, cuando junto al excepcional músico y arreglador Manuel Alejandro le acompañaba tocando el piano de cola, para él interpretar sus gloriosos himnos de la música hasta hoy día: «Yo soy aquel», «Mi gran noche», «Ave María», «Hablemos del amor», entre otros, ante la mirada de admiración y la conducción de Lila González y Américo Torres, en las siempres recordadas «Noches Brillantes» de Tiendas Angenscheidt, de Canal 4 Montecarlo TV, de los domingos a las nueve de la noche. En esos tiempos que transcurrían de blanco y negro en la pantalla chica, en 1966 Raphael filma su primera cinta como protagonista, «Cuando tu no estás», a la que le siguieron en años sucesivos: «Al ponerse el sol», 1967, «Digan lo que digan» en 1968, hasta llegar a «El golfo», y luego seis largometrajes más. «El golfo» fue una coproducción España-México de Aspa Producciones Cinematográficas, rodada en 1968 y estrenada al año siguiente, con proyecciones posteriores en las matinés, en la tele y en el cable. Triunfando en el Festival de Viña del Mar. 5
OCURRIO EN ACAPULCO
Bajo la dirección y guión de Vicente Escrivá, la música de Manuel Alejandro y la participación de Shirley Jones, Héctor Suarez, Pedro Armendáriz Jr., Patricia Morán, José Gálvez, y Ahui Camacho, «El golfo» se rueda en Acapulco, dentro del género comedia musical. El director Escrivá dirigió a Raphael en el momento más importante de su carrera como actor. Siendo ésta la primera colaboración entre ambos, que se extendería luego a dos títulos siguientes. Raphael declaró en sus memorias, que éste filme tiene un muy buen significado: «Fue el mejor de mi carrera…» sic. En el argumento mismo Mary O’Hara -encarnada por la actriz y cantante estadounidense Shirley Jones, que hoy cuenta con 85 años- una ejecutiva de una renombrada compañía norteamericana, sumamente aburrida por lo monótono de su empleo, se va de vacaciones a la gran bahía de Acapulco, en la costa del Pacífico de México, para tratar de distraerse y descansar. En su playa, sus esperanzas se derrumban cuando no hace más que encontrarse con caballeros rápidos sin ningún tipo de escrúpulos. Eludiendo todas las ofertas de amor, conoce a Pancho «El golfo» -Raphael- un joven que se gana la vida sacando dinero como puede. Solo Pancho dejará una huella en la vida de Mary, al compás de las canciones que va desarrollando la banda de sonido de la película.
ENTRE EL AMOR DE MARY y PANCHO…
Entre el amor de Mary y Pancho… Raphael canta en «El golfo»: «Cuando llega mi amor», «En Acapulco» -que abre la cinta- «Será mejor», «El Amor es triste» -«Love is blue»- «Me gusta pensar en ti», «El golfo» y más, siendo ese el punto más alto de la producción de muy buenos colores e imagen. El álbum con la banda de sonido del film fue lanzado por Récord Company-Compañía del gramófono-Odeón, S.A.E., editado aquí en Uruguay bajo los derechos de Palacio de la Música. Logró super ventas en muchos lugares, y no hizo más que consolidar la tan bien ganada fama del intérprete de Linares. Posteriormente a «El golfo», el español filma en 1969, «El angel» -Raphael- astuto y habilisimo cerebro gris especializado en células fotoeléctricas, es propietario de un elegante centro nocturno de Madrid, en la que se desempeña como cantante. El suicidio de su amiga Ivet lo sume en una gran crisis que lo lleva a entrar en un convento. Al frente del local queda un amigo suyo, y la desaparición de «El Angel» crea una tremenda sorpresa en todo el mundo. En 1970, llega «Sin un adiós», donde trata de una joven que tiene la oportunidad de pasar tres días en Mallorca, conociendo al cantante Mario Leyva, quien no es otro que nuestro conocido Raphael. Ya en 1973, «Volveré a nacer»; un cantante que fue acusado del asesinato de dos compañeros suyos, se escapa y se esconde con la compañía de su gerente.
PRECURSOR DE LA BALADA ROMANTICA ESPAÑOLA
En 2017 Raphael recibe la distinción «Toda una vida» de Madridiario. En 1982 le entregan un simbólico disco de uranio por las ventas de más de 50 millones de discos durante su carrera musical, premio único en el mundo también adjudicado a Michael Jackson y Queen. A Miguel Rafael Martos Sánchez a través del tiempo lo llaman: «El torbellino de la Alameda», «El monstruo de la canción», «El niño de Linares», o «El divo de Linares», y cuenta en la actualidad con 76 años, ya que es nacido el 5 de Mayo de 1943, en Jaén. Está unido en matrimonio con la periodista Natalia Figueroa desde el año 1972, con la cual tiene tres hijos, Jacobo, Alejandra y Manuel. Es el verdadero precursor de la balada romántica española. Actualmente se encuentra de gira mundial 2019. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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