LOS MOROS: 41 AÑOS DE GLORIA EL DESPEGUE DE LA BANDA

Corría el año 1976 y para variar nos encontrábamos haciendo dos programas de radio por la capital uruguaya. “La Noche Espontánea” en C X 26 y C X 38, y “Música con Todo!” en C X 28, La Nueva Imparcial, denominada así por

Los Moros con Alberto Arbizu en el centro, 1976

Los Moros con Alberto Arbizu en el centro, 1976

aquel entonces. Eran realmente dos espacios bien distintos, más que nada en el orden de la selección musical. Por ende, en esos momentos de discos simples, long-plays y cassettes, recibíamos infinidad de material fonográfico de las empresas editoras, inclusive de la República Argentina. Entre los LP’s nos llegó el álbum del quinteto Los Moros que grababan su primer disco para el sello del perrito y el fonógrafo, RCA. Nos llamaron la atención dos temas: “Dejáme si has olvidado que te quiero” y “Olvídalo pequeña”, por su canto sobresaliente y por el estilo de la banda. Los promovimos siendo todo un suceso en ambas audiciones. Ahí me puse a leer los créditos de la agrupación, nombrando a Juan Carlos Túbaro como bajista y director, Marcelo Requena, tecladista y arreglador, Guillermo Damonte, sintetizadores, Pablo Helman en batería y Alberto Arbizu, voz solista. La orquesta era buena, de perfil romántico, entrador, pegadizo y también alegre. Ese fue el verdadero despegue de Los Moros en la Banda Oriental, ya que hasta ese momento no se les conocía.
NOS INTERESABA SABER MÁS

En RCA firmando contrato con Cacho Castaña y ejecutivos del sello

En RCA firmando contrato con Cacho Castaña y ejecutivos del sello

Así fue que nos interesó saber más de esta tan atractiva banda, más que nada para tener a nuestra audiencia bien informada con lujos de detalles. Sus comienzos, su trayectoria, su historia. Descubrimos en forma primaria que el grupo estaba recién formado bajo ese nombre, ya que habían empezado en la música como Grupo Cadenas en los primeros meses de 1976, haciendo rock, siendo descubiertos y apadrinados por Cacho Castaña, quien firmaba sus contratos para la compañía grabadora. Al poco tiempo, debido al poco trabajo existente, el conjunto se transforma en una banda melódica por excelencia que traspasaría fronteras al compás de sus estrofas de amor y música bien arreglada de acordes espectaculares. Sus canciones de a poco se erigen en suceso, convirtiéndose en himnos del corazón: “Baila gitana hermosa”, “Por favor dime que sí”, “Llora si te sientes sola”, “El cuento ha terminado”, “Mi gran amor se ha ido”, “Eres mi primavera”, “Carita de pena”, “Tanta soledad”, “La gente quiere que baile”, “Llora la niña”, “Pobre marinero”, “Llegará la eternidad”, “Ay peligroso”, “Ta te ti, suerte para mi”,

El uruguayo Carlos Suárez actual cantante de la banda

El uruguayo Carlos Suárez actual cantante de la banda

“Muñequita”, “Hola preciosa”, “Quítame el dolor”, “Lagrimita yo te quiero”, entre tantos más hits.
COPARON MONTEVIDEO E INTERIOR
El suceso fue mayúsculo y dio para realizar extensas giras por toda Argentina, Uruguay y gran parte de América Latina. En nuestro país, el público de Montevideo, Canelones, San José, Salto, Paysandú y Soriano los vieron en vivo y en directo. El empresario artístico Juan Carlos Solá los trajo por primera vez y allí fuimos en busca de acercarnos más a sus componentes. Presenciamos más de un show que brindaron a todas luces en Defensa Agraria, Sud América y Club Montevideo, y trabamos buena amistad con ellos. Sobre todo con Juan Carlos Túbaro, y Alberto Arbizu, quien desarrollaba en el escenario una actuación magistral ya sea en la parte canora, como así también llamando alguna dama del público, dedicándole un tema en especial frente por frente a la gente. Era un capo en eso. Una vez concluida la canción junto a la muchacha, lo aplaudía todo el mundo: hombres y mujeres. Con qué calidad se metía al público en el bolsillo. Pero, por sobre todo cómo interpretaba. Fue y será el solista que le puso la identidad a Los Moros. La banda llevará su sello, eternamente. “El Negro” como se le llamaba a Alberto, nacido en la

Prueba foto estudio para álbum

Prueba foto estudio para álbum

ciudad de Santa Fe, y criado en Rosario, lamentablemente dejó de existir el 4 de septiembre de 1997, a los 51 años, debido a una cruel enfermedad que padecía desde hace un tiempo. Estaba disfrutando las mieles del éxito en su carrera como solista que emprendió con “Trigo verde”. Hasta el día de hoy lo recordamos, era un tipo divertido, alegre, un “loco lindo”, un amigo.
LLEGA EL URUGUAYO CARLOS SUÁREZ
Tras la ida de Alberto Arbizu lanzándose como solista, deja el lugar a otro muy buen cantante de origen uruguayo, Carlos Suárez, también en la batería se aleja Pablo Helman, y llega Ruben Algañaraz. En 1983 parte Suárez en busca de otros horizontes y se integra Oscar “Novio” Núñez como cantante. En la actualidad, ha retornado a Los Moros, Carlos Suárez, haciendo junto a ellos muchísimas presentaciones. Una vez, hace años, estando de pasada en Buenos Aires -como en tantas oportunidades- nos encontramos una noche en un local nocturno donde actuaban y finalizamos la jornada en una rueda de cafe con Riki Maravilla -años más tarde sería famoso- Alberto Arbizu, Carlos Suárez, Juan Carlos Túbaro, Marcelo Requena y Badi. Memorable. A Los Moros muchas felicidades en este su cumpleaños número 41. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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EL HOMBRE QUE VOLVIÓ DE LA MUERTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

NARCISO IBÁÑEZ MENTA: ACTOR ANTES QUE NADA.

Un muñeco maldito, un monstruo, un semi-hombre, un robot humano, cargado de odio y rencor, desesperado en busca de su alma… Es “El hombre que volvió de la muerte”, 1969, una creación terrorífica… anunciaba la promoción impresa para diarios y revistas de un excelente espacio de la pantalla chica que aparecía en horarios nocturnos y que se convertía en espeluznante; difícil para muchos luego conciliar el sueño. Se trataba de una idea de Narciso Ibáñez Menta, una verdadera leyenda en el rubro ficción de terror, en el Río de la Plata y en su país, España. Productor, director, y antes que nada actor de teatro, de los buenos, realizó infinidad de obras de misterio y pánico que marcaron toda una época. Seguidor de Lon Chaney -“El hombre de las mil caras”- aprendiendo algunos trucos y hasta a maquillarse de una manera similar, haciendo representaciones en las que prácticamente no se le reconocía.

Narciso Ibáñez Menta

Narciso Ibáñez Menta

“NARCISIN” NACIÓ EN ASTURIAS
Narciso Ibáñez Menta, conocido en su niñez y adolescencia como “Narcisín”, llegó a este mundo el 25 de agosto de 1912, en Sama de Langreo, Asturias. Su madre, Consuelo Menta Agreda y su padre, Narciso Ibáñez Cotanda fueron ambos artistas líricos. Ante esa situación de que sus padres estaban vinculados al ambiente artístico, “Narcisín” con tan solo ocho días hizo su primera aparición en escena teatral en brazos de la actriz Carola Ferrando. Al ir creciendo durante su infancia se trasladaba de continuo junto a sus progenitores por la Madre Patria y América Latina, hasta llegar a Argentina, donde se afincaron en Buenos Aires, donde justamente le pusieron “Narcisín”, saboreando el aprecio del público porteño entre los años 1919 a 1923, con las obras “El príncipe Cañamón”, “El niño de Río Tinto”, “El pibe del corralón”, y “Meu Fillo!”, por nombrar algunas. Sería el principio de muchas realizaciones espectaculares que vendrían posteriormente en teatro, cine y televisión.
SE CASA CON PEPITA SERRADOR
En la década del treinta conoce a la actriz argentina Pepita Serrador de la cual se enamora y contrae nupcias en 1934, con la que tiene un único hijo, Narciso Ibáñez Serrador, nacido un año después del casamiento, el 4 de julio de 1935, quien se convertiría en dramaturgo, actor, y director de programas de televisión, con el que colaboró continuamente con su padre. Narciso Ibáñez Menta se hizo conocido por sus desempeños en el género de terror en la pantalla chica, y su trayectoria profesional fue mucha y completa. En los comienzos va detrás de lo que hacen sus padres, pero inmediatamente se siente atraído por el teatro y estudia duro para llegar a ser alguien sobre las tablas. De buenas a primeras, se convierte en director teatral colocando en escena “La muerte de un viajante” de Arthur Miller, “Las manos sucias” de Jean Paul Sartre y “Fausto” de Goethe, obras clásicas y contemporáneas. En 1933 en la capital argentina se inicia en el rubro terror con la adaptación para teatro de “Doctor Jekyll y Mr. Hyde”, seguida de una puesta en escena del mismísimo “Fantasma de la ópera”.
17 PELÍCULAS EN ARGENTINA
En la vecina orilla encarnó 17 largometrajes: “Una luz en la ventana”, 1942, “Historia de crímenes”, 1942, “Cuando en el cielo pasen lista”, 1945, “El que recibe las bofetadas”, 1947, “Corazón”, 1947, “Vidalita”, 1949, “Almafuerte”, 1949, “Piantadino”, 1950, “La bestia debe morir”, 1952, y más. Entre sus series tv que lo marcaron por su actuación y trama figuran: “¿Es usted el asesino?”, 1961, “El muñeco maldito”, 1962, “Historias para no dormir”, 1965-1982, “Historia de la frivolidad”, 1967, “Un pacto con los brujos”, 1969, “El sátiro”, 1969, “El monstruo no ha muerto”, 1970, “Otra vez Drácula”, 1970, “Mañana puedo morir”, 1979, “El pulpo negro”, 1985, “Los herederos del poder”, 1997, entre otras. La mayoría de las veces con libros de Abel Santa Cruz.
A 13 AÑOS DE SU DESAPARICIÓN
Ibáñez Menta obtuvo el Martín Fierro y fue uno de los primeros actores en lograrlo. Su primera esposa, Pepita Serrador, falleció en 1964; estaban separados desde 1940, pero llevaban adelante una buena amistad. En 1950 Narciso se casa con la actriz Laura Hidalgo -el era 15 años mayor que ella- matrimonio que se extendió por cuatro años. En 1957, conoce a Lidia Haydeé Rojas quien fue su tercera y última esposa. Lamentablemente, de a poco su salud fue decayendo y en 1996 le implantaron un marcapasos, pasando sus últimos años en la cama. Se fue un día como el de hoy, 15 de mayo, pero de 2004, en el Hospital de Madrid. Tenía 91 años. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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LAS OCHENTOSAS DE LA FAMA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LLEGARON A LA MECA DEL CINE
A partir de octubre de 1927 la historia del cine cambió. Hasta ese momento las cintas eran mudas, pero a partir de la fecha indicada, el sonido se sumó al celuloide. Y muy pronto vendría el color y el cinemascope, entre otras. Así, de esta forma la cinematografía al compás de sus adelantos, fue incorporando buenos argumentos, con la aparición de magistrales actrices y actores. El telón se abrió y la proyección se inició con damas bonitas de impactantes relieves y galanes que hacían suspirar a las damas, aportando lo suyo, su imagen y su desempeño en diferentes producciones de Hollywood. Hubo muchas desde fines de la década del veinte en adelante que presentaron distintos estudios de la pantalla grande, que se consagraron ante el mismísimo premio Oscar de la Real Academia. El desfile de las divas no se hizo esperar. Allí estaban ellas, ante una verdadera sucesión de nombres… Morochas, rubias, castañas, en fin, para todos los gustos. Entre las mismas: Gina Lollobrigida, Brigitte Bardot, Shirley MacLaine y muchísimas más. Figuras eternas del séptimo arte que se mantienen de pie, a través del tiempo.
“LA LOLLO” ARROLLABA!…
Tyrone Power, Gary Cooper, John Wayne, Clark Gable, entre otros besaron a muchas de ellas. Era el momento de la matinée cuando el grueso de la platea barrial observaba esas escenas exclamando “¡Mmmmmm!…”, y las bellas damas estaban ahí para llegar al corazón del público por el mundo. El glamour, brillo y super calidad, se encendían ante tantas figuras despampanantes como la singular Gina Lollobrigida que surgía en las marquesinas desafiando a otras representantes de renovada energía. “La Lollo”, como se le llama es nacida en 1927, en Subiaco, cerquita de Roma, y está proxima a cumplir sus 90 años en el mes de junio venidero. Descubierta por un cazador de talentos en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde se nutría de conocimientos en escultura y dibujo. Por su primer desempeño en el cine le pagaron un millón de liras. En primera instancia no le interesaba demasiado la actuación pero de a poco fue penetrando por la puerta grande de la fábrica de los sueños. Para muchos fue la gran rival de Sophia Loren -hoy 82 años- aunque la prensa inventó parte de esa competencia. Fue una buena publicidad para ambas. Gina fue reconocida con distintos galardones: Cinco premios David de Donatello y un Globo de Oro.
BRIGITTE, SÍMBOLO DE UNA ÉPOCA
De manera paralela irrumpía en el cinematógrafo una chica francesa de mirada angelical. Brigitte Anne-Marie Bardot, de nombre artístico Brigitte Bardot. Ella, llegó a este mundo el 28 de septiembre de 1934, en París. Se dedicó a cantar y actuar, y se erigió ícono de la moda y símbolo sexual de ese momento. Tiene 82 años en la actualidad. Además de conmocionar a los caballeros, se fue dedicando a los derechos de los animales, iniciadora y presidente de la fundación que lleva su nombre. Figura femenina de los cincuenta y sesenta, aclamada como una estrella mundial, musa de los más recordados artistas de su época, tiene 48 largo-metrajes filmados y más de cien canciones en 21 años de carrera. Siendo una de las actrices más exitosas, le puso fin a su carrera en 1974 para dedicarse de lleno a sus actividades benéficas. Hoy reside en su mansión parisina, recordando de vez en cuando que se paseaba por las arenas de Cannes, en la riviera francesa, de apasionantes amoríos y aventuras.
EL SUEÑO DE SER ACTRIZ
Por Hollywood se fueron sucediendo todo tipo de hermosas señoritas. Le tocaba el turno a Shirley MacLaine, quien primero fue bailarina de ballet y más tarde cantante, actriz y escritora. Nacida el 24 de abril de 1934, en Richmond, Virginia, bajo el nombre de Shirley MacLean Beaty. Cuenta ahora con 83 años, y es llamada así en honor a Shirley Temple.
Su primera cinta fue “Pero… ¿quién mató a Harry?”, de Alfred Hitchcock, en 1955. Su carrera en el cine siguió adelante, al no haber basado su suceso en la belleza, MacLaine ha podido prolongar su actividad sin sufrir el trastorno que supone envejecer. Tal es así que en 2012 participó en la tercera temporada de “Dowton abbey” junto a Maggie Smith y Elizabeth McGovern. Cada vez que le realizan un reportaje habla de uno de los papeles más populares que realizó; el de la princesa Aouda en la super producción “La vuelta al mundo en 80 días”, de 1956.
DOS LUMINARIAS DIFERENTES

Maggie Smith

Maggie Smith

Rita Moreno

Rita Moreno

Brigitte Bardot

Brigitte Bardot

 

 

Gina Lollobrigida

Gina Lollobrigida

Shirley MacLaine

Shirley MacLaine

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¡FELIZ CUMPLE!… Los 75 años de Bárbara Streisand actriz, cantante, empresaria y más

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Actriz, cantante, empresaria, productora, compositora y escritora son tan solo algunas de las ocupaciones de ésta bella mujer que hoy está cumpliendo sus 75 años. Brillante como protagonista de películas y entonando canciones, teniendo en su haber infinidad de cintas encarnando diferentes personajes, y más de sesenta lanzamientos fonográficos como solista, y en compañía de grandes intérpretes, como Barry Gibb, Donna Summer y Celine Dion, entre otros. En 1995 obtuvo el Grammy en reconocimiento a su notable carrera musical que se inició con la firma de su primer contrato con CBS, el 1o. de octubre de 1962 donde se comenzaron a deslizar planes para su primer LP. En noviembre del mismo año se registraron tres de sus shows en el club neoyorkino Bon Soir, con los fines de lanzar un disco-grande, pero los ejecutivos de Columbia no quedaron conformes con el contenido y rápidamente decidieron introducirse en el estudio de grabación con el arreglador Peter Matz y algunos pocos buenos músicos, ya que el presupuesto a utilizar era bastante reducido -alrededor de 20.000 dólares- El resultado: “The Barbra Streisand Album”, primer disco de la estrella del cine, la música, la tv, y el teatro: Barbra Streisand, a quien el tiempo también le sobró aunque sea un poco -teniendo en cuentas sus múltiples actividades- para ayudar a entidades benéficas, tratando de dar una gran mano a quien lo necesita.
THE BARBRA STREISAND ALBUM
Apenas Barbra estampó la firma con el sello naranja se grabaron dos simples, “Happy days are here again” / “When the sum comes out”, y “My coloring book” / “Lover, come back to me”, en versiones diferentes a las que más tarde aparecerían en los álbumes. Del primero se editaron solamente 500 copias, lo
cual resultó ser un fracaso comercial estrepitoso -curiosamente “Happy days…” se convertiría con el tiempo en uno de los temas más representativos de Streisand- y del segundo se colocaron 60.000 copias. Con ese panorama, The Barbra Streisand Album se erigió en el disco más vendido por una cantante en Norteamérica, llegando al escalón ocho de Billboard y ya logrando tres distinciones Grammy; una por “Mejor vocalista femenina” -siendo ella la artista más joven en recibir éste premio- “Mejor disco” y “Mejor producción”. La placa se mantiene durante 101 semanas en la lista de “los más vendidos”, teniendo en la portada una fotografía tomada durante una de las actuaciones en Bon Soir. Pero, antes de todo ésto, ya habían pasado muchas cosas en la vida de Barbra, como por ejemplo cantado en un coro junto a Neil Diamond, participa del famoso teatro de Broadway, y canta en The Lion y Blue Angel.
BARBARA JOAN STREISAND
El 24 de abril de 1942 llegaba a éste mundo en Williamsburg, un barrio del distrito de Brooklyn, Nueva York, en el seno de una familia de origen judía, Bárbara Joan Streisan, a quien llamarían Barbra. Emanuel Streisand, su padre, profesor de gramática y literatura en la Universidad, dejó de existir a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía casi quince meses.Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario y una media hermana, Roslyn Kind -también cantante- fruto del segundo matrimonio de su madre, Diana, que era secretaria en una escuela y que nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que no le parecía demasiado atractiva. Barbra cursa sus estudios en el Colegio Beis Yakov y el Erasmus Hall High School de Brooklyn donde se graduó cuarta en la promoción de 1959. Allí cantaba en el coro junto a Neil Diamond. Pero los deseos de la muchacha en llegar a ser actriz y cantante surgieron en 1956 cuando llega a Broadway a ver la obra “El diario de Ana Frank”. Para alcanzar sus aspiraciones decide inscribirse en un curso de teatro, donde participa en “The teahouse of the august moon”, “Desk set” y “Picnic”. Definitivamente debuta en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical “I can get it for you wholesale”, donde encarna el papel de Sta. Marmelstein. De allí en más, un éxito detrás de otro coloca en el teatro y en la pantalla grande.
GRANDES REALIZACIONES CINEMATOGRAFICAS
Debuta en el cinéma con “Funny girl”, en 1968 y su excepcional interpretación le brinda un Oscar de la Academia, compartido con la exquisita Katherine Hepburn. Seguirían muchos impactos más, “Hello Dolly”, 1969, “The way we were” junto a Robert Redford, 1973, “Funny lady”, 1975, “A star is born” con Kris Kristofferson, 1976 -también creadora de conceptos musicales, compositora y productora ejecutiva- “The prince of tides” junto a Nick Nolte, 1991 -además productora y directora- “The mirror has two faces”, 1996 -también compositora, productora y directora- “Meet the Fockers (meet the Fockers), 2004, “Little Fockers”, 2010, entre muchas más. Su vida hasta hoy en actividad ha estado basada entre filmes y musicales. Desde el 1 de julio de 1998 está casada con el actor y también director James Brolin. Uno de sus sensacionales hits cantados “Woman in love” –
“Mujer enamorada”- escrito por Barry y Robin Gibb de Los Bee Gees- tomado de su álbum “Guilty”, recibió el premio Novello de 1980 a “la mejor canción”, con cuatro discos de Platino, siendo su mayor hit internacional. Más allá de la nostagia.

Funny Lady,  1975.   2

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EL PRIMER DISCO DE PAUL… McCARTNEY: A 47 AÑOS DE SU LANZAMIENTO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

APPLE RECORDS, 1970.

Mientras Paul McCartney prácticamente terminaba de dar la noticia de la separación de The Beatles, por otro lado llegaba la novedad de su primer lanzamiento como solista. Eso logró que el álbum alcanzara de manera fulminante el primer lugar de Estados Unidos, y otros tantos lugares. Fue un día como el de hoy, 17 de abril, pero de 1970, hace exactamente 47 años, que aparecía el álbum “McCartney” a través de su compañía fonográfica -y la de todos los otros genios de Liverpool- Apple Récords. El propio Paul tocó los instrumentos y las bases de todos los temas las registró en su granja de Campbeltown, Escocia, lugar donde había improvisado un mini estudio casero con un grabador a cinta magnetofónica de cuatro pistas Studer, sin poder hacer mezclas, y sin vúmetros como guía para nivelar los volúmenes.
También cantó y su esposa Linda puso algunos coros. Luegó pasó la cinta grabada a ocho canales en Morgan Studios, y más tarde se trasladó a Abbey Road Studios, donde realizó mezclas y además registró nuevos temas.
Todo fue tan en secreto que las reservas de los estudios estaban hechas bajo el nombre de Billy Martin. El disco en cuestión fue reelanzado en junio de 2011, formando parte de la colección The Paul McCartney Archive Collection. McCartney, 1970, Apple Récords.   1

10 DE ABRIL DE 1970

El anuncio de la separación de The Beatles se hizo oficial el 10 de abril de 1970, y Paul preparó el material para su primer disco solista, en una etapa suya de total confusión, profunda melancolía y desaliento, ante la ruptura de la sensacional agrupación, ya que él era uno de los que deseaba que el conjunto continuara unido. Así y todo, respaldado y ayudado por su mujer Linda Eastman, compuso las canciones después de la navidad de 1969 en adelante, en su hogar de Londres.
La lista de temas de “McCartney” continuó el mismo orden que la grabación del LP.
Lo primero que se registró fue una breve canción de 45 segundos de “The lovely Linda”. Luego Paul interpretó el tema acompañado por una colorida guitarra acústica antes de complementar las pistas en el grabador, acompañado por otra viola, bajo y percusión. Complementarían el disco: “That would be something”,”Valentine day”, “Every night”, “Hot as sun/glasses”, “Junk”, “Man we was lonely”, “Oo You”, “Momma Miss America”, “Teddy boy”, “Singalong junk”, “Maybe I’m amazed”, y “Kreen akrore”. En parte como resultado del papel de McCartney en el “the end” de The Beatles, el álbum recibió una respuesta si se quiere negativa de la mayoría de la prensa escrita especializada en música, a excepción de la canción “Maybe I’m amazed”. Sin embargo, McCartney le llegó bien esa promoción en torno a la desintegración de la banda, logrando muy buenas ventas y popularidad en USA, y Reino Unido, lugar este donde llegó al segundo lugar de la lista UK Albums Chart, donde permaneció por espacio de tres semanas detrás de “Bridge over troubled water”, de Simon & Garfunkel, el álbum más vendido de 1970. El 15 de mayo, “McCartney” había vendido más de un millón de copias en Norteamérica, y una semana después llegó al primer puesto de la lista Billboard 200, donde estuvo tres semanas.

ELOGIADO POR NEIL YOUNG

En 1999 durante la ceremonia de introducción de “McCartney” en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el músico Neil Young elogió el disco diciendo al respecto: “Me gustó mucho el álbum McCartney, Paul lo hizo muy fresco, sencillo. Tenía mucho para escuchar… Era Paul McCartney, simplemente eso. No contenía adornos ni cosas raras. No manifestaba ningún intento de competir con otras producciones que había realizado. Y así fue saliendo de la sombra de The Beatles…” “McCartney” apareció cruzado con el lanzamiento de “Let it be” de los caballeros de la reina, que vio la luz semanas después. Resultado: los dos discos vendieron muy bien por todo el orbe. Más allá de la nostagia.

juanjoalberti@hotmail.com

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ALDO GUIBOVICH: EL SENTIMIENTO DE LA MÚSICA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

SE FUE A CANTAR AL CIELO

No hubo radio en los setenta y ochenta que no pasara las canciones de Los Pasteles Verdes, la banda donde cantaba Aldo Guibovich.
El número hizo historia con «Hipocresía» y «Mi amor imposible», que se lanzaron al mercado primero en vinilo -simples y LPs- luego en cassettes y más tarde en Cd. con todos sus grandes éxitos.
El grupo se hizo sumamente popular por sus distinguidos arreglos y por la estupenda voz del cantante solista, donde desde muy joven se inició en la carrera profesional de la música para colocarle todo el sentimiento.
Aldo Guibovich & Los Pasteles Verdes comenzaron en Perú, para más tarde recorrer toda América, parte latina de Estados Unidos, y varios lugares europeos, hasta recalar durante décadas en México DF. donde hoy son auténticas estrellas.
Allí, grabaron más material fonógrafico y realizaron innumerables actuaciones en la televisión azteca que catapultó a la agrupación en los últimos treinta años. Días pasados, se dio a conocer la triste noticia de que Aldo Guibovich había dejado de existir, víctima de una larga enfermedad.
Ocurrió el pasado 29 de marzo en Ciudad de México, yéndose a cantar al cielo sus temas de ayer y de siempre.

«ANGELITOS NEGROS»: LADO B DEL SIMPLE

Los Pasteles Verdes se formaron en 1970 de la mano del propio Aldo Ítalo Guibovich Salazar en Chimbote, Perú, integrado de manera original por Aldo Guibovich como cantante y guitarra, Hugo Acuña en guitarra, César Acuña – teclados, Miguel Moreno tocando el bajo, Ernesto Pozo al frente de la batería, Raúl Padilla en percusión en general y Germán Laos, coros y cantante tropical. Eran estudiantes y amigos en el Colegio San Pedro -GUE- donde la orquesta hace sus primeros pininos, llegando a ser la atracción entre los compañeros del centro de enseñanza y allegados a la agrupación. Luego de varios shows por diferentes eventos, exactamente el 13 de octubre de 1973, la compañía fonográfica Infopesa y Alberto Maraví, los contratan para registrar dos temas en un disco simple; en el lado A fue el tema del cual se esperaba un éxito total, «Puertos queridos», del género tropical cantado por Germán Laos, y en el Lado B para acompañar -como de relleno en la placa- una canción romántica, «Angelitos negros» vocalizada por el propio Guibovich.
Quiso el destino que «Angelitos negros» lograra una magnífica difusión por las broadcasters, llegando a convertirse en un suceso, siendo el primer hit y tarjeta de presentación de Los Pasteles Verdes. Al observar la fabulosa venta del primer disco de la banda, Infopesa les hace grabar lo que sería su primer LP, con «Recuerdos de una noche», «El reloj». «El presidiario», «Angelitos negros», entre otros, donde afirmaron más y más su explosivo y sensible material de romance.
Así, reciben el primer disco de oro por las siderales ventas «El reloj», el reconocido bolero del autor Roberto Cantoral. Le siguió «Recuerdos de una noche» del peruano Fernando Arias, en forma de Lp, su segundo disco disco de oro por superventas.

LA GLORIA CON «HIPOCRESÍA» Y «MI AMOR IMPOSIBLE»

Muy pronto con «Esclavo y amo» en 1976, durante giras por México y USA, las publicaciones especializadas «Cash Box», «Billboard» y «Record World», los distinguen como «Los Románticos de América». Por ese entonces editan la producción que les abre las puertas de la fama a nivel internacional: «Hipocresía», estando en el primer lugar de casi todos los rankings durante meses y meses.
Les sigue «Mi amor imposible» en forma de álbum que les valió varios discos de oro, y más y más distinciones. Al pasar de los años, el nombre del conjunto varía hasta quedar en Aldo y Los Pasteles Verdes, afincándose en México hasta el presente.
Allí, Aldo Guibovich se convierte en ídolo del pueblo por sus interpretaciones, con calidad y brillo. Su último material editado es «Alguien cantó» a través de Skalona Records, en el pasado año 2016.

TENÍA 64 AÑOS

Aldo Guibovich tenía un tumor cerebral que lo aquejaba hace mucho, y que se lo llevó sin avisar a los 64 años de edad.
Su presencia se extrañará un montón, sabiendo eso el artista dejó sus máximas canciones para que de alguna manera esté siempre junto a nosotros. México, Perú, Uruguay y América lo recordará siempre. Más allá de la nostagia.

Aldo en Perú.   3

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FLORINDA MEZA: ENTRE QUICO Y «EL MAESTRO LONGANIZA»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LOS RULEROS DE DOÑA FLORINDA

El Chavo del 8 resultó un programa exitoso, ya desde su primera salida al aire el 20 de junio de 1971, desde los estudios mexicanos de Televisa. Personajes desopilantes, con una trama muy bien llevada, en un espacio tipo infantil pero con llegada a toda la familia, con los libretos de Chespirito, Roberto Gómez Bolaños. La tira se mantuvo en grilla durante años, se expandió prácticamente a todo el mundo, y le brindó la posibilidad en forma paralela al elenco de hacer presentaciones en vivo en muchos lugares de América, donde llenaron estadios, y eran recibidos como verdaderas glorias de la pantalla chica. Al compás de El propio Chavo, Quico, Chilindrina, Don Ramón, Señor Barriga, Profesor Jirafales, Doña Clotilde, entre otros, también se encontraba «la dama de los ruleros»: Doña Florinda, la mamá de Quico -el amigo más directo de El Chavo- quien, además estaba super enamorada de el Profesor Jirafales, alias «El maestro longaniza», dijera El Chavo a través de sus ocurrencias. Doña Florinda era personificada por la actriz Florinda Meza, actriz que más tarde se convirtiría en la esposa de Gómez Bolaños. Juntos vivieron historias sorprendentes, durante cuarenta años que permanecieron en pareja, hasta la ida de Chespirito, hecho que ocurrió el 28 de noviembre de 2014. Desde allí en más, Florinda Meza ha tratado de sobrevivir momentos de penurias económicas, llegando incluso a vender propiedades inmuebles.

MÁS POPULAR, MAYOR RATING, ABULTADA FACTURACIÓN

Vertiginosamente, «El Chavo del 8» se erigió como el programa más popular, el de mayor rating, y de abultada facturación. Siendo así, ¿cómo puede ser posible este pasar de Doña Florinda?… ¿Qué pasó con el dinero que cobraba el Sr. Gómez Bolaños? Por los libretos y la actuación de todos los participantes? Se dice que Televisa lleva recaudados hasta el momento la sideral suma de 1.750.000.000 de dólares por todos los conceptos que genera el espacio más 10.000.000 de la moneda norteamericana por merchandising. Pero que en realidad lo recibido por Gómez no tendría absolutamente nada que ver con esa cifra. A tales efectos el creador de «El Chavo» se confesó en su momento: «Tenemos más de lo que nunca imaginamos y soñamos tener, pero muchísimo menos de lo que la gente cree…». Al desaparecer Chespirito, Televisa dejó de pasarle una pensión a él y a su familia. Los derechos de los personajes, recalaron en sus hijos. Y Doña Florinda sin trabajo a la vista, vive de acuerdo a las posibilidades, con problemas monetarios que la preocupan, como por ejemplo la venta de varias casas, que por los grandes gastos que ocasionan no las puede mantener.

«ERA VIRGEN EN LOS SETENTA…»

Florinda Meza García nació en Juchipila, Zacatecas, el 8 de febrero de 1949; tiene 68 años en la actualidad. Antes de llegar al programa de la vecindad, ya era actriz, cantante, guionista, directora, productora y locutora radial. Debutó en el cine con dos películas en 1969: «La chismosa» y «La media naranja», ambas del género comedias con humor. Cuando la conoció Gómez Bolaños afirmó que era una muy buena actriz, y que desempeñaría de manera sobresaliente sus papeles de «Doña Florinda» y «La Popis». Luego de varios años de trabajar juntos, Florinda y Roberto se convertirían en pareja de la vida, casándose muchos años después, en el 2004. Refiriéndose a sus momentos con Chespirito, Florinda manifestó: «Roberto estaba casado cuando me contrató para el programa, pero era sumamente mujeriego… Hasta una vez -aún no estábamos juntos- en una de las giras, vi salir a la camarera de su cuarto y le dije ‘Roberto eres como un burro en primavera!» (risas) a lo que él me contestó ‘Bueno, me lo pidió de una manera especial’… Él insistía mucho en formar pareja conmigo, me regalaba rosas todos los días, hasta que un día le dí el sí… Yo en esa época de los setenta hasta era virgen…»

«20 AÑOS NO ES DIFERENCIA EN EL AMOR»

Doña Florinda agregó: «Yo vi cuando Roberto le fue poniendo el nombre a sus personajes. A la Chilindrina, a Quico, que antes era imitador de Jerry Lewis y él lo fue a buscar y le comunicó que le interesaba tenerlo en el elenco… Hoy, me siento la mitad de una moneda, me falta la otra mitad, lo extraño una barbaridad. Mucho me enseñó de la vida. Veinte años de edad no es diferencia para amar. Nuestra relación duró cuarenta años, me faltó tiempo. Para amarlo, para mimarlo, para todo… Cuando tengo días pésimos, porque tengo días muy malos, le digo ‘Dame una señal de que me estás oyendo’… “. En cuanto a su situación económica de momento: «Lucharé y saldré de este momento. Deseo trabajar en teatro, estrenar una obra en México y Estados Unidos… Siempre pienso que si Xuxa con un programa de diez años se hizo millonaria y se compró una isla, Roberto debería ser el dueño de un continente y no es así…».
Mientras se expresa, enseña las paredes de la casa donde vive, esa de Cancún que desea vender, con fotos de los programas de «El Chavo del 8». Más allá de la nostalgia.

Mmmm Profesor Jirafales!...    4

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RICHARD CONTE: ENTRE LA MATINÉ y EL CONTINUADO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

RODÓ MÁS DE CIEN LARGOMETRAJES

Su rostro se hizo famoso en la década de los cuarenta y cincuenta, en las matinés de las salas barriales y luego en los continuados. Veía sus películas en los cines que estaban a menos de una cuadra de casa. Había dos por falta de uno. Edison y Ateneo. El cine Ateneo era más moderno y poseía excelente proyección de celuloide y una muy buena comodidad. Pero, en la vuelta tenía como cinco más… caminando unas pocas cuadras. Algo que ocurría en casi todos los barrios y también pero en menor escala en ciudades del interior. Ya en el Edison lo observaba en cintas de acción, policiales, misterio, drama, y westerns. Todo le caía bien con un rostro apropiado para hacer notables personificaciones, siempre aparecía en algún reparto o más que nada en protagónicos. Rodó más de cien largometrajes. Se llamó Richard Conte. Aunque en su documento figure como Nicholas Peter Conte. Un gran actor del llamado cine negro.

DE LA EXPRESIÓN CINE NEGRO
El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos entre la década del treinta y del cincuenta, aunque su pleno apogeo ocurre entre el cuarenta y el cincuenta. Se suele considerar como el primer filme de este tipo a «El halcón maltés», de John Huston, con Humphrey Bogart y Mary Astor, estrenada en 1941. La expresión «cine negro» es usada por la crítica del cinéma para describir un renglón de definición bastante imprecisa, cuya diferenciación de otros géneros como el cine de gángsters o cine social es solo parcial. Habitualmente las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales, con un fuerte contenido expresivo y una característica visual. En ese campo Richard Conte se revolvía «como gato entre la leña». Así, con esa vocación nació el 24 de marzo de 1910, en Jersey City, Nueva Jersey, Estados Unidos. Hijo de Julia Fina, una costurera norteamericana, y de Pasquale Conte, un peluquero de origen italiano; sus padres le inculcaron educación y buenos modales. Se graduó en el William L. Dickinson High School de Jersey City y se puso a trabajar primero como mensajero de una fábrica, vendedor en una zapatería para damas, barman, y por último como camionero por las diferentes rutas de Norteamérica, antes de iniciarse en el rubro actoral. Por esas cosas que tiene la vida, lo descubrieron la pareja de actores Elia Kazan y John Garfield durante unas tareas laborales que realizaba Conte en Connecticut, hecho que lo llevó a trabajar en las tablas de varios teatros. De esa manera obtuvo una beca para estudiar teatro en Nueva York, donde rápidamente se hizo un actor relevante.

SUS COMIENZOS EN BROADWAY
En los teatros de Broadway marcó su estilo recio y de categoría a partir de 1939 en distintas obras. De ahí pasó rápidamente a la gran pantalla donde realmente jugó a héroes difíciles que practicaban misiones imposibles que a veces se plasmaban en realidad, o sino de bravos delincuentes o villanos empedernidos. Cosas de Hollywood.
Su primera actuación cinematográfica fue en 1939 con «Heaven with a barbed wire fence», como Nicholas Conte. Su carrera comenzó a prosperar durante la Segunda Guerra Mundial, ya que en 1942, Conte firmó contrato a largo plazo con la 20th Century Fox, cambiando su nombre a Richard Conte. Su primer filme de Fox fue «Guadalcanal diary», en 1943. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial , Continuó con «Corazón púrpura», 1944, y «Un paseo en el sol», 1945,
«Rue Madeleine», 1947, «Cry of the city», y «Call Northside 777» -ambas de 1948- «Thieves ‘Highway», 1949, «Whirlpool», también en 1949, co- protagonizada por Gene Tierney. También estelarizó con Susan Hayward junto a Edward G. Robinson y Luther Adler «La Casa de los Extraños», 1949, encarnando a Max Monetti, un abogado que defiende a su padre -Robinson- contra cargos gubernamentales de irregularidades bancarias y va a prisión por manipulación de jurado.

MÁS Y MÁS FILMES
A principios de los años cincuenta, Conte, que ahora no trabajaba para Fox, comenzó a aparecer en producciones para varios estudios. Los críticos y los aficionados consideran que sus mejores títulos de esa época incluyen: «La ciudad durmiente», 1950, «Bajo la pistola», 1951, «Historia de Hollywood», 1951, «La marea furibunda», 1951, «The blue gardenia», 1953, «El arrastre de la carretera», 1954, «Confidencial de Nueva York», 1955, y «Los hermanos Rico», 1957. También fue presentado en un papel principal junto a Susan Hayward en la producción de 1955 «I’ll Cry Tomorrow». Desde ahí en más hizo apariciones en distintas series tv sumamente reconocidas como «Los Intocables», entre otras. Richard Conte se casó con la actriz Ruth Storey, junto a quien adoptó a un niño, hoy mayor actual editor de televisión, Mark Conte. Richard y Ruth se divorciaron en 1963. En 1973 contrajo nupcias con Shirlee Garner. Permanecieron juntos hasta el fallecimiento de Conte, el 15 de abril de 1975, debido a un ataque al corazón seguido de un derrame cerebral. Más allá de la nostalgia.
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Richard Conte, 1945

Richard Conte, 1945

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DAVID DORTORT: EL GENIO DE LAS SERIES WESTERN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

«BONANZA» y «EL GRAN CHAPARRAL»

Ideólogo de las series del oeste más famosas y más vistas de la televisión mundial. «Bonanza» y «El Gran Chaparral» lo marcaron a David Dortort como gran guionista y productor de Hollywood, requerido para muchos trabajos posteriores que fueron menos importantes que estas dos estelares realizaciones. Cuando Alan W. Livingston de la NBC lo contrató para escribir el libreto para el capítulo piloto de «Bonanza», lo hizo prácticamente sin tiempo a la vista, y se quedó toda la noche anterior a la filmación para poder terminarlo. Al otro día fue a trabajar como si tal cosa al set con los actores indicando personalmente los detalles a cuidar. Con «Bonanza» y «El Gran Chaparral» fue constante con sus ideas que llevó a la práctica en cada argumento que desarrolló en una cantidad de temporadas y episodios.

CERCA DE VIRGINIA CITY

Hace algún tiempo destacábamos desde estas mismas páginas que «Bonanza» fue distinguida por Filmaffinity, sitio web dedicado al cine y las series, creado en Madrid en el año 2002, como la tira de los años cincuenta y sesenta, primera entre las veinte mejores. Para ello se tuvo en cuenta la opinión de una legión de seguidores, reuniendo más de cinco y mil y tantos votos para la serie de la familia Cartwright en «La Ponderosa», que sigue gozando de muy buenos recuerdos por parte de los televidentes por diferentes lugares del orbe. Arriba de reconocidos títulos: «Maverick», «Caravana», «Yo quiero a Lucy», «Lassie», «Perry Mason», «El llanero solitario», «Randall, el justiciero», y más. «Bonanza» es una producción USA que se emitió desde el 12 de septiembre de 1959 y el 16 de enero de 1973, de 431 episodios, en 14 temporadas, siendo la primera tira de televisión de casi una hora de duración rodada en colores. En Montevideo comenzó por Montecarlo TV Canal 4 y luego pasó por todos los canales de aire, para más adelante en el tiempo llegar al cable mundial. En la trama se notaba la notable capacidad de David Dortort, con sus creaciones como «La Ponderosa» cerca de Virginia City, etc. La llegada del color en la serie fue impulsada por la compañía RCA que había lanzado al mercado sus flamantes aparatos donde los televidentes
se deleitaban con el reparto, los invitados especiales y la nitidez de la imagen.

LOS CANNON y LOS MONTOYA
La otra excelente producción de David Dortort fue «El Gran Chaparral» -»The High Chaparral»- también programada por la NBC entre 1967 y 1971. La serie fue protagonizada por el veterano actor Leif Erickson como John Cannon, dueño del rancho llamado «El Gran Chaparral» ubicado en el desierto de Sonora -actualmente Arizona- Se desarrolló en el viejo oeste norteamericano tratando sobre la vida de dos familias: los Cannon y los Montoya. Además de Leif Erickson, era estelarizada por Cameron Mitchell haciendo de Buck Cannon, hermano de John, la hermosa Linda Cristal como Victoria Cannon, esposa de John, Henry Darrow – Manolo Montoya- hermano de Victoria, y Mark Slade como Billy Blue Cannon, hijo de John Cannon. A menudo, los habitantes del «Chaparral» entraban en conflicto con los apaches o debían protegerse contra bandoleros, y desertores del ejército. La serial se destaca por sus hermosas situaciones naturales y también por sus abundantes momentos divertidos, en las cuales los personajes lucen con naturalidad tantas virtudes como defectos. Fueron, esas luces y sombras que hacía lucir en sus guiones el propio Dortort.

«PONDEROSA», 2001

El guionista David Dortort nació bajo el nombre de David Katz el 23 de octubre de 1916 en Nueva York, siendo un alumno ejemplar en sus estudios donde tenía gran facilidad para hacer redacciones con criterio y sin faltas de ortografía. Abandonó «Bonanza» casi a fines de los sesenta dejando en manos de sus asociados la continuidad de la tira durante sus últimos cinco años y medio los que fueron los más flojos en teleaudiencia -1967- 1973- Entre 1954 a 1955 escribió y dirigió «The Public Defender». Hizo la producción de «The Restless Gun» -1957-1959- «The Cowboys» versión televisiva en 1974 y una remake con personajes más jovenes relacionados a «Bonanza»; se llamó «Ponderosa», 2001, junto a Beth Sullivan.
En 1979-1980, creó la miniserie de 13 semanas por CBS, «The Chisholms». Michael Landon apareció en un papel secundario en el piloto para «The Restless Gun», protagonizada por John Payne, emitido el 19 de marzo de 1957, como un episodio de «The Schlitz Playhouse of Stars» y Dan Blocker desempeñó múltiples papeles en cinco episodios de «The Restless Gun». David Dortort dejó de existir en Los Angeles, California, el 5 de septiembre de 2010, casi a los 94 años.
En 2001, la asociación de antiguos alumnos del City College de Nueva York, donde había estudiado historia, lo honró con su premio John H. Finley. Más allá de la nostalgia.

Dortort en una de sus últimas fotos.   5

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LA INVASIÓN ARGENTINA DE LOS SETENTA Y LOS URUGUAYOS ESTABAN AHÍ…

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Ya habían pasado por la vecina orilla, dejando la puerta abierta y la mesa servida… Lanzando tres álbumes y unos cuantos simples, y haciendo una infinidad de shows, en tres años de trabajo sumamente intensos por Argentina y América, fueron un verdadero espejo para los músicos más jovenes que recién se estaban formando, muchos se inspiraron en los hermanos Fattoruso: Hugo y Osvaldo junto a Roberto “Pelín” Capobianco y Carlos “Caio” Vila, constituidos en Los Shakers que cantaban en inglés, pero con un sonido excepcional para esos tiempos representando a la Banda Oriental, siendo un “referente” para los que seguían en carrera. Así, lo afirmaron Los Gatos con Litto Nebbia, Conexión No. 5 con otro uruguayo, Carlos Bisso, Almendra y Luis Alberto Spinetta, Arco Iris, Alma y Vida, entre tantos. En ese entorno, ya estaban afincados en Buenos Aires, la banda sanducera más importante de todos los tiempos: Los Iracundos, ex-Blue Kings, contratados por la fonográfica RCA Víctor para vender discos. Y así fue. Además, se transformaron en uno de los grupos más importantes y taquilleros de América Latina, con el paso de los años.

EDUARDO y “BOCHA” FRANCO

Bajo el influjo de Eduardo y “Leoni” o “Bocha Franco, como voz solista y guitarrista, respectivamente, junto a Juan Bosco en segunda guitarra, Hugo Burgueño “Burgues” tocando el bajo, Jesús María Febrero “Febro” en teclados, y Juan Carlos Velázquez “Juano” como baterista, se iniciaron en Paysandú a fines de los años cincuenta, siendo todos compañeros del liceo de la ciudad. El nombre de Los Iracundos fue seleccionado por varios ejecutivos del sello del perrito, donde impusieron canciones románticas juveniles al estilo de “Todo terminó”, “El desengaño”, “Felicidad felicidad”, “Calla”, “El triunfador”, “Es la lluvia que cae”, “Tu ya no estarás”, “La fuente”, y muchos temas instrumentales que la agrupación realizaba prácticamente a la perfección. Su debut en Montevideo fue en Teatro Florencio Sánchez del Cerro, el 10 de octubre de 1961, fueron artistas de “Discodrómo Show” en Canal 12, editaron un simple como Blue Kings para Clave Iemsa con “Retén la
noche” y “Madison” -grabado en la fonoplatea de C X 10, Radio Ariel- e inmediatamente tomaron rumbo a la capital argentina, donde lograron impactar con su estilo que marcó una permanencia total durante casi tres décadas con la misma integración original.

EL PRODUCTOR FRANCIS BUSCA CANTANTE

El desarrollo y movimiento de Los Iracundos fue apreciado por otras grabadoras, productores y conjuntos. Las bajas ventas de fonogramas en CBS Columbia determinaron el rápido llamado al joven productor y ex-músico de Los In, Francis Smith, a quien le dieron el cargo de Director Artístico y un pequeño departamento ejecutivo que funcionaba bajo su tutela. Primero hizo grabar a un muchacho que llegaba desde Coronel Suárez, que integraba la banda Los Bambis que también integraba la plantilla de CBS, llamado Héctor Omar Hoffmann, más conocido como Sergio Denis.
Francis le escribió “Te llamo para despedirme” y se erigió como hit número uno en las emisoras y disquerías. Su próximo paso eran Los Náufragos a quienes les fue a buscar un cantante que era portero de un teatro, Quique Villanueva. Los inicios del grupo no fueron los mejores, como que no pasaba nada, hasta que con un poco de constancia fueron metiendo una sucesión de sucesos de la pluma salvadora de Francis Byron Smith: “Vuelvo a naufragar”, “Te quiero ver bailar”, “Zapatos rotos”, “Yo en mi casa y ella en el bar”, “De boliche en boliche”, “Otra vez en la vía” y más. Guillermo Cimadevilla, Gustavo Alessio, Quique Villanueva, el uruguayo Carlos “Rocky” Nilson, y Roberto Cesari, se contaban entre sus integrantes.
Con este éxito manejado por Francis, al productor lo llamaron “el padre de la criatura” o “el inventor de la porteñada”.

ENTRE EXTRAÑAS, EXTRAÑOS y REINAS

En esa sucesión de bandas que aparecían, se metió “El extraño del pelo largo” de la mano de La Joven Guardia, agrupación donde cantaba Roque Narvaja, acompañado por Félix Pando en teclados y voz, Hiacho Lezica en batería, y Enrique Masllorens como bajista.
A “El extraño…” le siguieron “La extraña de las botas rosas”, “La reina de la canción”, “En el pueblo de San Esteban”. Fueron verdaderas estrellas de la televisión, estando en muchos espacios, el de mayor repercusión “Alta Tensión” con Fernando Bravo. En Montevideo y zonas del interior, realizaron su show en contadas oportunidades. “El extraño del pelo largo” dio título a un largometraje donde ellos actúan y tocan también el tema. Claro, que también estaban Trocha Angosta, Abracadabra, Conmoción, Pintura Fresca -que cantaban en inglés- Mantra, entre muchos otros. Pero, más compatriotas estaban ahí. Surgiendo de la etiqueta RCA Los Bull-Dogs impactaron con “Negro es negro”, pero al tiempo la banda cambió de nombre por Kano y Los Bull-Dogs, quedándose en la misma grabadora, metiendo un tema transformándolo en himno: “Sobre un vidrio mojado”.
El conjunto luego de años de estar en Argentina se afincó en Montevideo, recorriendo todo el país con sus presentaciones.
Hoy, en muchos programas radiales de la onda “retro” continúan haciendo referencia de “La invasión argentina de los setenta”, con activa participación de los músicos uruguayos. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

Los Iracundos.   1

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OLIVIA NEWTON JOHN: VIÑA DEL MAR A SUS PIES

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde MontevideoDejó todo en su show.   2

UNA DIOSA DÉCADAS MÁS TARDE
Arribó a Viña con su delicadeza acostumbrada. Ubicada y risueña saludó a todos los que la estaban aguardando a su llegada, entre los que se contaban grandes seguidores de la estrella desde sus comienzos, y otros nuevos fanáticos que también conocían al dedillo sus actividades pasadas pero siempre de moda. Algunos le llamaron Sandy, el nombre de ficción en «Grease», su película más conocida que rodó junto a John Travolta. Esto causó una cerrada emoción en la actriz y cantante australiana, de origen judío, nacida en Reino Unido, el 26 de septiembre de 1948. Con sus 68 años a cuestas, supo concurrir a una nutrida conferencia de prensa, donde dialogó amablemente con la prensa e informó de sus historias en la música, en el cine, y en la vida, como su cáncer de mama, algo que viene combatiendo, y que en su momento fue un duro golpe sumamente difícil de sobrellevar. Su constancia, dedicación, familia, y creer que se puede la llevó adelante a ver un futuro cercano venciendo a la adversidad. En la famosa y difícil Quinta Vergara, realizó un show rutilante a la altura de sus condiciones, que a propósito las mantiene intactas. Se llevó las gaviotas de oro y plata, y el aplauso y ovación del público presente, que colmó plenamente las instalaciones disfrutando de su actuación hasta el delirio. La música y la nostalgia de verdad, de parabienes. La dama rubia estaba allí, en el canto e interpretación: lo que ama profundamente.

EL TIEMPO NO PARECE HABER PASADO
El tiempo no parece haber transcurrido para «la reina del pop» como la presentaron al unísono la pareja de animadores de Viña 2017. Acto seguido con la orquesta ya sonando en el escenario irrumpió ella con el pie derecho ya desarrollando uno de sus temas.
Maravillada ante el recibimiento de la gente, las casi veinte mil almas, la acompañaron con palmas y coreando sus éxitos que se sucedieron de manera inmediata «Magic», «Xanadú», «Suddenly», «Little more love», «Twist of fate», «Physical», «You’re the one that I want», «Hopelessly devoted to you», «Summer Nights», «Grace and gratitude», entre tantas, mientras en la gigantesca pantalla se fueron proyectando sendas imágenes que marcaron a fuego su particular estilo romántico y bien bailable, en la cinematografía más que nada. «It’s wonderful to be here!…» «Es realmente maravilloso estar aquí!…», dijo, seguido de un «Tonight I’m going to take you on a journey through all my songs…» -«Esta noche los voy a llevar por un viaje con todos mis temas…» . Y así fue. Para regocijarse. Cambiando varias veces de vestuario realizó un espactáculo de una hora y 20 minutos que no supo de bajones y aburrimiento. Por el contrario todo fue de brillo, color, sentimiento y categoría. No en vano, la artista continúa recorriendo todos los Estados Unidos y Europa a través de notables giras. Dichas tournés la llevaron a tener un lugar y presentarse en Viña del Mar. Olivia conmovió con sus palabras a daminificados en siniestros en Chile, anunciando que realizará donaciones para tratar de ayudar en algo a esas personas necesitadas, rememorando que ella también sufrió del mal incurable, y que se puede salir adelante pensando en positivo, de esas situaciones fatales. Esa misma noche también actuaría el norteamericano Peter Paul Cetera, productor, cantante, músico, e ideólogo del excepcional grupo Chicago. A los que les agrada recordar, tocaban el cielo con las manos.

POSIBILIDAD DE GIRA POR LATINOAMÉRICA
Allegados a Olivia Newton John manifestaron la posibilidad latente de realizar una gira por diferentes países de América Latina, incluyendo Uruguay a la brevedad.
Había quedado atrás su presencia en tierras chilenas, y los comentarios se sumaron en una buena, ante la elegancia y profesionalismo que desarrolló ésta estrella de la canción. Sus modestos pedidos contrastaron con su trayectoria y con el resto del elenco artístico del evento canoro. La solista solamente solicitó algunas manzanas y té para su camarín. Su solicitud que fue cumplida por la producción de Viña 2017, distó una barbaridad con otros exponentes, caso Maluma e Isabel Pantoja, con pedidos extravagantes.
Agregamos que Newton John estuvo casada con el actor Matt Lattanzi, entre 1984 y 1995, de esta unión quedó una hija, Chloe Rose, nacida en 1986. A partir de 1996 estaba en pareja con Patrick McDermott, un productor de tevé, hasta que este desapareció en circunstancias especiales y extrañas durante una excursión marítima en 2005.
Al año siguiente, 2006, surgieron rumores de que McDermott había sido visto en México DF., y que habría simulado su desaparición física para terminar su relación con Olivia. En julio 2008 ella contrajo nupcias en total secreto con el multimillonario John Easterling. Más allá de la nostalgia.

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Los 87 carnavales de Joanne Woodward. Una actriz con todas las letras

Su carrera comenzó siendo muy joven, dejó muy buenas películas, obtuvo muchísimas distinciones por sus ejemplares desempeños, y se casó con el hombre de su vida: Paul Newman. Matrimonio éste que engendró tres hijas y duró cincuenta años hasta la ida de Newman en 2008, siendo considerada una de las parejas más estables del viejo Hollywood. En el año 1957 ya había ganado un Oscar a la mejor actriz por su actuación en «The three faces of Eve» -»Las tres caras de Eva», filme norteamericano de drama y misterio, adaptado de un libro publicado por los pagepsiquiatras Corbett H. Thigpen y Hervey M. Cleckley, quienes también ayudaron a escribir el guión. El rodaje se llevó a cabo en el Medical College of Georgia, en Augusta, Georgia, y junto a la protagonista se encuentran David Wayne, Lee J. Cobb, Nancy Kulp y Alistair Cooke. Se llama Joanne Gignilliat Trimmier Woodward o simplemente Joanne Woodward, una actriz con todas las letras, que exactamente hoy está cumpliendo sus 87 años.
SU MADRE ERA
FANATICA DEL CINE
Joanne llegó a éste mundo el 27 de febrero de 1930, en Thomasville, Georgia, estado ubicado en la región sur de USA, al norte de Florida. Sus padres: Elinor Née Trimmier y Wade Woodward Jr. le brindaron una educación acorde enviándola a la escuela superior de Georgia, haciendo además los estudios posteriores en otro instituto. La madre de Joanne influenció en la pequeña en ser una actriz ante el amor que manifestaba por las películas de moda. Las veía todas en el biógrafo. Mudas y sonoras. Su propia madre le puso el nombre de Joanne por Joan Crawford. Una vez concurriendo al estreno de «Gone with the wind», en Atlanta, Woodward de tan solo nueve años, se metió de lleno en la pasarella del desfile de las grandes figuras, sentandose al lado del actor y director británico Laurence Olivier, socio y futuro esposo de Vivien Leigh, en esa oportunidad. Joanne décadas después, en 1977, trabajaría con Olivier, en una excelente producción televisiva, «Sheba». Durante los ensayos que se hicieron para preparar los episodios, ella le mencionó eso que había pasado tanto tiempo atrás, y Olivier le respondió con una sonrisa recordando
aquella situación.
GANADORA DE
CONCURSOS DE BELLEZA
Woodward residió en Thomasville hasta que llegó hasta segundo grado, cuando su familia se trasladó a Marietta, Georgia, donde estudió actuación en la Marietta High y Strand Theatre de esa ciudad. Cuando Joanne estaba en secundaria, sus padres se separaron, y se graduó en Greenville High School de Greenville, Carolina del Sur, en 1947. Teniendo una muy bonita estampa Joanne obtuvo muchos certámenes de belleza, siendo una adolescente. Paralelamente fue apareciendo en realizaciones de teatro en Greenville High y en Little Theatre de Greenville, interpretando a Laura Wingfield en «The glass menagerie», obra dirigida por Robert Hemphill McLane. Pegó la vuelta a Greenville en 1976, para personificar a Amanda Wingfield en otra producción teatral independiente de «The glass menagerie». Antes también había regresado en 1955 para la premiére de su cinta debut, «Count three and pray», en Teatro de París en North Main Street. Woodward se fue especializando en drama en la Universidad del Estado de Louisiana, y luego se dirigió a Nueva York para presentarse en los escenarios de los teatros.
ENTRE HOLLYWOOD
y BROADWAY
Después del largometraje «Count three and pray», Joanne se movió entre Hollywood y Broadway. O más bien entre el cine y el teatro. Allí en la producción de «Picnic», junto a su futuro marido Paul Newman, con quien se casaría el 29 de enero de 1958, en Las Vegas, apenas una semana después de que el actor lograra el divorcio de su primera mujer, Jackie Witte. Las tres hijas de Joanne y Paul: Elinor Teresa, Melissa Steward y Claire Olivia. Por allá en los comienzos de 1953 se conoce la pareja, pero todavía no había llegado la magia del amor, eso fue cuatro años más tarde durante las filmaciones de «Largo y cálido verano», donde aquel amor de la pantalla lo llevaron a la realidad, y sin más ni menos, se enamoraron. Fue el amor bien entendido que se apoderó de ellos, para que fueran muy felices durante cinco largas décadas. Llegaron a rodar más de diez películas juntos. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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KURT COBAIN: LA VOZ DE UNA GENERACIÓN

IDEÓLOGO DE NIRVANA
No le falta biografía a Kurt Cobain, aunque su vida fue incompleta. Para empezar fue el guitarrista, cantante, compositor, y creador junto a Krist Novoselic de la banda Nirvana. Una agrupación de éxito tras éxito en su estilo, llamada por los dj’s estadounidenses como pieza principal de una novel generación, titulada “X”, y a Cobain lo colocaron en el primer escalón de la nominación. Así que fue, “el portavoz de una generación”, sin más ni menos. Pero, a menudo Cobain se molestaba con estas cosas, sufría suponiendo que a su prédica la confundían, siendo sus enredos particulares requeridos atentamente por tv, revistas y periódicos. Desde que salió Nirvana con Kurt Cobain hasta el presente ha colocado más de treinta millones de discos en USA y más de noventa y cinco en todo el orbe, cifras que hablan a las claras de este producto meramente comercial, más allá de todo. Increíblemente, en la última etapa de su vida, Cobain se enfrentó muy bajoneado a su adicción a las drogas. page
Luchaba para llevar adelante su brillo y color público y las continuas presiones de su familia y entorno. Su lamentable mala vida lo llevó a la muerte. Ocurrió el 8 de abril de 1994, cuando un electricista que llegó a la casa lo encontró sin vida. Eso había sido anunciado de antemano por su esposa la cantautora Courtney Love, que Cobain se autoeliminaría con una escopeta. El caso se afirmó como suicidio. Tenía tan solo 27 años y su deceso fue muy sentido por sus seguidores, que no creen hasta el día de hoy que Cobain se halla quitado la vida, argumentando que fue asesinado por su propia esposa. Todo un tema y debate.

HOY SERÍA SU CUMPLE NO. 50
Kurt Donald Cobain llegó a este mundo en Washington, un día como el de hoy, 20 de febrero pero de 1967.
Estaría cumpliendo sus 50 años. Al nacer y en los próximos meses vivió en Hoquiam, hasta que sus progenitores se radicaron en Aberdeen.
Sus padres Wendy Elizabeth Fradenburg y Donald Lenald Cobain, le dieron a Kurt una hermana menor, Kimberly, nacida el 24 de abril de 1970. Desde muy joven, Kurt manifestó su pasión por la música, escuchando exponentes de la talla de Ramones, The Beatles y The Monkees. Oyendo discos empezó a cantar temas del momento: “Motorcycle song” de Arlo
Guthrie, “Hey Jude” de The Beatles, “Estaciones en el sol” de Terry Jacks y la presentación de la serie de tv de The Monkees: “Hey hey it’s the Monkees!”. Según testimonio de los padres, la vida de Cobain cambió sustancialmente a los nueve años de edad debido a su separación. Tras un año viviendo con su madre después del divorcio Cobain se trasladó a Montesano para residir con su padre. El muchacho obtuvo su primera viola a los 14 años. Fue un obsequio de su tío, quien optó por el instrumento en vez de una gran bicicleta. A partir de entonces Cobain intentó armar grupos con algunos de sus amigos, tocando temas de Led Zeppelin y AC/DC. Luego de un tiempo, Nirvana estaba por llegar.

INFLUENCIA EN LA ERA MODERNA
En 1987 Cobain y el bajista Novoselic fundan Nirvana. Desde su formación, pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente Dave Grohl.
La agrupación actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna. Su álbum debut fue “Bleach”, editado por la etiqueta Sub Pop, en 1989. Un año después, Nirvana estampa contrato con la fonográfica DGC Récords, y en 1991 lanza su segundo disco, “Nevermind”.
Tras el suceso de la placa, aparece el álbum de estudio final, “In utero”, en 1993. El álbum no coincidió con las cifras de ventas de “Nevermind” pero aún así fue un hit comercial.
La carrera de Nirvana terminó con el fallecimiento de Cobain en 1994, pero su vigencia creció más en los años siguientes. Ocho años más tarde de la muerte de Cobain, “You know you’re right”, un demo jamás concluido que el conjunto había registrado dos meses antes de la ida de Cobain, trepaba por las listas en todo el mundo. En 2004 los colocaron en el lugar 27 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos en la publicación “Rolling Stone” y en el casillero 14 según el mensuario “Vh1″. En 2014 Nirvana entró en el The Rock and Roll Hall of Fame.

CASAMIENTO EN LA
PLAYA DE WAIKIKI
Durante una gira por el Pacífico de Nirvana, el lunes 24 de febrero de 1992, Kurt Cobain y Courtney Love unen su amor casándose en la playa de Waikiki, en Hawai. El 18 de agosto de ese año nace la primera y única hija de la pareja, Frances Bean Cobain. Cobain tuvo su primer contacto con las drogas a finales de 1980, iniciándose en el consumo de marihuana a los trece años. En el cuerpo sentía dolores intensos casi siempre, habiendo sido tratado con fuertes calmantes ya desde pequeño.
Su iniciación en el consumo de heroína tiene lugar en 1986. Debido a eso, consiguió quebrantos de salud por doquier, se caía desmayado en sesión de fotografías, en la calle, en un bar, y una vez al costado del escenario antes de un show. La vida privada de Kurt Cobain fue depresiva y enferma. Sufrida.
De dolor, sin ser consultado como debía ser por profesionales de la medicina. Como Cobain falleció a los 27 años, pasó a ser considerado “miembro” del Club 27 -grupo de músicos fallecidos a los 27 años de edad, como Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin y Amy Winehouse- Más allá de la nostalgia.

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SOLEDAD SILVEYRA, A LOS 65 AÑOS. HOY ES EL CUMPLE DE LA ACTRIZ

Desde chiquita se inició en la actuación. De a poco se fue cultivando, ganando confianza en lo suyo hasta transformarse en una excelente exponente de la escena en la tele y el cine. Prosperó y mucho, contando con una trayectoria muy extensa, llena de reconocimientos. En su haber cuenta con protagónicos de muy buena recepción por parte de los espectadores y la crítica en general. Tìtulos que han quedado grabados en la memoria de todos, tiras que marcaron una historia y películas que dieron la vuelta al mundo por su trama brillante, destacándose su lucido desempeño. En los útlimos tiempos su profesionalismo le dio por conducir un «Gran Hermano» y de integrar el polémico jurado de «Bailando», en Ideas del Sur, con Tinelli. Ha manifestado su inclinación a ayudar a gente necesitada y lo ha hecho de verdad con diferentes obras y eventos para recaudar fondos. Nacida en Buenos Aires, Argentina, un día como el de hoy 13 de febrero, pero de 1952, está cumpliendo sus 65 años. Hace mucho tiempo de paso por Baires la vimos caminar por la calle Florida, observando vidrieras, lucía espléndida de rubia platinada, con 1.63 de estatura, de sombrero a tono con su vestuario. La elegante señora tiene nombre y apellido: Soledad Silveyra, una diva de la pantalla.
SOLITA DEBUTÓ EN
«LA CIGARRA ESTÁ
QUE ARDE»
Después de participar en actuaciones escolares y en pequeños teatros en su niñez, se lanza al estrellato teniendo 12 años recién cumplidos con más y más actividades, haciéndose conocida por la tira «El amor tiene cara de mujer» de Nené Cascallar, saltando a la fama como revelación del teleteatro. En 1967 llega su primer largometraje «La cigarra pageestá que arde», en un extenso reparto donde se destacan Olinda Bozán, Fidel Pintos, Mariquita Gallegos, Osvaldo Miranda, Juan Carlos Mareco, Dolores De Cicco, Zulma Faiad, Santiago Gómez Cou, Guido Gorgatti, entre otros. Continuaría con «Un muchacho como yo», en 1968, junto a Palito Ortega, Osvaldo Miranda, Beatriz Bonnet y Norberto Suárez; «Quiero llenarme de ti», 1969, con Sandro, Marcela López Rey y Walter Vidarte, y un año
más tarde con «Gitano», también con Sandro de América, acompañado por Silvina Rada, y Ricardo Bauleo, dirigidos por Emilio Vieyra. Paralelamente, comenzaba una ajetreada actividad en la tele.
«ROLANDO RIVAS,
TAXISTA»
Luego de muchos ensayos y de idas y vueltas, en los primeros meses de 1972, nacía «Rolando Rivas, taxista», acaso la telenovela más exitosa de la televisión argentina, creada por Alberto Migré, logrando trascender el género con una popularidad a cuestas que aún conserva a 45 años de su primera emisión original. Se trataba de una producción protagonizada por Claudio García Satur -el taxista- Nora Cárpena, Leonor Benedetto, Dorys del Valle y la mismísima Soledad Silveyra, la «muchachita» de la tira. De «Rolando Rivas, taxista» se hicieron dos temporadas, registrando presencia al aire hasta diciembre de 1973. Debido al impresionante suceso se produjo esa segunda temporada, sólo que en el segundo año de emisión se cambió a Solita, ya que esta había sido contratada por Canal 13 para estelarizar otra telenovela. Así fue que se continuó con García Satur y Nora Cárpena, la historia del taximetrista que atrajo la atención de millones de televidentes del Río de la Plata. Era la primera vez en la que los caballeros formaban parte de ser fanáticos fieles de una novela, atraídos por la primera pareja de Satur -Rolando- y Solita -Mónica- que en 1974 filmarían en colores la película de «Rolando Rivas, taxista».
EL TURNO PARA
«POBRE DIABLA»
En 1973 el turno fue para «Pobre diabla», donde estaría Soledad Silveyra, Arnaldo André y China Zorrilla. Obra teleteatral de suceso,
dirigida por Alejandro Doria y escrita por Alberto Migré. En 1981 estaría en «Laura mía», con Raúl Taibo, y en 1982 «La cenicienta», adaptación de Hugo Midón, juto a Boy Olmi, Elsa Berenguer, Nené Malbrán, Tina Serrano, y Franklin Caicedo. Ese mismo año, Soledad recibe una distinción del Festival Internacional de Cine Imaginario y de Ciencia Ficción de la Villa de Madrid, por «La casa de las siete tumbas». En 2013-2014 participó de la telenovela Mis amigos de siempre por Canal Trece. Abandonó la tira de Pol-ka para ser jurado del Bailando por un sueño 2014, que comenzó el 28 de abril y que se emitió por la pantalla de El Trece. Actualmente sigue dempeñando ese rol. En julio del pasado año se presentó en el Solís de Montevideo, con muy buena taquilla, demostrando que posee mucho más para brindar. Sus parejas fueron Jose María Jaramillo, entre 1970 y 1982 -separada de hecho- Lorenzo Jaguares, 1983-1985, Martín Laure, 1987-1989, Noel Frague -1991-1995- Osvaldo Laport. Tiene dos hijos:Baltasar, y Facundo Jaramillo. Más allá de la nostalgia.
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LUCES DE LA CIUDAD: A 86 AÑOS DE SU ESTRENO INTERPRETADA, ESCRITA Y DIRIGIDA POR CHAPLIN

El 6 de febrero de 1931, hace exactamente hoy 86 años, se estrenaba en Estados Unidos e Inglaterra, la película norteamericana “City lights”, “Luces de la ciudad”, interpretada, escrita y dirigida por el mismísimo Charles Chaplin. El filme ocupa en la actualidad el lugar número once en la lista de las cien mejores cintas creadas por American Film Institute y forma parte además de la pizarra AFI’s 10 Top 10. Se trata de una comedia pero de corte romántica muda, en donde la trama sigue las andanzas de Chaplin cuando este se enamora perdidamente de una niña ciega -encarnada por Virginia Cherrill- desarrollando una amistad turbulenta con un alcohólico multimillonario, llevado

Chaplin junto a Virginia Cherrill  en un pasaje del filme

Chaplin junto a Virginia Cherrill en un pasaje del filme

adelante por el actor Harry Myers. Aunque las producciones parlantes estaban aumentando cuando Chaplin comenzó a hacer el correspondiente guión en 1928, decidió continuar con películas sin sonido. La filmación se inició en 1928 y terminó en septiembre de 1930. “City lights” marcó la primera vez que Charles Chaplin componía la banda sonora de una de sus producciones y fue escrita en seis semanas con Arthur Johnston. El tema principal, utilizado como referencia para la niña ciega de flores, es la canción “La violetera” -“Who’ll buy my violets”- del compositor español José Padilla.
Chaplin perdió una demanda en París con el propio Padilla ante no otorgarle una referencia en los créditos. “Luces de la ciudad” recaudó la cifra de cinco millones de dólares. De momento, muchos críticos cinematográficos lo consideran no solo el mayor logro en la carrera de Chaplin, sino una de las mejores películas de todos los tiempos. En 1991 la histórica Biblioteca del Congreso la seleccionó para su preservación en National Film Registry USA. denominándola: “histórica, significativa y cultural”.

UN CORTO REPARTO
En el reparto sumamente corto figuraban Charles Chaplin en su papel de vagabundo, Virginia Cherrill: la florista ciega, Florence Lee, abuela de la florista, Harry Myers, el millonario, Al Ernest Garcia – mayordomo, y Hank Mann, el boxeador. El argumento indica que Charles es un vagabundo de verdad, sin hogar seducido por la florista ciega. Inmediatamente evita el suicidio del millonario en copas, al quien le salva la vida. Sin embargo, cuando está sin

Charles Chaplin, cineasta

Charles Chaplin, cineasta

copetines el millonario lo rechaza comenzando un romance con la florista, quien lo relaciona porque tiene dinero en caja. Cuando descubre que van a embargar la casa de la chica si no reúne dinero suficiente, prueba suerte en diferentes empleos -entre ellos, una match de boxeo- Obtiene, finalmente, mil dólares de su amigo millonario, quien se los regala generosamente cuando se encuentra ebrio. Una vez sobrio de nuevo, niega conocer a Charles y hace que le persiga la policía. Charles entrega los billetes a la florista, quien así consigue evitar ser desalojada, y puede someterse a una operación que le devuelve la visión. El protagonista, en cambio, es capturado por la Policía, acusado del robo de los mil dólares, y pasa una larga temporada en la cárcel. Al salir, vuelve a encontrarse con la florista, que ahora posee una tienda en lugar de un puesto de venta en la calle, y vive con la esperanza de reencontrar a su supuesto millonario. La cinta culmina con la espectacular escena en que la florista reconoce a Charles la gran mano que le brindó. En 1949, el periodista radial y de prensa escrita James Agee se refirió a la escena final de la película como “la mayor escena individual comprometida con el celuloide”.

RE-LANZAMIENTO EN 1950
El éxito de “City lights” se manifestó aún más con el re-lanzamiento del filme en 1950, nuevamente recibido en forma positiva por los espectadores y críticos en general. El periodista Richard Meryman dijo que la escena final “es uno de los mejores momentos de la historia del cine”. Charles Silver, del Museo de Arte Moderno, declaró que la cinta es muy apreciada porque dio lugar a un nuevo nivel de romanticismo lírico, algo que no había aparecido en las obras

City Lights, Luces de la ciudad, 1931

City Lights, Luces de la ciudad, 1931

anteriores de Chaplin. El crítico Eric D. Snider, manifestó que para 1931, pocos en Hollywood tenían el poder para hacer una película muda en esa fecha donde se venía el cine sonoro con todo, y mucho menos hacerlo bien. Una de las razones era que Chaplin sabía que el personaje del vagabundo no podía adaptarse a las películas que hablaban y que aún funcionaba. Varios directores bien conocidos han elogiado a “City lights”: Orson Welles dijo que era su película favorita. En una entrevista de 1963 en la revista estadounidense “Cinema”, Stanley Kubrick clasificó “City lights” como la quinta entre sus diez largometrajes. En 1972, el renombrado director ruso Andrei Tarkovsky colocó a “City lights” como una de las mejores películas y dijo de Chaplin: “Él es la única persona que ha entrado de verdad en la historia cinematográfica sin envejecer”.
George Bernard Shaw se refirió a Chaplin como “el único genio de la industria cinematográfica”. El célebre director italiano Federico Fellini elogió a menudo esta película. En el documental 2003 “Charlie: La vida y el arte de Charles Chaplin”, Woody Allen dijo que era la mejor imagen de Chaplin. Se dice que Allen basó la escena final de su película de 1979 “Manhattan” en el cierre de “Luces de la ciudad”. Jeffrey Vance ha resumido las mejores críticas y todos los elogios señalando a “City lights” como su película favorita de Chaplin a lo largo de las décadas. El músico experimental y crítico de cine francés Michel Chion ha escrito un análisis de “City lights”, publicado como
“Les lumières de la ville”. El traje original de Chaplin “Tramp” de la película fue donado al Museo de Historia Natural del Condado de Los Ángeles. “City lights” fue editada en formato Blu-ray y DVD por Criterion Collection en 2013 con una pista de comentarios de audio por el vocero de Chaplin, Jeffrey Vance.
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JOHN BARRY: BANDA ORIGINAL DE SONIDO 007 A SEIS AÑOS DE SU PARTIDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

De su pluma y pentagrama salió el gran tema de siempre de James Bond Agente Secreto 007, en la primera película de la tira “El satánico Dr. No”, en 1962. Luego llegarían 11 de los filmes Bond entre 1963 y 1987, a quienes les colocaría toda la banda original de sonido. Obtuvo cinco Oscar y algunos Grammy por las cintas “Dances with wolves” y “Out of Africa”, así como con la pieza de la serie tv culto británica “The persuaders!”. Estamos ante un excepcional músico, compositor, y director inglés, en una carrera que abarca más de cincuenta años. En 1999 fue nombrado “Caballero del Imperio Británico” en el Palacio de Buckingham ante sus célebres servicios de música para celuloide. Su verdadero nombre es John Barry Prendergast, llegado a este mundo el 3 de noviembre de 1933, en York, Yorkshire, habiendo dejado de existir, en Oyster Bay, Nueva York, el 30 de enero de 2011, hace hoy seis años.
TRABAJABA EN LOS CINES DE SU PADRE
Los primeros años de la juventud de John los pasó trabajando en salas cinematográficas propiedad de su padre. Durante el servicio militar en el ejército británico en Chipre, empezó a desempeñarse como músico después de aprender a tocar la trompeta. Soplaba tan bien el instrumento que al completar sus servicios, formó su propia banda en 1957, The John Barry Seven. Más tarde desarrolló un especial interés en componer y arreglar temas musicales, haciendo su debut para la televisión en 1958. Esas noticias llegaron muy rápidamente a los oídos de los productores de la primera película de James Bond, ya que no estaban convencidos de un tema que había hecho a tales efectos Monty Norman. Esto comenzaría una exitosa asociación entre Barry y Eon Productions que duraría 25 años. Además de los premios ya mencionados recibió diez nominaciones a los Globos de Oro, ganando uno por Mejor Puntaje Original en “Out of Africa”, en 1986. Barry completó la música en su último filme, “Enigma”, en 2001 y grabó el impactante álbum “Eternal Echoes” el mismo año. Luego se concentró principalmente en actuaciones en vivo y co-escribió la música para “Brighton Rock”, en 2004 junto a Don Black . Fue nombrado miembro de la Academia Británica de Cine y Televisión en 2005.
“DESDE RUSIA CON AMOR”, “GOLDFINGER”, y MÁS
Así fueron pasando los títulos Bond “From Russia with love”, “Thunderball”, “You only live twice”, “Diamons are forever”, “Moonraker”, entre otros. Barry también colaboró en “Casino Royal”, 1967, donde su tema “Born free” aparece brevemente en la apertura del largometraje. En “Goldfinger”, 1964, continuó y perfeccionó el “Sonido netamente Bond”, con una muy buena mezcla del jazz del bueno con melodías sensuales y grandes orquestaciones repletas de arreglos sobresalientes. En sus partituras de James Bond, John Barry unifica su sentimiento por la música rusa con el jazz de avanzada. Su uso de las cuerdas, los acordes, y los cambios de sonidos permanentes de alto nivel otorgan total calidad a cada una de sus creaciones. De esa manera, se acercan arreglos más melodiosos en “Moonraker”, 1979, y “Octopussy”, 1983. Lo más moderno fue en “A view to a kill”, colaborando con la banda Duran Duran, alcanzando notable figuración en el número uno Billboard USA y segundo escalón en UK Singles Chart. La último composición de John para la serie Bond fue “The living daylights”, 1987, la primera cinta para Timothy Dalton en la tira con Barry haciendo una aparición como un conductor en el filme. John tenía la intención de hacer la B.O.S. de “Licencia para matar”, en 1989, pero se estaba recuperando de una cirugía en la garganta en ese momento y no pareció oportuno plantar de golpe ese reposo. Fue entonces que la música fue completada por Michael Kamen.
SE CASÓ CUATRO VECES
Barry contrajo nupcias cuatro veces. Sus primeros tres matrimonios: Bárbara Pickard -1959-63- Jane Birkin -1965-68- y Jane Sidey -1969-78- terminaron en divorcio. Su cuarta esposa fue Laurie, desde enero de 1978 hasta su muerte. La pareja tuvo un hijo, Jonpatrick. John tuvo -además- tres hijas: Suzanne -Susie- con su primera esposa, Bárbara, Kate con su segunda esposa, Jane, y Sian de una relación con Ulla Larson entre los dos primeros matrimonios. Suzy Barry, que está casada con el periodista de negocios de la BBC Simon Jack , es la madre de sus dos nietas, Phoebe y Florence Ingleby. En 1975 acusado de no pagar impuestos por un juez británico, se trasladó a California, USA. John pudo retornar a Inglaterra cuando se resolvió el caso a fines de los ochenta.
Posteriormente vivió durante muchos años en los Estados Unidos, principalmente en Oyster Bay, Nueva York, en la Isla Centro en Long Island. John Barry sufrió una rotura del esófago en 1988, después de una reacción tóxica a un tónico de la salud que había consumido. El incidente le impidió trabajar durante dos años y lo dejó vulnerable a la neumonía. Falleció de un ataque al corazón en su hogar. Un concierto conmemorativo tuvo lugar el 20 de junio de 2011 en el Royal Albert Hall de Londres, donde la Orquesta Filarmónica Real, Shirley Bassey, Rumer, David Arnold, Wynne Evans y otros interpretaron la música de
Barry. Sir George Martin, Sir Michael Parkinson, Don Black, Timothy Dalton, y otros también contribuyeron a la celebración de su vida y su trabajo. El evento fue patrocinado por el Royal College of Music a través de una subvención de la Fundación Broccoli.
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juanjoalberti@hotmail.comJohn Barry recibiendo honores.   1

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JILL WHELAN: VICKI, LA HIJA DEL CAPITÁN “EL CRUCERO DEL AMOR”: ¡SENTIMENTALES A BORDO!

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“El crucero del amor”, fue una serie de tv ambientada en varias embarcaciones de lujo, que marcó una época en su momento en la pantalla chica. ¿Quién no la recuerda?… En las tardecitas de los domingos por Teledoce, y por otros canales de aire y cable que luego la emitieron en Montevideo e interior, cuando aparecía aquel tremendo barco “The Pacific Princess”, que fue en general el que se utilizó para las filmaciones, pero a lo largo del tiempo pasaron “Royal Princess”, “Stella Solaris”, “Royal Viking Sky” y “Pearl of Scandinavia”.
Vayamos al comienzo de la tira cuando se mostraba de pleno la nave en toda su inmensidad atravesando mares y océanos, con el tema de un gancho tremendo que identificaba la notable producción “The love boat”, su título original en inglés, en la voz de Jack Jones, de los compositores Paul Williams, en la letra, y Charles Fox, en música, para posteriormente dar paso a cubierta donde los anfitriones esperaban la llegada de los pasajeros para darles la cordial bienvenida a bordo. Los había de toda clase, damas solitarias, familias completas de vacaciones, parejas de enamorados, galanes en busca de diversión inusitada, y hasta recién casados en luna de miel. Dichos personajes eran estelarizados en su mayoría por excelentes actores invitados que se cambiaban en cada capítulo -Ursula Andress, Gene Kelly, Lloyd Bridges, Rhonda Fleming, George Kennedy, Tom Hanks, Don Ameche, Zsa Zsa Gabor, Debbie Reynolds, Darren McGavin, Vincent Price, Lee Majors, Samantha Eggar, Lorne Greene, Gina Lollobrigida, Shelley Winters, y tantos más- Absolutamente todo en una comedia bien llevada, amena, sin sobresaltos pero de enredos, de idas y venidas, abierta para toda la platea hogareña.

ACTO SEGUIDO, LLEGAR A LOS CAMAROTES
El asunto era ahora llevar a los recientes huéspedes a sus respectivos camarotes, por los diferentes personajes de la tripulación, quien son los verdaderos protagonistas de “El crucero del amor”: los que se veían siempre. Así se desempeñaban, principalmente en este caso la directora del crucero Julie
McCoy -Lauren Tewes- el doctor Adam Bricker -Bernie Kopell- el sobrecargo Burl Gopher Smith -Fred Grandy- el dueño de los largos tragos, el barman Isaac Washington -Ted Lange- el enérgico -pero de gran corazón- capitán Merrill Stubing -Gavin MacLeod- y su hija Vicki -Jill Whelan- Ellos poseían roles y caracteres bien definidos. La serial se rodó en colores, en 249 capítulos, durante 10 largas temporadas, a partir del 24 de septiembre de 1977 hasta el año 1986, de 50 minutos, creada por Aaron Spelling. Las tramas se ambientaban tanto en el propio barco, como en los diferentes puertos donde atracaban, y se procuraba ofrecer atractivas vistas de esos lugares. Una realización espléndida, sumamente atractiva, de tono ligero y aire divertido, más que nada.

TENÍA 14 AÑOS AL DEBUTAR EN “EL CRUCERO”
Vicki, la pequeña hija del capitán Merrill, tenía tan solo 14 años al llegar al “Crucero”, y se quedó ahí hasta los 20. En un personaje sumamente particular la muchachita se desempeñaba muy bien de acuerdo a su edad y su función en el desarrollo de la serie. Paralelamente, se había hecho compañera y amiga de sus compañeros, todos mayores que ella. Tal es así que hasta el día de hoy, se unen en cada aniversario de “El crucero del amor”, en distintos lugares de Estados Unidos. Vicki es Jill Whelan, que hoy cuenta con 50 años, habiendo nacido el 29 de septiembre de 1966, en Oakland, ciudad situada en el área de la bahía de San Francisco del estado de California. Increíblemente, la actuación que le brindó más reconocimiento del público, como también popularidad fue el de Vicki Stubing. Pero, Jill en la actualidad además de actriz en actividad, es cantante, productora, escritora, encargada de relaciones de un crucero, participa en varios espacios televisivos periodísticos y hasta tiene un programa de radio.

DE PEQUEÑA A LA ACADEMIA ACTORAL
Luego de salir de la Academia Actoral de California, a los 7 años la llamaron para hacer comerciales para tv. A los 11, Jill participó en la tira “Friends”, luego de la 10a. temporada del “Crucero” en 1986 registró como cantante el álbum “Nuestro tiempo”, durante la década de los ’80 fue activa como portavoz norteamericana de la campaña antidrogas “Just say no”, de la que fuera primera dama Nancy Reagan, y posteriormente le otorgaron un importante papel en “The young and the restless”, una telenovela impactante de larga duración.
Más adelante, en 2001 apareció en un episodio de “The weakest unk”, en 2008 en el filme “Airplane!”, hizo teatro en Nueva York, hasta el 2016 en las tablas. Se casó en dos oportunidades, con Brad San Juan, y John Chaykowsky, habiendo contraído nupcias con este último en 2004 a bordo del crucero “Caribbean Princess”, teniendo dos hijos que adora, uno con cada marido. Actualmente, está separada y vive en Los Ángeles, aguardando más protagónicos televisivos. Más allá de la nostalgia.
Jill Whelan.   1

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CANTAUTORA DE EXCEPCIÓN… SADE: LLEGÓ DE NIGERIA HACE 58 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde MontevideoSade.   1

FUE UN DíA COMO EL DE HOY
Hace 58 años, el 16 de enero de 1959, nacía en Ibadán, Oyo, Nigeria, bajo el nombre de Helen Folasade Adu, más conocida como Sade, la brillante cantautora. Su madre Anne Hayes, enfermera inglesa, y su padre AdebIsi Adu, un profesor nigeriano, se juntaron en Londres, se casaron en 1955, y se trasladaron a Nigeria. Sin embargo, sus padres se separaron y su madre Anne Hayes regresó a Inglaterra, llevando a Sade y su hermano mayor Banji, de cuatro años, a vivir con sus abuelos cerca de Colchester, Essex. Cuando Sade tenía 11 años, se mudó a Holland-on-Sea , Essex, para vivir con su madre. Después de terminar su educación en High School secundaria del condado de Clacton, a los 18 años recaló en Londres y estudió diseño y artes en la escuela de San Martín. Luego de tres años en el curso, Sade se inició en el canto con el grupo inglés Pride. Durante este tiempo formó una sociedad de composición con el guitarrista y saxofonista Stuart Matthewman de Pride, y juntos, respaldados por el buen sonido de la agrupación, comenzaron a hacer sus propios shows en actuaciones de Pride. Sus presentaciones en solitario con “Smooth operator ” llamaron la atención de las compañías de discos, y en 1983 Sade y Matthewman se separaron de Pride junto con el tecladista Andrew Hale, el bajista Paul Denman y el baterista Paul Cook para formar la banda que llevaría el nombre de la cantante: Sade. Realmente, tenían por delante una historia llena de satisfacciones y éxitos.
UNA CANTANTE, UNA BANDA
En la primera incursión en un club londinense de Sade, se obtuvo tanto suceso que quedaron fuera del recinto cerca de mil quinientas personas las que tararearon todas las canciones del grupo estando ahí en ese sitio hasta que finalizaran de tocar. ¡Qué comienzo!, mejor imposible… Exactamente, en mayo 1983, Sade hace su debut en Estados Unidos en New York City, y el 18 de octubre del mismo año firma con Epic Records, mientras que el resto de la banda estamparía su autógrafo al año siguiente. Tras convertirse en artista de la compañía fonográfica empieza a registrar su primer álbum, “Diamond life”, que demoró seis semanas en ver la luz. El disco grabado en The Power Plant en Londres, se lanzó el 16 de julio de 1984, trepando al número 2 en la pizarra top ten álbums del Reino Unido, vendiendo 1.200.000 copias solamente en Inglaterra, logrando la distinción de “Mejor álbum británico” de 1985. Asimismo fue primer lugar en un sinfín de países y se entreveró entre los 10 más vendidos en USA, donde colocó más de cuatro millones de placas. “Diamond life” tuvo ventas internacionales de más de 6 millones de copias, y se transformó en el debut más vendido jamás por una vocalista inglesa.
“SMOOTH OPERATOR”: SU MAYOR HIT
“Your love is king” fue editado como simple principal de “Diamond life”, el 25 de febrero de 1984, siendo un impacto en determinadas ciudades europeas, con el número 7 en Irlanda, y 6 en UK singles chart. Su próximo sencillo “Smooth operator” se proclamó en el tema más exitoso en territorio norteamericano, alcanzando el escalón 5 en el Billboard Hot 100 y Billboard Hot Black Singles, además de lograr el ansiado puesto uno en las listas totales Billboard. Por Suiza, Inglaterra, Alemania, Austria y Francia, entre otros, se erigió en hit, siendo el tema más conocido de Sade, de toda su historia. A fines de 1985, el conjunto lanza su segundo álbum, “Promise”, logrando otro número uno en Estados Unidos y Reino Unido, vendiendo 4 millones de discos, certificado cuatro veces disco de platino por la RIAA -Asociación de la Industria de la Grabación de América- generando dos simples: “Nunca tan bueno como la primera vez” y “The sweetest taboo”, haciendo explotar otra vez los rankings de Billboard Hot 100 USA. Sade se hizo tan popular que varias broadcasters empezaron a irradiar sus canciones de los ’70, agregando “Is it a crime” y “Tar baby”. Al año venidero, 1986, obtendría el Grammy “Mejor Nuevo Artista”.
DEBUT COMO ACTRIZ
En 1986, Adu debuta como actriz en el filme “Absolute beginners”, adaptado del libro de Colin Macinnes del mismo nombre sobre la vida británica a fines de los cincuenta en Londres. El tercer álbumde Sade, “Stronger than pride”, aparece el 3 de mayo de 1988, convirtiéndose en suceso comercial. “Love Deluxe”, cuarto disco, fue editado el 26 de octubre de 1992. En noviembre 1994 el grupo lanza su primer disco compilatorio, obteniendo el top diez en Inglaterra. Posteriormente, llegaría “Lovers rock”, quinto álbum, el 13 de noviembre de 2000, obteniendo muy buenos comentarios de los críticos especializados y público en general, logrando el Grammy al “Mejor Album Pop”. “Lovers live”, sería su primer disco en vivo, aparecido el 5 de febrero de 2002. Luego de este trabajo Adu se toma un descanso de diez años, durante el cual se dedica a criar a su hija, mudándose al Caribe. Su sexto disco, “Soldier of love”, se lanza el 8 de febrero de 2010. Para promocionar el álbum y su segundo disco recopilatorio “The ultimate collection”, en abril 2011, el conjunto inicia su gira “Sade live”, recorriendo buena parte de Europa, América, Australia y Asia. Las ventas de Sade se sitúan en los 50 millones de discos en todo el mundo hasta el presente, la banda fue clasificada en el número 50 en la lista “100 mejores artistas de todos los tiempos” y en 2012 fue número 30 en “Los 100 Greatest Women in Music”. Más allá de la nostalgia.

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A LOS 73 AÑOS… JIMMY PAGE: CULTOR DEL ROCK CLASICO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

VIRTUOSO DE LA GUITARRA
Músico consagrado desde todo punto de vista, a lo largo y a lo ancho de su dilatada trayectoria. De sesión, en vivo, guitarrista extraordinario por las agrupaciones que pasó y dejó su huella: The Yardbirds, Led Zeppelin, banda con la que vendió más de trescientos millones de discos, y The Firm. Como guitarrista de respaldo en grabaciones participó de infinidad de sesiones con Jeff Beck, Rolling Stones, Eric Clapton, The Who, Roy Harper, Joe Cocker y David Coverdale, entre tantos. Está posicionado en el segundo puesto entre los grandes violeros de todos los tiempos por la Corporación Gibson Guitar. Por otra parte la publicación especializada Rolling Stone lo ubicó en el tercer lugar, y su solo de guitarra en “Stairway to heaven” de Led Zeppelin, en 1971, está considerado el mejor de la historia del rock para Rolling Stone y Guitar Wolrd. Su verdadero nombre es James Patrick Page, más conocido como Jimmy Page, el gran cultor del rock clásico, que exactamente hoy está cumpliendo 73 años.
LLEGA A THE YARDBIRDS
Page es nacido en Heston, Middlesex, Inglaterra, el 9 de enero de 1944. Es único hijo de James Page, empleado de una empresa, y de Patricia Elizabeth Gaffikin, enfermera y secretaria del Hospital de la zona. Cuando Jimmy tenía tan sólo 12 años sus padres le regalaron su primera guitarra, aunque él ya sabía tocarla muy bien, ya que es autodidacta, un profesor le dió algunas clases, aprendiendo de manera sorprendente. En el correr de 1957, cuando Jimmy contaba con 13 años, sobresalió por vez primera en televisión en una audición donde participaban nuevos valores, distinguiéndose por sus interpretaciones. De ahí en más, pasarían muy pocas veladas para que se transformara en profesional, haciendo practicamente de todo, acompañando grupos y solistas estelares. En 1966 es llamado por The Yardbirds, para reemplazar a su amigo Eric Clapton, y el 16 de mayo de ese año, el bajista John Paul Jones, el baterista Keith Moon, el tecladista Nicky Hopkings, Jeff Beck, y el propio Jimmy Page, graban “Becks Bolero”, en los estudios IBC de Londres. Pero si bien hubo mucho trabajo de shows, el potencial musical de la agrupación se vio interrumpido por las constantes giras y la falta de un éxito que detonara por los charts, así como por los conflictos internos. Así se retira Jeff Beck de la orquesta, que queda conformada en cuarteto. Page pasaría de ésta forma como violero central registrando “Little games”. Led Zeppelin estaba por llegar…
MIEMBRO FUNDADOR DE LED ZEPPELIN
En 1968 con la partida de Relf y McCarty de The Yardbirds, Jimmy deseaba seguir con varios recitales pendientes por Europa Occidental. Así reclutó al vocalista Robert Plant, al baterista John Bonham, y al bajista y tecladista John Paul Jones, para formar un nuevo conjunto. Lo llamaría The New Yardbirds, cambiándolo luego por Led Zeppelin. La exquisita banda presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, el folk, e incluso el country. Después de la gira, y ya bajo el nombre de Led Zeppelin, Peter Grant, mánager de la agrupación, otorgó a la banda 200 000 dólares a cambio de producirse su primer álbum. Tal importante suma de dinero provenía del sello Atlantic Records, que estaba interesado en fichar el mayor número posible de grupos que surgían durante aquella época amparados bajo el estilo blues y hard rock, algo que Led Zeppelin cumplía a la perfección, por lo que Atlantic contrató al número sin siquiera haberlos visto, sólo bajo la recomendación de Dusty Springfield. Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, bajo el título de Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana -grabado, mezclado y editado- en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo. El álbum en Estados Unidos fue un impacto tremendo, logrado en radios y en público.
LED ZEPPELIN II CONSAGRACION DEFINITIVA
Led Zeppelin II su segundo trabajo fue lanzado el 22 de octubre de 1969 consagrando a la banda de manera definitiva. Trepó al número uno de las listas británicas y norteamericanos desplazando de ese lugar a “Abbey Road” de The Beatles, permaneciendo allí durante siete semanas, gracias al hit de “Whole lotta love” y “Heartbreaker”. Más de 30 años pasaron de la disolución de la banda en 1980, y la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes del rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos, y es la segunda banda con más discos de diamante -otorgados cada diez millones de ventas en USA- de la historia de la música, sólo por detrás de The Beatles. Led Zeppelin se reformó el 14 de mayo de 1988 para tocar únicamente en el concierto de celebración del 40o. aniversario de Atlantic Records, con Jason Bonham ocupando el puesto de su padre en la batería.
THE FIRM Y MÁS PARTICIPACIONES
Al tiempo fundaría The Firm, y realizaría infinidad de producciones como solista y participando con otros artistas. Actualmente posee una colección impresionante de guitarras de todo tipo y se pasea con su novia casi 50 años más joven que él, Scarlett Sabet. Entre 1970 y 1983 Jimmy Page estuvo casado con la modelo Francesa Charlotte Martin, exnovia de Eric Clapton. La pareja tiene una hija llamada Scarlet Lilith Page -nacida en 1971- actualmente es una reconocida fotógrafa y madre de la primera nieta de Jimmy, Alice Brown. En 1986 contrae nupcias con Patricia Ecker, con quien tuvo su segundo hijo, James Patrick Page III. En 1995 se divorciaron. Ese mismo año Page conoce a la brasileña -hija de argentinos- Jimena Gómez-Paratcha, con quien entablaría una relación que duraría hasta 2008.
Junto a ella tiene 2 hijos legítimos Zofia Jade -nacida en 1997- y Ashen Josan -nacido en 1999- y Jana -nacida en 1994), hija de Jimena a quien Jimmy adoptó. El famoso guitarrista vinculado a las drogas durante años, confesó en una reciente entrevista: “No soy un adicto, muchas gracias”. Más allá de la nostalgia.
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GEORGE MICHAEL: SIMBOLO DEL POP

NADIE INTERPRETARA BALADAS COMO EL
Se fue joven, muy joven, en la plenitud de la vida. Con una impresionante carrera, donde colocó muchos hits -hoy convertidos en himnos de la música pop y del retro- vendió cien millones de álbumes, realizó shows excepcionales y dejó una fortuna aproximada de 120 millones de dólares, entre bienes inmuebles, cuentas bancarias, dinero en pagemasallaefectivo, y más. Su nombre comenzó a sonar con ímpetus desde que integró el dúo Wham!, junto a Andrew Ridgeley, en los inicios de 1981, donde alcanzó la gloria con “I’m your man”, “Everything she wants”, “Wake me up before you go go”, “Last christmas”, y “Careless whisper”. Aúnque ésta última escrita por los dos artistas, marcaría su apertura como solista, ya que él canta solo y en el clip de la canción no aparece su compañero en ninguna ocación. Esa jugada marcó un distanciamiento entre ambos cantantes y compositores, siendo ésta pieza el mayor suceso del dueto, llegando al número uno de ventas y popularidad en casi todo el mundo. Años más tarde se despediría de sus compañeros de la banda, para iniciar un fructífero lanzamiento como solista, donde continuó haciendo de las suyas: interpretando baladas como nadie lo hizo o lo hará, constituyéndose más que nada en un ícono del pop melodioso. Se llamó Georgios Kyriacos Panayiotou, conocido por George Michael, quien dejó de existir la pasada navidad por la mañana en su residencia de Oxfordshire, a los 53 años, víctima de un infarto. Su recuerdo será for ever.
UN 25 DE JUNIO DE 1963
Lesley Angold Harrison, una bailarina inglesa dió a luz un bebe, en Londres, el 25 de junio de 1963 y le puso Georgios. Jamás se le ocurrió -a ella y al padre grecochipriota Kyriacos Panayiotou- que con el tiempo sería multimillonario y una leyenda musical. Michael pasó su infancia en un lugar donde era habitado por ciudadanos griegos hasta los ochenta, viviendo junto a sus padres. Durante su adolescencia, la familia se trasladó a Radlett y Michael asistió a Bushey Meads School, donde conoció a Andrew Ridgeley, la otra parte de Wham!. Ambos tenían la misma ambición de ser músicos y famosos. Inició su participación en la música tocando en clubes y escuelas de Bushey, Stanmore y Watford, lo que fue seguido por la formación de una banda de ska de corta vida, The Executive, con Ridgeley, el hermano de Ridgeley, Paul, Andrew Leaver, y David Mortimer -David Austin- Pero la agrupación definitivamente no funcionó, así que George Michael y Andrew Ridgeley, cambiaron de idea creando Wham!… Corría enero de 1981. “Fantastic”, el primer LP de la orquesta, se lanzó en Inglaterra, en 1983, y fue impacto a la semana pegándose en el tope del chart, donde produjo la edición de varios discos simples, incluyendo el primer corte del álbum, “Wham rap!” -enjoy what you do- y “Club Tropicana”, luego llegarían “Young guns -go for it!- y “Bad boys”. Y mientras los productores discográficos se frotaban las manos ante el éxito, preparaban con Wham! más ediciones auspiciosas. Muy pronto Wham! brillaría intensamente por el orbe.
LE DICE ADIOS A RIDGELEY
Con todo el material en la calle en un sinfin de excelentes creaciones y registros excepcionales, donde se destacaba como cantante, compositor y cerebro pensante George Michael sobre Ridgeley, que se dedicaba solamente a acompañar en lo que pudiera, Michael lo planta y se retira de Wham! para lanzarse en solitario. La despedida fue con “Music from the edge of heaven”, directo al número uno en Billboard.
George Michael deseaba crear música para un público más sofisticado que el grupo de fans adolescentes seguidoras principales del dúo. El comienzo de su carrera en solitario, a principios de 1987, fue un dueto con la reina del soul Aretha Franklin. “I knew you were waiting (for me)” fue un proyecto sobresaliente que ayudó a lograr la ambición de Michael de cantar con una de sus artistas favoritos, obteniendo el primer lugar en USA y UK. Se acercarían “Faith”, “I want your sex”, “Father figure”, “One more try”, “Monkey”, y más.
SIEMPRE AYUDANDO A LOS NECESITADOS
Mientras recorría las mieles del éxito, George Michael ayudaba a los necesitados. A los que pedían o requerían una ayuda. Así lo hizo en infinidad de oportunidades. Muchas veces, con muchas colaboraciones.
Con diecinueve años, George Michael estuvo a punto de declararse bisexual, pero no lo tenía claro. La prensa amarilla se hizo eco de los rumores de supuestas relaciones con mujeres estrellas, y bailarinas de su espectáculo mientras era miembro del dúo Wham!. No fue hasta que tuvo veinticuatro años, hacia 1987, cuando estuvo convencido de que le gustaban los hombres. Sin embargo, Michael mantuvo en secreto su orientación sexual debido al efecto que podría tener la noticia ante la reacción de su madre. El 26 de febrero de 2006, Michael fue arrestado por posesión de drogas, un problema reiterado en su vida, de continuo.
Michael ganó numerosos premios musicales a lo largo de su carrera, incluyendo tres premios Brit, cuatro MTV Video Music Awards, cuatro premios Ivor Novello, tres American Music Awards, y dos veces el Premio Grammy. Más allá de la nostalgia.
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Feliz año nuevo con aquellas divas

CINCO GRANDES DE LA PANTALLA GRANDE

Además de poseer una belleza especial, fueron estrellas gigantes del séptimo arte, reconocidas hasta hoy en día; que les agradaba estar al pie del arbolito para esperar a Santa Claus y la llegada de un nuevo año. No fue un hecho

Ava Gardner

Ava Gardner

meramente promocional que estas tan lindas damas se tomaran fotografías relacionadas a las fiestas tradicionales. Hubo muchos artistas más que realmente lo hicieron, pero destacamos en esta reseña a tan solo cinco de ellas. De excelentes protagónicos que dieron que hablar a los espectadores de cada sala del cinéma que exhibía sus películas. Con un encanto que atrapaba cada escena, de figuras exhuberantes en varios de los casos, con un talento que descollaba, se encuentran en un orden casual, sin tiempo ni edad estas figuras del otrora Hollywood: Anita Ekberg, Ava Gardner, Gina Lollobrígida, Jayne Mansfield, y la exquisita Joan Crawford. Un verdadero quinteto de divas deslumbrantes. Un pedazo inmenso de aquel cine que muchos llamaron de culto.
ANITA, LA SUECA
Llegaba desde el frío, en Italia triunfó y desembarcó en Estados Unidos, participando en muchísimos certámenes de belleza.
Su nombre en las marquesinas era Anita Ekberg, pero en su documento de identidad, Kerstin Anita Marianne Ekberg, nacida en Malmô, Escania, Suecia, el 29 de septiembre de 1931, haciéndose bien conocida por su papel de Sylvia en “La dolce vita”, de 1960, la cinta de Federico Fellini. Desempeñó trabajos principalmente en Italia y se naturalizó italiana en 1964. Anita fue la sexta de ocho hermanos. Cuando tenía 17 años ya modelaba por pasarelas. En 1950, Ekberg acudió al concurso de Miss Malmö, a instancias de su madre, quien la llevó al concurso de Miss Suecia, que obtuvo. Posteriormente fue a USA para competir por el título de Miss Universo 1951, pese a que apenas hablaba inglés. Aunque no ganó el certamen, siendo una de las seis finalistas logró un contrato para mostrarse en algunos

Gina Lollobrigida

Gina Lollobrigida

Jayne Mansfield.   5

Jayne Mansfield

largometrajes de Universal Studios. Siendo primera figura en Universal, recibió lecciones actorales, equitación y esgrima. Apareciendo brevemente en los filmes “Abbott and Costello go to mars”, y “The golden blade”, Anita dejó de asistir a muchas clases de drama, limitándose a andar a caballo en Hollywood Hills. Ella admitiría más tarde que fue malcriada por el sistema de los sets, y que malgastó su tiempo en diversiones, en lugar de buscar papeles más grandes. Una de sus pasiones fue “la blanca navidad” sacándose infinidad de instantáneas para demostrarlo, y enseñarlas a sus amistades. Dejó de existir a los 83 años, en Rocca di Papa, Roma, Italia, el 11 de enero de 2015. Con el paso del tiempo se convirtió en un símbolo sexual.
AVA LAVINIA: UN MITO
Se la veía adquiriendo motivos navideños que encargaba a través de periódicos y revistas, en tiendas de oportunidades. Se llamó Ava Lavinia Gardner, llegada a este mundo el 24 de diciembre de 1922, en Brogden, Carolina del Norte, dejando de existir a los 67 años en Westminster, Reino Unido, el 25 de enero de 1990. Actriz nominada a

Joan Crawford

Joan Crawford

los Oscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX, y uno de los mitos de la cinematografía. Considerada sensacional por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue “el animal más bello del mundo”… Creció en el campo, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco y algodón, junto con sus seis hermanos, de los cuales ella era la más chica.
Cuando los hermanos aún eran pequeños, los padres Gardner perdieron la propiedad que tenían y su padreJonas se vio obligado a trabajar en un aserradero y su madre, Molly, como cocinera y ama de llaves en un colegio de Brogden. Su oportunidad llegó en 1946 con”Whistle stop” y “Los asesinos” con Burt Lancaster y Edmond O’Brien. Su magia quedó impregnada en el celuloide.
GINA y SUS 89 AÑOS
Su hobby fue coleccionar diferentes papá noel en el mundo. Los tenía por millares y de todos los sitios.
También los mostraba en sus fotos. Nacida en Subiaco, Lacio, Italia, el 4 de julio de 1927, se llama Luigia Lollobrigída, y se le conoce como Gina Lollobrígida. Mientras su pasión por las fiestas navideñas crecía, fue reconocida con diversos honores: Cinco distinciones David de Donatella y un Globo de Oro. Eterna rival de la Loren, logró tal fama como actriz que sería llamada en Italia, “La Lollo”. Según sus propias declaraciones, se hizo profesional por una serie de casualidades; su vocación inicial era la de la dedicación a las artes plásticas. El debut de Gina en Hollywood fue en “Beat the devil”, 1953, de John Huston, filmado en Italia, donde compartió marquesinas con Humphrey Bogart y Jennifer Jones. La etapa de esplendor de Gina Lollobrigida en el cine duró unos quince años, entre mediados de la década del ’50 y principios de los ’70.

Anita Ekberg

Anita Ekberg

LA RUBIA y LA MOROCHA
Adornando el arbolito y trepándose a la chimenea también estaban la rubia Jayne Mansfield y la morocha Joan Crawford, dos luminarias de tremendo brillo y color. Jayne nació el 19 de abril de 1933 en Pensilvania, dejando de existir muy joven, a los 34 años, en Luisiana, en un accidente automovilístico fatal, el 29 de junio de 1967, considerada uno de los principales símbolos sexuales de fines de los cincuenta, hizo films donde lucía su figura y su platinada cabellera. Por otra parte Joan, llegó a éste mundo el 23 de marzo de 1904, en San Antonio, Texas, bajo el nombre de Lucille Fay Le Sueur.
Joan Crawford ganó el Oscar de la Academia en 1945 por sus desempeños. En 1999 el American Film Institute la situó como la décima estrella femenina de la historia del cine de todos los tiempos. A los 73 años se fue de éste mundo, un 10 de mayo de 1977, en Nueva York, víctima de un infarto. Más allá de la nostalgia.

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100 AÑOS DE KIRK DOUGLAS: EL CINE DE FIESTA IDOLO TOTAL DE LAS MATINÉS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Kirk Douglas es una figura emblemática del verdadero cine de Hollywood. Actor formidable, protagonista siempre, interpretando esos papeles que el gran público deseaba: desde el esclavo Espartaco y el pintor Vincent van Gogh hasta la leyenda de vaqueros Doc Holliday. Trabajó en más de ochenta filmes pero, a diferencia de las nuevas generaciones, nunca aceptó un papel en una segunda parte. Sus cintas eran estrellas centrales en las matinés, en aquellas matinés de los cines de barrio con cabalgatas de largometrajes que empezaban prácticamente al mediodía y que culminaban a las seis o siete de la tarde, según la duración de las películas. Hoy, Douglas está cumpliendo sus cien años: «Cien años de edad es ciertamente un hito, pero los hechos son lo que papá ha conseguido en cien años. Para mí, su resistencia y tenacidad son las cualidades que más se destacan. Me enseñó a dar lo mejor en cualquier cosa que haga. Él es el paquete completo…», expresó Michael Douglas, hijo de Kirk, en un artículo de Closer Weekly.
HIJO DE INMIGRANTES RUSOS ANALFABETOS
Douglas, nacido el 9 de diciembre de 1916 en Nueva York, es hijo de inmigrantes rusos analfabetos, procedentes de Chavusy, en la región de Mogilev, en el Imperio ruso -actualmente Bielorrusia- El padre de Douglas, Herschel Danielovitch, se ganaba la vida vendiendo alimentos y madera en las calles pero eso no alcanzaba para mantener a seis hijas y un hijo varón, por lo que el muchacho tuvo que empezar a trabajar desde muy joven, pues aún iba al colegio. En aquel entonces vendía refrescos y dulces en varios lugares públicos, y también repartiendo diarios. Su padre se fue atrás de otra mujer, abandonando el hogar familiar cuando Kirk tenía cinco años. El verdadero nombre de Kirk Douglas es Issur Danielovitch Demsky. Su primera salida en la actuación fue en la escuela y en el instituto de educación secundaria donde obtuvo una distinción por recitar un difícil poema, «Across the border». Así se inició en un mundo distinto, desde pequeño.
FUE JARDINERO EN LA UNIVERSIDAD
Cuando cumplió los l7 finalizó secundaria y quiso matricularse en la universidad, pero su salario en peón en almacén -donde estaba en ese momento- no le alcanzaba para ingresar. Aún así, se apersonó directamente al decano, quien lo aceptó en la St. Lawrence University de Nueva York, a cambio de que cumpliera tareas allí como jardinero. Estudió en ese centro desde 1935, por espacio de cuatro años, donde se graduó en letras con el título de «Bachelor of Arts». En ese lapso de tiempo, fue también ganador de «Campeonato de Lucha Libre» y se dedicó al teatro uniéndose a un grupo de la misma universidad. Tras graduarse en la Universidad de St. Lawrence consiguió una beca en la Academia Norteamericana de Arte Dramático de Nueva York, lugar en el que permaneció hasta 1939, con tan solo 23 años de edad. Muy pronto debutaría en el teatro de Broadway, y en la pantalla grande.
SE CONSAGRÓ EN GRANDES PRODUCCIONES
En 1954 Kirk fue protagonista en la superproducción Walt Disney «20.000 leguas de viaje submarino», por la que le abonaron 175.000 dólares. Fue todo un éxito de taquilla, y de permanencia por las salas exhibidoras. En 1957 participó en «Duelo de titanes» -«Gunfight at the O.K.Corral»- de John Sturges, compartiendo marquesinas con Burt Lancaster y Hal Wallis. Uno de los temas principales en esta película es la amistad entre dos hombres y de lo que se es capaz de hacer para mantenerla, a pesar de las diferencias morales. La música del filme, compuesta por Dimitri Tiomkin, es una de las partes fundamentales. Interpretada por Frankie Laine, va contando y anticipando lo que sucede y lo que va a suceder. Es, sin duda, una de las canciones más famosas de todas las de las películas del Oeste. Más tarde, «Senderos de gloria», «Los vikingos», «Espartaco», que logró cuatro Oscar de la Academia, con un presupuesto que alcanzó los 12 millones de dólares, llevando más de un año solamente de rodaje, todas bajo su producción. Pero hizo muchas más. Fue candidato en tres ocasiones al Óscar, aunque nunca lo ganó debido a sus tendencias izquierdistas conocidas; sin embargo, fue galardonado en 1996 con un Oscar honorífico por sus 50 años de dedicación a la industria del cine.
VARIAS ESPOSAS, MUCHAS AMANTES
Se había casado con Diana Dill, el 2 de noviembre de 1943, la cual le daría dos hijos, Michael y Joel. En 1951 Diana le solicitó el divorcio a Douglas, debido a las infidelidades del actor con Pier Angeli, Ann Sothern, Marlene Dietrich, Rita Hayworth, Gene Tierney, Joan Crawford, Patricia Neal, Mia Farrow, Faye Dunaway, y varias más menos conocidas, como el propio Douglas escribe en su autobiografía. Además, Douglas tuvo romances tras su divorcio con Terry Moore y Debbie Reynolds, entre otras. El 29 de mayo de 1954, Douglas se casa en segundas nupcias con Anne Mars Buydens, una agente de prensa a quien conoció durante el rodaje de «Act of Love», con quien tendría dos hijos, Peter y Eric, y con la cual sigue compartiendo su vida. Más allá de la nostalgia.

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LEE MERIWETHER: MISS AMÉRICA EN EL RECUERDO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

TRES SERIES MARCARON SU CARRERA
Es una muy buena actriz, pero más que nada se destacó en series televisivas. Así su carrera quedó marcada en su paso por “Mannix”, 1966, “El túnel del tiempo”, 1966, y “Barnaby Jones”, 1973. Sus primeras armas fueron en el cine, donde la lllamaron para hacer de “Gatúbela” en la película “Batman” en 1966. Fue seleccionada para hacer una suplencia sustituyendo a Julie Newman, quien en realidad desarrollaba esa función, teniendo algunos inconvenientes con la producción. Este papel fue su salto a la fama. Ella era una linda chica morocha dueña de un rostro privilegiado y una de las más bellas sonrisas de los sesenta, lo que le abrió las puertas a magníficas oportunidades que se avecinaban en la televisión. Nacida en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 27 de mayo de 1935, bajo el nombre de Lee Ann Meriwether, hoy se mantiene en actividad, teniendo 81 años en su haber.

DE CALIFORNIA A ARIZONA
Cuando era pequeña, la familia de Lee Ann se trasladó a Phoenix, Arizona. Siendo una adolescente se interesó sobremanera en la actuación cuando estudiaba en el Washington High School, afincándose luego en San Francisco. Sorpresivamente, antes de entrar al mundo de la actuación, obtuvo varios concursos de belleza en territorio norteamericano de manera sucesiva, Miss San Francisco, Miss California y el más laureado, Miss América, en 1955, haciendo giras por muchos lugares estadounidenses. En el instituto de Lee Strasberg se formó en actuación, practicando de forma paralela danza y esgrima. Saltó al teatro, participó de varias obras y la pantalla grande llegó con “4 D Man”, con Robert Lansing y James Congdon, en 1959, y “El noviazgo del padre de Eddie”, junto a Glenn Ford,
Shirley Jones, Stella Stevens y Dina Merrill, en 1963. Ya a fines de los cincuenta y parte de los sesenta comenzó a aparecer en determinados capítulos de seriales: “Philco Televisión Playhouse”, “The Phil Silvers Show”; “Aventuras en el paraíso”, “Ruta 66″, “Dr. Kildare”, “La hora de los famosos”, “Perry Mason”, “El fugitivo”, y “El agente de CIPOL”. Pero, lo mejor estaba por aparecer. Y no sería en la tele, sino en el cinema.

“BATMAN”, LA PELÍCULA, 1966
Con su desempeño en “Batman, la película” en 1966, despierta la atención de los productores de “Mannix”, donde encarna a Reva Daniels, con Mike Connors como Joe Mannix, Gail Fisher haciendo de Peggy Fair, Tom Troupe – Dr. Benjamin Holland, Scott McKay interpretando a Dr. Bennett. Era la historia de un clásico detective privado que se caracterizaba por tener una gran resistencia física más que un agudo poder de deducción. Se mantuvo en grilla desde 1966 a 1975, con 194 episodios, en colores, tira creada por Bruce Geller. Inmediatamente, pasa a “El túnel del tiempo”, “The time tunnel”, una serie de 30 episodios del género ciencia ficción. Se emitió por vez primera el 9 de septiembre de 1966 y el 7 de abril de 1967, para ABC. Su creador y productor fue Irwin Allen, tratando las aventuras de dos científicos que viajan a través del tiempo. La tira estaba situada en el entonces futuro 1968. El gobierno de Estados Unidos maneja un proyecto secreto denominado “Tic-Toc” que consiste en construir una máquina del tiempo. La máquina, una especie de corredor de forma cilíndrica llamado túnel del tiempo, se encuentra en un complejo subterráneo en Arizona. El proyecto está bajo el mando del General Heywood Kirk -Whit Bissell- La operación del túnel está a cargo de dos científicos: la Dra. Ann McGregor -quien no es otra que Lee Meriwether- y el Dr. Raymond Swain -John Zaremba- Los que entran y salen por el túnel, con un montón de dificultades son el Dr. Tony Newman -James Darren- y el Dr. Douglas Phillips -Robert Colbert- Una producción de culto, y un punto alto en el desempeño de Lee Meriwether.

BETTY en “BARNABY JONES”
Luego seguiría en “Barnaby Jones” -1973-1980- serie donde da vida a Betty Jones, la nuera viuda y ayudante del veterano detective Barnaby, protagonista encarnado por Buddy Ebsen. Esta producción se mantuvo 8 temporadas en programación, con 178 capítulos, para CBS, y le reportó una nominación al Emmy y dos a los Globos de oro la categoría de “Mejor actriz en serie dramática”. En la trama Barnaby, luego de trabajar años como detective privado decide retirarse dejando su puesto a su hijo Hal.
Cuando Hal es asesinado mientras trabajaba en un caso, Barnaby salió de su retiro para encontrar al asesino. Su nuera, Betty Jones -Lee Meriwether- une sus fuerzas para resolver el caso. Los dos deciden que trabajaron tan bien juntos que siguieron manteniendo abierta la agencia de detectives. Fue un éxito de teleaudiencia en las televisoras de infinidad de países.

MÁS TELE y MÁS CINE
Hasta el presente Lee Meriwether sigue en los sets y en los escenarios.
En 1956 se casó con el beisbolista Joe Di Maggio hasta 1958, ese año contrajo nupcias con Frank Aletter, teniendo dos hijos y se divorció en 1976, en 1986 se casó con Marshall Borden, unión que mantiene hasta el presente. Más allá de la nostalgia.
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RAYMOND BURR: EL ABOGADO PERRY MASON e IRONSIDE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Su protagónico en “Perry Mason” fue fundamental en su carrera de actor. Lo contrataron porque para los productores tenía todo para llevar adelante el papel de abogado defensor empedernido. En general, Perry Mason era capaz de demostrar la inocencia de su cliente mediante la averiguación de la culpabilidad del verdadero asesino. En la tira solía manifestar… “Encontrarán que soy un abogado que se ha especializado en el trabajo procesal, y en el criminal. Soy el indicado en sacar a la gente de problemas. Acuden a mí cuando están en todo tipo de graves líos, y yo los saco de ellos. Si le preguntan por mí a algún abogado de familia o de empresa, probablemente les dirá que soy un profesional sin reputación, sin ética y sin escrúpulos. Si le preguntan por mi a algún compañero de la oficina del Fiscal de Distrito, les dirá que soy un peligroso antagonista aunque no saben mucho sobre mí…”.
La serie, de la cual en algún momento hicimos referencia desde éstas páginas, se mantuvo durante 9 temporadas a partir del año 1957, con 271 episodios, rodados en blanco y negro, a excepción de un capítulo lanzado en colores. Un verdadero drama policíaco y judicial, de conflictos legales, que se constituyó en una de las grandes producciones televisivas de todos los tiempos en los Estados Unidos, que en la actualidad se le puede ver por alguna señal de cable internacional. El actor elegido para este desempeño fue Raymond Burr, quien más adelante estaría en otra serial de culto, “Ironside”, donde cumpliría con otro desempeño de excelente nivel.
PASÓ SU INFANCIA EN CHINA
El verdadero nombre de Raymond es Raymond William Stacey Burr y nació el 21 de mayo de 1917 en New Westminster, Canadá. Sus padres: William Johnston Burr -1889-1985- era de origen irlandés, y Minerva Smith -1892-1974- pianista y profesora de música, estadounidense. El muchacho pasó parte de su infancia en China, donde su padre trabajaba como agente comercial. Tras el divorcio de sus padres, Burr se trasladó a Vallejo, California, junto a su madre y hermanos. Con el paso del tiempo Raymond se dedicó al trabajo, desarrollando tareas específicas en un rancho, y como vendedor de fotografías para ayudar a su familia.
Tras dos años en la Armada norteamericana, fue rápidamente licenciado por haber sido herido en combate, en el estómago, en Okinawa. Posteriormente, comenzó su carrera en Pasadena Playhouse. Hizo su primer papel en 1941, en Broadway, en “Crazy with the heart”. Inmediatamente, RKO lo contrato, interpretando a villanos o sinvergüenzas, realizando más de sesenta cintas entre 1946 y 1957.
En ese pasaje se destacó en “Un lugar en el sol”, 1951, con Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, y en uno de sus largometrajes más conocidos, “La ventana indiscreta”, 1954, junto a Grace Kelly y James Stewart. Mientras estaba en el cine, también su voz se hizo popular en la radio, participando en diferentes radioteatros de la época. Así, en 1956, el novelista Erle Stanley Gardner, escritor de “Perry Mason”, lo distinguió para desarrollar el papel principal en la serie de tv que luego emitiría CBS. En el elenco estaban William Talman, Barbara Hale, William Hopper y Ray Collins. Paralelamente, Perry Mason recibió una nominación Emmy como mejor serie dramática, y Burr obtuvo dos Emmy al mejor actor por su actuación en la tira. Fue realmente la catapulta para su otro papel posterior en la pantalla chica.
IRONSIDE, AQUEL JEFE DE DETECTIVES
Burr llamado por Universal Studios, fue tentado para realizar un protagónico muy particular en su nueva serie televisiva. Se trataba de “Ironside”, donde encarnó al jefe de detectives de San Francisco, California. En el programa piloto Robert T. Ironside es herido de bala, en acto de servicio, quedando inválido, relegado a una silla de ruedas. La interpretación dio a Burr otro fuerte impacto: fue la primera tira criminal protagonizada por un policía con discapacidad, reconvertido en asesor externo de la Policía, tras su retiro forzoso. Salió al aire desde el 14 de septiembre de 1967 al 16 de enero de 1975, con 8 temporadas, y 199 episodios, siendo emitido por la cadena NBC. En su reparto estaban: Raymond Burr como Robert T. Ironside, Don Galloway haciendo de sargento Ed Brown, Bárbara Anderson fue la oficial Eve Whitfield, Don Mitchell como Mark Sanger, y Elizabeth Baur interpretando a Fran Belding. Por “Ironside” Burr ganó seis Emmy y dos nominaciones a los Globo de Oro. En su emisión en el Reino Unido la tira consiguió millones de adeptos, siendo una de las series de mayor teleaudiencia a través del tiempo.
ERA HOMOSEXUAL, OCULTANDO SU CONDICIÓN
Raymond Burr era homosexual, pero ocultó su condición durante la mayor parte de su vida por miedo a perjudicar su carrera a causa de los prejuicios de la sociedad. Mantuvo una relación de 35 años con Robert Benevides -nacido en 1930- un actor y veterano de la Guerra de Corea que Burr conoció rodando Perry Mason.
A finales de 1992, a Burr le diagnosticaron un cáncer renal, pero rechazó la cirugía, pues no hubiera podido rodar sus dos últimos telefilmes. Tras finalizar los rodajes, la enfermedad se había extendido a otros órganos, siendo ya inoperable. Burr falleció a los 76 años de edad, en 1993, en su rancho cercano a Healdsburg, California. Más allá de la nostalgia.

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MANOLO GALVAN: LA VOZ RASGADA EN EL RECUERDO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN ÉXITO EN ESPAÑA
Comenzó a cantar a la tempranísima edad de catorce años. Sus padres no estaban de acuerdo, deseaban otro desempeño en la vida para él. Que estudiara, que lograra una carrera, que tuviera un título. Pero, él tenía un sueño, el de convertirse en un cantante de verdad y con mucha fama. En pocas palabras, que el mundo entonara sus temas y que lo reconocieran siempre. El sueño se cumplió. Fue uno de los solistas de mayor impacto en la madre patria, vendió muchos discos, recorrió el mundo y se consagró con sus temas, pegando uno detrás del otro. “Deja de llorar”, “Hijo de ramera”, “Hoy no me levanto”, “Porque te marchas abuelo”, “Porque te quiero tanto”, “Te quise, te quiero y te querré”, son algunos en una extensa lista de sus himnos, de tono romántico con letras singulares, tocantes, que tienen un algo más. Si tendrán. Esos temas que aún hoy se pasean por algunas emisoras que plantean contenidos sentimentales y en español en su programación, con la interpretación distinta de Manolo Galván, la voz rasgada en el recuerdo.

SONORS, LOS GRITOS y… SE LANZA COMO SOLISTA
En Crevillent, municipio de la Comunidad Valenciana, Provincia de Alicante, España, el 13 de marzo de 1946, nació Manuel José Galván. Ante ese deseo de cantar buscó la suya y observando un aviso aparecido en un periódico que buscaban un cantante, se integró a la agrupación Sonors. No estando conforme con lo que hacían, más que nada con su repertorio, de buenas a primeras los abandonó y se fué rápidamente hacia Málaga para ser parte de Los Gritos, con quienes se mantuvo durante tres años. En realidad él llegó al conjunto y lo reformó.
Todo el mundo lo conoce como el grupo de Manolo Galván. Los principios de Los Gritos no fueron muy buenos, pero con la mano de Galván en 1968 firman un contrato con la fonográfica Belter. Participando en la décima edición del Festival de Benidorm de ese año se proclaman vencedores con “La vida sigue igual” junto a Julio Iglesias. Un año más tarde son presentados en el filme de Pedro Lazaga “Abuelo, made in Spain”, una brillante comedia española de cinco millones de espectadores, una de las películas más vistas de la década en Madrid, junto a Paco Martínez Soria, en la que ejecutan “Veo visiones”. La banda estaba compuesta por Francisco Doblas Vega, José Ramón Moreno Muñoz “Timmy”, José Sierra Blanco “Pepín”, y el propio Manolo Galván. Después de registrar unos cuantos simples y LP con singular impacto en 1970 dejando algunos hits: “Sentado en la estación”, “Adios verano, adiós amor” y “El lamento de tu voz”, el cuarteto se desintegra al reconvertirse en La Zarzamora. Exactamente en 1972, Manolo Galván comienza su trayectoria como cantante solista.
SE RADICO EN ARGENTINA
Sus discos se escuchaban en toda España, rápidamente fue requerido por TVE para hacer presentaciones variadas en su pantalla chica. Convertido en suceso, los más grandes festivales lo tuvieron como estrella invitada, inclusive en el Festival Internacional de Viña del Mar, donde en varias oportunidades se consagró con la famosa “Gaviota de Plata”. Sus giras por América Latina se repitieron y a partir de 1973 se afincó definitivamente en Buenos Aires, apoyado por los hermanos Kaminsky de la grabadora Microfón Argentina, donde editaba sus discos y hasta rodó dos largo-metrajes: “Los éxitos del amor” y “La carpa del amor”, ambas de 1979. También efectuó actuaciones con la cantante Liliana Ester Maturano “Tormenta”, grabando un par de simples a dúo con ella. Tuvo requerimientos de fonográficas y de algunos artistas para que los acompañara cantando, pero lo desechó, por no agradarle el estilo musical que practicaban. Manolo Galván lanzó casi cuarenta discos en total, y en 2006 inició su despedida de los escenarios, luego de cuatro décadas de carrera. Estando en la vecina orilla, en Bella Vista, al oeste del gran Buenos Aires, lugar donde actualmente residía, lamentablemente dejó de existir el 15 de mayo de 2013, a los 66 años, a causa de problemas pulmonares, debido a su larga adicción al cigarrillo. Su voz ronca y única será eterna a través de todas las canciones que dejó. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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DISCOGRAFIA COMPLETA
MANOLO GALVÁN
1972: Mis inquietudes – ARIOLA
1973: En cualquier lugar… mujer – ARIOLA
1974: Te quise, te quiero y te querré – ARIOLA
1975: Mi única razón – ARIOLA
1976: Mi público – ARIOLA
1977: Esperando el amanecer – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1978: El ganador – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1978: Ámame – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1979: Una copa conmigo – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1980: Cada mujer un templo – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1981: Me llaman el Calavera – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1981: Los 20 Grandes Éxitos – MÚSICA & MARKETING S.A.
1982: Las grandes creaciones de Manolo Galván – MÚSICA & MARKETING S.A.
1984: Pasajero de la noche – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1984: Porqué me habrás besado – Junto a Tormenta – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1985: Un caballo azul – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1986: Suspiros de amante – RCA
1987: A mi edad – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1990: A mis amigos – MÚSICA & MARKETING S.A.
1991: 15 Grandes Éxitos de Amor – MÚSICA & MARKETING S.A.
1992: Los Super Éxitos de Manolo Galván – MÚSICA & MARKETING S.A.
1992: Bailar pegados – MÚSICA & MARKETING S.A.
1994: Amor caliente – MÚSICA & MARKETING S.A.
1995: Grandes Éxitos Vol. 2 – MÚSICA & MARKETING S.A.
1996: Los Super Éxitos de… Manolo Galván – MÚSICA & MARKETING S.A.
1997: Recuerdos – MÚSICA & MARKETING S.A.
1998: Amor de cada día MÚSICA & MARKETING S.A.
2001: Antología – MÚSICA & MARKETING S.A.
2002: Todas sus grabaciones en Discos Ariola y Belter (1971-1976) – INDIGO COMUNICACIÓN
2003: Alumbra alumbrando – GLD DISTRIBUIDORA S.A.
2004: 20 Secretos de Amor – BMG
2004: De colección – GLD DISTRIBUIDORA S.A.
2005: 20 éxitos originales que hicieron historia – BMG MUSIC ENTERTAINMENT COLOMBIA S.A.
2005: Clásicos inolvidables – años 50 – PRO COM S.R.L.
2006: Grandes éxitos vol. 2 – LA LAIDA EDITORA S.R.L.
2006: Los Mejores 20 Éxitos – GLD DISTRIBUIDORA S.A.
2007: Colección 2 albunes en 1 cd – Manolo Galván / Tormenta – PRO COM S.R.L.
2012: Mejor imposible – Manolo Galván / Tormenta – PROEL MUSIC.

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KAY FRANCIS: EN LA MECA DEL CINE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

PRIMERA FIGURA EN BROADWAY

Luego de convertirse en primera figura en el teatro de Broadway llega a la pantalla grande, a través de los estudios Warner Brothers, siendo en su momento la actriz mejor paga de los Estados Unidos. Se llamaba Katharine Edwina Gibbs, y se hizo conocer bajo el nombre fantasía de Kay Francis, habiendo nacido en Oklahoma City, capital y mayor ciudad del estado de Oklahoma, USA, el 13 de enero de 1905, siendo sus padres: Katharine Clinton, de origen canadiense, actriz y ama de casa, y Joseph Sprague Gibbs, quien contaba con casi dos metros de estatura, algo que heredó su propia hija que fue una de las actrices más altas del séptimo arte en la década del treinta, midiendo más de 1,75. Sus muchos protagónicos brillaron a la altura de Ingrid Bergman o Alexis Smith, dando que hablar por sus brillantes desempeños en el celuloide. Educada en los entornos de los teatros cuando su madre se perfilaba como nueva figura, y luego en escuelas de artistas, tras dejar su padre a la familia, la muchacha creció estudiando en diferentes centros educativos, y a la edad de 17 años contrae nupcias con James Dwight Francis, que duró muy poco tiempo, poco más de un año, terminando en divorcio. Mientras tanto, estando sola, ya se había afincado en Broadway.

DEBUTÓ CON “HAMLET”

A mediados de 1925 Kay viaja a París a divorciarse. Allí, conoce a William Gaston, un reconocido atleta de Harvard, miembro de Boston Bar Association, con el que a los meses se casa. Con su flamante esposo, regresa a Broadway para debutar en “Hamlet”, la obra de Shakespeare, de la mano del productor Stuart Walker de la empresa Portmanteau Theatre Company. Luego llegarían más y más obras. En ese interin su matrimonio con Gaston fue cayendo en un pozo, por motivos de convivencia de pareja, y al poco tiempo se compromete con Alan Ryan Jr., con actividades de playboy. Kay había prometido a la familia de Ryan que dejaría las tablas, pero su pasión pudo más que el amor, y volvió a Broadway para otras interpretaciones, dejando de lado la relación sentimental. En 1928 cumple con una estupendo trabajo en “Elmer the great”, escrita por Ring Lardner y producida por George M. Cohan. El actor Walter Huston quien cumplía con el papel principal, quedó tan impresionado por la labor de Kay que la animó para realizar una prueba en la Paramount Pictures y en los Kaufman Astoria Studios de Nueva York. Al poco tiempo estaría filmando “Gentlemen of the press”, en 1929, y “The cocoanuts” con los hermanos Marx, también en 1929. Lo mejor estaría por llegar en los años treinta.

RUMBO A HOLLYWOOD

En ese momento los estudios cinematográficos comenzaban a dejar sus instalaciones en Nueva York, y muchos actores de Broadway también habían sido atraídos a viajar a Hollywood para rodar filmes: Aline MacMahon, Barbara Stanwyck, Ann Harding, Helen Twelvetrees y Humphrey Bogart, entre otros. Kay hizo lo mismo, dejando una notable impresión, desarrollando actuaciones excelentes en infinidad de cintas. A saber, más de veinte entre los años 1929 y 1931. Se destacan: “Girls about town”, 1931, “Twenty-four hours”, 1931, “Trouble in paradise”, 1932, “The false Madonna”, 1932, y más. De a poco llegó a ser la actriz número uno de WB. Francis ya se había vuelto a casar, esta vez con John Meehan, un cineasta de Nueva York, pero poco después de su llegada al gran Hollywood mantuvo una confusa relación con el actor y también productor Kenneth MacKenna, con quien se casaría en enero de 1931. El destino indicaría que se divorciarían en 1934. Entre los años 1930 y 1937 Kay apareció en múltiples portadas de revistas de cine y actualidad, marcando una diferencia con todos los artistas de la época.

LOS GRANDES TÍTULOS

En su período de elevada popularidad interpretó “Mandalay”, 1934,
“Wonder bar”, 1934, “Dr. Monica”, 1934, “Confession”, 1937, “First lady”, 1937, “Women are like that”, 1938, “My Bil”, 1938, “Secrets of an actress”, 1938, “Comet over Broadway”, 1938, “King of the underworld”, 1939, “Women in the wind”, 1939, “In name only”, 1939, “It’s a date”, 1940, “When the Daltons Rode”, 1940, “Little men”, 1940, “Play girl”, 1941, “The man who lost himself”, 1941, “Charley’s aunt”, 1941, y “The feminine touch”, 1941. Francis se casó en cinco ocasiones, y tuvo muchos romances. Sus diarios, preservados en una colección en la Universidad Wesleyana, pintan un retrato de una mujer con una vida personal desordenada, y con una fuerte atracción por los hombres.
En 1966 le diagnosticaron un cáncer de mama, siendo tratada mediante una mastectomía, pero el tumor se había extendido y la actriz falleció en Nueva York, el 26 de agosto de 1968. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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CRONOPIOS, PINAP, PELO Y HASTA LA BELLA GENTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LAS PUBLICACIONES DE LA ÉPOCA
En la década de los sesenta y hasta buena parte de los setenta, fueron apareciendo una serie de revistas especializadas que marcaron toda una época. Ellas, de alguna manera, eran los vehículos de comunicación entre la gente joven, informando sobre música, ediciones fonográficas, últimas noticias, aconteceres por estudios de grabación, los nuevos artistas, los consagrados, rankings, letras de canciones, entrevistas a los protagonistas, pasatiempos diversos, comentarios; en fin de todo un poco, según la edición o el título. Hubo muchas publicaciones -en esos momentos aparecía una nueva por semana, y luego no salían más- pero hoy destacamos las que se mantuvieron durante años, por su calidad del buen sentido de hacer periodismo. A saber: Pinap, Cronopios, La Bella Gente, Ritmo de la Juventud, y Pelo, una verdadera institución en su rubro.
LOS IRACUNDOS, DONALD, LOS NÁUFRAGOS y…
Bárbara & Dick, Donald, Los Iracundos, La Joven Guardia, Almendra, Alma y Vida, se incorporan en el llamado mercado comercial de la mano de Pinap, un mensuario que fue dirigido por Nora Bigongiari, y Daniel Ripoll, haciendo las veces de secretario de redacción. Estos nombres artísticos -fuertes hoy en la historia de la música rioplatense- pertenecían todos a la discográfica RCA Víctor, que de alguna manera apoyaba el lanzamiento de dicha publicación. También estaban otros exponentes como Los Gatos, Palito Ortega y hasta Violeta Rivas, de los llamados triunfadores en ese momento, y hasta Sandro de América, Piero, Los Náufragos, Safari, Conmoción, entre otros, de las lides de la CBS Columbia, que tenía su sede en la calle Paraguay, de Buenos Aires, Argentina, donde estaba Francis Smith, como productor artístico y ejecutivo de dicha empresa multinacional. El primer número de Pinap salió en abril de 1968 con muy buena colocación de ejemplares en la vecina orilla, Montevideo e interior de Uruguay, y diversos lugares de América: Paraguay, Chile, etc. No solamente promovían a los artistas, sino que en 1969 hasta organizaron un festival al aire libre, llamado “Festival Pinap”, evento que publicitaron desde sus mismas páginas, y donde reunieron a la florinata musical del momento para tocar en vivo, y un concurso de noveles agrupaciones. Allí se impuso. Extraña Dimensión con “Dulce melodía”, que logró la grabación de este tema para editarlo en forma de disco simple en los primeros meses de los setenta. A nivel de festivales juveniles, “Festival Pinap” resultó un pionero en su estilo. Un referente con el paso de los años, anterior a Buenos Aires Rock, otro ícono.
CRONOPIOS con SUPER-POSTER
En los primeros años de los setenta estaba en los kioscos, Cronopios que tenía la originalidad para esos tiempos, de incluír un super-poster a todo color que venía junto a la revista. Recuerdo como si fuera ahora las láminas gigantes de Los Beatles y de Almendra, que en algún momento engalanaron las paredes hippidélicas de nuestro cuarto de juventud, junto a los espejos de la habitación. En las páginas de Cronopios, se veían a menudo fotos de los conjuntos argentinos de “música beat”, en 1970 publicaba una muy interesante nota con Los Gatos… “Todo empezó en Rosario. Hace unos 6 años, Ciro tenía un conjunto que se llamaba Wild Cats, que quiere decir gatos salvajes, y era el mejor conjunto de rock. Ciro tocaba piano, ahora toca órgano. Yo -Lito Nebbia- que entonces tenía 15 años, hice una prueba con ellos pero no me aceptaron porque tengo un estilo melódico, y ellos hacían rock y querían cantantes con voz más agresiva. A la semana me llamaron y empecé con ellos. Tocamos un año en Rosario como Wild Cats y luego el gran salto a Buenos Aires. Ahí, estuvimos en Escala Musical y registramos el primer LP. Todos los temas los grabamos en castellano, porque nos dimos cuenta que era lindo, y porque así se tiene más comunicación con la gente…”.
PELO, EL ROCK A FLOR DE PIEL
En 1970, Osvaldo Daniel Ripoll abandona las oficinas de Pinap, donde había sido secretario de redacción, realizando encumbrados festivales de la canción, y funda Pelo, revista argentina dedicada al rock. Su primer número aparece en febrero de 1970 y a mediados de ese año sale su edición internacional que sería seguida con suma atención por lectores de Uruguay, Chile, Perú y Venezuela. Según Ripoll, en 1978 -pleno Proceso de Reorganización Argentino- fue detenido por la Policía por ser el editor de Pelo y de una revista de corte satírico-humorístico llamada Mad, versión criolla de su famosa homóloga estadounidense, la cual contaba entre sus colaboradores a Jorge Guinzburg, Carlos Abrevaya, y los historietistas Alfredo Grondona White, Andrés Cascioli y Tabaré, entre otros. Una vez liberado -al cabo de dos meses de detención- Ripoll se tuvo que exiliar en Francia por el término de dos años. Mientras tanto, Pelo continuó apareciendo manteniéndose a lo largo de casi tres décadas, cuando dejó de publicarse, a fines de los años 90. Fue la “bandera” del verdadero rock argentino.
MÁS REVISTAS, MÁS HISTORIAS
La Bella Gente fue otra edición argentina de la misma editorial que Cronopios. Era muy leída por el público femenino, más que nada, debido a muchas notas que eran dedicadas a las mujeres. “Muchos cantantes y modelos con pinta…” dijeran ellas, pero en sus páginas también se incluían muy buenos informes sobre música en general. Tenía excelente circulación. Allí pude leer entre otras, una excelente nota a Gervasio, el cantante uruguayo cuando se presentaba en los Sábados Circulares de Mancera. Mientras tanto en forma paralela, llegaba desde Chile, Ritmo de la Juventud, una revista chilena que había nacido el 9 de septiembre de 1965. Caballeros pelilargos y damas de minifalda son protagonistas en la revista que en esa época se lanzaba a buscar los nuevos ideales de la juventud. Fue creada por Editorial Lord Cochrane, con la Sra. Pilar Larrain y el Sr. Alberto Vivanco, como directora y sub-director respectivamente. Tuvo una duración de diez años con una edición por semana, alcanzando la cifra de 100.000 ejemplares por publicación en sus mejores tiempos. Se leyó mucho en nuestro país. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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TERENCE HILL y BUD SPENCER: EL BINOMIO DE LOS ÉXITOS

EN ITALIA NACIERON “LOS REYES DE LA AVENTURA”

Sus películas fueron entretenidas, divertidas y taquilleras. La receta del éxito nunca varió, sí la trama.
Esos títulos inolvidables que hoy se encuentran en los videoclubes o que están a la venta en alguna góndola del súper. Aquellos que llenaban las salas cinematográficas, e inundaban el lugar de sonrisas y carcajadas. Rodaron 17 en total, en casi tres décadas de carrera. page
Desde “Lo llamaban Trinidad”, en 1970, pasando por “Dos súper policías”, 1977, y “Quien tiene un amigo tiene un tesoro”, 1981, hasta “Dos super dos”, 1984, entre otros filmes sencillamente recordados hasta hoy en día.
Juntos se hicieron famosos y queridos por la platea. Indudablemente, se transformaron con el paso del tiempo en “Los reyes de la aventura”, atravesando los últimos tiempos de las añoradas matinés, y luego en continuados, y estrenos, que supieron destacarse en las grandes marquesinas céntricas de los cines.
Terence Hill y Bud Spencer, resultaron graciosos en el celuloide, metiéndose continuamente en líos, enredos; haciendo peripecias y travesuras para salir de ellos -la mayoría de las veces a los golpes- pero dejando un mensaje de que tenían valores y que existía una amistad, a veces discutida, pero amistad al fin.

MARIO GIROTTI ES TERENCE HILL

Terence Hill nació bajo el nombre de Mario Girotti el 29 de marzo de 1939, en Venecia, Italia. Su mamá era alemana y ama de casa, su papá Girolamo Girotti, italiano, de profesión químico. Con sólo 12 años en su haber, en 1951, comenzó su carrera actoral, no es que le agradaba demasiado, es que deseaba juntar dinero para comprarse una moto, así fue saliendo adelante aprendiendo y encarando situaciones.
Con unos años más, se puso a estudiar literatura clásica en la Universidad de Roma, pero lo suspendió para dedicarse de lleno a convertirse en un actor de verdad. Su imagen germánica lo puso de moda en largometrajes alemanes y españoles, además de italianos, más que nada en westerns.
En Madrid, filmó con Sara Montiel “Pecado de amor”, una llamativa realización. Exactamente en 1967, a pedido expreso de productores del cinéma, cambió su nombre por el de Terence Hill, tomando las iniciales del nombre de su madre, Hildegard Thieme.
Ese mismo año, el 23 de julio, se casa con una estadounidense de origen alemana, Lori Zwicklbauer, a quien conoce en el rodaje de una de sus cintas en España, teniendo con ella dos hijos, y manteniéndo la pareja hasta el presente.
También trabaja junto al actor italiano Bud Spencer, con el que estelariza “Dios perdona… yo no…”. Desde ese momento se convierten en compañeros y amigos inseparables.

CARLO PEDERSOLI ES BUD SPENCER

Carlo Pedersoli, más conocido como Bud Spencer, llegó a este mundo el 31 de octubre de 1929, en Nápoles -días pasados hubiese sido su cumple- distinguiéndose por muchas profesiones, pero más que nada por su actividad como actor junto a Terence Hill.
En su currículum figuran ademas: productor cinematográfico, cantante, compositor y guionista.
Debido a su estado atlético en su juventud, participó en varios Juegos Olímpicos, y se consagró campeón italiano de natación.
En 1947 su familia emigró a Sudamérica y Carlo dejó los estudios de química de la Universidad La Sapienza de Roma. En Buenos Aires fue bibliotecario, y en Montevideo ejerció como encargado de una biblioteca, y realizó tareas en el consulado italiano de la capital. De regreso a su país, ingresó en el equipo nacional de natación y participó en los Juegos Olímpicos de Helsinki, 1952 y Melbourne, 1956.
En 1957 retornó a Suramérica, instalándose en Venezuela.
Rápidamente pasó a formar parte de una concesionaria de automotores de Caracas hasta 1960. A mediados de ese años, contrae nupcias con María Amato, con la que tuvo tres hijos: Giuseppe,1961, Christine, 1962, y Diamante, 1972. En ese momento, ya hablaba seis idiomas.

DEBUTÓ EN “QUO VADIS”

Su aparición debut fue en “Quo Vadis?”, en 1950, haciendo de guardia del Imperio Romano.
Se cambió su nombre porque el original no le agradaba, y se quedó con Bud Spencer, porque le atraía como actor Spencer Tracy, y también la cerveza Budweiser.
Ya con esa denominación fantasía, rueda “Dios perdona… yo no”, junto a Terence Hill. Y así se fueron sucediendo los spaghetti westerns, juntos.
Una de las más renombradas realizaciones Hill-Spencer: “Lo llamaban Trinidad”, fue galardonada en varios Festivales de Cine europeos. Bud Spencer también fue autor de varios temas de algunas de las películas donde participara como protagonista.
El 27 de junio de 2016, a las 18.15, en su casa de Roma, dejó de existir a los 86 años de edad. Su último palabra fue “Gracias”. Le sobreviven su esposa, sus hijos, cinco nietos y seis bisnietos. Su amigo de siempre, Terence “Trinity” Hill, lo acompañó hasta su última morada. Bud fue además político y aviador. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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BERNARD EDWARDS: LA CREATIVIDAD DE UN No. 1

PRODUCTOR, COMPOSITOR, BAJISTA y CANTANTE
Fue un creativo exitoso por sobre todo. Nacido en Greenville, el condado más poblado de Carolina del Norte, Estados Unidos, el 31 de octubre de 1952 -hoy, hace 64 años- bajo el nombre de Bernard Edwards.
Además, fue compositor, bajista, cantante y productor, habiendo sido fundador junto a Nile Rodgers del grupo Chic, y de haber realizado prestigiosos discos para artistas de la talla de Diana Ross, Debbie Harry, Sister Sledge y Sheila and B. Devotion. Brilló practicando el estilo de la música disco y R&B., catapultando sus producciones a primerísimos lugares de la popularidad. Se le considera uno de los mejores cultores del bajo electrónico, y a pesar de que su nombre es poco conocido ante el gran público en forma mundial, inspiró clásicos de tremenda repercusión: “Another one bite the dust” de Queen o “Rappers delight”, de Sugarhill Gang. Bernard realizó algo diferente en su instrumento, definiendo por ejemplo un sonido bien “funky” que se dejaba oír en Chic y en sus brillantes producciones de esa década. Debido a sus logros, fue distinguido por el Dance Music Hall of Fame, de Nueva York, en el año 2005.
DE BIG APPLE BAND A CHIC
Bernard Edwards creció en Nueva York, donde su familia se había trasladado por motivos de trabajo y donde, a principios de la década de los setenta conoció al guitarrista Nile Rodgers. Con la ayuda del baterista Tony Thompson, ambos formaron en 1972 un grupo llamado “Big Apple Band”, que, con la llegada de la vocalista Norma Jean Wright en 1976 se transformó en Chic. En los años posteriores lograron sus mayores impactos, pegando disco tras disco: page“Dance dance dance” -Yowsah, Yowsah, Yowsah”, y “Everybody dance”, 1977, “Le freak”: n.º 1 Billboard USA y n.º 1 en listas de R&B, “I want your love”, 1978, “Good times” n.º 1 Billboard, y “My forbidden lover”, 1979.
CHIC: “GOOD TIMES” y “LE FREAK”
Con “Good times” y “Le freak” la banda se hizo popular hasta en América Latina. En lugares como Brasil, Argentina, Venezuela y Uruguay también llegaron a los primeros lugares de ventas, a través del Sello Atlantic, distribuido en aquel momento en nuestro país por la fonográfica Clave Iemsa. Al compás de ese movimiento de los discos, esos “himnos” se propalaban por distintas discotecas y broadcasters. No existía un solo lugar bailable que no los pasara en el momento del “agite”, en Montevideo. Los managers de Chic le proyectaron una gira por América, que luego no se concretó, por un asunto de fechas y cachet. “Good times” y “Le freak”, fueron dos sucesos imparables en casi todo el mundo, y de los más grandes de la música disco. Tras la separación de la agrupación en el año 1983, Bernard editó un disco-grande como solista, formando la banda The Power Station, junto a su amigo baterista de Chic, Tony Thompson, y dos componentes de Duran Duran, Andy y John Taylor, junto al vocalista Robert Palmer, a quien Edwards le realizaría la producción de su próximo material, “Riptide”. La banda publica el álbum “The Power Station”, alcanzando el número 12 en el Reino Unido y número 6 en la lista de álbumes Billboard en Norteamérica. El álbum logró 3 simples, dos de ellos hicieron eco en ventas y popularidad. “Some like It hot”, alcanzó el número 14 en la lista del Reino Unido y número 6 en Billboard Hot 100. El segundo simple, “Get It on -Bang A Gong”, llegó al número 22 en Gran Bretaña y el 9 en USA., mientras que competía contra el single de Duran Duran “A view to a kill”, que fue número uno en Estados Unidos. Sin embargo, el tercer sencillo, “Communication”, no fue tan logrado, apenas logró el Top 40 USA, y desapareció tras alcanzar el número 75 en Inglaterra.Más adelante, seguiría respaldando la carrera de Air Supply, Rod Stewart, Duran Duran, y Air Supply.
NUEVAMENTE A CHIC
A principios de los noventa, Bernard se uniría nuevamente a Nile Rodgers para editar un nuevo álbum de Chic, que vería la luz en 1992 bajo el título de “Chic-Ism”.
El 18 de abril de 1996, luego de un recital con el conjunto en el Budokan de Tokio, Edwards falleció en su hotel por un ataque de neumonía. Estando bastante enfermo en el momento del concierto no quiso suspenderlo por nada, y actuó tocando el bajo.
Horas más tarde perdió el conocimiento y entró en coma, lamentablemente con resultado a la vista. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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HACE 75 AÑOS… EL MAGO DE LA FANTASÍA LLEGABA A URUGUAY

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

WALT DISNEY ARRIBA AL PUERTO

Arribó al Puerto, acompañado de su esposa, en medio de una gran promoción de la mano de Bernardo Glücksmann de la poderosa empresa Glücksmann, una de las principales exhibidoras, líder de salas cinematográficas, y de películas por Montevideo, propietaria -entre otros- del Cine Trocadero, de la Avda. 18 de Julio y Yaguarón. El estreno del filme animado “Fantasía” era inminente en la capital, y el gran mago de los dibujos, la creatividad y las emociones, estaba de gira por América Latina.
En principio solamente visitaría Argentina, luego Brasil, entonces pasaría por Uruguay; ahí fue cuando la compañia tejió las redes e hizo todos los contactos para que llegara a nuestro país, para la premiére del largometraje en el Trocadero.
Así fue que Walt Disney, el ideólogo de tantas caricaturas y obras maestras, pisó suelo compatriota para estar por estos lares durante algunos días, que le sirvieron para acudir al estreno, firmar infinidad de autógrafos, tomarse fotos con admiradores y prensa en general y hasta vestirse de gaucho, tomando mate y comiendo asado!…
Aunque cueste creerlo, todo eso ocurría a esta altura del mes, pero de 1941. Hace 75 años atrás.

FIGURA CAPITAL EN LA HISTORIA DEL CINE
Walter Elias “Walt” Disney, había nacido en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1901, y se destacó con los años como productor, director, guionista y animador de la pantalla. Genio absoluto de sus realizaciones.
Aunque al principio le costó, fue de a poco mejorando, hasta considerarlo un verdadero ícono internacional -sobre todo para un público pequeño- que lograra notoriedad con múltiples personajes, estilo Mickey Mouse y Pato Donald, entre tantos. Fundador de Walt Disney Productions, siendo durante años la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento por el orbe. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, es una empresa multimillonaria con ingresos anuales de decenas de miles de millones de dólares. En un principio Walt había creado varias compañías de animación, con algunos trabajos, pero no tuvo fortuna, por el contrario llegó varias veces a la bancarota. Luego de vender su cámara, con cuarenta dólares en su cartera y “Alice’s wonderland”, una película animada sin terminar viajó a California. El filme no funcionó demasiado, hasta que luego de idas y venidas Walt creó a Mickey Mouse, y el primer largometraje animado de lengua inglesa y el primero en technicolor, distribuido en 1938: “Blancanieves y los siete enanitos” por RKO. Fue la cinta de mayor taquilla de ese año, logrando ingresos de 8 millones de dólares -de aquel momento- en su estreno.
El éxito de “Blancanieves” permitió a Disney construir unos nuevos estudios en Burbank, que se inauguraron el 24 de diciembre de 1939. En 1940, los estudios produjeron otra dos películas largas: “Pinocho” y “Fantasía”.

“FANTASÍA” EN SISTEMA FANTASOUND
“Fantasía” disparó un costo de casi tres millones de dólares, usando canales de audio en sistema Fantasound, haciendo una de las primeras cintas con sonido estereofónico. La obra está compuesta por siete secuencias que ilustran ocho fragmentos de piezas de música clásica, arreglados y dirigidos por el director de orquesta Leopold Stokowski, e interpretados por la Orquesta de Filadelfia. Lamentablemente, “Fantasía” no alcanzó el éxito habitual de las producciones de Walt, ya que la Segunda Guerra Mundial” impidió su estreno en Europa, y la escasez de salas preparadas para la reproducción idónea de la película, supuso que las recaudaciones de los primeros años fueran pequeñas. Hasta 2012, “Fantasía” logró más de 83 millones de dólares de dividendos. Distinguida con “Special award” por New York Film Critics Circle Awards, 1939, dos Oscar honoríficos en 1941, “National film preservation board” – National Film Registry, 1990, “Video Premiére Award” Best DVD Overall Original Supplemental, 2001, y “Best DVD Overall Original” – Jhon Best, 2009.
EN TROCADERO y REX THEATRE

En 1941, y con la presencia “en vivo” de Walt Disney en la propia sala, y con varias delegaciones escolares previamente invitadas, se proyectó por vez primera “Fantasía”. Hubo cierre de calles en pleno centro, y largas colas para ver a Walt de cerquita. Fue en una tarde gris, donde las marquesinas brillaron, otorgando color en la pantalla grande y un sonido fabuloso, inusual hasta ese momento. Disney y su comitiva quedaron sorprendidos ante tanta efusividad del público que lo acompañó a todo momento en la tourneé montevideana. El tiempo le sobró al vendedor de emociones y sentimientos, para visitar al Presidente de la República, aceptar reportajes con varios periódicos y C X 14, y la revista “Mundo Uruguayo”, que realizó una magnífica cobertura, titulando “Walt Disney” y sus colaboradores imagineros estuvieron en Montevideo”, y pasear “sin seguridad” por las principales arterias de Palermo, Cordón y del Centro, del brazo de su esposa. Eran otros tiempos, más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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JIMMY FONTANA: DEL JAZZ A LA MÚSICA LIGERA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“EL MUNDO”, SU GRAN HIT DE TODOS LOS TIEMPOS

Fue uno de los grandes cantantes de la música ligera italiana. Muy buen intérprete, entonando con el corazón, excelente cantautor creando dos hits de los cuales se hicieron muchísimas versiones: “Il mondo” y “Che sará”. A fines de los cincuenta y comienzos de los sesenta se hizo muy popular en los veranos por sus canciones románticas y sentimentales, que de alguna manera casi siempre estaban en los Festivales de la Canción de San Remo, y en todos los programas shows de la RAI. Integra una lista de solistas que marcaron a fuego una época muy recordada de la península: Doménico Modugno, Peppino di Capri, Edoardo Vianello, Nico Fidenco, Johnny Dorelli, Luigi Tenco, Sergio Endrigo, entre otros.
Sus comienzos fueron en el jazz pasando más tarde a lo que sería su conocido estilo a partir de ese momento, para jamás apartarse de él. Se llamó Enrico Sbriccoli, Jimmy Fontana de manera artística.
NACIDO EN CAMERINO, MACERATA, ZONA DE PAISAJES
Enrico nació en Camerino, provincia de Macerata, en el centro de Italia, zona de paisajes hermosos e interesantes eventos, el 13 de noviembre de 1934. Su familia al poco tiempo se trasladó a Roma, y luego de finalizar la primaria se dedicó a estudiar economía y contabilidad, mientras que aprendía a tocar el contrabajo. Una vez que conoció el instrumento y pudo manejarlo, se inició en el canto tomando clases con un profesor amigo de sus padres.
Con el tiempo se dedicaría por completo a la música.
Al principio, se metió de lleno en el jazz, dictando cátedra por sus muy buenos conocimientos.
Inmediatamente, comprendió que lo suyo estaba en el plano romántico con baladas que llegaban al corazón, así adoptó el nombre de Jimmy Fontana, tomando en parte el nombre de uno de sus ídolos, Jimmy Giuffre, músico norteamericano de avanzada, y el apellido Fontana lo sacó de la guía telefónica. En el lineamiento del jazz, formó su propia banda, Fontana y su Trío; piano, bajo y batería, él cantando. En ese ínterin conoce a Leda, que más tarde se convertiría en su esposa, teniendo con ella cuatro hijos: Luigi, Roberto, Andrea, y Paola.
CARRERA COMO SOLISTA
A fines de los años cincuenta, Jimmy llega a la música ligera y arranca con su carrera en solitario. Su primer suceso fue “Diavolo” -“Diablo”- que lo coloca en el tercer lugar en el Festival de Barcelona. Con su tema “Bevo” -“Beba”- en 1960, obtiene el Burlamacco Gold, un concurso en Viareggio. Su primera participación en el Festival de San Remo llegó en 1961 con “Señora luna”, escrito por Armando Trovajoli y Dino Verde. Su primer sencillo con RCA es “No te ne andare”, publicado en 1963, compuesto por Gianni Meccia y Lilli griega. En 1965, Fontana logra su mayor éxito con “Il mondo” -“El mundo”- una pieza compuesta por Fontana y Carlo Pes, y arreglado por el maestro Ennio Morricone, con letra de Gianni Meccia , que llegó al top de las listas en Italia, muchos países europeos y casi toda América Latina, en castellano. El mismo año, hizo su debut como actor, apareciendo en dos filmes de estilo netamente musical, “Della Viale canzone” -” Avenida de la canción “- y “008 Operazione ritmo” -“008 Operación ritmo”- que logran gran taquilla en Italia.
“LA MIA SERENATA”
“La mia serenata” se convierte en el disco del verano en Italia en 1967, y en el “Cantagiro”, 1969, presenta “La nostra favola”, versión italiana del tema del “Tigre de Gales”, Tom Jones, de título original “Delilah”. Un año después logra un nuevo hit con “L’amore non è bello (se non è litigarello)”, cortina del espacio televisivo “Signore e signora”, con Delia Scala y Lando Buzzanca. Luego de un impasse en los setenta, regresa con “Identikit”, en 1979, presentación de la serie tv “Gli invincibili”, que obtiene un discreto éxito, confirmado con “Beguine”, que es lanzada en el Festival de San Remo, 1982.
En los años posteriores forma la banda “Superquattro”, junto a Gianni Meccia, Nico Fidenco y Riccardo Del Turco, con los que participó en muchos espacios de la televisión italiana. Fontana además fue autor de numerosas canciones, a dúo con Gianni Meccia, para su voz y para las de otros artistas: el tema más conocido es “Che sarà”, que popularizaron José Feliciano y el grupo Ricchi e Poveri en el Festival de San Remo de 1971.
UNA GIRA DE 5.000 KILOÓMETROS
Lamentablemente, Jimmy Fontana dejó de existir en Roma, el 11 de septiembre de 2013, a los 78 años. Su hija, Andrea Sbriccoli, por medio de la agencia Ansa, desmintió la noticia que apuntaba como causa del fallecimiento, una larga enfermedad de su padre. El deceso se produjo de manera imprevista durante “Una gira de 5.000 kilómetros por toda Italia, con conciertos siempre repletos de gente que lo quería mucho.
El último recital fue en Terni el domingo 8 de septiembre; nos esperaban el sábado 14 en nuestra región, las Marcas, día en que desgraciadamente celebramos su funeral. Su fallecimiento se debió a una súbita fiebre alta provocada por una infección dental…” Más allá de la nostalgia.
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YE, YE, LOS BEATLES OTRA VEZ

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

«OCHO DÍAS A LA SEMANA», COMO EN SUS MEJORES TIEMPOS
Los fanáticos de los genios de Liverpool continúan creciendo en todos los sitios. Pasaron más de cincuenta y tantos años de aquella «Beatlemanía» por la década de los sesenta, y los seguidores de John, Paul, George y Ringo, aumentan en forma considerable. No hay más que colarse en las redes sociales para comprobar todo eso. Teniendo en cuenta este notable seguimiento por parte del gran público hacia los músicos británicos, aparece en escena un nuevo documento que refleja los años de la banda en vivo: 1962-1966. Se trata de «The Beatles Eight days a week – The touring years», una película que se mete de lleno en los shows, las giras, la llegada a Estados Unidos, las conferencias de prensa, enseñando imágenes, algunas conocidas y otras que jamás se vieron, algo que transforma al largo-metraje, de 97 minutos de duración, en una verdadera rareza, con notable sonido y visualización perfeccionada a éstos tiempos digitalizados. «Eight days a week» -«Ocho días de la semana»- de inminente estreno en Uruguay, es una realización del director Ron Howard, editada por Paul Crowder, distribuída por Studio Canal. Su lanzamiento fue en Alemania, e Inglaterra el pasado 15 de septiembre, contando con la presencia de Paul McCartney y Ringo Starr, y con excelentes comentarios de los presentes en la avant-premiére. Un día más tarde la primera función se hizo en USA.
DESDE EL CAVERNCLUB Y SHEA STADIUM
La cinta fue producida con la colaboración de McCartney, Starr y las viudas de John y George: Yoko Ono Lennon y Olivia Harrison. Además de dirigir el documental, Ron Howard también hace la producción junto a Brian Grazer, Nigel Sindair, y Scott Pascucci, bajo libreto general de Mark Monroe. Se muestra al cuarteto en el Cavern Club, quien lo hizo mundialmente famoso por sus presentaciones ahí. En realidad la banda llegó al Cavern apenas había regresado de tocar en Hamburgo, Alemania, donde por las noches hacían su música en el bar-club Indra y el Kaiserkeller alrededor de ocho horas por noche y madrugada, los siete días de la semana. Durante 1962 realizaron cientos de actuaciones en el Cavern Club, y las imágenes lo testimonian. Más adelante en la cinta existen más muestreos de los shows, pasando por el célebre recital veraniego del Shea Municipal Stadium -hoy demolido- en Flushing, barrio de Queens, en Nueva York, que otorgaron «los genios» el 15 de agosto de 1965. Considerado uno de los conciertos más famosos de la época, fue el primero que se realizó en un estadio al aire libre, estableciendo récords de asistencia y recaudación. Más de 55.000 personas vieron a The Beatles en el Shea, con un sonido tan ensordecedor que ninguno de los cuatro músicos o alguna otra persona podían escuchar. Así y todo se vivió uno de los puntos más altos de la «Beatlemanía» con muchas jóvenes gritando, llorando y hasta desmayadas, también esto seguido por «The Beatles Eight days a week – The touring years», 2016.
CANDLESTICK PARK, SAN FRANCISCO: ÚLTIMO CONCIERTO
The Beatles ofrecieron su último concierto en directo el lunes 29 de agosto de 1966 en Candlestick Park de San Francisco.
Marcó el final de un período de cuatro años dominado por extensas tournés que incluyeron cerca de 1.400 apariciones en recitales a nivel internacional. En esta última gira el grupo había tenido una serie de inconvenientes y dificultades que venían de unas declaraciones de John Lennon, quien había dicho que «Los Beatles son más populares que Jesucristo…», el comentario pasó desapercibido en el Reino Unido pero al otro lado del Atlántico comenzaron a haber demasiadas dificultades y hostilidades por parte de los medios de prensa estadounidenses.
En ese ambiente, y luego de pedir disculpas John por sus dichos, dieron el recital ante 25.000 personas, con una duración de casi 33 minutos, estando entre sus temas: «If I needed someone», «Day tripper», «Baby’s in black», «I feel fine», «Yesterday», «I wanna be your man», «Nowhere man», «Paperback writer», «Long tall Sally».
Sería ésta la última actuación de la banda en vivo, también muy bien registrada por el largo metraje, de la mejor manera.
TESTIMONIOS Y ARCHIVOS
«The Beatles Eight days a week – The touring years», 2016, brinda testimonios, canciones, y archivos espectaculares restaurados digitalmente en resolución 4K, además de sonido remasterizado por Giles Martin, hijo del productor de Los Beatles, George Martin. La película en si examina a Lennon, McCarney, Starr y Harrison y su impacto entre los fans generando todo un fenómeno no solamente musical, sino social y cultural. Más allá de la nostalgia.
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BRYAN FERRY: EL INGLÉS DE CANTO SUAVE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SOÑANDO CON LA MÚSICA
En épocas de estudiante ya soñaba con la música.
Así fue que entre clases y libros, se fue interiorizando de los sonidos, hasta que creó un excelente grupo y luego se lanzó en solitario, concretando destacados hits en las pizarras de ventas y popularidad por el mundo.
Dueño de una voz especial, de canto suave pero muy bien llevado, se hizo dueño de canciones románticas que fueron llegando al gran público, y que hasta el día de hoy mantienen vigencia, confirmando su calidad indiscutida. Es más, en los considerados old hits, sus interpretaciones están siempre presentes. Además de músico y cantautor es a veces actor desempeñando algunos papeles interesantes. Se llama Bryan Ferry.

NACIÓ UN DÍA COMO EL DE HOY
Llegó a este mundo un día como el de hoy pero de 1945, así es que Bryan Ferry, nacido en Washington, Tyne y Wear, Reino Unido, está cumpliendo sus 71 años. El tiempo ha pasado y este gran exponente comienza su carrera en The Banshees, una agrupación rockera, en momentos que concurría a la universidad.
Quiso el destino que en ese tiempo conociera a Richard Hamilton, un artista que luego iniciaría el movimiento British Pop Art, algo que sería determinante para muchos conjuntos británicos de aparición posterior, inclusive para el propio Bryan.
Posteriormente llegó a The City Blues y luego a Gas Board, un grupo de lineamiento soul junto a Graham Simpson, y John Porter, con quien a fines de los setenta forma Roxy Music junto con otros amigos.
Roxy Music unió un pop rebelde con mezcla de rock, viéndose fortificado por la actividad teatral que había empezado a realizar el propio Bryan Ferry.
La Roxy también registraba un agitado sonido de sintetizador ejecutado por Brian Eno, haciéndose característico en los temas. Con el paso del tiempo, incorporarían otros géneros: new romantic, punk, disco, new wave, y más, colocando el primer suceso “Virginia plain”, continuando muchos más que lograron impactar por la voz de Bryan y el sonido original de Eno.
De esta forma Bryan Ferry se erige en el líder del número.
Se suceden: “Let’s stick together”, “The price of love”, “River of salt”, “Baby I don’t care” y “A hard rain’s a gonna fall”, entre otros, algunos versionados con estilo Roxy Music.

SOLISTA: A PEDIDO DE LA GRABADORA
En 1973 Bryan ya había comenzado su carrera en solitario a pedido de la grabadora, y lo estaba haciendo en forma paralela con la agrupación, debutando con el álbum “These foolish things” y un año más tarde “Another time, another place”.
En 1976 aparece el disco “Let’s stick together”, cantando la canción de los Beatles, “She’s leaving home”, para el documental “All this and world war II”.
No fue hasta 1977 que finalmente Bryan Ferry compuso un álbum para un trabajo en solitario, grabando “In you mind” con un par de éxitos como “This is tomorrow” y “Tokyo Joe”.
Posteriormente, se produce un período de siete años en el que Bryan no graba ningún álbum, y se casa con Lucy Helmore.
Tras esta última producción, vuelve a unirse a Roxy Music para registrar: “Manifesto”, 1978, “Flesh and blood”, 1980, y “Avalon”, 1982.
En 1983, Bryan Ferry retorna a su carrera en solitario. En 1985 aparece “Boys and girls”, álbum con el que logra situarse en la primera ubicación del Reino Unido, incluyendo sus hits “Slave to love” y “Don’t stop the dance”, lanzamientos que marcarían su categórico estilo.

OTRO REGRESO A ROXY MUSIC
“Bete Noire” sería su producción para 1987, un álbum muy particular lleno de inspiraciones de muy buen contenido. Más tarde, habrá un impasse hasta 1993, momento que graba junto a Brian Eno, “Mamouna”. Después, “Dance with life”, “As time goes by”, hasta que regresa otra vez a Roxy Music en el año 2001 en adelante grabando en estudio y haciendo shows por distintos lugares. En 2006 registra temas de Bob Dylan en el álbum “Dylanesque”, el cual se lanza en marzo del 2007. Bryan Ferry fue pareja de Jerry Hall, Lady Emily Compton y Katie Turner, y de su matrimonio con Lucy Helmore en 1982 existen cuatro hijos: Otis, Isaac, Tara y Merlin.
Separado de Lucy, se casó con Amanda Sheppard, 38 años más joven que él, después de salir con Isaac, hijo del cantante. La pareja duró poco más de año y medio, para luego irse cada uno por su lado.
Más allá de la nostalgia.
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LA ESCUELA DE “LOS FATTO” & COMPAÑÍA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DIERON CLASE A DOMICILIO

A mediados de la década de los sesenta llegaban a Buenos Aires para dar una prueba en un estudio de grabación, propiedad de EMI, una de las fonográficas más vendedoras de discos en ese momento en la vecina orilla. En la sala tocaron varios temas, y los directivos del sello quedaron admirados ante tanta calidad interpretativa y condiciones musicales del cuarteto.
Ya habían llegado noticias al gerente de la compañía que en Punta del Este estaban actuando, sorprendiendo a los bailarines por su ritmo bien llevado. Inmediatamente, junto a su padre -uno de ellos era menor- y su manager estamparon el contrato con EMI Odeón. Se trataba de Los Shakers, que con su estilo “Beatlemaníaco” pero con personalidad absoluta, el sello de la banda, irrumpían en la escena artística argentina.
Tarjeta de presentación: “Rompan todo”, un hit hasta el día de hoy.
Registraron infinidad de simples y tres álbumes.
Fueron populares en América.
En ese momento, no existían músicos tan preparados como ellos, más allá de su juventud, por el Río de la Plata.
Su lanzamiento fue determinante para el posterior desarrollo de la movida joven; donde ellos sonaban se llenaba de otros músicos -algunos en formación en ese momento siendo el verdadero espejo para forjar nombres que en un futuro serían muy virtuosos.
Eso fue reconocido por el propio Litto Nebbia, Charly García, o Luis Alberto Spinetta, entre otros.
Hugo y Osvaldo Fattoruso, acompañados por Roberto “Pelín” Capobianco y Carlos “Caio” Vila, eran buenos de verdad, y abrieron una escuela a domicilio a través de sus shows, que eran contemplados por una generación musical que estaba ahí a punto de llegar. Nacía el “beat” en español.

LITTO NEBBIA y LOS GATOS SALVAJES

Corría el año 1965 y en el programa televisivo “Escala Musical” de los domingos al mediodía por Canal 13, hacían su número Los Shakers, estaban ahí recién llegados desde Rosario, “Los Gatos Salvajes”. Su líder Litto Nebbia, adoraba la musicalidad de “Los Fatto”, haciéndose además amigo de ellos.
Apreciaba como tocaban, sus instrumentos, su forma de grabar. Así, en 1967, la agrupación logrando un cambio de nombre a “Los Gatos”, lanza en el lado b de un simple RCA, el tema que se constituiría en emblema del aquel “beat” en castellano: “La balsa”, vendiendo 250.000 placas en primera instancia. El suceso abrió la puerta para que el rock se cantara en español.
“Viento, dile a la lluvia”, su segundo éxito daría más fuerza al conjunto, y el movimiento en sí continuaría creciendo.
“Los Gatos” en aquel momento estaban integrados por Litto Nebbia en voz y armónica, Kay – guitarra, Ciro Flogiatta en teclados, Alfredo Toth – bajo, y Oscar Moro en batería.

“MUCHACHA OJOS DE PAPEL”

Luis Alberto Spinetta, un músico diferente en todo sentido, también se manifestaría admirador incondicional de “Los Fatto” y su escuela. En 1967, luego de ver y escuchar la grabación de varios de los temas de “La conferencia secreta del Toto’s Bar” el tercer LP de Los Shakers en el estudio de grabación, formaría “Almendra”, grupo conformado por Spinetta, en guitarra y voz, Edelmiro Molinari – guitarra y coros, Emilio del Guercio en bajo y coros, y Rodolfo García – batería. Su álbum Almendra I fue considerado por la publicación Rolling Stone, como el sexto mejor del rock argentino, en tanto que su segundo material Almendra II fue colocado en la posición cuarenta. El tema de Spinetta, “Muchacha ojos de papel”, según la revista es la segunda mejor canción de todos los tiempos del rock argentino, y la 28 de Latinoamérica. “Almendra”, es otro fundador del rock argentino en español.
Luis Alberto Spinetta dejó de existir el 8 de febrero de 2012 en Buenos Aires, a raíz de una enfermedad incurable. Fue músico, cantante y poeta.

MANAL: BLUES & ROCK

Muy cerca de “Los Gatos” y “Almendra”, se encontraba por ese sitial, el trío “Manal”: Alejandro Medina como bajista, voz y teclados, Claudio Gabis – guitarra, armónica, piano y teclados, y Javier Martínez – batería y voz. Fueron también seguidores de “Los Fatto”, señal de que su escuela seguía funcionando.
“Manal” ejecutaba blues y rock también en castellano con adaptaciones rioplatenses.
En el escenario lograban impactar con fuerza y nivel. Teniendo en cuenta su conformación se les comparaba con Jimi Hendrix o con Cream de Eric Clapton. Sus grabaciones se realizaron en el sello independiente Mandioca, quien también sugirió el nombre de Manal, quedando como tal. En la primera etapa de su existencia 1968-1971- la mayoría de los temas interpretados por el trío fueron compuestos por Javier Martínez. Se hicieron referentes en su género.

CHARLY, UN FIEL ALUMNO

Se acercaba asiduamente a “Los Fatto” -él lo declaró alguna vez- para pedirles cigarrillos, ver cómo tocaban e intercambiar alguna idea. Carlos Alberto García Moreno, “Charly”, nació el 23 de octubre de 1951 en Buenos Aires, y hoy está considerado una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina, por su talento y personalidad.
Ideólogo de “Sui Generis”, “Serú Girán” y “La máquina de hacer pájaros”, mantiene una amplia carrera como solista. Con 41 discos grabados, más otros participando como músico invitado de diferentes artistas y épocas, García es considerado uno de los íconos del rock en español.
Hoy, cuando se encuentra con Hugo Fattoruso, tratan de juntarse, tocar juntos, compartir una comida y recordar un pasado que aún está ahí…
Más allá de la nostalgia.

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JOHNNY CASH: EL LEGADO DEL COUNTRY

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CREO SU PROPIO GENERO

Fue uno de los principales exponentes del movimiento country en toda su historia, creando su propio estilo y manera de tocar.
Un referente gigante de su movimiento.
Cantautor de todos los lineamientos musicales, excelente guitarrista, y hasta actor en filmes y series. Le agradaba el rock and roll y también lo ejecutaba a la perfección, habiendo grabado y realizado presentaciones con el gran Elvis Presley. Poseedor de un registro de voz profundo que lo identificaba, junto a su destreza en la viola, realizando giras por todo el territorio norteamericano, solo o con su banda realmente se constituyó en único y original, vistiéndose con ropa bien oscura valiéndole el apelativo de “El hombre de negro” -“The man in black”- Al empezar sus recitales repetía siempre su frase de cabecera “Hello i’m Johnny Cash!”… “Hola soy Jhonny Cash!”… y el público lo ovacionaba.

EN ARKANSAS NACIÓ EL VIRTUOSO

Johnny J. R. Cash llegó a éste mundo el 26 de febrero de 1932, en Kingsland, Arkansas, Estados Unidos. Hijo de Carrie Cloveree y Ray Cash, Johnny tenía seis hermanos, y cuando se alistó en la Fuerza Aérea Norteamericana en la segunda guerra mundial no le permitieron usar las iniciales como su primer nombre, por lo que inmediatamente lo cambió a John R. Cash. En 1955 cuando firma con la fonográfica Sun Records, toma Johnny Cash, como su nombre artístico definitivo. Sus hermanos: Roy, Margaret Louise, Jack, Reba, y Joanne, no participaron en la música. El único fue Tommy, quien también se convirtió en un exitoso artista del disco.
En los primeros años de Johnny, marzo de 1935, su familia se instaló en Dyess, Arkansas, para trabajar en los campos de algodón.
Al tiempo la granja se inundó de agua por el mal tiempo reinante con lluvias y tormentas en varias ocasiones, eso lo inspiró a Johnny para escribir varios temas: “Five feet high and rising”, fue uno de ellos.
Ante ésta adversidad que vivieron los suyos, más otras dificultades, lo continuaron desarrollando en sus propias composiciones que se generaron ante tales circunstancias.
Pronto, Cash pasa la mayoría de su carrera en las rutas. Desde sus primeros contratos con discográficas hasta el último con el sello American Records.
Fue viajando por todas las carreteras de Estados Unidos y parte de Canadá realizando sus tournées.
Fue la diferencia en los años cincuenta, ya que él y los demás componentes de su banda Tennessee Three, viajaban en el largo Plymouth modelo 1954 utilizando -además- la valija para llevar la instrumentación en general. El ritmo de la vida estaba ahí por las rutas, y a veces se sumaban familiares en la gira.

UN COMPOSITOR DE TALENTO

Gran parte de la música de Cash se hizo en las últimas etapas de su carrera. Entre sus composiciones más conocidas figuran “I walk the line”, “Prison blues folsom”, “Anillos de fuego”,”Get rhythm” y “The man in black”. También participó de números humorísticos, “A boy named Sue”; un dúo con su futura esposa, June Carter, llamado “Jackson” -seguido por muchos otros duetos después de su matrimonio- y “Hey, Porter”, “Orange blossom special” y “Rock island line”.
Cerrando su etapa artística, en metálica de varios artistas de rock finales del siglo veinte, más notablemente “Hurt” de Nine Inch Nails.
Curiosamente, algunos de sus temas más conocidos son covers de otros artistas, pero versionadas con un estilo, llevando su sello por todas partes. A lo largo de su historia registrando discos vendió casi noventa millones de álbumes en sus cincuenta años de carrera.
Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en el “Salón de la Fama”, en el “Salón de la Fama de Rock and roll, del Country y de Compositores de Nashville”.
Recientemente ha sido incluido en el “Salón de la Fama del Gospel”, donde se encuentra también Elvis Presley.

A 13 AÑOS DE SU PARTIDA

Johnny Cash dejó de existir el 12 de septiembre de 2003, a los 71 años, por complicaciones de diabetes, hace 13 años atrás.
Su esposa durante 35 años, June Carter Cash, falleció cuatro meses antes, el 15 de mayo de 2003 a la edad de 73 años.
Según comentó el propio Cash, antes de su muerte June le animó a que siguiese trabajando, algo que el músico cumplió, llegando a completar más de sesenta grabaciones en sus últimos cuatro meses de vida. Incluso llegó a ofrecer varios conciertos en The Carter Family Fold, en las inmediaciones de Bristol, Virginia. Sus hijos son: Rosanne, Kathy, Cindy, Tara, y John Carter Cash. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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DEBUTÓ EN “EL AMOR TIENE CARA DE MUJER”… EL ADIÓS DE ÉRIKA WALLNER

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“MISS TELEVISIÓN” EN 1957
Desde principios de los años sesenta trabajó casi en forma continuada, manteniendo así más de cincuenta años de actividades en cine, teatro y más que nada en televisión, cuando debuta en 1964 en la siempre recordada novela “El amor tiene cara de mujer” de Nené Cascallar, quien la llama para que encarne varios papeles que le servirían en un futuro como trampolín para otro tipo de desempeños. La mayoría de las veces, encarnaba a una dama refinada, de selectos modales, poseedora de una singular belleza, admirada por hombres y mujeres. Sus tan bonitos ojos verdes, su cabello rubio, su figura y su voz particular hacían eco en la pantalla, ante la mirada de los espectadores. Llenó salas teatrales y cinematográficas, participó de tiras de alto rating, y hasta se la vio fotografiada en diferentes fotonovelas, éxito de otrora de revistas de la época. Exactamente, en 1957, con 16 años recién cumplidos, se presenta en varios canales argentinos para estar en el evento “Miss Televisión”, donde es coronada; ya tenía el pase para la elección de “Miss Argentina 1958″, pero lamentablemente no pudo participar por ser menor de edad. En el futuro se dedicaría a la actuación. Era el comienzo de la historia de Erika Wallner por los medios.
“SE LUCIÓ DESDE MUY JOVEN…”
Nacida en Buenos Aires como Erica Frauwallner, el 2 de septiembre de 1941, estaba próxima a cumplir sus 75 años, cuando el destino no lo quiso así. Se fue antes, el pasado viernes 26 de agosto de 2016, en una tarde gris de lluvias y tormentas, dejando de existir ante una insuficiencia renal que padecía en los últimos tiempos. Ante esa causa permanecía internada en el centro médico bonaerense La Providencia, pero nada se pudo hacer por su salud algo deteriorada. Su actividad fue en este caso hasta sus últimos días, y por esa razón abandonó el elenco de la obra “La casa de Bernarda Alba”, una adaptación del clásico de Federico García Lorca, dirigido por José María Muscari, siendo reemplazada por Edda Díaz; título que aún se mantiene en cartel en la calle Corrientes. La despidieron con honores, sus compañeros, el gran público, y la Asociación Argentina de Actores: “Se lució desde muy joven en sus trabajos en cine, televisión y teatro. Junto a su marido Carlos Estrada conformaron una de las parejas más populares del mundo artístico. Estaba afiliada a la Asociación Argentina de Actores desde hace 49 años. Nuestras condolencias a sus familiares, amigos y compañeros de trabajo”.
PRIMERO EN CINE
Luego de ese periplo por pasarelas de belleza, Erika Wallner estudió actuación y empezó en la pantalla grande, como una diva de la nueva corriente. Logró su primera estelarización en el filme “Héroes de hoy”, en 1960, dejando notable impresión en productores y directores asociados. Ello le permitió que Emilio Vieyra le permitiera rodar varios largometrajes en el género musical, con los cantantes populares del momento: “La novia” junto al chilenísimo Antonio Prieto, en 1961, “La novela de un joven pobre” con Leo Dan, y “Che, OVNI”, las dos de 1968, y “Simplemente una rosa” y Leonardo Favio, en 1971. En el estilo picaresco: “El gran crucero”, 1970, “Hay que parar la delantera”, y “Esposa y amante”, en el cine español, ambas de 1977, “La isla” y “El fausto criollo”, 1979, y en el rubro policíaco “Un guapo del 900″, 1971, una cinta dirigida por Lautaro Murúa sobre su propio guión escrito en colaboración con Néstor Gaffet, según la obra de teatro homónima de Samuel Eichelbaum, estrenada el 30 de septiembre de ese año, donde se lucen Jorge Salcedo, Lautaro Murúa, Chunchuna Villafañe, China Zorrilla, y la propia Erika Wallner. En los ochenta, su vida profesional continuaba con “Correccional de mujeres”, 1986, en el lineamiento del suspenso, policial y erótica, dirigida por Emilio Vieyra, con Julio de Grazia, Edda Bustamante, Tony Vilas, Mónica Villa, Thelma Stéfani, y Erika, protagonizando el papel de jefa de narcóticos. El film está basado en un hecho real y logró diversas distinciones.
EN TV OBTUVO MUCHOS SUCESOS
En 1964 llegó “El amor tiene cara de mujer”, realizando más adelante las diferentes versiones: “Cuatro mujeres para Adán”, 1966, y “Cuatro hombres para Eva” 1984, por Canal 9 Libertad, lo mismo hizo en Telefe donde trabajó con Andrea del Boca en la telenovela “Celeste”, 1991, y en su continuación “Celeste siempre Celeste”, 1992. Junto a Narciso Ibáñez Menta en Canal 9 en “El hombre que volvió de la muerte”, 1969. También compartieron pantalla en “El sátiro”, 1969, y “El pulpo negro”, 1985. En el mismo año, “Sin querer queriendo”, y “Libertad condicionada”. En 1993 estaría en “Amanda”, 1983, con Libertad Lamarque, quien retornó a a la Argentina después de estar radicada en México. Para la empresa Pol-ka grabó en el año 2004 la superproducción de época “Padre Coraje”, que narraba la historia de un bandido rural de los años cincuenta. Más allá de la nostalgia.
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LUISINA BRANDO: LA CALIDAD DE UNA ACTRIZ

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

ENTRE IDIOMAS y BAILES, TOCABA EL PIANO

Nacida el 10 de diciembre de 1945 en el barrio residencial de La Paternal de Buenos Aires en las cercanías de la vieja sede social del Club Argentinos Juniors, hija de una ama de casa que hacía las veces de modista, y un reconocido peluquero de ese momento, a Luisina desde chica le tiraba la actuación, tal es así que siendo una niña jugaba a las actrices con algunas de sus amiguitas vecinas. Mientras concurría a la escuela de la zona, estudiaba idiomas con una profesora, y también concurría a clases de piano y baile, considerada una muy buena alumna. Con pocos años en su haber, deseaba ser distinta y llamar la atención, pero no contaba con mucho tiempo para hacerlo, tenía muchas actividades de acuerdo a su edad. Debutó danzando en un viejo programa de televisión, tocando “castañuelas” de por medio, y desde ahí en más practicamente no se detuvo realizando actividades en teatro, tv, y cine, siendo distinguida en infinidad de ocasiones con reconocimientos “a la mejor actriz”, otorgados por los críticos argentinos y por reconocidos festivales de cine internacionales.

“TELECOMICOS” y MARRONE: CON QUINCE AÑOS

Luego de diplomarse en escuelas actorales, y de haber pasado por el espacio “La edad de los sueños”, en Canal 7, Luisa Noemí Gnazzo, tal el nombre de Luisina Brando, hace apariciones triunfales en dos grandes ciclos humorísticos de la pantalla chica: “Telecómicos” en Canal 9, y “Los trabajos de Marrone” por Canal 13, ambos ciclos del año 1960, siendo llamada posteriormente, con sus juveniles 16 años, para integrar el elenco de “Viendo a Biondi”, en Canal 13, junto a José “Pepe” Biondi, uno de los cómicos de moda por ese entonces en el Río de la Plata, ya que su programa se emitía también por Montecarlo TV Canal 4 de Montevideo, los viernes a la noche. Ante ese buen despliegue desarrollado en la tele, llegaría su primera película en 1964, fue también del género humor, junto a Jorge Porcel -integrante de “La Revista Dislocada” de Delfor, televisivo reidero- “El gordo Villanueva”, donde -además- Los Wawancó, conforman los estelares de una trama llevadera, simpática y de carcajadas. Cinco años más tarde, en 1969, participa de “El bulín”, de Salvador Valverde Calvo, con Norman Briski, Beatriz Bonnet, Susana Campos, Jorge Porcel, entre otros, en 1970 “Puntos suspensivos”, un filme de Edgardo Cozarinsky según su propio guión, quien tardaría un año en filmar la cinta, ya que lo hacía con una cámara prestada durante los fines de semana. En 1973, actuaba en “Paño verde”, de Mario David, junto a Carlos Estrada, Luis Brandoni, Julia von Grolman y Héctor Alterio, realizando el papel de “Chola”-

“BOQUITAS PINTADAS” y “LOS GAUCHOS JUDÍOS”

Luisina, iniciaría la década del setenta en la televisión, con muy buenas participaciones en las tiras “Alta Comedia” por Canal 9 Libertad, “Una vida para amarte” en Canal 13, y “Malevo” – Canal 9. Paralelamente, en la gran pantalla daría sus mejores pasos hasta ese presente: “Boquitas pintadas”, 1974, y “Los gauchos judíos”, 1975. “Boquitas pintadas”, dirigida por Leopoldo Torre Nilsson, bajo su propio guión, con producción de Juan Sires, se estrenó el 23 de mayo de 1974, siendo el primer protagónico de la actriz, junto a Alfredo Alcón. Por otra parte “Los gauchos judíos” es una cinta dramática dirigida por Juan José Jusid y estelarizada por Pepe Soriano, Víctor Laplace, María Rosa Gallo, China Zorrilla, y Luisita Brando. Escrita por Ana María Gerchunoff, Jorge Goldenberg y Oscar Viale, quienes adaptaron el libro homónimo de Alberto Gerchunoff, sobre la inmigración judía a la provincia de Entre Ríos, Argentina. Producida por Leopoldo Torre Nilsson, con música de Gustavo Beytelman y fotografía de Juan Carlos Desanzo. Se estrenó el 22 de mayo de 1975 en Argentina, en 1976 en Nueva York y en 1980 en Alemania. Por ese entonces, Luisina, ya se encontraba en un muy buen momento de su carrera profesional.

“DE ESO NO SE HABLA” CON MARCELLO MASTROIANNI

En sus próximas piezas cinematográficas se destacan: “Señora de nadie”, 1982, “Noches sin lunas ni soles, 1984″, “Hay unos tipos abajo”, 1985, “El año del conejo”, 1987, “¿Dónde estás amor de mi vida que no te puedo encontrar?”, 1992, “De eso no se habla” con Marcello Mastroianni, 1993, “No te enamores de mí”, 2012, su última realización, entre otras. En televisión: “El teatro de Norma Aleandro”, 1973, “Juan sin nombre”, 1982, “Los gringos”, 1984, “Atraverse”, 1990, “Como vos y yo”, 1998, “Los buscas de siempre”, 2001, “Amas de casa desesperadas”, 2006, “Herencia de amor”, 2009, y su última aparición: “Doce casas, historia de mujeres devotas”, 2014, entre tantas producciones. Estuvo casada con el director Juan José Jusid, con quien tuvo al compositor y pianista Federico Jusid -1973- quien ha compuesto música para importantes films argentinos: “El secreto de sus ojos” y más. En 1982 empieza un romance con el actor Carlos Calvo hasta 1988. Actualmente vive en pareja. Entre 1990 y 1996 dirigió su propia escuela de teatro. Más allá de la nostalgia.

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LA BANDA SONORA DE TU VIDA

MÁS SENTIMENTALES QUE DE COSTUMBRE

Ante la proximidad de “La Noche de los Recuerdos” o “La Noche de la Nostalgia”, nos vamos poniendo más sentimentales que de costumbre.
Y aunque uno no lo quiera empezamos a evocar épocas pasadas, desde la niñez en adelante. Va más allá de la música o de los oldies, que nos hacen pensar qué hacíamos en determinado momento al compás de esos sonidos.
Desde que lo escuchaábamos por la radio, en un viejo pasadiscos, en el equipo de audio, en el auto, o donde sea, en

Bailemos otra vez twist con Chubby Checker

Bailemos otra vez twist con Chubby Checker

forma de vinilo, cassette, o en disco compacto, que a propósito días pasados estuvo de cumpleaños, celebrando su lanzamiento mundial.
Si habrán caído rápido las hojas del calendario, que todo eso ya va quedando atrás, ahora se oye en la pc, en el celular o en el diminuto pendrive, que si no prestás atención o sos precavido, se te pierde en cualquier instante, debido a su minúsculo tamaño.
Pero, sin irnos del tema, son aquellas canciones, aquellos éxitos, aquellas historias que uno tiene, y que muchas no puede olvidar. Es la propia banda sonora de tu vida la que te invade, y te transporta a rememorar un tiempo pasado donde no se si fue mejor, pero sí que hubo dicha, felicidad, y por qué no, momentos de los otros.
Nos quedamos con los mejores instantes, con los más alegres, y entretenidos que nos tocó en suertes disfrutar. De eso se trata.

UN CAPITÁN QUE JUGABA A LOS VAQUEROS

Era un divertente capitán que estaba acompañado por un “boy scout” a quien llamaban Siemprelisto. Ambos tenían un parentesco familiar: tío y sobrino que con sus diabluras y locuras protagonizaban una tarde sumamente llevadera y entretenida en la tele. Fue una costumbre llegar de la escuela y poder ver las andanzas del tan querible “Capitán

Album de cromos de Marisol

Album de cromos de Marisol

Cañones”, de vaquero luchando con los indios, o emitiendo a “Los tres chiflados”, mientras merendábamos con alguna torta casera que hacía mamá Brígida acompañada por un vascolet caliente. ¡Me parece verlo! Quizás a ustedes les pasó algo parecido. Es que era un botija y tenía muchos amiguitos, nos reuníamos en una placita, ahí jugábamos a la pelota, pero no teníamos la oficial, que íbamos a tener, eso era inconseguible, le pegábamos a la de plástico o de goma, y hacíamos partido en la calle, quince contra quince, no había tantos y tantos autos como ahora. Nos divertíamos sanamente, más allá de romper algún vidrio o de hacer irritar a Doña María porque la pelota fue a parar a la azotea. Y también nos quedaba tiempo para jugar a la bolita, con “el piojito, la favorita, y el bochón” haciendo “chanta y cuarta”, o juntar “Donald Campeón”, con lo que venía después con las figuritas, “el sapito” o “la tapadita”, y la tan conocida “arrimadita”, la que estaba primero les ganaba a las demás. Hasta me acuerdo del álbum “Un rayo de luz” de Marisol con unos cromos en colores que se vendían en sobres por los kioscos. También estaban “el trompo” o “el balero”, pero decididamente eso no era mi fuerte.

BILLIKEN, DOMINGOS ALEGRES, PATORUZÚ e ISIDORO

El Agente de CIPOL en Domingos Alegres.   2

El Agente de CIPOL en Domingos Alegres

Acaso no recordás las revistas de ese momento. Billiken, de aparición semanal, mi padre me la traía cuando salía de trabajar, acompañado de un chocolatín Águila; eso si me portaba bien. Los “Domingos Alegres” de chistes con “Henry”, “Lassie”, “Rin Tin Tin”, “Furia”, “Jim de la Selva”, “El agente secreto de C.I.P.O.L.”, “Mi marciano favorito”, “Paquita la traviesa”, “El señor Magú”, “Paco Perico” y muchos títulos más. Hasta que aparecieron “Patoruzú”, “Isidoro”, con sus andanzas y locuras, “Anteojito”, “El Tony”, las de guerra, o tantas otras. Fui seguidor de aquellos números llamados extraordinarios de muchas páginas. Más adelante, el cine me atrapó con sus matinés, continuados y estrenos.
Hoy me considero amante del cine de antes, que se crió hasta con el olor del celuloide de las latas de película, es que vivía frente a un cine. Si estaba aburrido me entretenía en su sala. Ví cintas de todos los colores, nacionalidades, argumentos, y grandes producciones de larga duración. Y cuando veo “Cinema Paradiso” se me eriza la piel, porque bien podría ser, humildemente, una partecita de mi vivir infantil.

LOS DISCOS DE CHUBBY CHECKER

Cuando me tiré para el lado de la música, fue por una de esas grandes casualidades. Yo no tenía tocadiscos, ni tampoco combinado -de aquellos grandes que lo reunían todo en el gabinete- radio, tocadiscos, etc. pero un amigo un poco mayor que yo sí tenía y le gustaba. Ahí conocí los long-play y los tenía frente a mí. Recuerdo que ponía “Bailemos otra

El Castillo de Lancelot

El Castillo de Lancelot

vez twist” de Chubby Checker y alguno de Ray Charles. Ya adolescente estudiaba y trabajaba y me compré por fin el tan ansiado pasadiscos.
¡Qué placer!… Ya podía tener mis discos y además escucharlos… La pasión por este “hobby” llámemosle de esa manera, no se detuvo ahí, me fui para las radios y bueno… Mil historias hasta el día de hoy. Recordando cosas muy puntuales, carátulas de LP’s como por ejemplo la de Los Beatles y “Sgt. Pepper Lonely Heart’s Club Band”, Creedence C. Revival y “Willy and the poor boys” y “The wall” con Pink Floyd. Y esto me trae reminicencias de los boliches de la época cuando íbamos a bailar juntitos, caso “Zum Zum”, “La Cachila”, “A baiuca”, “Zorba” de Solymar, “Ton Ton”, “Sunset”, y el siempre recordado “Lancelot”. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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LAFAYETTE: LAS MANOS MÁGICAS DE LA JOVEN GUARDIA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

ELEGIDO POR ROBERTO CARLOS
Muchos se estarán imaginando a un mago de verdad sacando conejos de la galera; es un mago sí, pero de los teclados. Hace muchos años que está brindando notables versiones de temas de éxito, de manera instrumental donde la base es el sonido de un teclado Hammond B-3. Sus inicios fueron en la “Jovem Guarda” -“Joven Guardia”- un movimiento cultura brasileño surgido a mediados de los sesenta, que mezclaba música, baile y moda. Todo lo reunía, en shows, programa de tv, discos, y más. El espacio televisivo emitido por Pela TV Record, de San Pablo, presentado por el mismísimo Roberto Carlos, conjuntamente con Erasmo Carlos y Wanderléa, permite el origen a una nueva corriente musical en territorio norteño. Allí comienza a presentarse este notable tecladista, con su conjunto, y también acompañando a los principales valores que allí participaban. Elegido por Roberto Carlos para ser su orquesta en la grabación de tres temas que hicieron historia en su momento: “Que se vaya todo al infierno”, “No quiero verte triste”, y “Enamorado de la novia de un amigo mío”. Se llama Lafayette Coelho Varges Limp, más conocido como Lafayette, en infinidad de discos LP editados.
MÚSICA FUNCIONAL POR LAS GALERÍAS
En esos años que Lafayette comenzaba a editar su material fonográfico por Brasil y otros sitios de América, inclusive Uruguay, los oyentes comentaban el buen sonido logrado por aquel órgano monumental. Lógico que eran otros tiempos, de locales comerciales de flamantes galerías que inauguraban en el centro de Montevideo, y la última moda era hacer oír música instrumental llamada “música funcional” por aquel entonces en los “parlantes” instalados a tales efectos, para acompañar las compras de los clientes. En ese perfil se escuchaban a Caravelli, Paul Mauriat, Percy Faith, a Ray Conniff, y a Lafayette. Eran las primeras emisoras de FM que iniciaban su transmisión, Boreal y Río de la Plata, donde buena parte de la jornada lo hacían con este formato. Pasaron casi cincuenta primaveras.
TIJUCA, ROCK BLUE JEANS y SAMBRASA
En Río de Janeiro, Brasil, el 11 de marzo de 1943, llegó a este mundo Lafayette. Tiene actualmente 73 años, y con solo 5 sus padres lo enviaron a una academia cerca de su casa para tomar clases de piano con la profesora Nair Bevilacqua Barroso Netto, y luego por Ziliah Moura Brito, ambas pertenecientes al Conservatorio Nacional de Música. Se recibió de pianista con todos los honores, y diploma incluido, declarando públicamente “Me encanta el rock and roll…”. Ante tal afirmación, sus propios progenitores se sorprendieron, ni imaginando por equivocación que su futuro estaría en el órgano. Así pasa por determinados grupos: Matoso, Tijuca compuesto por Wilson Simonal, Roberto y Erasmo Carlos, Tim Maia y Jorge Ben, e inmediatamente, forma Rock Blue Jeans, en las que participa como pianista, exclusivamente. Pero, el suceso llegaría de la mano de Grupo Sambrasa, ya como organista y sus propios arreglos.
Exactamente en mayo de 1964 Erasmo Carlos lo contrata para tocar el piano en una de sus grabaciones. Lo debe tocar en el órgano Hammond que está en el estudio, experimentando con el instrumento. A Erasmo le agrada el resultado, y termina aceptando el sonido de órgano que logra Lafayette, en lugar del piano.
MÁS DE 40 ÁLBUMES
Luego de los registros con Roberto Carlos, graba más de 40 álbumes con infinidad de artistas de aquella movida: Renato y sus Blue Caps, Golden Boys, Martinha, Jerry Adriani, Wanderléa, Sergio Reis, J. Neto, Ze Ramalho, entre otros, siendo designado el organista titular de la Joven Guardia. Para muchos hasta el día de hoy, el sonido de ese movimiento no hubiese sido lo mismo sin Lafayette y su órgano maravilloso, siendo en Brasil el primero en introducirlo en la música popular. 1965 es el año exacto cuando el músico empieza a versionar hits en su teclado lanzando sendos LP’s bajo el título “Lafayette presenta los éxitos”, en la etiqueta CBS. Lleva lanzandos más de ochenta discos por todo el mundo.
EN ACTIVIDAD, ININTERRUMPIDAMENTE
Absolutamente consagrado en su estilo, es distinguido con varios discos de oro por superventas. Algunos de sus álbumes más seguidos son “Lafayette interpreta a Roberto Carlos”, “Lafayette eterno rey de bailes” y “Lafayette internacional”. Haciendo giras por América Latina con su conjunto, deja de grabar a mediados de los ochenta, para unirse a Os Tremendoes, en 2004; y en el 2009 forma Lafayette Big Band, dedicándose a la música latina pop. Jamás dejó de presentarse en vivo con su banda en Brasil, y hoy se le considera uno de los organistas más importantes del mundo en relación a su gigantesca discografía. Sus discos vendieron miles de copias en todo el orbe. Más allá de la nostalgia.

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MEL FERRER: DE BAILARÍN A DIRECTOR DE TEATRO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

ACTOR DE REPARTO EN GRANDES PELÍCULAS
Su gran sueño era convertirse en actor, pero el destino deseó que comenzara como bailarín. Más adelante sería mucho más que eso. Luego de acomodarse en la fase actoral en determinados filmes, su carrera continuaría como director y productor teatral y cinematográfico. Antes, manifestó una vocación, la de conducir y programar espacios radiales por diferentes broadcastings. Todo lo realizó muy bien, y en cuanto a algunas de sus cintas, destaquemos “La caída del imperio romano”, “Guerra y paz”, “El día más largo del siglo”, y una de las más queridas: “Lili Marleen”, de 1980, una realización alemana que resultó ser una de las más caras de la historia en ese país, ya que costó casi once millones de marcos, basada en un fragmento de la autobiografía de Lale Andersen -1913-1972- cuya carrera como cantante estuvo ligada siempre a la clásica canción “Lili Marleen”, que trataba sobre dos amantes que frente a la puerta de un cuartel deben decirse hasta siempre. En el verano de 1937, Mel Ferrer ya se había convertido en un actor adolescente, siendo toda una promesa.

MELCHOR GASTÓN FERRER ES MEL FERRER
Mel Ferrer nació bajo el nombre de Melchor Gastón Ferrer en Elberon, Nueva Jersey, Estados Unidos. Hijo de un emigrante cubano -de ahí sus nombres y apellido- José María Ferrer -1857-1920- un capacitado doctor, una autoridad en neumonía, jefe de médicos del St. Hospital Vicente de Nueva York, y de su esposa estadounidense Mary Matilda Irene O’Donohue -1878-1967- siendo ésta, hija de un acaudalado hombre de negocios de Nueva York, Joseph J. O’Donohue, fundador de la Brooklyn-Nueva York Ferry. En ese entorno, llegó al hogar Melchor Gastón, teniendo tres hermanos. Su hermana mayor fue la Dra. M. Irene Ferrer, cardióloga y educadora, dejando de existir en Manhattan en el año 2004, a los 89 años. Su hermano, el Dr. José M. Ferrer, nacido en 1912, era cirujano, falleciendo en 1982 a los 70 años. Su otra hermana, Terry Ferrer, fue la editora principal de The New York Herald Tribune y de la revista Newsweek. Melchor se educó en la escuela privada Bovée de Nueva York, y en la academia Canterbury de Connecticut, antes de acudir a la Universidad de Princeton, donde se quedó hasta segundo año, momento en que se retiró para dedicar más tiempo a la actuación. También trabajó lanzando un pequeño diario de Vermont, escribiendo un libro para niños, de Tito Sombreros, Garden City Publishing, en el año 1940.

DISC-JOCKEY EN TEXAS y ARKANSAS
Siendo estudiante universitario fue destacado por una obra teatral con “Theatre Intime”. Frances G. Pilchard, su pareja protagónica en la realización, luego se convertiría en su primera esposa, desde 1937 a 1939. A los 21 años, debutó como bailarín en Brodway, pero cayó con poliomielitis, trabajando luego como disc-jockey en Texas y Arkansas, y hasta la realización de una novela en México. En el séptimo arte logra trascender en sus comienzos con “Lost Boundaries”, más tarde con “Encubridora” de Fritz Lang, con Marlene Dietrich, y la musical “Lili” junto a Leslie Caron. Después llegarían “Scaramouche”, “Los caballeros del Rey Arturo”, “Rancho Notorius”, “Oh… Rosalinda!”, “Fiesta”, “La pícara soltera”, “Encuentro en París”, y “El señor de La Salle”. También fue llamada desde la Madre Patria, participando en dos largometrajes de Marisol, la estrella española: “Cabriola” -siendo el director- y “La chica del molino rojo”, como actor. En 1966 encarnó al pintor El Greco en una coproducción europea, y en 1974 participó en el filme italiano de terror “El Anticristo”. De manera paralela fue invitado a participar de varias series de televisión, “Columbo” y “El crucero del amor”. Ya en la década de los ochenta tuvo un papel cada vez más relevante en las tres primeras temporadas de “Falcon Crest”.

SE CASÓ CINCO VECES
La primera fue Frances G. Pilchard, con Bárbara C. Tripp -1940-1943-
nuevamente con Frances G. Pilchard -1944-1950- con la bella Audrey Hepburn -1954-1968- y por último Elizabeth Soukutine -1971-2008- Teniendo cinco hijos con ellas: Pepa Phillippa -1941- Mela -1943- Mark Young Ferrer -1944- Christopher Ferrer -1944- y Sean H. Ferrer -1960-
Mel Ferrer dejó de existir por un paro cardíaco en Santa Bárbara, el 2 de junio de 2008, a los 90 años de edad. Más allá de la nostalgia.

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A 45 AÑOS DE “CONCIERTO PARA BANGLADESH”

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

GEORGE HARRISON, EL ORGANIZADOR

Los genios de Liverpool ya se habían disuelto y George Harrison arrancaba como solista, quien estaba realmente seguro de ese emprendimiento. Tras las sombras de Paul McCartney y John Lennon, George publica casi todo su material que había acumulado durante los últimos años en su esperado proyecto “All things must pass”, su primer álbum triple. El lanzamiento supuso un impactante debut para su carrera en solitario.
El disco considerado uno de los álbumes más arreglados por un ex-Beatle en su despegue como líder, alcanzando el primer lugar en las listas británicas y norteamericanas, incluyendo los sencillos “My sweet lord”, “Isn’t it a Pity”, y “What is life”, que se coló entre los diez primeros puestos de los charts.
También Harrison es el el primer ex-Beatle en organizar un concierto benéfico. Fue en el Madison Square Garden de Nueva York, a manera de dos recitales reuniendo casi 40.000 almas, con el fin de recaudar fondos ante la absoluta miseria de los refugiados en la antigua Pakistán del Este, hoy Bangladésh.
Se llamó “Concierto para Bangladesh” -“Concert for Bangladesh”- y ocurrió el 1o. de agosto de 1971, siendo todo un acontecimiento. Fue hace 45 años.

RAVI SHANKAR DIO UNA GRAN MANO

El gran recital de George Harrison, ayudado por Ravi Shankar, un músico indio hindú conocido mundialmete `como virtuoso del sitar, a quien Los Beatles adoraban, reunió figuras de la categoría de Eric Clapton, Bob Dylan, Jin Keltner, Billy Preston, Leon Russell, Ringo Starr, Klaus Voorman, y los propios Harrison y Shankar.
El brillante espectáculo comenzó a las siete de la tarde de aquel 1o. de agosto, es considerado uno de los conciertos benéficos mas importantes de toda la historia por los artistas que se reunieron. El álbum del concierto fue lanzado en el mismo año 1971, y la película se estrenó en 1972, saliendo después en vídeo. En el 2005 apareció el DVD incluyendo un documental. Se recaudaron unos 244 mil dólares que se entregaron a UNICEF.
Los beneficios recaudados entre el vídeo y el DVD, todavía se siguen entregando a UNICEF por la Fundación de George Harrison. Entre los amigos que Harrison había planeado que acudieran se encontraban John Lennon y Paul McCartney.
Lennon se mostró de acuerdo en acudir a la cita sólo en el caso de que él invitara formalmente al concierto a su esposa, Yoko Ono.
Al no haber planeado su participación y tampoco querer que lo hiciera, Lennon declinó su asistencia.
Asimismo, Paul McCartney aludió como excusa que era muy pronto para una reunión de The Beatles teniendo en cuenta los problemas legales del momento.
Del grupo, el único que aceptó la invitación fue Ringo Starr.

LA PELÍCULA COMBINA LOS DOS CONCIERTOS

Los dos conciertos fueron grabados y filmados, para un álbum, para una película y un videocassette, con Phil Spector.
La cinta estrenada en 1972, combina imágenes de ambos recitales, con las preferencias mostradas por Harrison en relación a la calidad de las interpretaciones.
El filme se abre con la conferencia de prensa que brindaron Harrison y Shankar para la promoción del evento. Allí, se observa a un periodista con una interrogante: “¿Cómo es que ha seleccionado éste sitio para realizar algo, con todos los problemas que existen en el mundo?”… Harrison inteligente respondió rápidamente “Porque fui invitado por un amigo para ver si podía ayudar, eso es todo”…
Acto seguido se muestran los exteriores del grandioso Madison Square Garden, con un cronista de televisión, entrevistando a los seguidores de estos artistas que esperaban el comienzo del recital.
Concert for Bangladesh” se inicia con un verdadero recital de música india a manos de Ravi Shankar y Ali Akbar Khan, con unas palabras del maestro hindú.
Al cabo de unos minutos, ambos músicos procedieron a afinar los instrumentos durante al menos noventa segundos.

RINGO STARR y JIM KELTNER EN DOS BATERÏAS

Posteriormente, George Harrison da comienzo al recital de rock, rodeado de una multitudinaria banda, incluyendo dos baterías, en ellas Ringo Starr y Jim Keltner, Leon Russell en el piano, Billy Preston en teclados, dos guitarras principales, Eric Clapton y Jesse Ed Davis, miembros del grupo Badfinger en las guitarras rítmicas, una sección de instrumentos de viento y vocalistas.
En el escenario del Madison, George interpreta “My sweet lord”, “Beware of darkness”, con Russell, “Wah-wah”, “Awaiting on you all”, “While my guitar gently weeps”, “Here comes the sun”, “Something” , “Bangladesh” y “Hear me lord”.
Ringo Starr toca junto a Billy Preston su tema “It don’t come easy”. Fuera del estadio los revendedores se hacen “la América” pidiendo desde 50 a 600 dólares para un boleto simple que realmente costaba siete dólares y medio.

APARICIÓN EN DVD

“Concierto para Bangladesh” en su aparición como DVD, está compuesto por dos discos, el primero es un documental inédito sobre el concierto y el segundo es una edición mejor lograda de la película original.
En el documental se entrevistó a Ravi Shankar, a Eric Clapton, a Ringo Starr, a Billy Preston entre otros, ofreciendo el recuerdo que tiene cada uno sobre el concierto. El evento se emitió vía satélite a todo el mundo por lo que se estima que tuvo una audiencia de mil quinientos millones de personas, llegando en directo a cien países.
Más allá de la nostalgia.

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DUILIO MARZIO: UN ACTOR CON CLASE

LLAMADO POR RECONOCIDOS DIRECTORES

Fue uno de los grandes actores argentinos de todos los tiempos. Por sobre todo tenía clase, y realmente lucía versatilidad para ejecutar diferentes papeles. Era simpático, alegre, de presencia elegante dijeran las damas, y hasta inteligente para moverse en los sets de filmación. Iniciando una ruta entre sus pares, fue de los que más apareció por marquesinas de teatros y cines en las décadas de los cincuenta y sesenta, llamado por reconocidos directores, al estilo de Lautaro Murúa, Leopoldo Torre Nilsson, Raúl de la Torre, Lucas Demare, Julio Saraceni, Daniel Tinayre, Fernando Ayala, Luis Puenzo, entre otros. page
Rodó casi cincuenta películas, otras tantas obras de teatro y participó en cantidad de teleteatros, realizando giras con elencos que recorrieron Argentina toda, Uruguay y muchos países de América. En los setenta se perfeccionó en Actor’s Studio de Estados Unidos, desarrollando más carrera, cubriendo casi sesenta años de permanencia en las actividades artísticas.
Se llamó Duilio Marzio.

ALAN WARREN, EL CANTANTE DE LA JAZZ

Duilio Marzio o Duilio Bruno Perruccio La Stella, según dice su DNI, nacido en Buenos Aires, el 27 de noviembre de 1923, hijo de inmigrantes sicilianos, provenientes de una familia ligada a la música, se inició en los primeros años de los cuarenta conformando la Jazz San Francisco, cantando bajo el nombre de Alan Warren. Más tarde integró un elenco universitario experimental.
Mientras estudiaba Derecho y trabajaba en un estudio jurídico, se inscribió en un curso que dictaba Antonio Cunill Cabanellas, donde también estaba Pepe Soriano. El puntapié en la pantalla grande lo dio con un breve papel en “Fin de mes” de Enrique Cahen Salaberry, y más tarde en “Días de odio” y “La tigra”, solicitado por Leopoldo Torre Nilsson.
En 1955 rodó junto a Zully Moreno un episodio de “El amor nunca muere”.
Recibió una distinción como “Mejor actor de reparto” por su labor en “El jefe” con Alberto de Mendoza y Orestes Caviglia y “El candidato” con Alfredo Alcón y Olga Zubarry.
En 1958 llegaría “En la ardiente oscuridad” de Daniel Tinayre junto a Mirtha Legrand, Lautaro Murúa, Élida Gay Palmer, María Vaner, Leonardo Favio y Luisa Vehil y en 1959 “La caída” de Leopoldo Torre Nilsson sobre la novela de Beatriz Guido, con Elsa Daniel.
“LA ESPADA DE IVANHOE”: EN ITALIA

Entre sus filmes, muchos se destacan: “En la ardiente oscuridad”, 1959, “El candidato”, 1959, “Sábado a la noche, cine”, 1960, “Plaza Huincul” (Pozo uno), 1960, “Un guapo del 900″, 1960, “Huis Clos” (a puerta cerrada), 1962, “Operación G”, 1962, “Paula”, de Fernando Ayala, con Susana Freyre, 1963, “Primero yo”, 1964, “Extraña ternura”, 1964, “Turismo de carretera”, 1968, “El fuego del pecado”, 1974, “La Raulito”, 1975, “Pobre mariposa”, 1986, “Matar es morir un poco”, 1988, “Guerreros y cautivas”, 1989, “La peste”, 1991, “Tres pájaros”, 2001, “La sombra de Jennifer”, 2004, “Las manos”, 2006, “De quién es el portaligas”, 2007, “Horizontal/Vertical”, 2008, “Silencios”, 2009, “La cacería”, 2012. En 1964 hizo en Italia “La espada de Ivanhoe”, que nunca llegó a estrenarse. En teatro participó de “La gata sobre el tejado de zinc”, con Francisco Petrone, “Gigi” junto a Susana Freyre, “My fair lady”, “La real cacería del sol”, “Becket”, “Alfa-Beta”, “Luz de gas”, “La escalera”, “Plaza suite”, “Mi adorado embustero”, “Trampa para un hombre solo”, “Trampa mortal”, “Equus” con Miguel Angel Solá, “El proceso de Mary Duggan”, “Un domingo en Nueva York”, “Indiscreta”, “Al fin y al cabo es mi vida”. Los ciclos televisivos: “Show Rambler”, “Alta comedia”, “Las chicas”, “A orillas del gran silencio”, “Malevo”, “Navidad en el año 2000″, “Los cien días de Ana”, “Una voz en el teléfono” y “Corazones de fuego”, y varios más se engalanaron con su presencia.

A TRES AÑOS DE SU IDA

A comienzos de los setenta emigró a Estados Unidos por varios años, donde además de estudiar con Lee Strasberg, realizó tournés por universidades con unipersonales, y se le brindó la ocasión de conocer a Marilyn Monroe, con quien compartió una linda charla en un bar de Nueva York. Al respecto, una vez Marzio dijo: “Era tan linda, sencilla y natural, que inspiraba ternura…”. En 2003 la Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina le entregó el premio Cóndor de Plata a la trayectoria. Fue Mejor Actor 2009, distinción ACE. Una sus pasiones fue ayudar en lo que podía al gremio, así fue Presidente de la Asociación Argentina de Actores, entre los años 1964-1968. Duilio Marzio dejo de existir el 25 de julio de 2013 a la edad de 89 años en Buenos Aires, a causa de un paro cardiorrespiratorio.
En el mes de junio el actor había sido sometido a un bypass coronario con resultados satisfactorios.
Ocurrió hace tres años. Más allá de la nostalgia.

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LAS TRILLIZAS DE ORO: CUMPLEAÑOS Nº. 56

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DE LA MANO DE “PIPO” MANCERA

Paulina Rousse, una ama de casa, y su esposo Oscar Fernández, un empleado de banco, jamás imaginaron tener trillizas, y mucho menos que serían tan famosas hasta el día de hoy. El talento de las tres muchachas no se hizo esperar y ya de pequeñas lucieron por sendero propio.
Chiquilinas lindas, simpáticas y con condiciones, las hizo grabar Ben Molar -1915 -2015- un conocido compositor, productor musical y promotor artístico que las llevó junto a sus padres a registrar el contrato para las que serían sus primeras grabaciones, para su sello Fermata, en 1969.
Un año antes, en 1968, habían debutado con tan sólo 8 años en su haber, en el long-show periodístico musical “Sábados Circulares” bajo la producción y conducción de José Nicolás “Pipo” Mancera -1930-2011- un pionero de la televisión argentina. Recibió – y condujo largos reportajes – en su programa a los personajes más famosos de la época, como Marcello Mastroianni, Sean Connery, Alain Delon, Sophia Loren, María Félix, Simone Signoret, Pelé, entre otros y allí cantaron Sandro, Serrat, Palito Ortega, Raphael y todos los cantantes internacionales que se presentaban en Argentina. Así nacerían de la mano de Mancera, “Las Trillizas de Oro”.

LAS TRES MARÍAS

El 5 de julio de 1960 -hace 56 años atrás- en Buenos Aires, Argentina, llegaban a este mundo: María Laura, María Emilia y María Eugenia Fernández Rousse, hermanas trillizas a quienes muchos también llamaron “Las tres Marías”.
Primero sus familiares, luego los amigos, y más tarde el público en general, asistieron al crecimiento de las chicas en torno a la música y el baile, hasta llegar a constituirse en “Las Trillizas de Oro”, nombre por el cual se les conoce hasta la actualidad, teniendo en cuenta que son trillizas de cabello rubio.
Cuando las pequeñas contaban con cuatro años de edad recién cumplidos, se iniciaron en el mundillo de la pantalla chica, haciendo pequeños comerciales. Pero las pibas deseaban también cantar y allí fueron sus progenitores en busca de un profesor de cultura musical y desarrollos vocales, que ni bien conoció las condiciones innatas de Laura, Emilia y Eugenia, comentó inmediatamente que llegarían muy pero muy lejos. El maestro se jugó y no se equivocó.
En esa época “Las Trillizas” observaban mucha tele, sus padres las llevaban al cine, y admiraban alguna obra infantil.
Eran cosas de niñas, pero ese movimiento artístico las ayudó a perfilarse cada vez más de lleno en su amor al canto vocacional.

BEN MOLAR LAS LANZA A LA FAMA

Moisés Smolarchik Brenner, conocido como Ben Molar, fue una de las figuras claves de la difusión del tango y de la producción fonográfica de la vecina orilla entre los años cincuenta y setenta. Siendo el propietario del sello Fermata, estuvo relacionado con el lanzamiento y en algunos de los casos la creación de movimientos de música popular y vernácula como también la traducción, adaptación y difusión de Maurice Chevalier, Neil Sedaka, Los Beatles, Los 5 Latinos, Paul Anka y otros, en el ámbito latinoamericano. Entre los exponentes argentinos pueden mencionarse a Mercedes Sosa, el elenco de “El Club del Clan”, Los Abuelos de la Nada o Las Trillizas de Oro, a quienes les tenía un afecto muy especial, grabándoles discos simples y LP’s durante años: “Las Trillizas de Oro”, “Carta a los astronautas”, “Si vas para Chile”, “Obladí Obladá”, “Con un beso, mamá”, “Las Trillizas de Oro cantan las nuevas canciones de Palito Ortega y Ben Molar”, en 1969; un año después en 1970, “Un elefante color ilusión”, tema central de la película del mismo nombre, “Ra-Ta-Ta”, 1971, “Pochoclo” y “La canción del Lalala”, 1972, “Una cuna para mamá”, 1973, y “El titiritero vagabundo” y “Quiero recorrer mi ciudad”, en 1974, cerrando en ese año su vinculación con Fermata.

DEBUT EN EL CINE

En el cine debutaron con “Un elefante color ilusión”, 1970, “El tío disparate”, 1978, “Me olvidé de vivir, todos los días un día” junto a Julio Iglesias, 1978, “Que linda es mi familia”, 1980, y “Las vacaciones del amor”, 1981; largometrajes que no hicieron otra cosa que reafirmar el suceso del trío que además por ese tiempo logró posicionarse en tv con determinados especiales donde las tres son presentadoras, en algunos de los casos cantando sus temas. Luego de la discográfica Fermata, firman con Sony, CBS, Arfon, Music-Hall, Distribuidora Belgrano Norte, Júpiter, DBX Récords, Microfón, con material que se edita en Alemania, Japón, España, Venezuela, Estados Unidos y toda América Latina, recorriendo esos lugares con muchos shows. Su última producción pertenece al año 2013, llevando por título: “Trix great”.

UNA FAMILIA NUMEROSA

El tiempo también les dio para su vida personal, constituyendo una familia numerosa.
Las tres se enamoraron de polistas. María Emilia se casó en 1981 con Clemente Zavaleta, con quien tuvieron a Emilia -21/02/1983- Clemente -3/12/1985- y Sonia -17/10/1989- “Mili” está casada con Santiago Di Benedetto, con quien tiene dos hijos, Belisario -8/05/2011- y Carlota -24/10/2013- María Eugenia contrajo nupcias en 1982 con Horacio Laprida y tuvieron a María Eugenia -11/06/1984- Horacio -12/05/1987- Laura -12/03/1990- y Pilar -6/11/1992- “Geñi” está casada con César Bustos, con quien tiene dos hijos: César -22/10/2007- y Cala -12/01/2013- María Laura se casó en 1983 con Ernesto Trotz, naciendo Bárbara -23/02/1985- Paulina -30/06/1986- y Ernesto Jr. -5/09/1989- Bárbara está casada desde 2007 con Tomás García del Río, con quien tiene una hija llamada Paz -27/09/2009- y Paulina está casada desde 2012 con el rugbier Gonzalo Tiesi con quien tuvo un hijo llamado Gonzalo -26/05/2014- Ambas hijas tuvieron un hijo más cada una, de los cuales aún no han trascendido sus nombres. Mientras tanto “Las Trillizas de Oro” con sus 56 recién cumplidos lucen espléndidas.

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A 13 AÑOS DE SU MUERTE… BARRY WHITE: LA VOZ QUE INMORTALIZÓ LOS OLDIES

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

IMPRESCINDIBLE DE LA NOSTALGIA

´Muchos lo llaman “El negro de oro”.
Con esa voz varonil y a la vez sensual que transmite una magia en su música. En un estilo distinto, atrapante, estilo Barry White.
Con cien millones de discos vendidos, por sus 26 LP’s, y otros tantos singles que ocuparon el tan difícil número uno de las pizarras de éxito Billboard en USA en tres oportunidades. Figurando en el lugar No. 47 entre los artistas que más placas han vendido en la historia -ranking realizado en 2010- con tres distinciones Grammy, y reconocimientos por doquier, al influjo de variados temas que se erigieron en himnos totales: “Babe”, “You’re the first”, “My everything”, “Can’t get enough of your love” y “The last”, entre otros. Practicando el género R&B y soul, con características especiales por su timbre de voz, se manifestó acompañado por su banda multitudinaria Love Unlimited Orchestra, de muchas cuerdas, grandes arreglos y peculiares coros.
Barry White, no solamente es imprescindible en las veladas románticas, es un súper-clásico de la nostalgia.

BARRENCE EUGENE CARTER

Barrence Eugene Carter, quien más adelante sería Barry White, llegó a este mundo el 12 de septiembre de 1944, en Galveston, en el estado de Texas, siendo hijo de madre soltera.
Se crió en el seno de una familia pobre, junto a su hermano Darryl en Los Ángeles, exactamente en el llamado ghetto negro, difícil sitio de alto riesgo por delincuencia y crímenes.
En ese entorno, y a la edad de 15 años, Barrence, es encarcelado con su hermano durante dos meses por el robo de neumáticos de automóviles.
Inspirado por la tonada de “It’s now or never” de Elvis Presley, que escucha en la cárcel, decide hacer una nueva vida con otras costumbres que no tenía. Desde muy chico penetra en la música ya que su madre tocaba muy bien el piano y le enseñó algunos ejercicios de escalas antiguas.
Más tarde, cuando comenzó a cantar en el coro de una parroquia bautista, se ofreció para tocar el piano, haciéndolo de manera perfecta. Inmediatamente, se hace director del coro y empieza a pensar en convertirse en cantante profesional.
Y rápidamente genera pasiones en la entrega de sus canciones.
La música lenta y sus respectivos bailarines -en pareja y bien juntos- lo tendrán y lo distinguirán siempre entre lo más llamativo de su expresión.

GENE PAGE, ARREGLADOR DE L.U.O.

Durante la década del sesenta registra varios singles con su nombre real y como integrante de los “Upfronts”, los “Atlantics” y los “Majestics”. Sin embargo, su mayor hit llega como productor de artistas como Felice Taylor y Viola Wills. Definitivamente, en 1969, Barry White crea el trío Love Unlimited.
Este título lo tomaría posteriormente para dar nombre a su grupo de acompañamiento, Love Unlimited Orchestra, una banda estelar de músicos clásicos, pero de aires renovadores. El terceto Love Unlimited era integrado por Diane Taylor, Glodean James -quien se convirtió en su segunda esposa en 1974- la hermana de esta última Linda, cuyo primer impacto llegó de la mano de Barry en 1972 con “Walkin’ in the rain with the one love”, consiguiendo la posición 14 en Billboard Hot 100, y número 6 en el chart R&B. La canción se destaca en el primer álbum producido por Barry White, “From a girl’s point of view we give to you”. Para éste número ideó la gigantesca orquesta de cuarenta profesores Love Unlimited O.
Aunque él mismo dirigía y creaba las melodías a tocar, fue su gran amigo y arreglador Gene Page quien se encargó de darle a L.U.O. un sonido bien clásico mezclado de particularidades rítmicas de excepción.

SE CONVIERTE EN UNA CELEBRIDAD

En 1972, Barry White produce y escribe los arreglos para la nueva producción de la banda.
La balada soul “Walking in the rain -With the one i love”- que fue un hit y se posiciona en el Top 20 de los rankings. La agrupación pegaría con más sucesos a través de la década del setenta.
Mientras trabajaba en algunos demos para grabar con una voz masculina, la fonográfica le sugiere que sea él quien interprete sus propios temas.
Esta decisión lo lleva a obtener prestigio y renombre con una buena serie de baladas. Las melodías lo convierten en una celebridad, motivo por el cual el 20 de setiembre del 2004, es introducido en el “Dance Music of Fama”, en una gratísima ceremonia celebrada en Nueva York. Junto con sus presentaciones como solista, Barry también se dedicó a ofrecer su voz para algunos comerciales y series de tv, como “Los Simpsons”.
También se le ofreció ponerle canto a un personaje de South Park, ya que fue él la inspiración para la figura del “Chef” de la serie, pero no aceptó.

A 13 AÑOS DE SU MUERTE

En el otoño del 2002, su enfermedad crónica de presión alta se deteriora y se transforma en un fallo renal que lo forzó a retirarse de la escena pública, a la espera de un transplante.
Se le practicó un tratamiento con diálisis, pero su organismo no pudo resistir el impacto de ambas enfermedades.
Finalmente, el 4 de julio de 2003, a la edad de 58 años, a las 9 de la mañana, fallece en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Hollywood.
Barry White fue un artista único en su perfil. Más allá de la nostalgia.

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JACK LEMMON, UN COMEDIANTE DE LUJO

DOS OSCAR DE LA REAL ACADEMIA

La comedia del cinema se vistió de fiesta con Jack Lemmon.
Tenía el rostro justo, la simpatía de pocos y la calidad de una estrella. Sus papeles bien interpretados hacían sonreír y divertir al gran público en las salas del mundo.
Se inició en la pantalla participando de filmes de segundo orden; así y todo se hizo conocer y trascendió más tarde con otra clase de películas donde con desempeños realmente magníficos obtuvo dos Oscar de la Real Academia de pageHollywood, el primero en 1955 por “Escala en Hawaii” como actor de reparto, y el segundo en 1974 por “Salvad al tigre” como mejor actor. Atravesando el túnel del tiempo, su debut se hizo en la televisión donde conoce a la bella actriz Cynthia Stone -quien luego se convertiría en su primera esposa 1950-1956- compartiendo estelares en las series “That wonderful guy”, 1949, y “Heaven fot Betsy” en 1952. Enseguida, la cinematografía lo llama para el humorístico, musical y dramático “Marino al agua”, 1953, “La rubia fenomenal”, 1954, “Pfhht!”, del mismo año, “Mi hermana Elena”, 1955, “Fuego escondido”, 1957 y “Cowboy”, 1958.
En el largometraje “Operación gran baile”, 1957, logra su primer coprotagónico, y en “Me enamoré de una bruja”, 1958, comparte títulares con Kim Novak y James Stewart. Pero, realmente fue en “Una Eva y dos Adanes” -“Some like It hot”- 1959, donde sobresale.
Allí, Lemmon personifica junto a Tony Curtis a dos damas cantantes, vistiéndose como tales para esconderse de unos malhechores que desean terminar con sus vidas, por haber sido testigos oculares de la masacre de San Valentín. Una vez en sus nuevas identidades conocen a una ingenua solista, interpretada por Marilyn Monroe, y el personaje de Curtis se enamora de ella. La comedia dirigida y producida por Billy Wilder, versión norteamericana del film francés “Fanfare of love”, 1935, se mantiene hasta el día de hoy primera en la lista de las grandes comedias de American Film Institute, y 14o. entre las 100 mejores películas USA.

NACIÓ EN UN ASCENSOR

El verdadero nombre de Jack Lemmon es John Uhler Lemmon III. Llegó a este mundo el 8 de febrero de 1925, en Newton, Massachusetts, Estados Unidos de América. Su madre para tenerlo dio a luz dentro de un ascensor. Su padre era un comerciante teniendo un local instalado donde vendía mercadería en gran escala. Mientras tanto, Jack estudiaba en la Universidad de Harvard, llamándole la atención la interpretación. En el centro de estudios mientras practicaba junto a sus compañeros ese desempeño artístico, se hizo aficionado a la música estudiando piano y llegando a ser un excelente ejecutante. En la guerra pasó por el ejército y cuando llegó comenzó a actuar en diferentes lugares, participando de radioteatros con elencos, teatro y tv, donde se fue abriendo camino hasta llegar a Hollywood. Sus apariciones al principio fueron fugaces, para más adelante en el tiempo surgir de la nada con infinito impacto. Ya con los créditos y resultados a la vista de “Una Eva y Dos Adanes”, Lemmon rueda “El apartamento”, en 1960, con Shirley MacLaine y Fred MacMurray, poniendo de manifiesto su categoría de profesional para encarnar un personaje para nada sencillo, rico en matices.
La cinta obtuvo varios Oscar y Lemmon no solamente se hizo popular entre sus pares, sino ante el público en general. Seguiría con “Días de vino y rosas”, 1962, “La misteriosa dama de negro”, 1962, junto a Kim Novak. Su carrera cambia en 1966 cuando Lemmon y Walter Matthau llevan a la pantalla grande “En bandeja de plata”, convirtiéndose en un éxito impresionante, tal es así que volverían a funcionar en “Primera plana”, en 1974, y “Aquí un amigo”, 1981.

LUCHÓ EN PRIVADO DURANTE DOS AÑOS

En su lista de películas se anotan más de 60 realizaciones: “El prisionero de la segunda avenida”, 1975, “Desaparecido”, 1982, basado en la historia real del periodista estadounidense Charles Horman. También se desempeñó en la obra teatral “Long day’s journey into night”, 1986, y de televisión, “El asesinato de Mary Phagan”, 1988, “JFK”, 1991, “Exito a cualquier precio”, 1993. En 1996 le otorgaron el “Oso de Oro” en el Festival Internacional de Cine de Berlín, por su extensa carrera. En 1998, durante la ceremonia de los “Globo de Oro”, el actor Ving Rhames resultó vencedor frente a su gran ídolo, Jack Lemmon, y decidió entregarle su premio como reconocimiento a su gran carrera.
Acto seguido, todos los asistentes a la gala se pusieron en pie para aplaudir tan noble gesto. Lamentablemente, Lemmon dejó de existir el 27 de junio de 2001, a los 76 años, en Los Angeles, tras haber luchado en privado durante dos años con un cáncer de vejiga metastásico. Fue un gigante de la comedia y el cine. Más allá de la nostalgia.

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THE BYRDS: A 51 AÑOS DE “MR. TAMBOURINE MAN”

UN DÍA COMO EL DE HOY…´
Pero de 1930 nacía la actriz argentina María Aurelia Bisutti -fallecida en 2010- en 1942 en California, el cantante de Los Beach Boys, Brian Wilson -74 años- en 1945 la exquisita solista canadiense Anne Murray – 71- en 1949 la primera voz de The Commodores, quien luego se lanzara en solitario, Lionel Richie – 67- en 1950 la modelo y conductora argentina Teté Coustarot -66- en 1971 se estrenaba en la televisión mexicana “El Chavo del Ocho”, en 2012 dejaba de existir el cantante versionista romántico argentino Carlos Javier Beltrán, llegado a este mundo en 1946, y en 1965 el sonado tema “Mr. Tambourine Man” escrito por Bob Dylan de la mano del grupo The Byrds, llegaba al primer puesto de Billboard.
Todo un logro y un acontecimiento. Hace 51 años.
GRANDES MÚSICOS COMO…
Jim McGuinn, David Crosby y Gene Clark forman haciendo trío la flota The Byrds, en los primeros meses de 1964. page
El terceto llegaba de un pasado relacionado a la música folk, habiendo trabajado en distintos reductos como cantantes practicando ese estilo, en los comienzos de los sesenta. Su currículum universitario los tiene con varias integraciones del folk:
The Limeliters y The Chad Mitchell Trío con McGuinn, The New Christy Minstrels con Clark, y Les Baxter’s Balladeers con Crosby. McGuinn también dedicó un tiempo como compositor profesional en el Brill Building de la Ciudad de Nueva York, junto a Bobby Darin.
Para principios de 1964, McGuinn comenzó a mostrar gran interés por el estilo de The Beatles y empezó a intercalar su repertorio de folk con versiones acústicas de temas de los genios de Liverpool. Mientras actuaba en el club de folk The Troubadour de Los Ángeles, Gene Clark -también fanático de The Beatles-conoció a McGuinn y juntos formaron Peter and Gordon, donde versionaban canciones de The Beatles, junto a interpretaciones estilo beatles de canciones folk tradicionales y algunas composiciones propias. Poco después, David Crosby se presentó al dúo en The Troubadour y comenzó a armonizar con ellos en algunos temas. Razonaron que sus voces se combinaban bien y decidieron formar un trío llamado The Jet Set, nombre inspirado en el amor por la navegación aérea de McGuinn.
A LOS ESTUDIOS WORLD PACIFIC…
Crosby lleva a McGuinn y Clark, junto a Jim Dickson, encargado de la grabadora, para registrar varios demos.
Dickson se percató rápidamente del potencial del grupo y decidió representarles, mientras que su asociado, Eddie Tickner, tomó las riendas de los asuntos financieros del mismo. Fue durante estas sesiones que la agrupación comenzó a fusionar su sucesión de canciones influenciadas por The Beatles, con sus raíces folk.
Primeramente, esta mezcla surgió de forma natural, pero a medida que ensayaban, el conjunto comenzó vigorosamente a salvar la distancia entre los estilos folk y rock. A The Jet Set se une el baterista Michael Clarke, de buen desempeño en algunos grupos de San Francisco y Los Angeles. Como dato adicional Clarke empezó en la banda tocando sobre maderas y varias panderetas, ya que no poseía su propia batería. Así, cambian de nombre por el de The Beefeaters, para intentar colarse en la invasión británica de conjuntos que estaba marcando moda en ese momento por los Estados Unidos. Con esa denominación graban “Please let me love you” y “Don’t be long”, en Elektra Records el 7 de octubre de 1964.
NUEVO CAMBIO DE NOMBRE: THE BEEFEATERS A THE BYRDS…
Eso llegaría por cambio de grabadora, ya que la banda registraría su contrato con CBS, el 10 de noviembre de 1964. El 20 de enero de 1965, The Byrds comenzó a darle forma a su sencillo debut “Mr. Tambourine Man” en los estudios Columbia de Hollywood. Fue publicado el 12 de abril de 1965, y a los tres meses se convertía en el primer hit de una agrupación folk rock, llegando al primer lugar en Billboard200, el 20 de junio de 1965, y más tarde en el Reino Unido. Los integrantes originales de The Byrds fueron: Roger Jim McGuinn, Gene Clark, David Crosby, Michael Clarke y Chris Hillman, y más adelante en el tiempo editarían muy buen material en el estilo “psicodélico” con cambios en la conformación. En 2004, la revista Rolling Stone listó a The Byrds en el puesto 45 de su lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos. Más allá de la nostalgia.
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AGITABA CON AGRACIADAS SEÑORITAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

BOBBY VEE: UN ROMÁNTICO EN ÉPOCAS DE ROCK.

Robert Velline era un muchacho seguidor del rock and roll. Estaba presente en todos los recitales y espectáculos que daban las estrellas de ese renglón musical. Es más, agitaba de manera constante junto a sus ídolos y hasta marcaba pasos de baile con agraciadas señoritas. Velline, que también cantaba, no se constituyó siempre en un rocanrolero -bien lo pudo haber hecho- por el contrario se fue dedicando a los temas románticos, esos que llegan al corazón de inmediato. Por ese motivo, muchos lo llamaron el romántico en épocas de rock, o el solista de música popular de óptima trayectoria cuando hacía furor todo el desenfreno del rock n roll de los años cincuenta. Así, mientras hacía giras por territorio norteamericano de manera profesional con sus shows, siempre disponía de un tiempo para ver de cerca a varias leyendas que practicaban el género frenético que se originó y evolucionó en los Estados Unidos.

EL ESTILO MÁS TEMPRANERO
En el estilo más tempranero del rock and roll de las décadas del cuarenta y cincuenta, el piano o el saxofón era a menudo el instrumento principal, pero estos fueron generalmente sustituídos o complementados por la guitarra como elemento central. El ritmo era esencialmente de blues con un acentuado acompañamiento de los distintos tambores de la batería, con dos violas y un contrabajo eléctrico, y de repente algún otro accesorista. Increíblemente, la carrera de Velline, empieza a despegar cuando desaparecen tres popes rockeros en una tragedia: Ritchie Valens, Buddy Holly y Big Bopper, en una triste jornada denominada “El día que murió la música”, el 3 de febrero de 1959, cuando los músicos mueren al estrellarse la avioneta en que viajaban en las cercanías de Clear Lake, Iowa, cuando se dirigía a la ciudad de Moorhead, Minnesota. Velline, entonces con quince jovencísimos años, acompañado de la banda Fargo, integrada de modo provisorio y rapido, haciéndose llamar The Shadows tuvieron la tan difícil tarea de cubrir los compromisos de Holly por Moorhead. Su actuación fue un suceso, lanzando una cantidad de compromisos que llevaron a Velline a convertirse en un cantante popular y más que nada romántico. En 1963, Velline, ya con su nombre artístico, Bobby Vee, edita un disco homenaje para la fonográfica Liberty, “I remember Buddy Holly” -“Recuerdo a Buddy Holly”- teniendo en la carátula una dedicatoria de Bobby a Buddy y su influencia en él y los eventos alrededor de la infortunada desaparición de Holly.
SE CONSOLIDA COMO GRAN FIGURA
Robert Thomas Velline o Bobby Vee, nació el 30 de abril de 1943, en Fargo, Dakota del Norte. Tiene en la actualidad 73 años. De chico, Bobby pasaba los veranos en la granja de la familia ubicada en Tuomala, Perth, Dakota del Norte, junto con sus primos. Luego vivió en Beverly Hills, por muchísimo tiempo, pero se mudó a St. Cloud, Minnesota, cercano a Collegeville. Grabó su primer simple, “Suzie Baby”, originalmente escrito por el propio Vee con una marcada influencia del tema “Peggy Sue” de Buddy Holly, siendo presentado por Soma Records con base en Minneapolis, en 1959. Atrajo la atención y fue llamado por Liberty Records, uno de los sellos discográficos más importantes USA. Su siguiente sencillo llevó como lado A un cover del tema interpretado por el británico Adam Faith, llamado “What do you want” -“¿Qué quieres?”- el cual se posicionó bastante bajo en las listas de popularidad a principios de 1960, sin embargo, fue su cuarto lanzamiento el que lo colocó “en el brillo y en el color” cuando registra “Devil or angel”-“Ángel o demonio”- que ya había sido grabado por The Clovers, su siguiente disco “Rubber ball”-“Pelota de goma”- lo consolida como una estrella internacional. En 1961 Vee lanza “Take good care of my baby”, el cual llega al número 1 de Billboard y número tres en las pizarras británicas. Posteriormente, llegarían”Devil or angel”, “More than I can say”, “Run to him”, “The night has a thousand eyes”, y “Come back when you grow up”, acompañado por el grupo The Strangers. Vee realizó muy buenos clips a manera de videomusic siendo pionero en la materia. En mayo 2008 “The very best of Bobby Vee” se edita con singular hit.
THE VEES: EN FAMILIA
Vee contrajo nupcias con Karen Bergen originaria de Detroit Lakes, Minnesota, en diciembre de 1963, tuvieron tres hijos y una hija. Sigue en actividad haciendo tournés, junto a su banda, The Vees, en la cual participan sus dos hijos mayores Jeff y Tommy. Su hijo menor Robby Vee es también cantante. Bobby Vee fue acreedor al Premio Roughrider, otorgado por el Estado de Dakota del Norte y por su contribución al género Rockabilly, es distinguido en Rockabilly Hall of Fame. De acuerdo a la Revista Billboard, Vee tuvo 38 éxitos dentro de los 100 primeros lugares, y de los cuales 10 se colocaron dentro de los 20 primeros, en el famoso Top 20. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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ESTELA RAVAL: A CUATRO AÑOS DE SU IDA

 

UNA ESTRELLA QUE SIEMPRE BRILLÓ

Se llamó Estela Raval, aunque en su documento sus nombres son otros: Palma Nicolina Ravallo, nacida el 19 de mayo de 1929, en Chivilcoy, ciudad argentina ubicada en la provincia de Buenos Aires, a 160 km. de Capital Federal. pageafa
Fue auténticamente una estrella que siempre brilló; hasta el día de hoy. Su popularidad se hizo enorme a partir del año 1957, cuando forma parte de Los Cinco Latinos, y se erige en la voz líder del quinteto. Una cantante excepcional, de lujo, de un registro de voz poco común.
Con grabaciones que se han paseado por el mundo, donde se la distingue por sus interpretaciones. Más tarde como solista hace giras, llena teatros y se mete de lleno en el corazón de todos los públicos. Un día como el de hoy, 6 de junio, pero del año 2012, cuando tenía 83 años, partía rumbo al cielo para cantar junto al coro de los ángeles y descansar en paz.
Hace cuatro años.

EL PADRE LE PUSO EL NOMBRE

Palma Nicolina, hija de inmigrantes italianos -que tuvieron siete hijos más- cantaba desde pequeña, iniciándose a los 12 años como profesional con el nombre artístico de Estela Raval -colocado por su padre Francisco, quien también era músico- acompañada de su hermano Manuel “Moño” Ravallo, quien tocaba el acordeón, llegado a este mundo en 1915, dejando de existir en 1999.
A comienzos de los años cincuenta integró el trío Las Alondras, con quienes visitó algunos países limítrofes, llegando a radicarse en Brasil durante un año.
Al regreso del país norteño, dejó el trío, para recalar en diferentes orquestas, grabando temas al estilo: “Ave María no morro”, “Mr. Sandman”, “Blue Canary” y “El aguacero”, a dúo con Ricardo Romero, entre otros para discos Columbia.
En 1956, estando en la banda de Tullio Gallo, junto a Ricardo Romero, Jorge Pataro y el propio Gallo formaron un cuarteto vocal denominado Los Cuatro Bemoles. Con esta denominación Estela siguió realizando presentaciones y dejó registradas canciones como “Marcelino”, “Isla de Capri”y “Dos pimpollos”, entre otros. En 1957, inspirados en el gran impacto que obtenía la agrupación estadounidense The Platters -Los Plateros- decidieron armar Los Cinco Latinos, con la diferencia de que estos tendrían como líder vocal una voz femenina y a la vez serían músicos y cantantes.

BALADA DE LA TROMPETA

Los Cinco Latinos estaban integrados por Estela Raval, en primera voz, su esposo, el trompetista Ricardo Romero, Héctor Buonsanti, Mariano Crisiglione y Jorge Francisco Pataro, este último reemplazado en 1960 por Carlos Antimori. En 1957 grabaron su primer simple con la Columbia: “Amor joven”, y “Abran las ventanas”, y en 1958 su primer álbum, “Maravilloso, Maravilloso”, acompañados por la orquesta de Waldo de los Ríos, con grandes sucesos, incluyendo entre otros: “Recordándote”, “Amor joven”, “Abran las ventanas” y el cover en español de “Only You”. Alcanzaron inmediatamente una extraordinaria repercusión internacional que se mantuvo por muchos años, realizando conciertos en todo el mundo, llegando a tocar en el famoso “Show de Ed Sullivan”, compartiendo escenarios con Los Plateros, siendo su mayor éxito “Balada de la trompeta”, tema del cual se han vendido cifras inalcanzables al día de hoy. En 1959 editaron su segundo álbum, “Dímelo tú”, iniciando su primera gira internacional por casi toda América Latina, México y Estados Unidos. En 1960 se dirigieron a España, haciendo galas por todo el país con éxitos resonantes. Llegarían en breve shows en París en el Olympia junto a Gilbert Bécaud y en Italia. Como grupo dejaron hits incomparables: “Eres diferente”, “Hay humo en tus ojos”, “Un telegrama”, “Como antes”, “Tu eres mi destino”, “Himno al amor”, “En un rincón del alma”, entre otros. En 1970, Los Cinco Latinos se despidieron en el programa de Pipo Mancera “Sábados circulares”, y Estela Raval se dedicó al cuidado de sus hijos y a su carrera como solista. Retornando en varias ocasiones al grupo bajo la denominación Estela Raval & Los Cinco Latinos.

SE ESTABA RECUPERANDO

Se había casado con Ricardo Romero en 1954, teniendo tres hijos: Mónica, 1956, Ricardo, 1963 y Hernán, 1966.
El médico le había dicho a Estela Raval que debía realizarse una mamografía porque tenía un detalle en la mama derecha. Luego de saberse el diagnóstico, el 29 de octubre de 2002, es operada, comenzando su lucha contra un cáncer de mama.
En mayo de 2012 el estado de salud de Raval empeoró, lo que motivó su internación en una clínica argentina. Esta situación motivó grandes expresiones de afecto para con Estela y su familia, provenientes de todos los medios, organizando cadenas de oración rogando por su salud. Desde el domingo 27 de mayo de 2012, Estela Raval estaba en una sala común de la clínica, tras haberse recuperado de una infección urinaria que la había llevado a internarse.
Sin embargo, una infección respiratoria complicó su situación y el miércoles 6 de junio de 2012 entró en coma. Lamentablemente, se fue ese mismo día. Fue una gigante de la música romántica y el canto. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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MOMENTOS ETERNOS DEL CINE ARGENTINO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

MUCHOS TÍTULOS EN GRANDES PRODUCCIONES

Hubo muchos títulos que engalanaron una larga lista de películas argentinas que marcaron a fuego un momento destellante con salas llenas de espectadores y de muy altos ratings televisivos. Desde policiales a cómicas, pasando por dramas, espionaje o hasta gauchescas históricas, se han paseado por las marquesinas de los cinematógrafos; algunas exhibidas en funciones de matinée. Grandes repartos, argumentos precisos y llevaderos, imágenes logradas, producciones memorables le fueron abriendo el paso a momentos eternos de la pantalla grande de la vecina orilla. Un cine que ha sido históricamente uno de los más desarrollados del celuloide latinoamericano. A lo largo del siglo XX la producción cinematográfica argentina, apoyada por el Estado y avalada por el trabajo de una larga lista de directores y artistas, se convirtió en una de las principales del mundo en idioma castellano.

“PELOTA DE TRAPO”, 1948

En el año 1942 la República Argentina empieza a ser castigada por Estados Unidos debido a su posición neutral en la segunda guerra mundial, dictando la suspensión de la importación de película virgen en 35 mm. Hacia 1944, debido a la falta de materia prima, la industria argentina no existía y los mexicanos imponían sus producciones. En 1947 con la llegada de Juan Domingo Perón al poder, se aprueba la Ley de Cine, logrando como resultado que en 1950 se puedan rodar más de 58 películas: un récord total de realizaciones. El cine bonaerense se elevó a la sombra del peronismo, llegando a otros países de habla hispana largometrajes históricos: “Historia de una noche”, 1941, y “La dama duende”, 1945, ambas de Luis Saslavsky, “La Guerra Gaucha”, 1942, y “Malambo”, 1945, de Lucas Demare y Hugo Fregonese, “Pelota de trapo”, 1948, con Armando Bo, y “Crimen de Oribe”, 1950, de Leopoldo Torre Nilsson, y “Las aguas bajan turbias”, 1952, de Hugo del Carril. Con la dictadura en 1955, se cortan los créditos y el cine argentino enfrenta su peor época. Se suspende por completo la producción y durante dos años no se estrena ningún film argentino. La pantalla estaba de paro, ante la suspensión de los créditos, y la persecución de las damas y caballeros de la industria cinematográfica, especialmente los ligados al peronismo o la izquierda. En esa década saltarían al éxito las jóvenes hermanas gemelas Mirtha y Silvia Legrand.

“LA CIGARRA NO ES UN BICHO”, 1963

Los tiempos fueron cambiando y en 1963 Daniel Tinayre, sobre la base de un guión propio escrito en colaboración con Eduardo Borrás y el humorista Juan Carlos “Landrú” Colombres, sobre la novela del mismo nombre de Dante Sierra, produjo y dirigió “La cigarra no es un bicho”, estrenada en el circuito de cines del Gran Buenos Aires, el 6 de mayo de ese año. ¿La recuerdan?… La cinta cuenta las peripecias de seis distintas parejas, conformadas por un ansioso taxista y su muy pudorosa esposa; un multimillonario industrial que vive un romance clandestino con una conocida modelo; un músico jubilado que mantiene una relación con su ingenua y provinciana criada; un ambicioso periodista con su intelectual compañera de trabajo; un gracioso ventrílocuo con una ninfómana maestra de escuela y una pareja de novios que desean perder la virginidad, quienes llegan a un hotel alojamiento de Buenos Aires llamado “La Cigarra” y terminarán viviendo la peor pesadilla de sus vidas al enterarse que un marinero francés que ha llegado allí más temprano con una prostituta llevando la peste bubónica al motel, debiendo permanecer todos ellos en cuarentena, durante dos meses, suscitándose toda clase de inconvenientes y embrollos a raíz de esta forzada convivencia. El filme fue muy comentado en un reparto multiestelar: Luis Sandrini, María Antinea, José Cibrián, Diana Ingro, Enrique Serrano, Teresa Blasco, Ángel Magaña, Mirtha Legrand, Narciso Ibáñez Menta, Malvina Pastorino, Elsa Daniel, Guillermo Bredeston, Amelia Bence, Olinda Bozán, entre otros. Realmente inolvidable.

“JUAN MOREIRA”, 1973

En 1973 el director Leonardo Favio presentaba su mejor película, “Juan Moreira”, producida por Juan Sires y protagonizada por Rodolfo Beban. Basada en la novela homónima escrita por Eduardo Gutiérrez. Fue estrenada el 24 de mayo de 1973, obteniendo el Cóndor de Plata a “Mejor película”. Considerada un clásico del cine, se lucían en los estelares además de Beban, Elcira Olivera Garcés, Edgardo Suárez, Eduardo Rudy, Alba Mujica y más. El filme se desarrolla con el arriero Juan Moreira, un gaucho bueno y trabajador que como tantos otros es objeto de abusos y humillaciones por parte de los poderosos. Las injusticias que se le cometen llevan a Moreira a ser considerado un “individuo malo” para las autoridades, siendo proscripto. Moreira se enfrenta a la Policía y su historia es difundida entre los paisanos y trabajadores, obteniendo así el respeto y la admiración del pueblo. Su prestigio lo convierte en una figura que primero es buscada por los partidos que van a elecciones, pero pronto se vuelve un comodín de guerra, el cual cambia de bando o es perseguido en el medio de las luchas entre los caudillos Bartolomé Mitre y Adolfo Alsina, durante la época de la llamada Revolución de 1874.

“EL MANOSANTA ESTÁ CARGADO”, 1987

En el terreno humorístico, nombramos “El manosanta está cargado”, del año 1987, por tratarse de una película para pasar el rato y entretenerse, con carcajadas por doquier. Se trató de una de las cintas más taquilleras en la historia del cine argentino, con la actuación de Alberto Olmedo, Javier Portales, Adriana Brodsky, Beatriz Salomón, Susana Romero, Silvia Pérez, Adrián “Facha” Martel, Divina Gloria, César Bertrand, y Vicente La Russa. La comedia se centra en Alberto Cappeletti -Olmedo- un inocente empleado de la empresa de cerrajería Álvarez, el cual, al perder el trabajo por no colocar una caja fuerte detrás de un cuadro sino debajo de un cuadro, decide ir a un manosanta con el objetivo de que le puedan mejorar su vida. Cuando concurre se desayuna que el llamado profesional engaña a la gente sacándole un buen dinero. Cappeletti, adivinando esta prosperidad comercial, decide hacerse pasar como manosanta brasileño, el clásico “Pai”. Por supuesto que faltaron a esta crónica muchos otros títulos célebres, que quedarán para el destaque en una próxima oportunidad. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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SI, SI, SI LO SABE CANTE… CON GALÁN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Era un muchacho de barrio que le gustaba ser popular. Deseaba realmente que hablaran de él en forma permanente. Atraído por el sonido de los viejos receptores de radio, de las voces, de la música, de los artistas, y del teatro. Luego de hacer un curso de locución de aquellos años, pasó por diferentes emisoras, llegó a ser jefe de locutores, se hizo amigo personal y secretario del General Perón y hasta le presentó a la actriz Eva Duarte. Pero su futuro estaba en la televisión, donde creó e hizo la conducción a su manera de espacios estelares que llegaron al corazón del pueblo, hablándole en su propio idioma. Pasó primero por Radio El Mundo y luego por Radio Belgrano, donde su voz resaltó haciendo de presentador, grabando publicidades avanzadas para la época, llegando a ser identificado como “el famoso locutor de radio”. Se llamó Roberto Ernesto Galán, el mismo de “Si lo sabe cante” y “Yo me quiero casar, ¿y Ud.?”, dos programas referentes de la tv blanco y negro, y color. Siiiiiii! Siiiiiii! !Si lo sabe cante… Cante con Galán!… exclamaba el señor canoso al presentar a cada participante, o “¡Se ha formado una pareja!”, cuando trataba de unir los corazones como principal casamentero.

CANTANTE, GREMIALISTA, FUNDADOR y… CUPIDO
Roberto Galán nació en Avellaneda, zona sur del gran Buenos Aires, el 21 de febrero de 1917, realizando sus estudios en el Colegio Nacional de Avellaneda. De jovencito ya le tiraba la noche porteña, entonces se escapaba de su casa haciendo visitas periódicas al Cabaret Marabú, donde conoció a varios cantores de tango que lo fueron ayudando a entrar en el mundo artístico. Ni lerdo ni perezoso, debutó en las broadcasters con “La hora ferroviaria” a través de Radio Porteña. A los 17 años, exactamente en 1934, sus pares y sus oyentes lo distinguían sobre otros que eran bastante mayores que él, consiguiendo relevancia y llegando a ser jefe de locutores en Radio Belgrano. Con el paso del tiempo, fundó la Sociedad Argentina de Locutores, en 1943. En la década del treinta, se traslada a Francia y Brasil donde interpreta tangos, adquiere una boite en Ipanema, y en Argelia comercializa largo-metrajes argentinos. En determinado momento, por esas cosas que tiene la vida, conoce al General Juan Domingo Perón de quien se hace amigo, organizándole más tarde un gran acto en el Luna Park, ubicando a la mismísima Evita, en el asiento de al lado, presentándolos a manera de cupido. Ese momento quedó inmortalizado para el General -tres veces Presidente de la Nación Argentina- y también para Galán, recordándolo siempre que podía en algún reportaje. También eventualmente agregaría que apenas había conocido a su madre, quien dejó de existir cuando Roberto tenía tan solo cuatro años. De la cual pudo conservar tan solo un recuerdo, una foto de vacaciones en Villa María, Córdoba.

“REMATES MUSICALES” Y “GALANTERÍAS”
En los inicios de la década del sesenta Galán se dedica a la música grabando el tango “María” con el seudónimo Roberto Valdez. Su aparición televisiva fue en 1963, cuando condujo y produjo el primero de sus ciclos exitosos, “Remates musicales”, que era emitido por Canal 9. En 1969 comenzó “Galanterías” por Canal 11, un programa con participación de la gente que luego pasó a llamarse “Si lo sabe Cante”. Ahí no había que cumplir ningún sueño, tampoco había famosos dando lástima, ni votos del público por mensajes de texto. Lo que sí había era un premio espectacular “El canario” y una medalla para el triunfador, el público seleccionaba al ganador con los aplausos y las secretarias eran el condimento ideal para que el show fuera un suceso de teleaudiencia; muchos almuerzos familiares se sintieron acompañados observando los talentos que desfilaban por el programa. En noviembre de 1971 estrena “Yo me quiero casar, ¿y usted?”, que llegó a conseguir una cuota de pantalla notable. Como presentador de televisión condujo “Cine universal” y comentó los conciertos de Andrés Segovia y Friedrich Gulda. Después vendrían los espacios populares que cimentaron su bien ganada fama: “Remates en TV”, “Compre la orquesta” y “Nace una estrella”, por Canal 13, y “Gane y aprenda” y “El show de Roberto Galán”, en Canal 9, entre tantos. Bajo el título “Si lo sabe cante” editó varios discos ensalada través del sello Music-Hall, siendo un hit de ventas.

SE DIVORCIÓ SEIS VECES
Hasta el verano de 2000, participó en la vecina orilla de “Si lo sabe, cante”. En septiembre de ese año fue internado en la clínica Bazterrica, donde permaneció dos meses y falleció, víctima de un cáncer de próstata, el 9 de noviembre de 2000 a los 83 años. La cruel enfermedad se la habían detectado hace años, pero ante los amigos decidió mantenerlo en secreto. Se divorció seis veces. Su última esposa fue Alicia Paressi, que había sido -además- productora en varios de sus ciclos, con quien compartió los últimos 16 años de su vida. Tenía una única hija, Florencia, de su exesposa la cantante de tango Inés Miguens, y dos nietos. Con Alicia estaban residiendo en el barrio Palermo, donde eran muy queridos por los vecinos. Roberto Galán, fue un ícono del entretenimiento. Más allá de la nostalgia.

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WINGS: LA BANDA DE LOS MCCARTNEY

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

A 40 AÑOS DE “SILLY LOVE SONGS”
Un día como el de hoy, pero de 1976, “Silly love songs”, el tema de Wings llegaba al puesto número uno de BILLBOARD Hot 100 en Estados Unidos. De esto hace 40 años atrás y parece que fue ayer. El tema compuesto e interpretado por Paul McCartney en la agrupación, fue lanzado como disco simple e incluido en el álbum “Wings at the speed of sound”. El sencillo se editó en USA el 1o. de abril de 1976, logrando super-ventas y popularidad de manera continuada por 20 semanas. En Gran Bretaña apareció el 30 de abril de ese año y se encaramó al puesto dos en el UK Singles Chart. Desde la época de Los Beatles, a McCartney lo criticaban a menudo desde John Lennon hasta los comentaristas de música por los diarios, por escribir canciones simples de amor; es por ello que compuso e incursionó en la onda de la música disco con “Silly love songs”, con el bajo como sonido principal. Así se constituyó en el precursor de otros artistas británicos que siguieron la ruta, incluidos: “Miss you” con The Rolling Stones y “Da ya think i’m sexy” de Rod Stewart. El laureado tema de Paul, grabado entre enero y febrero de 1976 para Capitol Records, aparece en el escalón 31 del chart de “Los mejores temas de todos los tiempos” de Billboard.

LUEGO DE LOS BEATLES
Después de la separación de Los Beatles, oficializada por Apple Récords, su propio sello fonográfico, el 10 de abril de 1970, Mc Cartney se lanzó en una carrera en solitario, que en su primer álbum, “Mc Cartney”, compartiría de manera exclusiva con su esposa Linda McCartney -24/9/1941-17/4/1998- Desde su matrimonio el 12 de marzo de 1969, Paul McCartney quiso que su compañera participara en los proyectos musicales que él llevaba a cabo, por lo que insistió en que formara parte de Wings. Para la siguiente producción, “Ram”, McCartney se rodeó de más músicos, como el baterista Denny Seiwell. Pero, a lo largo de su historia, los únicos tres componentes que se mantendrían desde el inicio serían Paul McCartney, su mujer Linda McCartney y el anterior guitarrista de Moody Blues, Denny Laine. El tercer disco de Wings sería “Wild life”, el primer proyecto acreditado a nombre de la agrupación. En un intento de capturar la espontaneidad de las interpretaciones en directo, cinco de las ocho canciones que componían el LP fueron las primeras tomas hechas en el estudio. Pese a todo, el disco no logró imponerse. En 1972, Paul agregó a la banda a Henry McCullough, ex-violero de Joe Cocker y Spooky Tooth, iniciando su primera tourné, tras la desintegración de los genios de Liverpool, que llevaría a la formación a universidades británicas, donde efectuarían conciertos sin previo aviso, y posteriormente una segunda gira, “Wings over Europe tour”, en pequeños locales, donde McCartney no presentaría ningun tema de su etapa con Los Beatles. En febrero de 1972, Wings edita el sencillo “Give Ireland back to the Irish”, como respuesta al momento que se vivía en Irlanda del Norte el 30 de enero. La canción, debido a su política, fue prohibida por la cadena BBC, siendo únicamente mencionada por el canal en las listas de éxitos como “un disco de Wings”. A pesar de su escasa difusión en los medios radiales, el sencillo alcanzó el puesto 16 en el Reino Unido y el primer lugar en Irlanda y España.

“LIVE AND LET DIE”: JAMES BOND 007
A finales de 1972, Paul rebautizó el grupo, llamándolo Paul McCartney and Wings para el lanzamiento del disco-grande “Red Rose Speedway”, el cual otorgaría el primer número uno a la banda en Estados Unidos con la balada “My love”. Entre las canciones inéditas de Wings grabadas durante las sesiones de grabación del álbum, que se extendieron durante siete meses y se llevaron a cabo entre dos continentes, figuraban la composición de Linda, “Seaside woman”, finalmente editada en 1977, y el tema “I would only smile”, de Denny Laine, que se publicaría en el primer disco en solitario del artista tras la separación de Wings. Cerca del final de las sesiones de “Red Rose Speedway”, en octubre de 1972, el conjunto de la familia McCartney registró “Live and let die” para el largometraje de James Bond Agente 007 “Vive y deja morir”, reuniéndose por primera vez en el estudio con el que fuera productor y musicalizador de Los Beatles, George Martin. El tema, publicado como single a mediados de 1973, se convertiría en uno de los mayores impactos de Wings y una de las piezas más destacadas en los conciertos de Paul McCartney tras la separación del grupo, generalmente acompañada de fuegos artificiales.

EL FINAL EN ABRIL DE 1981
Después de una gira por el Reino Unido entre mayo y junio de 1973, Wings inició los ensayos para el que sería su siguiente álbum. Pese a ello, Henry McCullough y Denny Seiwell abandonaron la formación en agosto, dejando a los McCartney y a Laine como únicos componentes para “Band on the Run”, uno de los discos más logrados del conjunto, grabado en un primitivo estudio de 8 pistas en Lagos, Nigeria. El LP llegó al primer lugar en Inglaterra y Estados Unidos, mientras los tres simples extraídos del mismo, “Jet”, “Helen wheels” y el tema que da nombre al álbum, “Band on the run”, conseguirían importantes puestos en los pizarrones de éxitos. El disco ayudó a realzar la carrera en solitario de Paul McCartney tras la ruptura de Los Beatles. A mediados de 1975, Wings se embarcó en la gira “Wings over the world tour”, que comenzó en Bristol y que posteriormente los llevaría a Australia y USA, poniendo un gran broche de oro en el Wembley Empire Pool de Londres. Durante la gira, Wings graba “Wings at the speed of sound”, donde se incluye entre otros”, “Silly love songs”, con el suceso conocido en muchos mercados. Durante 1980, Wings continuaría ensayando nuevas interpretaciones. Sin embargo, mientras el grupo seguía en actividad, Juber y Holly abandonaron la formación. Finalmente, el 27 de abril de 1981 Denny Laine abandonaba definitivamente la banda y anunciaba la disolución de Wings. El nombre del grupo le sobrevino a Paul mientras rezaba en el hospital donde su esposa, Linda McCartney, estaba dando a luz a la segunda hija del matrimonio, Stella. En el documental “Wingspan”, Paul McCartney asegura que el nacimiento de Stella tuvo severas complicaciones, en las que tanto el bebé como Linda corrieron el riesgo de perder la vida. Durante el parto, tiempo en el que Paul se mantenía rezando, la imagen de unas alas le vino a la mente, de modo que acabó por llamar a su nueva banda Wings -Alas, en español- Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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GLENN FREY: LA LEYENDA DE LA MÚSICA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

SUS CREDENCIALES SON INMENSAS

Glenn Frey está en la leyenda de la música. Sus credenciales son inmensas, y reconocidas por todos. Nacido el 6 de noviembre de 1948, en la llamada “Ciudad del Estrecho”: Detroit, Michigan, dejando de existir el 18 de enero de 2016, en Nueva York, fue creciendo en Royal Oak, estudiando piano ya a los cinco años, cambiando más tarde por la viola, convirtiéndose en la década de los sesenta en uno de los principales rockeros de Detroit.
Una de sus primeras bandas se llamó The Disciples o The Subterraneans, junto a varios compañeros de clase: Doug Edwards, luego sustituido por Lenny Mintz, en la batería, Doug Gunsch y Bill Barnes en guitarras y Jeff Hodge, como bajista. Luego de haberse graduado en la primera etapa de sus estudios, en 1966 es invitado a unirse a una banda local dirigida por Gary Burrows, quien ya había escuchado con atención a Frey en su anterior banda y había quedado sorprendido ante la calidad que demostraban al tocar.
Allí fue Glenn, pero por corto tiempo ya que mientras asistía a Oakland Community College, continuando con su aprendizaje de armonías, formó inmediatamente The Mushrooms, con varios integrantes de las otras agrupaciones, registrando su primer simple producido, escrito y arreglado por Bob Seger para Hideout Récords: “Such a lovely child”.
Con ese sencillo editado hicieron apariciones fugaces para la televisión y algunas giras. Y los grupos se sucedían.

HEAVY METAL KIDS: MUCHO VIRTUOSISMO

En los últimos meses de 1967, Frey armó otra agrupación: Heavy Metal Kids, con Jeff Burrows, en piano, Jeff Alborell, bajo, Pablo Kelcourse en primera guitarra y Lance Dickerson, en batería.
No hicieron mucha cosa, pero fueron muy buenos ejecutantes. Al toque, Glenn saltó de banda a banda, al mismo tiempo que intentó seguir los estudios en la universidad. Se había metido en un movimiento hippidélico, y se unió a un grupo de folk llamado The Four of Us, pero eso no duró demasiado.
Dejó el conjunto y formó The Children of heavy metal con cuatro compañeros de bandas anteriores, junto al guitarrista Jeff Alborell. Los muchachos empezaron a aparecer en el Troubadour, un club que era el favorito de los roqueros. A una de sus gerentes más exitosas, Linda Ronstadt, le gustó Glenn y lo invitó a ser parte de la gira de su banda en 1971. En esos años y justamente en Troubador fue donde Glenn Frey conoció a Don Henley. Glenn y Don actuaron juntos en esas tournés con Linda y durante todo el tiempo tuvieron la idea de formar su propia banda. Se avecinaba su gran momento, quizás el más alto en su vida artística. La nueva agrupación.

“HOTEL CALIFORNIA”: EAGLES

Le pusieron Eagles al conjunto, destacándose por su sonido country rock y folk, formándose en Los Ángeles, California, durando hasta el 2016, con la muerte de Glenn Frey, uno de los fundadores y vocalista principal. Inicialmente su estilo fue una mezcla entre country e instrumentación bluegrass con armonías de surf californiano. El resultado fueron baladas sensibles con cierto toque country y pop rock.
Sus letras hablaban de coches, relaciones y vidas sin rumbo. Con cinco sencillos y seis álbumes números uno, Eagles están entre los mejores grupos de estudio de los años setenta, según la publicación “Record World”. Al final del siglo XX, dos de sus álbumes, “Their Greatest Hits” -1971-1975- y “Hotel California”, 1976, quedaron clasificados entre “Los 20 álbumes superventas USA”. Asimismo, según la revista “Rolling Stone” en 2004, el álbum “Hotel California” está en la lista de “Los 500 mejores de todos los tiempos”, ocupando el grupo el número 75 en la lista de “Los 100 mayores artistas de todos los tiempos”. Eagles se separaron en 1980, pero volvieron a juntarse en 1994 para dar un concierto acústico, registrado en el disco grande “Hell freezes over”, una colección de temas clásicos y nuevos. Eagles entró en el Rock and Roll Hall of Fame en 1998. Entretanto, Glenn Frey manejó una carrera en solitario, con variados hits.

“THE HEAT IS ON”, 1984
Como solista pegó con mucha fuerza con “The heat is on”, escrita por Keith Forsey y Harold Faltermeyer, para el filme norteamericano “Beverly Hills Cop” de 1984. Glenn Frey fue sometido a una cirugía intestinal en noviembre de 2015. El músico falleció el 18 de enero de 2016, a los 67 años, a causa de las complicaciones derivadas de una artritis reumatoide, colitis ulcerosa aguda y neumonía. Estaba casado con Cindy Millican Frey desde 1990 hasta sus último días. Tuvo tres hijos con ella, Taylor de 24 años, Deacon, de 22, y Otis de 13.
Glenn se mantuvo de forma mayormente privada acerca de su familia, queriéndolos a todos profundamente. Más allá de la nostalgia.

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LOU GRAMM: EN LA ESCENA DEL ROCK

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

HOY ES SU CUMPLE
No. 66
El tiempo también pasa para todos, también para los rockeros. Hoy está cumpliendo años otro renombrado artista del género, Lou Gramm. Son 66, nacido un día como el de hoy, el 2 de mayo de 1950, en Rochester, Nueva York, para quien fuera el gran vocalista de la distinguida banda Foreigner, grupo con el cual interpretara un montón de sucesos, que no solamente se pegaron en los charts, sino que distinguieron toda la corriente musical. Lou se ha destacado por sus dotes vocales y sus composiciones a través de los años, que él ha llevado en solitario, como en colaboración con otros músicos de prestigio, una muestra de ello es que en el filme “Rock of ages”, 2012, contiene tres de los títulos que le dieron fama internacional, “Waiting for a girl like you”, “Jukebox hero” y ” I want to know what love is”. Actualmente es el líder y vocalista de The Lou Gramm Band, la orquesta de rock cristiano que formó tras su recuperación de una grave enfermedad y de la que forman parte Don Mancuso, Andy Knoll, A.D.Zimmer y su hermano Ben Gramm. Lou, continúa en actividad y en la jornada celebrará su aniversario con su gente, en su casa, en USA. ¡Felicidades!…

HIJO DE UNA CANTANTE y UN TROMPETISTA
Louis Andrew Grammatico -Lou Gramm- es hijo de Nikki Masetta y Bennie Grammatico, una pareja relacionada a la música. Cantante y trompetista, respectivamente, de una agrupación, que le fueron dejando enseñanzas a Lou de cÓmo debía moverse en su metier. El muchacho asistió a la Universidad de Rochester, donde se graduó de bachiller, en 1968, ayudado por Monroe Community College de su zona, donde hacía habitualmente prácticas de su materia sin haberse recibido. De manera paralela, aprendió a tocar la batería y a cantar, manifestando su debut en el rock con distintas bandas locales. La primera fue Black Sheep, lanzando en 1973 el sencillo en 45, “Stick around”. La orquesta actuó en clubes nocturnos de Rochester, Buffalo y Nueva York, estampando poco después un contrato con Capitol Records, editando dos álbumes, “Black Sheep” -“Oveja negra”- en 1974 y “Encouraging words” -“Las palabras de aliento”- 1975. El grupo sufrió un accidente con su camión en una carretera de Nueva York, finalizando abruptamente sus giras en la nochebuena de ese año, y como Black Sheep decidió no actuar más en directo, sin apoyar sus discos, la banda se disolvió. Un año antes, conoció a su futuro compañero de banda, Mick Jones. Mick estaba en Rochester tocando con Spooky Tooth , y Gramm le entregó una copia del primer disco de Black Sheep.
Fue a principios de 1976, poco después del accidente, cuando Jones, en busca de un vocalista de una banda nueva que estaba reuniendo, mostró su interés por Lou, invitándolo a un ensayo. Así, estaba naciendo Foreigner.

FOREIGNER: 80
MILLONES DE DISCOS
Foreigner fue formada por el británico Mick Jones -ex-Nero and the Gladiators, Spooky Tooth y The Leslie West Band- quien a principios de los setenta se unió a Ian McDonald, ex-King Crimson- quedando así el núcleo central del grupo, junto a Dennis Elliot, Al Greenwood, Ed Gagliardi, y el propio Lou Gramm, como un sexteto. A Jones se le ocurrió el nombre de Foreigner -extranjero- por el hecho de que tanto él, como McDonald y Elliot eran británicos, junto a Gramm, Greenwood y Gagliardi, que eran estadounidenses. El álbum debut de la banda se tituló “Foreigner”, en 1977, LP que vendió más de 4 millones de copias en los Estados Unidos, y entró durante un año en el Top 20 con hits al estilo de: “Feels like the first time”, “Cold as ice”, y “Long long way from home”. Su segundo álbum, “Double vision”, 1978, superó los registros de ventas anteriores, y albergó impactos: “Hot blooded”, o el tema que daba nombre al disco, “Double vision”. Su tercer álbum, “Head games”, de 1979, que fue definido por Gramm como su álbum más elaborado, fue también acertado, conteniendo más grandes éxitos: “Dirty white boy” y otro hit que también daba nombre al disco, “Head games”. Foreigner ha vendido más de 80 millones de discos en todo el mundo -incluyendo 37.5 millones en Estados Unidos- y fue considerado por la publicación “Record World”, como todo un record.

LOS HERMANOS GRAMM
Lou abandona Foreigner, y con sus hermanos Ben -batería- y Richard, en bajo, y con sus amigos: Don Mancuso (guitarra) y Andy Knoll (teclados) forma The Lou Gramm Band, rescatando los temas de Foreigner, para su repertorio, realizando conciertos por Estados Unidos, Canadá y México.
The Lou Gramm Band culminó un álbum de rock cristiano, lanzado en territorio norteamericano el 2 de junio de 2009, a través de Spectra Récords.
Junto con Jones, Gramm fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores, el 13 de junio de 2013. Más allá de la nostalgia.

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MARIANO MORES: PARTIÓ EL GRAN MAESTRO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SU MAGIA PARA TOCAR EL PIANO
Jamás olvidaré cuando tenía unos diez años y mi padre me llevó a ver un espectáculo benéfico de carnaval que se realizaba en la tribuna Olímpica del Centenario. Había parodistas y murgas de ese entonces, entre ellos actuaron Los Negros Melódicos, Los Charoles, Los Chocolate, Los Patos Cabreros, Amantes al engrudo, Asaltantes con Patente, y como figura central e invitada especialmente se presentaba “El gran maestro”, haciendo temblar hasta los arcos y las redes con la magia de su piano al interpretar “Taquito militar”… Era un pibe, ¿qué podía saber de música?… Es que no se por qué me impresionó tanto y me marcó de por vida, aquella milonga instrumental ejecutada de una manera increíble. El tiempo fue pasando, la vida también y en ese entorno fui siguiendo bastante de cerca a este músico extraordinario que me continuaba sorprendiendo con sus creaciones: “Cuartito azul”, “Gricel”, “En esta tarde gris”, “Adiós Pampa mía”, “Uno”, y hasta “Cafetín de Buenos Aires”, en colaboración con Enrique Santos Discépolo. Y ni hablar cuando dirigía su magnífica orquesta, dictando cátedra hasta en el Teatro Colón, haciendo un verdadero culto del tango, tocado a su estilo. Se llamó Mariano Alberto Martínez conocido de manera artística como Mariano Mores.
LE COSTABA LA CLAVE
Mariano llegó a este mundo el 18 de febrero de 1918 en San Telmo, barrio de la ciudad autónoma de Buenos Aires. A sus padres les agradaba bailar, participando eventualmente de concursos tangueros que se organizaban en la zona. También les gustaba tener hijos, fueron siete con Mariano, quien fue el mayor. Su mamá fue ama de casa cuidando a sus pequeños, su padre era agente viajero ofreciendo mercancía por las provincias, y su abuelo que tocaba la flauta, fue director de una banda, insistiendo con “Marianito” para que aprendiera música y se convirtiera en concertista. En 1925 su famiia se mudó a Tres Arroyos, al sur de la provincia de Buenos Aires. Allí comenzó a los siete años a estudiar piano clásico con un instrumento adquirido especialmente por su familia para que él se convirtiera en un verdadero profesional del teclado. Pero luego de algunas clases, el profesor de piano renunció a tenerlo como alumno, pensando que carecía de aptitudes musicales. Es que a esas alturas el muchacho solo pensaba en jugar a la pelota con sus amigos, botijas como él. El asunto era quién se lo decía a sus progenitores, estaban muy ilusionados.
LA HERMANA DEL ALMACENERO
Al final, los padres vendieron el famoso piano y exactamente en el año 1927 regresaron a Buenos Aires, afincándose en Flores. La casualidad fue que en la esquina de su casa había una despensa, y justamente la hermana del almacenero era maestra de piano. Acto seguido, el dueño del comercio le propuso aprender de verdad, y como los Martínez no tenían un peso en la lata, acordaron que descontaría cien gramos en cada compra hasta juntar los cinco pesos que costaba la clase. Jamás le cobraron. Aprendió a las mil maravillas. Mariano se entuasismó tanto que pasó el solfeo y al año se recibió de maestro. Tenía 10 años. En 1928 la familia se radica en Lanús Oeste, donde los padres volvieron a comprar un piano y Mariano comenzó a estudiar en el conservatorio D’Andrea con la profesora Amelia Faguada de Alcami, recibiéndose en un año de profesor de teoría musical, solfeo y armonía. Ya en 1929 se trasladan a España donde permanecerías hasta 1935. Allí Mariano logra una beca en la Universidad de Salamanca donde se perfeccionó como pianista clásico tomando el perfil de niño prodigio. La gravedad de la situación política y la proximidad de la Guerra civil, hizo que la familia entera retornara a la Argentina en 1935.
VERTIGINOSO CAMINO AL ÉXITO
Rápidamente, con 14 años hizo de pianista en el famoso café Vicente de la calle Corrientes acompañando a Roberto Firpo. Inmediatamente, llegaría el Trío Mores, que integraba junto a las hermanas Margot y Myrna. Entre actuación y actuación se terminó enamorando de Myrna, con quien se casaría y viviría hasta la desaparición de esta -14 de marzo de 2014, 93 años- Luego del enlace Myrna dejó de cantar para dedicarse por entero a su hogar e hijos: Nito Mores -11 de agosto de 1944-1o. de mayo de 1984, 39 años- y Silvia Mores -28 de junio de 1949, 66 años- acompañando siempre a su esposo a las giras por el mundo junto a su banda. Mariano fue pianista de Francisco Canaro, formó su propio grupo y en 1948 debutó dirigiendo una gran orquesta. Su primer cantante fue su hermano Enrique Martínez, bajo el seudónimo de Enrique Lucero. Por su conjunto desfilaron muchos vocalistas como Carlos Acuña, su hijo Nito Mores, Hugo Marcel, entre otros. Formó el Sexteto Rítmico Moderno. Llevó adelante el espectáculo “Buenas Noches, Buenos Aires”, en teatro y cine. Cuenta con más de 300 temas grabados. Mariano registró la mayoría de sus obras en la fonográfica Odeón, aunque debutó en sello Mercurio. Sus shows musicales por los teatros del mundo -incluído el Colón- fueron majestuosos. “El gran maestro”, Mariano Mores partió rumbo al cielo el pasado 13 de abril de 2016. Tenía 98 años. Fue un gigante de la música, un referente absoluto en su rubro. Más allá de la nostalgia.
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CHICO NOVARRO: UNA HISTORIA EN LA MÚSICA

TAMBIÉN ROCK y CUMBIAS
Se hizo tremendamente popular en la década de los sesenta cuando un programa musical juvenil de televisión entró en acción. Se trataba de “El Club del Clan” donde los exponentes del mismo cantaban éxitos de moda de esos tiempos. El figuraba en la plantilla principal, al lado de Violeta Rivas, Palito Ortega, Lalo Fransen, Nicky Jones, la exquisita Jolly Land, entre otros. Su calidad de intérprete lo catapultó al suceso de manera vertiginosa. Entre “El camaleón”,fshdfah“Un sombrero de paja”, “El Orangután”, “Que gente averiguá”, y la “Cumbia bendita”, estaban los boleros románticos que llegaban al corazón, estilo en el cual supo marcar diferencias hasta hoy en día. “La página 10″ y “Tu pedestal”, por ejemplo, se fueron incluyendo en sus discos RCA y resultaron un hit, tanto es así que en aquella tan primitiva etapa, casi siempre los entonaba en el famoso programa de los “claneros”. Sin embargo, sus orígenes pertenecen al jazz, sonando fuerte en los cincuenta cuando integró la Montecarlo Jazz de Córdoba, las orquestas Argentina de Jazz, la de Don Roy, Lucho Gatica, Daniel Riolobos y Arturo Millán, el grupo Swing Timers, la Agrupación Nuevo Jazz, tocando con músicos de primer nivel: Jorge Navarro, Santiago Giacobbe, Gato Barbieri y Rodolfo Alchourrón. Su nombre: Bernardo Mitnik Lerman, conocido artísticamente como Chico Novarro, un músico y cantante con toda una historia en la música.
HIJO DE ZAPATERO
Chico Novarro nació el 4 de septiembre de 1933 -cuenta con 82 años- en la provincia de Santa Fe. Hijo de padre zapatero, Albert Mitnik, llegado a la Argentina vía Ucrania, casado con Lerman una judío rumana; ambos en 1923 se afincaron en territorio argentino con sus dos hijas mayores. Se radicaron en Santa Fe, donde vienen al mundo tres hijos más: Samuel, Fanny y Bernardo. Ya un poco creciditos, Bernardo se sentaba en el cordón de la vereda junto a sus hermanos a cantar tangos, leyendo las letras de un cancionero. Eran esos tangos que se escuchaban en las radios de entonces, y en el pasadiscos manual de Albert, que coleccionaba discos en 78 de Rosita Quintana, Carlos Gardel y Francisco Canaro. Pero, pronto culminaría esa precoz predilección por la música ciudadana ya que su hermano mayor, Samuel, quien tocaba la batería en la Jazz Don Peralta, apareció con el instrumento, para introducirlo en la moda jazzística, inclinado también en su propia admiración al influyente baterista de big band, Gene Krupa. A partir de ahí, los días fueron diferentes para Bernardo Mitnik. No solamente se perfeccionó en la percusión, sino que a través de la academia empezó a manejarse muy bien en el contrabajo y el piano. A la edad de quince años ya se ganaba la vida como batero y cantando en una típica. El padre quería que siguiera estudiando y que se convirtiera en contador. El tiempo fue indicando lo contrario, se podía ganar más dinero haciendo música, y así fue que en 1951 aterrizó en Buenos Aires a ritmo de mambo tocando el bongó y la batería en una banda. Eso no funcionó demasiado y luego de muchas idas y venidas, viajó y se quedó definitivamente en la capital porteña en 1960. Lo mejor estaba por llegar.
EL CLUB DEL CLAN
En esta oportunidad, la RCA Víctor lo contrata para la grabación de un simple y un LP como solista. Es ahí que el director artístico de la compañía, Ricardo Mejía, nacido en Ecuador, le cambia el nombre y le coloca Chico Novarro, como a los otros integrantes del show, que todos poseen su apelativo. Allí, Chico empieza a prosperar rápidamente, comenzando a componer y vocalizando temas propios, algunos de ellos transformados en himnos manteniendo vigencia a través del tiempo.
Posteriormente, en 1965 escribe su primer tango, “Nuestro balance” convertido más tarde en un clásico- con el que obtiene el “Festival del Parque del Plata” por estos lares. En 1969 graba el LP “Música para mirar a Chico” acompañado ya por el pianista y compositor Mike Ribas que desde entonces ha estado presente en casi todas sus grabaciones.
LOS GRANDES LO PREFIEREN
Hoy, en Puerto Rico, México y toda América Central, se lo nombra como a uno de los más reconocidos y prolíficos cantautores de habla hispana de todos los tiempos.
Mucho antes que Luis Miguel eligiera su tema “Cómo” para incluirlo en su primer álbum de boleros, otros grandes habían requerido de sus obras: Olga Guillot, José José, Tito Rodríguez, Daniel Riolobos, Eddie Gormé, Cheo Feliciano, Lisette Álvarez, y muchos más. Por otra parte, también ha rodado varias películas, y ha llevado adelante un sinfín de espectáculos teatrales-musicales compartido con otras figuras del ambiente. Tango, boleros, baladas románticas, cumbias, jazz, rock, definen a Chico Novarro en su versátil estilo. Fue declarado ciudadano ilustre de Buenos Aires. Más allá de la nostalgia.
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DUPLÁA & ECHARRI: JUNTOS PARA TRIUNFAR

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA LEONA DE LA TRIBU
Llamada a ser la gran telenovela de los útlimos tiempos, producida por El Árbol, a cargo de Pablo Echarri y Martín Seefeld, con Telefé contenidos como asociados, “La Leona” se estrenó en el Río de la Plata en Telefé Argentina y Canal 4 Montecarlo TV de Montevideo, Uruguay, en horarios nocturnos, en enero de este año 2016. Protagonizada por Nancy Dupláa y Pablo Echarri, con la participación de Miguel Ángel Solá, Esther Goris, Mónica Antonópulos, Ludovico Di Santo, Dolores Fonzi, Susú Pecoraro, Peter Lanzani, Hugo Arana, Juan Gil Navarro, Patricia Palmer, Andrea Pietra, Andrea Rincón, Julia Calvo, entre otros, ha conseguido sostener buenos números de audiencia muy posicionada en esa franja horaria en Buenos Aires, donde la competencia es dura. Basándose en una trama que muestra una fábrica textil a punto de quebrar en la cual el personaje de Dupláa, María Leone, desempeña un rol preponderante, defendiendo los derechos de los obreros del establecimiento propiedad de la familia Miller. Así, se van sucediendo las apariciones, con Susú Pecoraro interpretando a Sofía, madre de Pablo Echarri -Franco Uribe- mientras que Patricia Palmer y Hugo Arana encarnan a los padres de Nancy Dupláa. Esther Goris personifica a la frívola y despiadada esposa de Miguel Ángel Solá, quien inculcará todo su odio en su hijo, el personaje de Juan Gil Navarro -Gabriel Miller- Con el tema musical central “María, María”, que suena permanentemente en la tira, compuesto y cantado por Miss Bolivia, la teleserie se mantendrá en emisión una temporada -año 2016- con la cantidad de 120 capítulos registrados, Nancy Dupláa y Pablo Echarri, realizan sus mejores actuaciones y realmente engalan los momentos que se viven en “La Leona”. Seguramente, se van a llevar unas cuantas distinciones en los “Martín Fierro”, de la próxima edición.
DUPLÁA: A PARTIR DE “MONTAÑA RUSA”
Antes de convertirse en una muy buena actriz, Dupláa, representó un montón de papeles donde sobresalió por sus desempeños. Nancy Verónica Dupláa nació el 3 de diciembre de 1969, en Olivos, partido de Vicente López, Provincia de Buenos Aires, contando en la actualidad con 46 años. Cuando era pequeña sus padres se mudaron a San Martín, donde residió hasta los veinte años, adoptando como suyo el barrio de Villa Urquiza. En ese sitio inició sus clases de teatro, con Claudio Ciafone, y más tarde con el director Hugo Midón. Mientras cursaba diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, comenzó la carrera de asistente materno infantil. Ocasionalmente se presentó a un casting de Canal 13 para una tira, y aunque finalmente no se incorporó a ese espacio, tiempo después tuvo su oportunidad en el ciclo infantil “El agujerito sin fin”. Enseguida fue el turno de “Montaña rusa”, novela que le dio popularidad y que también se representó en los teatros Brodway y Radio City de Mar del Plata. Siendo éste su trampolín a la fama, compartió créditos con Gastón Pauls, Esteban Prol, Carla Peterson, Diego Olivera y Diego Ramos, que luego se consagrarían en la pantalla chica.
“LOS BUSCAS DE SIEMPRE” y “EL HIJO…” CON ECHARRI
Continuó con “El último verano”, 1996, “Poliladron”, 1996, “De poeta y de loco”, 1996, “Los especiales de Alejandro Doria”, 1996, “R.R.D.T.”, 1997, y “Verdad consecuencia”, 1997. En teatro, marcó presencia en 1997 con “El vestidor”, con Federico Luppi, y “Montaña rusa, 2″ y en cine en varias películas: “Comodines”, “El desvío”, “Buenos Aires me mata”, “Nueces para el amor” y “Apasionados”. Entre 1998 y 1999 fue una de las protagonistas de “Verano del ’98” , serie juvenil producida por Cris Morena. A mediados de su segunda temporada abandona el elenco junto a Fernan Miras. En 2000 aparecería “Los buscas de siempre” junto a su actual marido Pablo Echarri por Canal 9. “Padre Coraje”, 2004, Participó de “Mujeres asesinas”, “Hermanos y detectives”, “Sin código”, y “El hombre que volvió de la muerte”. En 2012 llega “Graduados” por Telefé, obteniendo nuevamente el primer lugar de teleaudiencia en la televisión argentina. En 2013 vuelve al teatro junto a Pablo Echarri en la obra “El hijo de puta del sombrero”,y en 2014 participa del filme nominado al premio Oscar “Relatos salvajes”, donde interpreta a la esposa de Ricardo Darín, uno de los protagonistas de la cinta.
EN AVELLANEDA NACIÓ ECHARRI
Echarri antes de desembarcar en “La Leona” fue protagonista de infinidad de filmes y novelas. Pablo Daniel Echarri llegó a este mundo el 21 de septiembre de 1969, en Avellaneda, Pcia. de Buenos Aires, contando hoy con 46 años. En 1993 debutó en “Sólo para parejas” con Victoria Onetto y Emiliano Kaczka, dos años después prosiguió con “Inconquistable corazón”, en 1996 se luce en “Por siempre mujercitas”, “Chiquititas”, y “Mía solo mía”, 1997, con Andrea del Boca, “El signo” en cine con Carolina Papaleo, y “El desvío” junto a Nancy Dupláa. Al toque por diferentes temas se aleja de los medios y abre su propio bar snack en la zona de Palermo Chico, llamado “El 5o. Stone”.
Pasó varios meses siendo noticia de los programas de espectáculos por sus constantes separaciones y reconciliaciones con la actriz Natalia Oreiro, de quien luego se separaría después de cinco años de relación. En 1999, retorna a la gran pantalla con “Alma mía” junto a la actriz Araceli González. Casi a fines de ese año co-protagonizó “Plata quemada”, una renombrada película del cine argentino junto a Leonardo Sbaraglia y Héctor Alterio. Sus últimas actuaciones fueron
“Todos contra juan”, “El elegido”, “Graduados”, y “Viudas e hijos del rock and roll”. El 7 de febrero de 2007 se casó con Nancy Dupláa. El 23 de agosto de 2003 llegó su hija, Morena Echarri. El 8 de abril de 2010 su segundo hijo, llamado Julián Echarri. Más allá de la nostalgia.

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THE CHIFFONS: LAS CHICAS TOP DE LOS SESENTA

SE CONOCIERON EN LA ESCUELA
Fue un cuarteto femenino estadounidense que dió que hablar en la década de los sesenta. Integrado por Judy Craig, Patricia Bennet, Barbara Lee y la última que llegó, Sylvia Peterson.
Se conocieron en la escuela, participaron del coro, se hicieron amigas y cantaron juntas por ciertos reductos a manera de hobby, porque les gustaba. Las chicas comenzaron a trabajar en los cantables con profesores, y debutaron profesionalmente, siendo consideradas “el grupo top de mujeres”, por ese tiempo.
Afinadas armonías presentaban su marca registrada a través de las voces de las damas que de buenas a primeras debutaron con su primer sencillo “Tonight’s the night” en 1961. Dos años más tarde lanzaban “He’s so fine” su segundo simple que se transformaría inmediatamente en número uno de las listas USA, y el Reino Unido, el cual sería el primer y mayor impacto de su carrera. Curiosamente, al ex-Beatle George Harrison se le acusó haber plagiado el tema en “My sweet lord”, por lo que finalmente tuvo que pagar dos terceras partes de las ventas del tema, al compositor original de la canción, Ronnie Mack. Se llamaron The Chiffons, tuvieron diez años de fama y en 1970 se disolvieron, para reaparecer en varias oportunidades.

“HE’S SO FINE” No. 1 BILLBOARD: A 53 AÑOS
La agrupación procedente del Bronx, Nueva York, llegaría al tope del Billboard, con su segundo disco, exactamente el 4 de abril de 1963, hace hoy 53 años atrás.
El tema en cuestión sería promovido por casi todas las emisoras y programas de dj’s, en La Gran Manzana y por televisión en el famoso “Show de Ed Sullivan”, el mismo que hiciera debutar a los genios de Liverpool en territorio norteamericano.
Había “pegado” entre los más jovenes y la venta de los discos subió hasta las nubes.
Las ventas fueron tan monumentales que en Inglaterra colocó en un término de dos semanas la friolera de más de un millón de copias, siendo galardonado con un disco de oro. Cifra que en la actualidad hubiese recibido el disco de platino, ya que desde el año 1975, se redujo la certificación por superventas, otorgando el oro por 500.000 unidades y platino por el millón. Luego del sonado hit “He’s so fine” en Norteamérica y Reino Unido, el éxito se expandió por casi toda Europa y parte de América Latina. Fueron cinco años de giras, rutilantes shows, aviones y también cansancio, mucho.
El stress y el vil metal hicieron caer o por lo menos mover los cimientos artísticos de la agrupación.

EL SUCESO RESULTO INSUPERABLE
Pasado el tiempo de “He’s so fine”, The Chiffons no pudieron superar el hit del simple, intentando reeditar éxitos parecidos en futuras placas.
Lamentablemente, fue en vano. Llegaron “One fine day”, “When the boys happy, the girls happy too”, “A love so fine” y “I have a boyfriend”, en 1963. Un año después, aparecía: “Sailor boy”; “Nobody knows what’s goin on, in my mind but me”, en 1965; “Out of this world”, “Stop, look and listen”, y “Sweet talkin’ guy”, 1966; “Up on the bridge”, 1968; y “So much in love”, 1970. A nivel de LP’s: “He’s so fine”, y “One fine day” en 1963; “Sweet talkin’ guy”, 1966; y “My secret love”, 1970.
Y en recopilatorios: “Everything you always wanted to hear by The Chiffons but couldn’t get”, 1974; “The Chiffons sing the hits of the 50’s & 60’s”, 1979; y “Absolutely the best!”, 2004.
Agregamos que también existen varios dvd con las primeras actuaciones y otros con los últimos shows que han realizado en los reencuentros con el público en directo.

“SHINDIG!” EN 1965
The Chiffons vivieron un capítulo aparte cuando se presentaron en el conocido show musical de tv, “Shindig!”, en Estados Unidos.
Ocurrió en julio de 1965, cuando Sylvia y Bárbara volaron rápidamente hacia la costa oeste para publicitar un nuevo disco en el programa.
El caso fue que Judy y Pat no estaban en el conjunto por maternidad, siendo suplantadas por otras dos componentes, a cuales ellas no conocían.
No solamente llegaron tarde al set televisivo donde se grababa en tape, sino que se detuvo la realización del mismo por espacio de dos horas, porque estaban retrasadas.
Fue tal el enojo del productor del ciclo, que casi las expulsa del estudio a las cuatro, si no fuera por un compromiso hecho con antelación con la fonográfica que manejaba los hilos de las muchachas.
Así y todo, participaron de “Shindig!” con tres temas. Y al final, todos amigos como siempre.

JUDY CRAIG SE FUE, PERO VOLVIO
Judy Craig una de las voces fundamentales de The Chiffons, nacida el 6 de agosto de 1946, abandonó el grupo en 1970, por razones económicas y consiguió un puesto de trabajo en el Banco de Manhattan.
El trío restante continuó presentándose en vivo con Sylvia.
Con el paso del tiempo, Sylvia, Pat, y Bárbara, también son contratadas para trabajar por distintas oficinas, pero siguiendo con los shows los fines de semana.
El 15 de mayo de 1992 Bárbara Lee deja de existir víctima de un ataque al corazón, siendo reemplazada por Connie Harvey. Craig volvió a la banda y Harvey sigue en la actualidad como solista. Más allá de la nostalgia.
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SEGÚN FILMAFFINITY: BONANZA, LA SERIE ELEGIDA

LOS INTERNAUTAS
VOTARON

Una determinada cantidad de seguidores de Filmaffinity, sitio web dedicado al cine y las series, creado en Madrid en el año 2002, con versiones en español e inglés, en un sistema de recomendaciones cinematográficas, con base de datos y rarezas de películas, documentales, cortometrajes y producciones televisivas, votaron por las mejores seriales de los años cincuenta, destacándose entre las veinte primeras, grandes títulos de la pantalla chica. A saber, en el vigésimo pagelugar se encuentra “Maverick”, en el escalón 19 “Caravana”, en el puesto 18 “La ley del revólver”, 17 – “Randall, el justiciero, 16 – “El hombre del rifle”, 15 – “Cuero crudo”, en el 14 – “El hombre invisible”, 13 – “Furia”, 12 – “La pandilla”, 11 – “El llanero solitario”, 10 – “Las aventuras de Superman”, 9 – “Los Intocables”, 8 – “Yo quiero a Lucy”, 7 – “El Zorro”, en el casillero 6 está “Las aventuras de Rin-Tin-Tin”, 5 – “Lassie”, 4 – “Perry Mason”, 3 – “La dimensión desconocida”, 2 – “Alfred Hitchcock Presents” y en el primer puesto con amplia ventaja sobre las tiras restantes, “Bonanza”, el western de todos los tiempos, con 5.320 votos. La serie de la familia Cartwright en “La Ponderosa” sigue gozando de muy buenos recuerdos por parte de los televidentes en distintas partes del mundo.

POR EL RANCHO DE BEN

El título elegido por la votación con diferencia abrumadora, “Bonanza”, es una producción norteamericana que fue emitida por la cadena de televisión NBC entre el 12 de septiembre de 1959 y el 16 de enero de 1973, con 431 episodios, en 14 temporadas, siendo la primera serie tv de una hora de duración filmada en colores. El capítulo piloto fue creado por David Dortort, quien también fue el productor de la serie. Dortort también ideó “The Restless Gun”, “El gran Chaparral”, “The Cowboys” y la presecuela de “Bonanza”, “Ponderosa”. A lo largo de casi toda su duración, el principal patrocinador de “Bonanza” fue Chevrolet, y los cuatro actores centrales a veces aparecían en la publicidad de los vehículos de la marca citada. Todos los miembros del elenco habían estado previamente en numerosas obras en teatro, televisión y películas, pero ninguno de ellos era especialmente famoso. La llegada del color en la tira fue impulsada por la compañía RCA que había lanzado al mercado sus flamantes aparatos donde los televidentes se deleitaban con la trama, el reparto, los invitados especiales y el formidable color. Ante tal idea, al compás de “Bonanza” se fueron adquiriendo cientos de televisores. Fue un negocio redondo, más allá del suceso manifestado por el notable ciclo.

UNA ANTOLOGÍA DE
HISTORIAS EXTRAÑAS

La segunda serie más seleccionada, “Alfred Hitchcock Presenta” se emitió por CBS y NBC, entre el 2 de octubre de 1955 y el 10 de mayo de 1965, en blanco y negro, siendo su anfitrión el propio Alfred. La tira que ofrecía thrillers, misterios y dramas, hizo 7 temporadas, con 268 capítulos. Inmortalizada por la silueta de Hitchcock apareciendo en pantalla con el fondo de “Marcha fúnebre por una marioneta” de Charles Gounod, la producción está compuesta de una antología de pequeñas historias extrañas, de final incierto. Al comienzo de cada episodio se realiza una presentación, siempre teñida de humor negro, donde Alfred Hitchcock saludaba a los telespectadores con un severo “Buenas noches!”. En el epílogo, tras el final de cada semblanza, reaparecía para exponer su lectura moral sobre lo que aconteció.

CIENCIA FICCIÓN y
FANTASÍA, DE TERROR

“La dimensión desconocida” -“The twilight zone”- en tercer lugar, es una serial USA especializada en el género de ciencia ficción, la fantasía y el terror. Conformó 156 capítulos, repartidos en cinco temporadas, entre el 2 de octubre de 1959 y el 19 de junio de 1964. 92 episodios fueron escritos por el creador de la tira, Rod Serling, quien también hacía las veces de notable narrador. Cada episodio recreaba un relato, a menudo rematado por un final de corte sorprendente. El impacto que produjo en la teleaudiencia fue tan inmenso que provocó la realización de una remake a mediados de los años ochenta y otra en 2002, así como también de dos filmes, series radiofónicas, un cómic, una publicación, un pinball de diseño y otros objetos alusivos. Fueron guionistas Charles Beaumont, Richard Mathesn, Jerry Sohl, George Clayton, Earl Hammer Jr., Reginal Rose y Ray Bradbury.

HALLANDO AL
VERDADERO CULPABLE

El cuarto puesto es de “Perry Mason”, un abogado experto en casos complejos de asesinato. Casi todos los capítulos siguen el mismo formato: el cliente de “Perry Mason” es acusado de homicidio. Mason, con la ayuda de su inseparable secretaria Della Street -Bárbara Hale- y del investigador Paul Drake -William Hopper- analiza los más pequeños detalles para hallar al verdadero culpable y probar la inocencia de su cliente. Permaneció por CBS durante 9 temporadas, con 271 episodios, entre el 21 de septiembre de 1957 y el 22 de mayo de 1966. La tira es en blanco y negro, monoaural, de 52 minutos de duración.

LA PERRA MÁS FAMOSA

“Lassie”, la perra más famosa del mundo se ubica en el quinto escalón de la votación. Manteniéndose como serie en CBS desde el 12 de septiembre de 1954 hasta el 23 de marzo de 1973, con 19 temporadas y 588 capítulos de 24 minutos, en blanco y negro, y color. Las andanzas de una collie en una granja, con la compañía de un niño, su madre y su abuelo. Exactamente en 1954, la tira fue galardonada serie tv en los premios Emmy. Al margen, éste personaje ha aparecido en libros, radio, cine, juguetes, historietas, series animadas, juegos y en otros medios. Como dato anecdótico, está que los descendientes de la perra aún hoy en día continúan dándole vida a “Lassie”, siendo actualmente la que lo hace, un cachorro de la décima generación. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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THE BEATLES: 53 AÑOS DE “PLEASE PLEASE ME”

EL ÁLBUM DEBUT

Hace 53 años del acontecimiento, cuando los genios de Liverpool lanzaban a circulación “Please please me”, su primer álbum. Fue en marzo de 1963.
El disco contiene temas antológicos del cuarteto, en el lado A: “I saw her standing there”, “Misery”, “Anna (go to catshim)”, “Chains”, “Boys”, “Ask me why” y la rítmica “Please please me”. En la cara B: “Love me do”, “P.S. I love you”, “Baby it’s you”, “Do you want to know a secret”, “A taste of honey”, “There’s a place” y “Twist and shout”. En un total de catorce temas que juntos y por separado dieron que hablar primero en Inglaterra y toda Europa, luego Estados Unidos y más tarde en el orbe entero.
Así de esta forma se iniciaba la tan famosa “Beatlemanía”, luego del suceso de los simples “Please please me” y “Love me do” por el Reino Unido. El LP fue registrado el 11 de febrero de 1963 en los estudios EMI de Abbey Road, durante una sola sesión de grabación que se extendió por espacio de nueve horas y 45 minutos en forma continuada.
Aunque la mayor parte de las canciones son vocalizadas por Lennon o McCartney, solos o a dúo, George Harrison participa en el coro y coloca su voz en dos temas, mientras que Ringo Starr interpreta solamente una.
Las nombradas catorce obras son típicas del repertorio que la banda tocaba durante años en cafés de Hamburgo o en el Cavern Club de Liverpool, club de rock and roll, donde Brian Epstein los conoce en 1961.
La carátula está ilustrada con la aparición de los fabulosos cuatro en las escaleras del edificio de la fonográfica EMI en Londres.
Desde la edición de “Please please me”, los Beatles aumentaron su popularidad en todo el mundo, principalmente en Inglaterra, donde el álbum llegó al primer lugar el 11 de mayo de 1963, permaneciendo en ese puesto durante 30 semanas hasta el 7 de diciembre de 1963, fecha en la que fue sustituido en la primera posición por otra placa que recién llegaba. Se trataba del segundo LP del grupo, “With the Beatles”.
Un número uno por otro del cuarteto británico.

LA HISTORIA COMO DISCO SIMPLE

“Please please me” es el segundo sencillo lanzado por The Beatles en el Reino Unido, y el primero publicado en los Estados Unidos.
Teniendo en cuenta su impacto, el tema dio nombre al primer álbum de la agrupación.
Era originalmente una composición de John Lennon, aunque su estructura definitiva se vio significativamente influenciada por el músico, arreglador, ingeniero de sonido y director de orquesta, George Martin, considerado “el quinto Beatle”, lamentablemente desaparecido el pasado 8 de marzo de 2016 en Londres, a los noventa años.
El 22 de febrero de 1963, la canción alcanzó el n.º 1 en las listas de simples del “New Musical Express” y de “Melody Maker”, pero sólo llegó al puesto dos en la pizarra del “Record Retailer”, que evolucionaría después en lista oficial de Inglaterra reflejando este último dato.
El sencillo, que se había lanzado inicialmente con “Ask me why” en el lado b, no logró mucho éxito, pero cuando se reeditó el 30 de enero de 1964, compartiendo “From me to you”, en el lado b, alcanzó el tercer sitio en el Hot 100 de “Billboard”.
McCartney, Lennon, Harrison y Starr, ya habían obtenido un moderado suceso con su primer simple “Love me do”, pero fuera de las ciudades de Liverpool y Hamburgo seguían siendo ilustres desconocidos.
Fue fundamental el espaldarazo que les dio George Martin, en insistir positivamente con un simple venidero.
Tenía razón, los hechos están a la vista.

EN PRINCIPIO LA GRABACIÓN SERÍA “EN VIVO”

Luego de pensarlo un tiempo George Martin deseaba que la banda lograra el magnetismo que tenía con el público en el Cavern Club y lo llevara a la placa. Por distintas razones eso no se llevó a cabo.
Y se alquiló el estudio donde se trabajó de manera muy concreta y rápida. Ellos tocaron como lo realizaban en directo, y no hubo repetición de tomas. Registraron los distintos temas como si fuera un ensayo, sin haber sobregrabaciones ni ediciones especiales, con una equipación y consola de acuerdo a la época.
Exactamente, el 20 de febrero de 1963, sin la presencia de Los Beatles- Martin grabó una parte de piano en “Misery”, y el 25 de febrero de ese año realizó las mezclas definitivas de los temas del álbum.
En principio el disco llevaría el título de “Off the Beatle track”, pero más tarde cambiaría de opinión por el nombre original del material.
Se lanzó a la venta bajo el sello Parlophone en versión estereofónica el 22 de marzo de 1963.

PUESTO 39 ENTRE LOS 500 MEJORES

En el año 2003, la revista “Rolling Stone” ubicó a “Please please me” en el puesto 39 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Lidera la posición de entre los primeros LP’s publicados por Los Beatles, siendo sexto de entre todos los discos-grandes del cuarteto, después de “Sgt. Pepper’s lonely hearts club band”, “Revolver”, “Rubber soul”, “The Beatles” y “Abbey road”.
“Please please me”, junto con el resto de la discografía del célebre conjunto inglés, sería reeditado nuevamente en CD, con una nueva remasterización, el 9 de septiembre de 2009, tanto en mono como en estéreo.
Más allá de la nostalgia.

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SUSANA GIMÉNEZ: LA AZAROSA VIDA DE UNA DIVA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

TERCERA PARTE (y última…)

DE PELEA EN PELEA
Susana tenía 29 años y Carlos 33, cuando se conocieron en 1974, en momentos de “La Mary”. La magia de la piel pudo más que ellos mismos. Todo se inició muy apasionadamente, con explosión cotidiana y con altibajos durante cinco años, pero luego se manifestó un desgaste de pareja y se separaron. Se comenta que discutían mucho, por asuntos de celos… “Era algo muy lindo, Monzón tenía un algo más… Personalidad y desfachatado, con una pinta bárbara… me gustaba, me volvía loca… Y bueno, estábamos hechos uno para el otro, siempre a todos lados juntos. Pero, después la intensidad se fue apagando, por otros problemas ajenos a nosotros. Había demasiadas peleas, y le dije: hasta acá duro mi amor… y me fui a vivir sola, no daba para más…” dijo Susana Giménez, con relación a Carlos Monzón y sus vivencias con el malogrado ex-campeón mundial de box. En instantes de ese turbio amor, con vaivenes, fueron apareciendo otros protagonistas, como Cacho Castaña, un personaje ligado a “Su” hasta el día de hoy, con quien mantiene una excelente comunicación y amistad. Es conocida por todos, la fama del popular cantante argentino, como romántico incurable y encarador por sobre todo. Sus correrías en la noche porteña a manera de aventuras, encierran infinidad de amoríos con actrices, cantantes, modelos, y otras damas distinguidas; esas mujeres nunca pasaron inadvertidas. Aunque hubo tantas más para engrosar esa extensa lista, tal vez menos conocidas.

SE FUE EN CALZONCILLOS
¿Quién? El propio Cacho Castaña, que había penetrado en el corazón de Susana, en un momento que estaba enemistada con Monzón. Contado por Cacho suena mejor: “Con Susana me tocó hacer temporada en Mar del Plata, con una revista en Teatro ópera. Tanto le dimos vuelta a la cuestión que al final transamos. Así fue, transamos. Arrancamos un noviazgo, porque en ese momento estaba peleada con Monzón.
La prensa había largado varios chimentos y yo estaba cag…. porque Carlos sospechaba y me estaba siguiendo, me mandaba seguir a todas partes. Tratamos de disimular, pero Monzón no se creía un carajo. Es que todo Mar del Plata lo sabía… La cosa fue que Carlos se fue y yo seguí saliendo con Susana. Hasta que una vez, estábamos en la cama tranquilos con -Su- en su casa, y empezamos a sentir ruidos, era Monzón que llegaba de improviso.
Me tiré de la cama, me escapé por una ventana, solamente vestido con un calzoncillo, hasta llegar al auto de un amigo que me hizo meter en la valija del coche y me sacó del lugar… Tremendo jabón me pegué…”.

¡UN MILLÓN DE DÓLARES POR MES!
En la vida artística de Susana, habían quedado atrás varios filmes: “Tu me enloqueces”, 1976, con Sandro de América, “Los hombres sólo piensan en eso”, 1976, “Basta de mujeres”, 1977, “Donde duermen dos, duermen tres”, 1979, junto a Juan Carlos Dual y Juan Carlos Calabró, y “El rey de los exhortos”, estrenada el 30 de agosto de 1979, bajo la dirección de Hugo Sofovich, con Alberto Olmedo. Y justamente con Olmedo debuta al año siguiente en el ciclo “Alberto y Susana”. Posteriormente logró grandes sucesos con los musicales “Sugar” y “La mujer del año”, con Ricardo Darín y Arturo Puig. En los ochenta encarna las cintas más exitosas de su carrera en el cine: “A los cirujanos se les va la mano”, 1980, “Las mujeres son cosa de guapos”, 1981, y “Un terceto peculiar”, 1982, donde hizo el papel de la novia de un director de películas pornográficas, con Moria Casán, Jorge Porcel y Alberto Olmedo.
Llamada a conformar grandes realizaciones en 1987 empieza a conducir “Hola Susana”, inspirada en el espacio de la italiana Raffaella Carrá. En la permanencia del show, primero por ATC y luego por Canal 9, surgen los títulos entre el público de “La diva de los teléfonos” o “La diva número uno de la televisión argentina”. Debido al impacto de su espacio la contrata Telefé para suscribir su primer gran contrato, ¡un millón de dólares por mes!… La artista dijo sí y lo demás ya es conocido a través del tiempo. Nadie pudo superarla en el rating de su programa. Paralelamente, su cachet fue siempre en ascenso. En 1996, su programa se ve galardonado con el “Martín Fierro de Oro”.

LA HISTORIA DEL CENICERO VOLADOR
En el transcurso de tanto ajetreo laboral, le dio el tiempo para mantener una relación de pareja con el actor Ricardo Darín, mucho más joven que ella; cuando culminaron de vivir juntos, quedaron como muy buenos amigos. En 1988 contrae nupcias con el polista Huberto Roviralta que luego de nueve años de casados, lo termina echando de la casa lanzándole un cenicero y rompiéndole la nariz. Después, llegaría Jorge “Corcho” Rodríguez, para llenar sus sentimientos, finalizando el vínculo más adelante.
Mientras tanto, es galardonada con el premio INTE a la “Mejor Conductora de América”. En 2010 se convierte en la segunda persona -después de Mirtha Legrand- en obtener el Martín Fierro de Platino.
Y Susana Giménez a su manera, sigue escribiendo su historia. Más allá de su vida privada y… de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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