EN LA MATINEE, LA TELE Y YOUTUBE

En éstos tiempos modernos se puede recurrir a muchas páginas de internet para ver viejas películas. Grabadas de canales cable -en su mayoría- en Youtube existen miles de títulos, diría a elección. Las hay de Sandrini, Los Cinco Las vacaciones del amor, 1981. 5Grandes del Buen Humor, Tita Merello, de Alfredo Barbieri, casi todas las musicales de Palito, Sandro, Sergio Denis, Sabú, Elio Roca, Leonardo Favio, y hasta las del binomio Porcel-Olmedo, en el rubro argentino. Aquellas cintas que comenzaron siendo estrenadas en las salas céntricas de la capital, para luego pasar por los cines de barrio de Montevideo e Interior, y más tarde en las gloriosas matinée donde a veces se proyectaban cinco o seis largometrajes, acompañado antes de algún noticiero, dibujo o documental. Con el paso de los años esas cintas se pasearon por los cuatro canales de aire -4, 5, 10, y 12- en diferentes etapas, y décadas después en los cables Volver, Space, y otros. La ruta fue “En la matinée, la tele y Youtube”. Quién iba a decirlo, no?…

SIMPLES PERO LLEVADEROS
Al estar de moda distintos cantantes, los estudios y los productores, recurrían a sencillos libros de los autores, para que conformaran argumentos simples pero llevaderos que encajaban en historias que hacían mover las plateas más que nada femeninas. El asunto era que el solista interpretara sus éxitos a lo largo de los filmes y que acompañara una trama livianita, narrando las peripecias de un muchacho de barrio que se transforma en ídolo popular, enamorado de la muchacha de turno. Cambiando alguna ficha o detalle, casi siempre era la misma jugada. A los espectadores que concurrían a ver esas recordadas películas, poco les importaba, el tema era ver al protagonista canoro interpretar sus temas. Entre tantas producciones similares en 1965 llegaba “Santiago querido”, La aventura explosiva, de Los Superagentes. 1977. 3hit de Leo Dan, que daba título a la realización de Carlos García Nacson y Guillermo Teruel, con guión de Alberto Peyrou. Acompañan a Leo Dan, como protagonistas una juvenil Marta González, Rodolgo Di Nucci y Mónica Grey. En la época, “La Razón” opinaba: “Una película… en la que debuta para el cine un cantor de la nueva ola que se hace escuchar ocho veces”.

ENTRE LO COMICO y LA COMEDIA
Desde remotas épocas en Argentina se ruedan cintas del género comedia. En la década de los cuarenta y cincuenta se recurría a obras de teatro taquilleras para llevarlas a la pantalla grande. Existen muchos casos en el rubro. Manejado entre lo cómico y la comedia, se fueron infiltrando cantidades de títulos, que hicieron mover al gran público. Hoy evocamos al pasar, determinadas producciones: “Joven, viuda y estanciera”, del año 1970, “La aventura explosiva de Los Super Agentes”, 1977, y “Gran valor”, 1980. Realmente las seleccionamos al azar, porque en algún momento de nuestras vidas, las vimos y hasta las disfrutamos con una sonrisa. No las encasillamos, ni mejores, ni peores, se proyectaron y listo. “Joven, viuda y estanciera”, es Jorge Barreiro con Lolita Torres en Joven, viuda y estanciera, 1970. 2filmada en colores, dirigida por Julio Saraceni sobre el guión de Ariel Cortsazzo, sobre la obra homónima de Claudio Martínez Payva, estelarizada por Lolita Torres y Jorge Barreiro, haciendo de capataz de una estancia, enamorado en secreto de la “patrona”, tratando de protegerla de los cazafortunas. La unión de Los Super Agentes daría en el centro en cuanto a que juntos hicieron una larga lista de películas, a través de años, ejemplo “La aventura explosiva”, con Ricardo Bauleo, Víctor Bó, y
Julio De Grazia como “Super Agentes”, y Thelma Stefani. Con exteriores filmados en la zona de Delta del Tigre. Y por último, “Gran valor” con el humorista Juan Carlos Calabró y Graciela Alfano, producción que hace muy poco se emitió por un canal de recuerdos.

LUMINARIAS EN ACCIÓN
Luminarias en acción y en promoción de su editado material fonográfico, estaban listas para aparecer en escena, ya Graciela Alfano y Juan Carlos Calabró en Gran Valor, 1980. 4que el sello Microfón de Argentina, dirigido por los hermanos Mario y Norberto Kaminsky, entendió que a través de largometrajes podría alcanzar cifras millonarias en venta de discos y cassettes. Y así fue que llegaron las películas “del amor”. Primero fueron “Los éxitos…”, luego “La carpa…”, más tarde “La discoteca…”, enseguida “La playa…”, y hasta “Las vacaciones del amor”, 1981, con las actuaciones de Graciela Alfano, Jorge Martínez, y en la parte musical: Camilo Sesto, Ángela Carrasco,
Leonardo Jury, Carlos Torres Vila, Los del Suquía, Aldo Guibovich,
Tormenta, Miguel Gallardo, Los Mirlos, Rubén Carló y José María Napoleón, entre otros. La mayoría de éstas producciones cerraron la famosa etapa de las matinée cinematográficas, la del refuerzo, los bizcochos, el mate o el refresco, ante el abrupto cierre de las salas, quedando las butacas vacías. Más allá de la nostalgia.

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“BACHICHA” LENCINA: EL MAGO DE LA TROMPETA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Casi a fines de los sesenta, lo pude conocer.

Fue por medio de Elías Turubich, que allá en C X 8, la Nueva Sarandí de aquel momento, al frente de su popular programa “Beatlemanía” y de “Long Show” de los fines de semana, me lo presentó en Canal 12 TV, que estaba pegadito a la radio -hoy, la emisora radial está justo en la esquina- en la calle Enriqueta Compte y Riqué, donde a veces Elías realizaba algún comercial “en vivo”, y cubría cuando no estaba, a Rubén Castillo en la conducción de “Discodrómo Show”. El artista hizo carrera en ese espacio como músico, tocando la trompeta con la orquesta de Julio Frade, y a veces como solista soplando el instrumento “como los dioses”. Se llamó Daniel Lencina, le decían “Bachicha”, un fenómeno del jazz de estas latitudes y el gran “mago de la trompeta”.  Daniel Bachicha Lencina con su amiga inseparable, la trompeta. 1
En la pasada semana, la noticia que nos llegó de su ida nos embargó de tristeza, dejando de existir el 31 de octubre de 2017, a la edad de 79 años tras resistir una compleja fibrosis pulmonar detectada en 2009, en su domicilio en la comuna de Lampa, Santiago de Chile, lugar donde residía desde 1972. Su actual esposa y sus hijos lo acompañaron hasta el último adiós. Sin dudas, una pérdida irreparable para la música y la cultura uruguaya de todos los tiempos.

EN FRAY BENTOS NACIÓ “BACHICHA”

En Fray Bentos, capital de Río Negro, llegó a este mundo Daniel Julio Lencina D’Andrea, el 17 de julio de 1938. De chico escuchaba radios de Buenos Aires y ya le agradaba la música de Eddie Condón, Louis Armstrong y las bandas norteamericanas de jazz, empezando a tomar clases de solfeo y de trompeta con distintos profesores.
El aprendizaje lo siguió en Montevideo, donde después se inició actuando de jovencito en las orquestas estables del Hot Club, que ensayaban en un sótano de la calle Guayabo, entre ellas, el Sexteto Paco Mañosa, con el propio Paco Mañosa, Horacio “Bocho” Pintos, Héctor “Finito” Bingert, Roberto “Pelín” Capobiano y Osvaldo Fattoruso. Con ellos debutaría en Octubre de 1963, en Teatro Florida de Buenos Aires, en notable presentación.
Más tarde, Bachicha, diría con relación a Mañosa: “Paco fue uno de los músicos que más hizo por el jazz en Uruguay.
Fue todo un maestro…” Lencina, quien también fue un estudioso de la trompeta, continuaría con la banda The Hot Blowers, allí junto a otros destacados jazzistas compatriotas: Paco Mañosa, Hugo y Osvaldo Fattoruso, Federico García Vigil, Rubén Rada, Héctor Bingert, Enrique De Boni, Arturo “Cacho” De La Cruz, Moris Pardo, Tomás “Chocho” Paolini, Ringo Thielman, Guillermo Facal, Moisés Rouso, Ramón “Bebe” Alfonso, Enrique “Pelo” De Boni, entre otros. La super-banda practicaba el mejor swing y dixieland, obteniendo cierto reconocimiento regional, logrando editar tres álbumes EP en el sello Antar, y además realizando una extensa gira por territorio chileno.

DEL BARRIO LA MONDIOLA SOS EL MAS RANA

“Del barrio La Mondiola sos el más rana…” parafraseando la letra del tango “Garufa”, de Juan Antonio Collazo, Víctor Soliño y Roberto Fontaina donde se habla del barrio en la zona de pocitos nuevo, lugar de casitas federales y obreros laburantes que aún existe, residió por un tiempo Bachicha Lencina.
Había quedado atrás el momento de Los Hot Blowers, llegando ahora la oportunidad de sumarse a la orquesta de Panchito Nolé, uno de los últimos exponentes de la época de oro de las más grandes orquestas en Uruguay, su pasión por las Big Band se hizo realidad formando su propia agrupación con las que desarrolló una larga carrera de bailables, por las fonoplateas de las radios y como banda estable de canales de televisión de Uruguay y Argentina.
Allí tiene el trompetista un notable momento de esplendor. Sintiéndose a gusto permanece durante años junto a Panchito, y también en La Mondiola.

CON JULIO FRADE EN “DISCÓDROMO”

Reconocido como un excelente ejecutante lo llama el pianista y director de orquesta Julio Frade para formar parte de su banda. Con Frade, Bachicha consigue popularidad distinguido por la gente, promovido por el programa de tv de los domingos a 12 del mediodía por Teledoce: “Discodrómo Show”. Con el apoyo televisivo y respaldado por Julio Frade, logra grabar varios temas para el sello Sondor, como por ejemplo “Este muchacho está enamorado de ti” -de Herb Alpert- donde como solista canta y toca la trompeta, siendo este un momento memorable para el instrumentista.
Después del suceso con Frade, parte a Chile en 1972 donde se queda hasta su ida, tocando al lado de verdaderos cultores musicales. Acompaña de Mike Dogliotti, en tierras trasandinas y en numerosos shows en Perú. Más adelante entra en el espacio “Sábados Gigantes” de Don Francisco, a quien le hace una canción, por la cual le realiza un juicio por derechos no cobrados por una cifra abultada en dólares. Su historia resulta interminable, jalonada por fabulosas actuaciones al frente de su trompeta, por diferentes escenarios mundanos. Genio y figura del buen jazz, y del candombe jazz, fusión que le pertenece por derecho de conquista. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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DE RECORDAR SE TRATA…

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Si de recordar se trata habrá mucha tela para cortar, dijera una famosa modista de nombre Brígida. Y tenía razón. Qué tal si comenzamos por evocar aquellos shows que se hacían por los mediodías de Teledoce en los primeros años de la tv uruguaya. ¿Quién no se acuerda del “viejo” Show del Mediodía?… Alejandro Trotta, Cacho De La Cruz, Adolfo Hugo Mañán, Gussy, Cristina Morán, Rubén Rada, Enrique Fernández, Guillermo Lescout, Rubén García, Lamas… Era la compañia con un sano humor a la hora de la comida en la histórica televisión en blanco y negro. El show de la alegría con Héctor Coire, 1963. 2

Un espacio creado por Alejandro Trotta, un técnico argentino que había llegado en 1961 a Canal 12 para tratar de dar una mano en la salida al aire de la emisora, y debido a su enorme talento fue cambiando de rubro transformándose de repente en creativo de publicidad y actor.
Trotta fue quien le preguntó a Eduardo D’Angelo si se animaba a hacer un espacio infantil. Naciendo de esa manera el archi popular “Capitán Cañones”, con el propio D’Angelo y Julio Frade encarnando a Siemprelisto, una especie de boy-scout. Luego de lanzado “El Show del Mediodía”, llegarían unitarios humorísticos de excelentes realizaciones y marcadas teleaudiencias, “Las Telecachadas de El Show del Mediodía” siendo sus ideólogos Alejandro Trotta y Cacho De La Cruz.
Así pasarían: “Pinocho” y “Los Picapiedras”, entre otras. Más de una vez nos llamó Trotta -con quien teníamos una muy buena amistad- para pedirnos algún tema para utilizar de cortina de las inefables “Telecachadas”; y siempre con algo tratamos de colaborar. Alejandro Trotta fue un grande de la pantalla chica y de la vida.

“EL SHOW DE LA ALEGRÍA” con HÉCTOR COIRE

Héctor Coire se erigió en un popular animador nacido en Buenos Aires en 1917, hijo de Benita Puértolas y Ernesto Coire, una pareja de actores. Coire se hizo conocido en la tele en la década del sesenta por sus programas “Casino Philips”, “Los novios del 13″, “Sálvese quien pueda”, “Sábados de la bondad” y “El Show de la Alegría”.
Los espacios se empezaron a propalar primero en la vecina orilla y algunos en Montevideo, donde el locutor pasó por Montecarlo TV Canal 4, en los antiguos estudios ubicados en la Avda. 18 de Julio y Eduardo Acevedo, llegando a utilizar hasta el ómnibus de exteriores, y también en Canal 12. Muchos traerán a su memoria, “El Club de los Abuelos” fundado en 1962, que hiciera Coire para el público de la tercera edad en la Institución Atlética Sud América de la calle Yatay, también auspiciado por los diferentes canales. Como dato anecdótico agregamos que además participó de varias películas como actor: “La quinta calumnia”, 1941,”El mozo número 13″, 1941,”Besos perdidos”, 1945, “La vida de una mujer”, 1951, “Escuela de campeones”, 1950, y más.
Enamorado de Uruguay, dejó de existir en Montevideo, donde se encontraba temporalmente, el 2 de enero de 1974.
Dejó su carrera trunca a sus jóvenes 55 años.

PILÁN, UN PERSONAJE INOLVIDABLE

Eduardo Freda llevó adelante “Pilán”, un personaje infantil inolvidable.
A tomar la leche con Pilán, decía.
Freda fue su apellido materno y lo utilizaba porque creía que Sarragúa -tal el paterno- era medio complicado para pronunciar.
Freda, en su adolescencia cantaba tangos en eventos y también se hizo actor, retirándose rápidamente de la etapa cantable, creyendo que eso no era para él.
En 1951 con su amigo Enrique Almada -quien lo llevaría más tarde a “Decalegrón”- y Mecha Bustos, debutan en Teatro Stella de Italia. A Eduardo lo conocí en C X 8, Radio Sarandí, cuando realizaba a las ocho de la mañana “Corrientes y 18″, un muy buen programa tanguero. Enseguida se largaría con “Pilán”, que empezó en Canal 4 para seguir en Canal 12, de la mano de Jorge Nelson Mullins, con la inclusión de notables dibujos animados de Hanna Barbera de aquel entonces. Fue tal el suceso que en varios desfiles oficiales del carnaval montevideano encabezó el pasaje de los carros, las reinas y las comparsas por nuestra principal avenida.
Eduardo Sarragúa Freda había nacido el 2 de Noviembre de 1932, falleciendo el 14 de septiembre de 2003, a la edad de 70 años. Supo ser una figura de relieve en las tablas y ante las cámaras.

LOS DOS BARRY, JUNTOS

En esta página ya hemos escrito sobre Barry Eugene Carter, conocido como Barry White “el negro de oro”, cantante y director de orquesta de origen estadounidense, ganador de tres distinciones Grammy e infinidad de reconocimientos por su estilo varonil, romántico y sensual. White fue exitoso en los setenta editando 26 álbumes, llegando en tres instancias al Nro. 1 de las listas Hot 100 Billboard USA. Con su orquesta Love Unlimited Orchestra recorrió el orbe llevando su mensaje. Así, un buen día se encontró con el humorista compatriota Roberto Barry, y este sin pérdida de tiempo le solicitó para sacarse una instántanea con él, aceptando este y dejando así la foto con los dos Barry, juntos, para la absoluta posteridad.
Más allá de la nostalgia.

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A LOS 86 AÑOS, BEATRIZ BONNET: LA DAMA DE LOS ESCENARIOS

Su popularidad y éxito lo fue edificando en el teatro, la tele en blanco y negro y el cine. Conformando esos personajes que se identificaron con la comedia, en la encarnación de una joven mujer chispiante, de buen humor, que dejaba un

Beatriz Bonnet

Beatriz Bonnet

mensaje sumamente simple pero que otorgaba alegría para vivir. Y hacía reír en muchos de los casos. Su debut fue en la obra «Los árboles mueren de pie», en Teatro Ateneo de Buenos Aires, el 1o. de abril de 1949, más tarde en la pantalla grande con «Mansedumbre» en 1953, y en tv a fines de los cincuenta y los sesenta ya brillaría en «Amor es mi futuro» con Fernando Siro, y en populares ciclos de teatros televisivos del gran Osvaldo Pacheco y del «tano» Darío Vittori. A lo largo de su dilatada carrera obtuvo distinciones por doquier: Seis Martín Fierro, Premio especial Cronistas de Teatro, Moliére, Podestá, Bamba de Córdoba, Racimo de Uva de San Juan, y en 1981 y 1991 Trofeo Konex a la actriz de comedia de radio y tv. Se llama Nelly Beatriz Bonnet; aunque artísticamente le quitó Nelly, porque según ella no sonaba bien, y si BB. Una famosa, de logros bien ganados en más de sesenta años, actuando, bailando y hasta cantando.

SE CASÓ A LOS QUINCE AÑOS
Su infancia y adolescencia no fue de lo mejor. Hija de madre soltera de apellido Bonnet, nació el 11 de diciembre de 1930, en la ciudad de Gualeguay, Provincia de Entre Ríos, Argentina. Había que estudiar y salir a trabajar y Beatriz -además- se enamora y se casa muy rápidamente a los quince años.
El matrimonio duró un año y se separó porque en esa época en la vecina orilla no había divorcio. Fue en ese tiempo

Comediante y actriz de brillo

Comediante y actriz de brillo

Beatriz Bonnet de López Verde. Por ese entonces estaba trabajando en una bombonería céntrica de Baires, entregando a domicilio los chocolates importados. Ahí fue que la descubrió el director y guionista cinematográfico Pedro R. Bravo, convocándola a dar una prueba en el set de filmación. El casting se hizo, resultando tan bueno que las tomas que se rodaron en el estudio quedaron definitivamente en la película donde debutara, «Mansedumbre». Días después del estreno de la cinta en enero de 1953 comenzó a estudiar baile y canto profesional y en el Instituto de Arte Moderno, actuación. En dicha academia logra comprometerse con el arte y con el oficio mismo de ser una actriz.

OPERETAS EN CANAL 7
En tevé en Canal 7 hasta realizó Operetas. Fue la reemplazante de Rosita Quintana en «Mi bella dama», a la que un día reemplazó con tanta dedicación y suerte que el público la ovacionó de pie. También llevó adelante en el rubro comedia musical «La dama del Maxim’s», «Descalzos en el parque» y repitió su suceso inicial reemplazando definitivamente a Rosita Quintana en «Mame». En diferentes salas brilló con «La zapatera prodigiosa», «La niña boba», «El conventillo de la paloma», «Sorpresas», «Mamá es una estrella», «Boeing boeing», «Doña Flor y sus dos maridos», y por último en el 2011: «Primeras damas del musical», megaconcierto que incluyó a veintidós de las mejores intérpretes del teatro musical porteño. Beatriz interpretó las canciones «Hello, Dolly!» y «Mame» de los musicales homónimos respectivamente.

CASI 20 PELÍCULAS

Con Jorge Luz

Con Jorge Luz

El cine vio a Beatriz Bonnet desplazarse con elegancia y categoría en casi veinte largometrajes: «El pecado más lindo del mundo», 1953, «Canario rojo», 1955, «Novia para dos», 1956, «Los que verán a Dios», 1961, «Operación G», 1962, «El club del clan» con todo el elenco del programa hit de la tele, junto a Fernando Siro, Pedro Quartucci, Alfredo Barbieri y Tristán, 1964, «La pérgola de las flores», primer premio a la mejor película argentina de 1965, «Villa Delicia», 1965, «Necesito una madre», 1966, «Con el más puro amor», 1966, «Un muchacho como yo» junto a Palito Ortega, 1968, «El bulín», 1969, «Pasión dominguera», 1970, «Um caipira em Bariloche», 1973, «El profesor erótico», 1976, «Sálvese quien pueda», 1984, y «Mar de amores», 1998, entre otros. Beatriz Bonnet cuenta en la actualidad con 86 años, y aquejada por consecuencias de la edad que posee está internada en un geriátrico, con demencia senil. También lamentablemente, se dice que ha sido estafada con sus ahorros e inmuebles, por un par de supuestas admiradoras que se acercaron a la estrella. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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FRANCE GALL: AQUELLA NIÑA CANTANTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Tenía apenas quince años cuando apoyada por su padre, al darse cuenta de la muy buena voz de su única hija, la animó a grabar canciones, remitiendo las cintas magnetofónicas al editor Denis Burgeois. France Gall

A este le impresionó tanto su registro vocal e imagen que la contrató al toque para editar sus temas en la fonográfica internacional Phillips. Al tomar contacto en la disquera con el compositor Serge Gainsbourg, la juvenil cantante le comenta que desearía presentarse en el Festival Eurovisión, es así que el autor realiza para ella “Poupée de cire, poupée de son” -“Muñeca de cera”- que increíblemente obtiene la edición del famoso evento canoro 1965. Luego de su triunfo, con un brillante primer premio, su éxito fue detonante en Europa y casi todo el mundo, no solamente con la edición del disco, sino también con infinidad de presentaciones en directo en muchísimos países. Su fama creció enormemente y se mantuvo hasta fines de los sesenta cuando empieza a declinar, hasta que se reúne con el cantautor Michel Berger en 1973. El encuentro resulta tan fructífero que se casa con Michel el 22 de junio de 1976. Se llama Isabelle Gall, de nombre artístico France Gall.

ACABA DE CUMPLIR 70 AÑOS
Aquella niña cantante acaba de cumplir sus 70 años. Nacida el 9 de octubre de 1947, en París, ya de pequeña se codeó con la música. En su hogar combinaban el sonido en el tiempo, su padre, Robert Gall -reconocido autor de “Wonderful lovers” que cantara Edith Piaf, en 1960, y “La mamma”, para Charles Aznavour, en 1963, entre otros- y su madre, Cécile Berthier, acompañaba artísticamente a su esposo, hija de Paul Berthier, co-fundador del reconocido Manécanterie des petits chanteurs -coro de pequeños cantores de la Cruz- France tiene dos hermanos gemelos, mayores que ella: Patrice y Philippe, que eran bajista y guitarrista respectivamente.
En el entorno de su casa ve desfilar a muchos artistas: Marie Laforét, Hugues Aufray, o Claude Nougaro. Ya de pequeña acompaña a su padre detrás de escena en el Olimpia, y también fue con él para que la llevara a ver a Piaf, Bécaud y Aznavour. France empieza a tocar el piano a los cinco años, luego llegaría la guitarra. Inmediatamente funda con sus hermanos una banda, donde ella canta, tocando durante varias temporadas en sitios de la ciudad luz. En esos momentos la pequeña Isabelle es apodada “Babou” por su familia, seudónimo que le dura hasta hoy.

TELONERA DE SACHA DISTEL
Una vez instalada en Phillips lanza su primer simple “Ne sois pas si béte”, un twist, justo en su cumpleaños nro. 16. La primera composición de Gainsbourg, “N’ecoute pas les idoles” -“No escuches a los ídolos”- resulta todo un hit llegando al tope de las pizarras en marzo de 1964.
A partir de ese momento empieza sus shows en directo debutando en Bélgica, haciendo de telonera de Sacha Distel. Ante la posibilidad de seguir grabando decide cambiar en parte el estilo de sus temas recurriendo a su padre y a otros populares compositores franceses para renovar su repertorio, entre ellos: Hubert Giraud, Georges Liferman, Guy Magenta, Eddy Marnay, Jean-Michel Rivat, Jean-Max Rivière, Frank Thomas, Maurice Vidalin, André Popp, Gilles Thibaut, Jean Wiener, Pierre Delanoë, Jean Dréjac, Gérard Bourgeois, Jean-Pierre Bourtayre, Joe Dassin, Jacques Datin, y Alain Goraguer. De ésta forma, France transita el jazz, baladas suaves, canciones infantiles, y bien modernistas. Pensando en ese cambio, al culminar 1964 registra una canción de corte infantil: “Sacré charlemagne”, con letra de su padre y arreglos de George Liferman, llegando a colocar dos millones de copias en 1965.

“POUPEE DE CIRE, POUPEE DE SON”, No. 1 EN EUROVISIÒN
Uno de los mejores momentos de la carrera de France Gall es haber logrado el Festival Eurovisión 1965 con “Poupée de cire, poupée de son”, con 17 años, representando en este caso a Luxemburgo. La singularidad de la interpretación asombra y es elegida el gran premio. En el estilo yé-yé de la mano de Serge Gainsbourg, fue el primer tema ganador del certámen con un ritmo rápido, nominada como una de las catorce mejores canciones de todo el evento en el special realizado en 2005.
Tras su suceso en Eurovisión, el tema es versionado y grabado posteriormente en diferentes idiomas: italiano, alemán, francés, español y también en japonés. Frente a la popularidad de “Poupée de cire…” una empresa de juguetes lanza una especial muñeca de cera en forma de llavero, y otra de mayor tamaño, vendiendo solamente en el mercado francés, 15.000 unidades de cada una por día.
Y a France le llueven las giras por muchos lugares de Europa, donde ofrece el espectáculo “Le grande cirque de France” -“El gran circo de Francia”- y le reclaman su nuevo hit.

CONOCE A MICHEL BERGER
En 1973 France Gall es seducida por la música del compositor Michel Berger cuando escucha la canción “Attends-moi”. Así se conocen y forman una pareja de trabajo y también en su vida particular.
Su carrera había bajado, pero a partir de ese momento tan especial, fue levantando nuevamente.
Actualmente se mantiene en actividad. Más allá de la nostalgia.

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TOM PETTY: LÍDER Y LEYENDA del ROCK

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Cantante, autor, productor, excepcional músico de rock que ejecutaba varios instrumentos fue Tom Petty, cantante principal de su propia banda Tom Petty & The Heartbreakers, y confundador del supergrupo británico-estadounidense de fines de los ochenta y comienzos de los noventa: Traveling Wilburys. Editó discos y a lo largo de su brillante carrera vendió más de ochenta millones de placas en todo el orbe, convirtiéndose así en uno de los artistas de la música que más colocó fonogramas, siendo incluido en 2002 en el famoso Salón de la Fama del Rock and Roll. Lamentablemente, Petty sufrió un paro cardíaco en la mañana del pasado lunes 2 de octubre -hace una semana- dejando de existir en el Centro Médico de Santa Mónica, California, Estados Unidos. Se fue uno de los grandes del rock.  Tom Petty. 1

FANÁTICO DE ELVIS
Thomas Earl Petty estaba próximo a cumplir sus 67 años, ya que nació el 20 de octubre de 1950, en Gainesville, Florida. Es el primero de dos hijos de Kitty Avery y Earl Petty. Su verdadero interés por el rock se inició a los diez años cuando conoció a Elvis Presley. En el verano de 1961, su tío mientras trabajaba en el propio set de la película “Follow that dream” de Elvis, invitó a Tom a observar la filmación. Cuando conoció al “Rey del rock” se quedó maravillado, haciéndose fan de la estrella siguiéndolo en cada show, adquiriendo inmediatamente una colección de discos simples de Presley. Al poco tiempo, concurre al Shea Stadium para ver a The Beatles por primera vez en USA, los cuales le parecen muy buenos y divertidos, deseando hacer un conjunto al estilo de ellos. No transcurrió mucho en aparecer grupos similares en determinados sitios de Norteamérica. A los 17 años Tom deja la secundaria para dedicarse a tocar el bajo en la primera agrupación que forma. En su inspiración estaban Elvis, los genios de Liverpool y también algo de Los Rolling Stones. Uno de sus primeros profesores de guitarra fue Don Felder, un músico de Gainesville, que más tarde se uniría a Eagles, quien le brindó toda una enseñanza.

TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS
Mientras estudiaba en la Universidad de Florida, trabajando paralelamente en varias empresas -hasta de sepulturero- luchando por el bienestar familiar, estaba al frente de la banda Epics, para luego mejorar en Mudcrutch, pero aunque la flota, que contó con futuros componentes de Heartbreakers -Benmont Tench y Mike Campbell- editó un sencillo, pasó bastante desapercibida. En 1976 forma Tom Petty & The Heartbreakers, funcionando con Mike Campbell en primera guitarra, Ron Blair como bajista, Stan Lynch en batería, y Tom Petty, como vocalista, guitarrista y cerebro pensante. Desde su origen el conjunto ha tenido varios cambios en su conformación original, con Howie Epstein, como bajista, entre 1982 y 2002, cuando Blair se aburrió de giras interminables, y con la aparición de Steve Ferrone y Curt Bisquera, para reemplazar a Lynch en 1994. Con The Heartbreakers, Petty registró y publicó varios temas de suceso, muchos de los cuales son propalados con bastante frecuencia hasta el día de hoy por diferentes emisoras en el mundo entero: “American girl”, “Breakdown”, “The waiting”, “Learning to fly”,”Refugee” y “Mary Jane’s last dance”. Aunque lo que practicaban se apagó en la década de los noventa, la agrupación se mantuvo activa: saliendo de gira con frecuencia y sacando álbumes, siendo el más reciente, “Mojo”, eidtado en junio de 2010. Aunque la mayor parte del material es producido y realizado bajo el nombre de The Heartbreakers, Petty había publicado también varios trabajos en solitario, carrera que emprendió en 1989 con la aparición de “Full moon fever”. Sin embargo, incluso en estos lanzamientos, varios miembros de la banda contribuyeron como músicos de estudio en los álbumes en solitario de Petty.

TRAVELING WILBURYS: FEBRERO, 1988

Exactamente en febrero de 1988 nace Traveling Wilburys de la mano de George Harrison, Jeff Lynne, Roy Orbison, Bob Dylan y Tom Petty, más el acompañamiento en batería de Jim Keltner. Se convirtió verdaderamente en un supergrupo musical. Durante el tiempo que el grupo estuvo activo, los cinco miembros de Traveling Wilburys colaboraron frecuentemente en varios proyectos en solitario de cada uno de ellos. Al respecto, Jeff Lynne y Tom Petty trabajaron en “Mystery girl”, el último tema de estudio de Roy Orbison, en el cual George Harrison contribuyó tocando la guitarra eléctrica en una canción. Lynne también produjo “Full moon fever”, el primer disco en solitario de Petty sin The Heartbreakers, en el que Harrison también tocó la guitarra. Lynne volvió a producir el siguiente trabajo de Petty, “Into the great wide open”, lanzado en 1991. Petty y Harrison también participaron en el 30th Anniversary Concert Celebration, un concierto homenaje a Dylan celebrado en 1992. En muchas notas Tom Petty dejaba en claro el apoyo de sus padres, de su hermano, Bruce, y de su mujer Dana, en su paso por el rock, donde dejó indiscutiblemente su huella de líder y leyenda. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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A 32 AÑOS DE SU IDA… ROCK HUDSON: AQUEL GALÁN DE LA PANTALLA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Trabajó de repartidor, cartero, taxista, camionero y hasta de vendedor puerta a puerta, y nunca se le pasó por la mente convertirse en uno de los galanes del cine de todos los tiempos. Sus papeles tenían eso, no solamente era el muchacho de la película, sino el “pintún” dijeran las damas. Aunque la verdad más tarde sería otra. De actuaciones que son recordadas por determinadas cintas: “Gigante”, 1956, con Elizabeth Taylor, y James Dean, basada en la novela homónima de Edna Ferber, dirigida por George Stevens, “Problemas de alcoba”, 1959, junto a Doris Day, y Tony Randall, bajo la dirección de Robert Mulligan, y “Tuya en septiembre”, 1961, con Gina Lollobrígida, Bobby Darin, y Sandra Dee, contando con la dirección de Robert Mulligan, entre otras. Sus protagónicos estelares le daban paso a las mujeres admiradoras del mundo, que lo tenían como el verdadero gentleman del cinema, sin embargo la realidad no encajaba con esto, ya que él ocultó durante mucho tiempo su vida privada donde estando en su bunker solo conocía de fiestas gay, compartidas con abundante alcohol, escondiendo esta realidad, le tocó en desgracia ser el primer caso publicitado de sida en alguien célebre de Norteamérica, en los inicios de la pandemia, a principio de los ochenta. Fue exactamente el 2 de octubre de 1985, con 59 años, cuando dejó de existir en Beverly Hills, California, víctima de VIH. Hace hoy 32 años. Se llamó Roy Harold Scherer, Jr. y se le conoce como el apuesto Rock Hudson. Rock Hudson. 1

¿UN MUCHACHO TIÍMIDO?…
Hudson nació el 17 de noviembre de 1925 en la localidad de Winnetka, Illinois, y es único hijo de Katherine Wood, quien era telefonista, y de Roy Harold Scherer, mecánico. Su madre se volvió a casar más adelante, y su padrastro, Wallace Fitzgerald, lo adptó y cambió su apellido por Fitzgerald. Los años de Hudson en la High School Secundaria de New Trier no fueron destacados para nada, aunque el allí a veces cantaba, y fue recordado como el muchacho tímido que entregaba los periódicos, y también como ayudante en el campo de golf.
Más adelante y durante la Segunda Guerra Mundial, se alistó en la Marina de los Estados Unidos, y finalizado el conflicto bélico se trasladó a Los Ángeles, para realizar diversas actividades laborales. A fines de la década del ’40 consigue aparecer en pequeños papeles, logrando un contrato con Universal Studios en 1949. El estudio cinematográfico de buenas a primeras, lo considera un actor muy prometedor, con gran magnetismo para el público femenino, y lo somete a una enseñanza en general, que incluye clases de interpretación, baile y canto, esgrima, y hasta montar a caballo. Entre sus primeras cintas, aún con papeles menores, se destacan “Escuadrón de combate”, 1948, de Raoul Walsh, con Edmond O’Brien y Robert Stack, y “Winchester ’73”, 1950, de Anthony Mann, protagonizada por James Stewart.

EL ACTOR MÁS POPULAR DE HOLLYWOOD
Luego de más filmes, Hudson se posicionó como un nombre destacado en los largometrajes de aventuras. Lo que lo convirtió en una estrella de Hollywood fue “Magnificent obsession”, 1954, co-estelarizada por Jane Wyman. El título recibió muy buenos comentarios de los cronistas especializados destacando a Hudson como el actor más popular de ese año. Al retornar a los sets siguió con más aventuras: “Bengal brigade”, 1954, ambientada durante el Motín de la India, y “Captain Lightfoot”, 1955. También rodó tres melodramas: “One desire”, 1955, con Anne Baxter, “All that heaven allows”, 1955, y “Never say goodbye”, 1956. En ese año explotó su nombre por las marquesinas en “Giant” -“Gigante”- Hudson y James Dean fueron nominados para los Oscars en la categoría “Mejor actor”. Galardonada con varios premios cinematográficos, “Gigante” fue incluida en el año 2005 entre las conservadas por el National Film Registry -Registro Nacional de Filmes- de la Biblioteca del Congreso de USA, por ser considerada: “cultural, histórica, o estéticamente significativa”. Otro suceso le llegaría con “Written on the wind”, 1957, y “Battle hymm”, 1957.

LA VIDA SECRETA DE HUDSON
Mientras la carrera de Hudson se estaba desarrollando, el actor y su agente de prensa Henry Willson mantenían la vida íntima del seductor de mujeres, fuera de la prensa y los titulares. En 1955 el semanario “Confidential” amenazó con publicar una exposición sobre la vida homosexual secreta de Hudson. Willlson paralizó esto revelando información sobre años de cárcel de Rory Calhoun, y la detención de Tab Hunter en una fiesta. Según algunos colegas, la actividad gay de Hudson era bien conocida por Hollywood a lo largo de su actividad. Elizabeth Taylor, Susan Saint James y Carol Burnett, afirmaron que sabían de su homosexualidad. Para confundir a todos, Hudson contrajo enlace con la secretaria de Willson, Phyllis Gates. A los tres años se divorció al descubrir la vida secreta de Hudson. La relación más conocida de Rock fue con Marc Christian, quien se quedó con una buena parte de la fortuna de Hudson, al éste dejar de existir. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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ISABELLE ADJANI, LA SUBLIME: CORONADA POR EL CINE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Distinguida y premiada como pocas por sus protagónicos en la cinematografía. Laureada actriz francesa siempre elogiada por los periodistas de espectáculos como de los espectadores, considerada una de las grandes estrellas del cine de su país, de Europa y del séptimo arte. Es parisina, nacida el 27 de junio de 1955, debutando en los sets a los catorce años de edad en el filme «Le petit bougnat», en 1970, para luego desarrollar su base artística e impactar al gran público en la comedia francesa con «Escuela de mujeres», 1972, y «Ondine», 1974, obras de suceso en cartel, para seguir el año entrante, nuevamente ante las cámaras, rodando «L’histoire d’Adele H», con el director Francois Truffaut, recibiendo su primera candidatura al Oscar de la Academia, como «Mejor actriz», a la edad de 19 años, siendo la mujer más joven en ser nominada en esos tiempos; un récord verdadero que sostuvo por cerca de treinta años. Su nombre: Isabelle Yasmina Adjani, llamada por muchos «La Sublime».

Con el director de L'Histoire d'Adele H., Francois Truffaut, en pleno rodaje, 1975

Con el director de L’Histoire d’Adele H., Francois Truffaut, en pleno rodaje, 1975

PARTICIPANDO EN TEATROS DE AFICIONADOS
Isabelle es hija de Emma Augusta «Gusti» Schweinberger, alemana, quien le enseñó a hablar el idioma germánico desde que era pequeña, y de Mohammed Cherif Adjani, de origen argelino. La actriz pasó la infancia y adolescencia en Gennevillers, hablando alemán y francés de manera perfecta. Luego de obtener un evento en la escuela, se inició participando en teatros de aficionados a los doce años. Culminó su bachillerato y acudió a la Universidad de Vincennes en 1976, mientras que su hermano menor también lo hizo más tarde. Se llamó Eric, y era sumamente compañero de Isabelle. Fue un duro golpe el que recibió, cuando él falleció el 25 de diciembre de 2010, cuando tenía 53 años.

LUCY EN «NOSFERATU, EL VAMPIRO»
Interpretando a Lucy en «Nosferatu, el vampiro», remake 1979, del director alemán Werner Herzog, fue muy bien recibida con excelentes comentarios y taquillas europeas.
En 1981 recibió el doble premio de «Mejor Actriz» en el Festival de Cine de Cannes por sus papeles en «Quartet de Merchant Ivory» , basado en la novela de Jean Rhys y en la cinta de terror «Possession», 1981. Al año siguiente, obtuvo su primera distinción «Premio César» también por «Possession», en donde había encarnado a una mujer al borde de un ataque de nervios.
En 1983, ganó su segundo César por su representación de una dama vengativa en «One deadly summer». Ese mismo año, Isabelle se dedicó también al canto lanzando el álbum «Pull marine», compuesto y producido en su totalidad por Serge Gainsbourg. La promoción se hizo en base a un videoclip de «Pull marine», dirigido por Luc Besson. En 1988 co-produjo y estelarizó «Camille Claudel» recibiendo su tercer César y la segunda nominación al Oscar por su papel, convirtiéndose en la primera actriz francesa en recibir dos nominacionas al Oscar. El largometraje también se nominó para la estatuilla de la Academia a «Mejor película en idioma extranjero». Su cuarto César fue para «Queen Margot», 1994, filme épico, dirigido por Patrice Chéreau. Su quinto César sería para «El día de la falda», 2009. La cinta la presenta como profesora de secundaria en un agitado suburbio francés, en donde se le dispara en forma accidental un arma de fuego en plena clase, alcanzando a un joven estudiante. Se estrenó en canal Arte France el 20 de marzo de 2009, logrando muy altos índices de teleaudiencia, estrenándose más tarde en salas el 25 de marzo de ese año. También logra el Oso de Plata a la «Mejor actriz» en el Festival de Cine de Berlín en 1989 por «Camille Claudel». Posteriormente se destacó en «Subway», «Harper’s bazaar», ambas de 1985, «Diabolique», 1996, «Sour les jupes des filles», 2014, «Carole Matthieu», 2016, y «Llama a mi agente!», 2017.

VERSATILIDAD EN LA ACTUACIÓN
Debido a su versatilidad en la actuación y su talento Isabelle Adjani se convirtió en un mito. Rodeando de misterio su imagen, no solo se ha ganado una tremenda admiración por sus interpretaciones, también ha generado una inmensa curiosidad en los medios sobre su vida privada, mantenida por la actriz de forma muy reservada. Se sabe que en 1979 tuvo un hijo, Barnabé Said-Nuytten, con el cineasta Bruno Nuytten, a quien contrató para dirigir su proyecto, «Camille Claudei». Entre 1989 y 1995, tuvo una relación con Daniel Day-Lewis, logrando un hijo de esa unión, Gabriel Kane Day-Lewis, en 1995, año en el cual se separó de Daniel Day-Lewis. Más adelante, se acercó al tecladista Jean-Michel Jarré, distanciándose en 2004. Isabelle cuenta en la actualidad con 62 años y sigue siendo estrella en cine y teatro desplegando su infinita calidad. Más allá de la nostalgia.

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47 AÑOS SIN JIMI HENDRIX

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Considerado uno de los violeros más influyentes de la historia del rock mundial y uno de los músicos más famosos del siglo XX, Jimi Hendrix, nacido bajo el nombre de Johnny Allen Hendrix, después de solamente cuatro años de carrera donde actuó, compuso temas, realizó grabaciones, y se hizo popular entre sus pares, dejó de existir un día como el de hoy, 18 de septiembre pero de 1970, en Londres, hace 47 años atrás. De figuración estelar en el Salón de la Fama del Rock and Roll, luce su emblema de estrella gigante en la historia del rock, también supo ser una figura emblemática de renombrados festivales de fines de los sesenta : Monterrey Pop Festival de 1967, Festival de Woodstock, 1969 -donde fue el artista mejor remunerado en un concierto- y el Festival de la Isla de Wight, en 1970, antes de su fallecimiento por consumo de barbitúricos, cuando tan solo tenía 27 años. Jimi Hendrix. 1

Jimi obtuvo varias distinciones durante su vida y después.
En 1967, los lectores de la publicación Melody Maker lo votaron como el músico del año, y al año siguiente, Rolling Stone lo nominó músico de 1968. Disc and Music Echo, lo nombró mejor músico 1969, y en 1970 Guitar Player lo consagró guitarrista del año. Su conformación The Jimi Hendrix Experience entro en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992, y en UK Music Hall of Fame, 2005. La revista Rolling Stone colocó sus tres discos: “Are you experienced”, “Axis: bold as love”, y “Eletric Ladyland”, entre los cien discos de la música, y a Jimi como el mejor guitarrista y la sexta mejor figura de todas las épocas.

FUE PARACAIDISTA EN EL EJÉRCITO

Jimi Hendrix llegó a este mundo el 27 de noviembre de 1942, en Seatle, Washington.
En 1961 lo llamó el ejército norteamericano siendo paracaidista, licenciándose al año posterior. Al tiempo, se afincó en Clarksville, Tennessee iniciándose en los recitales siendo conocido como Chitlin’ Circuit, tocando como músico en The Isley Brothers y Little Richard hasta mediados de 1965. Siguió con Curtis Knight and The Squires, antes de trasladarse a Londres cuando expiraba 1966.
Con pocos meses en el Reino Unido Jimi metió tres simples en la lista de éxitos oficial de Inglaterra junto a su banda The Jimi Hendrix Experience: “Hey Joe”, “Purple haze” y “The wind cries Mary”. En 1968 su tercer registro, “Electric ladyland”, obtiene el primer lugar en USA en el ranking de ventas y popularidad, siendo su único número uno en Estados Unidos. En el siguiente año, 1969, Jimi se convirtiría en uno de los puntos más altos del Festival de Woodstock, interpretando al estilo blues electrónico el mismísimo himno del Norte.

WOODSTOCK: MÚSICA, PAZ y AMOR

El famoso Woodstock Music & Art Fair -Festival de Woodstock, a puro rock, fue una congregación hippie realizado los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969.
Tuvo lugar en una granja de 240 hectáreas en Bethel, Sullivan County, estado de Nueva York, reuniendo casi 500.000 almas.
El magistral evento fue registrado en el documental “Woodstock: 3 days of peace & music”, ganador de un Oscar de la Academia, y grabada su banda sonora en “Woodstock: Music from the original soundtrack and more”. Considerado como uno de los momentos clave de la historia de la música popular, agrupó a nombres resonantes: Richie Havens, Jefferson Airplane, The Who, Joe Cocker, Janis Joplin, y al propio Jimi Hendrix, entre otros. Para esa época, Jimi era el músico de rock que mejor cobraba; fue el gran llamador del festival.
Tocó a las ocho de la mañana del lunes, llevando despierto más de tres días esperando para realizar su presentación. Para el concierto, ante 30.000 personas en ese momento, añadió al guitarrista rítmico Larry Lee y a los músicos Juma Sultan y Jerry Vélez para tocar las congas. Ensayaron menos de dos semanas, nunca se conectaron musicalmente, pero trataron de llevar adelante la actuación.

ALCOHOL, DROGAS y FINAL

A partir de julio de 1962, cuando lo expulsan del ejército, Hendrix comenzaría su otra vida, esta muy triste, con consumo constante de alcohol y todo tipo de drogas, enojándose, con ataques de ira, y poniéndose violento de manera frecuente.
El 3 de mayo de 1969 cuando pasaba por la aduana del Aeropuerto de Toronto, las autoridades lo detuvieron al encontrarle heroína en su equipaje. Entreverado en esa ruta que llevaba, que él eligió, su último día fue cuando ante un exceso de pastillas que le causó intoxicación dejó de existir en el Hospital St. Mary Abbot. Había ingerido siete de sus pastillas de prescripción médica, casi veinte veces más de la dosis recomendada. Jimi Hendrix ha sido una verdadera influencia para diversos artistas, y un ícono total del rock and roll. Más allá de la nostalgia.

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ERIC CARMEN: EL TALENTO y LA CALIDAD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

El talento y la calidad sobresalen en la figura enorme de la música: Eric Carmen.

Otro de los artistas de honda repercusión en cada “Noche de la Nostalgia”, llenando de recuerdos cada pista a través de sus temas de corte espectacular.
Sus producciones han acaparado la atención de los consumidores de su estilo en todo el mundo, y muchos hasta hoy en día a nivel de coleccionistas conservan sus magistrales vinilos. Su carrera ha sido de puntos altos en la creatividad de sus obras, de contenidos brillantes. Nacido el 11 de agosto de 1949 -acaba de cumplir sus 68 años- en Cleveland, Estados Unidos, bajo el nombre de Eric Howard Carmen, se ha desempeñado en múltiples facetas siempre relacionadas de alguna manera al pentagrama: tecladista, guitarrista, compositor, productor, empresario y quizás la más importante, cantante. Fue suceso ante numerosos hits durante los setenta y ochenta, primero como miembro de The Raspberries y más tarde en solitario. Eric Carmen. 1

THE CHOIR y CYRUS ERIE

The Raspberries tiene sus raíces en dos de las más conocidas bandas de Cleveland en la década del sesenta, The Choir y Cyrus Erie. The Choir, originalmente llamada The Mods y conformada por Dan Klawon, Wally Bryson, Dave Burke, Dave Smalley y Jim Bonfanti, tuvo un repertorio más extenso de temas originales, resaltando “It’s cold outside”, el cual se pasó de masivo hit en Cleveland a impactante simple nacional norteamericano llegando al puesto No. 68 de la mano de la fonográfica Roulette Records. Mientras The Choir disfrutaba de su logrado suceso y una cadena de simples, Cyrus Erie, creada por los hermanos Michael y Bob McBride, se convirtió en la mejor agrupación de la zona poco después de que Eric Carmen se les uniera en 1967.
Eric convenció a Bryson, quien había abandonado recientemente The Choir, de unirse a la banda. En presencias en directo, Cyrus Erie hizo principalmente covers de canciones de otros artistas firmando con Epic Records y registrando dos originales -“Get the message” y “Sparrow”- en un disco sencillo.
A raíz de esto Bryson abandonó todo para regresar a The Choir, que condujo a la disolución de Cyrus Erie. Carmen y Dann Klawon formaron entonces The Quick, grabando un single con dos temas propios de Carmen-Klawon para Epic, sin mucha repercusión.

THE RASPBERRIES: UN MILLÓN DE PLACAS

En poco tiempo Eric Camen forma The Raspberries, teniendo en la primera plantilla a Wally Bryson en guitarra líder y voz, John Aleksic – guitarra rítmica, Jim Bonfanti en batería, y el propio Eric Carmen en piano, bajo y voz. El grupo fue lanzado discográficamente por Capitol Récords logrando vender un millón de placas con “Go all the way” sonando día y noche en USA.
The Raspberries estaban influenciados por la llamada invasión británica de esos tiempos -The Beatles, The Hollies, Small Faces, The Who, por nombrar algunos- siendo realmente pioneros de la llamada onda “power pop” por su sensibilidad en hits posteriores: “Let’s pretend”, “I wanna be with you” y “Overnight sensation”.
En 1974 Eric Carmen deja el conjunto que se desintegra en 1975, para iniciar actividades en solitario.

ESTUDIA VIOLÍN, PIANO y CANTO

Eric Carmen proviene de una familia de inmigrantes judíos. Desde temprana edad se pasó compartiendo sus estudios primarios con los de violín, piano y canto a través del espacio Dalcroze Eurthythmics en Cleveland Institute of Music.
A los 11 años ya tocaba el piano y soñaba con escribir sus propios temas. La llegada de los Beatles y los Rolling alteró ligeramente su gran aspiración, y aunque se formó clásicamente en piano, se convirtió en un guitarrista autodidacta.
A los 15 adquirió un libro de acordes de los genios de Liverpool, estudiando guitarra durante cuatro meses. Inmediatamente, Carmen se volvió profesional mientras asistía a la Universidad John Carroll.
Luego de su pasaje por The Raspberries donde dejó su huella se lanzó en solitario junto a una excepcional banda de respaldo dando que hablar con sucesos imparables: “All by myself”, “Never gonna fall in love again”, “She did it”, “Hungry eyes” y “Make me lose control”.

COMPONE CUANDO LO SIENTE

Eric Carmen mantiene actualmente como principal fuente de ingresos los derechos de autor y publicación de sus discos, adoptando la corriente de hacer shows y componer cuando realmente lo siente.
Tiene dos hijos -Clayton y Kathryn- de su única esposa, Susan, de la cual se divorció en 2009.
Actualmente vive en pareja en Ohio con Amy Murphy.
Más allá de la nostalgia.

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ABBA: A 41 AÑOS DE “DANCING QUEEN”

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

En la fecha se cumplen 41 años de la llegada al No. 1 en las listas del Reino Unido del tema compuesto por Bjorn y Benni, «Dancing queen» -«Reina bailarina»- siendo -además- el único primer lugar en Billboard del famoso grupo sueco Abba. El lanzamiento también se pegó al tope de los charts en Alemania, Bélgica, Suecia, Nueva Zelanda, Países Bajos, Austria, Noruega, Irlanda, Suiza, Australia, Zimbabwe, Sudáfrica y México, entre otros. Dos años más temprano obtendrían el 5 de abril de 1974 el XIX Festival de Eurovisión, celebrado en Brighton, en la costa sur de Inglaterra con «Waterloo». Abba empezó primera y de ese puesto no se movió nunca, fue un certámen bastante claro. Eran los favoritos, no solamente ganaron el evento, sino que a través de su victoria ineludible se dieron a conocer por infinidad de lugares del orbe. En 1976 -momento de «Dancing queen»- gozaban las mieles del éxito en el mercado discográfico internacional. Dancing queen en simple. 1

EL TIEMPO PASA, LOS HIMNOS QUEDAN

«Dancing queen» es un tema en el lineamiento disco y pop, escrito por Bjorn Ulvaeus, Benny Anderson, Stig Anderson y Anni-Frid Lyngstad, editado primero en disco simple e incluido luego en el cuarto álbum registrado por la agrupación, «Arrival».
Fue una de las primeras canciones escritas para el disco-grande, pensando que fuera el primer sencillo para la promoción del LP, aunque, a pedido de su personal manager, «Fernando» fue elegida antes de «Dancing queen». A mediados de 1976 «Reina bailarina» sonó con fuerza en vivo en el casamiento de Carlos XVI Gustavo de Suecia y Silvia Sommerlath. Allí Abba se presentó en la Ópera Real de Suecia en Estocolmo, haciéndola en directo. Tras su lanzamiento fue todo un hit, y tras los comentarios periodísticos, radiales, y televisivos, la presentación del clip, los shows en directo en varios espacios de tv alrededor del mundo, hicieron que el tema ganara popularidad y se convirtiera en el disco simple más vendidos del cuarteto. Hasta la actualidad, se ha incluido en varios álbumes recopilatorios de ABBA -«ABBA gold», «Greatest hits vol. 2» y «The definitive collection»- además de ser utilizado en varios filmes y programas en la pantalla chica, al mismo tiempo que se han lanzado varias versiones nuevas grabadas por otros intérpretes. Actualmente, es considerada la canción más reconocida de Abba y varias publicaciones dedicadas a la música la identifican como una de las mejores dentro de su género.

VERSIÓN EN ESPAÑOL

Los argentinos Buddy y Mary McCluskey -agentes de RCA Récords en Buenos Aires- se dedicaron a colocar las letras en español a las diferentes canciones del cuarteto. El 7 de enero de 1980 se grabaría «Dancing queen» en castellano en los estudios Polar Music -propiedad de la banda sueca- lo que sería el segundo corte del álbum «Gracias por la música» enteramente en la lengua de Cervantes. Explotó en España, América Latina y Area Latina USA. Según «Récord World» de Thomas Fundora, durante 1976 y 1977, fue el grupo «estrella» por las radioemisoras latinas de Estados Unidos. El LP incluye: «Gracias por la música», «Reina bailarina», «Al andar», «Dame, dame, dame», «Fernando», «Estoy soñando», «Mamma mía», «Hasta mañana», «Conociéndome, conociéndote», y «Chiquitita». En Uruguay el álbum fue editado por APSA, con licencia de la etiqueta naranja RCA. También obtuvo superventas.

FAMOSOS EN EL ORBE

En los inicios de 1977 Abba ya era admirado y famoso a nivel mundial. Ese año «Arrival» -donde está «Dancing queen»- recibió un galardón en la primera entrega de los premios Brit Awards en el rubro «Mejor álbum internacional». Eso ocurre debido a sus ventas y popularidad por Inglaterra. Su gran tourné comienza el 28 de enero por Australia y Europa, donde montan un espectáculo aparte. La gira llamó la atención de la prensa escrita de Europa Occidental, extendiendo los shows en Copenhague, Gotemburgo, Colonia, Berlín, Amberes, Amsterdam, Hanover, Essen, y terminando con varios recitales en Manchester, Glasgow, Londres y Birmingham. Las entradas para las dos presentaciones en el Royal Albert Hall se colocaron únicamente por correo, y más tarde la principal oficina postal divulgó que recibieron más de tres millones y medio de solicitudes.

375 MILLONES DE DISCOS VENDIDOS

Las ventas totales de ABBA varían de acuerdo a la fuente que se cite. Cuando el cuarteto se separó en 1982, The New York Times estimó sus ventas en más de 100 millones de álbumes, sin contar sus discos simples. En 2008 Universal Music Group entregó al grupo un reconocimiento por haber vendido más de 375 millones de copias de sus producciones musicales. Los cuatro miembros del grupo han hecho algunas reapariciones especiales para espectáculos relacionados con ABBA. Hasta ahora no realizaron ningún reencuentro. Hoy se les extraña en el panorama musical. Más allá de la nostalgia.

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JERRY LEWIS: EL BUFON DE LA PANTALLA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Llenó de películas con alegría los estrenos, las matinés y los continuados de las salas cinematográficas y más tarde la programación de los canales de televisión. Un gran comediante que hacía carcajear a todos con sus locuras, divirtiéndolos a puro ingenio ocupando un lugar privilegiado en el humor. Sus habilidades cómicas en pantomimas y representaciones histriónicas o burlescas, le acompañaron por la pantalla mientras él quiso participar por diferentes largometrajes. Jerry Lewis, el auténtico bufón de Hollywood, permaneció en actividad hasta este año 2017, hasta que el pasado domingo 20 de agosto, dejó de existir a los 91 años, víctima de una enfermedad cardíaca terminal, en Las Vegas, Nevada. Fue además actor -por sobre todo- cantante, productor y director de cine, y guionista. Se inició en la radio, continuó en el teatro y la televisión, e inmediatamente el cine lo llamó, siendo furor su dupla con Dean Martin en muchos filmes, como Martin y Lewis, acumulando sensacionales éxitos de taquilla hasta casi finales de los cincuenta. Luego de ese impacto se convierte en estrella en shows de tv, presentaciones, registro de discos, musicales y más cintas, trabajando solo. Obtuvo varias distinciones por sus realizaciones en los Premios American Comedy, Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, Festival Internacional de Cine de Venecia y Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, y fue honrado con dos estrellas en el Paseo de la fama de Hollywood. Nos dejó sus fantásticas actuaciones en «El botones», «El profesor chiflado» y tantas más, en muchas escenas donde eternamente nos hará reír. Rock a bye baby, 1958. 3

GASTABA BROMAS y ROBABA POLLOS FRITOS
Rachel «Rae» Brodsky, pianista, y Daniel Levitch, animador y maestro de ceremonias en espectáculos teatrales utilizando el seudónimo profesional de Danny Lewis, fueron los padres judíos rusos de Joseph Levitch, conocido artísticamente como Joey Lewis y luego Jerry Lewis, quien nació el 16 de marzo de 1926, en la llamada «ciudad de los ladrillos», Newark, en Nueva Jersey, Estados Unidos. Jerry se inició a los cinco años actuando junto a sus progenitores por distintos lugares de Norteamérica. Cuando estaba cursando el décimo grado de secundaria en el Instituto Irvington abandonó de manera imprevista sus estudios. Realmente era todo un personaje, hasta en su juventud haciéndole bromas a sus vecinos y penetrando a las escondidas en las cocinas para hurtar pollo, tortas y pasteles. Durante la segunda guerra mundial, fue rechazado por el servicio militar debido a un problema respiratorio.

LA PAREJA DE LA COMEDIA
Despues de haber pasado por la radio haciendo comicidad, por el teatro con comedias y algunas películas baratas en el cine, a partir de 1946 se uniría a Dean Martin para encarar varias producciones en donde lograría un excelente suceso. Juntos realizaron un show en centros nocturnos de gala, luego como figuras estelares de su propio espacio «The Martin and Lewis Show» para la cadena NBC Red Network, y en el programa «Toast of the town» en CBS, que más tarde se llamaría «The Ed Sullivan Show». Con estas credenciales a la vista Martin y Lwvis inician su carrera juntos en Paramount Pictures como actores de reparto en «My friend Irma», 1949, basada en un radioteatro del mismo nombre. Fue seguido por «My friend Irma Goes West», en 1950. Continuarían catorce títulos más que se fueron convirtiendo en hit de manera ascendente.

CANTANDO EN LAS VEGAS
Finalizada la sociedad, y con Jerry Lewis en crisis pensando en su futuro, Sidney Luft, esposo y manager de Judy Garland, lo llama para pedirle que suplante a su esposa -que en ese momento tenía una faringitis- en una actuación en Las Vegas. Jerry debió cantar, hacer chistes con el público, y de conductor de la velada. La presentación logró impactar en los espectadores, y allí Jerry pudo comprobar que podría seguir solo con su querida actividad. La multinacional Capitol lo contrató para grabar el álbum «Jerry Lewis just sings», disco que una vez lanzado durante cuatro meses colocó casi medio millón de placas vendidas, alcanzando el brillante número tres en la lista de Billboard. Se convierte en una verdadera estrella de comedia por créditos propios con su primer film en solitario, «The delicate delinquent», 1957. Acto seguido, llegarían más cintas: «The bellboy» -«El botones»- «The ladies man», «The errand boy», «It’s only money», «El profesor chiflado», «El mundo está loco, loco, loco», entre otras.

OSCAR HUMANITARIO
Su carrera se extendió hasta los primeros meses de este año, y hasta le dio el tiempo en su vida de casarse dos veces, tener siete hijos y convertirse en un humanitario de renombre mundial apoyando la recaudación de fondos para la investigación de la distrofia muscular.
Hasta 2011, fue presidente y portavoz de la Muscular Dystrophy Association. Jerry Lewis extra special, Jerry Lewis super show y Jerry Lewis stars across America, durante casi cincuenta años, recaudó más de 2600 millones de dólares en donaciones por la causa. En 2009 fue reconocido con el Oscar Humanitario Jean Hersholt como reconocimiento a su gran labor.
Fue un magnífico actor detrás de un gran payaso. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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CUANDO LOS RECUERDOS NOS ATRAPAN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Practicamente en cuestión de contadas horas llega otra edición de «La Noche de la Nostalgia», versión 2017, en este caso. Y si bien hemos repasado la historia de la fenomenal fiesta uruguaya en diferentes oportunidades en estas páginas, hoy retornamos para continuar con todo el sentimiento que nos invade la velada del 24 de agosto. Llegó el momento de sacar del sótano o de un rincón del ropero, los discos. Ya sea los long.play, simples, dobles, cassettes, compactos, etc, etc., y de ponernos por lo menos un poquito al día, ya que esa discografía va quedando atrás; ahora se recurre y se oye en la notebook, en el celular o en el diminuto pendrive, que si no prestás atención o sos precavido, se te pierde en cualquier instante, debido a su minúsculo tamaño. Pero, sin irnos del tema, es el momento de aquellas canciones, aquellos éxitos, aquellas historias que uno tiene, y que muchas nos pueden olvidar. Son los propios recuerdos que nos atrapan y nos transportan a rememorar un tiempo pasado donde no sé si fue mejor, pero sí que hubo dicha, felicidad, muy buena música y por qué no, momentos de los otros. Nos quedamos con las mejores evocaciones, con las más alegres y entretenidas que nos tocó en suertes disfrutar. De eso se trata esta jornada de excepción de emociones a flor de piel. KC and the Sunshine Band. 3
LA REINA DE LA MÚSICA DISCO
La música disco que impuso su moda a fines de los setenta y comienzos de los ochenta, tenía su reina, Donna Summer. Una artista que aparece de manera ineludible en cada «Noche de la Nostalgia». La influencia de esta mega-star en la música pop y dance actuales es innegable, tanto por el sonido acuñado por su productor Giorgio Moroder como por su exuberante imagen, con una puesta en escena y vestuario que marcaron tendencia en su preciso momento. Canciones suyas como «I feel love» han sido interpretadas en directo por Kylie Minogue, Blondie y John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers. Se replican fragmentos de sus temas en las canciones nuevas de Beyoncé, «Naughty girl» se basó en «Love to love you baby», y Madonna -cuyo tema «Future lovers»- incluye un fragmento de «I feel love». Y los Pet Shop Boys también han admitido haberse inspirado en ese tema para crear su hit «So hard». La famosa referente de la onda disco obtuvo en cinco ocasiones los premios Grammy, siendo la primera cantante en tener tres álbumes consecutivos en alcanzar el número uno en Estados Unidos, a través de Billboard Hot 100. Donna Summer a lo largo de su carrera colocó más de 150 millones de discos en todo el orbe, lo que la convierte en una de las artistas con mayores ventas de todos los tiempos.
EL QUINTETO TAVARES y LA KC SUNSHINE BAND
Diferentes en su estilo, pero super bailables el quinteto Tavares y la KC and The Sunshine Band, están abonados en los «Recuerdos del 24». Tavares pegó con su fulminante éxito «Heaven must be missing an angel» -«El cielo debe estar perdiendo un ángel»- y es atracción en las pistas bailables mitómanas. Se trata de una banda compuesta por cinco hermanos de New Bedford, Massachusetts, que con su perfil disco, R&B y soul, trascendió por sus impactos. El grupo se incluyó en la banda sonora del filme «Saturday night fever» en 1977, registrando el tema de los Bee Gees «More than a woman» y su versión llegó al Top Pop 40 de ese año. La música de la película se erigió en una de las más exitosas de la historia, otorgándole a Tavares su único Grammy. Por otra parte, la KC and the Sunshine Band inundó los charts de venta y popularidad con «Rock yout baby» y «Shake, shake, shake, shake your booty», en 1976, «I’m your boogie man», 1977, «Boogie shoes», 1978, y «Please don’t go», 1979, entre otros que se solicitan permanentemente en «La Noche de la Nostalgia».
ALPHAVILLE, ONDA TECNO
Los alemanes de Alphaville también marcan absoluta presencia en los cercanos recuerdos. Un grupo de synth pop que fue muy popular en la década de los ochenta. Entre sus temas más impactantes figuran «Big in Japan», «Sounds like a melody» y «Forever young», todos incluídos en su estupendo álbum debut «Forever young», en 1984. Movidos y sentimentales que atraen por las pistas. Y cerramos con Paul Young, cantante británico de rock de 61 años hoy, que tocó la fama en 1985 y se coló en la nostalgia con la exquisita melodía «Everytime you go away», que él mismo compuso. Faltarían muchísimos más. Sale a bailar la noche del 24, escucha y luego me cuentas qué más hubo. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com 

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THE DRIFTERS: MAGIA DE LA NOSTALGIA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Se trata de uno de los grandes temas bailables de «La Noche de la Nostalgia»: «Kissin’ in the back row of the movies» -«Besándonos en la última fila del cine»- interpretado a las mil maravillas por el legendario grupo vocal afroamericano de doo wop y rhythm & blues, The Drifters, formado en 1953. Un título que se mantiene activo hasta el presente, con diferentes cambios en su integración, destacándose por sus voces de corte espectacular, sin dudas. Ante la proximidad de la noche del 24 de agosto, hoy recreamos la magia de la nostalgia con «Kissin’ in the back row of the movies» y The Drifters, un oldhit único e incomparable. Sin embargo, el ahora cuarteto se descolgó en su larga trayectoria con otros grandes sucesos que fueron hits calientes en los distintos charts mundiales de venta y popularidad. The Drifters, primeros tiempos. 1

SE IDENTIFICAN CON CLYDE McPHATTER

La verdadera historia de The Drifters comienza con Clyde McPhatter, aunque realmente permaneció en el grupo por espacio de un año. McPhatter integró durante tres años Billy Ward and his Dominoes, a partir de 1950. Fue la pieza fundamental y responsable del éxito de Dominoes, hasta que por un problema en el conjunto, forma su grupo propio: The Drifters. Exactamente en septiembre de 1953 la agrupación se lanza con su primer hit «Money honey», al que le seguirían «Such a night» y «White christmas» bajo licencia de la fonográfica Atlantic Records. El interés de obtener un sonido gospel bien conformado, llevó a McPhatter a hablarles a cuatro de los cinco miembros de su antiguo grupo cantable de la iglesia, Mount Lebanon Sigers. Así llevó a William «Chick» Anderson -tenor- David Baldwin -barítono- James «Arrugas» Johnson -bajo- y David «Little Dave» Baughan -tenor- Con una sola sesión de grabación de cuatro canciones, el 29 de junio de 1953, McPhatter vio que esta combinación no funcionaba y se decidió por otra línea de componentes.
En el segundo intento continuaría apostando por vocalistas del rubro gospel: Gerhart Thrasher como segundo tenor, Andrew Thrasher, barítono, -ambos miembros del grupo gospel «Thrasher Maravillas»- Bill Pinkney, tenor alto, Willie Ferbee, al bajo, y Walter Adams en guitarra. Esta sería la integración cuando se registró «Money honey».

LLEGA BEN. E. KING

Luego de varios cambios en la banda, en 1957 McPhatter se retira para continuar como solista, lo que ocasiona que el grupo termine por separarse un año después. Así, culminaría la primera etapa de The Drifters. Al desintegrarse momentáneamente el manager observa a un grupo llamado The Five Crowns, quedando gratamente impresionado por su cantante, Benjamín Nelson -llamado posteriormente- Ben E. King, convenciéndolos para que le cambiaran el nombre por The Drifters. El nuevo grupo tuvo una serie de impactos.
Uno de los más grandes fue «Save the last dance for me», el cual llegó al número en las listas de Billboard en octubre de 1960. Entonces la banda vuelve a re-formarse a las órdenes de los productores Jerry Leiber y Mike Stoller. Sus miembros son Ben E. King, Doc Green, Elsberry Hobbs, Charlie Thomas y Reggie Kimber. De nuevo su primer disco, «There goes my baby», resulta ser un gran éxito, al que seguirían otros como «Dance with me» o «This magic moment».

MUCHOS INTEGRANTES, MUCHOS SUCESOS

Entre sus muchos integrantes se encuentran, el propio Clyde McPhatter, Gerhart Thrasher, Andrew Thrasher, Charlie White, Bill Pinkney, Willie Ferbee, Walter Adams, Ben E. King, Doc Green, Derek Ventura, Bernard Jones, Lloyd Butch Phillips, Beary Hobbs, Rudy Lewis, Charlie Thomas, Tommy Evans, Eugene Pearson, Johnny Terry, Terry King, Johnny Moore, Bobby Hendricks, Butch Leake, Rudy Ivan, Jimmy Lewis, Ray Lewis, Bill Fredericks, Louis Price, Maurice Cannon, Glenn Dodd, Pierre Herelle, Carlton Powell, Jason Leigh, Phil Watson, y más. Sus impactos también muchos: «Memories are made of this»,1966, «Baby what i mean, 1966, «Ain’t it the truth», 1967, «Something tells me» 1972, «You’ve got your troubles», 1973, «Like sister and brother», 1973, «Kissin’ in the back row of the movies», 1974, «Down on the beach tonight», 1974, «Love games», 1975, «There goes my first love», 1975, «Can i take you home little girl», 1975, «Hello happines», 1976, «Every night’s a saturday night with you», 1976, y «You’re more than a number in my little red book», 1976, entre tantos.

EN LA FAMA DEL ROCK

En el famoso Salón de la Fama del Rock and Roll están homenajeados The Drifters en diversas integraciones. Sus temas -sin tiempo ni edad- han figurado en el Billboard hot 100 top 30 con inigualable continuidad. Aunque en los últimos tiempos el éxito es mayor en el Reino Unido. Su hit más destacado «Kissin’ in the back row of the movies», continúa sobresaliente como su tema más popular de todos los tiempos. Más allá de la nostalgia.

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BEE GEES: A 46 AÑOS DE UN NÚMERO UNO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

How can you mend a broken heart” fue uno de los grandes himnos de Bee Gees en su historial de la música. Hace 46 años un día como el de hoy llegaba al No. 1 de Billboard, USA. Sucedió en 1971. Los hermanos Gibb daban que hablar con este lanzamiento que más tarde recorrería los diferentes países del mundo con un éxito singular.

“Cómo puedes reparar un corazón destrozado” es un “caballito de batalla” de Bee Gees, el grupo que hacía ya muchos años que estaba en carrera, habiendo incorporado un sonido realmente sinfónico a su repertorio.
Es decir, más allá de su propia banda de músicos, habían integrado una verdadera orquesta de cuerdas y más, para respaldar grabaciones y specials en directo. Así, se fue creando el sonido Bee Gees. Que tuvo dos etapas, antes y después del filme “Saturday Night Fever”, en 1977. Incluyendo a partir del filme de Travolta, temas más rítmicos y bailables, pero también de notable factura. Bee Gees, auténtico número uno. 1

DE LA PLUMA DE BARRY y ROBIN GIBB

“How can you mend a broken heart” es un tema escrito por Barry y Robin en el mes de agosto, 1970, cuando ambos hermanos Gibb habían vuelto a reunirse luego de un período en el cual se habían separado.
La canción en cuestión la habían ofrecido en un principio -Barry y Robin- al cantante Andy Williams, pero a último momento Bee Gees la registraron con sus voces particulares, la lanzaron en simple, y luego en “Trafalgar”, álbum de 1971.
Fue grabada el 28 de enero de 1971 en Londres, en IBC Studios.
La base instrumental estuvo a cargo de Barry Gibb en guitarra, Maurice Gibb – guitarra, piano y bajo- Alan Kendall en guitarra, y Geoff Bridgeford en batería, con cuerdas controladas y conducidas por Bill Shepherd.
Los cantantes: Robin, Barry y Maurice. Fue editado como single en mayo de 1971. El lado B del simple es un tema que no fue lanzado en álbumes: “Country woman”, compuesta por Maurice Gibb, grabado el 6 de abril con: Maurice -guiitarra, piano, bajo- Kendall -guitarra- y Shepherd en cuerdas y trompeta. “How can you mend a broken heart” no logró un gran éxito en Reino Unido, pero fue el primer sencillo de Bee Gees en los Estados Unidos en obtener el número uno en el Billboard Hot 100, además de lograr el escalón No. 4 en Billboard Easy Listening Survey.

UNA NUEVA VERSIÓN

Con el paso del tiempo una nueva versión del tema apareció en Inglaterra, cuando salió la primera edición del álbum compilado Bee Gees: “Their greatest hits – The record”. Tiene las voces distintas y también la parte instrumental es diferente a la primera que se grabó.

Las diferencias entre las versiones ilustran cómo Bee Gees construyeron la canción parte por parte. Más tarde el tema es cambiado por el original.
Teddy Pendergrass grabó una versión de “How can you mend a broken heart” para su LP titulado “Truly blessed”, lanzado en 1991, y Steve Brookstein en su álbum “Heart & soul”, en 2005. Al Green realizó otra versionen su álbum de 1972 “Let’s stay together. La canción fue además hecha por Michael Bublé en 2003, con Barry Gibb cantando en la voz de fondo, en su álbum del mismo nombre Michael Bublé.
La versión de Bublé alcanzó el Top 30 de la lista “Billboard adult contemporary”. La cantante de jazz y pianista Diana Krall no ha grabado la canción, pero si la interpretó en su tour de 2007.

EL FINAL PARA BEE GEES

El 14 de abril de 2012, el periódico “The Sun” informó que Robin Gibb había ingresado a una clínica privada, se encontraba acompañado por su esposa Dwina, su hermano Barry y sus tres hijos, que temían que a Robin le quedaban “Breve tiempo de vida”. Ese mismo día, el portal E-Online informó que Robin estaba en estado de coma en una clínica de Londres. Familiares del famoso intérprete de 62 años, a quien en 2011 le fue diagnosticado un cáncer de hígado, informaron que estaba internado en un hospital a causa de una neumonía, agregó el portal citando fuentes periodísticas.
Finalmente, fallece el 20 de mayo de 2012 tras una larga batalla contra el cáncer, anunciaron sus allegados.

Con la desaparición de Robin, la agrupación finaliza abruptamente su carrera musical de manera definitiva. Sin embargo, en septiembre y octubre de 2013, Barry Gibb -el único hermano sobreviviente- efectúa su primer tour en solitario por el Reino Unido, llamado “Mythology tour: In honour of his brothers and a fifetime of music”, en el cual interpreta los grandes sucesos de Bee Gees.

UNA SERIE DE ESTAMPILLAS

En octubre de 1999 la Oficina Postal de Isle of Man lanzaron una serie de 6 estampillas en honor a Bee Gees. El lanzamiento oficial tomó lugar en el London Palladium donde el musical de “Saturday night fever” fue mostrado. Un lanzamiento similar fue efectuado en Nueva York poco después y casi coincidiendo con lo que ocurría al otro lado del atlántico. Las canciones mostradas en las estampillas son “Massachusetts”, “Words”, “I’ve gotta get A message to you”, “Night fever”, “·Stayin’ alive” e “Immortality”. Más allá de la nostalgia.

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LOS CAZADORES DEL RATING

Muchos afirman que con la aparición de Marcelo Tinelli cambiaron muchas cosas en la televisión, por ejemplo el humor. Que fue algo que se hizo más explícito, más suelto, con todas las palabras, con menos de doble sentido y de imaginación, más para esta época que estamos viviendo. Sin embargo, nos preguntamos ¿qué hubiera sido de aquellos

Barbara Mujica, 1970

Barbara Mujica, 1970

clásicos programas cómicos de antaño, adaptados a la actualidad? Por ejemplo, ver a «Los jubilados» el notable sketch de «La Tuerca», ¿sería bueno, verdad? O los delirantes personajes de Pepe Biondi en «Viendo a Biondi» o por qué no, al elenco multitudinario de «La Revista Dislocada» de Delfor, espacio considerado hasta hoy en día un auténtico semillero de estrellas que luego desembocarían con importantes trayectorias en el mundo del espectáculo argentino y rioplatense. Eran buenos de verdad, y no se mostraban para llegar bien arriba en la medición, simplemente lo lograban porque tenían condiciones, al público le encantaba, al compás de una leal competencia televisiva. Fueron verdaderos cazadores del rating, sin siquiera esforzarse y sin pensarlo.
«LOS JUBILADOS»
DE «LA TUERCA»
«La Tuerca» fue un espacio reidero que se iniciara en 1965, en blanco y negro, con una hora de duración, manteniéndose en grilla hasta 1974, relanzado en 1982 y 1989, con el mismo elenco que otrora. La tira semanal nocturna se convirtió en suceso y varios actores obtuvieron distinciones por su participación. En 1969 recibieron un premio Martín Fierro como «Mejor programa humorístico». Los Canales 13 y 9 emitieron «La Tuerca», en Buenos Aires. En Montevideo fue Montecarlo TV Canal 4. Entre los gags, figuraban un banco con cuatro jubilados, la pelea de una familia porque deseaba que se casara una hija, un mensaje que debía ser enviado a otro en un departamento y correr de un lugar a otro y hasta el vecino que jamás finalizaba de plantar un árbol en la vereda por causa de la burocracía, entre otros. «Los jubilados» aparecían bien sentaditos en el blanco de una plaza para discutir de todo, hasta del tiempo. Los geniales capos cómicos eran: Tincho Zabala -el del fierro- Guido Gorgatti -Toseli- Vicente Rubino -el alemán- y Rafael «Pato» Carret -el

Karadagián con el Hombre de la Barra de Hielo

Karadagián con el Hombre de la Barra de Hielo

italiano. Todos hablaban y colocaban su bocadillo: «Ma, dónde lo encontraste escrito eso»? decía Carret, mientras Gorgatti -hoy con 97 años en su haber- tosía, Zabala repetía enérgicamente «hay que agarrar el fierro y entrar a dar y a dar!» y el inefable Rubino se descolgaba con una frase que tenía relación con la hija de Carret que hacía de secretaria de un abogado… «Aahhhhh, claaaaaaro!…, entonces nenita suya hacer indifrundi, disheguen… trabajo con abogado!». Realmente inolvidable!…
LA TROUPE DE MARTIN
Paralelamente, pero en otro rubro «Titanes en el ring», con un verdadero desfile de luchadores también marcaron una época y fueron sin querer cazadores del rating. El show era producido y manejado por el armenio Martín Karadagián, quien era secundado por un sinfín de personajes: Ararat, el armenio, Caballero Rojo, Don Quijote y Sancho Panza, El Gitano Ivanoff, El Vikingo, Hippie Jimmy, La Momia Blanca, La Momia Negra, Mercenario Joe, Mister Moto, Rómulo y Remo, Rubén Peucelle el Ancho, Super Pibe, Tufic Memet el Arabe, Ulises el Griego, Yolanka, La Viudita, y hasta El hombre de la barra de hielo. El primer programa de «Titanes en el Ring» se emitió por canal 9, Libertad, el 3 de marzo de 1962 -Canal 4 de Montevideo- cosechando un gran éxito desde el principio, finalizando en 1988. La troupe se presentó en vivo en la capital, aprovechando el hit del espacio, en el Cilindro Municipal. De sus luchadores apareció un album de figuritas y alfajores.
«SÁBADOS CIRCULARES»:

Pinky viajaba en colectivo

Pinky viajaba en colectivo

UN SHOW APARTE
Empezando en la tele bien de abajo, el periodista Nicolás «Pipo» Mancera se abrió paso con sus «Sábados Circulares».
Al principio en el canal levantaron una película y le dieron dos horas de espacio, pero como el programa fue creciendo en teleaudiencia, también fue sumando horas de duración hasta constituírse en un «long-show» cazador del rating. Mancera le pusó a sus «Circulares» su destreza periodística, y el lanzamiento de máximas figuras: Sandro, Juan y Juan, Las Trillizas de Oro, Alberto Cortéz, Los 5 Latinos, Leonardo Favio, Sergio Denis, y la llegada de estrellas internacionales: Charles Aznavour, Gina Lollobrígida, Lola Flores, Sophia Loren, Geraldine Chaplin, Alain Delon, Libertad Lamarque, Sean Connery, Pelé, Joan Manuel Serrat, Raphael, María Félix, entre tantos. Alguna vez dijo Mancera con relación a «Sábados Circulares»: «El programa nació porque no había nada que poner los sábados a la tarde…». Sin pensar en el rating, llegó a medir 82

Sandro en Sábados Circulares de Mancera

Sandro en Sábados Circulares de Mancera

puntos.
PINKY VIAJABA
EN COLECTIVO
Nacida en San Justo, provincia de Buenos Aires, Lidia Satragno, más conocida bajo el seudónimo de Pinky, también se convirtió en cazadora del rating en Argentina y Uruguay.
Exmodelo, de muy buena voz y dicción, periodista con carpeta, supo triunfar imponiendo su estilo en Canal 13 de Baires y en Canal 12 Larrañaga de Montevideo, donde se acercaba a principios de los sesenta cada domingo para conducir en vivo un programa de cinco horas, de entretenimientos y música, que fue todo un éxito. Como anécdota agregamos que su esposo por aquel tiempo Raúl Lavié, casi siempre estaba cantando de invitado especial, para luego juntos retornar a la capital porteña. Y culminamos, destacando a una reconocida actriz también cazadora del rating, que se fue muy joven de este mundo, a los 46 años, Bárbara Mujica, dueña de una presencia y voz inolvidable, se la recuerda mucho por su labor en las tiras de Nené Cascallar, en especial «El amor tiene cara de mujer», junto a Rodolfo Bebán, Rodolfo Ranni y Soledad Silveyra durante cuatro largas temporadas. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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BEACH BOYS: A 52 AÑOS DE “CALIFORNIA GIRLS”

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“California girls” -“Chicas de california”- fue acaso el tema más popular y exitoso de The Beach Boys.
Escrito por Brian Wilson y Mike Love, líderes del grupo y registrado en 1965. Hoy, hace 52 años del acontecimiento. La canción en forma primaria fue lanzada en disco simple 45 rpm. con “Let him run wild” en el lado B, trepando al casillero No. 3 del Billboard Hot 100, 26 en Inglaterra, 28 en Países Bajos, 6 en Canadá, No. 2 en Zimbabue, entre otros. Luego incluida en su álbum “Summer days”.
Participaron de aquella grabación: Mike Love, voz líder, Brian Wilson, vocal, Carl Wilson, bajo sexto, vocal, Dennis Wilson, vocal, Al Jardine, vocal y Bruce Johnston, vocal. Apoyados por varios músicos importantes de sesión: Leon Russel y Al de Lory en teclados, Howard Robers, guitarra, Carol Kaye – bajo, Frank Capp, vibrafóno, Roy Caton, Steve Douglas, Jerry Cole, Jack Nimitz, y Jay Migliori, en vientos, Lyle Ritz, bajo, y Hal Blaine – batería. La afamada publicación “Rolling Stone” colocó a “California girls”, en el lugar 71 en su lista de los 500 mejores temas a través del tiempo.  Lanzamiento de California girls en simple.   2 2
Además, el super-éxito de siempre, “caballito de batalla” de tantos dj’s en “La noche de la nostalgia” del próximo 24 de agosto a la noche; forma parte del Salón de la Fama del Rock, debido a su marcado hit norteamericano y mundial.

MÚSICA Y CULTURA SURF

The Beach Boys es una agrupación formada en la ciudad norteamericana de Hawthorne, California, en 1961. Se pusieron -“Los Chicos de la Playa”- debido a que practicamente vivían allí en las costas de California.
El grupo fue representativo en su momento del estilo de vida en ese lugar, en la década de los sesenta, así como también de la música y cultura del surf de la época. En los inicios de su carrera, sus creaciones se basaban de manera exclusiva en el denominado surf-rock-pop, con producciones y arreglos muy finos de guitarras, y más que nada de perfecta unión de voces que dotaban de un sonido característico e inconfundible al conjunto.
Durante la segunda mitad de la década, el quinteto incursionó en el pop barroco y psicodélico, con álbumes como “Pet sounds” y “Smiley smile”, respectivamente, además del aclamado sencillo “Good vibrations”.

LA PARTITURA DE BRIAN WILSON

En un reportaje realizado oportunamente Brian Wilson declaró que luego de ingerir LSD, salió corriendo a su dormitorio, ocultándose debajo de la cama, gritando “Siento mucho miedo de mi mamá y mi papá!”. . .
En determinado momento, inspirado por “California girls” se paró, exclamando “Very good!”… “Esto es muy bueno”. Acto seguido fue al piano, comenzó a tocar el bajo varios acordes, leyendo la partitura una y otra vez. Al otro día, junto a Mike Love finalizaron el resto del tema. Según Wilson “California girls” está inspirada en Johann Sebastian Bach; y fue la primera canción de la banda que se grabó con la voz de Bruce Johnston, quien ya tendría la tarea de sustituir a Wilson en las presentaciones en directo.
En aquel año, Brian Wilson determinó alejarse de la agrupación por diferentes problemas personales. Aún así, en los setenta prosiguieron publicando material, como “Carl and the passions” – “So tough” – Sin embargo, el grupo -con cambios en su formación a lo largo de su historia- nunca llegaron a recuperar la popularidad que tuvieron a mediados de la década del sesenta. Y desde los ochenta, ha habido muchas disputas legales entre los miembros del conjunto sobre las regalías, los derechos de autor y el uso del nombre.
Por otra parte, existió una demanda por parte de Rondor Music, editorial de las canciones de The Beach Boys, contra el tema “California gurls” de Katy Perry, acusando de que la canción de Perry plagió una parte de la letra de “California girls”, más precisamente el estribillo.
Rondor reclama la inclusión de Brian Wilson y Mike Love -autores de “California girls”- en los créditos de la canción de Perry, la demanda también incluye a la fonográfica que editó el tema de la cantante pop, Capitol Records, quien a su vez lanzó el tema de The Beach Boys en 1965. Tanto el representante de Brian Wilson como el de Mike Love, han declarado de que al ser Rondor Music poseedor de los derechos de la canción, los autores no pueden hacer nada al respecto, cualquier acción legal es manejada por Rondor.

RENUNCIARON AL FALSETE

En 1985, el nuevo productor de The Beach Boys, Terry Melcher, trató de crear un nuevo sonido para la banda. La música fue determinada cada vez más por los componentes electrónicos, tales como baterías, bajo y un sonido dominante de teclado. Además, también se renunció a la voz en falsete típico de The Beach Boys.
Para el disco “Summer in paradise”,1992, los fans de la banda no llegaron a interesarse, debido al sonido extraño que ofrecía. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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RICHARD ANTHONY: EMBLEMÁTICO DE LA NOSTALGIA

Aburrido de colgar éxitos en las pizarras de venta y popularidad por el mundo entero, con más de cincuenta millones de placas colocadas, que le otorgaron discos de oro, platino,doble y triple platino, sobre casi setecientos temas, entre los que se cuentan de su autoría y versionados, marca un récord total para Richard Anthony, un ícono de la nostalgia.Richard Anthony.   1 Triunfador absoluto en la década de los sesenta, por sobre todas las cosas. Donde empezó a interpretar canciones de otros artistas, haciéndolas a su estilo tan particular de entonar, logrando un tremendo impacto en 1968 con “Aranjuez, mon amour”, en adaptación melódica del adagio del “Concierto de Aranjuez”, de Joaquín Rodrigo, con letra de Guy Bontempelli. Recorrió el orbe llevando su show, aplaudido prácticamente por todos los públicos.

NACIÓ EN EL CAIRO, EGIPTO
Al igual que Claude Francois, Georges Moustaki o Dalida, Richard Anthony llegó a este mundo en Egipto, exactamente en El Cairo, el 13 de enero de 1938, bajo el nombre de Richard Btesh. Hijo de madre casi inglesa, hija del cónsul de Iraq en Alejandría, y de un empresario textil de Alepo, Siria, transcurrió su niñez en Egipto, Inglaterra, Argentina y Francia, donde se recibió de estudiante en el colegio Janson de Sailly, de París. Inmediatamente acudió a la universidad para estudiar abogacía, alternando con un trabajo

Uno de sus discos

Uno de sus discos

fulltime en una empresa que regenteaba varias fábricas. Salió cantante de nacimiento, por naturaleza, aprendiendo a tocar el saxo, que luego tocó en reductos de jazz de París, donde era sumamente elogiado. Ya en 1958, con apenas veinte años en su haber, logra su primera grabación con dos temas de moda en la época: “Peggy Sue” de Buddy Holly y “You are my destiny” de Paul Anka, en la fonográfica CBS Columbia. El disco simple quedó adornando las bateas exhibidoras de las casas de ventas de discos; lo compró muy poca gente. Hasta que ya en su tercer lanzamiento en forma de LP, le llega el suceso, más que nada por “Nouvelle vague”, una versión del tema de The Coasters. Le siguieron, muchos más, destacándose, “Et j’entends siffler le train”, registrado en 1962.

AMIGO DE LOS BEATLES, GRABABA EN SU PROPIO ESTUDIO
Tres años más tarde, y luego de ser el solista más vendedor de discos en Francia junto a su amigo Johnny Hallyday, en 1965, edita “Je me suis souvent demandé”, una adaptación de un trabajo de Bobbejaan Schoepen de Bélgica, que impactó en casi toda América Latina, bajo el título de “A veces me pregunto yo”, cantado en castellano, constituyéndose en un himno romántico de mediados de los sesenta. Acto seguido, la disquera le solicitó que hiciera versiones en otros idiomas: en italiano, alemán, inglés y árabe, algo que para Richard le resultó una tarea realmente fácil, ya que hablaba muy bien dichas lenguas.
Luego de la grabación del hit, llega al número uno en muchos países, reafirmando su popularidad. Innovador nato, queriendo mejorar en todo, con deseos de superar los sonidos de los temas, decide grabar en los estudios británicos Abbey Road de Los Beatles, haciéndose amigo de ellos, compartiendo galas en varias oportunidades, en Londres y París.

SEIS MILLONES DE DISCOS
De “Aranjuez, mon amour” vendió seis millones de álbumes, y su popularidad eclipsó al propio profesor y músico Joaquín Rodrigo -coautor del tema- debido al éxito logrado. Y seguían los hits: “Las manos en los bolsillos”, “Le grand meaulnes”, “Un homme en enfer”, “L’ete”, “Les ballons”, “Le sirop typhon” -una versión adaptada del suceso

Aquí acompañando a los famosos Beatles

Aquí acompañando a los famosos Beatles

británico “Lily the pink” de The Scaffold- “Les petits cochons”, “Poema de amor”, “Si cada tarde muere una rosa”, “L’an 2005″ -adaptación de “In the year 2525″ de Zagger and Evans- “Bien I’bonjour”, “Na na hé espoir”, “El arca de Noé”, “Il pleut des larmes”, y “Et aprés”, de Salvatore Adamo, entre otros. Durante la década de los setenta su carrera fue bajando, aún así presentó “Amoureux de ma femme”, en 1973, y “Non top”, 1978. En 1982, problemas fiscales lo llevaron por tres días a la cárcel. En 1996, retornó a los estudios de grabación para versionar nuevamente sus canciones más conocidas en un álbum, llamado “Sentimental”, que se lanzó en Francia y España. También publicó su autobiografía. En 1998, celebró sus 40 años de carrera en París.

DOS MATRIMONIOS,
NUEVE HIJOS
Richard Anthony lamentablemente dejó de existir el 20 de abril de 2015, en la localidad de Pégomas, en el sur de Francia, víctima de cáncer. Tenía 77 años, y con él se fue aquella imagen francesa de comienzos de los sesenta, la de la música “ye-ye”. Se casó en dos oportunidades, y tenía nueve hijos reconocidos. Más allá de la nostalgia.

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A LOS 63 AÑOS: NEIL TENNANT, VOZ CARACTERÍSTICA DE PET SHOP BOYS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Cantante, compositor, periodista musical e ideólogo del dúo Pet Shop Boys son parte de sus magníficas credenciales.
Nacido un día como el de hoy, 10 de julio de 1954 -está cumpliendo 63 años- en North Shields, un puerto pesquero cerca de Newcastle, en Inglaterra, bajo el nombre de Neil Francis Tennant. Hijo de una ama de casa, Sheila M. Watson -1923-2008- y de un representante de ventas, William W. Tennant -1923-2009, tiene además una hermana mayor, Susan, y dos hermanos menores, Simon y Philip. En tiempos de que Neil era muy pequeño la familia se trasladó a una coqueta casa en Greenfield Road, cerca de Brunton Park, un suburbio de gente pudiente en Newcastle.
De chico, Neil concurrió a la escuela secundaria St. Cuthbert’s, un centro de estudios católico. Mientras estaba allí, Neil tocaba la guitarra y el violonchelo. Ya a los 16 años, participó de un grupo folk llamado Dust, cuya tema más popular fue “Can you hear the dawn break?”, siendo fuertemente influenciados por The Incredible String Band, un número muy novedoso y de moda en esos tiempos. Recién empezaba en la música, teniendo un mundo por delante. Neil Tennant.   1

POLITÉCNICO DE NORTH LONDON

En 1975, tras recibirse del curso “Historia del Arte” en el Politécnico de North London, Neil realizó tareas durante un tiempo como editor británico de Marvel Comics. Su cometido era adaptar los diálogos del catálogo de Marvel para los lectores del Reino Unido, así como indicar dónde era necesario volver a dibujar a las mujeres demasiado exuberantes para hacerlas más decentes para las ediciones inglesas. En 1977, dejó este puesto por otro más importante en Macdonald Educational Publishing, que después pasaría a llamarse ITV Books. En 1982, arribó a la revista pop juvenil Smash Hits, donde alcanzó la silla de editor asistente. Mientras estaba en dicha publicación, tuvo la oportunidad de viajar a Nueva York y entrevistar a los componentes de The Police. Allí, conoció a Bobby Orlando, un productor de música bailable de suceso en los ochenta -A saber: Divine, Roni Griffith, The Flirts, The New York Models, Waterfront Home, y más- a quien él tanto admiraba. Neil le mencionó que escribía canciones en sus tiempos libres y Orlando aceptó grabar algunos de sus temas posteriormente.
Así, Orlando produciría el primer sencillo de Pet Shop Boys, “West end girls”, lanzado en abril de 1984, teniendo éxito solo en Bélgica, Francia, Holanda, Italia y la costa oeste americana. En Inglaterra sólo obtuvo el número 121 de la lista de sencillos.

NACE PET SHOP BOYS

Neil Tennant se conoció con Chris Lowe -la otra parte del dúo- en una casa de electrodomésticos de King’s Road, en Chelsea, Londres, el 19 de agosto de 1981.
Esto ocurrió debido a que Neil, luego de adquirir un piano electrónico, no sabía cómo conectarlo a una fuente de potencia, y entonces se dirigió rápidamente a dicho comercio para conseguir un plug especial para que funcionara el equipo, encontrándose con Lowe.
Ambos tenían en común su afición a la música, y posteriormente a algunas conversaciones decidieron escribir juntos algunos temas, más allá de sus gustos personales. A Chris, el dance, y a Neil, la música clásica.
Originalmente pensaron en llamarse West End, debido más que nada por el centro de Londres, pero a los días lo cambiaron por su nombre actual recordando a un amigo de ambos que cumplía tareas en un local de mantenimiento de animales. A Neil, en foma personal, le encantó el nombre porque sonaba como si fueron de un grupo de rap.

“WEST END GIRLS”: CABALLITO DE BATALLA

“Please” fue el primer álbum de Pet Shop Boys, editado el 23 de marzo de
1986, logrando el puesto número tres en el casillero Album Chart Británico. Desde que fue lanzado “West end girls”, el 28 de octubre del año anterior, logrando el primer lugar en nueve países, se erigió en su verdadero caballito de batalla. Recientemente «West end girls» fue elegida por una encuesta telefónica de la BBC como la mejor canción de la década entre 1984 y 1994. Después, aparecería en single “Love comes quickly”, que solamente se despegó en el Reino Unido, “Opportunities” siguió en la ruta, mientras que su primera tourné que estaba prevista para 1986, se postergó hasta 1989, dado que el dúo no deseaba aparecer en vivo.
Poco después, llegó “Suburbia”, y a lo largo de su carrera “It’s a sin”, “Always on my mind”, “Heart”, “Domino dancing”, “Go west”, “Can you forgive her”, “Before”, “Somewhere”, “New York city boy”, “Integral”, “Did you see me coming”, entre tantos. En 2016 apareció su última producción “Super”.

REVELA SU SEXUALIDAD

Neil Tennant se define como gay, haciendo pública su sexualidad en un reportaje en la publicación “Attitude”, en el año 1994. También es abonado de la Fundación de SIDA de Elton John. En estos momentos vive en dos casas, una en Durham y otra en Londres.
Por otra parte, Pet Shop Boys a lo largo de su carrera, ha obtenido una serie de distinciones y premios por sus trabajos: Brit awards, Ivor Novello, Gold Jury Award, BPI Awards, Berolina awards, Music week’s awards, Siggraph wave awards, RSH gold awards, Guiness records, Pixel awards, Evening standard award, VO5 NME awards, y otros. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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PETER FALK: DETRÁS DEL TENIENTE COLUMBO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Se lo identificaba por su vieja gabardina -que aparentemente se la quitaba únicamente para ir al baño o para dormir- por un puro maloliente -casi nunca encendido- por un peugeot destartalado, y hasta por su perro, a quien él lo llamaba así por no haberle encontrado un nombre que le quedara bien, «¡Ven, perro!». Su ocupación: Teniente de la Policía de Los Ángeles, sector homicidios, habilidad: encontrar al culpable, sin utilizar un arma o la fuerza, simplemente por sospechar de la persona, y una vez que ha decidido quién es el culpable, no lo dejará ni un segundo, haciéndose pasar por una persona despistada para engañarlo, persiguiéndolo incansablemente por todos los sitios, acosándolo con conversaciones e interrogatorios a diario, hasta el momento en que al homicida se le terminaban las coartadas, confesando el crimen consumado. En ese ínterin, el detective además hablaba de su esposa -que nunca apareció en los 69 episodios de la tira- o saboreaba su plato preferido, chile con carne y galletitas bien saladas, algunas veces con judías. Su nombre es Columbo, el eterno «sabueso» de la televisión.

LOS EPISODIOS SON LARGOMETRAJES
De la serie «Columbo», creada por Richard Levinson y William Link, se hicieron 12 temporadas. Luego de dos capítulos piloto, en 1968 y 1971, en Estados Unidos la tira se emitió regularmente entre los años 1971 a 1978, y más adelante entre 1989 y 2003. La idea fue que cada uno de los episodios son largometrajes creados para televisión. La primera particularidad de la serial es que se sabe siempre quién es el asesino, ya que, salvo excepciones, el crimen se muestra al principio de cada episodio. Otra curiosidad es que nunca hay sangre en la escena del crimen.
Columbo siempre revisa todos los bolsillos de su ropa para buscar notas o evidencias, pero nunca para mostrar su placa. Los asesinos siempre son muy educados, correctos y jamás oponen resistencia al arresto.

EL PAPEL DEL ASESINO
Grandes artistas han realizado el papel del asesino: Leonard Nimoy, Robert Culp, Jack Cassidy, Ross Martin, Ed Begley Jr., Tyne Daly, William Shatner, Patrick McGoohan, Robert Vaughn, Laurence Harvey, Ruth Gordon, Janet Leigh, John Cassavetes, Ray Milland, Ricardo Montalban, George Wendt, Johnny Cash, Martin Landau, Donald Pleasence, Louis Jourdan, Vera Miles, Roddy McDowall, Faye Dunaway, Fisher Stevens, Rip Torn, Billy Connolly, Ian Buchanan, Dick Van Dyke, José Ferrer, Oskar Werner, Richard Kiley, Robert Conrad, Tom Isbell y Theodore Bikel. La propia mujer de Peter Falk -el protagonista principal de «Columbo»- Shera Danese, apareció en seis capítulos. Por otra parte, los directores fueron bastante más seleccionados de lo acostumbrado para películas de televisión: Richard Quine, Steven Spielberg, John Cassavetes -quien también intervino como actor- Patrick McGoohan y Jonathan Demme, nada menos, entre otros menos conocidos. Los guionistas más destacados fueron, aparte de sus famosos creadores: Richard Levinson y William Link, Steven Bochco, Peter S. Fischer, William Driskill y Jackson Gillis.

DE ORIGEN RUSO-POLACO
La estupenda actuación de «Columbo» recae en Peter Michael Falk, nacido en Nueva York, el 16 de septiembre de 1927, de origen ruso-polaco. Hizo filmes y televisión, pero su punto más alto y conocido fue justamente esa serie, la que obtuvo cuatro Premios Emmy y un Globo de Oro.
También Falk fue nominado a los Oscar de la Academia por su actividad cinematográfica.
En 1965, el actor logra suceso por su interpretación de Daniel O’Brien en «The trials of O’Brien». Con el tiempo los productores lo llamarían para «Columbo», pensando en una sola entrega en formato telefilme. La primera aparición fue «Prescription: Murder», el 20 de febrero de 1968, por la cadena NBC logrando un record de teleaudiencia. Debido a eso, la televisora encargó una segunda cinta: «Ransom for a dead man», estrenándose el 1 de marzo de 1971, a la que se le puede considerar también como piloto para la serie que continuó más tarde. La inmensa popularidad del personaje tuvo su cénit en 1975, cuando el salario de Peter Falk ascendió a 125.000 dólares -uno de los honorarios más altos de la época- por capítulo.

DOS MATRIMONIOS EN SU HABER
Peter Falk se casó en dos oportunidades. Con Alyce Mayo desde 1960 a 1976, y con Shera Danese desde 1977 a 2011, momento en que deja de existir el reconocido actor en Beverly Hills, el 23 de junio. Padecía mal de Alzheimer. Sus hijas son dos: Catherine Falk -adoptada- y Jackie Falk.
En los últimos tiempos se había dedicado a la pintura, siendo también reconocido por la crítica. Su mayor personaje de la pantalla se mantiene vivo gracias al DVD y a los canales de cable. Más allá de la nostalgia.

Columbo con su puro y en automóvil

Columbo con su puro y en automóvil

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ELVIS PRESLEY: A 40 AÑOS DE SU ÚLTIMO CONCIERTO

Una nota exclusiva de Juanjo Alberti, desde Montevideo

Hace cuatro décadas atrás, exactamente el domingo 26 de junio de 1977, a las 8.30 pm, se realizaba el último recital del gran rey Elvis, en el Market Square Arena de Indianápolis, Indiana. Cuando casi culminaba este show presentado por el gran artista, después de entonar el clásico “Hound dog”, llamó a su padre para que el público lo conociera, comentando que había estado bastante alicaído por una enfermedad, así fue ovacionado en el escenario desde todas las graderías. Más tarde presentaría a Ginger Alden y a varios familiares más y colaboradores directos del cantante. En el cierre se despidió de sus seguidores: “Deseo agradecerles a todos ustedes… Este es el último día de nuestra gira. No podríamos haber pedido un público mejor. Si quieren que volvamos… volveremos…” En poco menos de dos meses más tarde se iría de este mundo para siempre.

CANTÓ SUS HIMNOS ROCKEROS

El rey brindó una tremenda actuación luciendo una camisa blanca dorada que brillaba de mangas anchas, de pantalones también blancos de los llamados “oxford” abiertos de un lado, con evidentes síntomas de sobrepeso, en abdomen y rostro, más que nada, debido al continuo suministro de antidepresivos y pastillas para dormir. Así y todo hizo desfilar himnos varios: “All shook up”, “Blue suede shoes”, “Jailhouse rock”, “Always in my mind”, “Can’t help falling in love”, “Love me”, “Fairytale”, “O sole mio”, “You gave me a mountain”, ·Little sister”, “Bridge over troubled water”,.”Please release me”, “Johnny B. Goode”, “My way”, y “Unchained melody”-con el mismo Presley tocando el piano- entre otros, en un total de 25. Sin saberlo, y sin anunciarlo sería su último recital. Había un lleno total, ya que las entradas se colocaron todas con anterioridad, y estaban agotadas. Desde muy temprano se observaron en el estadio largas colas para acceder al predio. El concierto fue filmado para un documental, y para la televisión que emitió en directo, registrando todo para emitirlo en otras oportunidades. Sin dudas, qué momento espectacular en la historia de la música.

SU TALENTO: MÁS ALLÁ DE SU ENFERMEDAD

Posteriormente al concierto, el rey empezó a decaer más y más con su salud. El talento continuaba intacto. El 1o. de agosto de 1977 se publicó el libro de Elvis: “What happened?”, escrito por los tres guardaespaldas del cantante, que fueron despedidos en 1976. Fue el primer material que expuso detalladamente los años en que Presley se había drogado. Tras el lanzamiento el cantante quedó muy bajoneado intentando sin respuesta evitar su publicación en gran escala, ofreciéndole mucho dinero a la editorial en cuestión. En ese entonces, ya sufría de diversas enfermedades: glaucoma, hipertensión arterial, daños en el hígado y megacolon. En todas ellas, Elvis presentaba un cuadro médico grave causado posiblemente por el consumo excesivo de drogas. Se había programado que Presley iniciara una nueva tournée, pero en la tarde del aquel 16 de agosto de 1977, lo encontraron inconsciente en el piso del baño. Llegaron inmediatamente los médicos para reanimarlo, pero lamentablemente no lo lograron. El deceso de Elvis fue debido a un infarto y se hizo público desde el Baptist Memorial Hospital de Memphis. Se fue con sus jóvenes 42 años. Tras su muerte, el presidente de Estados Unidos, Jimmy Carter manifestó que Presley había “Cambiado para siempre el rostro de la cultura popular estadounidense”.

MILLONES Y MILLONES DE DISCOS VENDIDOS

Poseedor de una voz particular, y de practicar con suceso los géneros country, baladas, rock, blues y gospel, fue el solista con más ventas de discos en la historia misma de la música popular. Nominado a 14 premios Grammy, ganando tres, y obteniendo uno en el rubro de “la carrera artística” a los 36 años, además de figurar en diversos salones de la fama cinematográficos y musicales. En 2016, fue certificado por la RIAA como el tercer máximo vendedor de álbumes de todos los tiempos en Norteamérica, solo por detrás de The Beatles y Garth Brooks. Más allá de la nostalgia.

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CHAVELA VARGAS: LA EXCELENCIA MUSICAL

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Una vez le preguntaron, dónde había nacido… “¡Soy mexicana!” -Pero Ud. nació en Costa Rica! “¡Los mexicanos nacemos donde nos da la rechingada gana!”… a lo que agregó más adelante… “Nada me han enseñado los años, siempre caigo en los mismos errores otra vez a brindar con extraños y a llorar por los mismos dolores. Todo lo he hecho a sabiendas y no me arrepiento de nada. Ni de lo bueno, ni de lo malo, ni de los momentos felices, ni de las tristezas… Al final, tengo el alma llena de paz y tranquilidad. Les dejo de herencia mi libertad…”. Esas serían las respuestas y las frases llenas de verdad de Chavela Vargas. Una artista de relieve, sentimientos, a quien muchos llamaron “La dama del poncho rojo” o “La Chamana”.

Retrato de la intérprete, nacida en Costa Rica pero  considerada una de las artistas mexicanas más respetadas

Retrato de la intérprete, nacida en Costa Rica pero
considerada una de las artistas mexicanas más respetadas

Su verdadero nombre es Isabel Vargas Lizano, quien nació el 17 de abril de 1919, en San Joaquín de Flores, Heredia, Costa Rica, dejando de existir en Cuernavaca, Morelos, México, el 5 de agosto de 2012, a la edad de 93 años, constituyéndose en una cantante costarricense, naturalizada mexicana. Fue figura principal y peculiar de la música universal, destacándose en el estilo ranchero, especialmente fuera del circuito mexicano. La distinguieron con el reconocimiento “A la excelencia Musical” de la Academia Latina de las Ciencias y Artes de la Grabación en 2007.
LA MÚSICA NO TIENE FRONTERAS
“La música no tiene fronteras, pero sí un final común: el amor y la rebeldía…”. “Ama sin medida, sin límite, sin complejo, sin permiso, sin coraje, sin consejo, sin duda, sin precio, sin cura, sin nada. P.D. No tengas miedo de amar… vertirás lágrimas con amor o sin él”. “Lo supe siempre. No hay nadie que aguante la libertad ajena; a nadie le gusta vivir con una persona libre. Si eres libre ese es el precio que tienes que pagar: la soledad”, serían varios de los pensamientos de Chavela hechos en voz alta. Chabela fue hija de Herminia Lizano y Francisco Vargas, fue bautizada en la basílica de Guadalupe, tres meses después de haber llegado al mundo, el 15 de julio de 1919. Realmente tuvo una infancia difícil, ya que sus progenitores se separaron y se desprendieron de ella, dejándola al cuidado de sus tíos, sufriendo poliomielitis. Se abrió camino en la canción ranchera, porque tenía condiciones manifestando un gran estilo de interpretación. Solía cantar un cancionero semejante al de José Alfredo Jiménez, pero lo hacía sola, con apenas una guitarra, dejando el corazón ahí mismo, como emulando el canturrear de un hombre en estado de ebriedad. Así la fueron catalogando como picaresca y humorística. Pero, fue una muchacha que en tiempos juveniles vivía al revés que una dama: se vestía como un caballero, ingería alcohol, fumaba abundante y hasta portaba un revólver. Con todo eso en su haber desde su juventud, a la edad de 81 años, en un reportaje del año 2000 manifestó por primera vez a los cuatro vientos de su condición de lesbiana.
DE PICASSO, NERUDA, HASTA ELIZABETH TAYLOR
La intérprete se afincó en México cuando tenía tan solo 17 años. A los 30 se hizo profesional, y a partir de ese momento empieza a conocerse en medios artísticos, por sus presentaciones en el puerto de Acapulco, actuando en el casamiento de Elizabeth Taylor con Michael Todd, donde estuvieron presentes Debbie Reynolds, Eddie Fisher y Cantinflas, entre tantas estrellas. En ese ínterin también conoce a Grace Kelly, Ava Gardner, Pablo Neruda y Picasso, generando una buena amistad con los pintores Frida Kahlo y Diego Rivera, quienes la llevaron a su hogar para que allí se hospedara. Muy cerca de Chavela estaban Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel, Miguel Bosé, Joaquín Sabina, Facundo Cabral, Ana Belén, Agustín Lara, María Dolores Pradera, Álvaro Carrillo, y más, siendo ellos sus amigos visitándola cada vez que podían. El primer disco de Vargas se editó en 1961; en 1964 participó de “Premier Orfeón”, serie tv mexicana y en 1967 encarnó a Angela en “La soldadera”, filme de José Bolaños.
ALMODÓVAR, LA APARTÓ DEL ALCOHOLISMO
Chavela ingería alcohol de manera sorprendente. Tal es así que se retiró de sus realizaciones a fines de los setenta, y durante muchos años nadie supo nada de ella. Pero, se encontró casualmente con el director cinematográfico Pedro Almodóvar, haciéndole superar esos problemas, retornando al medio en los noventa. Vargas nunca más bebió, hizo ejercicios siempre, y con ochenta años en su haber hasta se tiró en paracaídas. En su segundo período participó en muchas películas, efectuó actuaciones por el mundo -caso Sala Caracol de Madrid, Zócalo de México, Olympia de París, en el Carnegie Hall, a los 85 años, en 2004, y en el Luna Park de Buenos Aires, también en 2004, donde el valor de la entrada era un libro que sería donado para la biblioteca pública argentina.
En abril de 2012, con 93 años, lanzó su libro-disco “Luna Grande”, donde revivió, a modo de homenaje, grandes poemas del escritor español Federico García Lorca y repasó algunos de sus hits.
En julio, 2012, presentó su último cd en un concierto en la Residencia de Estudiantes de Madrid.
Fue la última vez que apareció en público. Más allá de la nostalgia.

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SONIA BRAGA: LA SENSUALIDAD DE LOS ’80

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Con imagen de mulata sexy buscadora de amor irrumpió en Brasil y Hollywood, y nadie la pudo detener. Haciendo entrar a los hombres en un complejo laberinto interminable, confundiéndolos de manera sorprendente; así se relacionaban sus papeles exitosos principalmente de los ochenta y los noventa, pasados de erotismo para la época. En ese tiempo la tv y el cine le otorgaron una imagen hiper sensual que dió mucho que hablar. “Gabriela” en 1975, “Doña Flor y sus dos maridos”, 1976, y “Dancin Days” en 1978, han sido algunos de los puntos más altos de Sonia Braga, sumándose sus actuaciones nominadas al premio Golden Globe en “El beso de la mujer araña”, 1985, y “Luna sobre parador”, 1988, en territorio norteamericano. También recibió una distinción al Premio Bafta en 1981, un Emmy y un tercer Globo de oro, estos dos últimos por “La estación ardiente”, filme para televisión. Sus otros créditos para la pantalla chica incluyen “Cosby Show”, 1986, “Sex and the city”, 2001, “American familly”, 2002, y “Alias”, 2005. Toda una carrera que le ha otorgado el título de una gran estrella. Sonia Braga.   1
ACABA DE CUMPLIR 67 AÑOS
Sonia María Campos Braga nació el 8 de junio de 1950 en Maringá, bien al norte del estado brasileño de Paraná. Su madre María Braga Jaci Campos, diseñadora de vestuarios, y su padre Hélio Fernando Ferraz Braga, constructor, le dieron a Sonia, dos hermanos: Ana Júlia y Hélio. La hija de su hermana Ana, Alice Braga, es también actriz. La familia de Braga se mudó a Curitiba, y luego a Campinas. En ese momento, Sonia María tenía tan solo ocho años cuando su padre falleció, y de inmediato la internaron en una escuela de monjas en San Pablo. Ya retirada de sus estudios se marchó a ganarse la vida trabajando en el centro de recepciones Buffet Torres, como recepcionista. Paralelamente, fue estudiando actuación, iniciando una carrera interpretativa con apenas 14 años en la televisión local. Fue invitada por el director Vicente Sesso a aparecer en determinados teleteatros a través de “Jardín Encantado”. Luego se unió a un grupo de teatro haciendo presentaciones en vivo y en directo por varios escenarios. Ya a los 17 años debutó en la obra “George Dandin” en Santo André. En 1968, cuando Roberto Carlos ya triunfaba por Brasil, América y Europa, actuando en Italia en el Festival de San Remo, Sonia Braga participaba en el elenco de la primeraópera rock brasileña “Hair”, dirigida por Ademar War. Ese mismo año cuando la actriz se encontraba en el reparto de la cinta “O bandido da luz vermelha”, fueron apareciendo más papeles secundarios que se extendieron hasta principios de los setenta: “A moreninha” y “Cleo e Daniel”. Por esa fecha, fue invitada a actuar en “A menina do veleiro azul”, una telenovela producida por TV Excelsior, pero la red cerró antes de que la tira saliera al aire. A pesar del suceso en las distintas etapas de los teleteatros, fue en la serie tv “Vila Sésamo”, que se mostró definitivamente en 1972, donde Braga se erigió en un apellido popular. Tiempo después, Sonia se unió al nutrido elenco de “Irmaos coragem”, telenovela escrita por Janete Clair, que se emitía por Red Globo.
“GABRIELA” JUNTO A MARCELLO MASTROIANNI
En 1975 Sonia protagonizó “Gabriela”, tira adaptada de la novela de Jorge Amado, “Gabriel, Clavo y Canela”. Dirigida por Walter Avancini, fue un hit por todos los sitios, estableciendo a la estrella como un símbolo sexual. Es así que en 1976 realiza el largometraje “Doña Flor y sus dos maridos”, dirigida por Bruno Barreto, junto a José Wilker y Mauro Mendonca. La cinta logró extraordinaria taquilla por los cines de Brasil y también a nivel internacional. En 1983, rueda la versión cinematográfica de “Gabriela” junto al mismísimo Marcello Mastroianni. Posteriormente llegarían “El beso de la mujer araña” y “Luna sobre parador” en los Estados Unidos. En ese tiempo, Sonia pudo haber encarnado otro filme ícono del cine erótico, acotando al respecto la actriz: “Otros países ya estaban explotando esa sexualidad sudamericana, y en Estados Unidos también querían librarse de esa imagen puritana, pero no les resultó fácil. Se hizo la película “Nueve Semanas y Media” con un director británico, quien quería que yo interpretara el rol principal, pero el guión tenía demasiado diálogo y yo no podía hablar el idioma. Por eso no pude aparecer en esa película”.
MÁS PELÍCULAS, MÁS TELENOVELAS
Sonia Braga obtuvo excelentes críticas por su última película “Aquarius” cuando se estrenó en el Festival de Cannes, 2016. A pesar de que el filme no obtuvo una nominación al Oscar para Braga, logró adjudicarse “Mejor Película Extranjera” en los Premios César de Francia y los Independent Spirit Awards. Sonia se clasificó entre los cinco primeros desempeños en la encuesta de IndieWire para los críticos de 2016 en el rubro “Mejor actriz”. Durante la década de los ochenta, Braga tuvo relaciones sentimentales con David Lee Roth, ex-líder de Van Halen, con Robert Redford y Clint Eastwood. No tiene hijos. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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CYNDI LAUPER: ¡LA CHICA DE LA SUERTE!

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Un día como el de hoy, pero de 1984, llegaba al número uno USA la excéntrica cantante Cyndi Lauper con «Time after time», su primer disco como solista, cargado de temas -algunos compuestos por ella- en un estilo super bailable especial para las discos. De hecho, resultó un boom y fue promovida por las radios y los dancings, con tremenda repercusión. Cynthia Ann Stephanie «Cyndi» Lauper nacida el 22 de junio de 1953 -próxima a cumplir sus 64 años- en el barrio de Queens, el distrito más extenso de New York, es además de cantante y compositora, actriz y activista. Su carrera ya sobrepasó los 30 años de trayectoria. Su primer álbum en solitario fue «She’s so inusual», que incluía, entre otros, su suceso «Girls just want to have fun» -«Las chicas solo quieren divertirse»- correpondiéndole la distinción de «Mejor artista revelación» en la entrega del 27º Grammy Awards de 1985. Al año entrante, siguió con la banda sonora del filme «The Goonies», con «True colors» y «Change of heart», que a propósito trepó al número tres de los top100 Billboard. Cyndi ha ganado además de Grammy, Premios Tony, Emmy Awards, American Music, MTV Video y Billboard Music Awards, y ha vendido hasta el momento la friolera de más de 50 millones de discos, y 20 millones de discos simples. Cifras que conmueven a cualquiera, sin dudas. En su momento, la estrella de la música declaró en nota con la televisión norteamericana: «Soy un verdadero producto del estudio de grabación, donde me encuentro feliz de poder registrar mis temas y además me considero una chica de suerte por haber logrado éxito con mi material…». En pleno show.   2

SEGUIDORA DE JUDY GARLAND y THE BEATLES
Los padres de Cyndi vivían de conflicto en conflicto. Catrine Dominique y Fred Lauper, ambos de origen italo-americano y alemán y suizo, respectivamente, se divorciaron dejándole a la cantante una hermana mayor, Elena, y un hermano menor, Federico -a quien llamaban Butch, en su niñez.- Su madre Catrine volvió a contraer nupcias y se separó nuevamente, teniendo que ir a trabajar como camarera. Durante ese lapso de tiempo, Cyndi comenzó a escuchar a través de la radio y los discos a Billie Holidary, Ella Fitzgerald, Judy Garland y The Beatles, haciéndose seguidora de la mayoría de los artistas. Tanto su hermana como su madre le ayudaron a crecer como figura, ya que a los doce años recién cumplidos tocaba muy bien guitarra acústica, escribiendo sus temas propios. De joven elevó su pasión por la música de calidad y el arte, y a los quince ya se hacía el color en el cabello de distintas tonalidades y se vestía de moda llamativa. Cyndi abandonó sus estudios secundarios, a los 17 años y se fue de su casa. En su periplo pasó dos semanas en los bosques de Canadá con su perro, tratando de encontrarse a sí misma. Con el tiempo terminó en Vermont, Estados Unidos, donde tomó clases de arte en el Johnson State College, manteniéndose con diferentes trabajos no calificados. Se sentía apasionada por la música bailable.

CONOCE AL SAXOFONISTA JOHN TURI
Cyndi conoce al saxofonista John Turi, en 1978, a través de su manager y amigo Ted Rosenblatt. Lauper y Turi fundaron Blue Angel, una agradable banda, registrando un demo. El director de The Allman Brothers Band, Steve Massarsky, escuchó la cinta magnetofónica agradándole el estilo y la voz de Cyndi. Adquirió el contrato del grupo Blue Angel por cinco mil dólares y se convirtió en su representante. La artista recibió otras ofertas para grabar como solista, pero no lo deseó, queriendo que el conjunto fuera incluido en el convenio que se hiciera. Al final, Blue Angel estampó rúbrica con Polydor y editó su LP homónimo en 1980. El álbum «no caminó», Blue Angel se desintegró y Cyndi debió hacer horas extras en una tienda, debido a problemas económicos que estaba enfrentando. En 1981, cantando en un bar local de Nueva York, Cyndi hace contacto con David Wolff, quien asumió el cargo de director y le hizo firmar un contrato de grabación con Portrait Records, una filial de Epic Records. Ese sería el inicio de su fama bien ganada.

GRABA SUS ÉXITOS MUNDIALES
El 14 de octubre de 1983, lanza su álbum en solitario, «She’s so unusual». El disco alcanzó el puesto número 4 en USA, y se convirtió en un impacto mundial. Los músicos del estudio principal fueron Eric Bazilian y Rob Hyman -The Hooters- Rick Chertoff, Richard Termini y Peter Wood. El otro Billboard Hot 100 singles en «She’s so unusual» fueron «She bop «-No. 3- «All through the night « -No. 5- escrito por Jules Shear, y «Money changes everything « -No.27- El LP hizo a Lauper la primera mujer en tener cuatro consecutivos Billboard Hot 100 de los cinco mejores éxitos de un álbum. El LP se mantuvo en las pizarras Top 200 por más de 65 semanas. Por otra parte, el clip de «Las chicas solo quieren divertirse» logró el MTV Video Music Awards en 1984.

«WE ARE THE WORLD» POR ÁFRICA
En 1985 Cyndi participa en Estados Unidos por la campaña de recaudación de fondos por África, «We are the world», que vendió más de veinte millones de copias desde entonces. Se casó con el actor David Thornton en 1991, con el cual tiene un hijo, Declyn Wallace Thornton nacido en 1997. Desde 1977 se encuentra en actividad profesional hasta la actualidad. Más allá de la nostalgia.

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HASTA SIEMPRE, ROGER MOORE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Lo conocí en los sesenta como Simón Templar en una serie británica espectacular que emitía Canal 12 TV Larrañaga de Montevideo en horario nocturno. Era “El Santo”, tira de espionaje, drama, policial, creada por Leslie Charteris, donde se desempeñaba en el protagónico un brillante actor llamado Roger Moore. Me hice adepto a la tira, la miraba una vez a la semana, y así fue que quedé totalmente enganchado con su trama tan bien desarrollada durante seis temporadas, con 118 capítulos en total -exactamente 71 en blanco y negro, y 47 en color- Simón Templar era un aventurero “de aquellos”, ayudando siempre a los que necesitaban, siendo el auténtico pilar de la serial. Agente clase A con sus modos refinados, “pintún” -dijeran ellas- de diálogos suaves hasta en los peores momentos, con mucha ironía. En los Estados Unidos la producción fue inicialmente emitida por la cadena NBC, no obstante resultó ser sumamente impactante llegándose a propalar casi en unos 60 países, siendo la segunda serie británica de acción de más hit, sólo por detrás de “Los vengadores” de la pícara Emma Peel, de numerosas distinciones a lo largo de su permanencia en grilla. “El Santo” apareció por vez primera en el Reino Unido en Independent Television -ITV- el 4 de febrero de 1962 y por última el 9 de febrero de 1969, mostrando a un Roger Moore en un moderno auto veloz y deportivo a pleno, que llegaría muy lejos con el paso del tiempo en la historia de la tele, y la cinematografía más que nada. Roger Moore encarnando a Simón Templar en El Santo. 1
DEBUT EN 1945 COMO EXTRA
Sir Roger George Moore nació en Stockwell, Londres, el 14 de octubre de 1927. Fue hijo único de Lilian “Lily” Pope, ama de casa y de George Alfred Moore, un agente de policía. Roger asistió a la Escuela de Gramática de Battersea, a Launceston College y más adelante al preparatorios del Dr. Challoner en Amersham, Buckinghamshire. Más adelante el padre de Roger investigó un robo en la casa del director de cine Brian Desmond Hurst, recomendando a su hijo al reconocido cineasta para que le diera una oportunidad como extra en algunos de sus filmes. Roger lo visitó, dialogó con él y al poco tiempo el estudio lo contrató para su primera oportunidad como extra en “César y Cleopatra”, película de 1945. Teniendo en cuenta su desempeño lo enviaron a tomar clases de arte dramático, donde adquiriría la soltura de ese especial comportamiento relajado de sus personajes en la
pantalla. A los 18 años poco después de la Segunda Guerra Mundial, Roger es reclutado para hacer el servicio militar y allí se convierte en segundo teniente del cuerpo real. Lo mejor estaba por llegar.
FIRMA CONTRATOS CON MGM Y WB
La primera aparición en tv de Roger fue el 27 de marzo de 1949 en “The governess” de Patrick Hamilton, y en los primeros años de los cincuenta trabajó como modelo saliendo en comerciales de pasta de dientes y casimires. En 1954 estampa su firma con MGM por siete años para realizar varias cintas, que no resultaron buenas. Tal es así que es liberado de su contrato en 1958. Luego pasó algún tiempo efectuando actuaciones fugaces en series al estilo de “Alfred Hitchcock presenta”. y en 1959 registra arreglo con WB a largo plazo para televisión y cine. Aparece en tiras: “Ivanhoe”, “Los Alaskans”, “Maverick”, “The Persuaders!”, y por supuesto “The Saint” -“El Santo”-
ACTOR DE PAPELES SOFISTICADOS
Debido a su compromiso con “El Santo”, Roger Moore no estuvo disponible para los filmes de James Bond 007 por un tiempo considerable. Su participación en “The Saint”, fue como actor, productor y director, y también se involucró en el desarrollo de la serie “The Persuaders!” . En 1964, hizo una actuación como James Bond en la serie de comedia “Mainly Millicent”, habiendo declarado en su autobiografía “My word is my Bond”, 2008, que no fue solicitado para interpretar el personaje en “El satánico Dr. No”, ni escucho que ni siquiera pensaran en él. Fue después que Sean Connery declaró en 1966 que no efectuaría más el papel, que renonoció que al fin lo llamarían en cualquier momento. Luego de varios largometrajes más de Connery como 007, en 1973 le llegó la oportunidad a Roger para conformar el papel en “Live and let die”. Solo que para hacer ese protagónico tuvo que cortarse el cabello y perder bastante peso. Aunque se resintió de tener que hacer esos cambios, fue finalmente aceptado y realizó el papel. No solamente este sino para varias películas del estilo, siendo el actor que más encarnó al famoso agente en la historia del cinéma. Después de “Live and let die”, Roger siguió con Bond en “The man with the golden gun”, 1974, “El espía que me amó”, 1977, “Moonraker”, 1979, “Para tus ojos solamente”, 1981, “Octopussy”, 1983, y “A View to a Kill”, 1985. Durante la era James Bond, Roger realizó 13 filmes de otro género.
DIJO ADIÓS EL 23 de MAYO de 2017
Roger se convirtió en un exiliado de impuestos del Reino Unido en 1978, viviendo en Suiza, y dividiendo su año entre sus tres casas: un apartamento en Monte Carlo, Mónaco, Un chalet en Crans-Montana, Suiza, y un bunker en el sur de Francia. El actor se convirtió en residente de Mónaco, habiendo sido nombrado Embajador de Buena Voluntad del lugar por el Príncipe Alberto II, por sus esfuerzos en promover y publicitar internacionalmente el principado. El pasado 23 de mayo de 2017, Roger Moore falleció en Suiza a los 89 años a causa de un cáncer de próstata que lo estaba acosando. Estaba casado con Kristina Tholstrup desde el año 2002. Dejó tres hijos: Deborah, Geoffrey y
Christian. Hasta siempre Roger Moore!…
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LOS MOROS: 41 AÑOS DE GLORIA EL DESPEGUE DE LA BANDA

Corría el año 1976 y para variar nos encontrábamos haciendo dos programas de radio por la capital uruguaya. “La Noche Espontánea” en C X 26 y C X 38, y “Música con Todo!” en C X 28, La Nueva Imparcial, denominada así por

Los Moros con Alberto Arbizu en el centro, 1976

Los Moros con Alberto Arbizu en el centro, 1976

aquel entonces. Eran realmente dos espacios bien distintos, más que nada en el orden de la selección musical. Por ende, en esos momentos de discos simples, long-plays y cassettes, recibíamos infinidad de material fonográfico de las empresas editoras, inclusive de la República Argentina. Entre los LP’s nos llegó el álbum del quinteto Los Moros que grababan su primer disco para el sello del perrito y el fonógrafo, RCA. Nos llamaron la atención dos temas: “Dejáme si has olvidado que te quiero” y “Olvídalo pequeña”, por su canto sobresaliente y por el estilo de la banda. Los promovimos siendo todo un suceso en ambas audiciones. Ahí me puse a leer los créditos de la agrupación, nombrando a Juan Carlos Túbaro como bajista y director, Marcelo Requena, tecladista y arreglador, Guillermo Damonte, sintetizadores, Pablo Helman en batería y Alberto Arbizu, voz solista. La orquesta era buena, de perfil romántico, entrador, pegadizo y también alegre. Ese fue el verdadero despegue de Los Moros en la Banda Oriental, ya que hasta ese momento no se les conocía.
NOS INTERESABA SABER MÁS

En RCA firmando contrato con Cacho Castaña y ejecutivos del sello

En RCA firmando contrato con Cacho Castaña y ejecutivos del sello

Así fue que nos interesó saber más de esta tan atractiva banda, más que nada para tener a nuestra audiencia bien informada con lujos de detalles. Sus comienzos, su trayectoria, su historia. Descubrimos en forma primaria que el grupo estaba recién formado bajo ese nombre, ya que habían empezado en la música como Grupo Cadenas en los primeros meses de 1976, haciendo rock, siendo descubiertos y apadrinados por Cacho Castaña, quien firmaba sus contratos para la compañía grabadora. Al poco tiempo, debido al poco trabajo existente, el conjunto se transforma en una banda melódica por excelencia que traspasaría fronteras al compás de sus estrofas de amor y música bien arreglada de acordes espectaculares. Sus canciones de a poco se erigen en suceso, convirtiéndose en himnos del corazón: “Baila gitana hermosa”, “Por favor dime que sí”, “Llora si te sientes sola”, “El cuento ha terminado”, “Mi gran amor se ha ido”, “Eres mi primavera”, “Carita de pena”, “Tanta soledad”, “La gente quiere que baile”, “Llora la niña”, “Pobre marinero”, “Llegará la eternidad”, “Ay peligroso”, “Ta te ti, suerte para mi”,

El uruguayo Carlos Suárez actual cantante de la banda

El uruguayo Carlos Suárez actual cantante de la banda

“Muñequita”, “Hola preciosa”, “Quítame el dolor”, “Lagrimita yo te quiero”, entre tantos más hits.
COPARON MONTEVIDEO E INTERIOR
El suceso fue mayúsculo y dio para realizar extensas giras por toda Argentina, Uruguay y gran parte de América Latina. En nuestro país, el público de Montevideo, Canelones, San José, Salto, Paysandú y Soriano los vieron en vivo y en directo. El empresario artístico Juan Carlos Solá los trajo por primera vez y allí fuimos en busca de acercarnos más a sus componentes. Presenciamos más de un show que brindaron a todas luces en Defensa Agraria, Sud América y Club Montevideo, y trabamos buena amistad con ellos. Sobre todo con Juan Carlos Túbaro, y Alberto Arbizu, quien desarrollaba en el escenario una actuación magistral ya sea en la parte canora, como así también llamando alguna dama del público, dedicándole un tema en especial frente por frente a la gente. Era un capo en eso. Una vez concluida la canción junto a la muchacha, lo aplaudía todo el mundo: hombres y mujeres. Con qué calidad se metía al público en el bolsillo. Pero, por sobre todo cómo interpretaba. Fue y será el solista que le puso la identidad a Los Moros. La banda llevará su sello, eternamente. “El Negro” como se le llamaba a Alberto, nacido en la

Prueba foto estudio para álbum

Prueba foto estudio para álbum

ciudad de Santa Fe, y criado en Rosario, lamentablemente dejó de existir el 4 de septiembre de 1997, a los 51 años, debido a una cruel enfermedad que padecía desde hace un tiempo. Estaba disfrutando las mieles del éxito en su carrera como solista que emprendió con “Trigo verde”. Hasta el día de hoy lo recordamos, era un tipo divertido, alegre, un “loco lindo”, un amigo.
LLEGA EL URUGUAYO CARLOS SUÁREZ
Tras la ida de Alberto Arbizu lanzándose como solista, deja el lugar a otro muy buen cantante de origen uruguayo, Carlos Suárez, también en la batería se aleja Pablo Helman, y llega Ruben Algañaraz. En 1983 parte Suárez en busca de otros horizontes y se integra Oscar “Novio” Núñez como cantante. En la actualidad, ha retornado a Los Moros, Carlos Suárez, haciendo junto a ellos muchísimas presentaciones. Una vez, hace años, estando de pasada en Buenos Aires -como en tantas oportunidades- nos encontramos una noche en un local nocturno donde actuaban y finalizamos la jornada en una rueda de cafe con Riki Maravilla -años más tarde sería famoso- Alberto Arbizu, Carlos Suárez, Juan Carlos Túbaro, Marcelo Requena y Badi. Memorable. A Los Moros muchas felicidades en este su cumpleaños número 41. Más allá de la nostalgia.
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EL HOMBRE QUE VOLVIÓ DE LA MUERTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

NARCISO IBÁÑEZ MENTA: ACTOR ANTES QUE NADA.

Un muñeco maldito, un monstruo, un semi-hombre, un robot humano, cargado de odio y rencor, desesperado en busca de su alma… Es “El hombre que volvió de la muerte”, 1969, una creación terrorífica… anunciaba la promoción impresa para diarios y revistas de un excelente espacio de la pantalla chica que aparecía en horarios nocturnos y que se convertía en espeluznante; difícil para muchos luego conciliar el sueño. Se trataba de una idea de Narciso Ibáñez Menta, una verdadera leyenda en el rubro ficción de terror, en el Río de la Plata y en su país, España. Productor, director, y antes que nada actor de teatro, de los buenos, realizó infinidad de obras de misterio y pánico que marcaron toda una época. Seguidor de Lon Chaney -“El hombre de las mil caras”- aprendiendo algunos trucos y hasta a maquillarse de una manera similar, haciendo representaciones en las que prácticamente no se le reconocía.

Narciso Ibáñez Menta

Narciso Ibáñez Menta

“NARCISIN” NACIÓ EN ASTURIAS
Narciso Ibáñez Menta, conocido en su niñez y adolescencia como “Narcisín”, llegó a este mundo el 25 de agosto de 1912, en Sama de Langreo, Asturias. Su madre, Consuelo Menta Agreda y su padre, Narciso Ibáñez Cotanda fueron ambos artistas líricos. Ante esa situación de que sus padres estaban vinculados al ambiente artístico, “Narcisín” con tan solo ocho días hizo su primera aparición en escena teatral en brazos de la actriz Carola Ferrando. Al ir creciendo durante su infancia se trasladaba de continuo junto a sus progenitores por la Madre Patria y América Latina, hasta llegar a Argentina, donde se afincaron en Buenos Aires, donde justamente le pusieron “Narcisín”, saboreando el aprecio del público porteño entre los años 1919 a 1923, con las obras “El príncipe Cañamón”, “El niño de Río Tinto”, “El pibe del corralón”, y “Meu Fillo!”, por nombrar algunas. Sería el principio de muchas realizaciones espectaculares que vendrían posteriormente en teatro, cine y televisión.
SE CASA CON PEPITA SERRADOR
En la década del treinta conoce a la actriz argentina Pepita Serrador de la cual se enamora y contrae nupcias en 1934, con la que tiene un único hijo, Narciso Ibáñez Serrador, nacido un año después del casamiento, el 4 de julio de 1935, quien se convertiría en dramaturgo, actor, y director de programas de televisión, con el que colaboró continuamente con su padre. Narciso Ibáñez Menta se hizo conocido por sus desempeños en el género de terror en la pantalla chica, y su trayectoria profesional fue mucha y completa. En los comienzos va detrás de lo que hacen sus padres, pero inmediatamente se siente atraído por el teatro y estudia duro para llegar a ser alguien sobre las tablas. De buenas a primeras, se convierte en director teatral colocando en escena “La muerte de un viajante” de Arthur Miller, “Las manos sucias” de Jean Paul Sartre y “Fausto” de Goethe, obras clásicas y contemporáneas. En 1933 en la capital argentina se inicia en el rubro terror con la adaptación para teatro de “Doctor Jekyll y Mr. Hyde”, seguida de una puesta en escena del mismísimo “Fantasma de la ópera”.
17 PELÍCULAS EN ARGENTINA
En la vecina orilla encarnó 17 largometrajes: “Una luz en la ventana”, 1942, “Historia de crímenes”, 1942, “Cuando en el cielo pasen lista”, 1945, “El que recibe las bofetadas”, 1947, “Corazón”, 1947, “Vidalita”, 1949, “Almafuerte”, 1949, “Piantadino”, 1950, “La bestia debe morir”, 1952, y más. Entre sus series tv que lo marcaron por su actuación y trama figuran: “¿Es usted el asesino?”, 1961, “El muñeco maldito”, 1962, “Historias para no dormir”, 1965-1982, “Historia de la frivolidad”, 1967, “Un pacto con los brujos”, 1969, “El sátiro”, 1969, “El monstruo no ha muerto”, 1970, “Otra vez Drácula”, 1970, “Mañana puedo morir”, 1979, “El pulpo negro”, 1985, “Los herederos del poder”, 1997, entre otras. La mayoría de las veces con libros de Abel Santa Cruz.
A 13 AÑOS DE SU DESAPARICIÓN
Ibáñez Menta obtuvo el Martín Fierro y fue uno de los primeros actores en lograrlo. Su primera esposa, Pepita Serrador, falleció en 1964; estaban separados desde 1940, pero llevaban adelante una buena amistad. En 1950 Narciso se casa con la actriz Laura Hidalgo -el era 15 años mayor que ella- matrimonio que se extendió por cuatro años. En 1957, conoce a Lidia Haydeé Rojas quien fue su tercera y última esposa. Lamentablemente, de a poco su salud fue decayendo y en 1996 le implantaron un marcapasos, pasando sus últimos años en la cama. Se fue un día como el de hoy, 15 de mayo, pero de 2004, en el Hospital de Madrid. Tenía 91 años. Más allá de la nostalgia.
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LAS OCHENTOSAS DE LA FAMA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LLEGARON A LA MECA DEL CINE
A partir de octubre de 1927 la historia del cine cambió. Hasta ese momento las cintas eran mudas, pero a partir de la fecha indicada, el sonido se sumó al celuloide. Y muy pronto vendría el color y el cinemascope, entre otras. Así, de esta forma la cinematografía al compás de sus adelantos, fue incorporando buenos argumentos, con la aparición de magistrales actrices y actores. El telón se abrió y la proyección se inició con damas bonitas de impactantes relieves y galanes que hacían suspirar a las damas, aportando lo suyo, su imagen y su desempeño en diferentes producciones de Hollywood. Hubo muchas desde fines de la década del veinte en adelante que presentaron distintos estudios de la pantalla grande, que se consagraron ante el mismísimo premio Oscar de la Real Academia. El desfile de las divas no se hizo esperar. Allí estaban ellas, ante una verdadera sucesión de nombres… Morochas, rubias, castañas, en fin, para todos los gustos. Entre las mismas: Gina Lollobrigida, Brigitte Bardot, Shirley MacLaine y muchísimas más. Figuras eternas del séptimo arte que se mantienen de pie, a través del tiempo.
“LA LOLLO” ARROLLABA!…
Tyrone Power, Gary Cooper, John Wayne, Clark Gable, entre otros besaron a muchas de ellas. Era el momento de la matinée cuando el grueso de la platea barrial observaba esas escenas exclamando “¡Mmmmmm!…”, y las bellas damas estaban ahí para llegar al corazón del público por el mundo. El glamour, brillo y super calidad, se encendían ante tantas figuras despampanantes como la singular Gina Lollobrigida que surgía en las marquesinas desafiando a otras representantes de renovada energía. “La Lollo”, como se le llama es nacida en 1927, en Subiaco, cerquita de Roma, y está proxima a cumplir sus 90 años en el mes de junio venidero. Descubierta por un cazador de talentos en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde se nutría de conocimientos en escultura y dibujo. Por su primer desempeño en el cine le pagaron un millón de liras. En primera instancia no le interesaba demasiado la actuación pero de a poco fue penetrando por la puerta grande de la fábrica de los sueños. Para muchos fue la gran rival de Sophia Loren -hoy 82 años- aunque la prensa inventó parte de esa competencia. Fue una buena publicidad para ambas. Gina fue reconocida con distintos galardones: Cinco premios David de Donatello y un Globo de Oro.
BRIGITTE, SÍMBOLO DE UNA ÉPOCA
De manera paralela irrumpía en el cinematógrafo una chica francesa de mirada angelical. Brigitte Anne-Marie Bardot, de nombre artístico Brigitte Bardot. Ella, llegó a este mundo el 28 de septiembre de 1934, en París. Se dedicó a cantar y actuar, y se erigió ícono de la moda y símbolo sexual de ese momento. Tiene 82 años en la actualidad. Además de conmocionar a los caballeros, se fue dedicando a los derechos de los animales, iniciadora y presidente de la fundación que lleva su nombre. Figura femenina de los cincuenta y sesenta, aclamada como una estrella mundial, musa de los más recordados artistas de su época, tiene 48 largo-metrajes filmados y más de cien canciones en 21 años de carrera. Siendo una de las actrices más exitosas, le puso fin a su carrera en 1974 para dedicarse de lleno a sus actividades benéficas. Hoy reside en su mansión parisina, recordando de vez en cuando que se paseaba por las arenas de Cannes, en la riviera francesa, de apasionantes amoríos y aventuras.
EL SUEÑO DE SER ACTRIZ
Por Hollywood se fueron sucediendo todo tipo de hermosas señoritas. Le tocaba el turno a Shirley MacLaine, quien primero fue bailarina de ballet y más tarde cantante, actriz y escritora. Nacida el 24 de abril de 1934, en Richmond, Virginia, bajo el nombre de Shirley MacLean Beaty. Cuenta ahora con 83 años, y es llamada así en honor a Shirley Temple.
Su primera cinta fue “Pero… ¿quién mató a Harry?”, de Alfred Hitchcock, en 1955. Su carrera en el cine siguió adelante, al no haber basado su suceso en la belleza, MacLaine ha podido prolongar su actividad sin sufrir el trastorno que supone envejecer. Tal es así que en 2012 participó en la tercera temporada de “Dowton abbey” junto a Maggie Smith y Elizabeth McGovern. Cada vez que le realizan un reportaje habla de uno de los papeles más populares que realizó; el de la princesa Aouda en la super producción “La vuelta al mundo en 80 días”, de 1956.
DOS LUMINARIAS DIFERENTES

Maggie Smith

Maggie Smith

Rita Moreno

Rita Moreno

Brigitte Bardot

Brigitte Bardot

 

 

Gina Lollobrigida

Gina Lollobrigida

Shirley MacLaine

Shirley MacLaine

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¡FELIZ CUMPLE!… Los 75 años de Bárbara Streisand actriz, cantante, empresaria y más

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Actriz, cantante, empresaria, productora, compositora y escritora son tan solo algunas de las ocupaciones de ésta bella mujer que hoy está cumpliendo sus 75 años. Brillante como protagonista de películas y entonando canciones, teniendo en su haber infinidad de cintas encarnando diferentes personajes, y más de sesenta lanzamientos fonográficos como solista, y en compañía de grandes intérpretes, como Barry Gibb, Donna Summer y Celine Dion, entre otros. En 1995 obtuvo el Grammy en reconocimiento a su notable carrera musical que se inició con la firma de su primer contrato con CBS, el 1o. de octubre de 1962 donde se comenzaron a deslizar planes para su primer LP. En noviembre del mismo año se registraron tres de sus shows en el club neoyorkino Bon Soir, con los fines de lanzar un disco-grande, pero los ejecutivos de Columbia no quedaron conformes con el contenido y rápidamente decidieron introducirse en el estudio de grabación con el arreglador Peter Matz y algunos pocos buenos músicos, ya que el presupuesto a utilizar era bastante reducido -alrededor de 20.000 dólares- El resultado: “The Barbra Streisand Album”, primer disco de la estrella del cine, la música, la tv, y el teatro: Barbra Streisand, a quien el tiempo también le sobró aunque sea un poco -teniendo en cuentas sus múltiples actividades- para ayudar a entidades benéficas, tratando de dar una gran mano a quien lo necesita.
THE BARBRA STREISAND ALBUM
Apenas Barbra estampó la firma con el sello naranja se grabaron dos simples, “Happy days are here again” / “When the sum comes out”, y “My coloring book” / “Lover, come back to me”, en versiones diferentes a las que más tarde aparecerían en los álbumes. Del primero se editaron solamente 500 copias, lo
cual resultó ser un fracaso comercial estrepitoso -curiosamente “Happy days…” se convertiría con el tiempo en uno de los temas más representativos de Streisand- y del segundo se colocaron 60.000 copias. Con ese panorama, The Barbra Streisand Album se erigió en el disco más vendido por una cantante en Norteamérica, llegando al escalón ocho de Billboard y ya logrando tres distinciones Grammy; una por “Mejor vocalista femenina” -siendo ella la artista más joven en recibir éste premio- “Mejor disco” y “Mejor producción”. La placa se mantiene durante 101 semanas en la lista de “los más vendidos”, teniendo en la portada una fotografía tomada durante una de las actuaciones en Bon Soir. Pero, antes de todo ésto, ya habían pasado muchas cosas en la vida de Barbra, como por ejemplo cantado en un coro junto a Neil Diamond, participa del famoso teatro de Broadway, y canta en The Lion y Blue Angel.
BARBARA JOAN STREISAND
El 24 de abril de 1942 llegaba a éste mundo en Williamsburg, un barrio del distrito de Brooklyn, Nueva York, en el seno de una familia de origen judía, Bárbara Joan Streisan, a quien llamarían Barbra. Emanuel Streisand, su padre, profesor de gramática y literatura en la Universidad, dejó de existir a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía casi quince meses.Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario y una media hermana, Roslyn Kind -también cantante- fruto del segundo matrimonio de su madre, Diana, que era secretaria en una escuela y que nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que no le parecía demasiado atractiva. Barbra cursa sus estudios en el Colegio Beis Yakov y el Erasmus Hall High School de Brooklyn donde se graduó cuarta en la promoción de 1959. Allí cantaba en el coro junto a Neil Diamond. Pero los deseos de la muchacha en llegar a ser actriz y cantante surgieron en 1956 cuando llega a Broadway a ver la obra “El diario de Ana Frank”. Para alcanzar sus aspiraciones decide inscribirse en un curso de teatro, donde participa en “The teahouse of the august moon”, “Desk set” y “Picnic”. Definitivamente debuta en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical “I can get it for you wholesale”, donde encarna el papel de Sta. Marmelstein. De allí en más, un éxito detrás de otro coloca en el teatro y en la pantalla grande.
GRANDES REALIZACIONES CINEMATOGRAFICAS
Debuta en el cinéma con “Funny girl”, en 1968 y su excepcional interpretación le brinda un Oscar de la Academia, compartido con la exquisita Katherine Hepburn. Seguirían muchos impactos más, “Hello Dolly”, 1969, “The way we were” junto a Robert Redford, 1973, “Funny lady”, 1975, “A star is born” con Kris Kristofferson, 1976 -también creadora de conceptos musicales, compositora y productora ejecutiva- “The prince of tides” junto a Nick Nolte, 1991 -además productora y directora- “The mirror has two faces”, 1996 -también compositora, productora y directora- “Meet the Fockers (meet the Fockers), 2004, “Little Fockers”, 2010, entre muchas más. Su vida hasta hoy en actividad ha estado basada entre filmes y musicales. Desde el 1 de julio de 1998 está casada con el actor y también director James Brolin. Uno de sus sensacionales hits cantados “Woman in love” –
“Mujer enamorada”- escrito por Barry y Robin Gibb de Los Bee Gees- tomado de su álbum “Guilty”, recibió el premio Novello de 1980 a “la mejor canción”, con cuatro discos de Platino, siendo su mayor hit internacional. Más allá de la nostagia.

Funny Lady,  1975.   2

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EL PRIMER DISCO DE PAUL… McCARTNEY: A 47 AÑOS DE SU LANZAMIENTO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

APPLE RECORDS, 1970.

Mientras Paul McCartney prácticamente terminaba de dar la noticia de la separación de The Beatles, por otro lado llegaba la novedad de su primer lanzamiento como solista. Eso logró que el álbum alcanzara de manera fulminante el primer lugar de Estados Unidos, y otros tantos lugares. Fue un día como el de hoy, 17 de abril, pero de 1970, hace exactamente 47 años, que aparecía el álbum “McCartney” a través de su compañía fonográfica -y la de todos los otros genios de Liverpool- Apple Récords. El propio Paul tocó los instrumentos y las bases de todos los temas las registró en su granja de Campbeltown, Escocia, lugar donde había improvisado un mini estudio casero con un grabador a cinta magnetofónica de cuatro pistas Studer, sin poder hacer mezclas, y sin vúmetros como guía para nivelar los volúmenes.
También cantó y su esposa Linda puso algunos coros. Luegó pasó la cinta grabada a ocho canales en Morgan Studios, y más tarde se trasladó a Abbey Road Studios, donde realizó mezclas y además registró nuevos temas.
Todo fue tan en secreto que las reservas de los estudios estaban hechas bajo el nombre de Billy Martin. El disco en cuestión fue reelanzado en junio de 2011, formando parte de la colección The Paul McCartney Archive Collection. McCartney, 1970, Apple Récords.   1

10 DE ABRIL DE 1970

El anuncio de la separación de The Beatles se hizo oficial el 10 de abril de 1970, y Paul preparó el material para su primer disco solista, en una etapa suya de total confusión, profunda melancolía y desaliento, ante la ruptura de la sensacional agrupación, ya que él era uno de los que deseaba que el conjunto continuara unido. Así y todo, respaldado y ayudado por su mujer Linda Eastman, compuso las canciones después de la navidad de 1969 en adelante, en su hogar de Londres.
La lista de temas de “McCartney” continuó el mismo orden que la grabación del LP.
Lo primero que se registró fue una breve canción de 45 segundos de “The lovely Linda”. Luego Paul interpretó el tema acompañado por una colorida guitarra acústica antes de complementar las pistas en el grabador, acompañado por otra viola, bajo y percusión. Complementarían el disco: “That would be something”,”Valentine day”, “Every night”, “Hot as sun/glasses”, “Junk”, “Man we was lonely”, “Oo You”, “Momma Miss America”, “Teddy boy”, “Singalong junk”, “Maybe I’m amazed”, y “Kreen akrore”. En parte como resultado del papel de McCartney en el “the end” de The Beatles, el álbum recibió una respuesta si se quiere negativa de la mayoría de la prensa escrita especializada en música, a excepción de la canción “Maybe I’m amazed”. Sin embargo, McCartney le llegó bien esa promoción en torno a la desintegración de la banda, logrando muy buenas ventas y popularidad en USA, y Reino Unido, lugar este donde llegó al segundo lugar de la lista UK Albums Chart, donde permaneció por espacio de tres semanas detrás de “Bridge over troubled water”, de Simon & Garfunkel, el álbum más vendido de 1970. El 15 de mayo, “McCartney” había vendido más de un millón de copias en Norteamérica, y una semana después llegó al primer puesto de la lista Billboard 200, donde estuvo tres semanas.

ELOGIADO POR NEIL YOUNG

En 1999 durante la ceremonia de introducción de “McCartney” en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el músico Neil Young elogió el disco diciendo al respecto: “Me gustó mucho el álbum McCartney, Paul lo hizo muy fresco, sencillo. Tenía mucho para escuchar… Era Paul McCartney, simplemente eso. No contenía adornos ni cosas raras. No manifestaba ningún intento de competir con otras producciones que había realizado. Y así fue saliendo de la sombra de The Beatles…” “McCartney” apareció cruzado con el lanzamiento de “Let it be” de los caballeros de la reina, que vio la luz semanas después. Resultado: los dos discos vendieron muy bien por todo el orbe. Más allá de la nostagia.

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ALDO GUIBOVICH: EL SENTIMIENTO DE LA MÚSICA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

SE FUE A CANTAR AL CIELO

No hubo radio en los setenta y ochenta que no pasara las canciones de Los Pasteles Verdes, la banda donde cantaba Aldo Guibovich.
El número hizo historia con «Hipocresía» y «Mi amor imposible», que se lanzaron al mercado primero en vinilo -simples y LPs- luego en cassettes y más tarde en Cd. con todos sus grandes éxitos.
El grupo se hizo sumamente popular por sus distinguidos arreglos y por la estupenda voz del cantante solista, donde desde muy joven se inició en la carrera profesional de la música para colocarle todo el sentimiento.
Aldo Guibovich & Los Pasteles Verdes comenzaron en Perú, para más tarde recorrer toda América, parte latina de Estados Unidos, y varios lugares europeos, hasta recalar durante décadas en México DF. donde hoy son auténticas estrellas.
Allí, grabaron más material fonógrafico y realizaron innumerables actuaciones en la televisión azteca que catapultó a la agrupación en los últimos treinta años. Días pasados, se dio a conocer la triste noticia de que Aldo Guibovich había dejado de existir, víctima de una larga enfermedad.
Ocurrió el pasado 29 de marzo en Ciudad de México, yéndose a cantar al cielo sus temas de ayer y de siempre.

«ANGELITOS NEGROS»: LADO B DEL SIMPLE

Los Pasteles Verdes se formaron en 1970 de la mano del propio Aldo Ítalo Guibovich Salazar en Chimbote, Perú, integrado de manera original por Aldo Guibovich como cantante y guitarra, Hugo Acuña en guitarra, César Acuña – teclados, Miguel Moreno tocando el bajo, Ernesto Pozo al frente de la batería, Raúl Padilla en percusión en general y Germán Laos, coros y cantante tropical. Eran estudiantes y amigos en el Colegio San Pedro -GUE- donde la orquesta hace sus primeros pininos, llegando a ser la atracción entre los compañeros del centro de enseñanza y allegados a la agrupación. Luego de varios shows por diferentes eventos, exactamente el 13 de octubre de 1973, la compañía fonográfica Infopesa y Alberto Maraví, los contratan para registrar dos temas en un disco simple; en el lado A fue el tema del cual se esperaba un éxito total, «Puertos queridos», del género tropical cantado por Germán Laos, y en el Lado B para acompañar -como de relleno en la placa- una canción romántica, «Angelitos negros» vocalizada por el propio Guibovich.
Quiso el destino que «Angelitos negros» lograra una magnífica difusión por las broadcasters, llegando a convertirse en un suceso, siendo el primer hit y tarjeta de presentación de Los Pasteles Verdes. Al observar la fabulosa venta del primer disco de la banda, Infopesa les hace grabar lo que sería su primer LP, con «Recuerdos de una noche», «El reloj». «El presidiario», «Angelitos negros», entre otros, donde afirmaron más y más su explosivo y sensible material de romance.
Así, reciben el primer disco de oro por las siderales ventas «El reloj», el reconocido bolero del autor Roberto Cantoral. Le siguió «Recuerdos de una noche» del peruano Fernando Arias, en forma de Lp, su segundo disco disco de oro por superventas.

LA GLORIA CON «HIPOCRESÍA» Y «MI AMOR IMPOSIBLE»

Muy pronto con «Esclavo y amo» en 1976, durante giras por México y USA, las publicaciones especializadas «Cash Box», «Billboard» y «Record World», los distinguen como «Los Románticos de América». Por ese entonces editan la producción que les abre las puertas de la fama a nivel internacional: «Hipocresía», estando en el primer lugar de casi todos los rankings durante meses y meses.
Les sigue «Mi amor imposible» en forma de álbum que les valió varios discos de oro, y más y más distinciones. Al pasar de los años, el nombre del conjunto varía hasta quedar en Aldo y Los Pasteles Verdes, afincándose en México hasta el presente.
Allí, Aldo Guibovich se convierte en ídolo del pueblo por sus interpretaciones, con calidad y brillo. Su último material editado es «Alguien cantó» a través de Skalona Records, en el pasado año 2016.

TENÍA 64 AÑOS

Aldo Guibovich tenía un tumor cerebral que lo aquejaba hace mucho, y que se lo llevó sin avisar a los 64 años de edad.
Su presencia se extrañará un montón, sabiendo eso el artista dejó sus máximas canciones para que de alguna manera esté siempre junto a nosotros. México, Perú, Uruguay y América lo recordará siempre. Más allá de la nostagia.

Aldo en Perú.   3

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FLORINDA MEZA: ENTRE QUICO Y «EL MAESTRO LONGANIZA»

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LOS RULEROS DE DOÑA FLORINDA

El Chavo del 8 resultó un programa exitoso, ya desde su primera salida al aire el 20 de junio de 1971, desde los estudios mexicanos de Televisa. Personajes desopilantes, con una trama muy bien llevada, en un espacio tipo infantil pero con llegada a toda la familia, con los libretos de Chespirito, Roberto Gómez Bolaños. La tira se mantuvo en grilla durante años, se expandió prácticamente a todo el mundo, y le brindó la posibilidad en forma paralela al elenco de hacer presentaciones en vivo en muchos lugares de América, donde llenaron estadios, y eran recibidos como verdaderas glorias de la pantalla chica. Al compás de El propio Chavo, Quico, Chilindrina, Don Ramón, Señor Barriga, Profesor Jirafales, Doña Clotilde, entre otros, también se encontraba «la dama de los ruleros»: Doña Florinda, la mamá de Quico -el amigo más directo de El Chavo- quien, además estaba super enamorada de el Profesor Jirafales, alias «El maestro longaniza», dijera El Chavo a través de sus ocurrencias. Doña Florinda era personificada por la actriz Florinda Meza, actriz que más tarde se convirtiría en la esposa de Gómez Bolaños. Juntos vivieron historias sorprendentes, durante cuarenta años que permanecieron en pareja, hasta la ida de Chespirito, hecho que ocurrió el 28 de noviembre de 2014. Desde allí en más, Florinda Meza ha tratado de sobrevivir momentos de penurias económicas, llegando incluso a vender propiedades inmuebles.

MÁS POPULAR, MAYOR RATING, ABULTADA FACTURACIÓN

Vertiginosamente, «El Chavo del 8» se erigió como el programa más popular, el de mayor rating, y de abultada facturación. Siendo así, ¿cómo puede ser posible este pasar de Doña Florinda?… ¿Qué pasó con el dinero que cobraba el Sr. Gómez Bolaños? Por los libretos y la actuación de todos los participantes? Se dice que Televisa lleva recaudados hasta el momento la sideral suma de 1.750.000.000 de dólares por todos los conceptos que genera el espacio más 10.000.000 de la moneda norteamericana por merchandising. Pero que en realidad lo recibido por Gómez no tendría absolutamente nada que ver con esa cifra. A tales efectos el creador de «El Chavo» se confesó en su momento: «Tenemos más de lo que nunca imaginamos y soñamos tener, pero muchísimo menos de lo que la gente cree…». Al desaparecer Chespirito, Televisa dejó de pasarle una pensión a él y a su familia. Los derechos de los personajes, recalaron en sus hijos. Y Doña Florinda sin trabajo a la vista, vive de acuerdo a las posibilidades, con problemas monetarios que la preocupan, como por ejemplo la venta de varias casas, que por los grandes gastos que ocasionan no las puede mantener.

«ERA VIRGEN EN LOS SETENTA…»

Florinda Meza García nació en Juchipila, Zacatecas, el 8 de febrero de 1949; tiene 68 años en la actualidad. Antes de llegar al programa de la vecindad, ya era actriz, cantante, guionista, directora, productora y locutora radial. Debutó en el cine con dos películas en 1969: «La chismosa» y «La media naranja», ambas del género comedias con humor. Cuando la conoció Gómez Bolaños afirmó que era una muy buena actriz, y que desempeñaría de manera sobresaliente sus papeles de «Doña Florinda» y «La Popis». Luego de varios años de trabajar juntos, Florinda y Roberto se convertirían en pareja de la vida, casándose muchos años después, en el 2004. Refiriéndose a sus momentos con Chespirito, Florinda manifestó: «Roberto estaba casado cuando me contrató para el programa, pero era sumamente mujeriego… Hasta una vez -aún no estábamos juntos- en una de las giras, vi salir a la camarera de su cuarto y le dije ‘Roberto eres como un burro en primavera!» (risas) a lo que él me contestó ‘Bueno, me lo pidió de una manera especial’… Él insistía mucho en formar pareja conmigo, me regalaba rosas todos los días, hasta que un día le dí el sí… Yo en esa época de los setenta hasta era virgen…»

«20 AÑOS NO ES DIFERENCIA EN EL AMOR»

Doña Florinda agregó: «Yo vi cuando Roberto le fue poniendo el nombre a sus personajes. A la Chilindrina, a Quico, que antes era imitador de Jerry Lewis y él lo fue a buscar y le comunicó que le interesaba tenerlo en el elenco… Hoy, me siento la mitad de una moneda, me falta la otra mitad, lo extraño una barbaridad. Mucho me enseñó de la vida. Veinte años de edad no es diferencia para amar. Nuestra relación duró cuarenta años, me faltó tiempo. Para amarlo, para mimarlo, para todo… Cuando tengo días pésimos, porque tengo días muy malos, le digo ‘Dame una señal de que me estás oyendo’… “. En cuanto a su situación económica de momento: «Lucharé y saldré de este momento. Deseo trabajar en teatro, estrenar una obra en México y Estados Unidos… Siempre pienso que si Xuxa con un programa de diez años se hizo millonaria y se compró una isla, Roberto debería ser el dueño de un continente y no es así…».
Mientras se expresa, enseña las paredes de la casa donde vive, esa de Cancún que desea vender, con fotos de los programas de «El Chavo del 8». Más allá de la nostalgia.

Mmmm Profesor Jirafales!...    4

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RICHARD CONTE: ENTRE LA MATINÉ y EL CONTINUADO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

RODÓ MÁS DE CIEN LARGOMETRAJES

Su rostro se hizo famoso en la década de los cuarenta y cincuenta, en las matinés de las salas barriales y luego en los continuados. Veía sus películas en los cines que estaban a menos de una cuadra de casa. Había dos por falta de uno. Edison y Ateneo. El cine Ateneo era más moderno y poseía excelente proyección de celuloide y una muy buena comodidad. Pero, en la vuelta tenía como cinco más… caminando unas pocas cuadras. Algo que ocurría en casi todos los barrios y también pero en menor escala en ciudades del interior. Ya en el Edison lo observaba en cintas de acción, policiales, misterio, drama, y westerns. Todo le caía bien con un rostro apropiado para hacer notables personificaciones, siempre aparecía en algún reparto o más que nada en protagónicos. Rodó más de cien largometrajes. Se llamó Richard Conte. Aunque en su documento figure como Nicholas Peter Conte. Un gran actor del llamado cine negro.

DE LA EXPRESIÓN CINE NEGRO
El cine negro o film noir es un género cinematográfico que se desarrolló en Estados Unidos entre la década del treinta y del cincuenta, aunque su pleno apogeo ocurre entre el cuarenta y el cincuenta. Se suele considerar como el primer filme de este tipo a «El halcón maltés», de John Huston, con Humphrey Bogart y Mary Astor, estrenada en 1941. La expresión «cine negro» es usada por la crítica del cinéma para describir un renglón de definición bastante imprecisa, cuya diferenciación de otros géneros como el cine de gángsters o cine social es solo parcial. Habitualmente las películas caracterizadas como de cine negro giran en torno a hechos delictivos y criminales, con un fuerte contenido expresivo y una característica visual. En ese campo Richard Conte se revolvía «como gato entre la leña». Así, con esa vocación nació el 24 de marzo de 1910, en Jersey City, Nueva Jersey, Estados Unidos. Hijo de Julia Fina, una costurera norteamericana, y de Pasquale Conte, un peluquero de origen italiano; sus padres le inculcaron educación y buenos modales. Se graduó en el William L. Dickinson High School de Jersey City y se puso a trabajar primero como mensajero de una fábrica, vendedor en una zapatería para damas, barman, y por último como camionero por las diferentes rutas de Norteamérica, antes de iniciarse en el rubro actoral. Por esas cosas que tiene la vida, lo descubrieron la pareja de actores Elia Kazan y John Garfield durante unas tareas laborales que realizaba Conte en Connecticut, hecho que lo llevó a trabajar en las tablas de varios teatros. De esa manera obtuvo una beca para estudiar teatro en Nueva York, donde rápidamente se hizo un actor relevante.

SUS COMIENZOS EN BROADWAY
En los teatros de Broadway marcó su estilo recio y de categoría a partir de 1939 en distintas obras. De ahí pasó rápidamente a la gran pantalla donde realmente jugó a héroes difíciles que practicaban misiones imposibles que a veces se plasmaban en realidad, o sino de bravos delincuentes o villanos empedernidos. Cosas de Hollywood.
Su primera actuación cinematográfica fue en 1939 con «Heaven with a barbed wire fence», como Nicholas Conte. Su carrera comenzó a prosperar durante la Segunda Guerra Mundial, ya que en 1942, Conte firmó contrato a largo plazo con la 20th Century Fox, cambiando su nombre a Richard Conte. Su primer filme de Fox fue «Guadalcanal diary», en 1943. Durante los años de la Segunda Guerra Mundial , Continuó con «Corazón púrpura», 1944, y «Un paseo en el sol», 1945,
«Rue Madeleine», 1947, «Cry of the city», y «Call Northside 777» -ambas de 1948- «Thieves ‘Highway», 1949, «Whirlpool», también en 1949, co- protagonizada por Gene Tierney. También estelarizó con Susan Hayward junto a Edward G. Robinson y Luther Adler «La Casa de los Extraños», 1949, encarnando a Max Monetti, un abogado que defiende a su padre -Robinson- contra cargos gubernamentales de irregularidades bancarias y va a prisión por manipulación de jurado.

MÁS Y MÁS FILMES
A principios de los años cincuenta, Conte, que ahora no trabajaba para Fox, comenzó a aparecer en producciones para varios estudios. Los críticos y los aficionados consideran que sus mejores títulos de esa época incluyen: «La ciudad durmiente», 1950, «Bajo la pistola», 1951, «Historia de Hollywood», 1951, «La marea furibunda», 1951, «The blue gardenia», 1953, «El arrastre de la carretera», 1954, «Confidencial de Nueva York», 1955, y «Los hermanos Rico», 1957. También fue presentado en un papel principal junto a Susan Hayward en la producción de 1955 «I’ll Cry Tomorrow». Desde ahí en más hizo apariciones en distintas series tv sumamente reconocidas como «Los Intocables», entre otras. Richard Conte se casó con la actriz Ruth Storey, junto a quien adoptó a un niño, hoy mayor actual editor de televisión, Mark Conte. Richard y Ruth se divorciaron en 1963. En 1973 contrajo nupcias con Shirlee Garner. Permanecieron juntos hasta el fallecimiento de Conte, el 15 de abril de 1975, debido a un ataque al corazón seguido de un derrame cerebral. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

Richard Conte, 1945

Richard Conte, 1945

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DAVID DORTORT: EL GENIO DE LAS SERIES WESTERN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

«BONANZA» y «EL GRAN CHAPARRAL»

Ideólogo de las series del oeste más famosas y más vistas de la televisión mundial. «Bonanza» y «El Gran Chaparral» lo marcaron a David Dortort como gran guionista y productor de Hollywood, requerido para muchos trabajos posteriores que fueron menos importantes que estas dos estelares realizaciones. Cuando Alan W. Livingston de la NBC lo contrató para escribir el libreto para el capítulo piloto de «Bonanza», lo hizo prácticamente sin tiempo a la vista, y se quedó toda la noche anterior a la filmación para poder terminarlo. Al otro día fue a trabajar como si tal cosa al set con los actores indicando personalmente los detalles a cuidar. Con «Bonanza» y «El Gran Chaparral» fue constante con sus ideas que llevó a la práctica en cada argumento que desarrolló en una cantidad de temporadas y episodios.

CERCA DE VIRGINIA CITY

Hace algún tiempo destacábamos desde estas mismas páginas que «Bonanza» fue distinguida por Filmaffinity, sitio web dedicado al cine y las series, creado en Madrid en el año 2002, como la tira de los años cincuenta y sesenta, primera entre las veinte mejores. Para ello se tuvo en cuenta la opinión de una legión de seguidores, reuniendo más de cinco y mil y tantos votos para la serie de la familia Cartwright en «La Ponderosa», que sigue gozando de muy buenos recuerdos por parte de los televidentes por diferentes lugares del orbe. Arriba de reconocidos títulos: «Maverick», «Caravana», «Yo quiero a Lucy», «Lassie», «Perry Mason», «El llanero solitario», «Randall, el justiciero», y más. «Bonanza» es una producción USA que se emitió desde el 12 de septiembre de 1959 y el 16 de enero de 1973, de 431 episodios, en 14 temporadas, siendo la primera tira de televisión de casi una hora de duración rodada en colores. En Montevideo comenzó por Montecarlo TV Canal 4 y luego pasó por todos los canales de aire, para más adelante en el tiempo llegar al cable mundial. En la trama se notaba la notable capacidad de David Dortort, con sus creaciones como «La Ponderosa» cerca de Virginia City, etc. La llegada del color en la serie fue impulsada por la compañía RCA que había lanzado al mercado sus flamantes aparatos donde los televidentes
se deleitaban con el reparto, los invitados especiales y la nitidez de la imagen.

LOS CANNON y LOS MONTOYA
La otra excelente producción de David Dortort fue «El Gran Chaparral» -»The High Chaparral»- también programada por la NBC entre 1967 y 1971. La serie fue protagonizada por el veterano actor Leif Erickson como John Cannon, dueño del rancho llamado «El Gran Chaparral» ubicado en el desierto de Sonora -actualmente Arizona- Se desarrolló en el viejo oeste norteamericano tratando sobre la vida de dos familias: los Cannon y los Montoya. Además de Leif Erickson, era estelarizada por Cameron Mitchell haciendo de Buck Cannon, hermano de John, la hermosa Linda Cristal como Victoria Cannon, esposa de John, Henry Darrow – Manolo Montoya- hermano de Victoria, y Mark Slade como Billy Blue Cannon, hijo de John Cannon. A menudo, los habitantes del «Chaparral» entraban en conflicto con los apaches o debían protegerse contra bandoleros, y desertores del ejército. La serial se destaca por sus hermosas situaciones naturales y también por sus abundantes momentos divertidos, en las cuales los personajes lucen con naturalidad tantas virtudes como defectos. Fueron, esas luces y sombras que hacía lucir en sus guiones el propio Dortort.

«PONDEROSA», 2001

El guionista David Dortort nació bajo el nombre de David Katz el 23 de octubre de 1916 en Nueva York, siendo un alumno ejemplar en sus estudios donde tenía gran facilidad para hacer redacciones con criterio y sin faltas de ortografía. Abandonó «Bonanza» casi a fines de los sesenta dejando en manos de sus asociados la continuidad de la tira durante sus últimos cinco años y medio los que fueron los más flojos en teleaudiencia -1967- 1973- Entre 1954 a 1955 escribió y dirigió «The Public Defender». Hizo la producción de «The Restless Gun» -1957-1959- «The Cowboys» versión televisiva en 1974 y una remake con personajes más jovenes relacionados a «Bonanza»; se llamó «Ponderosa», 2001, junto a Beth Sullivan.
En 1979-1980, creó la miniserie de 13 semanas por CBS, «The Chisholms». Michael Landon apareció en un papel secundario en el piloto para «The Restless Gun», protagonizada por John Payne, emitido el 19 de marzo de 1957, como un episodio de «The Schlitz Playhouse of Stars» y Dan Blocker desempeñó múltiples papeles en cinco episodios de «The Restless Gun». David Dortort dejó de existir en Los Angeles, California, el 5 de septiembre de 2010, casi a los 94 años.
En 2001, la asociación de antiguos alumnos del City College de Nueva York, donde había estudiado historia, lo honró con su premio John H. Finley. Más allá de la nostalgia.

Dortort en una de sus últimas fotos.   5

juanjoalberti@hotmail.com

 

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LA INVASIÓN ARGENTINA DE LOS SETENTA Y LOS URUGUAYOS ESTABAN AHÍ…

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Ya habían pasado por la vecina orilla, dejando la puerta abierta y la mesa servida… Lanzando tres álbumes y unos cuantos simples, y haciendo una infinidad de shows, en tres años de trabajo sumamente intensos por Argentina y América, fueron un verdadero espejo para los músicos más jovenes que recién se estaban formando, muchos se inspiraron en los hermanos Fattoruso: Hugo y Osvaldo junto a Roberto “Pelín” Capobianco y Carlos “Caio” Vila, constituidos en Los Shakers que cantaban en inglés, pero con un sonido excepcional para esos tiempos representando a la Banda Oriental, siendo un “referente” para los que seguían en carrera. Así, lo afirmaron Los Gatos con Litto Nebbia, Conexión No. 5 con otro uruguayo, Carlos Bisso, Almendra y Luis Alberto Spinetta, Arco Iris, Alma y Vida, entre tantos. En ese entorno, ya estaban afincados en Buenos Aires, la banda sanducera más importante de todos los tiempos: Los Iracundos, ex-Blue Kings, contratados por la fonográfica RCA Víctor para vender discos. Y así fue. Además, se transformaron en uno de los grupos más importantes y taquilleros de América Latina, con el paso de los años.

EDUARDO y “BOCHA” FRANCO

Bajo el influjo de Eduardo y “Leoni” o “Bocha Franco, como voz solista y guitarrista, respectivamente, junto a Juan Bosco en segunda guitarra, Hugo Burgueño “Burgues” tocando el bajo, Jesús María Febrero “Febro” en teclados, y Juan Carlos Velázquez “Juano” como baterista, se iniciaron en Paysandú a fines de los años cincuenta, siendo todos compañeros del liceo de la ciudad. El nombre de Los Iracundos fue seleccionado por varios ejecutivos del sello del perrito, donde impusieron canciones románticas juveniles al estilo de “Todo terminó”, “El desengaño”, “Felicidad felicidad”, “Calla”, “El triunfador”, “Es la lluvia que cae”, “Tu ya no estarás”, “La fuente”, y muchos temas instrumentales que la agrupación realizaba prácticamente a la perfección. Su debut en Montevideo fue en Teatro Florencio Sánchez del Cerro, el 10 de octubre de 1961, fueron artistas de “Discodrómo Show” en Canal 12, editaron un simple como Blue Kings para Clave Iemsa con “Retén la
noche” y “Madison” -grabado en la fonoplatea de C X 10, Radio Ariel- e inmediatamente tomaron rumbo a la capital argentina, donde lograron impactar con su estilo que marcó una permanencia total durante casi tres décadas con la misma integración original.

EL PRODUCTOR FRANCIS BUSCA CANTANTE

El desarrollo y movimiento de Los Iracundos fue apreciado por otras grabadoras, productores y conjuntos. Las bajas ventas de fonogramas en CBS Columbia determinaron el rápido llamado al joven productor y ex-músico de Los In, Francis Smith, a quien le dieron el cargo de Director Artístico y un pequeño departamento ejecutivo que funcionaba bajo su tutela. Primero hizo grabar a un muchacho que llegaba desde Coronel Suárez, que integraba la banda Los Bambis que también integraba la plantilla de CBS, llamado Héctor Omar Hoffmann, más conocido como Sergio Denis.
Francis le escribió “Te llamo para despedirme” y se erigió como hit número uno en las emisoras y disquerías. Su próximo paso eran Los Náufragos a quienes les fue a buscar un cantante que era portero de un teatro, Quique Villanueva. Los inicios del grupo no fueron los mejores, como que no pasaba nada, hasta que con un poco de constancia fueron metiendo una sucesión de sucesos de la pluma salvadora de Francis Byron Smith: “Vuelvo a naufragar”, “Te quiero ver bailar”, “Zapatos rotos”, “Yo en mi casa y ella en el bar”, “De boliche en boliche”, “Otra vez en la vía” y más. Guillermo Cimadevilla, Gustavo Alessio, Quique Villanueva, el uruguayo Carlos “Rocky” Nilson, y Roberto Cesari, se contaban entre sus integrantes.
Con este éxito manejado por Francis, al productor lo llamaron “el padre de la criatura” o “el inventor de la porteñada”.

ENTRE EXTRAÑAS, EXTRAÑOS y REINAS

En esa sucesión de bandas que aparecían, se metió “El extraño del pelo largo” de la mano de La Joven Guardia, agrupación donde cantaba Roque Narvaja, acompañado por Félix Pando en teclados y voz, Hiacho Lezica en batería, y Enrique Masllorens como bajista.
A “El extraño…” le siguieron “La extraña de las botas rosas”, “La reina de la canción”, “En el pueblo de San Esteban”. Fueron verdaderas estrellas de la televisión, estando en muchos espacios, el de mayor repercusión “Alta Tensión” con Fernando Bravo. En Montevideo y zonas del interior, realizaron su show en contadas oportunidades. “El extraño del pelo largo” dio título a un largometraje donde ellos actúan y tocan también el tema. Claro, que también estaban Trocha Angosta, Abracadabra, Conmoción, Pintura Fresca -que cantaban en inglés- Mantra, entre muchos otros. Pero, más compatriotas estaban ahí. Surgiendo de la etiqueta RCA Los Bull-Dogs impactaron con “Negro es negro”, pero al tiempo la banda cambió de nombre por Kano y Los Bull-Dogs, quedándose en la misma grabadora, metiendo un tema transformándolo en himno: “Sobre un vidrio mojado”.
El conjunto luego de años de estar en Argentina se afincó en Montevideo, recorriendo todo el país con sus presentaciones.
Hoy, en muchos programas radiales de la onda “retro” continúan haciendo referencia de “La invasión argentina de los setenta”, con activa participación de los músicos uruguayos. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

Los Iracundos.   1

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OLIVIA NEWTON JOHN: VIÑA DEL MAR A SUS PIES

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde MontevideoDejó todo en su show.   2

UNA DIOSA DÉCADAS MÁS TARDE
Arribó a Viña con su delicadeza acostumbrada. Ubicada y risueña saludó a todos los que la estaban aguardando a su llegada, entre los que se contaban grandes seguidores de la estrella desde sus comienzos, y otros nuevos fanáticos que también conocían al dedillo sus actividades pasadas pero siempre de moda. Algunos le llamaron Sandy, el nombre de ficción en «Grease», su película más conocida que rodó junto a John Travolta. Esto causó una cerrada emoción en la actriz y cantante australiana, de origen judío, nacida en Reino Unido, el 26 de septiembre de 1948. Con sus 68 años a cuestas, supo concurrir a una nutrida conferencia de prensa, donde dialogó amablemente con la prensa e informó de sus historias en la música, en el cine, y en la vida, como su cáncer de mama, algo que viene combatiendo, y que en su momento fue un duro golpe sumamente difícil de sobrellevar. Su constancia, dedicación, familia, y creer que se puede la llevó adelante a ver un futuro cercano venciendo a la adversidad. En la famosa y difícil Quinta Vergara, realizó un show rutilante a la altura de sus condiciones, que a propósito las mantiene intactas. Se llevó las gaviotas de oro y plata, y el aplauso y ovación del público presente, que colmó plenamente las instalaciones disfrutando de su actuación hasta el delirio. La música y la nostalgia de verdad, de parabienes. La dama rubia estaba allí, en el canto e interpretación: lo que ama profundamente.

EL TIEMPO NO PARECE HABER PASADO
El tiempo no parece haber transcurrido para «la reina del pop» como la presentaron al unísono la pareja de animadores de Viña 2017. Acto seguido con la orquesta ya sonando en el escenario irrumpió ella con el pie derecho ya desarrollando uno de sus temas.
Maravillada ante el recibimiento de la gente, las casi veinte mil almas, la acompañaron con palmas y coreando sus éxitos que se sucedieron de manera inmediata «Magic», «Xanadú», «Suddenly», «Little more love», «Twist of fate», «Physical», «You’re the one that I want», «Hopelessly devoted to you», «Summer Nights», «Grace and gratitude», entre tantas, mientras en la gigantesca pantalla se fueron proyectando sendas imágenes que marcaron a fuego su particular estilo romántico y bien bailable, en la cinematografía más que nada. «It’s wonderful to be here!…» «Es realmente maravilloso estar aquí!…», dijo, seguido de un «Tonight I’m going to take you on a journey through all my songs…» -«Esta noche los voy a llevar por un viaje con todos mis temas…» . Y así fue. Para regocijarse. Cambiando varias veces de vestuario realizó un espactáculo de una hora y 20 minutos que no supo de bajones y aburrimiento. Por el contrario todo fue de brillo, color, sentimiento y categoría. No en vano, la artista continúa recorriendo todos los Estados Unidos y Europa a través de notables giras. Dichas tournés la llevaron a tener un lugar y presentarse en Viña del Mar. Olivia conmovió con sus palabras a daminificados en siniestros en Chile, anunciando que realizará donaciones para tratar de ayudar en algo a esas personas necesitadas, rememorando que ella también sufrió del mal incurable, y que se puede salir adelante pensando en positivo, de esas situaciones fatales. Esa misma noche también actuaría el norteamericano Peter Paul Cetera, productor, cantante, músico, e ideólogo del excepcional grupo Chicago. A los que les agrada recordar, tocaban el cielo con las manos.

POSIBILIDAD DE GIRA POR LATINOAMÉRICA
Allegados a Olivia Newton John manifestaron la posibilidad latente de realizar una gira por diferentes países de América Latina, incluyendo Uruguay a la brevedad.
Había quedado atrás su presencia en tierras chilenas, y los comentarios se sumaron en una buena, ante la elegancia y profesionalismo que desarrolló ésta estrella de la canción. Sus modestos pedidos contrastaron con su trayectoria y con el resto del elenco artístico del evento canoro. La solista solamente solicitó algunas manzanas y té para su camarín. Su solicitud que fue cumplida por la producción de Viña 2017, distó una barbaridad con otros exponentes, caso Maluma e Isabel Pantoja, con pedidos extravagantes.
Agregamos que Newton John estuvo casada con el actor Matt Lattanzi, entre 1984 y 1995, de esta unión quedó una hija, Chloe Rose, nacida en 1986. A partir de 1996 estaba en pareja con Patrick McDermott, un productor de tevé, hasta que este desapareció en circunstancias especiales y extrañas durante una excursión marítima en 2005.
Al año siguiente, 2006, surgieron rumores de que McDermott había sido visto en México DF., y que habría simulado su desaparición física para terminar su relación con Olivia. En julio 2008 ella contrajo nupcias en total secreto con el multimillonario John Easterling. Más allá de la nostalgia.

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Los 87 carnavales de Joanne Woodward. Una actriz con todas las letras

Su carrera comenzó siendo muy joven, dejó muy buenas películas, obtuvo muchísimas distinciones por sus ejemplares desempeños, y se casó con el hombre de su vida: Paul Newman. Matrimonio éste que engendró tres hijas y duró cincuenta años hasta la ida de Newman en 2008, siendo considerada una de las parejas más estables del viejo Hollywood. En el año 1957 ya había ganado un Oscar a la mejor actriz por su actuación en «The three faces of Eve» -»Las tres caras de Eva», filme norteamericano de drama y misterio, adaptado de un libro publicado por los pagepsiquiatras Corbett H. Thigpen y Hervey M. Cleckley, quienes también ayudaron a escribir el guión. El rodaje se llevó a cabo en el Medical College of Georgia, en Augusta, Georgia, y junto a la protagonista se encuentran David Wayne, Lee J. Cobb, Nancy Kulp y Alistair Cooke. Se llama Joanne Gignilliat Trimmier Woodward o simplemente Joanne Woodward, una actriz con todas las letras, que exactamente hoy está cumpliendo sus 87 años.
SU MADRE ERA
FANATICA DEL CINE
Joanne llegó a éste mundo el 27 de febrero de 1930, en Thomasville, Georgia, estado ubicado en la región sur de USA, al norte de Florida. Sus padres: Elinor Née Trimmier y Wade Woodward Jr. le brindaron una educación acorde enviándola a la escuela superior de Georgia, haciendo además los estudios posteriores en otro instituto. La madre de Joanne influenció en la pequeña en ser una actriz ante el amor que manifestaba por las películas de moda. Las veía todas en el biógrafo. Mudas y sonoras. Su propia madre le puso el nombre de Joanne por Joan Crawford. Una vez concurriendo al estreno de «Gone with the wind», en Atlanta, Woodward de tan solo nueve años, se metió de lleno en la pasarella del desfile de las grandes figuras, sentandose al lado del actor y director británico Laurence Olivier, socio y futuro esposo de Vivien Leigh, en esa oportunidad. Joanne décadas después, en 1977, trabajaría con Olivier, en una excelente producción televisiva, «Sheba». Durante los ensayos que se hicieron para preparar los episodios, ella le mencionó eso que había pasado tanto tiempo atrás, y Olivier le respondió con una sonrisa recordando
aquella situación.
GANADORA DE
CONCURSOS DE BELLEZA
Woodward residió en Thomasville hasta que llegó hasta segundo grado, cuando su familia se trasladó a Marietta, Georgia, donde estudió actuación en la Marietta High y Strand Theatre de esa ciudad. Cuando Joanne estaba en secundaria, sus padres se separaron, y se graduó en Greenville High School de Greenville, Carolina del Sur, en 1947. Teniendo una muy bonita estampa Joanne obtuvo muchos certámenes de belleza, siendo una adolescente. Paralelamente fue apareciendo en realizaciones de teatro en Greenville High y en Little Theatre de Greenville, interpretando a Laura Wingfield en «The glass menagerie», obra dirigida por Robert Hemphill McLane. Pegó la vuelta a Greenville en 1976, para personificar a Amanda Wingfield en otra producción teatral independiente de «The glass menagerie». Antes también había regresado en 1955 para la premiére de su cinta debut, «Count three and pray», en Teatro de París en North Main Street. Woodward se fue especializando en drama en la Universidad del Estado de Louisiana, y luego se dirigió a Nueva York para presentarse en los escenarios de los teatros.
ENTRE HOLLYWOOD
y BROADWAY
Después del largometraje «Count three and pray», Joanne se movió entre Hollywood y Broadway. O más bien entre el cine y el teatro. Allí en la producción de «Picnic», junto a su futuro marido Paul Newman, con quien se casaría el 29 de enero de 1958, en Las Vegas, apenas una semana después de que el actor lograra el divorcio de su primera mujer, Jackie Witte. Las tres hijas de Joanne y Paul: Elinor Teresa, Melissa Steward y Claire Olivia. Por allá en los comienzos de 1953 se conoce la pareja, pero todavía no había llegado la magia del amor, eso fue cuatro años más tarde durante las filmaciones de «Largo y cálido verano», donde aquel amor de la pantalla lo llevaron a la realidad, y sin más ni menos, se enamoraron. Fue el amor bien entendido que se apoderó de ellos, para que fueran muy felices durante cinco largas décadas. Llegaron a rodar más de diez películas juntos. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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KURT COBAIN: LA VOZ DE UNA GENERACIÓN

IDEÓLOGO DE NIRVANA
No le falta biografía a Kurt Cobain, aunque su vida fue incompleta. Para empezar fue el guitarrista, cantante, compositor, y creador junto a Krist Novoselic de la banda Nirvana. Una agrupación de éxito tras éxito en su estilo, llamada por los dj’s estadounidenses como pieza principal de una novel generación, titulada “X”, y a Cobain lo colocaron en el primer escalón de la nominación. Así que fue, “el portavoz de una generación”, sin más ni menos. Pero, a menudo Cobain se molestaba con estas cosas, sufría suponiendo que a su prédica la confundían, siendo sus enredos particulares requeridos atentamente por tv, revistas y periódicos. Desde que salió Nirvana con Kurt Cobain hasta el presente ha colocado más de treinta millones de discos en USA y más de noventa y cinco en todo el orbe, cifras que hablan a las claras de este producto meramente comercial, más allá de todo. Increíblemente, en la última etapa de su vida, Cobain se enfrentó muy bajoneado a su adicción a las drogas. page
Luchaba para llevar adelante su brillo y color público y las continuas presiones de su familia y entorno. Su lamentable mala vida lo llevó a la muerte. Ocurrió el 8 de abril de 1994, cuando un electricista que llegó a la casa lo encontró sin vida. Eso había sido anunciado de antemano por su esposa la cantautora Courtney Love, que Cobain se autoeliminaría con una escopeta. El caso se afirmó como suicidio. Tenía tan solo 27 años y su deceso fue muy sentido por sus seguidores, que no creen hasta el día de hoy que Cobain se halla quitado la vida, argumentando que fue asesinado por su propia esposa. Todo un tema y debate.

HOY SERÍA SU CUMPLE NO. 50
Kurt Donald Cobain llegó a este mundo en Washington, un día como el de hoy, 20 de febrero pero de 1967.
Estaría cumpliendo sus 50 años. Al nacer y en los próximos meses vivió en Hoquiam, hasta que sus progenitores se radicaron en Aberdeen.
Sus padres Wendy Elizabeth Fradenburg y Donald Lenald Cobain, le dieron a Kurt una hermana menor, Kimberly, nacida el 24 de abril de 1970. Desde muy joven, Kurt manifestó su pasión por la música, escuchando exponentes de la talla de Ramones, The Beatles y The Monkees. Oyendo discos empezó a cantar temas del momento: “Motorcycle song” de Arlo
Guthrie, “Hey Jude” de The Beatles, “Estaciones en el sol” de Terry Jacks y la presentación de la serie de tv de The Monkees: “Hey hey it’s the Monkees!”. Según testimonio de los padres, la vida de Cobain cambió sustancialmente a los nueve años de edad debido a su separación. Tras un año viviendo con su madre después del divorcio Cobain se trasladó a Montesano para residir con su padre. El muchacho obtuvo su primera viola a los 14 años. Fue un obsequio de su tío, quien optó por el instrumento en vez de una gran bicicleta. A partir de entonces Cobain intentó armar grupos con algunos de sus amigos, tocando temas de Led Zeppelin y AC/DC. Luego de un tiempo, Nirvana estaba por llegar.

INFLUENCIA EN LA ERA MODERNA
En 1987 Cobain y el bajista Novoselic fundan Nirvana. Desde su formación, pasó a través de una serie de frecuentes cambios de baterista hasta que en 1990 se les unió definitivamente Dave Grohl.
La agrupación actualmente es considerada como una de las bandas más importantes e influyentes de la era moderna. Su álbum debut fue “Bleach”, editado por la etiqueta Sub Pop, en 1989. Un año después, Nirvana estampa contrato con la fonográfica DGC Récords, y en 1991 lanza su segundo disco, “Nevermind”.
Tras el suceso de la placa, aparece el álbum de estudio final, “In utero”, en 1993. El álbum no coincidió con las cifras de ventas de “Nevermind” pero aún así fue un hit comercial.
La carrera de Nirvana terminó con el fallecimiento de Cobain en 1994, pero su vigencia creció más en los años siguientes. Ocho años más tarde de la muerte de Cobain, “You know you’re right”, un demo jamás concluido que el conjunto había registrado dos meses antes de la ida de Cobain, trepaba por las listas en todo el mundo. En 2004 los colocaron en el lugar 27 de los 100 mejores artistas de todos los tiempos en la publicación “Rolling Stone” y en el casillero 14 según el mensuario “Vh1″. En 2014 Nirvana entró en el The Rock and Roll Hall of Fame.

CASAMIENTO EN LA
PLAYA DE WAIKIKI
Durante una gira por el Pacífico de Nirvana, el lunes 24 de febrero de 1992, Kurt Cobain y Courtney Love unen su amor casándose en la playa de Waikiki, en Hawai. El 18 de agosto de ese año nace la primera y única hija de la pareja, Frances Bean Cobain. Cobain tuvo su primer contacto con las drogas a finales de 1980, iniciándose en el consumo de marihuana a los trece años. En el cuerpo sentía dolores intensos casi siempre, habiendo sido tratado con fuertes calmantes ya desde pequeño.
Su iniciación en el consumo de heroína tiene lugar en 1986. Debido a eso, consiguió quebrantos de salud por doquier, se caía desmayado en sesión de fotografías, en la calle, en un bar, y una vez al costado del escenario antes de un show. La vida privada de Kurt Cobain fue depresiva y enferma. Sufrida.
De dolor, sin ser consultado como debía ser por profesionales de la medicina. Como Cobain falleció a los 27 años, pasó a ser considerado “miembro” del Club 27 -grupo de músicos fallecidos a los 27 años de edad, como Robert Johnson, Brian Jones, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Janis Joplin y Amy Winehouse- Más allá de la nostalgia.

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SOLEDAD SILVEYRA, A LOS 65 AÑOS. HOY ES EL CUMPLE DE LA ACTRIZ

Desde chiquita se inició en la actuación. De a poco se fue cultivando, ganando confianza en lo suyo hasta transformarse en una excelente exponente de la escena en la tele y el cine. Prosperó y mucho, contando con una trayectoria muy extensa, llena de reconocimientos. En su haber cuenta con protagónicos de muy buena recepción por parte de los espectadores y la crítica en general. Tìtulos que han quedado grabados en la memoria de todos, tiras que marcaron una historia y películas que dieron la vuelta al mundo por su trama brillante, destacándose su lucido desempeño. En los útlimos tiempos su profesionalismo le dio por conducir un «Gran Hermano» y de integrar el polémico jurado de «Bailando», en Ideas del Sur, con Tinelli. Ha manifestado su inclinación a ayudar a gente necesitada y lo ha hecho de verdad con diferentes obras y eventos para recaudar fondos. Nacida en Buenos Aires, Argentina, un día como el de hoy 13 de febrero, pero de 1952, está cumpliendo sus 65 años. Hace mucho tiempo de paso por Baires la vimos caminar por la calle Florida, observando vidrieras, lucía espléndida de rubia platinada, con 1.63 de estatura, de sombrero a tono con su vestuario. La elegante señora tiene nombre y apellido: Soledad Silveyra, una diva de la pantalla.
SOLITA DEBUTÓ EN
«LA CIGARRA ESTÁ
QUE ARDE»
Después de participar en actuaciones escolares y en pequeños teatros en su niñez, se lanza al estrellato teniendo 12 años recién cumplidos con más y más actividades, haciéndose conocida por la tira «El amor tiene cara de mujer» de Nené Cascallar, saltando a la fama como revelación del teleteatro. En 1967 llega su primer largometraje «La cigarra pageestá que arde», en un extenso reparto donde se destacan Olinda Bozán, Fidel Pintos, Mariquita Gallegos, Osvaldo Miranda, Juan Carlos Mareco, Dolores De Cicco, Zulma Faiad, Santiago Gómez Cou, Guido Gorgatti, entre otros. Continuaría con «Un muchacho como yo», en 1968, junto a Palito Ortega, Osvaldo Miranda, Beatriz Bonnet y Norberto Suárez; «Quiero llenarme de ti», 1969, con Sandro, Marcela López Rey y Walter Vidarte, y un año
más tarde con «Gitano», también con Sandro de América, acompañado por Silvina Rada, y Ricardo Bauleo, dirigidos por Emilio Vieyra. Paralelamente, comenzaba una ajetreada actividad en la tele.
«ROLANDO RIVAS,
TAXISTA»
Luego de muchos ensayos y de idas y vueltas, en los primeros meses de 1972, nacía «Rolando Rivas, taxista», acaso la telenovela más exitosa de la televisión argentina, creada por Alberto Migré, logrando trascender el género con una popularidad a cuestas que aún conserva a 45 años de su primera emisión original. Se trataba de una producción protagonizada por Claudio García Satur -el taxista- Nora Cárpena, Leonor Benedetto, Dorys del Valle y la mismísima Soledad Silveyra, la «muchachita» de la tira. De «Rolando Rivas, taxista» se hicieron dos temporadas, registrando presencia al aire hasta diciembre de 1973. Debido al impresionante suceso se produjo esa segunda temporada, sólo que en el segundo año de emisión se cambió a Solita, ya que esta había sido contratada por Canal 13 para estelarizar otra telenovela. Así fue que se continuó con García Satur y Nora Cárpena, la historia del taximetrista que atrajo la atención de millones de televidentes del Río de la Plata. Era la primera vez en la que los caballeros formaban parte de ser fanáticos fieles de una novela, atraídos por la primera pareja de Satur -Rolando- y Solita -Mónica- que en 1974 filmarían en colores la película de «Rolando Rivas, taxista».
EL TURNO PARA
«POBRE DIABLA»
En 1973 el turno fue para «Pobre diabla», donde estaría Soledad Silveyra, Arnaldo André y China Zorrilla. Obra teleteatral de suceso,
dirigida por Alejandro Doria y escrita por Alberto Migré. En 1981 estaría en «Laura mía», con Raúl Taibo, y en 1982 «La cenicienta», adaptación de Hugo Midón, juto a Boy Olmi, Elsa Berenguer, Nené Malbrán, Tina Serrano, y Franklin Caicedo. Ese mismo año, Soledad recibe una distinción del Festival Internacional de Cine Imaginario y de Ciencia Ficción de la Villa de Madrid, por «La casa de las siete tumbas». En 2013-2014 participó de la telenovela Mis amigos de siempre por Canal Trece. Abandonó la tira de Pol-ka para ser jurado del Bailando por un sueño 2014, que comenzó el 28 de abril y que se emitió por la pantalla de El Trece. Actualmente sigue dempeñando ese rol. En julio del pasado año se presentó en el Solís de Montevideo, con muy buena taquilla, demostrando que posee mucho más para brindar. Sus parejas fueron Jose María Jaramillo, entre 1970 y 1982 -separada de hecho- Lorenzo Jaguares, 1983-1985, Martín Laure, 1987-1989, Noel Frague -1991-1995- Osvaldo Laport. Tiene dos hijos:Baltasar, y Facundo Jaramillo. Más allá de la nostalgia.
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LUCES DE LA CIUDAD: A 86 AÑOS DE SU ESTRENO INTERPRETADA, ESCRITA Y DIRIGIDA POR CHAPLIN

El 6 de febrero de 1931, hace exactamente hoy 86 años, se estrenaba en Estados Unidos e Inglaterra, la película norteamericana “City lights”, “Luces de la ciudad”, interpretada, escrita y dirigida por el mismísimo Charles Chaplin. El filme ocupa en la actualidad el lugar número once en la lista de las cien mejores cintas creadas por American Film Institute y forma parte además de la pizarra AFI’s 10 Top 10. Se trata de una comedia pero de corte romántica muda, en donde la trama sigue las andanzas de Chaplin cuando este se enamora perdidamente de una niña ciega -encarnada por Virginia Cherrill- desarrollando una amistad turbulenta con un alcohólico multimillonario, llevado

Chaplin junto a Virginia Cherrill  en un pasaje del filme

Chaplin junto a Virginia Cherrill en un pasaje del filme

adelante por el actor Harry Myers. Aunque las producciones parlantes estaban aumentando cuando Chaplin comenzó a hacer el correspondiente guión en 1928, decidió continuar con películas sin sonido. La filmación se inició en 1928 y terminó en septiembre de 1930. “City lights” marcó la primera vez que Charles Chaplin componía la banda sonora de una de sus producciones y fue escrita en seis semanas con Arthur Johnston. El tema principal, utilizado como referencia para la niña ciega de flores, es la canción “La violetera” -“Who’ll buy my violets”- del compositor español José Padilla.
Chaplin perdió una demanda en París con el propio Padilla ante no otorgarle una referencia en los créditos. “Luces de la ciudad” recaudó la cifra de cinco millones de dólares. De momento, muchos críticos cinematográficos lo consideran no solo el mayor logro en la carrera de Chaplin, sino una de las mejores películas de todos los tiempos. En 1991 la histórica Biblioteca del Congreso la seleccionó para su preservación en National Film Registry USA. denominándola: “histórica, significativa y cultural”.

UN CORTO REPARTO
En el reparto sumamente corto figuraban Charles Chaplin en su papel de vagabundo, Virginia Cherrill: la florista ciega, Florence Lee, abuela de la florista, Harry Myers, el millonario, Al Ernest Garcia – mayordomo, y Hank Mann, el boxeador. El argumento indica que Charles es un vagabundo de verdad, sin hogar seducido por la florista ciega. Inmediatamente evita el suicidio del millonario en copas, al quien le salva la vida. Sin embargo, cuando está sin

Charles Chaplin, cineasta

Charles Chaplin, cineasta

copetines el millonario lo rechaza comenzando un romance con la florista, quien lo relaciona porque tiene dinero en caja. Cuando descubre que van a embargar la casa de la chica si no reúne dinero suficiente, prueba suerte en diferentes empleos -entre ellos, una match de boxeo- Obtiene, finalmente, mil dólares de su amigo millonario, quien se los regala generosamente cuando se encuentra ebrio. Una vez sobrio de nuevo, niega conocer a Charles y hace que le persiga la policía. Charles entrega los billetes a la florista, quien así consigue evitar ser desalojada, y puede someterse a una operación que le devuelve la visión. El protagonista, en cambio, es capturado por la Policía, acusado del robo de los mil dólares, y pasa una larga temporada en la cárcel. Al salir, vuelve a encontrarse con la florista, que ahora posee una tienda en lugar de un puesto de venta en la calle, y vive con la esperanza de reencontrar a su supuesto millonario. La cinta culmina con la espectacular escena en que la florista reconoce a Charles la gran mano que le brindó. En 1949, el periodista radial y de prensa escrita James Agee se refirió a la escena final de la película como “la mayor escena individual comprometida con el celuloide”.

RE-LANZAMIENTO EN 1950
El éxito de “City lights” se manifestó aún más con el re-lanzamiento del filme en 1950, nuevamente recibido en forma positiva por los espectadores y críticos en general. El periodista Richard Meryman dijo que la escena final “es uno de los mejores momentos de la historia del cine”. Charles Silver, del Museo de Arte Moderno, declaró que la cinta es muy apreciada porque dio lugar a un nuevo nivel de romanticismo lírico, algo que no había aparecido en las obras

City Lights, Luces de la ciudad, 1931

City Lights, Luces de la ciudad, 1931

anteriores de Chaplin. El crítico Eric D. Snider, manifestó que para 1931, pocos en Hollywood tenían el poder para hacer una película muda en esa fecha donde se venía el cine sonoro con todo, y mucho menos hacerlo bien. Una de las razones era que Chaplin sabía que el personaje del vagabundo no podía adaptarse a las películas que hablaban y que aún funcionaba. Varios directores bien conocidos han elogiado a “City lights”: Orson Welles dijo que era su película favorita. En una entrevista de 1963 en la revista estadounidense “Cinema”, Stanley Kubrick clasificó “City lights” como la quinta entre sus diez largometrajes. En 1972, el renombrado director ruso Andrei Tarkovsky colocó a “City lights” como una de las mejores películas y dijo de Chaplin: “Él es la única persona que ha entrado de verdad en la historia cinematográfica sin envejecer”.
George Bernard Shaw se refirió a Chaplin como “el único genio de la industria cinematográfica”. El célebre director italiano Federico Fellini elogió a menudo esta película. En el documental 2003 “Charlie: La vida y el arte de Charles Chaplin”, Woody Allen dijo que era la mejor imagen de Chaplin. Se dice que Allen basó la escena final de su película de 1979 “Manhattan” en el cierre de “Luces de la ciudad”. Jeffrey Vance ha resumido las mejores críticas y todos los elogios señalando a “City lights” como su película favorita de Chaplin a lo largo de las décadas. El músico experimental y crítico de cine francés Michel Chion ha escrito un análisis de “City lights”, publicado como
“Les lumières de la ville”. El traje original de Chaplin “Tramp” de la película fue donado al Museo de Historia Natural del Condado de Los Ángeles. “City lights” fue editada en formato Blu-ray y DVD por Criterion Collection en 2013 con una pista de comentarios de audio por el vocero de Chaplin, Jeffrey Vance.
Más allá de la nostalgia.

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JOHN BARRY: BANDA ORIGINAL DE SONIDO 007 A SEIS AÑOS DE SU PARTIDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

De su pluma y pentagrama salió el gran tema de siempre de James Bond Agente Secreto 007, en la primera película de la tira “El satánico Dr. No”, en 1962. Luego llegarían 11 de los filmes Bond entre 1963 y 1987, a quienes les colocaría toda la banda original de sonido. Obtuvo cinco Oscar y algunos Grammy por las cintas “Dances with wolves” y “Out of Africa”, así como con la pieza de la serie tv culto británica “The persuaders!”. Estamos ante un excepcional músico, compositor, y director inglés, en una carrera que abarca más de cincuenta años. En 1999 fue nombrado “Caballero del Imperio Británico” en el Palacio de Buckingham ante sus célebres servicios de música para celuloide. Su verdadero nombre es John Barry Prendergast, llegado a este mundo el 3 de noviembre de 1933, en York, Yorkshire, habiendo dejado de existir, en Oyster Bay, Nueva York, el 30 de enero de 2011, hace hoy seis años.
TRABAJABA EN LOS CINES DE SU PADRE
Los primeros años de la juventud de John los pasó trabajando en salas cinematográficas propiedad de su padre. Durante el servicio militar en el ejército británico en Chipre, empezó a desempeñarse como músico después de aprender a tocar la trompeta. Soplaba tan bien el instrumento que al completar sus servicios, formó su propia banda en 1957, The John Barry Seven. Más tarde desarrolló un especial interés en componer y arreglar temas musicales, haciendo su debut para la televisión en 1958. Esas noticias llegaron muy rápidamente a los oídos de los productores de la primera película de James Bond, ya que no estaban convencidos de un tema que había hecho a tales efectos Monty Norman. Esto comenzaría una exitosa asociación entre Barry y Eon Productions que duraría 25 años. Además de los premios ya mencionados recibió diez nominaciones a los Globos de Oro, ganando uno por Mejor Puntaje Original en “Out of Africa”, en 1986. Barry completó la música en su último filme, “Enigma”, en 2001 y grabó el impactante álbum “Eternal Echoes” el mismo año. Luego se concentró principalmente en actuaciones en vivo y co-escribió la música para “Brighton Rock”, en 2004 junto a Don Black . Fue nombrado miembro de la Academia Británica de Cine y Televisión en 2005.
“DESDE RUSIA CON AMOR”, “GOLDFINGER”, y MÁS
Así fueron pasando los títulos Bond “From Russia with love”, “Thunderball”, “You only live twice”, “Diamons are forever”, “Moonraker”, entre otros. Barry también colaboró en “Casino Royal”, 1967, donde su tema “Born free” aparece brevemente en la apertura del largometraje. En “Goldfinger”, 1964, continuó y perfeccionó el “Sonido netamente Bond”, con una muy buena mezcla del jazz del bueno con melodías sensuales y grandes orquestaciones repletas de arreglos sobresalientes. En sus partituras de James Bond, John Barry unifica su sentimiento por la música rusa con el jazz de avanzada. Su uso de las cuerdas, los acordes, y los cambios de sonidos permanentes de alto nivel otorgan total calidad a cada una de sus creaciones. De esa manera, se acercan arreglos más melodiosos en “Moonraker”, 1979, y “Octopussy”, 1983. Lo más moderno fue en “A view to a kill”, colaborando con la banda Duran Duran, alcanzando notable figuración en el número uno Billboard USA y segundo escalón en UK Singles Chart. La último composición de John para la serie Bond fue “The living daylights”, 1987, la primera cinta para Timothy Dalton en la tira con Barry haciendo una aparición como un conductor en el filme. John tenía la intención de hacer la B.O.S. de “Licencia para matar”, en 1989, pero se estaba recuperando de una cirugía en la garganta en ese momento y no pareció oportuno plantar de golpe ese reposo. Fue entonces que la música fue completada por Michael Kamen.
SE CASÓ CUATRO VECES
Barry contrajo nupcias cuatro veces. Sus primeros tres matrimonios: Bárbara Pickard -1959-63- Jane Birkin -1965-68- y Jane Sidey -1969-78- terminaron en divorcio. Su cuarta esposa fue Laurie, desde enero de 1978 hasta su muerte. La pareja tuvo un hijo, Jonpatrick. John tuvo -además- tres hijas: Suzanne -Susie- con su primera esposa, Bárbara, Kate con su segunda esposa, Jane, y Sian de una relación con Ulla Larson entre los dos primeros matrimonios. Suzy Barry, que está casada con el periodista de negocios de la BBC Simon Jack , es la madre de sus dos nietas, Phoebe y Florence Ingleby. En 1975 acusado de no pagar impuestos por un juez británico, se trasladó a California, USA. John pudo retornar a Inglaterra cuando se resolvió el caso a fines de los ochenta.
Posteriormente vivió durante muchos años en los Estados Unidos, principalmente en Oyster Bay, Nueva York, en la Isla Centro en Long Island. John Barry sufrió una rotura del esófago en 1988, después de una reacción tóxica a un tónico de la salud que había consumido. El incidente le impidió trabajar durante dos años y lo dejó vulnerable a la neumonía. Falleció de un ataque al corazón en su hogar. Un concierto conmemorativo tuvo lugar el 20 de junio de 2011 en el Royal Albert Hall de Londres, donde la Orquesta Filarmónica Real, Shirley Bassey, Rumer, David Arnold, Wynne Evans y otros interpretaron la música de
Barry. Sir George Martin, Sir Michael Parkinson, Don Black, Timothy Dalton, y otros también contribuyeron a la celebración de su vida y su trabajo. El evento fue patrocinado por el Royal College of Music a través de una subvención de la Fundación Broccoli.
Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.comJohn Barry recibiendo honores.   1

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JILL WHELAN: VICKI, LA HIJA DEL CAPITÁN “EL CRUCERO DEL AMOR”: ¡SENTIMENTALES A BORDO!

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“El crucero del amor”, fue una serie de tv ambientada en varias embarcaciones de lujo, que marcó una época en su momento en la pantalla chica. ¿Quién no la recuerda?… En las tardecitas de los domingos por Teledoce, y por otros canales de aire y cable que luego la emitieron en Montevideo e interior, cuando aparecía aquel tremendo barco “The Pacific Princess”, que fue en general el que se utilizó para las filmaciones, pero a lo largo del tiempo pasaron “Royal Princess”, “Stella Solaris”, “Royal Viking Sky” y “Pearl of Scandinavia”.
Vayamos al comienzo de la tira cuando se mostraba de pleno la nave en toda su inmensidad atravesando mares y océanos, con el tema de un gancho tremendo que identificaba la notable producción “The love boat”, su título original en inglés, en la voz de Jack Jones, de los compositores Paul Williams, en la letra, y Charles Fox, en música, para posteriormente dar paso a cubierta donde los anfitriones esperaban la llegada de los pasajeros para darles la cordial bienvenida a bordo. Los había de toda clase, damas solitarias, familias completas de vacaciones, parejas de enamorados, galanes en busca de diversión inusitada, y hasta recién casados en luna de miel. Dichos personajes eran estelarizados en su mayoría por excelentes actores invitados que se cambiaban en cada capítulo -Ursula Andress, Gene Kelly, Lloyd Bridges, Rhonda Fleming, George Kennedy, Tom Hanks, Don Ameche, Zsa Zsa Gabor, Debbie Reynolds, Darren McGavin, Vincent Price, Lee Majors, Samantha Eggar, Lorne Greene, Gina Lollobrigida, Shelley Winters, y tantos más- Absolutamente todo en una comedia bien llevada, amena, sin sobresaltos pero de enredos, de idas y venidas, abierta para toda la platea hogareña.

ACTO SEGUIDO, LLEGAR A LOS CAMAROTES
El asunto era ahora llevar a los recientes huéspedes a sus respectivos camarotes, por los diferentes personajes de la tripulación, quien son los verdaderos protagonistas de “El crucero del amor”: los que se veían siempre. Así se desempeñaban, principalmente en este caso la directora del crucero Julie
McCoy -Lauren Tewes- el doctor Adam Bricker -Bernie Kopell- el sobrecargo Burl Gopher Smith -Fred Grandy- el dueño de los largos tragos, el barman Isaac Washington -Ted Lange- el enérgico -pero de gran corazón- capitán Merrill Stubing -Gavin MacLeod- y su hija Vicki -Jill Whelan- Ellos poseían roles y caracteres bien definidos. La serial se rodó en colores, en 249 capítulos, durante 10 largas temporadas, a partir del 24 de septiembre de 1977 hasta el año 1986, de 50 minutos, creada por Aaron Spelling. Las tramas se ambientaban tanto en el propio barco, como en los diferentes puertos donde atracaban, y se procuraba ofrecer atractivas vistas de esos lugares. Una realización espléndida, sumamente atractiva, de tono ligero y aire divertido, más que nada.

TENÍA 14 AÑOS AL DEBUTAR EN “EL CRUCERO”
Vicki, la pequeña hija del capitán Merrill, tenía tan solo 14 años al llegar al “Crucero”, y se quedó ahí hasta los 20. En un personaje sumamente particular la muchachita se desempeñaba muy bien de acuerdo a su edad y su función en el desarrollo de la serie. Paralelamente, se había hecho compañera y amiga de sus compañeros, todos mayores que ella. Tal es así que hasta el día de hoy, se unen en cada aniversario de “El crucero del amor”, en distintos lugares de Estados Unidos. Vicki es Jill Whelan, que hoy cuenta con 50 años, habiendo nacido el 29 de septiembre de 1966, en Oakland, ciudad situada en el área de la bahía de San Francisco del estado de California. Increíblemente, la actuación que le brindó más reconocimiento del público, como también popularidad fue el de Vicki Stubing. Pero, Jill en la actualidad además de actriz en actividad, es cantante, productora, escritora, encargada de relaciones de un crucero, participa en varios espacios televisivos periodísticos y hasta tiene un programa de radio.

DE PEQUEÑA A LA ACADEMIA ACTORAL
Luego de salir de la Academia Actoral de California, a los 7 años la llamaron para hacer comerciales para tv. A los 11, Jill participó en la tira “Friends”, luego de la 10a. temporada del “Crucero” en 1986 registró como cantante el álbum “Nuestro tiempo”, durante la década de los ’80 fue activa como portavoz norteamericana de la campaña antidrogas “Just say no”, de la que fuera primera dama Nancy Reagan, y posteriormente le otorgaron un importante papel en “The young and the restless”, una telenovela impactante de larga duración.
Más adelante, en 2001 apareció en un episodio de “The weakest unk”, en 2008 en el filme “Airplane!”, hizo teatro en Nueva York, hasta el 2016 en las tablas. Se casó en dos oportunidades, con Brad San Juan, y John Chaykowsky, habiendo contraído nupcias con este último en 2004 a bordo del crucero “Caribbean Princess”, teniendo dos hijos que adora, uno con cada marido. Actualmente, está separada y vive en Los Ángeles, aguardando más protagónicos televisivos. Más allá de la nostalgia.
Jill Whelan.   1

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CANTAUTORA DE EXCEPCIÓN… SADE: LLEGÓ DE NIGERIA HACE 58 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde MontevideoSade.   1

FUE UN DíA COMO EL DE HOY
Hace 58 años, el 16 de enero de 1959, nacía en Ibadán, Oyo, Nigeria, bajo el nombre de Helen Folasade Adu, más conocida como Sade, la brillante cantautora. Su madre Anne Hayes, enfermera inglesa, y su padre AdebIsi Adu, un profesor nigeriano, se juntaron en Londres, se casaron en 1955, y se trasladaron a Nigeria. Sin embargo, sus padres se separaron y su madre Anne Hayes regresó a Inglaterra, llevando a Sade y su hermano mayor Banji, de cuatro años, a vivir con sus abuelos cerca de Colchester, Essex. Cuando Sade tenía 11 años, se mudó a Holland-on-Sea , Essex, para vivir con su madre. Después de terminar su educación en High School secundaria del condado de Clacton, a los 18 años recaló en Londres y estudió diseño y artes en la escuela de San Martín. Luego de tres años en el curso, Sade se inició en el canto con el grupo inglés Pride. Durante este tiempo formó una sociedad de composición con el guitarrista y saxofonista Stuart Matthewman de Pride, y juntos, respaldados por el buen sonido de la agrupación, comenzaron a hacer sus propios shows en actuaciones de Pride. Sus presentaciones en solitario con “Smooth operator ” llamaron la atención de las compañías de discos, y en 1983 Sade y Matthewman se separaron de Pride junto con el tecladista Andrew Hale, el bajista Paul Denman y el baterista Paul Cook para formar la banda que llevaría el nombre de la cantante: Sade. Realmente, tenían por delante una historia llena de satisfacciones y éxitos.
UNA CANTANTE, UNA BANDA
En la primera incursión en un club londinense de Sade, se obtuvo tanto suceso que quedaron fuera del recinto cerca de mil quinientas personas las que tararearon todas las canciones del grupo estando ahí en ese sitio hasta que finalizaran de tocar. ¡Qué comienzo!, mejor imposible… Exactamente, en mayo 1983, Sade hace su debut en Estados Unidos en New York City, y el 18 de octubre del mismo año firma con Epic Records, mientras que el resto de la banda estamparía su autógrafo al año siguiente. Tras convertirse en artista de la compañía fonográfica empieza a registrar su primer álbum, “Diamond life”, que demoró seis semanas en ver la luz. El disco grabado en The Power Plant en Londres, se lanzó el 16 de julio de 1984, trepando al número 2 en la pizarra top ten álbums del Reino Unido, vendiendo 1.200.000 copias solamente en Inglaterra, logrando la distinción de “Mejor álbum británico” de 1985. Asimismo fue primer lugar en un sinfín de países y se entreveró entre los 10 más vendidos en USA, donde colocó más de cuatro millones de placas. “Diamond life” tuvo ventas internacionales de más de 6 millones de copias, y se transformó en el debut más vendido jamás por una vocalista inglesa.
“SMOOTH OPERATOR”: SU MAYOR HIT
“Your love is king” fue editado como simple principal de “Diamond life”, el 25 de febrero de 1984, siendo un impacto en determinadas ciudades europeas, con el número 7 en Irlanda, y 6 en UK singles chart. Su próximo sencillo “Smooth operator” se proclamó en el tema más exitoso en territorio norteamericano, alcanzando el escalón 5 en el Billboard Hot 100 y Billboard Hot Black Singles, además de lograr el ansiado puesto uno en las listas totales Billboard. Por Suiza, Inglaterra, Alemania, Austria y Francia, entre otros, se erigió en hit, siendo el tema más conocido de Sade, de toda su historia. A fines de 1985, el conjunto lanza su segundo álbum, “Promise”, logrando otro número uno en Estados Unidos y Reino Unido, vendiendo 4 millones de discos, certificado cuatro veces disco de platino por la RIAA -Asociación de la Industria de la Grabación de América- generando dos simples: “Nunca tan bueno como la primera vez” y “The sweetest taboo”, haciendo explotar otra vez los rankings de Billboard Hot 100 USA. Sade se hizo tan popular que varias broadcasters empezaron a irradiar sus canciones de los ’70, agregando “Is it a crime” y “Tar baby”. Al año venidero, 1986, obtendría el Grammy “Mejor Nuevo Artista”.
DEBUT COMO ACTRIZ
En 1986, Adu debuta como actriz en el filme “Absolute beginners”, adaptado del libro de Colin Macinnes del mismo nombre sobre la vida británica a fines de los cincuenta en Londres. El tercer álbumde Sade, “Stronger than pride”, aparece el 3 de mayo de 1988, convirtiéndose en suceso comercial. “Love Deluxe”, cuarto disco, fue editado el 26 de octubre de 1992. En noviembre 1994 el grupo lanza su primer disco compilatorio, obteniendo el top diez en Inglaterra. Posteriormente, llegaría “Lovers rock”, quinto álbum, el 13 de noviembre de 2000, obteniendo muy buenos comentarios de los críticos especializados y público en general, logrando el Grammy al “Mejor Album Pop”. “Lovers live”, sería su primer disco en vivo, aparecido el 5 de febrero de 2002. Luego de este trabajo Adu se toma un descanso de diez años, durante el cual se dedica a criar a su hija, mudándose al Caribe. Su sexto disco, “Soldier of love”, se lanza el 8 de febrero de 2010. Para promocionar el álbum y su segundo disco recopilatorio “The ultimate collection”, en abril 2011, el conjunto inicia su gira “Sade live”, recorriendo buena parte de Europa, América, Australia y Asia. Las ventas de Sade se sitúan en los 50 millones de discos en todo el mundo hasta el presente, la banda fue clasificada en el número 50 en la lista “100 mejores artistas de todos los tiempos” y en 2012 fue número 30 en “Los 100 Greatest Women in Music”. Más allá de la nostalgia.

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A LOS 73 AÑOS… JIMMY PAGE: CULTOR DEL ROCK CLASICO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

VIRTUOSO DE LA GUITARRA
Músico consagrado desde todo punto de vista, a lo largo y a lo ancho de su dilatada trayectoria. De sesión, en vivo, guitarrista extraordinario por las agrupaciones que pasó y dejó su huella: The Yardbirds, Led Zeppelin, banda con la que vendió más de trescientos millones de discos, y The Firm. Como guitarrista de respaldo en grabaciones participó de infinidad de sesiones con Jeff Beck, Rolling Stones, Eric Clapton, The Who, Roy Harper, Joe Cocker y David Coverdale, entre tantos. Está posicionado en el segundo puesto entre los grandes violeros de todos los tiempos por la Corporación Gibson Guitar. Por otra parte la publicación especializada Rolling Stone lo ubicó en el tercer lugar, y su solo de guitarra en “Stairway to heaven” de Led Zeppelin, en 1971, está considerado el mejor de la historia del rock para Rolling Stone y Guitar Wolrd. Su verdadero nombre es James Patrick Page, más conocido como Jimmy Page, el gran cultor del rock clásico, que exactamente hoy está cumpliendo 73 años.
LLEGA A THE YARDBIRDS
Page es nacido en Heston, Middlesex, Inglaterra, el 9 de enero de 1944. Es único hijo de James Page, empleado de una empresa, y de Patricia Elizabeth Gaffikin, enfermera y secretaria del Hospital de la zona. Cuando Jimmy tenía tan sólo 12 años sus padres le regalaron su primera guitarra, aunque él ya sabía tocarla muy bien, ya que es autodidacta, un profesor le dió algunas clases, aprendiendo de manera sorprendente. En el correr de 1957, cuando Jimmy contaba con 13 años, sobresalió por vez primera en televisión en una audición donde participaban nuevos valores, distinguiéndose por sus interpretaciones. De ahí en más, pasarían muy pocas veladas para que se transformara en profesional, haciendo practicamente de todo, acompañando grupos y solistas estelares. En 1966 es llamado por The Yardbirds, para reemplazar a su amigo Eric Clapton, y el 16 de mayo de ese año, el bajista John Paul Jones, el baterista Keith Moon, el tecladista Nicky Hopkings, Jeff Beck, y el propio Jimmy Page, graban “Becks Bolero”, en los estudios IBC de Londres. Pero si bien hubo mucho trabajo de shows, el potencial musical de la agrupación se vio interrumpido por las constantes giras y la falta de un éxito que detonara por los charts, así como por los conflictos internos. Así se retira Jeff Beck de la orquesta, que queda conformada en cuarteto. Page pasaría de ésta forma como violero central registrando “Little games”. Led Zeppelin estaba por llegar…
MIEMBRO FUNDADOR DE LED ZEPPELIN
En 1968 con la partida de Relf y McCarty de The Yardbirds, Jimmy deseaba seguir con varios recitales pendientes por Europa Occidental. Así reclutó al vocalista Robert Plant, al baterista John Bonham, y al bajista y tecladista John Paul Jones, para formar un nuevo conjunto. Lo llamaría The New Yardbirds, cambiándolo luego por Led Zeppelin. La exquisita banda presentó elementos de un amplio espectro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, el folk, e incluso el country. Después de la gira, y ya bajo el nombre de Led Zeppelin, Peter Grant, mánager de la agrupación, otorgó a la banda 200 000 dólares a cambio de producirse su primer álbum. Tal importante suma de dinero provenía del sello Atlantic Records, que estaba interesado en fichar el mayor número posible de grupos que surgían durante aquella época amparados bajo el estilo blues y hard rock, algo que Led Zeppelin cumplía a la perfección, por lo que Atlantic contrató al número sin siquiera haberlos visto, sólo bajo la recomendación de Dusty Springfield. Su primer disco fue publicado el 12 de enero de 1969, bajo el título de Led Zeppelin. Fue grabado en apenas una semana -grabado, mezclado y editado- en los estudios Olympic de Londres en octubre de 1968, empleando apenas 30 horas de estudio y sin casi horas de ensayo. El álbum en Estados Unidos fue un impacto tremendo, logrado en radios y en público.
LED ZEPPELIN II CONSAGRACION DEFINITIVA
Led Zeppelin II su segundo trabajo fue lanzado el 22 de octubre de 1969 consagrando a la banda de manera definitiva. Trepó al número uno de las listas británicas y norteamericanos desplazando de ese lugar a “Abbey Road” de The Beatles, permaneciendo allí durante siete semanas, gracias al hit de “Whole lotta love” y “Heartbreaker”. Más de 30 años pasaron de la disolución de la banda en 1980, y la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes del rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos, y es la segunda banda con más discos de diamante -otorgados cada diez millones de ventas en USA- de la historia de la música, sólo por detrás de The Beatles. Led Zeppelin se reformó el 14 de mayo de 1988 para tocar únicamente en el concierto de celebración del 40o. aniversario de Atlantic Records, con Jason Bonham ocupando el puesto de su padre en la batería.
THE FIRM Y MÁS PARTICIPACIONES
Al tiempo fundaría The Firm, y realizaría infinidad de producciones como solista y participando con otros artistas. Actualmente posee una colección impresionante de guitarras de todo tipo y se pasea con su novia casi 50 años más joven que él, Scarlett Sabet. Entre 1970 y 1983 Jimmy Page estuvo casado con la modelo Francesa Charlotte Martin, exnovia de Eric Clapton. La pareja tiene una hija llamada Scarlet Lilith Page -nacida en 1971- actualmente es una reconocida fotógrafa y madre de la primera nieta de Jimmy, Alice Brown. En 1986 contrae nupcias con Patricia Ecker, con quien tuvo su segundo hijo, James Patrick Page III. En 1995 se divorciaron. Ese mismo año Page conoce a la brasileña -hija de argentinos- Jimena Gómez-Paratcha, con quien entablaría una relación que duraría hasta 2008.
Junto a ella tiene 2 hijos legítimos Zofia Jade -nacida en 1997- y Ashen Josan -nacido en 1999- y Jana -nacida en 1994), hija de Jimena a quien Jimmy adoptó. El famoso guitarrista vinculado a las drogas durante años, confesó en una reciente entrevista: “No soy un adicto, muchas gracias”. Más allá de la nostalgia.
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GEORGE MICHAEL: SIMBOLO DEL POP

NADIE INTERPRETARA BALADAS COMO EL
Se fue joven, muy joven, en la plenitud de la vida. Con una impresionante carrera, donde colocó muchos hits -hoy convertidos en himnos de la música pop y del retro- vendió cien millones de álbumes, realizó shows excepcionales y dejó una fortuna aproximada de 120 millones de dólares, entre bienes inmuebles, cuentas bancarias, dinero en pagemasallaefectivo, y más. Su nombre comenzó a sonar con ímpetus desde que integró el dúo Wham!, junto a Andrew Ridgeley, en los inicios de 1981, donde alcanzó la gloria con “I’m your man”, “Everything she wants”, “Wake me up before you go go”, “Last christmas”, y “Careless whisper”. Aúnque ésta última escrita por los dos artistas, marcaría su apertura como solista, ya que él canta solo y en el clip de la canción no aparece su compañero en ninguna ocación. Esa jugada marcó un distanciamiento entre ambos cantantes y compositores, siendo ésta pieza el mayor suceso del dueto, llegando al número uno de ventas y popularidad en casi todo el mundo. Años más tarde se despediría de sus compañeros de la banda, para iniciar un fructífero lanzamiento como solista, donde continuó haciendo de las suyas: interpretando baladas como nadie lo hizo o lo hará, constituyéndose más que nada en un ícono del pop melodioso. Se llamó Georgios Kyriacos Panayiotou, conocido por George Michael, quien dejó de existir la pasada navidad por la mañana en su residencia de Oxfordshire, a los 53 años, víctima de un infarto. Su recuerdo será for ever.
UN 25 DE JUNIO DE 1963
Lesley Angold Harrison, una bailarina inglesa dió a luz un bebe, en Londres, el 25 de junio de 1963 y le puso Georgios. Jamás se le ocurrió -a ella y al padre grecochipriota Kyriacos Panayiotou- que con el tiempo sería multimillonario y una leyenda musical. Michael pasó su infancia en un lugar donde era habitado por ciudadanos griegos hasta los ochenta, viviendo junto a sus padres. Durante su adolescencia, la familia se trasladó a Radlett y Michael asistió a Bushey Meads School, donde conoció a Andrew Ridgeley, la otra parte de Wham!. Ambos tenían la misma ambición de ser músicos y famosos. Inició su participación en la música tocando en clubes y escuelas de Bushey, Stanmore y Watford, lo que fue seguido por la formación de una banda de ska de corta vida, The Executive, con Ridgeley, el hermano de Ridgeley, Paul, Andrew Leaver, y David Mortimer -David Austin- Pero la agrupación definitivamente no funcionó, así que George Michael y Andrew Ridgeley, cambiaron de idea creando Wham!… Corría enero de 1981. “Fantastic”, el primer LP de la orquesta, se lanzó en Inglaterra, en 1983, y fue impacto a la semana pegándose en el tope del chart, donde produjo la edición de varios discos simples, incluyendo el primer corte del álbum, “Wham rap!” -enjoy what you do- y “Club Tropicana”, luego llegarían “Young guns -go for it!- y “Bad boys”. Y mientras los productores discográficos se frotaban las manos ante el éxito, preparaban con Wham! más ediciones auspiciosas. Muy pronto Wham! brillaría intensamente por el orbe.
LE DICE ADIOS A RIDGELEY
Con todo el material en la calle en un sinfin de excelentes creaciones y registros excepcionales, donde se destacaba como cantante, compositor y cerebro pensante George Michael sobre Ridgeley, que se dedicaba solamente a acompañar en lo que pudiera, Michael lo planta y se retira de Wham! para lanzarse en solitario. La despedida fue con “Music from the edge of heaven”, directo al número uno en Billboard.
George Michael deseaba crear música para un público más sofisticado que el grupo de fans adolescentes seguidoras principales del dúo. El comienzo de su carrera en solitario, a principios de 1987, fue un dueto con la reina del soul Aretha Franklin. “I knew you were waiting (for me)” fue un proyecto sobresaliente que ayudó a lograr la ambición de Michael de cantar con una de sus artistas favoritos, obteniendo el primer lugar en USA y UK. Se acercarían “Faith”, “I want your sex”, “Father figure”, “One more try”, “Monkey”, y más.
SIEMPRE AYUDANDO A LOS NECESITADOS
Mientras recorría las mieles del éxito, George Michael ayudaba a los necesitados. A los que pedían o requerían una ayuda. Así lo hizo en infinidad de oportunidades. Muchas veces, con muchas colaboraciones.
Con diecinueve años, George Michael estuvo a punto de declararse bisexual, pero no lo tenía claro. La prensa amarilla se hizo eco de los rumores de supuestas relaciones con mujeres estrellas, y bailarinas de su espectáculo mientras era miembro del dúo Wham!. No fue hasta que tuvo veinticuatro años, hacia 1987, cuando estuvo convencido de que le gustaban los hombres. Sin embargo, Michael mantuvo en secreto su orientación sexual debido al efecto que podría tener la noticia ante la reacción de su madre. El 26 de febrero de 2006, Michael fue arrestado por posesión de drogas, un problema reiterado en su vida, de continuo.
Michael ganó numerosos premios musicales a lo largo de su carrera, incluyendo tres premios Brit, cuatro MTV Video Music Awards, cuatro premios Ivor Novello, tres American Music Awards, y dos veces el Premio Grammy. Más allá de la nostalgia.
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Feliz año nuevo con aquellas divas

CINCO GRANDES DE LA PANTALLA GRANDE

Además de poseer una belleza especial, fueron estrellas gigantes del séptimo arte, reconocidas hasta hoy en día; que les agradaba estar al pie del arbolito para esperar a Santa Claus y la llegada de un nuevo año. No fue un hecho

Ava Gardner

Ava Gardner

meramente promocional que estas tan lindas damas se tomaran fotografías relacionadas a las fiestas tradicionales. Hubo muchos artistas más que realmente lo hicieron, pero destacamos en esta reseña a tan solo cinco de ellas. De excelentes protagónicos que dieron que hablar a los espectadores de cada sala del cinéma que exhibía sus películas. Con un encanto que atrapaba cada escena, de figuras exhuberantes en varios de los casos, con un talento que descollaba, se encuentran en un orden casual, sin tiempo ni edad estas figuras del otrora Hollywood: Anita Ekberg, Ava Gardner, Gina Lollobrígida, Jayne Mansfield, y la exquisita Joan Crawford. Un verdadero quinteto de divas deslumbrantes. Un pedazo inmenso de aquel cine que muchos llamaron de culto.
ANITA, LA SUECA
Llegaba desde el frío, en Italia triunfó y desembarcó en Estados Unidos, participando en muchísimos certámenes de belleza.
Su nombre en las marquesinas era Anita Ekberg, pero en su documento de identidad, Kerstin Anita Marianne Ekberg, nacida en Malmô, Escania, Suecia, el 29 de septiembre de 1931, haciéndose bien conocida por su papel de Sylvia en “La dolce vita”, de 1960, la cinta de Federico Fellini. Desempeñó trabajos principalmente en Italia y se naturalizó italiana en 1964. Anita fue la sexta de ocho hermanos. Cuando tenía 17 años ya modelaba por pasarelas. En 1950, Ekberg acudió al concurso de Miss Malmö, a instancias de su madre, quien la llevó al concurso de Miss Suecia, que obtuvo. Posteriormente fue a USA para competir por el título de Miss Universo 1951, pese a que apenas hablaba inglés. Aunque no ganó el certamen, siendo una de las seis finalistas logró un contrato para mostrarse en algunos

Gina Lollobrigida

Gina Lollobrigida

Jayne Mansfield.   5

Jayne Mansfield

largometrajes de Universal Studios. Siendo primera figura en Universal, recibió lecciones actorales, equitación y esgrima. Apareciendo brevemente en los filmes “Abbott and Costello go to mars”, y “The golden blade”, Anita dejó de asistir a muchas clases de drama, limitándose a andar a caballo en Hollywood Hills. Ella admitiría más tarde que fue malcriada por el sistema de los sets, y que malgastó su tiempo en diversiones, en lugar de buscar papeles más grandes. Una de sus pasiones fue “la blanca navidad” sacándose infinidad de instantáneas para demostrarlo, y enseñarlas a sus amistades. Dejó de existir a los 83 años, en Rocca di Papa, Roma, Italia, el 11 de enero de 2015. Con el paso del tiempo se convirtió en un símbolo sexual.
AVA LAVINIA: UN MITO
Se la veía adquiriendo motivos navideños que encargaba a través de periódicos y revistas, en tiendas de oportunidades. Se llamó Ava Lavinia Gardner, llegada a este mundo el 24 de diciembre de 1922, en Brogden, Carolina del Norte, dejando de existir a los 67 años en Westminster, Reino Unido, el 25 de enero de 1990. Actriz nominada a

Joan Crawford

Joan Crawford

los Oscar, considerada una de las grandes estrellas del siglo XX, y uno de los mitos de la cinematografía. Considerada sensacional por su exuberante y fotogénica belleza, se dice de ella que fue “el animal más bello del mundo”… Creció en el campo, en el seno de una familia muy pobre de cultivadores de tabaco y algodón, junto con sus seis hermanos, de los cuales ella era la más chica.
Cuando los hermanos aún eran pequeños, los padres Gardner perdieron la propiedad que tenían y su padreJonas se vio obligado a trabajar en un aserradero y su madre, Molly, como cocinera y ama de llaves en un colegio de Brogden. Su oportunidad llegó en 1946 con”Whistle stop” y “Los asesinos” con Burt Lancaster y Edmond O’Brien. Su magia quedó impregnada en el celuloide.
GINA y SUS 89 AÑOS
Su hobby fue coleccionar diferentes papá noel en el mundo. Los tenía por millares y de todos los sitios.
También los mostraba en sus fotos. Nacida en Subiaco, Lacio, Italia, el 4 de julio de 1927, se llama Luigia Lollobrigída, y se le conoce como Gina Lollobrígida. Mientras su pasión por las fiestas navideñas crecía, fue reconocida con diversos honores: Cinco distinciones David de Donatella y un Globo de Oro. Eterna rival de la Loren, logró tal fama como actriz que sería llamada en Italia, “La Lollo”. Según sus propias declaraciones, se hizo profesional por una serie de casualidades; su vocación inicial era la de la dedicación a las artes plásticas. El debut de Gina en Hollywood fue en “Beat the devil”, 1953, de John Huston, filmado en Italia, donde compartió marquesinas con Humphrey Bogart y Jennifer Jones. La etapa de esplendor de Gina Lollobrigida en el cine duró unos quince años, entre mediados de la década del ’50 y principios de los ’70.

Anita Ekberg

Anita Ekberg

LA RUBIA y LA MOROCHA
Adornando el arbolito y trepándose a la chimenea también estaban la rubia Jayne Mansfield y la morocha Joan Crawford, dos luminarias de tremendo brillo y color. Jayne nació el 19 de abril de 1933 en Pensilvania, dejando de existir muy joven, a los 34 años, en Luisiana, en un accidente automovilístico fatal, el 29 de junio de 1967, considerada uno de los principales símbolos sexuales de fines de los cincuenta, hizo films donde lucía su figura y su platinada cabellera. Por otra parte Joan, llegó a éste mundo el 23 de marzo de 1904, en San Antonio, Texas, bajo el nombre de Lucille Fay Le Sueur.
Joan Crawford ganó el Oscar de la Academia en 1945 por sus desempeños. En 1999 el American Film Institute la situó como la décima estrella femenina de la historia del cine de todos los tiempos. A los 73 años se fue de éste mundo, un 10 de mayo de 1977, en Nueva York, víctima de un infarto. Más allá de la nostalgia.

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100 AÑOS DE KIRK DOUGLAS: EL CINE DE FIESTA IDOLO TOTAL DE LAS MATINÉS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Kirk Douglas es una figura emblemática del verdadero cine de Hollywood. Actor formidable, protagonista siempre, interpretando esos papeles que el gran público deseaba: desde el esclavo Espartaco y el pintor Vincent van Gogh hasta la leyenda de vaqueros Doc Holliday. Trabajó en más de ochenta filmes pero, a diferencia de las nuevas generaciones, nunca aceptó un papel en una segunda parte. Sus cintas eran estrellas centrales en las matinés, en aquellas matinés de los cines de barrio con cabalgatas de largometrajes que empezaban prácticamente al mediodía y que culminaban a las seis o siete de la tarde, según la duración de las películas. Hoy, Douglas está cumpliendo sus cien años: «Cien años de edad es ciertamente un hito, pero los hechos son lo que papá ha conseguido en cien años. Para mí, su resistencia y tenacidad son las cualidades que más se destacan. Me enseñó a dar lo mejor en cualquier cosa que haga. Él es el paquete completo…», expresó Michael Douglas, hijo de Kirk, en un artículo de Closer Weekly.
HIJO DE INMIGRANTES RUSOS ANALFABETOS
Douglas, nacido el 9 de diciembre de 1916 en Nueva York, es hijo de inmigrantes rusos analfabetos, procedentes de Chavusy, en la región de Mogilev, en el Imperio ruso -actualmente Bielorrusia- El padre de Douglas, Herschel Danielovitch, se ganaba la vida vendiendo alimentos y madera en las calles pero eso no alcanzaba para mantener a seis hijas y un hijo varón, por lo que el muchacho tuvo que empezar a trabajar desde muy joven, pues aún iba al colegio. En aquel entonces vendía refrescos y dulces en varios lugares públicos, y también repartiendo diarios. Su padre se fue atrás de otra mujer, abandonando el hogar familiar cuando Kirk tenía cinco años. El verdadero nombre de Kirk Douglas es Issur Danielovitch Demsky. Su primera salida en la actuación fue en la escuela y en el instituto de educación secundaria donde obtuvo una distinción por recitar un difícil poema, «Across the border». Así se inició en un mundo distinto, desde pequeño.
FUE JARDINERO EN LA UNIVERSIDAD
Cuando cumplió los l7 finalizó secundaria y quiso matricularse en la universidad, pero su salario en peón en almacén -donde estaba en ese momento- no le alcanzaba para ingresar. Aún así, se apersonó directamente al decano, quien lo aceptó en la St. Lawrence University de Nueva York, a cambio de que cumpliera tareas allí como jardinero. Estudió en ese centro desde 1935, por espacio de cuatro años, donde se graduó en letras con el título de «Bachelor of Arts». En ese lapso de tiempo, fue también ganador de «Campeonato de Lucha Libre» y se dedicó al teatro uniéndose a un grupo de la misma universidad. Tras graduarse en la Universidad de St. Lawrence consiguió una beca en la Academia Norteamericana de Arte Dramático de Nueva York, lugar en el que permaneció hasta 1939, con tan solo 23 años de edad. Muy pronto debutaría en el teatro de Broadway, y en la pantalla grande.
SE CONSAGRÓ EN GRANDES PRODUCCIONES
En 1954 Kirk fue protagonista en la superproducción Walt Disney «20.000 leguas de viaje submarino», por la que le abonaron 175.000 dólares. Fue todo un éxito de taquilla, y de permanencia por las salas exhibidoras. En 1957 participó en «Duelo de titanes» -«Gunfight at the O.K.Corral»- de John Sturges, compartiendo marquesinas con Burt Lancaster y Hal Wallis. Uno de los temas principales en esta película es la amistad entre dos hombres y de lo que se es capaz de hacer para mantenerla, a pesar de las diferencias morales. La música del filme, compuesta por Dimitri Tiomkin, es una de las partes fundamentales. Interpretada por Frankie Laine, va contando y anticipando lo que sucede y lo que va a suceder. Es, sin duda, una de las canciones más famosas de todas las de las películas del Oeste. Más tarde, «Senderos de gloria», «Los vikingos», «Espartaco», que logró cuatro Oscar de la Academia, con un presupuesto que alcanzó los 12 millones de dólares, llevando más de un año solamente de rodaje, todas bajo su producción. Pero hizo muchas más. Fue candidato en tres ocasiones al Óscar, aunque nunca lo ganó debido a sus tendencias izquierdistas conocidas; sin embargo, fue galardonado en 1996 con un Oscar honorífico por sus 50 años de dedicación a la industria del cine.
VARIAS ESPOSAS, MUCHAS AMANTES
Se había casado con Diana Dill, el 2 de noviembre de 1943, la cual le daría dos hijos, Michael y Joel. En 1951 Diana le solicitó el divorcio a Douglas, debido a las infidelidades del actor con Pier Angeli, Ann Sothern, Marlene Dietrich, Rita Hayworth, Gene Tierney, Joan Crawford, Patricia Neal, Mia Farrow, Faye Dunaway, y varias más menos conocidas, como el propio Douglas escribe en su autobiografía. Además, Douglas tuvo romances tras su divorcio con Terry Moore y Debbie Reynolds, entre otras. El 29 de mayo de 1954, Douglas se casa en segundas nupcias con Anne Mars Buydens, una agente de prensa a quien conoció durante el rodaje de «Act of Love», con quien tendría dos hijos, Peter y Eric, y con la cual sigue compartiendo su vida. Más allá de la nostalgia.

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LEE MERIWETHER: MISS AMÉRICA EN EL RECUERDO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

TRES SERIES MARCARON SU CARRERA
Es una muy buena actriz, pero más que nada se destacó en series televisivas. Así su carrera quedó marcada en su paso por “Mannix”, 1966, “El túnel del tiempo”, 1966, y “Barnaby Jones”, 1973. Sus primeras armas fueron en el cine, donde la lllamaron para hacer de “Gatúbela” en la película “Batman” en 1966. Fue seleccionada para hacer una suplencia sustituyendo a Julie Newman, quien en realidad desarrollaba esa función, teniendo algunos inconvenientes con la producción. Este papel fue su salto a la fama. Ella era una linda chica morocha dueña de un rostro privilegiado y una de las más bellas sonrisas de los sesenta, lo que le abrió las puertas a magníficas oportunidades que se avecinaban en la televisión. Nacida en Los Ángeles, California, Estados Unidos, el 27 de mayo de 1935, bajo el nombre de Lee Ann Meriwether, hoy se mantiene en actividad, teniendo 81 años en su haber.

DE CALIFORNIA A ARIZONA
Cuando era pequeña, la familia de Lee Ann se trasladó a Phoenix, Arizona. Siendo una adolescente se interesó sobremanera en la actuación cuando estudiaba en el Washington High School, afincándose luego en San Francisco. Sorpresivamente, antes de entrar al mundo de la actuación, obtuvo varios concursos de belleza en territorio norteamericano de manera sucesiva, Miss San Francisco, Miss California y el más laureado, Miss América, en 1955, haciendo giras por muchos lugares estadounidenses. En el instituto de Lee Strasberg se formó en actuación, practicando de forma paralela danza y esgrima. Saltó al teatro, participó de varias obras y la pantalla grande llegó con “4 D Man”, con Robert Lansing y James Congdon, en 1959, y “El noviazgo del padre de Eddie”, junto a Glenn Ford,
Shirley Jones, Stella Stevens y Dina Merrill, en 1963. Ya a fines de los cincuenta y parte de los sesenta comenzó a aparecer en determinados capítulos de seriales: “Philco Televisión Playhouse”, “The Phil Silvers Show”; “Aventuras en el paraíso”, “Ruta 66″, “Dr. Kildare”, “La hora de los famosos”, “Perry Mason”, “El fugitivo”, y “El agente de CIPOL”. Pero, lo mejor estaba por aparecer. Y no sería en la tele, sino en el cinema.

“BATMAN”, LA PELÍCULA, 1966
Con su desempeño en “Batman, la película” en 1966, despierta la atención de los productores de “Mannix”, donde encarna a Reva Daniels, con Mike Connors como Joe Mannix, Gail Fisher haciendo de Peggy Fair, Tom Troupe – Dr. Benjamin Holland, Scott McKay interpretando a Dr. Bennett. Era la historia de un clásico detective privado que se caracterizaba por tener una gran resistencia física más que un agudo poder de deducción. Se mantuvo en grilla desde 1966 a 1975, con 194 episodios, en colores, tira creada por Bruce Geller. Inmediatamente, pasa a “El túnel del tiempo”, “The time tunnel”, una serie de 30 episodios del género ciencia ficción. Se emitió por vez primera el 9 de septiembre de 1966 y el 7 de abril de 1967, para ABC. Su creador y productor fue Irwin Allen, tratando las aventuras de dos científicos que viajan a través del tiempo. La tira estaba situada en el entonces futuro 1968. El gobierno de Estados Unidos maneja un proyecto secreto denominado “Tic-Toc” que consiste en construir una máquina del tiempo. La máquina, una especie de corredor de forma cilíndrica llamado túnel del tiempo, se encuentra en un complejo subterráneo en Arizona. El proyecto está bajo el mando del General Heywood Kirk -Whit Bissell- La operación del túnel está a cargo de dos científicos: la Dra. Ann McGregor -quien no es otra que Lee Meriwether- y el Dr. Raymond Swain -John Zaremba- Los que entran y salen por el túnel, con un montón de dificultades son el Dr. Tony Newman -James Darren- y el Dr. Douglas Phillips -Robert Colbert- Una producción de culto, y un punto alto en el desempeño de Lee Meriwether.

BETTY en “BARNABY JONES”
Luego seguiría en “Barnaby Jones” -1973-1980- serie donde da vida a Betty Jones, la nuera viuda y ayudante del veterano detective Barnaby, protagonista encarnado por Buddy Ebsen. Esta producción se mantuvo 8 temporadas en programación, con 178 capítulos, para CBS, y le reportó una nominación al Emmy y dos a los Globos de oro la categoría de “Mejor actriz en serie dramática”. En la trama Barnaby, luego de trabajar años como detective privado decide retirarse dejando su puesto a su hijo Hal.
Cuando Hal es asesinado mientras trabajaba en un caso, Barnaby salió de su retiro para encontrar al asesino. Su nuera, Betty Jones -Lee Meriwether- une sus fuerzas para resolver el caso. Los dos deciden que trabajaron tan bien juntos que siguieron manteniendo abierta la agencia de detectives. Fue un éxito de teleaudiencia en las televisoras de infinidad de países.

MÁS TELE y MÁS CINE
Hasta el presente Lee Meriwether sigue en los sets y en los escenarios.
En 1956 se casó con el beisbolista Joe Di Maggio hasta 1958, ese año contrajo nupcias con Frank Aletter, teniendo dos hijos y se divorció en 1976, en 1986 se casó con Marshall Borden, unión que mantiene hasta el presente. Más allá de la nostalgia.
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RAYMOND BURR: EL ABOGADO PERRY MASON e IRONSIDE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Su protagónico en “Perry Mason” fue fundamental en su carrera de actor. Lo contrataron porque para los productores tenía todo para llevar adelante el papel de abogado defensor empedernido. En general, Perry Mason era capaz de demostrar la inocencia de su cliente mediante la averiguación de la culpabilidad del verdadero asesino. En la tira solía manifestar… “Encontrarán que soy un abogado que se ha especializado en el trabajo procesal, y en el criminal. Soy el indicado en sacar a la gente de problemas. Acuden a mí cuando están en todo tipo de graves líos, y yo los saco de ellos. Si le preguntan por mí a algún abogado de familia o de empresa, probablemente les dirá que soy un profesional sin reputación, sin ética y sin escrúpulos. Si le preguntan por mi a algún compañero de la oficina del Fiscal de Distrito, les dirá que soy un peligroso antagonista aunque no saben mucho sobre mí…”.
La serie, de la cual en algún momento hicimos referencia desde éstas páginas, se mantuvo durante 9 temporadas a partir del año 1957, con 271 episodios, rodados en blanco y negro, a excepción de un capítulo lanzado en colores. Un verdadero drama policíaco y judicial, de conflictos legales, que se constituyó en una de las grandes producciones televisivas de todos los tiempos en los Estados Unidos, que en la actualidad se le puede ver por alguna señal de cable internacional. El actor elegido para este desempeño fue Raymond Burr, quien más adelante estaría en otra serial de culto, “Ironside”, donde cumpliría con otro desempeño de excelente nivel.
PASÓ SU INFANCIA EN CHINA
El verdadero nombre de Raymond es Raymond William Stacey Burr y nació el 21 de mayo de 1917 en New Westminster, Canadá. Sus padres: William Johnston Burr -1889-1985- era de origen irlandés, y Minerva Smith -1892-1974- pianista y profesora de música, estadounidense. El muchacho pasó parte de su infancia en China, donde su padre trabajaba como agente comercial. Tras el divorcio de sus padres, Burr se trasladó a Vallejo, California, junto a su madre y hermanos. Con el paso del tiempo Raymond se dedicó al trabajo, desarrollando tareas específicas en un rancho, y como vendedor de fotografías para ayudar a su familia.
Tras dos años en la Armada norteamericana, fue rápidamente licenciado por haber sido herido en combate, en el estómago, en Okinawa. Posteriormente, comenzó su carrera en Pasadena Playhouse. Hizo su primer papel en 1941, en Broadway, en “Crazy with the heart”. Inmediatamente, RKO lo contrato, interpretando a villanos o sinvergüenzas, realizando más de sesenta cintas entre 1946 y 1957.
En ese pasaje se destacó en “Un lugar en el sol”, 1951, con Elizabeth Taylor y Montgomery Clift, y en uno de sus largometrajes más conocidos, “La ventana indiscreta”, 1954, junto a Grace Kelly y James Stewart. Mientras estaba en el cine, también su voz se hizo popular en la radio, participando en diferentes radioteatros de la época. Así, en 1956, el novelista Erle Stanley Gardner, escritor de “Perry Mason”, lo distinguió para desarrollar el papel principal en la serie de tv que luego emitiría CBS. En el elenco estaban William Talman, Barbara Hale, William Hopper y Ray Collins. Paralelamente, Perry Mason recibió una nominación Emmy como mejor serie dramática, y Burr obtuvo dos Emmy al mejor actor por su actuación en la tira. Fue realmente la catapulta para su otro papel posterior en la pantalla chica.
IRONSIDE, AQUEL JEFE DE DETECTIVES
Burr llamado por Universal Studios, fue tentado para realizar un protagónico muy particular en su nueva serie televisiva. Se trataba de “Ironside”, donde encarnó al jefe de detectives de San Francisco, California. En el programa piloto Robert T. Ironside es herido de bala, en acto de servicio, quedando inválido, relegado a una silla de ruedas. La interpretación dio a Burr otro fuerte impacto: fue la primera tira criminal protagonizada por un policía con discapacidad, reconvertido en asesor externo de la Policía, tras su retiro forzoso. Salió al aire desde el 14 de septiembre de 1967 al 16 de enero de 1975, con 8 temporadas, y 199 episodios, siendo emitido por la cadena NBC. En su reparto estaban: Raymond Burr como Robert T. Ironside, Don Galloway haciendo de sargento Ed Brown, Bárbara Anderson fue la oficial Eve Whitfield, Don Mitchell como Mark Sanger, y Elizabeth Baur interpretando a Fran Belding. Por “Ironside” Burr ganó seis Emmy y dos nominaciones a los Globo de Oro. En su emisión en el Reino Unido la tira consiguió millones de adeptos, siendo una de las series de mayor teleaudiencia a través del tiempo.
ERA HOMOSEXUAL, OCULTANDO SU CONDICIÓN
Raymond Burr era homosexual, pero ocultó su condición durante la mayor parte de su vida por miedo a perjudicar su carrera a causa de los prejuicios de la sociedad. Mantuvo una relación de 35 años con Robert Benevides -nacido en 1930- un actor y veterano de la Guerra de Corea que Burr conoció rodando Perry Mason.
A finales de 1992, a Burr le diagnosticaron un cáncer renal, pero rechazó la cirugía, pues no hubiera podido rodar sus dos últimos telefilmes. Tras finalizar los rodajes, la enfermedad se había extendido a otros órganos, siendo ya inoperable. Burr falleció a los 76 años de edad, en 1993, en su rancho cercano a Healdsburg, California. Más allá de la nostalgia.

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MANOLO GALVAN: LA VOZ RASGADA EN EL RECUERDO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN ÉXITO EN ESPAÑA
Comenzó a cantar a la tempranísima edad de catorce años. Sus padres no estaban de acuerdo, deseaban otro desempeño en la vida para él. Que estudiara, que lograra una carrera, que tuviera un título. Pero, él tenía un sueño, el de convertirse en un cantante de verdad y con mucha fama. En pocas palabras, que el mundo entonara sus temas y que lo reconocieran siempre. El sueño se cumplió. Fue uno de los solistas de mayor impacto en la madre patria, vendió muchos discos, recorrió el mundo y se consagró con sus temas, pegando uno detrás del otro. “Deja de llorar”, “Hijo de ramera”, “Hoy no me levanto”, “Porque te marchas abuelo”, “Porque te quiero tanto”, “Te quise, te quiero y te querré”, son algunos en una extensa lista de sus himnos, de tono romántico con letras singulares, tocantes, que tienen un algo más. Si tendrán. Esos temas que aún hoy se pasean por algunas emisoras que plantean contenidos sentimentales y en español en su programación, con la interpretación distinta de Manolo Galván, la voz rasgada en el recuerdo.

SONORS, LOS GRITOS y… SE LANZA COMO SOLISTA
En Crevillent, municipio de la Comunidad Valenciana, Provincia de Alicante, España, el 13 de marzo de 1946, nació Manuel José Galván. Ante ese deseo de cantar buscó la suya y observando un aviso aparecido en un periódico que buscaban un cantante, se integró a la agrupación Sonors. No estando conforme con lo que hacían, más que nada con su repertorio, de buenas a primeras los abandonó y se fué rápidamente hacia Málaga para ser parte de Los Gritos, con quienes se mantuvo durante tres años. En realidad él llegó al conjunto y lo reformó.
Todo el mundo lo conoce como el grupo de Manolo Galván. Los principios de Los Gritos no fueron muy buenos, pero con la mano de Galván en 1968 firman un contrato con la fonográfica Belter. Participando en la décima edición del Festival de Benidorm de ese año se proclaman vencedores con “La vida sigue igual” junto a Julio Iglesias. Un año más tarde son presentados en el filme de Pedro Lazaga “Abuelo, made in Spain”, una brillante comedia española de cinco millones de espectadores, una de las películas más vistas de la década en Madrid, junto a Paco Martínez Soria, en la que ejecutan “Veo visiones”. La banda estaba compuesta por Francisco Doblas Vega, José Ramón Moreno Muñoz “Timmy”, José Sierra Blanco “Pepín”, y el propio Manolo Galván. Después de registrar unos cuantos simples y LP con singular impacto en 1970 dejando algunos hits: “Sentado en la estación”, “Adios verano, adiós amor” y “El lamento de tu voz”, el cuarteto se desintegra al reconvertirse en La Zarzamora. Exactamente en 1972, Manolo Galván comienza su trayectoria como cantante solista.
SE RADICO EN ARGENTINA
Sus discos se escuchaban en toda España, rápidamente fue requerido por TVE para hacer presentaciones variadas en su pantalla chica. Convertido en suceso, los más grandes festivales lo tuvieron como estrella invitada, inclusive en el Festival Internacional de Viña del Mar, donde en varias oportunidades se consagró con la famosa “Gaviota de Plata”. Sus giras por América Latina se repitieron y a partir de 1973 se afincó definitivamente en Buenos Aires, apoyado por los hermanos Kaminsky de la grabadora Microfón Argentina, donde editaba sus discos y hasta rodó dos largo-metrajes: “Los éxitos del amor” y “La carpa del amor”, ambas de 1979. También efectuó actuaciones con la cantante Liliana Ester Maturano “Tormenta”, grabando un par de simples a dúo con ella. Tuvo requerimientos de fonográficas y de algunos artistas para que los acompañara cantando, pero lo desechó, por no agradarle el estilo musical que practicaban. Manolo Galván lanzó casi cuarenta discos en total, y en 2006 inició su despedida de los escenarios, luego de cuatro décadas de carrera. Estando en la vecina orilla, en Bella Vista, al oeste del gran Buenos Aires, lugar donde actualmente residía, lamentablemente dejó de existir el 15 de mayo de 2013, a los 66 años, a causa de problemas pulmonares, debido a su larga adicción al cigarrillo. Su voz ronca y única será eterna a través de todas las canciones que dejó. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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DISCOGRAFIA COMPLETA
MANOLO GALVÁN
1972: Mis inquietudes – ARIOLA
1973: En cualquier lugar… mujer – ARIOLA
1974: Te quise, te quiero y te querré – ARIOLA
1975: Mi única razón – ARIOLA
1976: Mi público – ARIOLA
1977: Esperando el amanecer – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1978: El ganador – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1978: Ámame – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1979: Una copa conmigo – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1980: Cada mujer un templo – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1981: Me llaman el Calavera – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1981: Los 20 Grandes Éxitos – MÚSICA & MARKETING S.A.
1982: Las grandes creaciones de Manolo Galván – MÚSICA & MARKETING S.A.
1984: Pasajero de la noche – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1984: Porqué me habrás besado – Junto a Tormenta – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1985: Un caballo azul – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1986: Suspiros de amante – RCA
1987: A mi edad – MICROFÓN ARGENTINA S.A.
1990: A mis amigos – MÚSICA & MARKETING S.A.
1991: 15 Grandes Éxitos de Amor – MÚSICA & MARKETING S.A.
1992: Los Super Éxitos de Manolo Galván – MÚSICA & MARKETING S.A.
1992: Bailar pegados – MÚSICA & MARKETING S.A.
1994: Amor caliente – MÚSICA & MARKETING S.A.
1995: Grandes Éxitos Vol. 2 – MÚSICA & MARKETING S.A.
1996: Los Super Éxitos de… Manolo Galván – MÚSICA & MARKETING S.A.
1997: Recuerdos – MÚSICA & MARKETING S.A.
1998: Amor de cada día MÚSICA & MARKETING S.A.
2001: Antología – MÚSICA & MARKETING S.A.
2002: Todas sus grabaciones en Discos Ariola y Belter (1971-1976) – INDIGO COMUNICACIÓN
2003: Alumbra alumbrando – GLD DISTRIBUIDORA S.A.
2004: 20 Secretos de Amor – BMG
2004: De colección – GLD DISTRIBUIDORA S.A.
2005: 20 éxitos originales que hicieron historia – BMG MUSIC ENTERTAINMENT COLOMBIA S.A.
2005: Clásicos inolvidables – años 50 – PRO COM S.R.L.
2006: Grandes éxitos vol. 2 – LA LAIDA EDITORA S.R.L.
2006: Los Mejores 20 Éxitos – GLD DISTRIBUIDORA S.A.
2007: Colección 2 albunes en 1 cd – Manolo Galván / Tormenta – PRO COM S.R.L.
2012: Mejor imposible – Manolo Galván / Tormenta – PROEL MUSIC.

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KAY FRANCIS: EN LA MECA DEL CINE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

PRIMERA FIGURA EN BROADWAY

Luego de convertirse en primera figura en el teatro de Broadway llega a la pantalla grande, a través de los estudios Warner Brothers, siendo en su momento la actriz mejor paga de los Estados Unidos. Se llamaba Katharine Edwina Gibbs, y se hizo conocer bajo el nombre fantasía de Kay Francis, habiendo nacido en Oklahoma City, capital y mayor ciudad del estado de Oklahoma, USA, el 13 de enero de 1905, siendo sus padres: Katharine Clinton, de origen canadiense, actriz y ama de casa, y Joseph Sprague Gibbs, quien contaba con casi dos metros de estatura, algo que heredó su propia hija que fue una de las actrices más altas del séptimo arte en la década del treinta, midiendo más de 1,75. Sus muchos protagónicos brillaron a la altura de Ingrid Bergman o Alexis Smith, dando que hablar por sus brillantes desempeños en el celuloide. Educada en los entornos de los teatros cuando su madre se perfilaba como nueva figura, y luego en escuelas de artistas, tras dejar su padre a la familia, la muchacha creció estudiando en diferentes centros educativos, y a la edad de 17 años contrae nupcias con James Dwight Francis, que duró muy poco tiempo, poco más de un año, terminando en divorcio. Mientras tanto, estando sola, ya se había afincado en Broadway.

DEBUTÓ CON “HAMLET”

A mediados de 1925 Kay viaja a París a divorciarse. Allí, conoce a William Gaston, un reconocido atleta de Harvard, miembro de Boston Bar Association, con el que a los meses se casa. Con su flamante esposo, regresa a Broadway para debutar en “Hamlet”, la obra de Shakespeare, de la mano del productor Stuart Walker de la empresa Portmanteau Theatre Company. Luego llegarían más y más obras. En ese interin su matrimonio con Gaston fue cayendo en un pozo, por motivos de convivencia de pareja, y al poco tiempo se compromete con Alan Ryan Jr., con actividades de playboy. Kay había prometido a la familia de Ryan que dejaría las tablas, pero su pasión pudo más que el amor, y volvió a Broadway para otras interpretaciones, dejando de lado la relación sentimental. En 1928 cumple con una estupendo trabajo en “Elmer the great”, escrita por Ring Lardner y producida por George M. Cohan. El actor Walter Huston quien cumplía con el papel principal, quedó tan impresionado por la labor de Kay que la animó para realizar una prueba en la Paramount Pictures y en los Kaufman Astoria Studios de Nueva York. Al poco tiempo estaría filmando “Gentlemen of the press”, en 1929, y “The cocoanuts” con los hermanos Marx, también en 1929. Lo mejor estaría por llegar en los años treinta.

RUMBO A HOLLYWOOD

En ese momento los estudios cinematográficos comenzaban a dejar sus instalaciones en Nueva York, y muchos actores de Broadway también habían sido atraídos a viajar a Hollywood para rodar filmes: Aline MacMahon, Barbara Stanwyck, Ann Harding, Helen Twelvetrees y Humphrey Bogart, entre otros. Kay hizo lo mismo, dejando una notable impresión, desarrollando actuaciones excelentes en infinidad de cintas. A saber, más de veinte entre los años 1929 y 1931. Se destacan: “Girls about town”, 1931, “Twenty-four hours”, 1931, “Trouble in paradise”, 1932, “The false Madonna”, 1932, y más. De a poco llegó a ser la actriz número uno de WB. Francis ya se había vuelto a casar, esta vez con John Meehan, un cineasta de Nueva York, pero poco después de su llegada al gran Hollywood mantuvo una confusa relación con el actor y también productor Kenneth MacKenna, con quien se casaría en enero de 1931. El destino indicaría que se divorciarían en 1934. Entre los años 1930 y 1937 Kay apareció en múltiples portadas de revistas de cine y actualidad, marcando una diferencia con todos los artistas de la época.

LOS GRANDES TÍTULOS

En su período de elevada popularidad interpretó “Mandalay”, 1934,
“Wonder bar”, 1934, “Dr. Monica”, 1934, “Confession”, 1937, “First lady”, 1937, “Women are like that”, 1938, “My Bil”, 1938, “Secrets of an actress”, 1938, “Comet over Broadway”, 1938, “King of the underworld”, 1939, “Women in the wind”, 1939, “In name only”, 1939, “It’s a date”, 1940, “When the Daltons Rode”, 1940, “Little men”, 1940, “Play girl”, 1941, “The man who lost himself”, 1941, “Charley’s aunt”, 1941, y “The feminine touch”, 1941. Francis se casó en cinco ocasiones, y tuvo muchos romances. Sus diarios, preservados en una colección en la Universidad Wesleyana, pintan un retrato de una mujer con una vida personal desordenada, y con una fuerte atracción por los hombres.
En 1966 le diagnosticaron un cáncer de mama, siendo tratada mediante una mastectomía, pero el tumor se había extendido y la actriz falleció en Nueva York, el 26 de agosto de 1968. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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CRONOPIOS, PINAP, PELO Y HASTA LA BELLA GENTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LAS PUBLICACIONES DE LA ÉPOCA
En la década de los sesenta y hasta buena parte de los setenta, fueron apareciendo una serie de revistas especializadas que marcaron toda una época. Ellas, de alguna manera, eran los vehículos de comunicación entre la gente joven, informando sobre música, ediciones fonográficas, últimas noticias, aconteceres por estudios de grabación, los nuevos artistas, los consagrados, rankings, letras de canciones, entrevistas a los protagonistas, pasatiempos diversos, comentarios; en fin de todo un poco, según la edición o el título. Hubo muchas publicaciones -en esos momentos aparecía una nueva por semana, y luego no salían más- pero hoy destacamos las que se mantuvieron durante años, por su calidad del buen sentido de hacer periodismo. A saber: Pinap, Cronopios, La Bella Gente, Ritmo de la Juventud, y Pelo, una verdadera institución en su rubro.
LOS IRACUNDOS, DONALD, LOS NÁUFRAGOS y…
Bárbara & Dick, Donald, Los Iracundos, La Joven Guardia, Almendra, Alma y Vida, se incorporan en el llamado mercado comercial de la mano de Pinap, un mensuario que fue dirigido por Nora Bigongiari, y Daniel Ripoll, haciendo las veces de secretario de redacción. Estos nombres artísticos -fuertes hoy en la historia de la música rioplatense- pertenecían todos a la discográfica RCA Víctor, que de alguna manera apoyaba el lanzamiento de dicha publicación. También estaban otros exponentes como Los Gatos, Palito Ortega y hasta Violeta Rivas, de los llamados triunfadores en ese momento, y hasta Sandro de América, Piero, Los Náufragos, Safari, Conmoción, entre otros, de las lides de la CBS Columbia, que tenía su sede en la calle Paraguay, de Buenos Aires, Argentina, donde estaba Francis Smith, como productor artístico y ejecutivo de dicha empresa multinacional. El primer número de Pinap salió en abril de 1968 con muy buena colocación de ejemplares en la vecina orilla, Montevideo e interior de Uruguay, y diversos lugares de América: Paraguay, Chile, etc. No solamente promovían a los artistas, sino que en 1969 hasta organizaron un festival al aire libre, llamado “Festival Pinap”, evento que publicitaron desde sus mismas páginas, y donde reunieron a la florinata musical del momento para tocar en vivo, y un concurso de noveles agrupaciones. Allí se impuso. Extraña Dimensión con “Dulce melodía”, que logró la grabación de este tema para editarlo en forma de disco simple en los primeros meses de los setenta. A nivel de festivales juveniles, “Festival Pinap” resultó un pionero en su estilo. Un referente con el paso de los años, anterior a Buenos Aires Rock, otro ícono.
CRONOPIOS con SUPER-POSTER
En los primeros años de los setenta estaba en los kioscos, Cronopios que tenía la originalidad para esos tiempos, de incluír un super-poster a todo color que venía junto a la revista. Recuerdo como si fuera ahora las láminas gigantes de Los Beatles y de Almendra, que en algún momento engalanaron las paredes hippidélicas de nuestro cuarto de juventud, junto a los espejos de la habitación. En las páginas de Cronopios, se veían a menudo fotos de los conjuntos argentinos de “música beat”, en 1970 publicaba una muy interesante nota con Los Gatos… “Todo empezó en Rosario. Hace unos 6 años, Ciro tenía un conjunto que se llamaba Wild Cats, que quiere decir gatos salvajes, y era el mejor conjunto de rock. Ciro tocaba piano, ahora toca órgano. Yo -Lito Nebbia- que entonces tenía 15 años, hice una prueba con ellos pero no me aceptaron porque tengo un estilo melódico, y ellos hacían rock y querían cantantes con voz más agresiva. A la semana me llamaron y empecé con ellos. Tocamos un año en Rosario como Wild Cats y luego el gran salto a Buenos Aires. Ahí, estuvimos en Escala Musical y registramos el primer LP. Todos los temas los grabamos en castellano, porque nos dimos cuenta que era lindo, y porque así se tiene más comunicación con la gente…”.
PELO, EL ROCK A FLOR DE PIEL
En 1970, Osvaldo Daniel Ripoll abandona las oficinas de Pinap, donde había sido secretario de redacción, realizando encumbrados festivales de la canción, y funda Pelo, revista argentina dedicada al rock. Su primer número aparece en febrero de 1970 y a mediados de ese año sale su edición internacional que sería seguida con suma atención por lectores de Uruguay, Chile, Perú y Venezuela. Según Ripoll, en 1978 -pleno Proceso de Reorganización Argentino- fue detenido por la Policía por ser el editor de Pelo y de una revista de corte satírico-humorístico llamada Mad, versión criolla de su famosa homóloga estadounidense, la cual contaba entre sus colaboradores a Jorge Guinzburg, Carlos Abrevaya, y los historietistas Alfredo Grondona White, Andrés Cascioli y Tabaré, entre otros. Una vez liberado -al cabo de dos meses de detención- Ripoll se tuvo que exiliar en Francia por el término de dos años. Mientras tanto, Pelo continuó apareciendo manteniéndose a lo largo de casi tres décadas, cuando dejó de publicarse, a fines de los años 90. Fue la “bandera” del verdadero rock argentino.
MÁS REVISTAS, MÁS HISTORIAS
La Bella Gente fue otra edición argentina de la misma editorial que Cronopios. Era muy leída por el público femenino, más que nada, debido a muchas notas que eran dedicadas a las mujeres. “Muchos cantantes y modelos con pinta…” dijeran ellas, pero en sus páginas también se incluían muy buenos informes sobre música en general. Tenía excelente circulación. Allí pude leer entre otras, una excelente nota a Gervasio, el cantante uruguayo cuando se presentaba en los Sábados Circulares de Mancera. Mientras tanto en forma paralela, llegaba desde Chile, Ritmo de la Juventud, una revista chilena que había nacido el 9 de septiembre de 1965. Caballeros pelilargos y damas de minifalda son protagonistas en la revista que en esa época se lanzaba a buscar los nuevos ideales de la juventud. Fue creada por Editorial Lord Cochrane, con la Sra. Pilar Larrain y el Sr. Alberto Vivanco, como directora y sub-director respectivamente. Tuvo una duración de diez años con una edición por semana, alcanzando la cifra de 100.000 ejemplares por publicación en sus mejores tiempos. Se leyó mucho en nuestro país. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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TERENCE HILL y BUD SPENCER: EL BINOMIO DE LOS ÉXITOS

EN ITALIA NACIERON “LOS REYES DE LA AVENTURA”

Sus películas fueron entretenidas, divertidas y taquilleras. La receta del éxito nunca varió, sí la trama.
Esos títulos inolvidables que hoy se encuentran en los videoclubes o que están a la venta en alguna góndola del súper. Aquellos que llenaban las salas cinematográficas, e inundaban el lugar de sonrisas y carcajadas. Rodaron 17 en total, en casi tres décadas de carrera. page
Desde “Lo llamaban Trinidad”, en 1970, pasando por “Dos súper policías”, 1977, y “Quien tiene un amigo tiene un tesoro”, 1981, hasta “Dos super dos”, 1984, entre otros filmes sencillamente recordados hasta hoy en día.
Juntos se hicieron famosos y queridos por la platea. Indudablemente, se transformaron con el paso del tiempo en “Los reyes de la aventura”, atravesando los últimos tiempos de las añoradas matinés, y luego en continuados, y estrenos, que supieron destacarse en las grandes marquesinas céntricas de los cines.
Terence Hill y Bud Spencer, resultaron graciosos en el celuloide, metiéndose continuamente en líos, enredos; haciendo peripecias y travesuras para salir de ellos -la mayoría de las veces a los golpes- pero dejando un mensaje de que tenían valores y que existía una amistad, a veces discutida, pero amistad al fin.

MARIO GIROTTI ES TERENCE HILL

Terence Hill nació bajo el nombre de Mario Girotti el 29 de marzo de 1939, en Venecia, Italia. Su mamá era alemana y ama de casa, su papá Girolamo Girotti, italiano, de profesión químico. Con sólo 12 años en su haber, en 1951, comenzó su carrera actoral, no es que le agradaba demasiado, es que deseaba juntar dinero para comprarse una moto, así fue saliendo adelante aprendiendo y encarando situaciones.
Con unos años más, se puso a estudiar literatura clásica en la Universidad de Roma, pero lo suspendió para dedicarse de lleno a convertirse en un actor de verdad. Su imagen germánica lo puso de moda en largometrajes alemanes y españoles, además de italianos, más que nada en westerns.
En Madrid, filmó con Sara Montiel “Pecado de amor”, una llamativa realización. Exactamente en 1967, a pedido expreso de productores del cinéma, cambió su nombre por el de Terence Hill, tomando las iniciales del nombre de su madre, Hildegard Thieme.
Ese mismo año, el 23 de julio, se casa con una estadounidense de origen alemana, Lori Zwicklbauer, a quien conoce en el rodaje de una de sus cintas en España, teniendo con ella dos hijos, y manteniéndo la pareja hasta el presente.
También trabaja junto al actor italiano Bud Spencer, con el que estelariza “Dios perdona… yo no…”. Desde ese momento se convierten en compañeros y amigos inseparables.

CARLO PEDERSOLI ES BUD SPENCER

Carlo Pedersoli, más conocido como Bud Spencer, llegó a este mundo el 31 de octubre de 1929, en Nápoles -días pasados hubiese sido su cumple- distinguiéndose por muchas profesiones, pero más que nada por su actividad como actor junto a Terence Hill.
En su currículum figuran ademas: productor cinematográfico, cantante, compositor y guionista.
Debido a su estado atlético en su juventud, participó en varios Juegos Olímpicos, y se consagró campeón italiano de natación.
En 1947 su familia emigró a Sudamérica y Carlo dejó los estudios de química de la Universidad La Sapienza de Roma. En Buenos Aires fue bibliotecario, y en Montevideo ejerció como encargado de una biblioteca, y realizó tareas en el consulado italiano de la capital. De regreso a su país, ingresó en el equipo nacional de natación y participó en los Juegos Olímpicos de Helsinki, 1952 y Melbourne, 1956.
En 1957 retornó a Suramérica, instalándose en Venezuela.
Rápidamente pasó a formar parte de una concesionaria de automotores de Caracas hasta 1960. A mediados de ese años, contrae nupcias con María Amato, con la que tuvo tres hijos: Giuseppe,1961, Christine, 1962, y Diamante, 1972. En ese momento, ya hablaba seis idiomas.

DEBUTÓ EN “QUO VADIS”

Su aparición debut fue en “Quo Vadis?”, en 1950, haciendo de guardia del Imperio Romano.
Se cambió su nombre porque el original no le agradaba, y se quedó con Bud Spencer, porque le atraía como actor Spencer Tracy, y también la cerveza Budweiser.
Ya con esa denominación fantasía, rueda “Dios perdona… yo no”, junto a Terence Hill. Y así se fueron sucediendo los spaghetti westerns, juntos.
Una de las más renombradas realizaciones Hill-Spencer: “Lo llamaban Trinidad”, fue galardonada en varios Festivales de Cine europeos. Bud Spencer también fue autor de varios temas de algunas de las películas donde participara como protagonista.
El 27 de junio de 2016, a las 18.15, en su casa de Roma, dejó de existir a los 86 años de edad. Su último palabra fue “Gracias”. Le sobreviven su esposa, sus hijos, cinco nietos y seis bisnietos. Su amigo de siempre, Terence “Trinity” Hill, lo acompañó hasta su última morada. Bud fue además político y aviador. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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BERNARD EDWARDS: LA CREATIVIDAD DE UN No. 1

PRODUCTOR, COMPOSITOR, BAJISTA y CANTANTE
Fue un creativo exitoso por sobre todo. Nacido en Greenville, el condado más poblado de Carolina del Norte, Estados Unidos, el 31 de octubre de 1952 -hoy, hace 64 años- bajo el nombre de Bernard Edwards.
Además, fue compositor, bajista, cantante y productor, habiendo sido fundador junto a Nile Rodgers del grupo Chic, y de haber realizado prestigiosos discos para artistas de la talla de Diana Ross, Debbie Harry, Sister Sledge y Sheila and B. Devotion. Brilló practicando el estilo de la música disco y R&B., catapultando sus producciones a primerísimos lugares de la popularidad. Se le considera uno de los mejores cultores del bajo electrónico, y a pesar de que su nombre es poco conocido ante el gran público en forma mundial, inspiró clásicos de tremenda repercusión: “Another one bite the dust” de Queen o “Rappers delight”, de Sugarhill Gang. Bernard realizó algo diferente en su instrumento, definiendo por ejemplo un sonido bien “funky” que se dejaba oír en Chic y en sus brillantes producciones de esa década. Debido a sus logros, fue distinguido por el Dance Music Hall of Fame, de Nueva York, en el año 2005.
DE BIG APPLE BAND A CHIC
Bernard Edwards creció en Nueva York, donde su familia se había trasladado por motivos de trabajo y donde, a principios de la década de los setenta conoció al guitarrista Nile Rodgers. Con la ayuda del baterista Tony Thompson, ambos formaron en 1972 un grupo llamado “Big Apple Band”, que, con la llegada de la vocalista Norma Jean Wright en 1976 se transformó en Chic. En los años posteriores lograron sus mayores impactos, pegando disco tras disco: page“Dance dance dance” -Yowsah, Yowsah, Yowsah”, y “Everybody dance”, 1977, “Le freak”: n.º 1 Billboard USA y n.º 1 en listas de R&B, “I want your love”, 1978, “Good times” n.º 1 Billboard, y “My forbidden lover”, 1979.
CHIC: “GOOD TIMES” y “LE FREAK”
Con “Good times” y “Le freak” la banda se hizo popular hasta en América Latina. En lugares como Brasil, Argentina, Venezuela y Uruguay también llegaron a los primeros lugares de ventas, a través del Sello Atlantic, distribuido en aquel momento en nuestro país por la fonográfica Clave Iemsa. Al compás de ese movimiento de los discos, esos “himnos” se propalaban por distintas discotecas y broadcasters. No existía un solo lugar bailable que no los pasara en el momento del “agite”, en Montevideo. Los managers de Chic le proyectaron una gira por América, que luego no se concretó, por un asunto de fechas y cachet. “Good times” y “Le freak”, fueron dos sucesos imparables en casi todo el mundo, y de los más grandes de la música disco. Tras la separación de la agrupación en el año 1983, Bernard editó un disco-grande como solista, formando la banda The Power Station, junto a su amigo baterista de Chic, Tony Thompson, y dos componentes de Duran Duran, Andy y John Taylor, junto al vocalista Robert Palmer, a quien Edwards le realizaría la producción de su próximo material, “Riptide”. La banda publica el álbum “The Power Station”, alcanzando el número 12 en el Reino Unido y número 6 en la lista de álbumes Billboard en Norteamérica. El álbum logró 3 simples, dos de ellos hicieron eco en ventas y popularidad. “Some like It hot”, alcanzó el número 14 en la lista del Reino Unido y número 6 en Billboard Hot 100. El segundo simple, “Get It on -Bang A Gong”, llegó al número 22 en Gran Bretaña y el 9 en USA., mientras que competía contra el single de Duran Duran “A view to a kill”, que fue número uno en Estados Unidos. Sin embargo, el tercer sencillo, “Communication”, no fue tan logrado, apenas logró el Top 40 USA, y desapareció tras alcanzar el número 75 en Inglaterra.Más adelante, seguiría respaldando la carrera de Air Supply, Rod Stewart, Duran Duran, y Air Supply.
NUEVAMENTE A CHIC
A principios de los noventa, Bernard se uniría nuevamente a Nile Rodgers para editar un nuevo álbum de Chic, que vería la luz en 1992 bajo el título de “Chic-Ism”.
El 18 de abril de 1996, luego de un recital con el conjunto en el Budokan de Tokio, Edwards falleció en su hotel por un ataque de neumonía. Estando bastante enfermo en el momento del concierto no quiso suspenderlo por nada, y actuó tocando el bajo.
Horas más tarde perdió el conocimiento y entró en coma, lamentablemente con resultado a la vista. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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HACE 75 AÑOS… EL MAGO DE LA FANTASÍA LLEGABA A URUGUAY

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

WALT DISNEY ARRIBA AL PUERTO

Arribó al Puerto, acompañado de su esposa, en medio de una gran promoción de la mano de Bernardo Glücksmann de la poderosa empresa Glücksmann, una de las principales exhibidoras, líder de salas cinematográficas, y de películas por Montevideo, propietaria -entre otros- del Cine Trocadero, de la Avda. 18 de Julio y Yaguarón. El estreno del filme animado “Fantasía” era inminente en la capital, y el gran mago de los dibujos, la creatividad y las emociones, estaba de gira por América Latina.
En principio solamente visitaría Argentina, luego Brasil, entonces pasaría por Uruguay; ahí fue cuando la compañia tejió las redes e hizo todos los contactos para que llegara a nuestro país, para la premiére del largometraje en el Trocadero.
Así fue que Walt Disney, el ideólogo de tantas caricaturas y obras maestras, pisó suelo compatriota para estar por estos lares durante algunos días, que le sirvieron para acudir al estreno, firmar infinidad de autógrafos, tomarse fotos con admiradores y prensa en general y hasta vestirse de gaucho, tomando mate y comiendo asado!…
Aunque cueste creerlo, todo eso ocurría a esta altura del mes, pero de 1941. Hace 75 años atrás.

FIGURA CAPITAL EN LA HISTORIA DEL CINE
Walter Elias “Walt” Disney, había nacido en Chicago, Illinois, Estados Unidos, el 5 de diciembre de 1901, y se destacó con los años como productor, director, guionista y animador de la pantalla. Genio absoluto de sus realizaciones.
Aunque al principio le costó, fue de a poco mejorando, hasta considerarlo un verdadero ícono internacional -sobre todo para un público pequeño- que lograra notoriedad con múltiples personajes, estilo Mickey Mouse y Pato Donald, entre tantos. Fundador de Walt Disney Productions, siendo durante años la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento por el orbe. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, es una empresa multimillonaria con ingresos anuales de decenas de miles de millones de dólares. En un principio Walt había creado varias compañías de animación, con algunos trabajos, pero no tuvo fortuna, por el contrario llegó varias veces a la bancarota. Luego de vender su cámara, con cuarenta dólares en su cartera y “Alice’s wonderland”, una película animada sin terminar viajó a California. El filme no funcionó demasiado, hasta que luego de idas y venidas Walt creó a Mickey Mouse, y el primer largometraje animado de lengua inglesa y el primero en technicolor, distribuido en 1938: “Blancanieves y los siete enanitos” por RKO. Fue la cinta de mayor taquilla de ese año, logrando ingresos de 8 millones de dólares -de aquel momento- en su estreno.
El éxito de “Blancanieves” permitió a Disney construir unos nuevos estudios en Burbank, que se inauguraron el 24 de diciembre de 1939. En 1940, los estudios produjeron otra dos películas largas: “Pinocho” y “Fantasía”.

“FANTASÍA” EN SISTEMA FANTASOUND
“Fantasía” disparó un costo de casi tres millones de dólares, usando canales de audio en sistema Fantasound, haciendo una de las primeras cintas con sonido estereofónico. La obra está compuesta por siete secuencias que ilustran ocho fragmentos de piezas de música clásica, arreglados y dirigidos por el director de orquesta Leopold Stokowski, e interpretados por la Orquesta de Filadelfia. Lamentablemente, “Fantasía” no alcanzó el éxito habitual de las producciones de Walt, ya que la Segunda Guerra Mundial” impidió su estreno en Europa, y la escasez de salas preparadas para la reproducción idónea de la película, supuso que las recaudaciones de los primeros años fueran pequeñas. Hasta 2012, “Fantasía” logró más de 83 millones de dólares de dividendos. Distinguida con “Special award” por New York Film Critics Circle Awards, 1939, dos Oscar honoríficos en 1941, “National film preservation board” – National Film Registry, 1990, “Video Premiére Award” Best DVD Overall Original Supplemental, 2001, y “Best DVD Overall Original” – Jhon Best, 2009.
EN TROCADERO y REX THEATRE

En 1941, y con la presencia “en vivo” de Walt Disney en la propia sala, y con varias delegaciones escolares previamente invitadas, se proyectó por vez primera “Fantasía”. Hubo cierre de calles en pleno centro, y largas colas para ver a Walt de cerquita. Fue en una tarde gris, donde las marquesinas brillaron, otorgando color en la pantalla grande y un sonido fabuloso, inusual hasta ese momento. Disney y su comitiva quedaron sorprendidos ante tanta efusividad del público que lo acompañó a todo momento en la tourneé montevideana. El tiempo le sobró al vendedor de emociones y sentimientos, para visitar al Presidente de la República, aceptar reportajes con varios periódicos y C X 14, y la revista “Mundo Uruguayo”, que realizó una magnífica cobertura, titulando “Walt Disney” y sus colaboradores imagineros estuvieron en Montevideo”, y pasear “sin seguridad” por las principales arterias de Palermo, Cordón y del Centro, del brazo de su esposa. Eran otros tiempos, más allá de la nostalgia.
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JIMMY FONTANA: DEL JAZZ A LA MÚSICA LIGERA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“EL MUNDO”, SU GRAN HIT DE TODOS LOS TIEMPOS

Fue uno de los grandes cantantes de la música ligera italiana. Muy buen intérprete, entonando con el corazón, excelente cantautor creando dos hits de los cuales se hicieron muchísimas versiones: “Il mondo” y “Che sará”. A fines de los cincuenta y comienzos de los sesenta se hizo muy popular en los veranos por sus canciones románticas y sentimentales, que de alguna manera casi siempre estaban en los Festivales de la Canción de San Remo, y en todos los programas shows de la RAI. Integra una lista de solistas que marcaron a fuego una época muy recordada de la península: Doménico Modugno, Peppino di Capri, Edoardo Vianello, Nico Fidenco, Johnny Dorelli, Luigi Tenco, Sergio Endrigo, entre otros.
Sus comienzos fueron en el jazz pasando más tarde a lo que sería su conocido estilo a partir de ese momento, para jamás apartarse de él. Se llamó Enrico Sbriccoli, Jimmy Fontana de manera artística.
NACIDO EN CAMERINO, MACERATA, ZONA DE PAISAJES
Enrico nació en Camerino, provincia de Macerata, en el centro de Italia, zona de paisajes hermosos e interesantes eventos, el 13 de noviembre de 1934. Su familia al poco tiempo se trasladó a Roma, y luego de finalizar la primaria se dedicó a estudiar economía y contabilidad, mientras que aprendía a tocar el contrabajo. Una vez que conoció el instrumento y pudo manejarlo, se inició en el canto tomando clases con un profesor amigo de sus padres.
Con el tiempo se dedicaría por completo a la música.
Al principio, se metió de lleno en el jazz, dictando cátedra por sus muy buenos conocimientos.
Inmediatamente, comprendió que lo suyo estaba en el plano romántico con baladas que llegaban al corazón, así adoptó el nombre de Jimmy Fontana, tomando en parte el nombre de uno de sus ídolos, Jimmy Giuffre, músico norteamericano de avanzada, y el apellido Fontana lo sacó de la guía telefónica. En el lineamiento del jazz, formó su propia banda, Fontana y su Trío; piano, bajo y batería, él cantando. En ese ínterin conoce a Leda, que más tarde se convertiría en su esposa, teniendo con ella cuatro hijos: Luigi, Roberto, Andrea, y Paola.
CARRERA COMO SOLISTA
A fines de los años cincuenta, Jimmy llega a la música ligera y arranca con su carrera en solitario. Su primer suceso fue “Diavolo” -“Diablo”- que lo coloca en el tercer lugar en el Festival de Barcelona. Con su tema “Bevo” -“Beba”- en 1960, obtiene el Burlamacco Gold, un concurso en Viareggio. Su primera participación en el Festival de San Remo llegó en 1961 con “Señora luna”, escrito por Armando Trovajoli y Dino Verde. Su primer sencillo con RCA es “No te ne andare”, publicado en 1963, compuesto por Gianni Meccia y Lilli griega. En 1965, Fontana logra su mayor éxito con “Il mondo” -“El mundo”- una pieza compuesta por Fontana y Carlo Pes, y arreglado por el maestro Ennio Morricone, con letra de Gianni Meccia , que llegó al top de las listas en Italia, muchos países europeos y casi toda América Latina, en castellano. El mismo año, hizo su debut como actor, apareciendo en dos filmes de estilo netamente musical, “Della Viale canzone” -” Avenida de la canción “- y “008 Operazione ritmo” -“008 Operación ritmo”- que logran gran taquilla en Italia.
“LA MIA SERENATA”
“La mia serenata” se convierte en el disco del verano en Italia en 1967, y en el “Cantagiro”, 1969, presenta “La nostra favola”, versión italiana del tema del “Tigre de Gales”, Tom Jones, de título original “Delilah”. Un año después logra un nuevo hit con “L’amore non è bello (se non è litigarello)”, cortina del espacio televisivo “Signore e signora”, con Delia Scala y Lando Buzzanca. Luego de un impasse en los setenta, regresa con “Identikit”, en 1979, presentación de la serie tv “Gli invincibili”, que obtiene un discreto éxito, confirmado con “Beguine”, que es lanzada en el Festival de San Remo, 1982.
En los años posteriores forma la banda “Superquattro”, junto a Gianni Meccia, Nico Fidenco y Riccardo Del Turco, con los que participó en muchos espacios de la televisión italiana. Fontana además fue autor de numerosas canciones, a dúo con Gianni Meccia, para su voz y para las de otros artistas: el tema más conocido es “Che sarà”, que popularizaron José Feliciano y el grupo Ricchi e Poveri en el Festival de San Remo de 1971.
UNA GIRA DE 5.000 KILOÓMETROS
Lamentablemente, Jimmy Fontana dejó de existir en Roma, el 11 de septiembre de 2013, a los 78 años. Su hija, Andrea Sbriccoli, por medio de la agencia Ansa, desmintió la noticia que apuntaba como causa del fallecimiento, una larga enfermedad de su padre. El deceso se produjo de manera imprevista durante “Una gira de 5.000 kilómetros por toda Italia, con conciertos siempre repletos de gente que lo quería mucho.
El último recital fue en Terni el domingo 8 de septiembre; nos esperaban el sábado 14 en nuestra región, las Marcas, día en que desgraciadamente celebramos su funeral. Su fallecimiento se debió a una súbita fiebre alta provocada por una infección dental…” Más allá de la nostalgia.
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YE, YE, LOS BEATLES OTRA VEZ

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

«OCHO DÍAS A LA SEMANA», COMO EN SUS MEJORES TIEMPOS
Los fanáticos de los genios de Liverpool continúan creciendo en todos los sitios. Pasaron más de cincuenta y tantos años de aquella «Beatlemanía» por la década de los sesenta, y los seguidores de John, Paul, George y Ringo, aumentan en forma considerable. No hay más que colarse en las redes sociales para comprobar todo eso. Teniendo en cuenta este notable seguimiento por parte del gran público hacia los músicos británicos, aparece en escena un nuevo documento que refleja los años de la banda en vivo: 1962-1966. Se trata de «The Beatles Eight days a week – The touring years», una película que se mete de lleno en los shows, las giras, la llegada a Estados Unidos, las conferencias de prensa, enseñando imágenes, algunas conocidas y otras que jamás se vieron, algo que transforma al largo-metraje, de 97 minutos de duración, en una verdadera rareza, con notable sonido y visualización perfeccionada a éstos tiempos digitalizados. «Eight days a week» -«Ocho días de la semana»- de inminente estreno en Uruguay, es una realización del director Ron Howard, editada por Paul Crowder, distribuída por Studio Canal. Su lanzamiento fue en Alemania, e Inglaterra el pasado 15 de septiembre, contando con la presencia de Paul McCartney y Ringo Starr, y con excelentes comentarios de los presentes en la avant-premiére. Un día más tarde la primera función se hizo en USA.
DESDE EL CAVERNCLUB Y SHEA STADIUM
La cinta fue producida con la colaboración de McCartney, Starr y las viudas de John y George: Yoko Ono Lennon y Olivia Harrison. Además de dirigir el documental, Ron Howard también hace la producción junto a Brian Grazer, Nigel Sindair, y Scott Pascucci, bajo libreto general de Mark Monroe. Se muestra al cuarteto en el Cavern Club, quien lo hizo mundialmente famoso por sus presentaciones ahí. En realidad la banda llegó al Cavern apenas había regresado de tocar en Hamburgo, Alemania, donde por las noches hacían su música en el bar-club Indra y el Kaiserkeller alrededor de ocho horas por noche y madrugada, los siete días de la semana. Durante 1962 realizaron cientos de actuaciones en el Cavern Club, y las imágenes lo testimonian. Más adelante en la cinta existen más muestreos de los shows, pasando por el célebre recital veraniego del Shea Municipal Stadium -hoy demolido- en Flushing, barrio de Queens, en Nueva York, que otorgaron «los genios» el 15 de agosto de 1965. Considerado uno de los conciertos más famosos de la época, fue el primero que se realizó en un estadio al aire libre, estableciendo récords de asistencia y recaudación. Más de 55.000 personas vieron a The Beatles en el Shea, con un sonido tan ensordecedor que ninguno de los cuatro músicos o alguna otra persona podían escuchar. Así y todo se vivió uno de los puntos más altos de la «Beatlemanía» con muchas jóvenes gritando, llorando y hasta desmayadas, también esto seguido por «The Beatles Eight days a week – The touring years», 2016.
CANDLESTICK PARK, SAN FRANCISCO: ÚLTIMO CONCIERTO
The Beatles ofrecieron su último concierto en directo el lunes 29 de agosto de 1966 en Candlestick Park de San Francisco.
Marcó el final de un período de cuatro años dominado por extensas tournés que incluyeron cerca de 1.400 apariciones en recitales a nivel internacional. En esta última gira el grupo había tenido una serie de inconvenientes y dificultades que venían de unas declaraciones de John Lennon, quien había dicho que «Los Beatles son más populares que Jesucristo…», el comentario pasó desapercibido en el Reino Unido pero al otro lado del Atlántico comenzaron a haber demasiadas dificultades y hostilidades por parte de los medios de prensa estadounidenses.
En ese ambiente, y luego de pedir disculpas John por sus dichos, dieron el recital ante 25.000 personas, con una duración de casi 33 minutos, estando entre sus temas: «If I needed someone», «Day tripper», «Baby’s in black», «I feel fine», «Yesterday», «I wanna be your man», «Nowhere man», «Paperback writer», «Long tall Sally».
Sería ésta la última actuación de la banda en vivo, también muy bien registrada por el largo metraje, de la mejor manera.
TESTIMONIOS Y ARCHIVOS
«The Beatles Eight days a week – The touring years», 2016, brinda testimonios, canciones, y archivos espectaculares restaurados digitalmente en resolución 4K, además de sonido remasterizado por Giles Martin, hijo del productor de Los Beatles, George Martin. La película en si examina a Lennon, McCarney, Starr y Harrison y su impacto entre los fans generando todo un fenómeno no solamente musical, sino social y cultural. Más allá de la nostalgia.
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BRYAN FERRY: EL INGLÉS DE CANTO SUAVE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SOÑANDO CON LA MÚSICA
En épocas de estudiante ya soñaba con la música.
Así fue que entre clases y libros, se fue interiorizando de los sonidos, hasta que creó un excelente grupo y luego se lanzó en solitario, concretando destacados hits en las pizarras de ventas y popularidad por el mundo.
Dueño de una voz especial, de canto suave pero muy bien llevado, se hizo dueño de canciones románticas que fueron llegando al gran público, y que hasta el día de hoy mantienen vigencia, confirmando su calidad indiscutida. Es más, en los considerados old hits, sus interpretaciones están siempre presentes. Además de músico y cantautor es a veces actor desempeñando algunos papeles interesantes. Se llama Bryan Ferry.

NACIÓ UN DÍA COMO EL DE HOY
Llegó a este mundo un día como el de hoy pero de 1945, así es que Bryan Ferry, nacido en Washington, Tyne y Wear, Reino Unido, está cumpliendo sus 71 años. El tiempo ha pasado y este gran exponente comienza su carrera en The Banshees, una agrupación rockera, en momentos que concurría a la universidad.
Quiso el destino que en ese tiempo conociera a Richard Hamilton, un artista que luego iniciaría el movimiento British Pop Art, algo que sería determinante para muchos conjuntos británicos de aparición posterior, inclusive para el propio Bryan.
Posteriormente llegó a The City Blues y luego a Gas Board, un grupo de lineamiento soul junto a Graham Simpson, y John Porter, con quien a fines de los setenta forma Roxy Music junto con otros amigos.
Roxy Music unió un pop rebelde con mezcla de rock, viéndose fortificado por la actividad teatral que había empezado a realizar el propio Bryan Ferry.
La Roxy también registraba un agitado sonido de sintetizador ejecutado por Brian Eno, haciéndose característico en los temas. Con el paso del tiempo, incorporarían otros géneros: new romantic, punk, disco, new wave, y más, colocando el primer suceso “Virginia plain”, continuando muchos más que lograron impactar por la voz de Bryan y el sonido original de Eno.
De esta forma Bryan Ferry se erige en el líder del número.
Se suceden: “Let’s stick together”, “The price of love”, “River of salt”, “Baby I don’t care” y “A hard rain’s a gonna fall”, entre otros, algunos versionados con estilo Roxy Music.

SOLISTA: A PEDIDO DE LA GRABADORA
En 1973 Bryan ya había comenzado su carrera en solitario a pedido de la grabadora, y lo estaba haciendo en forma paralela con la agrupación, debutando con el álbum “These foolish things” y un año más tarde “Another time, another place”.
En 1976 aparece el disco “Let’s stick together”, cantando la canción de los Beatles, “She’s leaving home”, para el documental “All this and world war II”.
No fue hasta 1977 que finalmente Bryan Ferry compuso un álbum para un trabajo en solitario, grabando “In you mind” con un par de éxitos como “This is tomorrow” y “Tokyo Joe”.
Posteriormente, se produce un período de siete años en el que Bryan no graba ningún álbum, y se casa con Lucy Helmore.
Tras esta última producción, vuelve a unirse a Roxy Music para registrar: “Manifesto”, 1978, “Flesh and blood”, 1980, y “Avalon”, 1982.
En 1983, Bryan Ferry retorna a su carrera en solitario. En 1985 aparece “Boys and girls”, álbum con el que logra situarse en la primera ubicación del Reino Unido, incluyendo sus hits “Slave to love” y “Don’t stop the dance”, lanzamientos que marcarían su categórico estilo.

OTRO REGRESO A ROXY MUSIC
“Bete Noire” sería su producción para 1987, un álbum muy particular lleno de inspiraciones de muy buen contenido. Más tarde, habrá un impasse hasta 1993, momento que graba junto a Brian Eno, “Mamouna”. Después, “Dance with life”, “As time goes by”, hasta que regresa otra vez a Roxy Music en el año 2001 en adelante grabando en estudio y haciendo shows por distintos lugares. En 2006 registra temas de Bob Dylan en el álbum “Dylanesque”, el cual se lanza en marzo del 2007. Bryan Ferry fue pareja de Jerry Hall, Lady Emily Compton y Katie Turner, y de su matrimonio con Lucy Helmore en 1982 existen cuatro hijos: Otis, Isaac, Tara y Merlin.
Separado de Lucy, se casó con Amanda Sheppard, 38 años más joven que él, después de salir con Isaac, hijo del cantante. La pareja duró poco más de año y medio, para luego irse cada uno por su lado.
Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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LA ESCUELA DE “LOS FATTO” & COMPAÑÍA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DIERON CLASE A DOMICILIO

A mediados de la década de los sesenta llegaban a Buenos Aires para dar una prueba en un estudio de grabación, propiedad de EMI, una de las fonográficas más vendedoras de discos en ese momento en la vecina orilla. En la sala tocaron varios temas, y los directivos del sello quedaron admirados ante tanta calidad interpretativa y condiciones musicales del cuarteto.
Ya habían llegado noticias al gerente de la compañía que en Punta del Este estaban actuando, sorprendiendo a los bailarines por su ritmo bien llevado. Inmediatamente, junto a su padre -uno de ellos era menor- y su manager estamparon el contrato con EMI Odeón. Se trataba de Los Shakers, que con su estilo “Beatlemaníaco” pero con personalidad absoluta, el sello de la banda, irrumpían en la escena artística argentina.
Tarjeta de presentación: “Rompan todo”, un hit hasta el día de hoy.
Registraron infinidad de simples y tres álbumes.
Fueron populares en América.
En ese momento, no existían músicos tan preparados como ellos, más allá de su juventud, por el Río de la Plata.
Su lanzamiento fue determinante para el posterior desarrollo de la movida joven; donde ellos sonaban se llenaba de otros músicos -algunos en formación en ese momento siendo el verdadero espejo para forjar nombres que en un futuro serían muy virtuosos.
Eso fue reconocido por el propio Litto Nebbia, Charly García, o Luis Alberto Spinetta, entre otros.
Hugo y Osvaldo Fattoruso, acompañados por Roberto “Pelín” Capobianco y Carlos “Caio” Vila, eran buenos de verdad, y abrieron una escuela a domicilio a través de sus shows, que eran contemplados por una generación musical que estaba ahí a punto de llegar. Nacía el “beat” en español.

LITTO NEBBIA y LOS GATOS SALVAJES

Corría el año 1965 y en el programa televisivo “Escala Musical” de los domingos al mediodía por Canal 13, hacían su número Los Shakers, estaban ahí recién llegados desde Rosario, “Los Gatos Salvajes”. Su líder Litto Nebbia, adoraba la musicalidad de “Los Fatto”, haciéndose además amigo de ellos.
Apreciaba como tocaban, sus instrumentos, su forma de grabar. Así, en 1967, la agrupación logrando un cambio de nombre a “Los Gatos”, lanza en el lado b de un simple RCA, el tema que se constituiría en emblema del aquel “beat” en castellano: “La balsa”, vendiendo 250.000 placas en primera instancia. El suceso abrió la puerta para que el rock se cantara en español.
“Viento, dile a la lluvia”, su segundo éxito daría más fuerza al conjunto, y el movimiento en sí continuaría creciendo.
“Los Gatos” en aquel momento estaban integrados por Litto Nebbia en voz y armónica, Kay – guitarra, Ciro Flogiatta en teclados, Alfredo Toth – bajo, y Oscar Moro en batería.

“MUCHACHA OJOS DE PAPEL”

Luis Alberto Spinetta, un músico diferente en todo sentido, también se manifestaría admirador incondicional de “Los Fatto” y su escuela. En 1967, luego de ver y escuchar la grabación de varios de los temas de “La conferencia secreta del Toto’s Bar” el tercer LP de Los Shakers en el estudio de grabación, formaría “Almendra”, grupo conformado por Spinetta, en guitarra y voz, Edelmiro Molinari – guitarra y coros, Emilio del Guercio en bajo y coros, y Rodolfo García – batería. Su álbum Almendra I fue considerado por la publicación Rolling Stone, como el sexto mejor del rock argentino, en tanto que su segundo material Almendra II fue colocado en la posición cuarenta. El tema de Spinetta, “Muchacha ojos de papel”, según la revista es la segunda mejor canción de todos los tiempos del rock argentino, y la 28 de Latinoamérica. “Almendra”, es otro fundador del rock argentino en español.
Luis Alberto Spinetta dejó de existir el 8 de febrero de 2012 en Buenos Aires, a raíz de una enfermedad incurable. Fue músico, cantante y poeta.

MANAL: BLUES & ROCK

Muy cerca de “Los Gatos” y “Almendra”, se encontraba por ese sitial, el trío “Manal”: Alejandro Medina como bajista, voz y teclados, Claudio Gabis – guitarra, armónica, piano y teclados, y Javier Martínez – batería y voz. Fueron también seguidores de “Los Fatto”, señal de que su escuela seguía funcionando.
“Manal” ejecutaba blues y rock también en castellano con adaptaciones rioplatenses.
En el escenario lograban impactar con fuerza y nivel. Teniendo en cuenta su conformación se les comparaba con Jimi Hendrix o con Cream de Eric Clapton. Sus grabaciones se realizaron en el sello independiente Mandioca, quien también sugirió el nombre de Manal, quedando como tal. En la primera etapa de su existencia 1968-1971- la mayoría de los temas interpretados por el trío fueron compuestos por Javier Martínez. Se hicieron referentes en su género.

CHARLY, UN FIEL ALUMNO

Se acercaba asiduamente a “Los Fatto” -él lo declaró alguna vez- para pedirles cigarrillos, ver cómo tocaban e intercambiar alguna idea. Carlos Alberto García Moreno, “Charly”, nació el 23 de octubre de 1951 en Buenos Aires, y hoy está considerado una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina, por su talento y personalidad.
Ideólogo de “Sui Generis”, “Serú Girán” y “La máquina de hacer pájaros”, mantiene una amplia carrera como solista. Con 41 discos grabados, más otros participando como músico invitado de diferentes artistas y épocas, García es considerado uno de los íconos del rock en español.
Hoy, cuando se encuentra con Hugo Fattoruso, tratan de juntarse, tocar juntos, compartir una comida y recordar un pasado que aún está ahí…
Más allá de la nostalgia.

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JOHNNY CASH: EL LEGADO DEL COUNTRY

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CREO SU PROPIO GENERO

Fue uno de los principales exponentes del movimiento country en toda su historia, creando su propio estilo y manera de tocar.
Un referente gigante de su movimiento.
Cantautor de todos los lineamientos musicales, excelente guitarrista, y hasta actor en filmes y series. Le agradaba el rock and roll y también lo ejecutaba a la perfección, habiendo grabado y realizado presentaciones con el gran Elvis Presley. Poseedor de un registro de voz profundo que lo identificaba, junto a su destreza en la viola, realizando giras por todo el territorio norteamericano, solo o con su banda realmente se constituyó en único y original, vistiéndose con ropa bien oscura valiéndole el apelativo de “El hombre de negro” -“The man in black”- Al empezar sus recitales repetía siempre su frase de cabecera “Hello i’m Johnny Cash!”… “Hola soy Jhonny Cash!”… y el público lo ovacionaba.

EN ARKANSAS NACIÓ EL VIRTUOSO

Johnny J. R. Cash llegó a éste mundo el 26 de febrero de 1932, en Kingsland, Arkansas, Estados Unidos. Hijo de Carrie Cloveree y Ray Cash, Johnny tenía seis hermanos, y cuando se alistó en la Fuerza Aérea Norteamericana en la segunda guerra mundial no le permitieron usar las iniciales como su primer nombre, por lo que inmediatamente lo cambió a John R. Cash. En 1955 cuando firma con la fonográfica Sun Records, toma Johnny Cash, como su nombre artístico definitivo. Sus hermanos: Roy, Margaret Louise, Jack, Reba, y Joanne, no participaron en la música. El único fue Tommy, quien también se convirtió en un exitoso artista del disco.
En los primeros años de Johnny, marzo de 1935, su familia se instaló en Dyess, Arkansas, para trabajar en los campos de algodón.
Al tiempo la granja se inundó de agua por el mal tiempo reinante con lluvias y tormentas en varias ocasiones, eso lo inspiró a Johnny para escribir varios temas: “Five feet high and rising”, fue uno de ellos.
Ante ésta adversidad que vivieron los suyos, más otras dificultades, lo continuaron desarrollando en sus propias composiciones que se generaron ante tales circunstancias.
Pronto, Cash pasa la mayoría de su carrera en las rutas. Desde sus primeros contratos con discográficas hasta el último con el sello American Records.
Fue viajando por todas las carreteras de Estados Unidos y parte de Canadá realizando sus tournées.
Fue la diferencia en los años cincuenta, ya que él y los demás componentes de su banda Tennessee Three, viajaban en el largo Plymouth modelo 1954 utilizando -además- la valija para llevar la instrumentación en general. El ritmo de la vida estaba ahí por las rutas, y a veces se sumaban familiares en la gira.

UN COMPOSITOR DE TALENTO

Gran parte de la música de Cash se hizo en las últimas etapas de su carrera. Entre sus composiciones más conocidas figuran “I walk the line”, “Prison blues folsom”, “Anillos de fuego”,”Get rhythm” y “The man in black”. También participó de números humorísticos, “A boy named Sue”; un dúo con su futura esposa, June Carter, llamado “Jackson” -seguido por muchos otros duetos después de su matrimonio- y “Hey, Porter”, “Orange blossom special” y “Rock island line”.
Cerrando su etapa artística, en metálica de varios artistas de rock finales del siglo veinte, más notablemente “Hurt” de Nine Inch Nails.
Curiosamente, algunos de sus temas más conocidos son covers de otros artistas, pero versionadas con un estilo, llevando su sello por todas partes. A lo largo de su historia registrando discos vendió casi noventa millones de álbumes en sus cincuenta años de carrera.
Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en el “Salón de la Fama”, en el “Salón de la Fama de Rock and roll, del Country y de Compositores de Nashville”.
Recientemente ha sido incluido en el “Salón de la Fama del Gospel”, donde se encuentra también Elvis Presley.

A 13 AÑOS DE SU PARTIDA

Johnny Cash dejó de existir el 12 de septiembre de 2003, a los 71 años, por complicaciones de diabetes, hace 13 años atrás.
Su esposa durante 35 años, June Carter Cash, falleció cuatro meses antes, el 15 de mayo de 2003 a la edad de 73 años.
Según comentó el propio Cash, antes de su muerte June le animó a que siguiese trabajando, algo que el músico cumplió, llegando a completar más de sesenta grabaciones en sus últimos cuatro meses de vida. Incluso llegó a ofrecer varios conciertos en The Carter Family Fold, en las inmediaciones de Bristol, Virginia. Sus hijos son: Rosanne, Kathy, Cindy, Tara, y John Carter Cash. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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