PATRICIA NEAL: ACAPARANDO PREMIOS en HOLLYWOOD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

DE OJOS NEGROS y SINGULAR BELLEZA

No rodó demasiadas películas, por un tema de maternidad, pero las que hizo le valieron distinciones varias: Premio Tony, Globo de Oro, BAFTA y una vez nominada, y otra ganadora del Oscar, en 1964. Con un registro de voz grave, bonitos ojos negros y de singular belleza, acaparó la atención del Hollywood de aquellos tiempos, e invadió con su imagen las marquesinas de los cinematógrafos del mundo. Se llamó Patsy Louise Neal o simplemente Patricia Neal, como se le conocía artísticamente, nacida en Packard, Kentucky, el 20 de enero de 1926, distinguiéndose primero en teatro, cine y televisión, siendo ese el orden de aparición en obras, filmes y series, con interpretaciones destacadísimas. Su madre, Eura Mildred Patrey, ama de casa, y su padre, William Burdette «Coot» Neal, la fueron orientando y ayudando para que de alguna manera se convirtiera en actriz. Así, Neal estudió en Knoxville y teatro en la Universidad del Noroeste de Illinois, y cuando junto a su familia se trasladó a Nueva York, trabajó como modelo y debutó en Broadway en la producción «Voice of the turtle» de John Van Truten reemplazando a Vivian Vance. Luego apareciendo en «Otra parte del bosque» de Lillian Hellman, 1946, obteniendo el Tony de 1947, a la «Mejor actriz» en obra teatral. Patricia Neal. 1

IDILIO CON GARY COOPER
Patricia debutó en el séptimo arte con Ronald Reagan en «John loves Mary», seguido de otro papel junto a Reagan en «The hasty heart», y más tarde en «The fountainhead» en 1949. La filmación de la última cinta coincidió con un romance con su co-protagonista casado, Gary Cooper, con quien trabajó nuevamente en «Bright leaf», en 1950. El idilio salió a la luz y la prensa escrita de la época cargó contra la actriz que decidió romper la relación. La ruptura supuso una crisis emocional para Neal, máxime cuando abortó el hijo de ambos provocándole una depresión clínica. También en 1950 protagonizó junto a John Garfield, «The breaking point», un año después en «The day the earth stood still», 1951, con Michael Rennie y en «Operación Pacífico», del mismo año, estelarizada por John Wayne. Neal estaba sufriendo un fuerte ataque de nervios en esa época, al concluir su relación con Cooper, y se marchó de Hollywood a Nueva York, retornando a Broadway en 1952, para resurgir en «The children’s hour». En 1955, encarnó «A roomful of roses» de Edith Sommer, con la puesta en escena de Guthrie McClintic. Estando en «la gran manzana», Neal se convirtió en miembro del Actors Studio, y posteriormente coprotagonizó el film «A face in the crowd», en 1957, dirigida por Elia Kazan, la obra «The miracle worker», 1959, dirigida por Arthur Penn, el largometraje «Breakfast at Tiffany’s», 1961, coprotagonizado por George Peppard, y «Hud», en 1963, dirigida por Martin Ritt, y con el estelar de Paul Newman, logrando por este trabajo Patricia Neal, la distinción del Oscar 1964. Cuando la película fue lanzada inicialmente se pronosticaba que sería nominada en la categoría de actriz de reparto, pero cuando comenzó a coleccionar premios, siempre se le otorgaron como «mejor actriz», en New York Film Critics, National Board of Review y Bafta award de la Academia Británica de Cine y Televisión.

LLEGARÍA LA TELEVISIÓN
Durante el mismo período, apareció en televisión en un episodio de «The play of the week», 1960, y en una producción británica de Clifford Odets «Clash by night», 1959. Neal retornó con John Wayne en «In harm’s way». 1965, de Otto Preminger, logrando su segundo premio Bafta. Su siguiente cinta fue «The subject was roses», 1968, por la que fue nominada para un premio de la Academia. Llegaría luego la pieza televisiva «The homecoming: a christmas story», 1971, que inspiró la serie «The Waltons», ganando un Golden Globe por su actuación. Neal encarnó a una madre viuda moribunda que intentaba encontrar un hogar para sus tres hijos en un episodio de la transmisión de «Little house on the prairie» de NBC en 1975. En 1999 fue protagonista de «Cookie’s fortune» de Robert Altman,
Trabajó en la película de Silvana Vienne, «Beyond Baklava: The Fairy Tale Story», de Sylvia’s Baklava, 2007, apareciendo ella misma en el documental hablando de formas alternativas de acabar con la violencia en el mundo. En el mismo año del lanzamiento de la película, Neal recibió uno de los dos Lifetime Achievement Awards presentados anualmente en el SunDeis Film en el Festival en Waltham, Massachusetts.

ROALD DAHL EN 1962
Exactamente en 1952, la actriz conoció en una fiesta, al gran escritor británico Roald Dahl con el que contrajo matrimonio el 2 de julio de 1953. Se mudaron a Inglaterra y tuvieron cinco hijos. Las continuas maternidades hicieron que en la decada de los cincuenta la actriz se mantuviera bastante de la pantalla. En 1983 se divorció de su marido, quien poco después se casó con una de las mejores amigas de ella. En 1988 publicó sus memorias. El 8 de agosto de 2010 falleció a causa de un cáncer de pulmón a los 84 años. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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GARY COLEMAN: “ARNOLD”, AQUEL MUCHACHO DE 8 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

1 METRO 42 DE ESTATURA

Gary Wayne Coleman llegó a este mundo el 8 de febrero de 1968, en Zion, Illinois, Estados Unidos, cuando paralelamente se producía por esas cosas del destino la llamada Masacre de Orangeburg: una turba de civiles blancos asesinaba a estudiantes negros de la Universidad Estatal de Carolina del Sur que protestaban contra el racismo; hecho que conmovía Norteamérica y el mundo entero en ese momento. Prácticamente al nacer, Gary, fue adoptado por Edmonia Sue, una enfermera, y WG Coleman, un operador de montacargas, que trabajaba doce horas al día para tratar de vivir sin que le faltara nada en el hogar. Debido a la glomeruloesclerosis segmentaria focal -enfermedad renal crónica congénita- de Gary, y los corticosteroides y otros medicamentos utilizados para tratarla, su crecimiento se limitó a un metro cuarenta y dos centímetros, manteniéndose su rostro con un aspecto infantil, apariencia que se mantuvo hasta la edad adulta. Se sometió a dos trasplantes de riñón sin éxito en 1973 y 1984, y requirió diálisis frecuente. Vivió hasta los 42 años cuando dejó de existir en Provo, Utah, el 28 de mayo de 2010, hace ocho años atrás, debido a una caída que le provocó una hemorragia intracraneal. Había quedado atrás su personaje en “Diff’rent strokes”, donde se llamaba “Arnold”, título de la serie que se mantuvo durante 8 temporadas en grilla, en Uruguay y España. Diff'rent Strokes

PRIMERO EN LA LISTA DE ESTRELLAS INFANTILES

En 1974, la carrera de Gary Coleman comenzó cuando salió en un comercial de Harris Bank, apareciendo el mismo año, de casualidad en un episodio de “Centro Médico”, logrando un buen desempeño. Luego llegaría “The Jeffersons” haciendo el papel de Raymond, sobrino de George Jefferson, y en “Good times”, encarnando a Gary, el amigo de Penny. Vendría más tarde, “The Little Rascals” como Stymie, en 1977, siendo calificado en esa oportunidad por los críticos, primero en la lista de “Las 100 mejores estrellas infantiles de la televisión”. Teniendo en cuenta estos notables logros, Gary fue seleccionado para interpretar a Arnold Jackson en “Diff’rent Strokes”, personificando a uno de los dos hermanos negros de Harlem, adoptado por un adinerado viudo blanco en Manhattan . La serie fue transmitida entre 1978 a 1986, por NBC – ABC, con 189 capítulos de 25 minutos de duración, creada por Jeff Harris y Bernie Kukoff. Se trataba de la historia de Philip Drummond -Conrad Bain- millonario que vive en un ático de Park Avenue, que cría a los dos niños adoptados -Coleman y Todd Bridges- El caballero, además tiene una hija biológica rubia y actitud angelical de nombre Kimberly -Dana Plato- Juntos los cuatro personajes llevaron adelante una de las comedias televisivas de mayor impacto en USA y el mundo entero.

“¿DE QUE HABLAS WILLIS? ?”
El aspecto aniñado de Arnold, fue uno de los atractivos más grandes para los espectadores. Paradójicamente esa eterna juventud se debía a la afección renal del actor, que lo hizo lucir como un chico de ocho años durante toda la tira. Una vez que la serie fue concluída, Plato, Bridges y el propio Coleman cayeron en distintas desgracias que desembocaron en escándalos de sexo, drogas, y hasta las muertes de la propia Plato -por sobredosis- y Gary Coleman. Durante los ocho años de permanencia en programación, “Arnold” era observado por millones de televidentes en la década del ochenta, y posteriormente en señales de cable internacional. Gracias a la clásica frase “De qué hablas Willis?”, preferida por Arnold, y a la simpatía del actor, Coleman se constituyó en una figura popular, protagonizando varias películas, y filmes para tv incluyendo “On the right track” y “The Kid with the Broken Halo”, largometraje que finalmente sirvió como base para que los dibujantes y productores Hanna-Barbera, lanzaran la serie animada “The Gary Coleman Show”, en 1982

CANDIDATO A GOBERNADOR DE CALIFORNIA
En el punto más alto de su fama en “Arnold”, Gary ganaba la hermosa cantidad de 100.000 dólares por capítulo. Pero, como envejeció, fue perdiendo el apoyo de la gente. Después del retiro de la tira, su carrera artística decayó repentinamente, probando en la política lanzándose como candidato a gobernador en California en el año 2003. La campaña fue apoyada por el semanario “East Bay Express” como un comentario satírico sobre su retiro. Después de que Arnold Schwarzenegger declaró su candidatura, Coleman anunció que votaría a Schwarzenegger. Coleman ocupó el octavo lugar sobre 135 candidatos, logrando 14,242 votantes. En 2008 se casó en Nevada a los 40 años con Shannon Price, de 22 años, 18 mayor que él y con medio metro de altura más que Gary. Luego de la breve ceremonia el actor sorpresivamente declaró: “Llegó virgen al matrimonio. No he elegido serlo, simplemente lo soy, siento el deseo pero aún no sé que es el sexo. Ella -por Shannon- no sabe aún lo de mi inexperiencia…” Más allá de la nostalgia.

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NORBERTO SUÁREZ: AQUEL GALÁN DE LOS ’70s

TV, CINE, y TEATRO

Nadie duda que Norberto Suárez fue el galán de los años setenta. Estaba estudiando abogacía en cuarto año y abandonó la facultad porque deseaba ser actor. Se trataba de un muchacho con pinta de galán, de mirada profunda, pero con cierta timidez a la vez, que se acercaba golpeando puertas en la televisión como extra en “Obras maestras del terror de Narciso Ibáñez Menta”, obteniendo fama en “El amor tiene cara de mujer”, “Cuatro hombres para Eva”, “Nuestra galleguita” y en la tira que más se le reconoce por su especial desempeño: “Papa corazón” -donde llegó inclusive a grabar un disco RCA- al lado de una precoz Andrea Del Boca. Con esa imagen de muchacho bueno, su carrera continuó en cine con “La terraza” de Leopoldo Torre Nilsson y “Extraña ternura” de Daniel Tinayre, “Operación San Antonio”, “Los evadidos”, “Los muchachos de antes no usaban gomina”, y en películas más juveniles y livianitas: “Fiebre de primavera”, “Mi primera novia”, y “Un muchacho como yo”, con Palito Ortega y más elenco nuevaolero de ese tiempo. En el teatro sus actuaciones fueron más profundas y exigentes, mostrando su parte actoral de mayor personalidad en “Fiebre de heno”, “Pigmaleón”en 1959, “Noches de reyes”, de Shakespeare, “Coqueluche”, “Un tranvía llamado deseo”, “La pata del mono” de William Jacobs, “El príncipe idiota” de Dostoievski, “Amores equivocados”, y hasta “Enrique IV”. Su papel en “Calígula” no pudo llevarse adelante por tener compromisos en otras obras, quedando con mucha pena porque ese era realmente su gran anhelo. Sin embargo, se mantuvo activo y contemplativo en su actividad artística, llevando todo adelante a la perfección. Norberto Suárez. 1

TUVO GRANDES MAESTROS

Norberto Pedro Suárez había nacido en el Gran Buenos Aires, el 19 de noviembre de 1943. Fue un niño tranquilo pero vivaz, inteligente. Sus estudios escolares y secundarios fueron excelentes, y en facultad estaba obteniendo notables logros, hasta que echó todo por la borda llamado por su deseo de convertirse en actor de la pantalla y de los escenarios. Cuando fue llamado para realizar su primera prueba -hoy casting- en tv, se quedó en la cafetería que estaba a la vuelta de Canal 9 Libertad durante una hora pensándolo muy bien antes de entrar al set, estando muy nervioso al punto tal de casi irse a su casa; era muy reservado y sumamente vergonzoso, algo que pudo superar recién con el paso de los años. Sus maestros Carlos Gandolfo, Paulina Osona, Hedy Crilla y Roberto Durán le ayudaron muchísimo a desempeñarse ante las cámaras y el público. Convertido en protagonista y estrella, fue un referente de esos tiempos televisivos, totalmente reconocido por los espectadores que lo recuerdan hasta el día de hoy, muy elogiado por sus muchas encarnaciones que realmente llegaron a trascender.

“PAPÁ CORAZÓN SE QUIERE CASAR”

En 1969, Suárez representó a Raúl, el hijo de la familia pudiente que enamoraba a la inocente inmigrante, y que luego se casaría con ella, pese a la oposición de la familia, en “Nuestra galleguita”, junto a Laura Bové, por Canal 9. Bajo la autoría de Abel Santa Cruz y con Pablo Alarcón, Betiana Blum, Andrea Del Boca, y María de los Ángeles Medrano, en el elenco. La tira duró una temporada, con 19 capítulos, de enorme teleaudiencia en el Río de la Plata. Cuatro años más tarde, en 1973, llegaría con Maximiliano, el viudo a cargo de una dulce niña que tenía diálogos con su mamá fallecida, en “Papá corazón”, con Andrea del Boca, también de la inspiración de Abel Santa Cruz. De realización argentina-peruana en la telenovela también figuraban Laura Bové, Elcira Olivera Garcés, Jorge Barreiro, Raúl Aubel, Erika Wallner, Virginia Romay, y Elena Sedova. La tira en blanco y negro se registró durante una temporada que se mantuvo en grilla en los Estudios de Argentina Sono Films, haciendo llorar por su argumento a chicos y grandes, pero de un rating sensacional, que llevó a los productores a rodar una película que llevaría el nombre de “Papá corazón se quiere casar”, en 1974, en colores.

SE FUE HACE SEIS AÑOS

En 1967 Norberto Suárez sufre de un lamentable accidente automovilístico, que le deja el rostro prácticamente destrozado. Fue todo un drama, sumado a todo un problema psicológico detrás. Tras quince intervenciones quirúrgicas, pudo superar de a poco y con paciencia este duro trance, manteníéndose durante años fuera de sus trabajos. En 2001, luego de su larga inactividad retornó a la actuación, integrando el elenco de la obra teatral “Paladar”, conformando el personaje de Saturnino. Transformado en un continuo fumador, dejó de existir en Buenos Aires, a raíz de una gravísima afección pulmonar, el 4 de junio de 2012. Tenía 69 años. No fue un actor más, fue un verdadero ícono de los artistas profesionales del espectáculo. Más allá de la nostalgia.

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HAPPY BIRTHDAY, JOHN

IDEÓLOGO DE CREEDENCE C. REVIVAL

John Fogerty ha sido reconocido con el paso de los años como un músico de excepción. De gran personalidad, compositor, guitarrista, cantante rockero poseedor de una fabulosa voz de fuertes matices. Ideólogo y líder de una banda sensacional, Creedence Clearwater Revival, donde escribió e interpretó una cantidad de hits que se colgaron en Billboard, en el momento de su lanzamiento, y a través del tiempo, demostrando vigencia absoluta. Colocado en el escalón número 40 entre “Los 100 Grandes Guitarristas” y en el número 72 en “Los 100 Grandes Cantantes” -de todos los tiempos- según la revista “Rolling Stone”. Nacido en Berkeley, California, un día como el hoy, 28 de mayo, pero de 1945. bajo el nombre de John Cameron Fogerty, está cumpliendo sus 73 años. Su historia está llena de hits, de consagraciones y de tener un estilo diferente entre sus pares. Conozcamos más de sus logros y de su vida en el “Sonido Bayou CCR”. Junto a Ronnie Wood, de los Stones. 4

HERMANO MENOR DE TOM FOGERTY

John, hermano menor de Tom Fogerty, concurrió en su juventud a El Cerrito High School con otros componentes de Creedence, tomando lecciones de guitarra del Berkeley Folk Festival, creado y producido por Barry Olivier, tomando vacaciones veraniegas en Putah Creek, cercano a Winters, California, inspirándose allí para la canción “Green river” -“Río verde”- que luego se convertiría en suceso con CCR. Escuchando en la radio a Little Richard se inspiró a finales de los cincuenta para formar Tommy Fogerty y The Blue Velvet, junto a su hermano Tom Fogerty, Stu Cook y Doug Clifford, en el Cerrito, California. Luego de estampar la firma del contrato con la fonográfica Fantasy en 1965, se llamaron The Golliwogs, registrando varios simples. Continuando el estilo que se hacía en esos años, publicaron más temas al estilo pop británico alcanzando cierto renombre con “Brown eyed girl”, de Van Morrison. Luego del servicio militar John regresó a The Golliwogs, para cambiar el nombre por Creedence Clearwater Revival -Creemos en la pureza revivida- mezclando los ritmos tradicionales norteamericanos y colocándole un poco de cada estilo, convirtiéndolo en lo que podría llamarse Southern Rock. Debutaron con la producción del álbum CCR, donde también estaba incluído su primer sencillo, “Susie Q”, escrito por Dale Hawkins, un hit de los años cincuenta. Inmediatamente continuarían con el simple “Proud Mary”, y con la edición de “Bayou Country”, considerado uno de los mejores LP de la agrupación.

“COTTON FIELDS” -“CAMPOS DE ALGODÓN”- UN CLÁSICO

Mientras la música de Creedence se paseaba por las listas de venta y popularidad, mezclando gospel, country, y blues, a puro rock and roll, se convierte el cuarteto en una de las bandas más famosas del planeta. De sonido psicodélico en las primeras épocas, los llamaron “Los Reyes de la Carretera”. De muy buena ejecución, bien parejo, el grupo se identificó siempre con la voz de Fogerty. Así, avanzaron los super hits, himnos de la generación de los setenta: “Cotton fields”, “Down on the corner”, “Long as i can See the light”, “Hey tonight”, “Travelling band”, “Lodi”, “Looking out my back door”, “Have you ever seen the rain”, entre tantos. El último álbum de CCR, “Mardi gras”, fue lanzado en abril de 1972, logrando el puesto No. 12 de Billboard. Tras la publicación del disco la relación entre los componentes de Creedence se fue deteriorando, y el 16 de octubre de 1972, anunciaron la disolución del conjunto. Un año más tarde Fogerty inició su carrera solista con la edición de “The Blue Ridge Rangers”. En 1965, su siguiente trabajo, “Centerfield”, impacta siendo un éxito de ventas, haciendo varias giras por toda USA.

EN CONSTANTE ACTIVIDAD

Después de varios lanzamientos fonográficos más, el 28 de mayo de 2013 llegó a disquerías su noveno álbum de estudio, “John Fogerty – Wrote a song for everyone”, en Vanguard Records. En el material hace un repaso de sus clásicos: “Who’ll stop the rain”, “Lodi”, y “Proud Mary”, y más. El 18 de febrero de 2017 se presento como invitado especial en “Eternamente Juan Gabriel”, concierto realizado en México, como parte de un homenaje al desaparecido cantautor, fallecido el 28 de agosto de 2016. En ese momento, una vez dada a conocer la noticia, Fogerty manifestó su pesar por la repentina muerte del artista, a quien había conocido tiempo atrás. En la actualidad John está de gira en Las Vegas, demostrando que tiene muchos deseos de seguir adelante y que el público lo recibe cada vez con mayor expectativa. No se descartan actuaciones en el Río de la Plata para el año entrante. Más allá de la nostalgia.

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LOS 75 AÑOS de RAPHAEL

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EUROVISIÓN y DESPEGUE MUNDIAL

En el Mundial Londres 1966 que obtuvo la selección inglesa de fútbol de una manera bastante especial, en una final accidentada frente a Alemania Federal, dos emisoras se habían unido para las transmisiones a Uruguay, eran ellas Radio Sarandí y Radio Sport. En los relatos estaban Don Carlos Solé y Lalo Fernández, que narraban un tiempo cada uno. La finalísima fue el 30 de julio de 1966 y Solé minutos antes de iniciarse el cotejo, luego de tomarse un tiempo para diversos comentarios mundialistas, habla de un gran suceso musical que llega a Londres para llenar teatros con entradas a precios astronómicos. Se trataba de Raphael, el mismísimo Raphael de España. “No se imaginan estimados oyentes de Montevideo, el éxito de este cantante por estas latitudes, batiendo todos los récords de asistencia en las salas y hasta escuchándose en la radio londinense…”. La verdad que estando en sintonía me llamaron mucho la atención estas palabras de Don Carlos -recordándolas siempre- acerca del intèrprete de Linares, quien ya había pasado por el popular Festival de Eurovisión con “Yo soy aquel”, uno de sus hits más resonantes en una larga carrera que ha llevado adelante hasta el día de hoy, con sus 75 años recién cumplidos. Raphael en tiempos juveniles. 1

DIVO DE LA BALADA ROMÁNTICA

Actualmente, Raphael es uno de los solistas más activos de los llamados “Divos de la balada romántica”, efectuando tournés por América y Europa de manera constante, haciéndolo así desde hace más de 55 años de carrera. Desde hace cuatro décadas canta temas compuestos por el autor y director musical Manuel Alejandro, quien ha sido de alguna manera el compositor más cercano al artista de la madre patria. Junto a él se mostró en vivo en los primeros años de los sesenta en programas de televisión del Río de la Plata; “Noches Brilantes” de Montecarlo TV Canal 4, de Montevideo, y “Casino”, Canal 13, Buenos Aires. Raphael interpretando y Manuel Alejandro tocando el piano, todo un recuerdo de otras épocas. En su afán de superarse, el cantante ha registrado duetos con nombres espectaculares del cancionero: Tom Jones, Albert Hammond, Raffaella Carrá, Rita Pavone, Charles Aznavour, Patti LaBelle, Paul Anka, Julio Iglesias, Rocío Jurado, Mónica Naranjo, Celia Cruz y hasta la mismísima Gina Lollobrígida, entre tantos. Exactamente en 1982 recibe un disco de uranio por las superventas de más de 50 millones de discos a lo largo de su trayectoria, premio único en el orbe, entregado también a Queen y Michael Jackson. En ese tiempo, graba más temas que se hacen himnos por todos los sitios: “En carne viva”, “Que sabe nadie”, y “Como yo te amo”. Diez años más tarde, en 1992 alcanza un excepcional suceso con un lanzamiento de estilos latinos, “Escándalo”, de la autoría de Willy Chirino.

RUISEÑOR DE LINARES

El verdadero nombre de Raphael es Miguel Rafael Martos Sánchez, nacido el 5 de mayo de 1943, en Linares, Jaén. Hijo de Rafaela Sánchez Martínez y Francisco Martos Bustos. Junto a su familia se trasladó a Madrid con nueve meses en su haber y comenzando como cantante a los tres años, recibiendo el sobrenombre de “El niño de Linares”, “El Divo de Linares”, o “Ruiseñor de Linares”. Un año después se unió a un coro infantil de Europa en el Festival de Salzburgo, Austria. Raphael da el puntapié inicial de su carrera como cantante con la fonográfica Philips, adoptando allí el nombre de Raphael. Sus primeros simples fueron “Te voy a contar mi vida” y “A pesar de todo” entre otros. Desde sus inicios Raphael es famoso por sus gesticulaciones en todas sus presentaciones. En 1962 logra tres primeros premios en el Festival Internacional de la Canción de Benidorm con “Llevan”, “Inmensidad” y “Tu conciencia”. Después de estar ligado de manera breve con Barclay Record Label, firma un contrato con Hispavox donde empieza una larga relación artística con el director del sello y más tarde orquestador Waldo de los Ríos. Consigue su consagración el 3 de noviembre de 1965, cuando con apenas 22 años se presenta en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, caso raro en una época en que los espectáculos de música pop o ligera eran colectivos, al reunir a varios solistas y grupos.

CASADO CON NATALIA FIGUEROA

Raphael está casado con la periodista y escritora Natalia Figueroa con quien tiene tres hijos: Jacobo, Alejandra y Manuel. Hoy por hoy, ya tienen muchos nietos, y todos son muy felices. El cantante rodó 15 películas, y su discografía es muy extensa, constando de varios EP, simples y LPs, la mayoría grabados en español pero incursionando en otros idiomas: alemán, portugués, inglés, francés, italiano y japonés. En 2008 finaliza la gira “Cerca de ti” y presenta en diciembre un disco especial conmemorando el que será su 50 Aniversario: Raphael: 50 Años Después, álbum por el que recibió en España un Disco de Platino por ventas. En marzo de 2011 en Linares se inauguró un museo relacionado con la vida del cantante desde los sesenta hasta el presente. Allí se puede encontrar información acerca de la discografía, premios y más de Raphael. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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FRANK SINATRA: A 20 AÑOS DE SU IDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN DÍA COMO EL DE HOY, PERO DE 1998

Hace 20 años atrás dejaba de existir Frank Sinatra, “la voz”. Ocurrió el 14 de mayo de 1998 en West Hollywood, California, a la edad de 82 años, debido a un ataque al corazón. Había ofrecido su último recital en el Desert Springs Resort and Spa del Hotel Marriott, el 25 de febrero de 1995, en una celebración privada de unas mil doscientas almas celebrada el último día del torneo de golf Frank Sinatra Desert Classic. A finales de ese año, su entrañable amigo Dean Martin moría y el cantante se sumió en una tremenda depresión. Con su amigo Dean Martin. 2 En noviembre de 1996, un mes pasado de su última aparición en público en el baile a beneficio del Carousel de Los Ángeles, ingresó en el hospital, así como dos veces más en enero de 1997, apareciendo en titulares en prensa oral y escrita de todo el mundo. A fines de abril del mismo año el Congreso de Estados Unidos votó concederle a Sinatra, la “Medalla de Oro del Congreso”, ante la propuesta del diputado demócrata de Nueva York, José E. Serrano. Con estas actividades cerró la vida de una larga carrera de más de seis décadas de cantante, actor, empresario y productor. Toda una leyenda del cine y la música de los Estados Unidos.

CON LOS HOBOKEN FOUR GANA EL CONCURSO

La participación de Frank Sinatra en el evento de radio Major Bowes Amateur Hour, luego de haber cantado por algunos reductos, le fomentó el inicio de su carrera como artista. Se presentó acompañando al trío Three Flashes, que para esa ocación se hicieron llamar Hoboken Four, y sorpresivamente obtuvieron el primer premio, lo que les reportó una tournée promovida por el espacio de la broadcaster. Sin embargo, no se llevaba bien con sus compañeros, y a los tres meses los dejó, regresando a casa. Al poco tiempo, el trompetista Harry James llama a la emisora para preguntar cómo ubicarlo; de manera inmediata le hace sonar el teléfono de su casa y le ofrece incorporarlo a la banda que terminaba de formar. Convencido, allí fue Sinatra donde llamó la atención de críticos y espectadores, pero la orquesta tuvo problemas financieros estando a punto de disolverse. Al final, sus dotes de cantante fueron reconocidos por Tommy Dorsey, que buscaba un vocalista para reemplazar a Jack Leonard. Según “la voz” aprendió mucho en la banda de Dorsey, considerándolo un verdadero maestro del show business.

“I’LL NEVER SMILE AGAIN”: PRIMER NÚMERO UNO

El primer número uno de Frank Sinatra en el semanario Billboard lo consigue en 1940, acompañado de Tommy Dorsey, con “I’ll never smile again”, logrando una gigantesca repercusión, la cual puede considerarse el puntapié inicial de Sinatra, no solo como cantante sino como fenómeno social. Luego registraría varios temas más que fueron hits de popularidad y ventas. En 1941 participa por primera vez en una película: “Las Vegas nights”, de Ralph Murphy, actuando justamente con la orquesta de Dorsey. Al siguiente año, decide lanzarse en solitario, convirtiéndose en un ídolo de multitudes, especialmente entre las damas jóvenes. Entrada la Segunda Guerra Mundial, Sinatra no participa apoyando a las fuerzas, lo que sumado a su fama de mujeriego, no haría sino aumentar la leyenda que lo uniría con la Mafia y terminaría con el FBI revisando sus cuentas. El no se detendría, las marquesinas doradas de los espectáculos y del séptimo arte estarían iluminadas con su nombre a través del tiempo, paseando su voz, presencia y estilo, por todo el territorio norte americano, y el planeta tierra.

“NEW YORK, NEW YORK” y “STRANGERS IN THE NIGHT”

Grabó muchos temas que los convirtió en himnos mundiales, “New York, New York” y “Strangers in the night”, entre tantos, en las fonográficas Columbia, Capitol, y en su propia empresa disquera, Reprise, que en nuestro país representaba Clave Iemsa. Tras la formación de su nueva discográfica, más otras productoras de cine y televisión, Sinatra había ganado en 1960, una cifra aproximada a unos veinte millones de dólares. Su fama y vigencia trastornó su vida familiar, se había casado en 1939 con Nancy Barbato, teniendo tres hijos con ella. Habiendo infidelidades del cantante, se anuló el matrimonio el 31 de octubre de 1951, y breve tiempo después se casaría con Ava Gardner, pasando la luna de miel en Cuba, residiendo en el Hotel Nacional de la Habana. Al tiempo hubo peleas violentas, borracheras, intentos de suicidio de parte de Sinatra, y el 27 de octubre de 1953 se separaron. Al divorciarse de Ava encontró el hombro y el corazón de Marilyn Monroe, que también se había distanciado de su marido Joe DiMaggio. Se hicieron íntimos y Marilyn se fue a vivir con Frank, poco antes de la desaparición de la actriz. Se casó por tercera vez con Mia Farrow en 1966, durando dos años con ella. La cuarta vez fue con Barbara Marx. Paralelamente, le sobraba tiempo para el “Clan Sinatra” que manejaba con un montón de amigos de la farándula, donde realizaban fiestas sin escatimar gastos ni placeres. Más allá de la nostalgia.

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THE MAMAS and THE PAPAS: ÉXITOS y ENREDOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN MILLÓN DE COPIAS VENDIDAS

Según la revista “Life” fue el grupo más exitoso e importante de la década de los sesenta, junto a The Beatles. No duraron mucho tiempo con esa fama, tampoco grabaron demasiado, pero sus canciones inundaron las radios juveniles de ese momento y varias llegaron a posicionarse al tope del Billboard Hot 100, como el caso de “Monday Monday” que alcanzó el primer lugar del chart, el 7 de mayo -un día como el de hoy- pero de 1966, hace 52 años atrás. El disco alcanzó a vender la sideral cifra de un millón de copias solamente en Estados Unidos. The Mamas and The Papas. 1La melodía bien entradora, con notable musicalidad y unión de voces marcó toda una época y dio a conocer más al cuarteto en su segundo sencillo editado. Se trataba de The Mamas and The Papas, conjunto liderado por John Phillips, secundado por Mama Cass Elliot, Michell Phillips y Denny Doherty. Los cuatro componentes hicieron explosión antes con “California dreamin'”, su primer simple, hit de absoluta vigencia, que además identifica el estilo y la personalidad de la agrupación norteamericana.

LETRAS SÓLIDAS, BUENOS ARREGLOS

En “California somnolienta” y “Lunes, lunes” The Mamas and The Papas marcaron armonías, muy buenos arreglos y letras llevables, más bien sólidas. Tomaron ese nombre para la banda, totalmente inspirados por un programa de televisión de entrevistas, e inmediatamente lanzaron 5 álbumes consecutivos y 10 temas entraron de alguna manera en las pizarras de popularidad y ventas, de USA, Europa y casi todo el mundo. John Phillips, Denny Doherty y Michelle Phillips ya habían estado juntos en The New Journymen, a los tres se les unió Cass Elliot y de esa manera iniciaron su periplo por los shows de Mamas and Papas con muy buena pisada. Su grabación inaugural fue haciendo los coros para el LP de Barry McGuire, “This precious time”, aunque ya habían lanzado uno propio cuando el disco salió en diciembre de 1965. “Go where you wanna go” fue su primer registro para el gran público. Cuando apareció “California dreamin'”, en ese mismo mes de diciembre, la producción fue apoyada por una página completa en Billboard, llegando al casillero número 4 en territorio norteamericano y 23 en el Reino Unido. “Monday, monday” obtuvo el Premio Grammy a la “Mejor Interpretación Pop” en 1967. También fue nominado a la “Mejor Interpretación de un Grupo Vocal”, “Mejor Canción Contemporánea” y “Registro del Año”.

LA RUPTURA DEL GRUPO

Lamentablemente, la infidelidad causó la desintegración de la agrupación. Denny Doherty llegó a ser amante de Michelle Phillips, que a su vez estaba casada con John Phillips, pero lo mantuvieron en secreto hasta que durante una gira por México, Denny le contó a Mama Cass Elliot que estaba enamorado de Michelle. Cass al enterarse de la noticia cayó en cólera porque también estaba flechada por él. Increíblemente, meses más tarde John encontró en su cama de matrimonio a Michelle y Denny, y se fue de la casa dando un fuerte puntapié a la puerta de entrada de la mansión. Más adelante, Michelle y John se reconciliaron y compraron una casa grande en Bel Air, mientras la banda trataba de seguir adelante. Por un tiempo todo salió bien. Pero, hasta ahí. Grabaron su tercer álbum, “Deliver”, que se convirtió en hit, y durante esas jornadas Denny comenzó a ingerir alcohol para tratar de no recordar a Michelle. The Mamas and The Papas se disolvieron en 1968.

CASS ELLIOT y JOHN PHILLIPS COMO SOLISTAS

Tras irse del grupo, Mama Cass entró en un abuso de drogas, alcoholismo y problemas de peso. Haciendo un tratamiento pudo salir de a poco de su enfermedad, empezando una exitosa carrera como solista viajando por USA y Europa. Posteriormente, Cass dejó de existir víctima de un ataque al corazón el 29 de julo de 1974, mientras estaba de gira. También John Phillips encontró su camino como solista, con menor suceso que Cass. Phillips falleció de un infarto el 18 de marzo de 2001. El 19 de enero de 2007 murió Denny Doherty por problemas renales. En 1998 The Mamas and The Papas ingresó en el Salón de la Fama del Rock and Roll. La música del sur de California estará siempre latente ante la presencia en los fonogramas de este magistral cuarteto.
Más allá de la nostalgia.

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MARTÍN KARADAGIÁN: TITÁN DE TITANES

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

REENCUENTRO CON LA GLORIA

Una película del año 1957, “Reencuentro con la gloria” dio a conocer a Martín Karadagián, comenzando de esa manera su carrera como actor.  Imagen de Martín Karadagian.Se trataba de un drama de Iván Grondona, donde “el armenio” -como le decían a Martín- encarnaba a un luchador en decadencia, que accidentalmente mata a un contrincante en el ring. Atraído por los sets, un año después apareció nuevamente en escena con Alberto Olmedo en “Las aventuras del Capitán Piluso en el castillo del terror”, pero ya en ese momento había encontrado su propio filón: los espectáculos de lucha en el estadio Luna Park. En 1962 creó su escudería de “Titanes en el Ring”, que lograría un impacto tremendo en la televisión argentina y uruguaya, y luego en toda América, incluyendo el área latina de Estados Unidos. Así, le dio nombre a grandes personajes que le acompañaron: Ararat el armenio, Caballero Rojo, Don Quijote y Sancho Panza, El Apache, El Cavernario, La Momia Blanca, La Momia Negra, El Gitano Ivanoff, El Indio Comanche, Pepino, el payaso, El Leopardo, Super Pibe, Hippie Hair, Iván Kowalski el ruso blanco, Kanghai el Mongol, Mercenario Joe, Mister Moto, Nerón, Rómulo y Remo, Rubén Peucelle el ancho, Tufic Memet el árabe, Ulises el griego, Yolanka, Volkano, Rocky Rolando, entre otros. Y como secundarios, figuraban El hombre de la barra de hielo, El fotógrafo, Joe Galera, La Viudita de las flores rojas, El chico del estornudo, El Tío Rico, el juez William Boo, que no peleaban pero que llamaban mucho la atención por las diferentes personalidades. Era el triunfo de los buenos contra los malos. Los personajes nobles eran admirados por el público, a los malos los abucheaban. Con una platea de muchos chicos fanáticos del programa de Martín, se emitió en dos etapas: 1962 y 1982.

HOY SERÍA EL CUMPLE DE MARTÍN

Martín Karadagián -que es su nombre verdadero- es nacido en Buenos Aires, un día como el de hoy: 30 de abril, pero de 1922. Martín que en los estudios se consideraba más o menos, era hijo de inmigrantes; madre española y padre armenio, aprendiendo lucha grecorromana desde muy pequeño, y con solo 16 años se transformaría en campeón mundial en ese rubro. Al unísono que practicaba constantemente esa disciplina que despertaba su pasión, debía trabajar en lo que fuera, ya que su familia era realmente humilde, por lo que no era extraño observarlo en las entradas de las estaciones de trenes con su cajón de lustrabotas. No obstante logró en suertes tener un pasaje por el cine y el teatro, pero sabía que eso no era lo suyo y que en la lucha estaba realmente su futuro, por lo que casi a fines de los cincuenta, irrumpe con “Titanes en el Ring”, convirtiéndose Martín en uno de los personajes más queridos por el público. Un auténtico titán.

DOS PELÍCULAS, MUCHOS LUNA PARK, y CILINDRO

En la llegada de “Titanes en el Ring” -prácticamente con la irrupción de la televisión argentina en blanco y negro- los enfrentamientos del programa llamaban poderosamente la atención de chicos y grandes. Muchos se hicieron de seguidores, hasta fanáticos del espacio. Mientras los locutores Carlos Víctor Andris y Jorge Bocacci eran los maestros de ceremonias sobre el ring, recomendaban “Chicos no hagan esto en sus casas!”. El éxito de la producción fue tan inmenso que llegaron a hacerse dos largometrajes: “Titanes en el Ring” y “Los Titanes contraatacan”, apareció un álbum de figuritas, un LP con los temas musicales de cada personaje en la etiqueta RCA Víctor, y hasta alfajores, golosinas varias y muchos Luna Park con luchas en vivo y en directo de la troupe. En dichos espectáculos, una pelea muy difundida fue la de Karadagián y La Momia Blanca, donde no triunfó ninguno de los dos, fue empate porque eran considerados buenos. Aprovechando esa bullanguera ocasión Canal 9 Libertad de la vecina orilla inauguraba su primer móvil de exteriores. También Martín con su gente se acercó a Montevideo de la mano de Montecarlo TV Canal 4, actuando en el Cilindro Municial, en la década de los ochenta.

UNA VIDA DIFÍCIL

A pesar de los grandes sucesos y fama, Karadagián no supo ser cuidadoso de su salud, y su debilidad hacia los dulces lo llevó a padecer de diabetes, enfermedad responsable de la inevitable amputación de una de sus piernas. Enfermo, y sin la pierna subió nuevamente al Luna Park, venciendo la tristeza, tirando su bastón y acostado sobre la lona gritó: “Gracias, estoy bien porque estoy con ustedes. Estoy vivo!”. Martín dejó de existir el 27 de agosto de 1991, a los 69 años, dejando la imagen de un campeón del mundo que todo lo podía. En sus últimas horas no pudo derrotar a la trágica muerte. Más allá de la nostalgia.

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HENRY MANCINI: JAZZ CON INFLUENCIAS LATINAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA PANTERA ROSA, PETER GUNN y REMINGTON STEELE

Creó muchísimas partituras memorables a la altura de: “Breakfast at Tiffany’s”, “The Pink Panther”, “Days of wine and roses”, “Hatari!”, “Charade”, “Victor, Victoria”, “10”, “Darling Lili” , “Arabesque”, y “The glass menagerie”, entre otras. Escribiendo también para la pantalla chica: “The thorn birds”, “The shadow box”, “Peter Gunn”, “Mr. Lucky”, “NBC Election night theme”,”Newhart”, “Remington Steele”, “Hotel”, y más. Registró más de 90 álbumes con estilos que oscilan desde big band hasta jazz, pasando por clásics and pop, con influencias latinas, ocho de los cuales fueron certificados por The Recording Industry Association of America, siendo considerado uno de los talentos más versátiles de la música contemporánea. Nominado para 72 premios Grammy, obteniendo 20.  Junto a la Pantera Rosa. 2En los Oscar lo distinguieron en su rubro en 18 oportunidades, ganando 4. Recibió un Golden Globe y fue nominado para dos Emmy. Enrico Nicola Mancini se llamó, conocido artísticamente como Henry Mancini.

UN GENIO DEL PIANO

Henry nació en Cleveland, Ohio, en el barrio de Little Italy, donde luego se crió, el 16 de abril de 1924. Fue hijo de inmigrantes italianos provenientes de la región de los Abruzzos. Su madre Anna y su padre Quinto, se mudaron muy pronto a Aliquippa, en Pensilvania, siendo en ese lugar que su progenitor lo introduce en el estudio de la flauta, instrumento al cual era aficionado. Ya a los doce años el pequeño Mancini se inicia en el piano y al cabo de pocos años comienza a interesarse por los arreglos. La necesidad de profundizar en sus conocimientos lo condujo hasta Max Adkins, que era director y arreglista de la orquesta del Stanley Theatre de Pittsburgh. A los dos meses de matricularse en Aliquippa High School en 1942, se recibe en Juilliard School of Music. Pero, a su pesar, el ejército llega en 1943, sirviendo a la fuerza aérea e infantería, interrumpiendo de esa manera su avance en el pentragrama musical. Finalizado ese proceso, en 1945, se une como pianista arreglista a la orquesta de Glenn Miller y Tex Beneke. Allí se enamora apasionadamente de Ginny O’Connor, que era la cantante de la banda, convirtiéndola más tarde en su esposa. Se casaron en Hollywood en 1947 y se trasladaron a Holmby Hills, en California, con su hijo Chris y sus hijas Mónica y Felice.

UNIVERSAL INTERNATIONAL STUDIOS LO CONTRATA

En 1952, Henry se une bajo contrato al departamento musical y creativo de Universal International Sudios. Durante los seis años posteriores, contribuye con la banda sonora y arreglos a más de 100 filmes, destacándose: “The Glenn Miller Story” -por la que recibe su primera nominación al Premio de la Academia- “The Benny Goodman Story”, y “Touch of evil”.
Mancini abandona Universal International en 1958 para dedicarse a componer y arreglar de manera independiente. Al respecto le va muy bien en el futuro ya que luego de colocar el tema central de la serie tv “Peter Gunn”, para el productor y escritor Blake Edwards, conforma una muy buena relación de trabajo con este que se extiende durante treinta años, produciendo y musicalizando 26 largometrajes.

50 CONCIERTOS AL AÑO, 600 ACTUACIONES SINFÓNICAS

Henry Mancini también en esos tiempos se erige a pedido del público en la realización de diferentes conciertos realizando cincuenta compromisos al año, donde brinda más de 600 actuaciones sinfónicas; entre ellas la London Symphony Orchestra, Israel Philharmonic, Boston Pops, Los Angeles Philharmonic y Royal Philharmonic Orchestra. Sorpresivamente apareció en 1966, 1980 y 1984 en funciones especiales para la familia real, acompañando a Sir James Galway, Johnny Mathis, Luciano Pavarotti, Doc Severinsen y Andy Williams.
En 1994, Henry recibe el premio más prestigioso de UCLA, el Distinguished Artist Circle Award. Asimismo lo distinguen con cuatro doctorados honorarios: la Universidad de Duquesne de Pensilvania, Colegio de Mount Saint Mary en Maryland, Washington y Jefferson College en Pennsylvania, y el Instituto de Arte de California en Valencia.
Mancini deja de existir ese mismo año de 1994, en Los Ángeles, el 14 de junio, víctima de cáncer de páncreas. Estaba trabajando en la versión de Broadway de “Victor / Victoria”, que nunca vio en el escenario.
Más allá de la nostalgia.

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CORÍN TELLADO: LA REINA DE LAS NOVELITAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EN LA SALA, EL DORMITORIO o EN EL DESPACHO DEL DENTISTA
Estaban a disposición en la sala de estar, en el dormitorio y hasta en el despacho del odontólogo, mientras se leían aguardando que tocara el turno y nos atendiera el profesional. Hubo tanta variedad que fueron más de cinco mil los títulos que inundaron el mundo de sentimiento, amor, vaivenes y locas pasiones, de mujeres bellas y apasionadas, y de caballeros enamoradizos a primera vista, inteligentes, gentiles, príncipes de buen pasar, que les daba el “paño” para llevar de luna de miel a su chica a París, pasear en las góndolas de Venecia, recorrer las calles de Nueva York o Madrid en lujoso automóvil, o simplemente aterrizar en algún lugar de ensueño y paradisíaco para disfrutar los encantos que tiene la vida, para algunos privilegiados. Atrevida apuesta, su primera novela ya tiene 36 reimpresiones. 3Todo era dificultoso en el comienzo de la lectura, con desarrollo incierto en la mitad, pero todo cerraba a la perfección en las últimas páginas, como encajando en un cuento de hadas, bien color de rosa. Las historias eran contadas en las novelas de bolsillo -llamadas novelitas, por su extensión y tamaño- de Corín Tellado en Editorial Bruguera.
LA LLAMABAN SOCORRIN
La popular escritora reconocida como Corín Tellado era en realidad María del Socorro Tellado López, a quien desde muy pequeña la llamaban Socorrín, de donde surge Corín, sin el So del comienzo y sin una r. Tellado llegó a este mundo el 25 de abril de 1927 en Viavélez, en el municipio de El Franco, Asturias, criándose junto a cuatro hermanos varones del matrimonio integrado por una ama de casa y un maquinista naval de la Marina Mercante. En el año 1939, después de la guerra cívil española, su padre fue ascendido a primer oficial y la familia se radicó en Cádiz. A la niña la internaron en un colegio de monjas, siendo en ese entonces bastante vergonzosa, escondiéndose en algunos de los casos por temor al ridículo. Aunque en años posteriores ni se le veía en los recreos, se fue acostumbrando a vivir en ese recinto de enseñanza, haciendo travesuras de muchacha rebelde se montaba en una bicicleta y se ponía a fumar cigarrillos en una plaza cercana. Ya de adolescente se manifestaba leyendo a Balzac, Alejandro Dumas, Pedro Mata y a Miguel Delibés; aunque además de contínua lectora fue en realidad una narradora, pero no ocurrió hasta después de que uno de sus hermanos escribiera una novela, ella decidió rápidamente que podía hacerlo sencillamente mejor, descubriendo que tenía facilidad para hilvanar una breve historia romántica detrás de otra, y de otra, y así sucesivamente, en cuestión de pocos días.
ATREVIDA APUESTA AL FUTURO
Exactamente en 1945 su padre deja de existir y se le vienen arriba los apremios económicos de la familia. El propietario de la librería que le alcanzaba las novelas en Cádiz, se enteró que ella estaba redactando varias, y le hizo el contacto con Editorial Bruguera que buscaba nuevos autores, empresa por la cual se hizo fundamentalmente conocida Corín Tellado. El 12 de octubre de 1946 aparecía publicada “Atrevida apuesta”, novela por la que la Editorial le abonó a Tellado 3.000 pesetas -una cifra importante en ese momento- que actualmente cuenta con 36 reimpresiones. Su segundo título fue rechazado, entonces estuvo a punto de dedicarse a trabajar ocho horas en una lujosa zapatería, aunque eso no ocurrió ya que colocó alguna novelita más. La llamó Editorial Cies, para otros lanzamientos, y un año más tarde Bruguera la incluye en su verdadera nómina de autores, encargándole una novela corta a la semana. Así, se levantaba a las 5 de la mañana para terminar las novelas de bolsillo de unas cien páginas cada una, haciendo posteriormente enamorar y suspirar a millones de mujeres por el mundo, que adquirían, canjeaban y admiraban a Corín Tellado, que dejaba inconclusa una carrera universitaria de Psicología, para seguir lanzando una avalancha de escritos, en un largo recorrido que se extendió hasta 2009, siendo traducidos los trabajos a 27 idiomas.
400.000.000 DE EJEMPLARES
Increíblemente, Corín Tellado vendió más de 400.000.000 ejemplares de sus “novelitas”, que la llevaron a ser reconocida como la escritora más vendida en idioma español según el Libre Guinness de los Récords de 1994, y ya en 1962 la UNESCO la había declarado la autora española más leída después de Miguel de Cervantes. Tellado, falleció en Gijón el 11 de abril de 2009, a los 81 años, víctima de un accidente cerebrovascular. Se había casado con Domingo Egusquizaga Sangroniz teniendo dos hijos, siendo estos los herederos de su fortuna. Corín Tellado dejó su huella explicando a varias generaciones de muchachas cómo era sentirse enamorada, aunque lo suyo no terminó como sus historias, por el contrario, dijo alguna vez: “Tuve un solo romance en mi vida, pero no resultó. Él me imponía no escribir…” Más allá de la nostalgia.

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IRENE CARA: “FLASHDANCE.. WHAT A FEELING”, OSCAR 1983

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

FUE UN DÍA COMO EL DE HOY, HACE 35 AÑOS

“Flashdance”, dirigida por Adrian Lyne, y estelarizada por Jennifer Beals -como Alexandra Alex Owens- y Michael Nouri -Nick Hurley- fue una de las películas más taquilleras de la década de los ochenta, considerada hoy un clásico de la cinematografía en su estilo. La cinta obtuvo diferentes premios: Oscar, Globo de Oro, Bafta y Grammy, entre otros. En la trama Alexandra es una muchacha que sueña en convertirse en bailarina profesional. Para ganarse la vida y hacer realidad sus deseos trabaja en la industria del acero y por la noche danza en un cabaret, donde la mayoría de los concurrentes son compañeros suyos en la faz laboral. Su jefe es Nick Hurley, quien no conoce a Alex personalmente. Una noche la observa moverse al compás de la música en la disco y de buenas a primeras se enamora de ella.  Irene Cara. 1En el largometraje se oye continuamente su tema central “Flashdance… What a feeling” interpretado por Irene Cara, quien logra un día como el de hoy pero de 1983 -hace 35 años- el galardón del Oscar a la mejor canción del año con la pieza más popular de la banda sonora. De esa forma Irene se transformó en la gran estrella en la gala de las estatuillas doradas de la Real Academia de ese año. Esta gran distinción para “Flashdance… What a feeling”, firmada por Giorgio Moroder e Irene Cara, no fue el único premio obtenido, ya que posteriormente lograría el Grammy a la “Mejor banda sonora original”, barriendo además con todos los charts mundiales de ventas y popularidad.

SIEMPRE PRESENTE EN LA NOSTALGIA
Quién no habrá bailado “Flashdance.. What a feeling” en alguna Noche de la Nostalgia… Es que en todas esas programaciones de la época entra el tema, es un oldie de verdad. Tarjeta de presentación de esta cantante nacida bajo el nombre de Irene T. Escalera, el 18 de marzo de 1959, en el Bronx de Nueva York. Ella es intérprete por sobre todo, actriz, compositora, productora, de origen puertorriqueño. Sus inicios fueron en la televisión de habla hispana, justamente cantando y bailando, a la edad de cinco años cuando su padre la presentaba como una rutina diferente en su gran orquesta de mambo. A los ocho años ya había registrado su primer álbum con temas en inglés y en español, pero lanzado más que nada para el área latina USA. Mientras crecía en “la gran manzana” fue trabajando como actriz en varios filmes, como invitada en series tv, y en los coros de Evelyn Champagne King, Vicki Sue Robinson y Lou Reed. Fue durante su papel destacado en el musical dramático de 1980, “Fama”, que se convierte en una figura en la grabación de discos y shows en directo.
PLATINO y DOBLE PLATINO
La exitosa banda sonora de Alan Parker colocó la voz de Irene Cara en la mayoría de los temas destacados de la película, especialmente el registro principal “Fame” y “Out here on my own”, ambos nominados para el Oscar de ese año. Cara también logró una nominación al Golden Globe Awards a la “Mejor actriz de reparto” por su actuación en la cinta, encarnando el papel de Coco. El argumento narra las vidas y las dificultades de los estudiantes que asisten a la High School of Performing Arts en la ciudad de Nueva York -conocida hoy como Fiorello H. LaGuardia High School- desde sus audiciones hasta su primer año, segundo, tercer y cuarto año. La canción “Fame” pasó a ganar la noche de los Oscar, y fue número 3 en Billboards Charts, con super ventas millonarias. El éxito fue tan inmenso que el título dio lugar a una franquicia de medios que abarca varias tiras de televisión, musicales y un remake lanzado en 2009. Inmediatamente, llegaría “Flashdance”.

PRIMERA HISPANA EN RECIBIR EL OSCAR
Aunque Irene no estaba en la película, el tema central de “Flashdance” se convertiría en el más resonado impacto de su carrera, siendo un número uno en todo el orbe. Fue la primera hispana en lograr en cualquier categoría el Oscar, y la más joven en obtenerlo como compositora. Desde entonces la actriz e intérprete ha ganado innumerables premios por su brillante contribución a las artes escénicas -Distinción People’s Choice, y Obie por su realización teatral como niña- mérito Image, y más recientemente una Citation of Merit otorgado por el presidente del distrito del Bronx, y una inducción al Paseo de la Fama donde le colocaron a una calle el nombre de Irene Cara. Durante sus giras por Asia, Europa, Australia y América Latina, conoce al rapero estrella de Alemania, DJ BoBo, y en el año 2001, graban juntos una nueva versión de “Flashdance”, que conquista nuevamente el número uno en un total de diecisiete países. Más allá de la nostalgia.

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RINGO STARR: A 47 AÑOS DE SU MEJOR SIMPLE

Entró de casualidad en The Beatles, cuando es despedido Pete Best y es llamado para ocupar su lugar. Muy pocos le conocían, sí sus pares en el ambiente musical cuando salió tocando con Rory Storm & The Hurricanes, una novel banda de Liverpool. En Agosto de 1962, empezó su carrera junto a Paul McCartney, John Lennon y George Harrison, para convertirse en uno de los más célebres bateros de los sesenta. Además de ser el percusionista participó como vocalista en varios hits de la agrupación: “Boys”, “Yellow submarine”, “With a little help from my friends”, “Act naturally”, y más, y él fue el autor de “Octopus’s garden” y “Don’t pass me by”. Los fabulosos cuatro se convertirían en el grupo más grande e impactante de todas las décadas, superando los pronósticos más optimistas que auguraban éxito. Grabación de álbumes, simples, varias películas, shows en toda Europa y Estados Unidos, les hicieron tocar la gloria, siempre. Aquel batero de The Beatles, según los lectores de la revista especializada “Rolling Stone” lo seleccionaron como el quinto mejor baterista de todos los tiempos. Se llama Richard Starkey en su nombre real, más conocido como Ringo Starr.

PROXIMO A CUMPLIR 78 AÑOS
Ringo, nació en Liverpool, Inglaterra, el 7 de julio de 1940, estando próximo a cumplir sus 78 años. A éstas alturas es cantante, músico, compositor y actor en varios filmes. Luego de la separación del cuarteto británico, Starr inició una carrera como solista con varios lanzamientos fonográficos. Recopilando sus hits. 5
El primero fue “Sentimental journey”, publicado por Apple Records -propiedad de The Beatles- en marzo, 1970. Registrado y editado durante los últimos años de “los chicos de Liverpool”, el álbum incluye clásicos de jazz de los años treinta, versionados por el baterista-cantor y arreglados por diferentes conocidos del músico. Ya habían grabado y lanzado sus discos en solitario, George Harrison y John Lennon, y tras Ringo, llegaría Paul con su LP debut “McCartney”, presentado casi un mes después de que apareció “Sentimental Journey”, llegando éste al puesto 7 en las listas del Reino Unido, y en el casillero 22 en Billboard Hot 100, con ventas superiores al medio millón de copias en Norteamérica, bajo la producción de George Martin. La portada de “Sentimental Journey” muestra a Ringo frente al local Empress Pub de Liverpool, cerca del sitio donde nació, en Madryn Street, y de la casa donde creció, en Admiral Grove, e incluye fotografías recortadas de familiares de Ringo en las ventanas del edificio.

“BEAUCOUPS OF BLUES”, SU SEGUNDO ALBUM
En septiembre de 1970 aparecería el segundo trabajo en forma de disco grande de Starr: “Beaucoups of blues”, juntando temas country, marcando una absoluta diferencia en la influencia de The Beatles, cuya separación ocurrió cinco meses antes de la publicación del álbum.
Tras su edición trepó al lugar 65 USA Country, y debido a la poca recepción del trabajo, el artista decidió apartarse momentáneamente de la faz musical para centrarse en su actividad cinematográfica con la filmación del documental de T. Rex, “Born to boogie”. En 1995, Capitol Records reeditó “Beaucoups of blues” de forma paralela a “Sentimental Journey”, en vinilo y CD. En 2007, con motivo del regreso de Starr al sello discográfico, Capitol publicó “Beaucoups of blues” junto a “Sentimental Journey”, “Ringo” y “Goodnight Vienna” por primera vez en formato de descarga digital.

“IT DON’T COME EASY”, ABRIL 2 DE 1971
El 2 de abril de 1971 -hace hoy 47 años- Ringo Starr lanzaría su mejor disco sencillo, “It don’t come easy”, también bajo la etiqueta Apple Records, alcanzando el primer lugar en las listas de Canadá y cuarto en Estados Unidos. Considerada la canción insignia de Ringo, fue su primer simple en Reino Unido; la versión demo fue grabada por el propio George Harrison, en una guía vocal para Starr. La base musical incluyó a George en la viola, Klaus Voormann en bajo, Stephen Stills al piano, Ron Cattermole – saxo, Tom Evans y Pete Ham -de Badfinger- en los acompañamientos corales, y Ringo en batería.
El lado B incluye: “Early 1970″: La letra del tema hace una referencia a las vidas de The Beatles durante el momento de la ruptura grupal, con la esperanza de una reunión algún día. Más allá de la nostalgia.

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JEFF CHANDLER: ACTOR Y CANTANTE DE HOLLYWOOD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Los que fuimos al cine a ver matinés y continuados lo tenemos como un actor referente de una época dorada de Hollywood de grandes producciones. Un rostro conocido del séptimo arte, diría ícono de muchas realizaciones del cinéma, en distintos géneros: bélico, western, drama, policiales y más. Consagrado como protagonista en los filmes, también fue productor de cine, y cantante. Por su actuación desarrollada en «Broken Arrow» -«Flecha Rota»- de 1950, encarnando el papel de Cochise fue nominado al Oscar de la Real Academia. Por esos años también fue protagonista de «Sword in the desert», 1948, «Deported», 1950, «Female on the beach», 1955, y «Aways all boats», 1956, siendo una de las estrellas más populares y reconocidas de la Universal Pictures. Era de buen aspecto, de cabello gris oscuro y con muy buenas grabaciones de canto en sus álbumes. Se llamó Jeff Chandler. Jeff Chandler. 1
CAJERO DE UN RESTAURANTE
Jeff Chandler llegó a este mundo el 15 de diciembre de 1918 en la cuna de una familia judía en Brooklyn, Nueva York. Hijo único de Anna Herman y Phillip Grossel. Al poco tiempo de nacer, Jeff fue criado por su madre ya que sus progenitores se separaron cuando era prácticamente un niño. Y así fue creciendo asistiendo a la Escuela Secundaria Erasmus Hall, donde además de estudiar se fue haciendo como actor graduándose en la materia. El padre de Jeff estaba relacionado con el negocio de los restaurantes y así consiguió que su hijo trabajara como cajero en un restaurante. Pero, Jeff dijo que quería actuar, por eso se perfeccionó durante un año y medio estudiando arte y actuación profesional para debutar en teatro y en la pantalla grande. Con sus actividades laborales ahorró suficiente dinero para seguir adelante con su volunad, y hacer un curso de teatro en la Escuela de Arte Dramático Feagin de la Gran Manzana. Empezó en la radio, más tarde consiguió un trabajo en Long Island, como actor y director de escena. Sus grandes desempeños comenzaron de manera teatral con su actuación en The Trojan Horse, e inmediatamente formó su propia compañía: Shady Lane Playhouse, en Illinois en el verano de 1941.
SE ALISTÓ EN EL EJÉRCITO
Empezó a recorrer muchos lugares de Estados Unidos con sus obras con cierto éxito, ofreciendo más teatro: The Bad Man, Seventh Heaven, The New Minister and Pigs. Al entrar USA en la segunda guerra mundial, Jeff se alistó en el ejército, sirviendo durante cuatro años, principalmente en las Aleutianas, terminando con el rango de teniente. Después de ser dado de baja, Jeff se trasladó a Los Ángeles en diciembre de 1945, con tres mil dólares que había ahorrado y que llevaba en el bolsillo. Poco después de su llegada, se involucra en un grave accidente automovilístico que le deja lamentablemente una gran cicatriz en la frente. Al principio Chandler luchó denodadamente por encontrar su lugar en Hollywood gastando sus ahorros cuando logra su primer trabajo en un radioteatro en mayo de 1946. Luego apareció en episodios de series antológicas: Escape y Academy Award Theatre. En esos pequeños papeles en la televisión, conoce a Dick Powell, quien queda impresionado por la labor del actor y habla con productores de Columbia Pictures para que le dé a Jeff su primer papel, que sería en Johnny O’Clock, 1947. Continuaría con desempeños pequeños en Roses are Red, The Invisible Wall, Goes to College, logrando destacarse por sus encarnaciones.
ENTRE LOS FILMES Y EL CANTO
Rodó muchos filmes taquilleros y comenzó a grabar álbumes cantando con muy buen suceso de ventas y popularidad. El 15 de abril de 1961, jugando al beisbol se lesiona la espalda, siguiendo luego con otras dolencias y complicaciones severas de salud. Dejó de existir el 17 de junio de 1961, a causa de una neumonia. Tenía 42 años. En el momento de su ida, Chandler estuvo involucrado sentimentalmente con la actriz británica Barbara Shelley. A su funeral concurrieron más de 1.500 personas. Por considerar negligencia sus hijos demandaron al hospital que lo atendió en sus últimos días por un millón y medio de dólares. Por su contribución a la industria cinematográfica, Jeff tiene una estrella en Hollywood Walk of Fame. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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EL DÍA QUE “LA BEBOTA” PASÓ POR MONTEVIDEO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“El Manosanta” fue uno de los sketches más seguidos del programa argentino “No toca botón”. ¿Quién no lo recuerda?… Alberto Olmedo lo llevó adelante con una popularidad enorme, él empujó este bloque al teatro y al cine, con un sinfín de éxitos y taquilla, de la mano del productor Hugo Alberto Sofovich. El capo-cómico lo encarnaba notablemente, y también estaba acompañado del gran actor Javier Portales -nos reíamos mucho cuando el Manosanta le preguntaba ¿Me trajiste la nena?, a lo que Portales respondía “Dejáte de nena… ¡Sos un chanta, flor de chanta!…- y de hermosas damas: Beatriz Salomón y “la bebota” Adriana Brodsky. También había otros personajes que aparecían fugazmente en el segmento como “el enano”, el uruguayo César Bertrand, o la misma Divina Gloria. Mucha diversión y alegría, en ese humor bien entendido: “Adianchiiiii, adianchiiiii’!”… era la cordial bienvenida a “la nena” y a su papá… Ella saludaba con aquel clásico “Maestrooo!”… Esto quedó inmortalizado en la nostalgia de los programas reideros de la pantalla chica, con chistes cargados generalmente de doble sentido. Aquella “nena” resultó ser un punto alto de “El manosanta”, todo el mundo hablaba de ella. Por su belleza, simpatía y sensualidad.
 Adriana y saben quien es el manosanta... Cacho de la Cruz. 4“LA BEBOTA” DE CONTRABANDO
A Adriana Brodsky la identificaban bajo el rótulo de “las chicas de Olmedo” o también por un breve pasaje de haber trabajado junto a Jorge Porcel. Corrían momentos de esplendor en Brodsky y en todos los eventos y boliches porteños la deseaban contratar para que realizara su show en directo. Desde la capital uruguaya también existía mucho interés en apreciar a “la bebota” en vivo, principalmente por los caballeros orientales. Teniendo en cuenta ese marcado entusiasmo, el empresario ecuatoriano Enrique Tambaco residente en Montevideo, viajó a Buenos Aires con esa misión de traer a Adriana Brodsky para sus multiestelares reuniones bailables. Era taquilla. El asunto no fue sencillo, ya que productores y representantes se negaron a que Adriana viajara, por un tema de costos que dijeron no se pagarían, y del tiempo que se perdería para realizar las grabaciones del programa donde ella estaba. Rápidamente, se entabló contacto con varios íntimos de la actriz, y al llegar a la diva, se le ofreció personalmente que actuara en nuestro país. Después de varias idas y venidas, Brodsky aceptó cachet mediante. Se le pagarían dos mil de los verdes por cada salida, más los gastos: pasajes por avión, hotel cinco estrellas -Victoria Plaza Hotel, de aquel tiempo- traslados y comidas. Así se formalizó todo, un poco de “contrabando”.
QUIÉN HARÍA DE MANOSANTA?…
Al cerrar el negocio, saltó una interrogante: ¿Quien sería “El Manosanta? El gran Olmedo estaba descartado de antemano, no vendría, por razones obvias. Entonces se puso la fecha de la presentación y se le comunicó a Brodsky, que llegara a Montevideo que ese complejo detalle se solucionaría. A partir de ese momento se cotejaron muchos nombres y se le consultó al respecto a distintos contactos de la televisión, la radio, los diarios y del ambiente artístico en general, y prácticamente todos opinaron de que el mejor sería Cacho de la Cruz. Cacho no dio el sí automáticamente, dijo que lo pensaría. Días más tarde contestó afirmativamente, pero más allá de sus honorarios, era con la condición de que la artista fuera como invitada a su espacio de “Chichita” en “El show del mediodía”, los domingos por Canal 12 TV. Así fue que salió el espacio y se documentó a través del tape y de distintas instantáneas.
EL PÚBLICO DESTRUYÓ LAS PUERTAS
A la llegada de Adriana Brodsky a Carrasco, se dispuso de una nutrida seguridad que seguiría sus pasos mientras estuviera en suelo uruguayo. Los shows de “la bebota” con Cacho de la Cruz no pudieron salir mejor. La presencia de Brodsky movilizó un público realmente extraordinario: Más de cinco mil quinientas almas en el famoso “Candombaile” del Platense Patín Club, donde el público entusiasmado no respetó el letrero de “no hay más localidades” destruyendo puertas, cerraduras, e instalaciones para conseguir un lugar, y lleno absoluto -dejando gente afuera- en la disco Chanclaire y en el Maracaná de Malvín. Todo un suceso, en el marco de una historia auténtica e irrepetible que sucedió en el invierno del año 1986. Más allá de la nostalgia.

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30 AÑOS SIN EL “NEGRO” OLMEDO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Para muchos fue un accidente, para otros que se suicidó. Ocurrió en la mañana del 5 de marzo de 1988, hace treinta años atrás en Mar del Plata. La noticia conmovió a todos, había muerto Alberto Olmedo. En el momento más esplendoroso de su carrera artística, en su departamento del piso once del edificio Maral 39, se puso a caminar por la baranda del balcón, haciéndole piruetas a la vida, cayendo desde esa altura, encontrando su deceso inmediato.  Uno de sus grandes personajes, El Manosanta. 1Esa noche para él fue con muchos excesos. Durante ese verano en la llamada “ciudad feliz” había estrenado la obra teatral “Éramos tan pobres!”, y filmado junto a Jorge Porcel, la película “Atracción peculiar”, que se estrenó el 3 de marzo de ese año. Sin embargo, Olmedo jamás llegó a verla ya que dos días más tarde partió rumbo al cielo. Nancy Herrera, su pareja, presenció la tragedia, siendo la única presente junto al capo cómico. No obstante, la hipótesis principal sobre su abrupta desaparición fue que estaba drogado y alcoholizado, y que, jugando bajo esos efectos se trepó peligrosamente a aquella fatídica baranda del balcón, perdiendo el equilibrio, cayendo hacia el lado de la calle. En ese momento trató de sostenerlo Herrera, pero realmente no pudo en el intento, cayendo de manera precipitada al vacío. La madre de Alberto Olmedo, Matilde, se encontraba en esos momentos visitando a su hija en la provincia de La Rioja. y al enterarse del lamentable deceso de Alberto, sufrió un ataque cardíaco dejando de existir a los 79 años.
AMBIENTE ARTÍSTICO DE LUTO
Ante la desaparición física de Omedo, Argentina toda enmudeció, siendo uno de los actores más queridos de todos los tiempos por el gran público. El ambiente artístico decretó duelo por cinco días, no habiendo consuelo ante la pérdida del total referente del humor. Jorge Porcel, su compañero de tantos filmes, protagonizó solamente una cinta más en Argentina -“El profesor Punk”- estrenándola cuatro meses más tarde en julio de 1988, teniendo en el final una dedicatoria especial a su amigo, con la imagen de la última escena que compartieron en “Atracción peculiar”. Se dice que Porcel se habría afincado luego en Miami, porque quedó profundamente conmovido por el desenlace de Olmedo. Ante la desaparición del “Negro” comenzó a ser considerado un humorista de culto, celebrándose homenajes en su Rosario natal y en el resto de Argentina. Fito Páez, nacido también en la ciudad de Rosario, le dedicó el emotivo “Tema de Piluso”, perteneciente al disco “Circo Beat” aparecido en 1995. También hace referencia al fenómeno del humor en otras canciones: “Tercer mundo” en donde se puede escuchar un diálogo entre “Alvarez y el Manosanta”, perteneciente al filme “El manosanta está cargado”.
LLEGÓ A LA CAPITAL SIN TRABAJO
Alberto Orlando Olmedo nació en Rosario, Santa Fé, el 24 de agosto de 1933, llegando a Buenos Aires sin trabajo. Pasando hambre recaló en el viejo canal 7 estatal, cumpliendo funciones de microfonista. Su forma de ser, alegre y bromista todo el tiempo, le fue moldeando su propio personaje, “El capitán Piluso”, haciendo divertir a chicos y grandes, por Canal 9, Libertad, a partir de 1960. El asunto no culminó ahí, la siguió peleando en “Operación Ja-ja”, “Un verano con Olmedo”, “El chupete”, y “No toca botón”, siendo muy preferido por los hermanos productores y guionistas Hugo y Gerardo Sofovich. Entre sus célebres personajes figuran: Rogelio Roldán, Rucucu, Cabecita negra, Empleado Pérez, Mayordomo Perkins, Yeneral González, Guapo Piolín, Nicky Longo; dejando frases inolvidables: “Éramos tannn pobres!”, “No toca botón!”, “Y si no me tienen fé!, “De acaaaaaaá!”, “¡Ruuu cu cuu!”, “¿Me trajiste a la nena?”, “Adianchi, adianchi”, “Poniendo estaba la gansa!”, “Si la vamo a hacer, la vamo a hacer bien…”, “El diablo se apoderó de eu”, “Hay efectivo”, “Es lo que hay…”, “Siempre que llovío paró”…
MAR DEL PLATA, BUENOS AIRES y ROSARIO
En Mar del Plata a metros del edicio del terrible accidente, existe un monumento de bronce que lo recuerda, en un paseo obligado de los turistas que se reencuentran para fotografiarse junto a su efigie. En noviembre de 2011 se inauguró una estatua en Buenos Aires, en la esquina de Corrientes y Uruguay, donde Olmedo junto a Javier Portales se encuentran como lo hacían en la tele, como Borges y Alvarez sentados en un sillón. En Rosario es homenajeado con una escultura de bronce. Más allá de la nostalgia.

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LO QUE NOS HACÍA REÍR

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

En otros tiempos, décadas atrás, había otros nombres y programas que realmente nos hacían reír, con doble sentido, con sutileza, sin golpes bajos. Desde el histórico «Telecataplum», primer show humorístico de la televisión uruguaya por Canal 12, pasando por «El Show del Mediodía», «Decalegrón», «Plop!», «Jaurajana», «Hiperhumor», «Hupumorpo», «Comicolor», entre otros. Con estos títulos llegaban risas y sonrisas, seguro. Y también nos hacían divertir con situaciones más inocentes si se quiere. El célebre «Telecataplum» fue producido a partir del invierno de 1962 en un espacio que abrió una forma de hacer humor en el Río de la Plata, consagrando definitivamente a su elenco en ambas márgenes del plata. Bajo el libreto de Los Lobizones -salían los viernes a las 21 hrs.- que eran Daniel y Jorge Scheck y un elenco multiestelar conformado por figuras de la radio, música y teatro, sin experiencia previa: Ricardo Espalter, Eduardo D’Angelo, Emilio «Guita» Vidal, Raimundo Soto, Henny Trayles, Gabriela Acher, Alfredo de la Peña, Julio Bonavita, Enrique Almada, y varios de los integrantes de la banda Los Chicago Stompers que sonaba además en el espacio; Berugo Carámbula y Julio Frade. En poco tiempo, el programa y sus recordados sketches se transformaron en un hito, en Uruguay y Argentina.

Espalter, D'Angelo, Almada, Henny Trailes y Raymundo Soto en la tv argentina

Espalter, D’Angelo, Almada, Henny Trailes y Raymundo Soto en la tv argentina

LA METAMORFOSIS DE «TELECATAPLUM»
Después de varios años, «Telecataplum» originó cambios por determinados alejamientos de su principal elenco. Así, partieron a conformar programas en la vecina orilla. Mientras «Telecataplum» continuó con otros actores, tal el caso de Villanueva Cosse, Adhemar Rubbo, Mary Pereyra, Armando Halty, José Somoza, Adela Gleijer, Jorge Cazet, Imilce Viñas y Carlos Aldama y el ballet de Cielito Flores. En 1969, las transformaciones siguieron con la baja del espacio y la llegada de «El Rápido Cisterna», parodiando a una entidad deportiva de barrio, «El Flaco Cleanto», sobre un personaje surgido de la revista Lunes, y «Coliseo Colifato». Una década más tarde «Telecataplum» retornó a la pantalla chica con renovado elenco: Laura Sánchez, Hugo Giachino, Pepe Vázquez, Imilce Viñas, Jorge Denevi, Silvia Novarese, Diego Delgrossi, Ángel Armagno, Mary da Cuña, Francisco Nápoli, Susana Sellanes, Franklin Rodríguez, Laura Martínez, Cacho de la Cruz, Rubén Rada y Roberto Jones, bajo la dirección de Jorge Denevi. A partir de 1987, el programa cambió su nombre a «Plop!». Las «Noticias cantadas» y «Y por las calles de Montevideo», fueron algunos de sus puntos más altos, sin dudas. En 2001, Canal 12 lo retiró de su programación, por altos costos de producción. En 2012, con motivo del festejo de los cincuenta años de Canal 12, el Estudio D fue bautizado «Los Lobizones», en homenaje a los libretistas de «Telecataplúm», Jorge y Daniel Scheck.

TOTO PANIAGUA, EL CHICHO Y LAS HERMANAS RIVAROLA
En Agosto de 1977, luego de un largo periplo por la televisión de Argentina y Chile, Eduardo D’Angelo y Julio Frade lanzan su nuevo proyecto por Canal 10 los lunes a la noche, «Decalegrón», manteniéndolo de forma ininterrumpida hasta el año 2002, manifestando un alto nivel de teleaudiencia en ese tiempo. En forma primaria, se llamaría «Chifladísimo», pero le cambiaron el nombre, y para promover el original lanzamiento se empapeló todo Montevideo y alrededores con coloridos afiches con los rostros de casi todos los que harían reír: Enrique Almada, Ricardo Espalter, Eduardo D’Angelo, Julio Frade, Eduardo Freda, Rubén García, Mecha Bustos, Pedro Novi, Luis Orpi, Dante Ortiz, Andrés Redondo, Raimundo Soto, GracIela Rodríguez, Petru Valenski, Pelusa Vera, Ximena, Nidia Kent, Antonio Barbat, entre otros. Y nos hacían reír con «El Chicho», – quedando en la nostalgia… «¡Chicho, vos sí que tenés recursos!»- «Pinchinatti», «Las Hermanas Rivarola», «Toto Paniagua», «Noches Cultas», «El boliche», «La familia Rodelú», «La comisaría», «Verano que verano…». Y seguiría la lista impregnada de humor de nivel, con estilo. Cómo se extraña hasta hoy «Decalegrón».

«EL SHOW DEL MEDIODÍA» con «LAS TELECACHADAS»
«El Show del Mediodía» apareció al aire el 2 de mayo de 1962, el mismo día en el que se inauguró Canal 12, donde se emitía justamente en ese horario. Permaneció 46 años en el aire con 7.000 emisiones y un elenco espectacular.
El show fue conducido históricamente por Cacho de la Cruz junto a Alejandro Trotta. Con el paso del tiempo se hicieron «Telecachadas», que luego se vieron de manera separada. Con un gran profesionalismo se satirizaban obras clásicas de todos los géneros: «Los Picapiedra», «Pinocho» y muchas más. «El Show del Mediodía» fue un clásico de la tele criolla, variando su formato a lo largo de los años, con concursos de canto y premios, hasta el humor con distintos gags, y la realidad política, social y deportiva, analizada bajo la óptica de la risa. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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EL PELADITO DE BENNY HILL

Nadie puede negar que The Benny Hill Show fue un estupendo programa humorístico. Con secuencias de sketchs hilarantes que se movían entre la burla o lo absurdo, hasta la famosa cámara ligera alocada del cierre del espacio, esa que contenía la música característica -«Yakety Sax» de Boots Randolph- con imágenes en el bosque, carretera o

Jackie Wright con Benny Hil

Jackie Wright con Benny Hil

playa, donde aparecían varias chicas bonitas livianitas de ropa y la mayoría de los componentes del variado show. En dicho segmento epílogo de la serie -que no contenía parlamentos- era común que Benny Hill hiciera de las suyas a toda velocidad en compañía de los restantes actores. El de mayor destaque fue sin dudas, el peladito, donde el protagonista se respaldaba constantemente, sabedor que su compinche hacía reír enormemente, transmitiendo esa alegría de los grandes ante sus gestos y ocurrencias. El actor poco trascendió por su nombre, pero no pasó inadvertido ante la gente, siendo realmente querido por los televidentes seguidores del show. Ese señor «viejito y peladito» quien recibía las palmaditas en la cabeza de parte de Hill, se llamó John «Jackie» Wright.

DESPEGADO EN UN
EXTENSO ELENCO
Increíblemente «El Show de Benny Hill» con libretos del mismo Benny, se convirtió en el programa británico de comedia más exitoso de todos los tiempos. Un referente absoluto del humor. Se emitió de varias formas entre el 15 de enero de 1955 y el 16 de mayo de 1991 en más de 140 países. Si bien fueron muchas temporadas, se grabaron pocos

Haciendo de las suyas

Haciendo de las suyas

episodios de la tira en cada año. En forma primaria se propaló por la BBC y luego derivó en Thames Televisión, quien teniendo en cuenta el altísimo costo en la producción de cada special, y una baja en la medición del famoso rating, canceló definitivamente el proyecto en 1989. En su elenco participaron Anna Dawson, Bella Emberg, Rita Webb, Patricia Hayes, Jenny Lee-Wright, Sue Bond, Bettina Le Beau, Lesley Goldie, Cherri Gilham, Diana Darvey, Sue Upton, Louise English, Jane Leeves, Susan Clark, Sue McIntosh, Maggie Stredder, Henry McGee, Jon Jon Keefe, Nicholas Parsons, Bob Todd y el peladito Jackie Wright, totalmente despegado como bufón y parodista.

UN COMEDIANTE DE
EXCEPCIÓN
Jackie Wright nació en Belfast, Irlanda del Norte, en 1905. Le decían «Little Jackie» y «Tio Jackie», llegando a medir 1 metro 50 de estatura fue el mayor de 12 hermanos. Desde su juventud salió a trabajar siendo un operario en la fábrica de automóviles Cadillac, ensamblando carrocerías, mientras que paralelamente estudiaba música tocando el trombón y se perfeccionaba como actor comediante en un

La parodia mexicana, Inolvidable!...

La parodia mexicana, Inolvidable!…

instituto especial de enseñanza. No llegó a la pantalla chica hasta la década del sesenta, cuando Hill lo descubre y lo convence de unirse a su compañía de teatro y televisión. Justamente, en ese momento, Benny Hill culminaba su ciclo con BBC, iniciando una relación de casi veinte años con Thames Televisión. Hill se dirigía a él como «nuestro pequeño Donny Osmond» en el espacio. Wright también apareció en el programa «Whoops Bagdad», en 1973, estelarizado por Frankie Howerd, y realizó un diminuto papel en el largometraje «Three for all», comedia musical de 1975. Evidentemente, lo mejor de su carrera, fue su lugar con Benny Hill, logrando millones de seguidores de culto a partir de que el show comenzó a transmitirse en Estados Unidos, y luego en el resto del mundo a fines de los setenta.

LOS VICIOS
MALOGRARON SU VIDA
Cuando Hill acariciaba la cabeza calva de Wright, el movimiento era acompañado por efectos de sonido, siendo ésta

El actor fue uno de los grandes comediantes del programa

El actor fue uno de los grandes comediantes del programa

parte quizás la más humorística del espacio. La mayoría de sus compañeros manifestaban que Jackie Wright era un fumador empedernido, escondiendo a menudo el cigarrillo en la boca o en la espalda durante las escenas. También ingería cantidad de alcohol. Todo eso lo llevó a un deterioro en su salud, dejando de existir en enero de 1989, a la edad de 83 años, en el hospital de Belfast. Benny Hill comentó «Era un tipo adorable… Estoy muy triste…» Si bien el simpático «viejito peladito» siempre era el más despistado y víctima de los malos entendidos, en su vida real era sumamente querido y en sus desempeños muy constante y disciplinado. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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MUSICA EN LIBERTAD: SHOW PIONERO BAILABLE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Fue el primer show bailable y de fonomímica de la televisión argentina, donde las chicas y los muchachos hacían que cantaban moviéndose al compás del ritmo que se montaba en el estudio. Nacido en 1970 en Canal 9 Libertad de Buenos Aires, de la mano de Don Alejandro Romay, gerente propietario de la televisora, fue inicialmente un programa radial de Libertad AM 1.030, que había silenciado su voz, por decreto de la dictadura. Así llegaba “Música en Libertad” con una concepción que era eminentemente radiofónica, donde sonaban los más grandes éxitos del hit-parade internacional de esos tiempos.

Raúl Padovani

Raúl Padovani

Ese intento del pasaje de la radio a la pantalla chica fue discutido en su momento y hasta negado, pero con el paso de los primeros espacios se fue haciendo muy fuerte en el rating originado.
La buena escenografía, la brillante iluminación, un hábil manejo de pesadas cámaras, con un grupo de jovenes constantes que unían belleza, simpatía y una notable capacidad para “doblar” canciones, contribuyeron a que los también juveniles televidentes se fueran integrando al programa, con mucho entusiasmo hasta convertirse en verdaderos fanáticos.
Al poco tiempo de su permanencia en el aire, “Música en Libertad”, no solo entretenía y apasionaba, sino que más allá de imponer modas -baile, canto, vestuario y otras- mostraba de que manera se podía existir con calidad de vida a plenitud.

A 48 AÑOS DE SU
APARICIÓN

En esa época de blanco y negro, y de grandes aparatos de tv en los hogares, “Música en Libertad” marcó un altísimo rating de teleaudiencia.
Al lado del creador Alejandro Romay, estaba su productor ejecutivo, David Raisman, quienes extendieron el espacio hasta 1974.
A pocos días, de un nuevo aniversario de su creación -48 años- el elenco lo recuerda en cada tanto con alguna reunión donde evocan aquellos cantos y bailes, con la excusa de encontrarse, dialogar y emocionarse, torta de celebración mediante.
Para llevar adelante la parte musical del programa fue contratado el que fuera disc-jockey principal de la emisora, Facundo Digiacomo, de amplio conocimiento en la materia, asesorando en ese tema, estando permanentemente en contacto con las diferentes fonográficas ante los lanzamientos de los nuevos discos.
Digiacomo seleccionó rápidamente el tema que sería la característica del show, “Let there be drums” de Trío Salpicon.

CIENTOS DE JOVENES SE PRESENTARON

El asunto fue que Canal 9 convocó en pantalla a varios cientos de jovenes para probarlos en cada emisión -lo llamarían “casting” ahora- hasta quedarse con aproximadamente cuarenta entre damas y varones.
Esta cantidad se fue reduciendo y se fueron agregando otros hasta lograr un elenco fijo que aparecería en escena doblando a intérpretes argentinos e internacionales, en forma conjunto con una agrupación bailable.
En el estilo resultó novedoso, hasta el punto de que algunos afirman que ha sido el primer programa musical juvenil de fonomímica del mundo. Fueron apareciendo de a poco: María Esther Lovero, Liliano “Conejito” Aquino, Silvana Di Lorenzo, Alejandra Rodrigo, Norma Tamashiro, Diana Schultze, Gladis Pinto, Diana Barbieri, Rosita Aguiar, Raúl Padovani, Christian Andrade, Santiago “Santi” Prado, Daniel Laufer, Norberto Vaccaro, Héctor Santos, Omar González, Roberto Yara, Horacio Ortiz, Roberto Martín, Omar Corvalán. Las chicas se denominaban “Las Margaritas” y los muchachos “Los Cactus”.

MAISABÉ y LEONARDO
SIMMONS

Ritmo joven en un programa joven era la publicidad que utilizaban de “Música en Libertad”, con la conducción de Maisabé y Leonardo Simmons.
El espacio al principio fue de una hora, para más tarde cambiar y aparecer de lunes a viernes a las 18 hrs, con media hora de duración.
Las grabaciones de los cinco programas de la semana se hacían los días miércoles durante todo el día, y con público, y tanto los conductores e integrantes cambiaban su vestimenta entre uno y otro. En Montevideo, Canal 10 era el canal que repetía los tapes. Se utilizaba un presupuesto corto, pero el suceso fue grande. Más allá de la nostalgia.

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RAÚL ABRAMZON: IDOLO DE LOS AÑOS DORADOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Corrían épocas de “porteñadas” con invasión de conjuntos argentinos que sonaban en el Río de la Plata: Los Náufragos, Safari, La Joven Guardia, Trocha Angosta, Katunga, Séptima Brigada, Abracadabra, Pintura Fresca, y entre ellos estaba Industria Nacional, que había aparecido con una fuerza bárbara en el verano del año 1969 con su caballito de batalla “Un día de paseo en Santa Fé” de Orlando Giménez y Fernández Melo, un verdadero himno de aquel originado movimiento “beat”, y uno de los hits más vendidos de la historia de la música Argentina, aparecido en disco simple y LP, y posteriormente en cassete y CD. Eran momentos de letras frescas, sencillas, pegadizas, de gran popularidad, los de la década de los setenta, mientras Francis Smith, Fernando Falcón, y Ricardo Kleiman fueron manejando todo en el rubro autoral y de producción. Enseñando su nuevo disco. 4

En lo que corresponde a Industria Nacional -un cuarteto en su despegue- eran músicos con mucho oficio que llegaban desde el jazz, Néstor Astarita, Rafael Iglesias, Roberto “Fanacoa” De Vita y Orlando Giménez. Su debut fue con el sencillo CBS “Un día de paseo en Santa Fé” y su álbum despegue que también incluía el suceso, “Hurra para la banda de Industria Nacional”, con arreglos de “Chango” Farías Gómez, donde aparecen condecorados en sendas medallas los componentes de la agrupación, teniendo la particularidad de tener todos los temas unidos entre sí, en el lado A y lado B. Una total novedad para ese momento.

LLEGA RAÚL ABRAMZON

Practicando un llamado “beat melódico” el 21 de septiembre de 1969 nacía Industria Nacional con un logrado repertorio que puso de manifiesto en su primer lanzamiento fonográfico editado meses después en toda América Latina.
Luego de dos años de abundante trabajo, con agendas llenas, en 1971 el conjunto se renueva, parten Giménez, Astarita y De Vita, y llegan Eduardo García Caffi, Fernando Brom y Raúl Abramzon, quien entonaría una sucesión de hits para la “nueva” Industria Nacional.
Esta etapa resulta notable con éxitos fulminantes: “Guatemala que chica tan mala”, “Esa chica que me sabe amar”, “La tarde que te amé”, “Noche a noche, día a día”, “Por ti una vez más”, “La dueña de mi corazón”, “La luna y el toro” y “El relicario”, entre tantos otros. Raúl Abramzon fue activo protagonista del suceso de la banda, nacido en marzo de 1949, en el barrio de Almagro, Buenos Aires, hoy cuenta con 69 años, y reside en Miami, área latina de USA, manejando su propia productora, RA Producciones, con sede en Orlando. “Hace años que nos dedicamos a vender artistas y producir shows en toda Latinoamérica ya que tenemos equipos de gente muy experimentada en montaje, sonido, iluminación profesional, seguridad, escenografía, etc. También compramos giras artísticas”, comentó Abramzon.
DE JOVEN EN BRASIL

La familia de Raúl, cuando él era pequeño, decide radicarse en San Pablo, Brasil, por motivos laborales de su padre, retornado a la vecina orilla luego de diez largos años. En ese periplo aprende a tocar la guitarra y comienza a darse coraje para cantar. En la capital porteña pasa por distintos grupos y recala en La Joven Guardia grabando con ellos en 1966, un simple con “Soy un bacán”, y “25 de mayo de 1810″, tema éste que le pertenece, hasta que de buenas a primeras llega a Industria Nacional con resultado super favorable a la vista.
Obtiene un esperado reconocimiendo de parte del público y decide lanzarse como solista también en el sello CBS. Lo mejor estaba por llegar.

“UNA VIEJA CANCIÓN DE AMOR”

Cuando llega 1974 Raúl Abramzon inicia su carrera como solista cantando sus propios temas que le darían el espaldarazo a la fama como intérprete. Así consigue pegar con “Querer por querer, amar por amar”, “Una vieja canción de amor”, “Chau, chau, adiós”, “La plaza”. En 1975 lanza el álbum “Canciones” con más temas de su autoría.
Dos años más tarde por diferentes aspectos decide alejarse de la música, pero sigue atraído por el mundo del espectáculo haciendo producciones de otros artistas.
Ultimamante ha regresado a los escenarios de Centroamérica con un show-retro de sus más grandes hits. Más allá de la nostalgia.

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UNA VOZ EN EL TELÉFONO: HIZO HISTORIA EN LA TELE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Alberto Migré fue un elegido para escribir novelas. Marcó toda una época con sus autorías en “Dos a quererse”, 1963, “Rolando Rivas, taxista”, 1972, “Pobre diabla”, 1973, “Piel naranja”, 1975, “Pablo en nuestra piel”, 1977, “Chau amor mío”, 1977, “El hombre que amo”, 1986, “La cuñada”, 1987, “No va más… la vida nos separa”, 1988, y “Una voz en el teléfono”, 1990, entre tantos. Migré que comenzó su carrera en la radio, interviniendo en numerosos radioteatros, debutó como autor a los 15 años con una obra para Radio Libertad de Buenos Aires. Cobró popularidad en los sesenta y durante sus últimos años fue presidente de Argentores, la asociación que nuclea a los autores argentinos. Meses antes de su desaparición, cuando tenía 74 años, víctima de un paro cardíaco mientras dormía, en conversación con amigos en rueda de café, que entre sus 700 libretos realizados una de las tiras que más quería era “Una voz en el teléfono” con los protagónicos de Carolina Papaleo y Raúl Taibo, producida por el viejo Canal 9 Libertad, emitiéndola todas las tardes a las 18 hrs., basada en un radioteatro famoso de finales de los cincuenta: “0597 da ocupado” -también de Migré- con la participación en esa oportunidad de Hilda Bernard y Fernando Siro. Raúl Taibo y Carolina Papaleo en Una voz en el teléfono. 1
HOY NO ME LLAMO, QUÉ PASARÁ PORQUE ESTA VEZ NO ME LLAMÓ…
En realidad, “Una voz en el teléfono” fue uno de los grandes sucesos de la televisión argentina, llegando a altos índices de audiencias, lo que produjo la verdadera consagración de la pareja actoral principal: Papaleo-Taibo. Fue tal el impacto que Alberto Migré se vio obligado a agregar varios capítulos para extender la duración de la novela. Considerada una de las más recordadas por los teleespectadores, no solo por su trama, sino también por su tema musical central que se oía permanentemene en el desarrollo del programa: “Una lágrima sobre el teléfono”, del autor y cantante Paz Martínez, ex-integrante del Trío San Javier. “… Hoy no me llamó, qué pasará porque esta vez no me llamó, estoy pendiente del teléfono y no, esto me empieza a preocupar, que le sucedió, tal vez no pudo escapar de su prisión, hay un misterio que le apresa el corazón, y no la deja respirar… Suena el teléfono y voy como loco a su encuentro, tengo la boca reseca y estoy sin aliento, no! no!, equivocado no es aquí señor, hay una lágrima sobre el teléfono, sobre mi corazón…”. Paralelamente a la novela, la notable canción se convirtió en un himno sentimental de ese tiempo, en un clásico que perdura hasta la actualidad.
A 28 AÑOS DE SU APARICIÓN
Hoy se cumplen 28 años de la irrupción de “Una lágrima en el teléfono” en la pantalla chica bonaerense, consagrada como ganadora de un premio Martín Fierro a la “Mejor Telenovela del Año 1990″, se mantuvo en programación durante 1990-1991, siendo Saeta Canal 10 Tv quien la propalara en Montevideo y parte de Uruguay, a través de señales repetidoras por el interior del país. Entre amores apasionados, encuentros sorpresivos y escenas explosivas, el argumento se desarrollaba ante la figura de Lautaro Lamas -Raúl Taibo- que es un compositor ya consagrado que goza de una inmejorable posición económica, que ha conseguido un envidiable lugar en la sociedad, gozando de un prestigio mundial muy bien ganado. Su vida transcurre sin mayores sobresaltos y vive feliz junto a su mujer e hija. Ana Oromi -Carolina Papaleo- en cambio es un poco la antítesis. Además de ser mucho más joven que Lautaro, su vida ha sido un calvario. Hija de una familia humilde, tuvo que soportar las iras de un hogar sin amor. La suerte quiso que en su camino se cruzara una dama caritativa que la rescata de ese infierno cruel. Así, los días de Ana se reencauzan en una institución donde será su verdaro hogar.
Mientras tanto todo cambia en Lautaro, y el destino les concederá la dicha de conocerse y entrelazar sus vidas a partir del hilo del teléfono, descubriendo que en base al amor, sus pesares pueden quedar por el camino, y el futuro se hace venturoso hasta convertirse en un maravilloso cuento de hadas.
NECESITO ESCUCHAR SU VOZ…
“Una voz en el teléfono” una de las telenovelas más recordadas de todos los tiempos, cuenta además de un muy buen reparto: Duilio Marzio encarnando a Guido Lamas, Elizabeth Killian como Silvia Najera Elizondo, Juan Darthés – Daniel, Alejandra Darín haciendo de Nené, Laura Novoa personificando a Verónica, Adriana Salonia – Nélida, y Andrea Acatto como Cintya Castro, y otros no menos destacados. De la tira se realizaron varios remakes, en Argentina, México y otros países, pero su éxito jamás fue tan fuerte como la versión de Papaleo-Taibo. Más allá de la nostalgia
juanjoalberti@hotmail.com

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SAM COOKE: PIONERO DE LA MÚSICA SOUL

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo

Aunque para muchos también fue “El rey del Soul” -lugar compartido con Otis Redding y Wilson Pickett- Sam Cooke, fue un verdadero pionero de la música soul, el que inició un estilo. A mediados de la década del sesenta no solamente The Beatles y los hippies marcaban una tendencia, sino que también había salido a circulación la música negra de la fonográfica Tamla Motown, impactando con los discos de sus artistas, haciéndolos sonar en las discotecas y por las radios, declarando el soul como uno de los movimientos más populares de ese entonces. El soul con estilo, fuerza, ritmo, se fue haciendo grande principalmente por los temas lentos llenos de sensualidad que fueron llamando la atención. Fueron apareciendo exponentes, uno tras otro, hasta que dejaron bien en claro, que el estilo de los morenos, ya era más que una moda. En eso, San Cooke se manifestó como un precursor, un adelantado en la materia. Sam Cooke. 1
UN DÍA COMO EL DE HOY, PERO DE 1931
Un día como el de hoy, 22 de enero, pero de 1931, llegaba a este mundo Sam Cooke. Fue en Clarksdale, Mississippi, donde nació una de las más grandes voces de la música negra, que marcó las influencias del rock, blues, soul y gospel. Haciendo clásicos en su estilo: “Wonderful world” o “You send me”. Más adelante sería productor y empresario de espectáculos y artistas. Fue el primer solista afroamericano en crear su propia fonográfica, Sar Récords, y también un activista dentro de lo que es el movimiento por los Derechos Civiles. Cooke era el quinto hijo de los ocho de Annie Mae y del reverendo -ministro en la Iglesia de Cristo- Charles Cook, sin la “e” final. Años posteriores la familia se afincó en Chicago, fue exactamente en 1933. Sam asistió a Doolittle Elementary y Wendell Phillips Academy High School, el mismo centro de enseñanza que había concurrido el mismísimo Nat “King” Cole. Cooke inició su carrera junto a sus hermanos en la agrupación Singing Children a la edad de seis años. Pero, pasó el tiempo y a Sam se le atribuía la atracción de la música gospel a un público más juvenil, principalmente damitas que se acercaban al escenario cuando Sam Cooke estaba ahí con alguna banda.
ENTRE 1957 y 1964
Ya en esa época -entre 1957 y 1964- Cooke colocó 30 hits en los top 40 USA y otros luego de su fallecimiento. “You send me”, “Chain gang”, “Another saturday night”, y “Twistin ‘the night away” se dispararon como algunos de sus temas que más impactaron en ese momento, y “Twistin ‘the night away” en forma de álbum se transforma en uno de los álbumes más vendidos de aquel entonces. Su primer sencillo soul y pop fue “Lovable”, 1956, un remake del gospel “Wonderful”. En 1957, Sam apareció en The Guy Mitchell Show de ABC. Ese año firma con Keen Records. En 1961 lanza su propio sello discográfico, Sar Récords, con JW Alexander y su apoderado, Roy Crain. En dicha empresa, Sam registra algunos de sus temas y a otros artistas de impacto. Más tarde creó una empresa de mánagers, y abandonó su fonográfica para firmar contrato con RCA Victor. Uno de sus primeros hits dentro de este sello fue “Chain gang”, el cual rozó el segundo puesto de las listas de pop. A este le siguieron sucesos como: “Sad mood”, “Bring it on home to me -con Lou Rawls en los coros- “Another saturday night” y “Twistin the night away”. En 1963 grabó el álbum “Night beat” con tendencia hacia el blues. En este tiempo ya había dado a la música muchos temas indispensables dentro del género.
MUERTE DUDOSA
El 11 de diciembre de 1964, Sam Cooke muere acribillado a balazos por la dueña de un motel, Bertha Franklin, a quien supuestamente intentó atacar mientras estaba semidesnudo. Sam tenía 33 jóvenes años. No se quiso dar mayor revuelo al grave incidente, por lo que no se inició una investigación formal de lo sucedido -ya que Sam Cooke era un hombre de color- finalizando todo en un veredicto de homicidio justificado. Hasta hoy el caso encierra dudas. Cooke se casó dos veces. La primera fue con la cantante y bailarina Dolores Elizabeth Milligan Cook, y la segunda con Bárbara Campbell Cooke. La primera esposa falleció, Cooke y su segunda esposa, tuvieron tres hijos que lamentablemente se ahogaron en la piscina de su casa. Cooke logró además tres hijos fuera de sus matrimonios. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com 

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CARLOS “QUICO” VILLAGRÁN: CUMPLEAÑOS Nº 74

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“Cállate, cállate, cállate que me desesssspe… raaaasss!” le decía Quico a Chavo en su notable interpretación en el programa de Chespirito: “El Chavo del 8″. El personaje de la vecindad fue retirado de circulación por el propio Carlos Villagrán. El actor mexicano que llevara a la fama dicha interpretación acaba de cumplir 74 jóvenes años, y ha vivido gracias a Quico, en diferentes países a la sombra del aquel niño con ropa de marinero: México, Argentina, Brasil, Estados Unidos -área latina- donde hizo exitosas representaciones con buenos dividendos económicos. Cada tanto recuerda a sus compañeros del espacio, inclusive al propio Roberto Gómez Bolaños, con el cual no tenía una muy buena relación que digamos. Por el contrario terminaron en pleitos judiciales por derechos de autor. Distintos medios periodísticos mexicanos dieron a conocer que dentro de “El Chavo del 8″, después del Chavo y muy cerca de él, estaba en orden de importancia con el público telespectador, la encarnación de Quico. Hasta el día de hoy, suele apreciarse el show humorístico en diferentes canales de aire y cable, después de tantos años de existencia. Quico. 2
LO LLAMABAN “PIROLO”
Carlos Villagrán Eslava, era conocido a fines de los sesenta como “Pirolo”, lo llamaban así afectuosamente. Nació en Colonia Nativistas, Ciudad de México, el 12 de enero de 1944. A partir de su niñez, deseó ser actor haciendo diferentes actuaciones en la escuela que fueron sorprendiendo a sus respectivas maestras, quienes decían que era justamente un “actor en potencia”. Eva Eslava y Carlos Villagrán, fueron sus padres que lo hicieron el segundo de cuatro hermanos. Era una familia de bajos recursos, pero a pesar de ello, lograban mantener el hogar más allá de continuas penurias. Carlos Villagrán padre desempeñaba funciones como fotógrafo manejando una cámara profesional, y su hijo Carlos lo acompañaba, alternando sus estudios con el trabajo para poder sacar adelante a la familia. Ante dicha situación, Carlos jr. en segundo grado de secundaria se retiró del instituto de enseñanza. En 1967 Carlos obtuvo su primer trabajo, como reportero gráfico del periódico “El Heraldo de México” cubriendo los Juegos Olímpicos de México 1968. Sin embargo, aprovechando su credencial de fotógrafo de prensa, comenzó a frecuentar las instalaciones de Telesistema Mexicano, propietaria de los canales 2, 4 y 5, en distrito federal.
SU VERDADERA VOCACIÓN
En dichas visitas, Carlos se fue adentrando a otro ambiente, el cual sería su verdadera vocación: la comicidad y actuación. Él mismo pedía trabajo a productores y cómicos de la época; ellos se lo daban como extra en sus programas, siempre actuando pero nunca con un parlamento. Hasta que nació el personaje”Pirolo” en un espacio televisivo, iniciando una carrera que nunca se detendría con el paso del tiempo. Así, Chespirito lo llamó para que formara parte del elenco de “Los supergenios de la Mesa Cuadrada” dentro del ciclo “Sábados de la Fortuna”. Para 1973 cuando se canceló dicho show, siguió trabajando para Chespirito en “El Chavo del 8″ y “El Chapulín Colorado”. En la tira hace de Quico haciendo célebres muchas frases: “¡no me simpatizas!”, “¡me doy!”, “¡qué cosas no!”, “¿qué me habrá querido decir?”, y “¡chusma, chusma…prr!”. La parte humorística de Quico, cargado de cantidad de gestos y expresiones curiosas propias, le valieron un sitio muy destacado en el espacio televisivo.
SE CASÓ 3 VECES: 6 HIJOS
Mientras “El Circo de Quico” viaja por Latinoamérica después del alojamiento de “El Chavo del 8″, se casa tres veces, siendo padre de 6 hijos: Paulo, Sylvia, Samantha, Edson, Gustavo y Vanessa. En mayo de 2013, hizo sus últimas presentaciones con su típico personaje en Brasil, que culminaron en Río de Janeiro el 11 de mayo frente a unas mil personas. Según sus propias palabras: “Quien les habla ahora es Carlos Villagrán. Hace 30 años estamos juntos, pero llega un momento en el que tenemos que parar. Me despido de ustedes aquí en Río de Janeiro. Esta es mi última presentación…”. En 2017, rueda la película brasileña “Como se tornar o pior aluno da escola” -“Cómo convertirse en el peor alumno de la escuela”- con Carlos Villagrán en el papel de Ademar, el director de la escuela. El largometraje es basado en el libro homónimo del humorista y presentador brasileño Danilo Gentili. Han quedado atrás, sus disputas con Gómez Bolaños con relación al nombre de Quico y sus polémicas declaraciones de romance con la ex mujer de Bolaños, Florinda Mesa, entre otros menesteres. Más allá de la nostalgia.
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SANDRO: A OCHO AÑOS DE SU PARTIDA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Exactamente el 5 de enero de 2010, hace 8 años atrás EL PUEBLO publicaba en sus páginas: «Murió Sandro, una leyenda de la música popular argentina. Su cuerpo no resistió una sucesión de operaciones tras el doble trasplante de corazón y pulmones que se le realizó en Mendoza el 20 de noviembre pasado. Con carisma, ritmo y sensualidad, el Gitano se había convertido en una figura central del espectáculo argentino. Tenía 64 años. Tras años de sufrir un enfisema pulmonar crónico, el cuerpo del ídolo no soportó el doble trasplante de corazón y pulmón que se le realizó en Mendoza. Se vio complicado por una infección que requirió de varias operaciones sucesivas: su cuerpo no resistió. Por la noche anunciaron la triste noticia: Sandro había muerto a las 20.40… «Fue en Mendoza, Argentina, el 4 de enero de 2010. El maldito cigarrillo y los tragos constantes acabaron con su vida. No con su mito, que vivirá de manera eterna. Más adelante en el tiempo. 5

UN MUNDO DE SENSACIONES

En momentos de escribir estas líneas Telefé de Argentina -sábado pasado a partir de las 22.15 hrs.- está emitiendo «Subí que te llevo» en HD, una película de 1980 dirigida por Rubén W. Cavallotti sobre guión de Salvador Valverde Calvo, con Sandro, María del Carmen Valenzuela, Darío Vittori, Julia Sandoval y Marisa Herrero. Así lo hará todos los sábados siguientes de enero en el ciclo «Un mundo de sensaciones», con otros filmes del otrora cantante argentino, en homenaje al propio ícono de la música internacional. Roberto Sánchez llegó a este mundo el 19 de agosto de 1945, en Buenos Aires y Valentín Suárez lo vio crecer. En su carrera llegó a lanzar 52 álbumes fonográficos, vendiendo más de diez millones de discos en el mundo. Solamente, «Rosa Rosa» colocó dos millones de placas, y su tema «Tengo» fue considerado por la reconocida publicación «Rolling Stone», y la cadena televisiva MTV como el No. 15 entre los 100 mejores temas del rock argentino. Durante su carrera a la fama rodó 16 largometrajes, y también fue el primer artista latino en cantar en el salón «Felt Forum» del Madison Square Garden. En 2005 sumamente emocionado recibió el Grammy Latino a su trayectoria profesional.

EL ROCK AND ROLL ESTABA INSTALADO

Eran tiempos que el rock and roll estaba ya definitivamente instalado en el Río de la Plata, desde al menos cinco años atrás. Tibiamente fueron apareciendo aquellos ídolos al estilo del Rey Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis y Bill Haley & His Comets. En México sonaban Los Teen Tops con Enrique Guzmán que cantaban «Popotitos» en español y en Argentina, de a poco surgieron Eddie Pequenino con Mr. Roll & sus Rockers, y también Billy Cafaro y Los Dukes. Esperaban turno en el Reino Unido, Rolling Stones y The Beatles. Paralelamente, en 1960, en la vecina orilla llegaban Los Caniches de Oklahoma, grabando su primer sencillo «Comiendo rosquitas calientes en el Puente Alsina», bajo la autoría de Sandro, considerado el primer tema grabado de rock argentino. Al principio Sandro integraba la banda como guitarrista y una de las voces. Luego fue dejando la guitarra hasta convertirse en el solista y figura prominente del grupo. En 1963 comenzaron a llamarse Sandro y Los de Fuego, con la siguiente formación: Juan José Sandri, en guitarra, su amigo Enrique Irigoytía, guitarra rítmica, Héctor Centurión, en el bajo, Armando “Cacho” Quiroga, batería y Sandro, voz. Existe un video en blanco y negro que es el que utilizan cuando quieren recordar la época rockera de Sandro con Los de Fuego en sus apoteósicas actuaciones en el longshow «Sábados Circulares de Mancera», que perdura como parte de la película «Convención de Vagabundos» de 1965. Un año más tarde, Sandro comenzó a orientar su carrera como cantante exclusivamente solista, con un estilo más melódico y romántico, que llevó a la disolución de la banda.

LA PRIVACIDAD DE SU VIDA PERSONAL

Como cantante en solitario arrasó con todos los pronósticos, fue de éxito en exito, de manera continuada: «Las manos», «Quiero llenarme de ti», «Porque yo te amo», «Como lo hice yo», «Una muchacha y una guitarra», «Tengo», «Penumbras», «Me amas y me dejas», «Rosa, Rosa», «La vida continúa», «Te quiero tanto, amada mía», «Te propongo», «Noche de amantes», «Trigal», entre tantos que le fueron aportando una especie de magia en la interpretación. También su vida fue cargada de escándalos, polémicas, excesos de tabaco y alcohol, y mujeres: Cristina Alberó, Soledad Silveyra, María Martha Serra Lima y Susana Giménez, se las relacionó con el solista, aunque hubieron otras no tan conocidas, que entraron directamente en la privacidad de su vida personal, algo que él adoraba y que manejaba perfectamente desde su bunker de Bánfield.
Se terminó casando con la mujer que más quiso, según sus propias manifestaciones: Olga Garaventa, sobrina y secretaria de su representante, Aldo Aresi.
La permanencia en el tiempo de la fidelidad y la pasión de sus admiradoras, que fueron adolescentes en los sesenta, jamás dejaron de seguir al «Gitano». Conformando o no su rito sensual, el ofrecimiento de la ropa interior. Más allá de la nostalgia.

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GEORGE HARRISON: 46 AÑOS DE “MY SWEET LORD”

Llegaba “My sweet lord”, como simple, y “All things must pass”, como álbum, de la mano de George Harrison, al George Harrison. 1número uno de Estados Unidos. Fue un día como el de hoy, pero de 1971, hace 46 años atrás. El ex-Beatle continuaría así el dominio de los genios de Liverpool por las listas norteamericanas. George fue el primero de los británicos que publicó su material en solitario, y le valió un doble éxito. “All things must pass” -“Todo debe pasar”- es el tercer disco-grande de estudio de Harrison. Fue publicado por Apple Récords en noviembre de 1970, después de la separación de The Beatles siete meses antes. El LP reflejó la influencia de las actividades que George desarrolló entre 1968 y 1970 de forma paralela a su trabajo con dicha agrupación, contando con el respaldo de Eric Clapton, Billy Preston y Delaney & Bonnie. Además, puso de manifiesta su vigencia como compositor, donde pudo plasmar en realidad sus composiciones, algo que con el conjunto inglés estaba buscando lugar después de McCartney y Lennon.

PHIL SPECTOR EL
PRODUCTOR

George Harrison inicia los registros del álbum junto al productor Phil Spector, en mayo de 1970. En su primer lanzamiento, “All things must pass” incluyó tres discos de vinilo, dos de ellos con material original y un tercero con improvisaciones musicales bajo el título de “Apple jam”, lo cual supuso la primera publicación triple de un artista de rock.? Tras la aparición del disco obtuvo excelentes comentarios de la prensa en general, por emisoras, tv y prensa escrita. La publicación Rolling Stone, califico el sonido del LP como “Wagneriano, bruckneriano, la musica de la cima de las montañas y los vastos horizontes”. Desde el

Momentos de gloria con Paul, Ringo y John.

Momentos de gloria con Paul, Ringo y John.

punto de vista comercial, el álbum alcanzó el primer puesto en la lista de discos más vendidos de numerosos países, entre ellos Billboard 200, y la UK Albums chart.? Tras su reedición en 2001, la RIAA certificó el álbum con seis discos de platino. Todo un super logro de Harrison, sin dudas, ayudado por el productor Spector que en su momento dijo: “Fui a Friar Park, la casa de Georgey me dijo… Tengo unas cuantas cancioncillas para que las escuches. ¡Era interminable! Tenía literalmente centenares de canciones y cada una era mejor que el resto. Tenía toda esa emoción acumulada cuando me las enseñó. Había material excelente para el disco. El resultado fue brillante…”

NUEVE OPTIMOS TEMAS

El disco encerró nueve temas, cuatro en el lado A: “I’d have you anytime” compuesto por Harrison y Bob Dylan, la propia “My sweet lord”, “Wah-wah”, y “Isn’t it a Pity”. En el lado B, cinco: “What is Llife”, “If not for you”, “Behind that locked door”, “Let it down”, y “Run of the mill”. Con motivo del trigésimo aniversario de la publicación del LP,

Con Ringo Starr en fiesta etiqueta con The Beatles.

Con Ringo Starr en fiesta etiqueta con The Beatles.

Harrison supervisó una edición remasterizada de “All things must pass” que se editó en enero 2001, menos de un año antes de su fallecimiento a causa de cáncer con tan sólo 58 años. Se publicó en el sello Gnome Records, y contó con una revisión del diseño del álbum creado por Feinstein & Wilkes, mientras que la carátula presentó una versión coloreada de la fotografía original. La reedición incluyó cinco canciones nuevas, entre ellos: “I live for you”, dos demos de “Beware of darkness”, y «Let it down”, interpretadas en mayo de 1970 en los estudios Abbey Road, y una nueva versión parcialmente regrabada de «My sweet lord» que contó con la participación de su hijo Dhani Harrison, la cantante Sam Brown y el percusionista Ray Cooper.?

UNA ALABANZA
AL DIOS HINDU

Harrison compuso “My sweet lord” como una alabanza al Dios hindú Krishna. Entre los músicos participantes en la grabación estaban Billy Preston, Ringo Starr, Eric Clapton y el grupo Badfinger. George entonó
“My sweet lord” en “The Concert for Bangladesh”, en agosto 1971 y sigue siendo la composición más conocida de su carrera musical en solitario. El guitarrista regrabó el tema en 2000 para incluirla como track extra en la reedición de “All things must pass”. El nuevo registro, publicado también como sencillo, volvió a alcanzar el primer puesto en el Reino Unido. El tema original además de ser número uno en USA e Inglaterra, también lo fue en Alemania, Austria, Bélgica, Canadá, España, Francia, Irlanda, Noruega, y en los Países Bajos. Entre los artistas que han versionado “My sweet lord” se encuentran: Megadeth, Julio Iglesias, Billy Preston -en el Concert for George- donde la interpreta junto con Paul McCartney, Eric Clapton y Ringo Starr- U2, Larry Norman y Ray Conniff. Más allá de la nostalgia.

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SOPHIA LOREN – MARCELLO MASTROIANNI: LA BELLA Y EL GALAN

La bella Sophia Loren y el galán Marcello Mastroianni fue la pareja del cine italiano. Juntos hicieron películas que dejaron en el recuerdo eternamente, y se transformaron de alguna manera en una pantalla viviente. Ante la IMG-20171221-WA0008exhuberante elegancia de Sophia, y la mirada penetrante de Mastroianni, los espectadores quedaban sorprendidos por las historias que ellos tejían en el séptimo arte. Historias que le podían pasar a cualquiera, claro, pero también rodeadas de fantasías e ilusiones que hacían pensar y emocionar… Romances, engaños, discusiones, fracasos, aventuras al por mayor, peleas, situaciones límite, y hasta a veces un descontrol inusitado de tormentas pasionales entreverado con otras personas. En síntesis: momentos inesperados «con un bel tocco italiano». Sophia y Mastroianni son una referencia del cine peninsular, marcando el séptimo arte de manera mundial.

IMG-20171221-WA0004«MATRIMONIO A LA ITALIANA», 1964
«Matrimonio a la italiana» es el vigésimo filme de Vittorio de Sica, nominado al Oscar 1964. Es la segunda de las tres películas dirigidas por De Sica que tiene como protagonistas a Loren y Mastroianni. La cinta acaba de cumplir 53 años de su brillante estreno mundial y se trata de una producción referente para el exitoso dúo cinematográfico. La trama encierra a Filomena Marturano -Sophia Loren- que no encuentra como ganarse la vida durante la Segunda Guerra Mundial, en Nápoles, por lo cual trabaja secretamente en un prostíbulo, ahí conoce a Doménico Soriano, más conocido como Don Mimi -Marcello Mastroianni- quien la conquista y la lleva a vivir con él. Una comedia dramática, el egoísmo de un hombre frente a la abnegación de una madre, varios duelos colosales en el argumento que poco a poco va llevando al espectador por su realismo, veracidad y capacidad para transmitir sentimientos universales. «Matrimonio a la italiana» se constituyó en uno de los mayores impactos a escala internacional de la comedia italiana. Nominada al Oscar a la «Mejor Película Extranjera», nominada al Oscar «Mejor Actriz» -Sophia Loren- Globo de Oro «Mejor Película de Habla no Inglesa», 3 nominaciones, Premios David di Donatello: «Mejor Director, Actriz, Actor, y Productor, 1964. Y hubo más.

DOCE PELÍCULAS JUNTOSIMG-20171221-WA0005

Sophia rodó más de 86 películas entre Italia y Estados Unidos. Mastroianni llegó a superar un número de 160. Juntos filmaron 12. Entre esos momentos mágicos del verdadero celuloide están: «La ladrona, su padre y el taxista», la primera que hicieron, en 1954, que protanizó ella y en la que él participó en una actuación especial. Se trataba de una comedia. «Ayer, hoy y mañana», 1964, cinta que contenía tres historias de amor de tres parejas, muy bien llevadas, por distintos lugares de Italia. Loren y Mastroianni eran los principales en una. El título se convirtió en suceso, distinguido con el Oscar como «Mejor película extranjera» en 1965. Doce años más tarde, en 1977, hicieron «Una jornada particular», donde interpretaban a una pareja que mantiene una relación afectiva en medio de la llegada de Hitler a Roma, a finales de la década del treinta, y que revolucionó Italia, hundida por aquel momento en el fascismo. También figuraron otros films, no tan renombrados, pero no menos importantes: «La bella campesina» y «La fortuna de ser mujer», las dos del año 1955, «Questi fantasma» y «Ghosts italian style», 1969, «Los girasoles», una película notable de 1970, «La esposa del sacerdote», IMG-20171221-WA00071971, «La viuda indomable», 1978, «Pret-A-Porter», de Robert Palmer, en los noventa, siendo ésta la última vez que se unieron para el cine.

EL ADIOS DE MASTROIANNI

El 19 de diciembre de 1996, deja de existir Marcello Mastroianni víctima de un largo cáncer de páncreas que lo tenía de mal en peor últimamente, a la edad de 72 años. Sophia acongojada durante mucho tiempo dijo «Se fué un gran actor, una gran persona, y por sobretodo un amigo. Siempre nos entendimos en nuestro trabajo, nos gustaba hacer cine juntos. Lo voy a extrañar…» Allí, la pareja se quebró, pero sus filmes quedaron para siempre en el recuerdo, siendo a ésta altura clásicos inolvidables de la historia cinematográfica. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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NAVIDAD EN FAMILIA DE LOS CANTANTES

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

No todos los cantantes festejan la navidad en familia, pero muchos otros sí celebran esa fiesta como tal, al pie del arbolito, con una mesa extensa de parientes cercanos y hasta de amigos. Tal el caso, por ejemplo, de Neil Sedaka, que se reúne desde tempranas horas para pasar la nochebuena y esperar la navidad, junto a su esposa, hijos y nietos. Neil, un intérprete notable de baladas y temas rítmicos, desde aquellas épocas doradas de los sesenta, donde obtendría la fama con su clásica “Oh, Carol” cuenta en la actualidad con casi 79 años que cumplirá en el próximo mes de marzo de 2018, y se adelanta a los acontecimientos para llevar un pino varias veces gigante e instalarlo con todos sus agregados en el inmenso living de su mansión. Allí, llegará Santa Claus que bajará por la chimenea especialmente preparada en el comedor y dejará su regalo para cada uno de los Sedaka en la media correspondiente. ¡Y a brindar!…
OLIVIA FESTEJA y PROMUEVE
La exquisita Olivia Newton-John no solamente celebra la festividad sino que también es del gusto de estar en cuanta fiesta de navidad adelantada la inviten, ya sea de empresas, instituciones o casas de familia. Bueno, realmente todo tiene un presupuesto, pero se comenta que es mucho menor de los números que se manejan para contratarla en un show, ya que a la cantante le gusta estar presente en este tipo de eventos. Allí, cantará o no, pero participará con su fina presencia. El 24 a la noche si no está contratada a los efectos, pasa también junto a su familia en su casa de Cambridge, en Reino Unido. Acompañando a Olivia estarán su marido, John Easterling, con quien está casada desde 2008, y su hija Chloe Rose Lattanzi, nacida en 1986, pero también se reúne con amigos personales de la pareja. Olivia tiene hoy 69 años y sigue latente registrando fonogramas y con infinidad de actuaciones. Recordamos que su presentación de febrero de éste año en la Quinta Vergara del Festival de Viña del Mar fue realmente espectacular, con emocionantes recuerdos y de un estilo marcado a fuego. Ante los aplausos de la multitud, recibió la Gaviota de Plata, galardón máximo a los artistas invitados del certámen canoro.
DEAN MARTIN y FRANK SINATRA
En vísperas de las fiestras tradicionales en Estados Unidos, dos cantantes en sus respectivos shows musicales de televisión, brindaban un número especial para las circunstancias. Se trataba de “El Show de Frank Sinatra” y “El Show de Dean Martin”, producido y conducido por dichos artistas, donde entonaban canciones acompañados de sus hijas Nancy Sinatra y Gall Martin. Hasta hicieron un special navideño juntos que marcó increíble puntuación en la medición de teleaudiencia en diciembre de 1967, y a la noche marcharon juntas ambas familias a celebrar la blanca navidad. Ese famoso “Christmas special” se continúa pasando en varias cadenas estadounidenses de tv cuando se espera la navidad la noche del 24. Los programas de Frank Sinatra, Dean Martin y el de Ed Sullivan, fueron los shows más populares de la pantalla chica USA de todos los tiempos. Así nominados por los teleespectadores y los medios especializados.
ROMINA, ALBANO y BARBRA
Romina Francesco Power Welter es hija del actor Tyrone Power, quien se divorció de su esposa, y ésta se fue a vivir junto a su hija a Italia. Ahí Romina con 18, años se casó con el cantante Albano Carrisi, de 27, fue el 26 de julio de 1970. Tuvieron cuatro hijos, y mientras vivieron juntos entre el año 1970 y 1999, celebraban las fiestas en familia numerosa. Después de bastante tiempo de esa separación, Albano y Romina, se volvieron a unir artísticamente para cumplir con varios compromisos laborales. La fecha que elegieron fue la de diciembre para actuar en la tv alemana, donde presentaron un bonito recital de nochebuena. El 24 próximo estarán celebrando pero por separado, cada uno con su pareja actual. Por otra parte, otra actriz y cantante que se siente muy bien con las navidades es Barbra Streisand, quien tiene en la actualidad 76 años y se encuentra también preparando su concierto navideño para la televisión norteamericana. Habría muchos casos más para citar, pero por ahora por tema de espacio, la dejamos por acá. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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BRENDA LEE: LA CHICA DINAMITA HOY CUMPLE 73 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Y de pequeña sorprendía a todos por sus interpretaciones, debutando con éxito en eventos canoros de talentos infantiles, acaparando los trofeos de los certámenes y el nutrido aplauso del público asistente en cada jornada. Fue activa participante del Master Worker’s -agrupación del género gospel de la iglesia donde concurría- intervino durante un año en el espacio radial “Starmakers Revue”, y varios shows de la televisión norteamericana la tuvieron como figura central, actuaciones por las que ni ella ni sus padres cobraron un solo dólar. Junto a su mascota preferida. 4 1

A los doce años de edad, en 1966, entró con el pie derecho en las listas USA con verdaderos hits al estilo de “Jambalaya”, “Bigelow 6-200″, y “I’m gonna lasso Santa Claus”. Más tarde se reiteraría impactando con “Little Jonah” y “Dynamite”, generando éste último el apelativo de “Miss little dynamite” -“Señorita pequeña dinamita”.
Y así, siendo una niña, se transformó en un ídolo para adolescentes, gracias a su imponente registro de voz de cantante de años. Se llama Brenda Lee y hoy cumple ¡ 73 jóvenes años !…

A VECES COMIENDO SALTEADO
Brenda Mae Tarpley llegó a éste mundo un día como el de hoy pero de 1944, en Atlanta, la ciudad más extensa y poblada de Georgia, en Estados Unidos. Hija de Annie Grace y Reuben Lindsey Tarpley, nació en el Grady Memorial Hospital de Atlanta, bien temprano a la mañana. Brenda asistió a varias escuelas primarias donde en una de ellas su padre encontró trabajo.
Su familia era de clase obrera, pobre, hasta a veces comiendo salteado. De niña compartía una cama con su hermana y hermano en una serie de casas de tres habitaciones donde no había agua corriente.
La vida se centró en que sus progenitores encontraran trabajo y en la iglesia Bautista, donde se inició cantando los domingos.
Ya instalados en su propio hogar, la familia tenía una radio a lámpara de mesa alimentada por una batería, que le encantaba escuchar a Brenda cuando era una bebé. Tenía dos años y ya silbaba las melodías de las canciones que oía por la “cantora”. En un almacén de la zona, la madre y hermana de Brenda la subían al mostrador para que cantara y así
se ganaba algunas monedas y muchos dulces.

DE LA IGLESIA AL ROCK
El padre de Brenda falleció en 1953, y cuando cumplió diez años, ya había dejado la iglesia, para ser la principal fuente de ingresos de su familia, presentándose en radio y tv.
Era tan pequeña de estatura que el locutor le bajaba el micrófono hasta donde se podía y ella se alzaba sobre un cajón de bebidas para alcanzarlo.
En 1955, Annie Grace, la madre de la “pequeña gigante” se volvió a casar, con Buell “Jay” Rainwater, quien trasladó la familia a Cincinnati, Ohio. En el lugar cantó con Jimmy Skinner, pero la pareja y los tres hijos de Annie se afincaron definitivamente en Georgia. Su oportunidad de entrar en el mundo del espectáculo llegó en febrero de 1955, cuando Red Foley de ABC la deja cantar en su programa, “Jambalaya”, sin ensayar, quedando los espectadores sorprendidos ante la voz de Brenda Lee. De esa manera, casi sin pensarlo, había nacido una muy joven promesa del rock. Casi dos meses después, el 30 de julio de 1956, Decca Records le ofrece el contrato de su primer single: “Jambalaya” y “Bigelow 6-200″. El segundo lanzamiento fue con dos temas navideños: “I’m gonna lasso Santa Claus” y “Christy christmas”. Aunque cumplió 12 años el 11 de diciembre de 1956, los dos primeros sencillos de Decca la acreditan como “Little Brenda Lee”, de nueve años.

SE CONVIERTE EN ESTRELLA
En poco tiempo se convierte en una auténtica estrella internacional no solamente del rock -estaba practicando otros estilos, como el country y el soul- sino también del cine. Su primera aparición en la pantalla grande fue en “Two little bears”, en 1961, con un breve papel junto a Jane Wyatt y Eddie Albert donde canta “Speak to me pretty”, tema que alcanzó fuertes ventas y popularidad en el Reino Unido.
En 1962 intervino en la versión teatral de “Bye bye Birdie”, con el papel protagonista de Kim, y un año más tarde hizo de Dorothy “The Wizard of Oz”.
En 1980 participó en el filme “Smokey and the Bandit II”, con “Again and again”.
Hoy cuenta con una muy extensa discografía, presentándose de vez en cuando ante algún auditorio.
Aunque las canciones de Brenda Lee a menudo se centran en amores perdidos, su matrimonio en 1963 con Ronnie Shacklett ha perdurado durante décadas.
Tienen dos hijas, Jolie y Julie, y tres nietos, Taylor, Jordan y Charley.
Más allá de la nostalgia.

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LA FANTASÍA DEL CINE LOS CREÓ

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

El género de terror en el séptimo arte ha resaltado su voluntad de provocar en el público sensaciones encontradas, ante no saber cómo manifestarse en una situación de gran confusión mental hacia algo importante. Miedo ante todo, incomodidad, preocupación, pavor, disgusto, hacen saltar al espectador de su butaca, con argumentos que de manera frecuente desarrollan personajes de naturaleza maligna, con orígenes criminales o hasta sobrenaturales. El cine terrorífico llegó con el nacimiento del mismo cine. Así, los hermanos Lumiére filmaron en 1896 “L’arrivée d’un train a la ciotat” -“La llegada del tren a la ciudad”; los primeros que vieron la película gritaban y corrían aterrados por la sala de exhibición. Aunque la primera producción considerada del estilo fue “Le manoir du diable” -“La mansión del diablo”- del ideólogo Georges Mélies, proyectándose el 24 de diciembre de 1896, en París, posicionando a Francia como la gran realizadora de antecedentes del género. En 1897 Louis Lumiére rueda “Le squelette joyeux”, Georges Mélies continuaría con “Le diable au couvent” en 1899, y “El diablo negro”, 1905, la productora Alice Guy en “Faust et Méphistophéles”, 1903, y Gastón Velle con “La peine du talion”, en 1906, entre más cortometrajes que se hicieron en la ciudad luz. El primer exponente firme del género terror fue realizado por J. Searle Dawley en los estudios Edison norteamericanos. Se trata de la primera adecuación de “Frankenstein” en el año 1910, en un corto de tan sólo 16 minutos. En un estudio confeccionado por el portal Stephen Follows, el terror se presenta como el estilo más taquillero en la historia del cine hasta el día de hoy, ocupando el primer lugar en boleterías. Frankenstein, Boris Karloff, 1931. 1
MONSTRUOS ERAN LOS DE ANTES
Más adelante en el tiempo, llegaría en 1931, la original película de “Frankenstein”, producida por Universal Pictures, y dirigida por James Whale. En una adaptación de la obra de teatro de Peggy Webling, a su vez basada en el libro “Frankenstein o el moderno Prometeo” de Mary Shelley. La cinta popularizó en el rubro a Boris Karloff, quien hace el protagónico junto a Colin Clive. Tras su exitoso estreno salió una secuela llamada “La novia de Frankenstein”, en 1935, dirigida por el mismo Whale. En la trama el Dr. Henry Frankenstein -Colin Clive- un científico asistido por el jorobado Fritz -Dwight Frye- crea un cuerpo humano, cuyas partes han sido juntadas de manera secreta de varias fuentes. El anhelo que consume al doctor es el de crear vida humana a través de electricidad. Pero le sale mal y crea un verdadero monstruo que encarna Boris Karloff a quien por un grueso error le adjudican el cerebro de un asesino. La bestia solo sabe de odios, horror y desea asesinar a quien se le presente. El filme se rueda utilizando un presupuesto de 260 mil dólares y logra una recaudación de doce millones de los verdes, resultando un negoción para los productores.
GORILA GIGANTE y PREHISTÓRICO
Un año después, en 1932, se iniciaría la filmación de “King Kong”, dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack, con Fay Wray, Robert Armstrong y Bruce Cabot como actores destacados. La película fue producida por RKO Pictures, escrita por Ruth Rose y James Ashmore Creelman, con la base de la idea de Merian C. Cooper y Edgar Wallace. Trata sobre el hallazo de un gorila gigante, Kong, en una isla prehistórica perdida y sobre como fue capturado y llevado a la civilización contra su voluntad.
“King Kong” fue estrenada en Nueva York el 7 de marzo de 1933, en el teatro Radio City Music Hall. La cinta muestra una escena clásica en la historia del cine, cuando Kong busca a la muchachita en la ciudad de Nueva York y cuando la encuentra la sube al Empire State Building, donde es atacado por aviones, que le hacen caer del edificio y muere. Con el tiempo aparecerían más versiones de “King Kong” en el cine y la tv, erigiéndose como el simio más famoso de Hollywood. Increíble, en esta primera aparición el muñeco utilizado de Kong, medía sólo 35 centímetros de alto.
SE TRANSFORMA EN HOMBRE LOBO
Contrario al suceso de los filmes de horror en los años treinta, la siguiente década tuvo una serie de producciones de bajo costo y de poca relevancia. La única excepción fue “El hombre lobo” -“The wolf man”.
En un principio, la película sería lanzada con el nombre de “Destiny”, pero al final se echaron para atrás, poniéndole el título por el cual se la conoce. Se trata de una producción de 1941, estelarizada por Claude Rains y Lon Chaney Jr., otro maestro del terror, dirigida por George Waggner, se convirtió en la más popular de ese año en el cine terror de USA. Debido a la censura de la época, de parte de la Motion Picture Producers & Directors Association, no fue permitido que algunas tomas del personaje fueran muy “bestiales”; y tampoco fue autorizado que hubiera una “transformación directa” del hombre al lobo. Bajo un presupuesto de 180.000 dólares recaudó millones.
OCURRÍA EN LA LAGUNA NEGRA
“The beast from 20.000 fathoms” -“El monstruo del mar”- película de 1953, de terror y ciencia ficción, donde aparece un “monstruo del mar”, que causa destrucciones, dirigida por Eugéne Lourié. Con una duración de 80 minutos, se aprecia a Paula Raymond, Cecil Kellaway, y Paul Christian, como sus protagonistas, en una producción que también colocó miles de entradas en boleterías. Por útlimo, citamos -entre tantas producciones- a “Creature from the black lagoon”, cinta conocida por estos lares bajo el título de “El monstruo de la laguna negra”, 1954, dirigida por Jack Arnold y producida por Universal Pictures, con las actuaciones de Julie Adams, Richard Carlson, Antonio Moreno y Richard Denning. Rápidamente luego del estreno, fue una de las cintas fundamentales de los cincuenta. Los planos subacuáticos del monstruo observando a Julie Adams.

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DOLORES DEL RIO: MITO DE HOLLYWOOD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Realmente fue la primera figura latinoamerica en conquistar todo el brillo y el color de Hollywood, para convertirse más tarde en un verdadero mito del séptimo arte. Nacida en México, más concretamente en Durango, el 3 de agosto de 1904, hija de padres adinerados -que perdieron casi todo en la Revolución Mexicana- y con influencias de la alta sociedad, su especial rostro y desempeños actorales le ayudaron a constituirse en una de las mujeres estrellas en la época dorada de la pantalla desde los años veinte y hasta los cincuenta, en Estados Unidos y México, abarcando el cine mudo, parlante, radio, teatro y televisión. Dolores del Río. 1

Sus rasgos de fina mujer impactaron al espectador, recordándola por sus películas y realizaciones junto a Elvis Presley, Fred Astaire, Joel McCrea, Ginger Rogers, Al Jolson, George Sanders, Pedro Armendáriz, María Félix, Libertad Lamarque, Richard Widmark, Ricardo Montalbán, James Stewart, y Edward G. Robinson, entre otros. Las grandes marquesinas de las salas céntricas de la capital publicitaban con letras doradas aquellas cintas de la tan bonita Dolores del Río.

SU BELLEZA TRASPASÓ FRONTERAS

Entre la distinción y el frenesí, fue abriendo puertas y haciendo largometrajes. Es que además tenía talento, no en vano triunfó. Descubierta en el distrito federal mexicano por el conocido hombre del celuloide Edwin Carewe, inició su imparable carrera en 1925 en Hollywood, la meca del cine.
En ese momento Del Río compartió varias producciones impactantes, “What price glory?”, 1926, “Resurrection”, 1927, “Ramona”, 1928, y “Evangeline”, 1929.
Tras la aparición del cine sonoro, participó en determinadas cintas exitosas: “Ave del paraíso”, 1932, “Volando a Río”, 1933, “Madame Du Barry”, 1934, y “Journey into Fear”, 1943. Cuando su carrera en USA comenzó a declinar a principios de la década del cuarenta, Dolores decidió volver a México para incorporarse a la industria fílmica de su país, que en ese momento estaba en su total apogeo. María de los Dolores Asúnsolo López Negrete tal el nombre real de Dolores del Río, se casó prematuramente a los 16 años con un hombre de 34, Jaime Martínez del Río, un empresario del medio. El enlace fue en 1921, durando siete años, hasta 1928, siendo Martínez una persona influyente que la ayudó a dedicarse también al canto. Paralelamente, Dolores se erige como una de las actrices del firmamento.

DISEÑADOR DE LOS OSCAR

Dolores del Río no estaría sola por mucho tiempo, ya que en 1930 después de haber rechazado una propuesta matrimonial de Edwin Carewe, realizador de los filmes de la estrella, contrae nupcias con el diseñador de la estatuilla del Oscar de la Real Academia, Cedric Gibbons, un representante absoluto del arte hollywoodense.
Dos años más tarde estallaría el gran escándalo con la película “Bird of paradise” -“Ave del paraíso”- un drama romántico y de aventuras, dirigido por King Vidor, donde también se encuentra en los protagónicos Joel McCrea acompañando a Dolores.
La producción rodada en blanco y negro en el paradisíaco Hawai, ubica a la actriz en su gran momento físico. Así, se filma la escena más famosa y polémica de la dama nadando como dios la trajo al mundo, a través de una secuencia nocturna, siendo muy comentado por el gran público de la época bajo el rótulo de escandalizante.
Las escenas no son totalmente claras, pues la alta intensidad de las luces inhibe los detalles de las imágenes, sutiles pero explícitas. En 1935, Dolores del Río fue candidata para estelarizar dos producciones: “Don’t bet on blondes”, siendo reemplazada por la actriz Claire Dodd? La segunda fue la mítica “Samson and Delilah”, de Cecil B. DeMille, que finalmente fue pospuesta hasta 1949. Dolores interpretaría el personaje de Dalila, que finalmente hizo Hedy Lamarr.

SE ENAMORA DE ORSON WELLES

Entre tantos filmes que van y vienen con la figura de Dolores, esta conoce a Orson Welles, quedando enamorada de él. Ambos empiezan un romance que deriva con divorcio de del Río con Cedric Gibbons. Corría el año 1940, ella acompaña a Welles en la filmación de “Citizen Kane” y en varios lanzamientos de películas en los estudios del cinema, pero culmina la relación con el actor que dura tres años. En 1959 se casa nuevamente, esta vez en Nueva York, con el marido que más le duró, Lewis Riley, un productor de teatro. Fue hasta 1983, momento de su desaparición. Venía con problemas de salud, hasta que es trasladada a Newport Beach, California, donde deja de existir a los 78 años, el 11 de abril de 1983, siendo depositados sus restos en el panteón de Dolores de la ciudad de México.
El día de su fallecimiento había recibido una invitación para estar en la próxima entrega del Oscar.
Dejó películas, obras teatrales, discos y hasta radioteatros grabados para el recuerdo eterno. Más allá de la nostalgia.

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BOBBY CROCKER, LA MANO DERECHA DE KOJAK

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

En los primeros años de la década de los setenta llegó a la pantalla chica una fenomenal serie protagonizada por Telly Savalas: “Kojak”, la popular tira del teniente de Policía de la Ciudad de Nueva York, en el distrito de Manhattan Sur, aquel personaje calvo, de sombrero y gabardina, que se mostraba con el chupetín en la boca, Teo Kojak.

Esta primera versión de “Kojak” se estrenó exactamente en 1973, extendiéndose en grilla hasta el año 1978, en 5 temporadas, con 118 episodios de 50 minutos de duración, a colores, emitida por la cadena CBS en origen, y en Montevideo por Montecarlo TV Canal 4. El ideólogo de la serial fue Abby Mann, un autor de guiones cinematográficos ganador del Premio Oscar, más conocido por su trabajo en antologías de dramas, ejemplo: “Robert Montgomery presenta” y “Playhouse 90″. Universal TV contactó a Mann para hacer una historia basada en varios asesinatos que conmocionaron “la gran manzana”. El escritor plasmó su idea en una novela policial, de sospechosos, policías y testigos. El resultado final fue la película para televisión, “The Marcus-Nelson murders” o “Kojak and the Marcus-Nelson murders”, dirigida por Joseph Sargent y encarnada por Savalas en su papel de teniente, que luchaba afanosamente para aclarar crímenes, liberando a los inocentes.  Telly Savalas, Dan Frazer, George Savalas y Kevin Dobson en Kojak. 2
El largo metraje fue un suceso de teleaudiencia en mayo de 1973, siendo este el gran comienzo de la tira.

STAVROS, RIZZITOS y EL JOVEN CROCKER

Todo transcurre en Manhattan, Decimotercer Distrito, con el teniente Kojak a la cabeza, enseñando su “chupa-chupa”, manejando enérgicamente su patrullero, pitando el infortunio de sus cigarrillos, al compás de robos, asesinatos y venganzas. Identificado por las buenas causas, pícaro, veloz y sorprendente en su accionar, tenía un jefe que era el Capitán Frank McNeill, interpretado por Dan Frazer. Participando los detectives Stavros -realizado por George Savalas, hermano de Telly- Rizzo -Vince Conti- Saperstein -Mark Russell- y uno de sus acompañantes favoritos, el joven oficial Bobby Crocker -encarnado por el actor Kevin Dobson. todos integrando el escuadrón. Crocker -casi siempre luciendo traje y corbata- era en todos los casos la mano derecha del inspector Kojak, secundándolo y acatando sus ordenes, cumpliéndolas al pie de la letra. Tenaz y de ágil accionar lograba cumplir las metas policíacas y -además- protegía a su superior sin que este lo notara.

KEVIN PATRICK DOBSON ES BOBBY CROCKER

Fue tan bueno su papel en “Kojak”, que en su carrera fue de lo más destacado que realizó Kevin Patrick Dobson, llegado a este mundo el 18 de marzo de 1943, en Jackson Heights, Queens, Nueva York , Estados Unidos. Tiene hoy 74 años. Además de Bobby Crocker, el socio de confianza del Teniente Kojak en este drama policial, también hizo de M. Patrick “Mack” MacKenzie, en la tira “Knots Landing”, en los años ochenta.
Dobson es de ascendencia irlandesa, siendo uno de los siete hijos de una ama de casa y del conserje de una escuela primaria. Antes de iniciar su carrera como actor, fue ferroviario, barman, y hasta director de la orquesta Long Island Rail Road, para lo cual había estudiado música durante años. Luego de una fugaz aparición en la cinta “Klute” de 1971, y varios pequeños desempeños en “The Mod Squad”, “Emergency!” y “Cannon”, llegó a “Kojak”, para conformar su papel más conocido por el gran público, después de firmar un contrato con Universal Studios en 1972.
Para la representación, pidió prestado un traje, pues no tenía y su actuación así lo requería.
Cuando lo probaron haciéndole una audición -casting se le llama ahora, cosas de los tiempos modernos- falló dos veces.
En la tercera vez quedó y se afianzó en su representación, constituyéndose en un punto relevante de la tira en cuestión. Después de concluída la serie en 1978 se reunió con Savalas para el filme televisivo de 1990, “Kojak: It’s Always Something”, en donde su reconocido personaje se transformó en asistente de fiscal de distrito. Dobson, continuó siendo amigo de Savalas, hasta el fallecimiento de éste, el 22 de enero de 1994, víctima de cáncer de próstata.

SE CASÓ CON SUSAN DOBSON

“Midway”, 1976, “Orphan train”, 1979, “Crash landing”, 2005, “1408”, 2007, “April moon”, 2007, fueron otros de los títulos donde participara Dobson en el séptimo arte. El 1 de abril de 2008, debutó en la telenovela “Days of our lives” en el papel de Mickey Horton, realizando su última presentación en “Dark power”, en 2013. En 1968 Kevin Dobson contrajo nupcias con Susan Dobson, teniendo tres hijos hasta el presente.
Más allá de la nostalgia.

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EN LA MATINEE, LA TELE Y YOUTUBE

En éstos tiempos modernos se puede recurrir a muchas páginas de internet para ver viejas películas. Grabadas de canales cable -en su mayoría- en Youtube existen miles de títulos, diría a elección. Las hay de Sandrini, Los Cinco Las vacaciones del amor, 1981. 5Grandes del Buen Humor, Tita Merello, de Alfredo Barbieri, casi todas las musicales de Palito, Sandro, Sergio Denis, Sabú, Elio Roca, Leonardo Favio, y hasta las del binomio Porcel-Olmedo, en el rubro argentino. Aquellas cintas que comenzaron siendo estrenadas en las salas céntricas de la capital, para luego pasar por los cines de barrio de Montevideo e Interior, y más tarde en las gloriosas matinée donde a veces se proyectaban cinco o seis largometrajes, acompañado antes de algún noticiero, dibujo o documental. Con el paso de los años esas cintas se pasearon por los cuatro canales de aire -4, 5, 10, y 12- en diferentes etapas, y décadas después en los cables Volver, Space, y otros. La ruta fue “En la matinée, la tele y Youtube”. Quién iba a decirlo, no?…

SIMPLES PERO LLEVADEROS
Al estar de moda distintos cantantes, los estudios y los productores, recurrían a sencillos libros de los autores, para que conformaran argumentos simples pero llevaderos que encajaban en historias que hacían mover las plateas más que nada femeninas. El asunto era que el solista interpretara sus éxitos a lo largo de los filmes y que acompañara una trama livianita, narrando las peripecias de un muchacho de barrio que se transforma en ídolo popular, enamorado de la muchacha de turno. Cambiando alguna ficha o detalle, casi siempre era la misma jugada. A los espectadores que concurrían a ver esas recordadas películas, poco les importaba, el tema era ver al protagonista canoro interpretar sus temas. Entre tantas producciones similares en 1965 llegaba “Santiago querido”, La aventura explosiva, de Los Superagentes. 1977. 3hit de Leo Dan, que daba título a la realización de Carlos García Nacson y Guillermo Teruel, con guión de Alberto Peyrou. Acompañan a Leo Dan, como protagonistas una juvenil Marta González, Rodolgo Di Nucci y Mónica Grey. En la época, “La Razón” opinaba: “Una película… en la que debuta para el cine un cantor de la nueva ola que se hace escuchar ocho veces”.

ENTRE LO COMICO y LA COMEDIA
Desde remotas épocas en Argentina se ruedan cintas del género comedia. En la década de los cuarenta y cincuenta se recurría a obras de teatro taquilleras para llevarlas a la pantalla grande. Existen muchos casos en el rubro. Manejado entre lo cómico y la comedia, se fueron infiltrando cantidades de títulos, que hicieron mover al gran público. Hoy evocamos al pasar, determinadas producciones: “Joven, viuda y estanciera”, del año 1970, “La aventura explosiva de Los Super Agentes”, 1977, y “Gran valor”, 1980. Realmente las seleccionamos al azar, porque en algún momento de nuestras vidas, las vimos y hasta las disfrutamos con una sonrisa. No las encasillamos, ni mejores, ni peores, se proyectaron y listo. “Joven, viuda y estanciera”, es Jorge Barreiro con Lolita Torres en Joven, viuda y estanciera, 1970. 2filmada en colores, dirigida por Julio Saraceni sobre el guión de Ariel Cortsazzo, sobre la obra homónima de Claudio Martínez Payva, estelarizada por Lolita Torres y Jorge Barreiro, haciendo de capataz de una estancia, enamorado en secreto de la “patrona”, tratando de protegerla de los cazafortunas. La unión de Los Super Agentes daría en el centro en cuanto a que juntos hicieron una larga lista de películas, a través de años, ejemplo “La aventura explosiva”, con Ricardo Bauleo, Víctor Bó, y
Julio De Grazia como “Super Agentes”, y Thelma Stefani. Con exteriores filmados en la zona de Delta del Tigre. Y por último, “Gran valor” con el humorista Juan Carlos Calabró y Graciela Alfano, producción que hace muy poco se emitió por un canal de recuerdos.

LUMINARIAS EN ACCIÓN
Luminarias en acción y en promoción de su editado material fonográfico, estaban listas para aparecer en escena, ya Graciela Alfano y Juan Carlos Calabró en Gran Valor, 1980. 4que el sello Microfón de Argentina, dirigido por los hermanos Mario y Norberto Kaminsky, entendió que a través de largometrajes podría alcanzar cifras millonarias en venta de discos y cassettes. Y así fue que llegaron las películas “del amor”. Primero fueron “Los éxitos…”, luego “La carpa…”, más tarde “La discoteca…”, enseguida “La playa…”, y hasta “Las vacaciones del amor”, 1981, con las actuaciones de Graciela Alfano, Jorge Martínez, y en la parte musical: Camilo Sesto, Ángela Carrasco,
Leonardo Jury, Carlos Torres Vila, Los del Suquía, Aldo Guibovich,
Tormenta, Miguel Gallardo, Los Mirlos, Rubén Carló y José María Napoleón, entre otros. La mayoría de éstas producciones cerraron la famosa etapa de las matinée cinematográficas, la del refuerzo, los bizcochos, el mate o el refresco, ante el abrupto cierre de las salas, quedando las butacas vacías. Más allá de la nostalgia.

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“BACHICHA” LENCINA: EL MAGO DE LA TROMPETA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Casi a fines de los sesenta, lo pude conocer.

Fue por medio de Elías Turubich, que allá en C X 8, la Nueva Sarandí de aquel momento, al frente de su popular programa “Beatlemanía” y de “Long Show” de los fines de semana, me lo presentó en Canal 12 TV, que estaba pegadito a la radio -hoy, la emisora radial está justo en la esquina- en la calle Enriqueta Compte y Riqué, donde a veces Elías realizaba algún comercial “en vivo”, y cubría cuando no estaba, a Rubén Castillo en la conducción de “Discodrómo Show”. El artista hizo carrera en ese espacio como músico, tocando la trompeta con la orquesta de Julio Frade, y a veces como solista soplando el instrumento “como los dioses”. Se llamó Daniel Lencina, le decían “Bachicha”, un fenómeno del jazz de estas latitudes y el gran “mago de la trompeta”.  Daniel Bachicha Lencina con su amiga inseparable, la trompeta. 1
En la pasada semana, la noticia que nos llegó de su ida nos embargó de tristeza, dejando de existir el 31 de octubre de 2017, a la edad de 79 años tras resistir una compleja fibrosis pulmonar detectada en 2009, en su domicilio en la comuna de Lampa, Santiago de Chile, lugar donde residía desde 1972. Su actual esposa y sus hijos lo acompañaron hasta el último adiós. Sin dudas, una pérdida irreparable para la música y la cultura uruguaya de todos los tiempos.

EN FRAY BENTOS NACIÓ “BACHICHA”

En Fray Bentos, capital de Río Negro, llegó a este mundo Daniel Julio Lencina D’Andrea, el 17 de julio de 1938. De chico escuchaba radios de Buenos Aires y ya le agradaba la música de Eddie Condón, Louis Armstrong y las bandas norteamericanas de jazz, empezando a tomar clases de solfeo y de trompeta con distintos profesores.
El aprendizaje lo siguió en Montevideo, donde después se inició actuando de jovencito en las orquestas estables del Hot Club, que ensayaban en un sótano de la calle Guayabo, entre ellas, el Sexteto Paco Mañosa, con el propio Paco Mañosa, Horacio “Bocho” Pintos, Héctor “Finito” Bingert, Roberto “Pelín” Capobiano y Osvaldo Fattoruso. Con ellos debutaría en Octubre de 1963, en Teatro Florida de Buenos Aires, en notable presentación.
Más tarde, Bachicha, diría con relación a Mañosa: “Paco fue uno de los músicos que más hizo por el jazz en Uruguay.
Fue todo un maestro…” Lencina, quien también fue un estudioso de la trompeta, continuaría con la banda The Hot Blowers, allí junto a otros destacados jazzistas compatriotas: Paco Mañosa, Hugo y Osvaldo Fattoruso, Federico García Vigil, Rubén Rada, Héctor Bingert, Enrique De Boni, Arturo “Cacho” De La Cruz, Moris Pardo, Tomás “Chocho” Paolini, Ringo Thielman, Guillermo Facal, Moisés Rouso, Ramón “Bebe” Alfonso, Enrique “Pelo” De Boni, entre otros. La super-banda practicaba el mejor swing y dixieland, obteniendo cierto reconocimiento regional, logrando editar tres álbumes EP en el sello Antar, y además realizando una extensa gira por territorio chileno.

DEL BARRIO LA MONDIOLA SOS EL MAS RANA

“Del barrio La Mondiola sos el más rana…” parafraseando la letra del tango “Garufa”, de Juan Antonio Collazo, Víctor Soliño y Roberto Fontaina donde se habla del barrio en la zona de pocitos nuevo, lugar de casitas federales y obreros laburantes que aún existe, residió por un tiempo Bachicha Lencina.
Había quedado atrás el momento de Los Hot Blowers, llegando ahora la oportunidad de sumarse a la orquesta de Panchito Nolé, uno de los últimos exponentes de la época de oro de las más grandes orquestas en Uruguay, su pasión por las Big Band se hizo realidad formando su propia agrupación con las que desarrolló una larga carrera de bailables, por las fonoplateas de las radios y como banda estable de canales de televisión de Uruguay y Argentina.
Allí tiene el trompetista un notable momento de esplendor. Sintiéndose a gusto permanece durante años junto a Panchito, y también en La Mondiola.

CON JULIO FRADE EN “DISCÓDROMO”

Reconocido como un excelente ejecutante lo llama el pianista y director de orquesta Julio Frade para formar parte de su banda. Con Frade, Bachicha consigue popularidad distinguido por la gente, promovido por el programa de tv de los domingos a 12 del mediodía por Teledoce: “Discodrómo Show”. Con el apoyo televisivo y respaldado por Julio Frade, logra grabar varios temas para el sello Sondor, como por ejemplo “Este muchacho está enamorado de ti” -de Herb Alpert- donde como solista canta y toca la trompeta, siendo este un momento memorable para el instrumentista.
Después del suceso con Frade, parte a Chile en 1972 donde se queda hasta su ida, tocando al lado de verdaderos cultores musicales. Acompaña de Mike Dogliotti, en tierras trasandinas y en numerosos shows en Perú. Más adelante entra en el espacio “Sábados Gigantes” de Don Francisco, a quien le hace una canción, por la cual le realiza un juicio por derechos no cobrados por una cifra abultada en dólares. Su historia resulta interminable, jalonada por fabulosas actuaciones al frente de su trompeta, por diferentes escenarios mundanos. Genio y figura del buen jazz, y del candombe jazz, fusión que le pertenece por derecho de conquista. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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DE RECORDAR SE TRATA…

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Si de recordar se trata habrá mucha tela para cortar, dijera una famosa modista de nombre Brígida. Y tenía razón. Qué tal si comenzamos por evocar aquellos shows que se hacían por los mediodías de Teledoce en los primeros años de la tv uruguaya. ¿Quién no se acuerda del “viejo” Show del Mediodía?… Alejandro Trotta, Cacho De La Cruz, Adolfo Hugo Mañán, Gussy, Cristina Morán, Rubén Rada, Enrique Fernández, Guillermo Lescout, Rubén García, Lamas… Era la compañia con un sano humor a la hora de la comida en la histórica televisión en blanco y negro. El show de la alegría con Héctor Coire, 1963. 2

Un espacio creado por Alejandro Trotta, un técnico argentino que había llegado en 1961 a Canal 12 para tratar de dar una mano en la salida al aire de la emisora, y debido a su enorme talento fue cambiando de rubro transformándose de repente en creativo de publicidad y actor.
Trotta fue quien le preguntó a Eduardo D’Angelo si se animaba a hacer un espacio infantil. Naciendo de esa manera el archi popular “Capitán Cañones”, con el propio D’Angelo y Julio Frade encarnando a Siemprelisto, una especie de boy-scout. Luego de lanzado “El Show del Mediodía”, llegarían unitarios humorísticos de excelentes realizaciones y marcadas teleaudiencias, “Las Telecachadas de El Show del Mediodía” siendo sus ideólogos Alejandro Trotta y Cacho De La Cruz.
Así pasarían: “Pinocho” y “Los Picapiedras”, entre otras. Más de una vez nos llamó Trotta -con quien teníamos una muy buena amistad- para pedirnos algún tema para utilizar de cortina de las inefables “Telecachadas”; y siempre con algo tratamos de colaborar. Alejandro Trotta fue un grande de la pantalla chica y de la vida.

“EL SHOW DE LA ALEGRÍA” con HÉCTOR COIRE

Héctor Coire se erigió en un popular animador nacido en Buenos Aires en 1917, hijo de Benita Puértolas y Ernesto Coire, una pareja de actores. Coire se hizo conocido en la tele en la década del sesenta por sus programas “Casino Philips”, “Los novios del 13″, “Sálvese quien pueda”, “Sábados de la bondad” y “El Show de la Alegría”.
Los espacios se empezaron a propalar primero en la vecina orilla y algunos en Montevideo, donde el locutor pasó por Montecarlo TV Canal 4, en los antiguos estudios ubicados en la Avda. 18 de Julio y Eduardo Acevedo, llegando a utilizar hasta el ómnibus de exteriores, y también en Canal 12. Muchos traerán a su memoria, “El Club de los Abuelos” fundado en 1962, que hiciera Coire para el público de la tercera edad en la Institución Atlética Sud América de la calle Yatay, también auspiciado por los diferentes canales. Como dato anecdótico agregamos que además participó de varias películas como actor: “La quinta calumnia”, 1941,”El mozo número 13″, 1941,”Besos perdidos”, 1945, “La vida de una mujer”, 1951, “Escuela de campeones”, 1950, y más.
Enamorado de Uruguay, dejó de existir en Montevideo, donde se encontraba temporalmente, el 2 de enero de 1974.
Dejó su carrera trunca a sus jóvenes 55 años.

PILÁN, UN PERSONAJE INOLVIDABLE

Eduardo Freda llevó adelante “Pilán”, un personaje infantil inolvidable.
A tomar la leche con Pilán, decía.
Freda fue su apellido materno y lo utilizaba porque creía que Sarragúa -tal el paterno- era medio complicado para pronunciar.
Freda, en su adolescencia cantaba tangos en eventos y también se hizo actor, retirándose rápidamente de la etapa cantable, creyendo que eso no era para él.
En 1951 con su amigo Enrique Almada -quien lo llevaría más tarde a “Decalegrón”- y Mecha Bustos, debutan en Teatro Stella de Italia. A Eduardo lo conocí en C X 8, Radio Sarandí, cuando realizaba a las ocho de la mañana “Corrientes y 18″, un muy buen programa tanguero. Enseguida se largaría con “Pilán”, que empezó en Canal 4 para seguir en Canal 12, de la mano de Jorge Nelson Mullins, con la inclusión de notables dibujos animados de Hanna Barbera de aquel entonces. Fue tal el suceso que en varios desfiles oficiales del carnaval montevideano encabezó el pasaje de los carros, las reinas y las comparsas por nuestra principal avenida.
Eduardo Sarragúa Freda había nacido el 2 de Noviembre de 1932, falleciendo el 14 de septiembre de 2003, a la edad de 70 años. Supo ser una figura de relieve en las tablas y ante las cámaras.

LOS DOS BARRY, JUNTOS

En esta página ya hemos escrito sobre Barry Eugene Carter, conocido como Barry White “el negro de oro”, cantante y director de orquesta de origen estadounidense, ganador de tres distinciones Grammy e infinidad de reconocimientos por su estilo varonil, romántico y sensual. White fue exitoso en los setenta editando 26 álbumes, llegando en tres instancias al Nro. 1 de las listas Hot 100 Billboard USA. Con su orquesta Love Unlimited Orchestra recorrió el orbe llevando su mensaje. Así, un buen día se encontró con el humorista compatriota Roberto Barry, y este sin pérdida de tiempo le solicitó para sacarse una instántanea con él, aceptando este y dejando así la foto con los dos Barry, juntos, para la absoluta posteridad.
Más allá de la nostalgia.

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A LOS 86 AÑOS, BEATRIZ BONNET: LA DAMA DE LOS ESCENARIOS

Su popularidad y éxito lo fue edificando en el teatro, la tele en blanco y negro y el cine. Conformando esos personajes que se identificaron con la comedia, en la encarnación de una joven mujer chispiante, de buen humor, que dejaba un

Beatriz Bonnet

Beatriz Bonnet

mensaje sumamente simple pero que otorgaba alegría para vivir. Y hacía reír en muchos de los casos. Su debut fue en la obra «Los árboles mueren de pie», en Teatro Ateneo de Buenos Aires, el 1o. de abril de 1949, más tarde en la pantalla grande con «Mansedumbre» en 1953, y en tv a fines de los cincuenta y los sesenta ya brillaría en «Amor es mi futuro» con Fernando Siro, y en populares ciclos de teatros televisivos del gran Osvaldo Pacheco y del «tano» Darío Vittori. A lo largo de su dilatada carrera obtuvo distinciones por doquier: Seis Martín Fierro, Premio especial Cronistas de Teatro, Moliére, Podestá, Bamba de Córdoba, Racimo de Uva de San Juan, y en 1981 y 1991 Trofeo Konex a la actriz de comedia de radio y tv. Se llama Nelly Beatriz Bonnet; aunque artísticamente le quitó Nelly, porque según ella no sonaba bien, y si BB. Una famosa, de logros bien ganados en más de sesenta años, actuando, bailando y hasta cantando.

SE CASÓ A LOS QUINCE AÑOS
Su infancia y adolescencia no fue de lo mejor. Hija de madre soltera de apellido Bonnet, nació el 11 de diciembre de 1930, en la ciudad de Gualeguay, Provincia de Entre Ríos, Argentina. Había que estudiar y salir a trabajar y Beatriz -además- se enamora y se casa muy rápidamente a los quince años.
El matrimonio duró un año y se separó porque en esa época en la vecina orilla no había divorcio. Fue en ese tiempo

Comediante y actriz de brillo

Comediante y actriz de brillo

Beatriz Bonnet de López Verde. Por ese entonces estaba trabajando en una bombonería céntrica de Baires, entregando a domicilio los chocolates importados. Ahí fue que la descubrió el director y guionista cinematográfico Pedro R. Bravo, convocándola a dar una prueba en el set de filmación. El casting se hizo, resultando tan bueno que las tomas que se rodaron en el estudio quedaron definitivamente en la película donde debutara, «Mansedumbre». Días después del estreno de la cinta en enero de 1953 comenzó a estudiar baile y canto profesional y en el Instituto de Arte Moderno, actuación. En dicha academia logra comprometerse con el arte y con el oficio mismo de ser una actriz.

OPERETAS EN CANAL 7
En tevé en Canal 7 hasta realizó Operetas. Fue la reemplazante de Rosita Quintana en «Mi bella dama», a la que un día reemplazó con tanta dedicación y suerte que el público la ovacionó de pie. También llevó adelante en el rubro comedia musical «La dama del Maxim’s», «Descalzos en el parque» y repitió su suceso inicial reemplazando definitivamente a Rosita Quintana en «Mame». En diferentes salas brilló con «La zapatera prodigiosa», «La niña boba», «El conventillo de la paloma», «Sorpresas», «Mamá es una estrella», «Boeing boeing», «Doña Flor y sus dos maridos», y por último en el 2011: «Primeras damas del musical», megaconcierto que incluyó a veintidós de las mejores intérpretes del teatro musical porteño. Beatriz interpretó las canciones «Hello, Dolly!» y «Mame» de los musicales homónimos respectivamente.

CASI 20 PELÍCULAS

Con Jorge Luz

Con Jorge Luz

El cine vio a Beatriz Bonnet desplazarse con elegancia y categoría en casi veinte largometrajes: «El pecado más lindo del mundo», 1953, «Canario rojo», 1955, «Novia para dos», 1956, «Los que verán a Dios», 1961, «Operación G», 1962, «El club del clan» con todo el elenco del programa hit de la tele, junto a Fernando Siro, Pedro Quartucci, Alfredo Barbieri y Tristán, 1964, «La pérgola de las flores», primer premio a la mejor película argentina de 1965, «Villa Delicia», 1965, «Necesito una madre», 1966, «Con el más puro amor», 1966, «Un muchacho como yo» junto a Palito Ortega, 1968, «El bulín», 1969, «Pasión dominguera», 1970, «Um caipira em Bariloche», 1973, «El profesor erótico», 1976, «Sálvese quien pueda», 1984, y «Mar de amores», 1998, entre otros. Beatriz Bonnet cuenta en la actualidad con 86 años, y aquejada por consecuencias de la edad que posee está internada en un geriátrico, con demencia senil. También lamentablemente, se dice que ha sido estafada con sus ahorros e inmuebles, por un par de supuestas admiradoras que se acercaron a la estrella. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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FRANCE GALL: AQUELLA NIÑA CANTANTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Tenía apenas quince años cuando apoyada por su padre, al darse cuenta de la muy buena voz de su única hija, la animó a grabar canciones, remitiendo las cintas magnetofónicas al editor Denis Burgeois. France Gall

A este le impresionó tanto su registro vocal e imagen que la contrató al toque para editar sus temas en la fonográfica internacional Phillips. Al tomar contacto en la disquera con el compositor Serge Gainsbourg, la juvenil cantante le comenta que desearía presentarse en el Festival Eurovisión, es así que el autor realiza para ella “Poupée de cire, poupée de son” -“Muñeca de cera”- que increíblemente obtiene la edición del famoso evento canoro 1965. Luego de su triunfo, con un brillante primer premio, su éxito fue detonante en Europa y casi todo el mundo, no solamente con la edición del disco, sino también con infinidad de presentaciones en directo en muchísimos países. Su fama creció enormemente y se mantuvo hasta fines de los sesenta cuando empieza a declinar, hasta que se reúne con el cantautor Michel Berger en 1973. El encuentro resulta tan fructífero que se casa con Michel el 22 de junio de 1976. Se llama Isabelle Gall, de nombre artístico France Gall.

ACABA DE CUMPLIR 70 AÑOS
Aquella niña cantante acaba de cumplir sus 70 años. Nacida el 9 de octubre de 1947, en París, ya de pequeña se codeó con la música. En su hogar combinaban el sonido en el tiempo, su padre, Robert Gall -reconocido autor de “Wonderful lovers” que cantara Edith Piaf, en 1960, y “La mamma”, para Charles Aznavour, en 1963, entre otros- y su madre, Cécile Berthier, acompañaba artísticamente a su esposo, hija de Paul Berthier, co-fundador del reconocido Manécanterie des petits chanteurs -coro de pequeños cantores de la Cruz- France tiene dos hermanos gemelos, mayores que ella: Patrice y Philippe, que eran bajista y guitarrista respectivamente.
En el entorno de su casa ve desfilar a muchos artistas: Marie Laforét, Hugues Aufray, o Claude Nougaro. Ya de pequeña acompaña a su padre detrás de escena en el Olimpia, y también fue con él para que la llevara a ver a Piaf, Bécaud y Aznavour. France empieza a tocar el piano a los cinco años, luego llegaría la guitarra. Inmediatamente funda con sus hermanos una banda, donde ella canta, tocando durante varias temporadas en sitios de la ciudad luz. En esos momentos la pequeña Isabelle es apodada “Babou” por su familia, seudónimo que le dura hasta hoy.

TELONERA DE SACHA DISTEL
Una vez instalada en Phillips lanza su primer simple “Ne sois pas si béte”, un twist, justo en su cumpleaños nro. 16. La primera composición de Gainsbourg, “N’ecoute pas les idoles” -“No escuches a los ídolos”- resulta todo un hit llegando al tope de las pizarras en marzo de 1964.
A partir de ese momento empieza sus shows en directo debutando en Bélgica, haciendo de telonera de Sacha Distel. Ante la posibilidad de seguir grabando decide cambiar en parte el estilo de sus temas recurriendo a su padre y a otros populares compositores franceses para renovar su repertorio, entre ellos: Hubert Giraud, Georges Liferman, Guy Magenta, Eddy Marnay, Jean-Michel Rivat, Jean-Max Rivière, Frank Thomas, Maurice Vidalin, André Popp, Gilles Thibaut, Jean Wiener, Pierre Delanoë, Jean Dréjac, Gérard Bourgeois, Jean-Pierre Bourtayre, Joe Dassin, Jacques Datin, y Alain Goraguer. De ésta forma, France transita el jazz, baladas suaves, canciones infantiles, y bien modernistas. Pensando en ese cambio, al culminar 1964 registra una canción de corte infantil: “Sacré charlemagne”, con letra de su padre y arreglos de George Liferman, llegando a colocar dos millones de copias en 1965.

“POUPEE DE CIRE, POUPEE DE SON”, No. 1 EN EUROVISIÒN
Uno de los mejores momentos de la carrera de France Gall es haber logrado el Festival Eurovisión 1965 con “Poupée de cire, poupée de son”, con 17 años, representando en este caso a Luxemburgo. La singularidad de la interpretación asombra y es elegida el gran premio. En el estilo yé-yé de la mano de Serge Gainsbourg, fue el primer tema ganador del certámen con un ritmo rápido, nominada como una de las catorce mejores canciones de todo el evento en el special realizado en 2005.
Tras su suceso en Eurovisión, el tema es versionado y grabado posteriormente en diferentes idiomas: italiano, alemán, francés, español y también en japonés. Frente a la popularidad de “Poupée de cire…” una empresa de juguetes lanza una especial muñeca de cera en forma de llavero, y otra de mayor tamaño, vendiendo solamente en el mercado francés, 15.000 unidades de cada una por día.
Y a France le llueven las giras por muchos lugares de Europa, donde ofrece el espectáculo “Le grande cirque de France” -“El gran circo de Francia”- y le reclaman su nuevo hit.

CONOCE A MICHEL BERGER
En 1973 France Gall es seducida por la música del compositor Michel Berger cuando escucha la canción “Attends-moi”. Así se conocen y forman una pareja de trabajo y también en su vida particular.
Su carrera había bajado, pero a partir de ese momento tan especial, fue levantando nuevamente.
Actualmente se mantiene en actividad. Más allá de la nostalgia.

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TOM PETTY: LÍDER Y LEYENDA del ROCK

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Cantante, autor, productor, excepcional músico de rock que ejecutaba varios instrumentos fue Tom Petty, cantante principal de su propia banda Tom Petty & The Heartbreakers, y confundador del supergrupo británico-estadounidense de fines de los ochenta y comienzos de los noventa: Traveling Wilburys. Editó discos y a lo largo de su brillante carrera vendió más de ochenta millones de placas en todo el orbe, convirtiéndose así en uno de los artistas de la música que más colocó fonogramas, siendo incluido en 2002 en el famoso Salón de la Fama del Rock and Roll. Lamentablemente, Petty sufrió un paro cardíaco en la mañana del pasado lunes 2 de octubre -hace una semana- dejando de existir en el Centro Médico de Santa Mónica, California, Estados Unidos. Se fue uno de los grandes del rock.  Tom Petty. 1

FANÁTICO DE ELVIS
Thomas Earl Petty estaba próximo a cumplir sus 67 años, ya que nació el 20 de octubre de 1950, en Gainesville, Florida. Es el primero de dos hijos de Kitty Avery y Earl Petty. Su verdadero interés por el rock se inició a los diez años cuando conoció a Elvis Presley. En el verano de 1961, su tío mientras trabajaba en el propio set de la película “Follow that dream” de Elvis, invitó a Tom a observar la filmación. Cuando conoció al “Rey del rock” se quedó maravillado, haciéndose fan de la estrella siguiéndolo en cada show, adquiriendo inmediatamente una colección de discos simples de Presley. Al poco tiempo, concurre al Shea Stadium para ver a The Beatles por primera vez en USA, los cuales le parecen muy buenos y divertidos, deseando hacer un conjunto al estilo de ellos. No transcurrió mucho en aparecer grupos similares en determinados sitios de Norteamérica. A los 17 años Tom deja la secundaria para dedicarse a tocar el bajo en la primera agrupación que forma. En su inspiración estaban Elvis, los genios de Liverpool y también algo de Los Rolling Stones. Uno de sus primeros profesores de guitarra fue Don Felder, un músico de Gainesville, que más tarde se uniría a Eagles, quien le brindó toda una enseñanza.

TOM PETTY & THE HEARTBREAKERS
Mientras estudiaba en la Universidad de Florida, trabajando paralelamente en varias empresas -hasta de sepulturero- luchando por el bienestar familiar, estaba al frente de la banda Epics, para luego mejorar en Mudcrutch, pero aunque la flota, que contó con futuros componentes de Heartbreakers -Benmont Tench y Mike Campbell- editó un sencillo, pasó bastante desapercibida. En 1976 forma Tom Petty & The Heartbreakers, funcionando con Mike Campbell en primera guitarra, Ron Blair como bajista, Stan Lynch en batería, y Tom Petty, como vocalista, guitarrista y cerebro pensante. Desde su origen el conjunto ha tenido varios cambios en su conformación original, con Howie Epstein, como bajista, entre 1982 y 2002, cuando Blair se aburrió de giras interminables, y con la aparición de Steve Ferrone y Curt Bisquera, para reemplazar a Lynch en 1994. Con The Heartbreakers, Petty registró y publicó varios temas de suceso, muchos de los cuales son propalados con bastante frecuencia hasta el día de hoy por diferentes emisoras en el mundo entero: “American girl”, “Breakdown”, “The waiting”, “Learning to fly”,”Refugee” y “Mary Jane’s last dance”. Aunque lo que practicaban se apagó en la década de los noventa, la agrupación se mantuvo activa: saliendo de gira con frecuencia y sacando álbumes, siendo el más reciente, “Mojo”, eidtado en junio de 2010. Aunque la mayor parte del material es producido y realizado bajo el nombre de The Heartbreakers, Petty había publicado también varios trabajos en solitario, carrera que emprendió en 1989 con la aparición de “Full moon fever”. Sin embargo, incluso en estos lanzamientos, varios miembros de la banda contribuyeron como músicos de estudio en los álbumes en solitario de Petty.

TRAVELING WILBURYS: FEBRERO, 1988

Exactamente en febrero de 1988 nace Traveling Wilburys de la mano de George Harrison, Jeff Lynne, Roy Orbison, Bob Dylan y Tom Petty, más el acompañamiento en batería de Jim Keltner. Se convirtió verdaderamente en un supergrupo musical. Durante el tiempo que el grupo estuvo activo, los cinco miembros de Traveling Wilburys colaboraron frecuentemente en varios proyectos en solitario de cada uno de ellos. Al respecto, Jeff Lynne y Tom Petty trabajaron en “Mystery girl”, el último tema de estudio de Roy Orbison, en el cual George Harrison contribuyó tocando la guitarra eléctrica en una canción. Lynne también produjo “Full moon fever”, el primer disco en solitario de Petty sin The Heartbreakers, en el que Harrison también tocó la guitarra. Lynne volvió a producir el siguiente trabajo de Petty, “Into the great wide open”, lanzado en 1991. Petty y Harrison también participaron en el 30th Anniversary Concert Celebration, un concierto homenaje a Dylan celebrado en 1992. En muchas notas Tom Petty dejaba en claro el apoyo de sus padres, de su hermano, Bruce, y de su mujer Dana, en su paso por el rock, donde dejó indiscutiblemente su huella de líder y leyenda. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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A 32 AÑOS DE SU IDA… ROCK HUDSON: AQUEL GALÁN DE LA PANTALLA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Trabajó de repartidor, cartero, taxista, camionero y hasta de vendedor puerta a puerta, y nunca se le pasó por la mente convertirse en uno de los galanes del cine de todos los tiempos. Sus papeles tenían eso, no solamente era el muchacho de la película, sino el “pintún” dijeran las damas. Aunque la verdad más tarde sería otra. De actuaciones que son recordadas por determinadas cintas: “Gigante”, 1956, con Elizabeth Taylor, y James Dean, basada en la novela homónima de Edna Ferber, dirigida por George Stevens, “Problemas de alcoba”, 1959, junto a Doris Day, y Tony Randall, bajo la dirección de Robert Mulligan, y “Tuya en septiembre”, 1961, con Gina Lollobrígida, Bobby Darin, y Sandra Dee, contando con la dirección de Robert Mulligan, entre otras. Sus protagónicos estelares le daban paso a las mujeres admiradoras del mundo, que lo tenían como el verdadero gentleman del cinema, sin embargo la realidad no encajaba con esto, ya que él ocultó durante mucho tiempo su vida privada donde estando en su bunker solo conocía de fiestas gay, compartidas con abundante alcohol, escondiendo esta realidad, le tocó en desgracia ser el primer caso publicitado de sida en alguien célebre de Norteamérica, en los inicios de la pandemia, a principio de los ochenta. Fue exactamente el 2 de octubre de 1985, con 59 años, cuando dejó de existir en Beverly Hills, California, víctima de VIH. Hace hoy 32 años. Se llamó Roy Harold Scherer, Jr. y se le conoce como el apuesto Rock Hudson. Rock Hudson. 1

¿UN MUCHACHO TIÍMIDO?…
Hudson nació el 17 de noviembre de 1925 en la localidad de Winnetka, Illinois, y es único hijo de Katherine Wood, quien era telefonista, y de Roy Harold Scherer, mecánico. Su madre se volvió a casar más adelante, y su padrastro, Wallace Fitzgerald, lo adptó y cambió su apellido por Fitzgerald. Los años de Hudson en la High School Secundaria de New Trier no fueron destacados para nada, aunque el allí a veces cantaba, y fue recordado como el muchacho tímido que entregaba los periódicos, y también como ayudante en el campo de golf.
Más adelante y durante la Segunda Guerra Mundial, se alistó en la Marina de los Estados Unidos, y finalizado el conflicto bélico se trasladó a Los Ángeles, para realizar diversas actividades laborales. A fines de la década del ’40 consigue aparecer en pequeños papeles, logrando un contrato con Universal Studios en 1949. El estudio cinematográfico de buenas a primeras, lo considera un actor muy prometedor, con gran magnetismo para el público femenino, y lo somete a una enseñanza en general, que incluye clases de interpretación, baile y canto, esgrima, y hasta montar a caballo. Entre sus primeras cintas, aún con papeles menores, se destacan “Escuadrón de combate”, 1948, de Raoul Walsh, con Edmond O’Brien y Robert Stack, y “Winchester ’73”, 1950, de Anthony Mann, protagonizada por James Stewart.

EL ACTOR MÁS POPULAR DE HOLLYWOOD
Luego de más filmes, Hudson se posicionó como un nombre destacado en los largometrajes de aventuras. Lo que lo convirtió en una estrella de Hollywood fue “Magnificent obsession”, 1954, co-estelarizada por Jane Wyman. El título recibió muy buenos comentarios de los cronistas especializados destacando a Hudson como el actor más popular de ese año. Al retornar a los sets siguió con más aventuras: “Bengal brigade”, 1954, ambientada durante el Motín de la India, y “Captain Lightfoot”, 1955. También rodó tres melodramas: “One desire”, 1955, con Anne Baxter, “All that heaven allows”, 1955, y “Never say goodbye”, 1956. En ese año explotó su nombre por las marquesinas en “Giant” -“Gigante”- Hudson y James Dean fueron nominados para los Oscars en la categoría “Mejor actor”. Galardonada con varios premios cinematográficos, “Gigante” fue incluida en el año 2005 entre las conservadas por el National Film Registry -Registro Nacional de Filmes- de la Biblioteca del Congreso de USA, por ser considerada: “cultural, histórica, o estéticamente significativa”. Otro suceso le llegaría con “Written on the wind”, 1957, y “Battle hymm”, 1957.

LA VIDA SECRETA DE HUDSON
Mientras la carrera de Hudson se estaba desarrollando, el actor y su agente de prensa Henry Willson mantenían la vida íntima del seductor de mujeres, fuera de la prensa y los titulares. En 1955 el semanario “Confidential” amenazó con publicar una exposición sobre la vida homosexual secreta de Hudson. Willlson paralizó esto revelando información sobre años de cárcel de Rory Calhoun, y la detención de Tab Hunter en una fiesta. Según algunos colegas, la actividad gay de Hudson era bien conocida por Hollywood a lo largo de su actividad. Elizabeth Taylor, Susan Saint James y Carol Burnett, afirmaron que sabían de su homosexualidad. Para confundir a todos, Hudson contrajo enlace con la secretaria de Willson, Phyllis Gates. A los tres años se divorció al descubrir la vida secreta de Hudson. La relación más conocida de Rock fue con Marc Christian, quien se quedó con una buena parte de la fortuna de Hudson, al éste dejar de existir. Más allá de la nostalgia.

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ISABELLE ADJANI, LA SUBLIME: CORONADA POR EL CINE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Distinguida y premiada como pocas por sus protagónicos en la cinematografía. Laureada actriz francesa siempre elogiada por los periodistas de espectáculos como de los espectadores, considerada una de las grandes estrellas del cine de su país, de Europa y del séptimo arte. Es parisina, nacida el 27 de junio de 1955, debutando en los sets a los catorce años de edad en el filme «Le petit bougnat», en 1970, para luego desarrollar su base artística e impactar al gran público en la comedia francesa con «Escuela de mujeres», 1972, y «Ondine», 1974, obras de suceso en cartel, para seguir el año entrante, nuevamente ante las cámaras, rodando «L’histoire d’Adele H», con el director Francois Truffaut, recibiendo su primera candidatura al Oscar de la Academia, como «Mejor actriz», a la edad de 19 años, siendo la mujer más joven en ser nominada en esos tiempos; un récord verdadero que sostuvo por cerca de treinta años. Su nombre: Isabelle Yasmina Adjani, llamada por muchos «La Sublime».

Con el director de L'Histoire d'Adele H., Francois Truffaut, en pleno rodaje, 1975

Con el director de L’Histoire d’Adele H., Francois Truffaut, en pleno rodaje, 1975

PARTICIPANDO EN TEATROS DE AFICIONADOS
Isabelle es hija de Emma Augusta «Gusti» Schweinberger, alemana, quien le enseñó a hablar el idioma germánico desde que era pequeña, y de Mohammed Cherif Adjani, de origen argelino. La actriz pasó la infancia y adolescencia en Gennevillers, hablando alemán y francés de manera perfecta. Luego de obtener un evento en la escuela, se inició participando en teatros de aficionados a los doce años. Culminó su bachillerato y acudió a la Universidad de Vincennes en 1976, mientras que su hermano menor también lo hizo más tarde. Se llamó Eric, y era sumamente compañero de Isabelle. Fue un duro golpe el que recibió, cuando él falleció el 25 de diciembre de 2010, cuando tenía 53 años.

LUCY EN «NOSFERATU, EL VAMPIRO»
Interpretando a Lucy en «Nosferatu, el vampiro», remake 1979, del director alemán Werner Herzog, fue muy bien recibida con excelentes comentarios y taquillas europeas.
En 1981 recibió el doble premio de «Mejor Actriz» en el Festival de Cine de Cannes por sus papeles en «Quartet de Merchant Ivory» , basado en la novela de Jean Rhys y en la cinta de terror «Possession», 1981. Al año siguiente, obtuvo su primera distinción «Premio César» también por «Possession», en donde había encarnado a una mujer al borde de un ataque de nervios.
En 1983, ganó su segundo César por su representación de una dama vengativa en «One deadly summer». Ese mismo año, Isabelle se dedicó también al canto lanzando el álbum «Pull marine», compuesto y producido en su totalidad por Serge Gainsbourg. La promoción se hizo en base a un videoclip de «Pull marine», dirigido por Luc Besson. En 1988 co-produjo y estelarizó «Camille Claudel» recibiendo su tercer César y la segunda nominación al Oscar por su papel, convirtiéndose en la primera actriz francesa en recibir dos nominacionas al Oscar. El largometraje también se nominó para la estatuilla de la Academia a «Mejor película en idioma extranjero». Su cuarto César fue para «Queen Margot», 1994, filme épico, dirigido por Patrice Chéreau. Su quinto César sería para «El día de la falda», 2009. La cinta la presenta como profesora de secundaria en un agitado suburbio francés, en donde se le dispara en forma accidental un arma de fuego en plena clase, alcanzando a un joven estudiante. Se estrenó en canal Arte France el 20 de marzo de 2009, logrando muy altos índices de teleaudiencia, estrenándose más tarde en salas el 25 de marzo de ese año. También logra el Oso de Plata a la «Mejor actriz» en el Festival de Cine de Berlín en 1989 por «Camille Claudel». Posteriormente se destacó en «Subway», «Harper’s bazaar», ambas de 1985, «Diabolique», 1996, «Sour les jupes des filles», 2014, «Carole Matthieu», 2016, y «Llama a mi agente!», 2017.

VERSATILIDAD EN LA ACTUACIÓN
Debido a su versatilidad en la actuación y su talento Isabelle Adjani se convirtió en un mito. Rodeando de misterio su imagen, no solo se ha ganado una tremenda admiración por sus interpretaciones, también ha generado una inmensa curiosidad en los medios sobre su vida privada, mantenida por la actriz de forma muy reservada. Se sabe que en 1979 tuvo un hijo, Barnabé Said-Nuytten, con el cineasta Bruno Nuytten, a quien contrató para dirigir su proyecto, «Camille Claudei». Entre 1989 y 1995, tuvo una relación con Daniel Day-Lewis, logrando un hijo de esa unión, Gabriel Kane Day-Lewis, en 1995, año en el cual se separó de Daniel Day-Lewis. Más adelante, se acercó al tecladista Jean-Michel Jarré, distanciándose en 2004. Isabelle cuenta en la actualidad con 62 años y sigue siendo estrella en cine y teatro desplegando su infinita calidad. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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47 AÑOS SIN JIMI HENDRIX

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Considerado uno de los violeros más influyentes de la historia del rock mundial y uno de los músicos más famosos del siglo XX, Jimi Hendrix, nacido bajo el nombre de Johnny Allen Hendrix, después de solamente cuatro años de carrera donde actuó, compuso temas, realizó grabaciones, y se hizo popular entre sus pares, dejó de existir un día como el de hoy, 18 de septiembre pero de 1970, en Londres, hace 47 años atrás. De figuración estelar en el Salón de la Fama del Rock and Roll, luce su emblema de estrella gigante en la historia del rock, también supo ser una figura emblemática de renombrados festivales de fines de los sesenta : Monterrey Pop Festival de 1967, Festival de Woodstock, 1969 -donde fue el artista mejor remunerado en un concierto- y el Festival de la Isla de Wight, en 1970, antes de su fallecimiento por consumo de barbitúricos, cuando tan solo tenía 27 años. Jimi Hendrix. 1

Jimi obtuvo varias distinciones durante su vida y después.
En 1967, los lectores de la publicación Melody Maker lo votaron como el músico del año, y al año siguiente, Rolling Stone lo nominó músico de 1968. Disc and Music Echo, lo nombró mejor músico 1969, y en 1970 Guitar Player lo consagró guitarrista del año. Su conformación The Jimi Hendrix Experience entro en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1992, y en UK Music Hall of Fame, 2005. La revista Rolling Stone colocó sus tres discos: “Are you experienced”, “Axis: bold as love”, y “Eletric Ladyland”, entre los cien discos de la música, y a Jimi como el mejor guitarrista y la sexta mejor figura de todas las épocas.

FUE PARACAIDISTA EN EL EJÉRCITO

Jimi Hendrix llegó a este mundo el 27 de noviembre de 1942, en Seatle, Washington.
En 1961 lo llamó el ejército norteamericano siendo paracaidista, licenciándose al año posterior. Al tiempo, se afincó en Clarksville, Tennessee iniciándose en los recitales siendo conocido como Chitlin’ Circuit, tocando como músico en The Isley Brothers y Little Richard hasta mediados de 1965. Siguió con Curtis Knight and The Squires, antes de trasladarse a Londres cuando expiraba 1966.
Con pocos meses en el Reino Unido Jimi metió tres simples en la lista de éxitos oficial de Inglaterra junto a su banda The Jimi Hendrix Experience: “Hey Joe”, “Purple haze” y “The wind cries Mary”. En 1968 su tercer registro, “Electric ladyland”, obtiene el primer lugar en USA en el ranking de ventas y popularidad, siendo su único número uno en Estados Unidos. En el siguiente año, 1969, Jimi se convirtiría en uno de los puntos más altos del Festival de Woodstock, interpretando al estilo blues electrónico el mismísimo himno del Norte.

WOODSTOCK: MÚSICA, PAZ y AMOR

El famoso Woodstock Music & Art Fair -Festival de Woodstock, a puro rock, fue una congregación hippie realizado los días 15, 16 y 17 de agosto de 1969.
Tuvo lugar en una granja de 240 hectáreas en Bethel, Sullivan County, estado de Nueva York, reuniendo casi 500.000 almas.
El magistral evento fue registrado en el documental “Woodstock: 3 days of peace & music”, ganador de un Oscar de la Academia, y grabada su banda sonora en “Woodstock: Music from the original soundtrack and more”. Considerado como uno de los momentos clave de la historia de la música popular, agrupó a nombres resonantes: Richie Havens, Jefferson Airplane, The Who, Joe Cocker, Janis Joplin, y al propio Jimi Hendrix, entre otros. Para esa época, Jimi era el músico de rock que mejor cobraba; fue el gran llamador del festival.
Tocó a las ocho de la mañana del lunes, llevando despierto más de tres días esperando para realizar su presentación. Para el concierto, ante 30.000 personas en ese momento, añadió al guitarrista rítmico Larry Lee y a los músicos Juma Sultan y Jerry Vélez para tocar las congas. Ensayaron menos de dos semanas, nunca se conectaron musicalmente, pero trataron de llevar adelante la actuación.

ALCOHOL, DROGAS y FINAL

A partir de julio de 1962, cuando lo expulsan del ejército, Hendrix comenzaría su otra vida, esta muy triste, con consumo constante de alcohol y todo tipo de drogas, enojándose, con ataques de ira, y poniéndose violento de manera frecuente.
El 3 de mayo de 1969 cuando pasaba por la aduana del Aeropuerto de Toronto, las autoridades lo detuvieron al encontrarle heroína en su equipaje. Entreverado en esa ruta que llevaba, que él eligió, su último día fue cuando ante un exceso de pastillas que le causó intoxicación dejó de existir en el Hospital St. Mary Abbot. Había ingerido siete de sus pastillas de prescripción médica, casi veinte veces más de la dosis recomendada. Jimi Hendrix ha sido una verdadera influencia para diversos artistas, y un ícono total del rock and roll. Más allá de la nostalgia.

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ERIC CARMEN: EL TALENTO y LA CALIDAD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

El talento y la calidad sobresalen en la figura enorme de la música: Eric Carmen.

Otro de los artistas de honda repercusión en cada “Noche de la Nostalgia”, llenando de recuerdos cada pista a través de sus temas de corte espectacular.
Sus producciones han acaparado la atención de los consumidores de su estilo en todo el mundo, y muchos hasta hoy en día a nivel de coleccionistas conservan sus magistrales vinilos. Su carrera ha sido de puntos altos en la creatividad de sus obras, de contenidos brillantes. Nacido el 11 de agosto de 1949 -acaba de cumplir sus 68 años- en Cleveland, Estados Unidos, bajo el nombre de Eric Howard Carmen, se ha desempeñado en múltiples facetas siempre relacionadas de alguna manera al pentagrama: tecladista, guitarrista, compositor, productor, empresario y quizás la más importante, cantante. Fue suceso ante numerosos hits durante los setenta y ochenta, primero como miembro de The Raspberries y más tarde en solitario. Eric Carmen. 1

THE CHOIR y CYRUS ERIE

The Raspberries tiene sus raíces en dos de las más conocidas bandas de Cleveland en la década del sesenta, The Choir y Cyrus Erie. The Choir, originalmente llamada The Mods y conformada por Dan Klawon, Wally Bryson, Dave Burke, Dave Smalley y Jim Bonfanti, tuvo un repertorio más extenso de temas originales, resaltando “It’s cold outside”, el cual se pasó de masivo hit en Cleveland a impactante simple nacional norteamericano llegando al puesto No. 68 de la mano de la fonográfica Roulette Records. Mientras The Choir disfrutaba de su logrado suceso y una cadena de simples, Cyrus Erie, creada por los hermanos Michael y Bob McBride, se convirtió en la mejor agrupación de la zona poco después de que Eric Carmen se les uniera en 1967.
Eric convenció a Bryson, quien había abandonado recientemente The Choir, de unirse a la banda. En presencias en directo, Cyrus Erie hizo principalmente covers de canciones de otros artistas firmando con Epic Records y registrando dos originales -“Get the message” y “Sparrow”- en un disco sencillo.
A raíz de esto Bryson abandonó todo para regresar a The Choir, que condujo a la disolución de Cyrus Erie. Carmen y Dann Klawon formaron entonces The Quick, grabando un single con dos temas propios de Carmen-Klawon para Epic, sin mucha repercusión.

THE RASPBERRIES: UN MILLÓN DE PLACAS

En poco tiempo Eric Camen forma The Raspberries, teniendo en la primera plantilla a Wally Bryson en guitarra líder y voz, John Aleksic – guitarra rítmica, Jim Bonfanti en batería, y el propio Eric Carmen en piano, bajo y voz. El grupo fue lanzado discográficamente por Capitol Récords logrando vender un millón de placas con “Go all the way” sonando día y noche en USA.
The Raspberries estaban influenciados por la llamada invasión británica de esos tiempos -The Beatles, The Hollies, Small Faces, The Who, por nombrar algunos- siendo realmente pioneros de la llamada onda “power pop” por su sensibilidad en hits posteriores: “Let’s pretend”, “I wanna be with you” y “Overnight sensation”.
En 1974 Eric Carmen deja el conjunto que se desintegra en 1975, para iniciar actividades en solitario.

ESTUDIA VIOLÍN, PIANO y CANTO

Eric Carmen proviene de una familia de inmigrantes judíos. Desde temprana edad se pasó compartiendo sus estudios primarios con los de violín, piano y canto a través del espacio Dalcroze Eurthythmics en Cleveland Institute of Music.
A los 11 años ya tocaba el piano y soñaba con escribir sus propios temas. La llegada de los Beatles y los Rolling alteró ligeramente su gran aspiración, y aunque se formó clásicamente en piano, se convirtió en un guitarrista autodidacta.
A los 15 adquirió un libro de acordes de los genios de Liverpool, estudiando guitarra durante cuatro meses. Inmediatamente, Carmen se volvió profesional mientras asistía a la Universidad John Carroll.
Luego de su pasaje por The Raspberries donde dejó su huella se lanzó en solitario junto a una excepcional banda de respaldo dando que hablar con sucesos imparables: “All by myself”, “Never gonna fall in love again”, “She did it”, “Hungry eyes” y “Make me lose control”.

COMPONE CUANDO LO SIENTE

Eric Carmen mantiene actualmente como principal fuente de ingresos los derechos de autor y publicación de sus discos, adoptando la corriente de hacer shows y componer cuando realmente lo siente.
Tiene dos hijos -Clayton y Kathryn- de su única esposa, Susan, de la cual se divorció en 2009.
Actualmente vive en pareja en Ohio con Amy Murphy.
Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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ABBA: A 41 AÑOS DE “DANCING QUEEN”

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

En la fecha se cumplen 41 años de la llegada al No. 1 en las listas del Reino Unido del tema compuesto por Bjorn y Benni, «Dancing queen» -«Reina bailarina»- siendo -además- el único primer lugar en Billboard del famoso grupo sueco Abba. El lanzamiento también se pegó al tope de los charts en Alemania, Bélgica, Suecia, Nueva Zelanda, Países Bajos, Austria, Noruega, Irlanda, Suiza, Australia, Zimbabwe, Sudáfrica y México, entre otros. Dos años más temprano obtendrían el 5 de abril de 1974 el XIX Festival de Eurovisión, celebrado en Brighton, en la costa sur de Inglaterra con «Waterloo». Abba empezó primera y de ese puesto no se movió nunca, fue un certámen bastante claro. Eran los favoritos, no solamente ganaron el evento, sino que a través de su victoria ineludible se dieron a conocer por infinidad de lugares del orbe. En 1976 -momento de «Dancing queen»- gozaban las mieles del éxito en el mercado discográfico internacional. Dancing queen en simple. 1

EL TIEMPO PASA, LOS HIMNOS QUEDAN

«Dancing queen» es un tema en el lineamiento disco y pop, escrito por Bjorn Ulvaeus, Benny Anderson, Stig Anderson y Anni-Frid Lyngstad, editado primero en disco simple e incluido luego en el cuarto álbum registrado por la agrupación, «Arrival».
Fue una de las primeras canciones escritas para el disco-grande, pensando que fuera el primer sencillo para la promoción del LP, aunque, a pedido de su personal manager, «Fernando» fue elegida antes de «Dancing queen». A mediados de 1976 «Reina bailarina» sonó con fuerza en vivo en el casamiento de Carlos XVI Gustavo de Suecia y Silvia Sommerlath. Allí Abba se presentó en la Ópera Real de Suecia en Estocolmo, haciéndola en directo. Tras su lanzamiento fue todo un hit, y tras los comentarios periodísticos, radiales, y televisivos, la presentación del clip, los shows en directo en varios espacios de tv alrededor del mundo, hicieron que el tema ganara popularidad y se convirtiera en el disco simple más vendidos del cuarteto. Hasta la actualidad, se ha incluido en varios álbumes recopilatorios de ABBA -«ABBA gold», «Greatest hits vol. 2» y «The definitive collection»- además de ser utilizado en varios filmes y programas en la pantalla chica, al mismo tiempo que se han lanzado varias versiones nuevas grabadas por otros intérpretes. Actualmente, es considerada la canción más reconocida de Abba y varias publicaciones dedicadas a la música la identifican como una de las mejores dentro de su género.

VERSIÓN EN ESPAÑOL

Los argentinos Buddy y Mary McCluskey -agentes de RCA Récords en Buenos Aires- se dedicaron a colocar las letras en español a las diferentes canciones del cuarteto. El 7 de enero de 1980 se grabaría «Dancing queen» en castellano en los estudios Polar Music -propiedad de la banda sueca- lo que sería el segundo corte del álbum «Gracias por la música» enteramente en la lengua de Cervantes. Explotó en España, América Latina y Area Latina USA. Según «Récord World» de Thomas Fundora, durante 1976 y 1977, fue el grupo «estrella» por las radioemisoras latinas de Estados Unidos. El LP incluye: «Gracias por la música», «Reina bailarina», «Al andar», «Dame, dame, dame», «Fernando», «Estoy soñando», «Mamma mía», «Hasta mañana», «Conociéndome, conociéndote», y «Chiquitita». En Uruguay el álbum fue editado por APSA, con licencia de la etiqueta naranja RCA. También obtuvo superventas.

FAMOSOS EN EL ORBE

En los inicios de 1977 Abba ya era admirado y famoso a nivel mundial. Ese año «Arrival» -donde está «Dancing queen»- recibió un galardón en la primera entrega de los premios Brit Awards en el rubro «Mejor álbum internacional». Eso ocurre debido a sus ventas y popularidad por Inglaterra. Su gran tourné comienza el 28 de enero por Australia y Europa, donde montan un espectáculo aparte. La gira llamó la atención de la prensa escrita de Europa Occidental, extendiendo los shows en Copenhague, Gotemburgo, Colonia, Berlín, Amberes, Amsterdam, Hanover, Essen, y terminando con varios recitales en Manchester, Glasgow, Londres y Birmingham. Las entradas para las dos presentaciones en el Royal Albert Hall se colocaron únicamente por correo, y más tarde la principal oficina postal divulgó que recibieron más de tres millones y medio de solicitudes.

375 MILLONES DE DISCOS VENDIDOS

Las ventas totales de ABBA varían de acuerdo a la fuente que se cite. Cuando el cuarteto se separó en 1982, The New York Times estimó sus ventas en más de 100 millones de álbumes, sin contar sus discos simples. En 2008 Universal Music Group entregó al grupo un reconocimiento por haber vendido más de 375 millones de copias de sus producciones musicales. Los cuatro miembros del grupo han hecho algunas reapariciones especiales para espectáculos relacionados con ABBA. Hasta ahora no realizaron ningún reencuentro. Hoy se les extraña en el panorama musical. Más allá de la nostalgia.

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JERRY LEWIS: EL BUFON DE LA PANTALLA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Llenó de películas con alegría los estrenos, las matinés y los continuados de las salas cinematográficas y más tarde la programación de los canales de televisión. Un gran comediante que hacía carcajear a todos con sus locuras, divirtiéndolos a puro ingenio ocupando un lugar privilegiado en el humor. Sus habilidades cómicas en pantomimas y representaciones histriónicas o burlescas, le acompañaron por la pantalla mientras él quiso participar por diferentes largometrajes. Jerry Lewis, el auténtico bufón de Hollywood, permaneció en actividad hasta este año 2017, hasta que el pasado domingo 20 de agosto, dejó de existir a los 91 años, víctima de una enfermedad cardíaca terminal, en Las Vegas, Nevada. Fue además actor -por sobre todo- cantante, productor y director de cine, y guionista. Se inició en la radio, continuó en el teatro y la televisión, e inmediatamente el cine lo llamó, siendo furor su dupla con Dean Martin en muchos filmes, como Martin y Lewis, acumulando sensacionales éxitos de taquilla hasta casi finales de los cincuenta. Luego de ese impacto se convierte en estrella en shows de tv, presentaciones, registro de discos, musicales y más cintas, trabajando solo. Obtuvo varias distinciones por sus realizaciones en los Premios American Comedy, Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, Festival Internacional de Cine de Venecia y Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, y fue honrado con dos estrellas en el Paseo de la fama de Hollywood. Nos dejó sus fantásticas actuaciones en «El botones», «El profesor chiflado» y tantas más, en muchas escenas donde eternamente nos hará reír. Rock a bye baby, 1958. 3

GASTABA BROMAS y ROBABA POLLOS FRITOS
Rachel «Rae» Brodsky, pianista, y Daniel Levitch, animador y maestro de ceremonias en espectáculos teatrales utilizando el seudónimo profesional de Danny Lewis, fueron los padres judíos rusos de Joseph Levitch, conocido artísticamente como Joey Lewis y luego Jerry Lewis, quien nació el 16 de marzo de 1926, en la llamada «ciudad de los ladrillos», Newark, en Nueva Jersey, Estados Unidos. Jerry se inició a los cinco años actuando junto a sus progenitores por distintos lugares de Norteamérica. Cuando estaba cursando el décimo grado de secundaria en el Instituto Irvington abandonó de manera imprevista sus estudios. Realmente era todo un personaje, hasta en su juventud haciéndole bromas a sus vecinos y penetrando a las escondidas en las cocinas para hurtar pollo, tortas y pasteles. Durante la segunda guerra mundial, fue rechazado por el servicio militar debido a un problema respiratorio.

LA PAREJA DE LA COMEDIA
Despues de haber pasado por la radio haciendo comicidad, por el teatro con comedias y algunas películas baratas en el cine, a partir de 1946 se uniría a Dean Martin para encarar varias producciones en donde lograría un excelente suceso. Juntos realizaron un show en centros nocturnos de gala, luego como figuras estelares de su propio espacio «The Martin and Lewis Show» para la cadena NBC Red Network, y en el programa «Toast of the town» en CBS, que más tarde se llamaría «The Ed Sullivan Show». Con estas credenciales a la vista Martin y Lwvis inician su carrera juntos en Paramount Pictures como actores de reparto en «My friend Irma», 1949, basada en un radioteatro del mismo nombre. Fue seguido por «My friend Irma Goes West», en 1950. Continuarían catorce títulos más que se fueron convirtiendo en hit de manera ascendente.

CANTANDO EN LAS VEGAS
Finalizada la sociedad, y con Jerry Lewis en crisis pensando en su futuro, Sidney Luft, esposo y manager de Judy Garland, lo llama para pedirle que suplante a su esposa -que en ese momento tenía una faringitis- en una actuación en Las Vegas. Jerry debió cantar, hacer chistes con el público, y de conductor de la velada. La presentación logró impactar en los espectadores, y allí Jerry pudo comprobar que podría seguir solo con su querida actividad. La multinacional Capitol lo contrató para grabar el álbum «Jerry Lewis just sings», disco que una vez lanzado durante cuatro meses colocó casi medio millón de placas vendidas, alcanzando el brillante número tres en la lista de Billboard. Se convierte en una verdadera estrella de comedia por créditos propios con su primer film en solitario, «The delicate delinquent», 1957. Acto seguido, llegarían más cintas: «The bellboy» -«El botones»- «The ladies man», «The errand boy», «It’s only money», «El profesor chiflado», «El mundo está loco, loco, loco», entre otras.

OSCAR HUMANITARIO
Su carrera se extendió hasta los primeros meses de este año, y hasta le dio el tiempo en su vida de casarse dos veces, tener siete hijos y convertirse en un humanitario de renombre mundial apoyando la recaudación de fondos para la investigación de la distrofia muscular.
Hasta 2011, fue presidente y portavoz de la Muscular Dystrophy Association. Jerry Lewis extra special, Jerry Lewis super show y Jerry Lewis stars across America, durante casi cincuenta años, recaudó más de 2600 millones de dólares en donaciones por la causa. En 2009 fue reconocido con el Oscar Humanitario Jean Hersholt como reconocimiento a su gran labor.
Fue un magnífico actor detrás de un gran payaso. Más allá de la nostalgia.

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CUANDO LOS RECUERDOS NOS ATRAPAN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Practicamente en cuestión de contadas horas llega otra edición de «La Noche de la Nostalgia», versión 2017, en este caso. Y si bien hemos repasado la historia de la fenomenal fiesta uruguaya en diferentes oportunidades en estas páginas, hoy retornamos para continuar con todo el sentimiento que nos invade la velada del 24 de agosto. Llegó el momento de sacar del sótano o de un rincón del ropero, los discos. Ya sea los long.play, simples, dobles, cassettes, compactos, etc, etc., y de ponernos por lo menos un poquito al día, ya que esa discografía va quedando atrás; ahora se recurre y se oye en la notebook, en el celular o en el diminuto pendrive, que si no prestás atención o sos precavido, se te pierde en cualquier instante, debido a su minúsculo tamaño. Pero, sin irnos del tema, es el momento de aquellas canciones, aquellos éxitos, aquellas historias que uno tiene, y que muchas nos pueden olvidar. Son los propios recuerdos que nos atrapan y nos transportan a rememorar un tiempo pasado donde no sé si fue mejor, pero sí que hubo dicha, felicidad, muy buena música y por qué no, momentos de los otros. Nos quedamos con las mejores evocaciones, con las más alegres y entretenidas que nos tocó en suertes disfrutar. De eso se trata esta jornada de excepción de emociones a flor de piel. KC and the Sunshine Band. 3
LA REINA DE LA MÚSICA DISCO
La música disco que impuso su moda a fines de los setenta y comienzos de los ochenta, tenía su reina, Donna Summer. Una artista que aparece de manera ineludible en cada «Noche de la Nostalgia». La influencia de esta mega-star en la música pop y dance actuales es innegable, tanto por el sonido acuñado por su productor Giorgio Moroder como por su exuberante imagen, con una puesta en escena y vestuario que marcaron tendencia en su preciso momento. Canciones suyas como «I feel love» han sido interpretadas en directo por Kylie Minogue, Blondie y John Frusciante de los Red Hot Chili Peppers. Se replican fragmentos de sus temas en las canciones nuevas de Beyoncé, «Naughty girl» se basó en «Love to love you baby», y Madonna -cuyo tema «Future lovers»- incluye un fragmento de «I feel love». Y los Pet Shop Boys también han admitido haberse inspirado en ese tema para crear su hit «So hard». La famosa referente de la onda disco obtuvo en cinco ocasiones los premios Grammy, siendo la primera cantante en tener tres álbumes consecutivos en alcanzar el número uno en Estados Unidos, a través de Billboard Hot 100. Donna Summer a lo largo de su carrera colocó más de 150 millones de discos en todo el orbe, lo que la convierte en una de las artistas con mayores ventas de todos los tiempos.
EL QUINTETO TAVARES y LA KC SUNSHINE BAND
Diferentes en su estilo, pero super bailables el quinteto Tavares y la KC and The Sunshine Band, están abonados en los «Recuerdos del 24». Tavares pegó con su fulminante éxito «Heaven must be missing an angel» -«El cielo debe estar perdiendo un ángel»- y es atracción en las pistas bailables mitómanas. Se trata de una banda compuesta por cinco hermanos de New Bedford, Massachusetts, que con su perfil disco, R&B y soul, trascendió por sus impactos. El grupo se incluyó en la banda sonora del filme «Saturday night fever» en 1977, registrando el tema de los Bee Gees «More than a woman» y su versión llegó al Top Pop 40 de ese año. La música de la película se erigió en una de las más exitosas de la historia, otorgándole a Tavares su único Grammy. Por otra parte, la KC and the Sunshine Band inundó los charts de venta y popularidad con «Rock yout baby» y «Shake, shake, shake, shake your booty», en 1976, «I’m your boogie man», 1977, «Boogie shoes», 1978, y «Please don’t go», 1979, entre otros que se solicitan permanentemente en «La Noche de la Nostalgia».
ALPHAVILLE, ONDA TECNO
Los alemanes de Alphaville también marcan absoluta presencia en los cercanos recuerdos. Un grupo de synth pop que fue muy popular en la década de los ochenta. Entre sus temas más impactantes figuran «Big in Japan», «Sounds like a melody» y «Forever young», todos incluídos en su estupendo álbum debut «Forever young», en 1984. Movidos y sentimentales que atraen por las pistas. Y cerramos con Paul Young, cantante británico de rock de 61 años hoy, que tocó la fama en 1985 y se coló en la nostalgia con la exquisita melodía «Everytime you go away», que él mismo compuso. Faltarían muchísimos más. Sale a bailar la noche del 24, escucha y luego me cuentas qué más hubo. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com 

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THE DRIFTERS: MAGIA DE LA NOSTALGIA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Se trata de uno de los grandes temas bailables de «La Noche de la Nostalgia»: «Kissin’ in the back row of the movies» -«Besándonos en la última fila del cine»- interpretado a las mil maravillas por el legendario grupo vocal afroamericano de doo wop y rhythm & blues, The Drifters, formado en 1953. Un título que se mantiene activo hasta el presente, con diferentes cambios en su integración, destacándose por sus voces de corte espectacular, sin dudas. Ante la proximidad de la noche del 24 de agosto, hoy recreamos la magia de la nostalgia con «Kissin’ in the back row of the movies» y The Drifters, un oldhit único e incomparable. Sin embargo, el ahora cuarteto se descolgó en su larga trayectoria con otros grandes sucesos que fueron hits calientes en los distintos charts mundiales de venta y popularidad. The Drifters, primeros tiempos. 1

SE IDENTIFICAN CON CLYDE McPHATTER

La verdadera historia de The Drifters comienza con Clyde McPhatter, aunque realmente permaneció en el grupo por espacio de un año. McPhatter integró durante tres años Billy Ward and his Dominoes, a partir de 1950. Fue la pieza fundamental y responsable del éxito de Dominoes, hasta que por un problema en el conjunto, forma su grupo propio: The Drifters. Exactamente en septiembre de 1953 la agrupación se lanza con su primer hit «Money honey», al que le seguirían «Such a night» y «White christmas» bajo licencia de la fonográfica Atlantic Records. El interés de obtener un sonido gospel bien conformado, llevó a McPhatter a hablarles a cuatro de los cinco miembros de su antiguo grupo cantable de la iglesia, Mount Lebanon Sigers. Así llevó a William «Chick» Anderson -tenor- David Baldwin -barítono- James «Arrugas» Johnson -bajo- y David «Little Dave» Baughan -tenor- Con una sola sesión de grabación de cuatro canciones, el 29 de junio de 1953, McPhatter vio que esta combinación no funcionaba y se decidió por otra línea de componentes.
En el segundo intento continuaría apostando por vocalistas del rubro gospel: Gerhart Thrasher como segundo tenor, Andrew Thrasher, barítono, -ambos miembros del grupo gospel «Thrasher Maravillas»- Bill Pinkney, tenor alto, Willie Ferbee, al bajo, y Walter Adams en guitarra. Esta sería la integración cuando se registró «Money honey».

LLEGA BEN. E. KING

Luego de varios cambios en la banda, en 1957 McPhatter se retira para continuar como solista, lo que ocasiona que el grupo termine por separarse un año después. Así, culminaría la primera etapa de The Drifters. Al desintegrarse momentáneamente el manager observa a un grupo llamado The Five Crowns, quedando gratamente impresionado por su cantante, Benjamín Nelson -llamado posteriormente- Ben E. King, convenciéndolos para que le cambiaran el nombre por The Drifters. El nuevo grupo tuvo una serie de impactos.
Uno de los más grandes fue «Save the last dance for me», el cual llegó al número en las listas de Billboard en octubre de 1960. Entonces la banda vuelve a re-formarse a las órdenes de los productores Jerry Leiber y Mike Stoller. Sus miembros son Ben E. King, Doc Green, Elsberry Hobbs, Charlie Thomas y Reggie Kimber. De nuevo su primer disco, «There goes my baby», resulta ser un gran éxito, al que seguirían otros como «Dance with me» o «This magic moment».

MUCHOS INTEGRANTES, MUCHOS SUCESOS

Entre sus muchos integrantes se encuentran, el propio Clyde McPhatter, Gerhart Thrasher, Andrew Thrasher, Charlie White, Bill Pinkney, Willie Ferbee, Walter Adams, Ben E. King, Doc Green, Derek Ventura, Bernard Jones, Lloyd Butch Phillips, Beary Hobbs, Rudy Lewis, Charlie Thomas, Tommy Evans, Eugene Pearson, Johnny Terry, Terry King, Johnny Moore, Bobby Hendricks, Butch Leake, Rudy Ivan, Jimmy Lewis, Ray Lewis, Bill Fredericks, Louis Price, Maurice Cannon, Glenn Dodd, Pierre Herelle, Carlton Powell, Jason Leigh, Phil Watson, y más. Sus impactos también muchos: «Memories are made of this»,1966, «Baby what i mean, 1966, «Ain’t it the truth», 1967, «Something tells me» 1972, «You’ve got your troubles», 1973, «Like sister and brother», 1973, «Kissin’ in the back row of the movies», 1974, «Down on the beach tonight», 1974, «Love games», 1975, «There goes my first love», 1975, «Can i take you home little girl», 1975, «Hello happines», 1976, «Every night’s a saturday night with you», 1976, y «You’re more than a number in my little red book», 1976, entre tantos.

EN LA FAMA DEL ROCK

En el famoso Salón de la Fama del Rock and Roll están homenajeados The Drifters en diversas integraciones. Sus temas -sin tiempo ni edad- han figurado en el Billboard hot 100 top 30 con inigualable continuidad. Aunque en los últimos tiempos el éxito es mayor en el Reino Unido. Su hit más destacado «Kissin’ in the back row of the movies», continúa sobresaliente como su tema más popular de todos los tiempos. Más allá de la nostalgia.

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BEE GEES: A 46 AÑOS DE UN NÚMERO UNO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

How can you mend a broken heart” fue uno de los grandes himnos de Bee Gees en su historial de la música. Hace 46 años un día como el de hoy llegaba al No. 1 de Billboard, USA. Sucedió en 1971. Los hermanos Gibb daban que hablar con este lanzamiento que más tarde recorrería los diferentes países del mundo con un éxito singular.

“Cómo puedes reparar un corazón destrozado” es un “caballito de batalla” de Bee Gees, el grupo que hacía ya muchos años que estaba en carrera, habiendo incorporado un sonido realmente sinfónico a su repertorio.
Es decir, más allá de su propia banda de músicos, habían integrado una verdadera orquesta de cuerdas y más, para respaldar grabaciones y specials en directo. Así, se fue creando el sonido Bee Gees. Que tuvo dos etapas, antes y después del filme “Saturday Night Fever”, en 1977. Incluyendo a partir del filme de Travolta, temas más rítmicos y bailables, pero también de notable factura. Bee Gees, auténtico número uno. 1

DE LA PLUMA DE BARRY y ROBIN GIBB

“How can you mend a broken heart” es un tema escrito por Barry y Robin en el mes de agosto, 1970, cuando ambos hermanos Gibb habían vuelto a reunirse luego de un período en el cual se habían separado.
La canción en cuestión la habían ofrecido en un principio -Barry y Robin- al cantante Andy Williams, pero a último momento Bee Gees la registraron con sus voces particulares, la lanzaron en simple, y luego en “Trafalgar”, álbum de 1971.
Fue grabada el 28 de enero de 1971 en Londres, en IBC Studios.
La base instrumental estuvo a cargo de Barry Gibb en guitarra, Maurice Gibb – guitarra, piano y bajo- Alan Kendall en guitarra, y Geoff Bridgeford en batería, con cuerdas controladas y conducidas por Bill Shepherd.
Los cantantes: Robin, Barry y Maurice. Fue editado como single en mayo de 1971. El lado B del simple es un tema que no fue lanzado en álbumes: “Country woman”, compuesta por Maurice Gibb, grabado el 6 de abril con: Maurice -guiitarra, piano, bajo- Kendall -guitarra- y Shepherd en cuerdas y trompeta. “How can you mend a broken heart” no logró un gran éxito en Reino Unido, pero fue el primer sencillo de Bee Gees en los Estados Unidos en obtener el número uno en el Billboard Hot 100, además de lograr el escalón No. 4 en Billboard Easy Listening Survey.

UNA NUEVA VERSIÓN

Con el paso del tiempo una nueva versión del tema apareció en Inglaterra, cuando salió la primera edición del álbum compilado Bee Gees: “Their greatest hits – The record”. Tiene las voces distintas y también la parte instrumental es diferente a la primera que se grabó.

Las diferencias entre las versiones ilustran cómo Bee Gees construyeron la canción parte por parte. Más tarde el tema es cambiado por el original.
Teddy Pendergrass grabó una versión de “How can you mend a broken heart” para su LP titulado “Truly blessed”, lanzado en 1991, y Steve Brookstein en su álbum “Heart & soul”, en 2005. Al Green realizó otra versionen su álbum de 1972 “Let’s stay together. La canción fue además hecha por Michael Bublé en 2003, con Barry Gibb cantando en la voz de fondo, en su álbum del mismo nombre Michael Bublé.
La versión de Bublé alcanzó el Top 30 de la lista “Billboard adult contemporary”. La cantante de jazz y pianista Diana Krall no ha grabado la canción, pero si la interpretó en su tour de 2007.

EL FINAL PARA BEE GEES

El 14 de abril de 2012, el periódico “The Sun” informó que Robin Gibb había ingresado a una clínica privada, se encontraba acompañado por su esposa Dwina, su hermano Barry y sus tres hijos, que temían que a Robin le quedaban “Breve tiempo de vida”. Ese mismo día, el portal E-Online informó que Robin estaba en estado de coma en una clínica de Londres. Familiares del famoso intérprete de 62 años, a quien en 2011 le fue diagnosticado un cáncer de hígado, informaron que estaba internado en un hospital a causa de una neumonía, agregó el portal citando fuentes periodísticas.
Finalmente, fallece el 20 de mayo de 2012 tras una larga batalla contra el cáncer, anunciaron sus allegados.

Con la desaparición de Robin, la agrupación finaliza abruptamente su carrera musical de manera definitiva. Sin embargo, en septiembre y octubre de 2013, Barry Gibb -el único hermano sobreviviente- efectúa su primer tour en solitario por el Reino Unido, llamado “Mythology tour: In honour of his brothers and a fifetime of music”, en el cual interpreta los grandes sucesos de Bee Gees.

UNA SERIE DE ESTAMPILLAS

En octubre de 1999 la Oficina Postal de Isle of Man lanzaron una serie de 6 estampillas en honor a Bee Gees. El lanzamiento oficial tomó lugar en el London Palladium donde el musical de “Saturday night fever” fue mostrado. Un lanzamiento similar fue efectuado en Nueva York poco después y casi coincidiendo con lo que ocurría al otro lado del atlántico. Las canciones mostradas en las estampillas son “Massachusetts”, “Words”, “I’ve gotta get A message to you”, “Night fever”, “·Stayin’ alive” e “Immortality”. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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LOS CAZADORES DEL RATING

Muchos afirman que con la aparición de Marcelo Tinelli cambiaron muchas cosas en la televisión, por ejemplo el humor. Que fue algo que se hizo más explícito, más suelto, con todas las palabras, con menos de doble sentido y de imaginación, más para esta época que estamos viviendo. Sin embargo, nos preguntamos ¿qué hubiera sido de aquellos

Barbara Mujica, 1970

Barbara Mujica, 1970

clásicos programas cómicos de antaño, adaptados a la actualidad? Por ejemplo, ver a «Los jubilados» el notable sketch de «La Tuerca», ¿sería bueno, verdad? O los delirantes personajes de Pepe Biondi en «Viendo a Biondi» o por qué no, al elenco multitudinario de «La Revista Dislocada» de Delfor, espacio considerado hasta hoy en día un auténtico semillero de estrellas que luego desembocarían con importantes trayectorias en el mundo del espectáculo argentino y rioplatense. Eran buenos de verdad, y no se mostraban para llegar bien arriba en la medición, simplemente lo lograban porque tenían condiciones, al público le encantaba, al compás de una leal competencia televisiva. Fueron verdaderos cazadores del rating, sin siquiera esforzarse y sin pensarlo.
«LOS JUBILADOS»
DE «LA TUERCA»
«La Tuerca» fue un espacio reidero que se iniciara en 1965, en blanco y negro, con una hora de duración, manteniéndose en grilla hasta 1974, relanzado en 1982 y 1989, con el mismo elenco que otrora. La tira semanal nocturna se convirtió en suceso y varios actores obtuvieron distinciones por su participación. En 1969 recibieron un premio Martín Fierro como «Mejor programa humorístico». Los Canales 13 y 9 emitieron «La Tuerca», en Buenos Aires. En Montevideo fue Montecarlo TV Canal 4. Entre los gags, figuraban un banco con cuatro jubilados, la pelea de una familia porque deseaba que se casara una hija, un mensaje que debía ser enviado a otro en un departamento y correr de un lugar a otro y hasta el vecino que jamás finalizaba de plantar un árbol en la vereda por causa de la burocracía, entre otros. «Los jubilados» aparecían bien sentaditos en el blanco de una plaza para discutir de todo, hasta del tiempo. Los geniales capos cómicos eran: Tincho Zabala -el del fierro- Guido Gorgatti -Toseli- Vicente Rubino -el alemán- y Rafael «Pato» Carret -el

Karadagián con el Hombre de la Barra de Hielo

Karadagián con el Hombre de la Barra de Hielo

italiano. Todos hablaban y colocaban su bocadillo: «Ma, dónde lo encontraste escrito eso»? decía Carret, mientras Gorgatti -hoy con 97 años en su haber- tosía, Zabala repetía enérgicamente «hay que agarrar el fierro y entrar a dar y a dar!» y el inefable Rubino se descolgaba con una frase que tenía relación con la hija de Carret que hacía de secretaria de un abogado… «Aahhhhh, claaaaaaro!…, entonces nenita suya hacer indifrundi, disheguen… trabajo con abogado!». Realmente inolvidable!…
LA TROUPE DE MARTIN
Paralelamente, pero en otro rubro «Titanes en el ring», con un verdadero desfile de luchadores también marcaron una época y fueron sin querer cazadores del rating. El show era producido y manejado por el armenio Martín Karadagián, quien era secundado por un sinfín de personajes: Ararat, el armenio, Caballero Rojo, Don Quijote y Sancho Panza, El Gitano Ivanoff, El Vikingo, Hippie Jimmy, La Momia Blanca, La Momia Negra, Mercenario Joe, Mister Moto, Rómulo y Remo, Rubén Peucelle el Ancho, Super Pibe, Tufic Memet el Arabe, Ulises el Griego, Yolanka, La Viudita, y hasta El hombre de la barra de hielo. El primer programa de «Titanes en el Ring» se emitió por canal 9, Libertad, el 3 de marzo de 1962 -Canal 4 de Montevideo- cosechando un gran éxito desde el principio, finalizando en 1988. La troupe se presentó en vivo en la capital, aprovechando el hit del espacio, en el Cilindro Municipal. De sus luchadores apareció un album de figuritas y alfajores.
«SÁBADOS CIRCULARES»:

Pinky viajaba en colectivo

Pinky viajaba en colectivo

UN SHOW APARTE
Empezando en la tele bien de abajo, el periodista Nicolás «Pipo» Mancera se abrió paso con sus «Sábados Circulares».
Al principio en el canal levantaron una película y le dieron dos horas de espacio, pero como el programa fue creciendo en teleaudiencia, también fue sumando horas de duración hasta constituírse en un «long-show» cazador del rating. Mancera le pusó a sus «Circulares» su destreza periodística, y el lanzamiento de máximas figuras: Sandro, Juan y Juan, Las Trillizas de Oro, Alberto Cortéz, Los 5 Latinos, Leonardo Favio, Sergio Denis, y la llegada de estrellas internacionales: Charles Aznavour, Gina Lollobrígida, Lola Flores, Sophia Loren, Geraldine Chaplin, Alain Delon, Libertad Lamarque, Sean Connery, Pelé, Joan Manuel Serrat, Raphael, María Félix, entre tantos. Alguna vez dijo Mancera con relación a «Sábados Circulares»: «El programa nació porque no había nada que poner los sábados a la tarde…». Sin pensar en el rating, llegó a medir 82

Sandro en Sábados Circulares de Mancera

Sandro en Sábados Circulares de Mancera

puntos.
PINKY VIAJABA
EN COLECTIVO
Nacida en San Justo, provincia de Buenos Aires, Lidia Satragno, más conocida bajo el seudónimo de Pinky, también se convirtió en cazadora del rating en Argentina y Uruguay.
Exmodelo, de muy buena voz y dicción, periodista con carpeta, supo triunfar imponiendo su estilo en Canal 13 de Baires y en Canal 12 Larrañaga de Montevideo, donde se acercaba a principios de los sesenta cada domingo para conducir en vivo un programa de cinco horas, de entretenimientos y música, que fue todo un éxito. Como anécdota agregamos que su esposo por aquel tiempo Raúl Lavié, casi siempre estaba cantando de invitado especial, para luego juntos retornar a la capital porteña. Y culminamos, destacando a una reconocida actriz también cazadora del rating, que se fue muy joven de este mundo, a los 46 años, Bárbara Mujica, dueña de una presencia y voz inolvidable, se la recuerda mucho por su labor en las tiras de Nené Cascallar, en especial «El amor tiene cara de mujer», junto a Rodolfo Bebán, Rodolfo Ranni y Soledad Silveyra durante cuatro largas temporadas. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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BEACH BOYS: A 52 AÑOS DE “CALIFORNIA GIRLS”

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

“California girls” -“Chicas de california”- fue acaso el tema más popular y exitoso de The Beach Boys.
Escrito por Brian Wilson y Mike Love, líderes del grupo y registrado en 1965. Hoy, hace 52 años del acontecimiento. La canción en forma primaria fue lanzada en disco simple 45 rpm. con “Let him run wild” en el lado B, trepando al casillero No. 3 del Billboard Hot 100, 26 en Inglaterra, 28 en Países Bajos, 6 en Canadá, No. 2 en Zimbabue, entre otros. Luego incluida en su álbum “Summer days”.
Participaron de aquella grabación: Mike Love, voz líder, Brian Wilson, vocal, Carl Wilson, bajo sexto, vocal, Dennis Wilson, vocal, Al Jardine, vocal y Bruce Johnston, vocal. Apoyados por varios músicos importantes de sesión: Leon Russel y Al de Lory en teclados, Howard Robers, guitarra, Carol Kaye – bajo, Frank Capp, vibrafóno, Roy Caton, Steve Douglas, Jerry Cole, Jack Nimitz, y Jay Migliori, en vientos, Lyle Ritz, bajo, y Hal Blaine – batería. La afamada publicación “Rolling Stone” colocó a “California girls”, en el lugar 71 en su lista de los 500 mejores temas a través del tiempo.  Lanzamiento de California girls en simple.   2 2
Además, el super-éxito de siempre, “caballito de batalla” de tantos dj’s en “La noche de la nostalgia” del próximo 24 de agosto a la noche; forma parte del Salón de la Fama del Rock, debido a su marcado hit norteamericano y mundial.

MÚSICA Y CULTURA SURF

The Beach Boys es una agrupación formada en la ciudad norteamericana de Hawthorne, California, en 1961. Se pusieron -“Los Chicos de la Playa”- debido a que practicamente vivían allí en las costas de California.
El grupo fue representativo en su momento del estilo de vida en ese lugar, en la década de los sesenta, así como también de la música y cultura del surf de la época. En los inicios de su carrera, sus creaciones se basaban de manera exclusiva en el denominado surf-rock-pop, con producciones y arreglos muy finos de guitarras, y más que nada de perfecta unión de voces que dotaban de un sonido característico e inconfundible al conjunto.
Durante la segunda mitad de la década, el quinteto incursionó en el pop barroco y psicodélico, con álbumes como “Pet sounds” y “Smiley smile”, respectivamente, además del aclamado sencillo “Good vibrations”.

LA PARTITURA DE BRIAN WILSON

En un reportaje realizado oportunamente Brian Wilson declaró que luego de ingerir LSD, salió corriendo a su dormitorio, ocultándose debajo de la cama, gritando “Siento mucho miedo de mi mamá y mi papá!”. . .
En determinado momento, inspirado por “California girls” se paró, exclamando “Very good!”… “Esto es muy bueno”. Acto seguido fue al piano, comenzó a tocar el bajo varios acordes, leyendo la partitura una y otra vez. Al otro día, junto a Mike Love finalizaron el resto del tema. Según Wilson “California girls” está inspirada en Johann Sebastian Bach; y fue la primera canción de la banda que se grabó con la voz de Bruce Johnston, quien ya tendría la tarea de sustituir a Wilson en las presentaciones en directo.
En aquel año, Brian Wilson determinó alejarse de la agrupación por diferentes problemas personales. Aún así, en los setenta prosiguieron publicando material, como “Carl and the passions” – “So tough” – Sin embargo, el grupo -con cambios en su formación a lo largo de su historia- nunca llegaron a recuperar la popularidad que tuvieron a mediados de la década del sesenta. Y desde los ochenta, ha habido muchas disputas legales entre los miembros del conjunto sobre las regalías, los derechos de autor y el uso del nombre.
Por otra parte, existió una demanda por parte de Rondor Music, editorial de las canciones de The Beach Boys, contra el tema “California gurls” de Katy Perry, acusando de que la canción de Perry plagió una parte de la letra de “California girls”, más precisamente el estribillo.
Rondor reclama la inclusión de Brian Wilson y Mike Love -autores de “California girls”- en los créditos de la canción de Perry, la demanda también incluye a la fonográfica que editó el tema de la cantante pop, Capitol Records, quien a su vez lanzó el tema de The Beach Boys en 1965. Tanto el representante de Brian Wilson como el de Mike Love, han declarado de que al ser Rondor Music poseedor de los derechos de la canción, los autores no pueden hacer nada al respecto, cualquier acción legal es manejada por Rondor.

RENUNCIARON AL FALSETE

En 1985, el nuevo productor de The Beach Boys, Terry Melcher, trató de crear un nuevo sonido para la banda. La música fue determinada cada vez más por los componentes electrónicos, tales como baterías, bajo y un sonido dominante de teclado. Además, también se renunció a la voz en falsete típico de The Beach Boys.
Para el disco “Summer in paradise”,1992, los fans de la banda no llegaron a interesarse, debido al sonido extraño que ofrecía. Más allá de la nostalgia.

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RICHARD ANTHONY: EMBLEMÁTICO DE LA NOSTALGIA

Aburrido de colgar éxitos en las pizarras de venta y popularidad por el mundo entero, con más de cincuenta millones de placas colocadas, que le otorgaron discos de oro, platino,doble y triple platino, sobre casi setecientos temas, entre los que se cuentan de su autoría y versionados, marca un récord total para Richard Anthony, un ícono de la nostalgia.Richard Anthony.   1 Triunfador absoluto en la década de los sesenta, por sobre todas las cosas. Donde empezó a interpretar canciones de otros artistas, haciéndolas a su estilo tan particular de entonar, logrando un tremendo impacto en 1968 con “Aranjuez, mon amour”, en adaptación melódica del adagio del “Concierto de Aranjuez”, de Joaquín Rodrigo, con letra de Guy Bontempelli. Recorrió el orbe llevando su show, aplaudido prácticamente por todos los públicos.

NACIÓ EN EL CAIRO, EGIPTO
Al igual que Claude Francois, Georges Moustaki o Dalida, Richard Anthony llegó a este mundo en Egipto, exactamente en El Cairo, el 13 de enero de 1938, bajo el nombre de Richard Btesh. Hijo de madre casi inglesa, hija del cónsul de Iraq en Alejandría, y de un empresario textil de Alepo, Siria, transcurrió su niñez en Egipto, Inglaterra, Argentina y Francia, donde se recibió de estudiante en el colegio Janson de Sailly, de París. Inmediatamente acudió a la universidad para estudiar abogacía, alternando con un trabajo

Uno de sus discos

Uno de sus discos

fulltime en una empresa que regenteaba varias fábricas. Salió cantante de nacimiento, por naturaleza, aprendiendo a tocar el saxo, que luego tocó en reductos de jazz de París, donde era sumamente elogiado. Ya en 1958, con apenas veinte años en su haber, logra su primera grabación con dos temas de moda en la época: “Peggy Sue” de Buddy Holly y “You are my destiny” de Paul Anka, en la fonográfica CBS Columbia. El disco simple quedó adornando las bateas exhibidoras de las casas de ventas de discos; lo compró muy poca gente. Hasta que ya en su tercer lanzamiento en forma de LP, le llega el suceso, más que nada por “Nouvelle vague”, una versión del tema de The Coasters. Le siguieron, muchos más, destacándose, “Et j’entends siffler le train”, registrado en 1962.

AMIGO DE LOS BEATLES, GRABABA EN SU PROPIO ESTUDIO
Tres años más tarde, y luego de ser el solista más vendedor de discos en Francia junto a su amigo Johnny Hallyday, en 1965, edita “Je me suis souvent demandé”, una adaptación de un trabajo de Bobbejaan Schoepen de Bélgica, que impactó en casi toda América Latina, bajo el título de “A veces me pregunto yo”, cantado en castellano, constituyéndose en un himno romántico de mediados de los sesenta. Acto seguido, la disquera le solicitó que hiciera versiones en otros idiomas: en italiano, alemán, inglés y árabe, algo que para Richard le resultó una tarea realmente fácil, ya que hablaba muy bien dichas lenguas.
Luego de la grabación del hit, llega al número uno en muchos países, reafirmando su popularidad. Innovador nato, queriendo mejorar en todo, con deseos de superar los sonidos de los temas, decide grabar en los estudios británicos Abbey Road de Los Beatles, haciéndose amigo de ellos, compartiendo galas en varias oportunidades, en Londres y París.

SEIS MILLONES DE DISCOS
De “Aranjuez, mon amour” vendió seis millones de álbumes, y su popularidad eclipsó al propio profesor y músico Joaquín Rodrigo -coautor del tema- debido al éxito logrado. Y seguían los hits: “Las manos en los bolsillos”, “Le grand meaulnes”, “Un homme en enfer”, “L’ete”, “Les ballons”, “Le sirop typhon” -una versión adaptada del suceso

Aquí acompañando a los famosos Beatles

Aquí acompañando a los famosos Beatles

británico “Lily the pink” de The Scaffold- “Les petits cochons”, “Poema de amor”, “Si cada tarde muere una rosa”, “L’an 2005″ -adaptación de “In the year 2525″ de Zagger and Evans- “Bien I’bonjour”, “Na na hé espoir”, “El arca de Noé”, “Il pleut des larmes”, y “Et aprés”, de Salvatore Adamo, entre otros. Durante la década de los setenta su carrera fue bajando, aún así presentó “Amoureux de ma femme”, en 1973, y “Non top”, 1978. En 1982, problemas fiscales lo llevaron por tres días a la cárcel. En 1996, retornó a los estudios de grabación para versionar nuevamente sus canciones más conocidas en un álbum, llamado “Sentimental”, que se lanzó en Francia y España. También publicó su autobiografía. En 1998, celebró sus 40 años de carrera en París.

DOS MATRIMONIOS,
NUEVE HIJOS
Richard Anthony lamentablemente dejó de existir el 20 de abril de 2015, en la localidad de Pégomas, en el sur de Francia, víctima de cáncer. Tenía 77 años, y con él se fue aquella imagen francesa de comienzos de los sesenta, la de la música “ye-ye”. Se casó en dos oportunidades, y tenía nueve hijos reconocidos. Más allá de la nostalgia.

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A LOS 63 AÑOS: NEIL TENNANT, VOZ CARACTERÍSTICA DE PET SHOP BOYS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Cantante, compositor, periodista musical e ideólogo del dúo Pet Shop Boys son parte de sus magníficas credenciales.
Nacido un día como el de hoy, 10 de julio de 1954 -está cumpliendo 63 años- en North Shields, un puerto pesquero cerca de Newcastle, en Inglaterra, bajo el nombre de Neil Francis Tennant. Hijo de una ama de casa, Sheila M. Watson -1923-2008- y de un representante de ventas, William W. Tennant -1923-2009, tiene además una hermana mayor, Susan, y dos hermanos menores, Simon y Philip. En tiempos de que Neil era muy pequeño la familia se trasladó a una coqueta casa en Greenfield Road, cerca de Brunton Park, un suburbio de gente pudiente en Newcastle.
De chico, Neil concurrió a la escuela secundaria St. Cuthbert’s, un centro de estudios católico. Mientras estaba allí, Neil tocaba la guitarra y el violonchelo. Ya a los 16 años, participó de un grupo folk llamado Dust, cuya tema más popular fue “Can you hear the dawn break?”, siendo fuertemente influenciados por The Incredible String Band, un número muy novedoso y de moda en esos tiempos. Recién empezaba en la música, teniendo un mundo por delante. Neil Tennant.   1

POLITÉCNICO DE NORTH LONDON

En 1975, tras recibirse del curso “Historia del Arte” en el Politécnico de North London, Neil realizó tareas durante un tiempo como editor británico de Marvel Comics. Su cometido era adaptar los diálogos del catálogo de Marvel para los lectores del Reino Unido, así como indicar dónde era necesario volver a dibujar a las mujeres demasiado exuberantes para hacerlas más decentes para las ediciones inglesas. En 1977, dejó este puesto por otro más importante en Macdonald Educational Publishing, que después pasaría a llamarse ITV Books. En 1982, arribó a la revista pop juvenil Smash Hits, donde alcanzó la silla de editor asistente. Mientras estaba en dicha publicación, tuvo la oportunidad de viajar a Nueva York y entrevistar a los componentes de The Police. Allí, conoció a Bobby Orlando, un productor de música bailable de suceso en los ochenta -A saber: Divine, Roni Griffith, The Flirts, The New York Models, Waterfront Home, y más- a quien él tanto admiraba. Neil le mencionó que escribía canciones en sus tiempos libres y Orlando aceptó grabar algunos de sus temas posteriormente.
Así, Orlando produciría el primer sencillo de Pet Shop Boys, “West end girls”, lanzado en abril de 1984, teniendo éxito solo en Bélgica, Francia, Holanda, Italia y la costa oeste americana. En Inglaterra sólo obtuvo el número 121 de la lista de sencillos.

NACE PET SHOP BOYS

Neil Tennant se conoció con Chris Lowe -la otra parte del dúo- en una casa de electrodomésticos de King’s Road, en Chelsea, Londres, el 19 de agosto de 1981.
Esto ocurrió debido a que Neil, luego de adquirir un piano electrónico, no sabía cómo conectarlo a una fuente de potencia, y entonces se dirigió rápidamente a dicho comercio para conseguir un plug especial para que funcionara el equipo, encontrándose con Lowe.
Ambos tenían en común su afición a la música, y posteriormente a algunas conversaciones decidieron escribir juntos algunos temas, más allá de sus gustos personales. A Chris, el dance, y a Neil, la música clásica.
Originalmente pensaron en llamarse West End, debido más que nada por el centro de Londres, pero a los días lo cambiaron por su nombre actual recordando a un amigo de ambos que cumplía tareas en un local de mantenimiento de animales. A Neil, en foma personal, le encantó el nombre porque sonaba como si fueron de un grupo de rap.

“WEST END GIRLS”: CABALLITO DE BATALLA

“Please” fue el primer álbum de Pet Shop Boys, editado el 23 de marzo de
1986, logrando el puesto número tres en el casillero Album Chart Británico. Desde que fue lanzado “West end girls”, el 28 de octubre del año anterior, logrando el primer lugar en nueve países, se erigió en su verdadero caballito de batalla. Recientemente «West end girls» fue elegida por una encuesta telefónica de la BBC como la mejor canción de la década entre 1984 y 1994. Después, aparecería en single “Love comes quickly”, que solamente se despegó en el Reino Unido, “Opportunities” siguió en la ruta, mientras que su primera tourné que estaba prevista para 1986, se postergó hasta 1989, dado que el dúo no deseaba aparecer en vivo.
Poco después, llegó “Suburbia”, y a lo largo de su carrera “It’s a sin”, “Always on my mind”, “Heart”, “Domino dancing”, “Go west”, “Can you forgive her”, “Before”, “Somewhere”, “New York city boy”, “Integral”, “Did you see me coming”, entre tantos. En 2016 apareció su última producción “Super”.

REVELA SU SEXUALIDAD

Neil Tennant se define como gay, haciendo pública su sexualidad en un reportaje en la publicación “Attitude”, en el año 1994. También es abonado de la Fundación de SIDA de Elton John. En estos momentos vive en dos casas, una en Durham y otra en Londres.
Por otra parte, Pet Shop Boys a lo largo de su carrera, ha obtenido una serie de distinciones y premios por sus trabajos: Brit awards, Ivor Novello, Gold Jury Award, BPI Awards, Berolina awards, Music week’s awards, Siggraph wave awards, RSH gold awards, Guiness records, Pixel awards, Evening standard award, VO5 NME awards, y otros. Más allá de la nostalgia.

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PETER FALK: DETRÁS DEL TENIENTE COLUMBO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Se lo identificaba por su vieja gabardina -que aparentemente se la quitaba únicamente para ir al baño o para dormir- por un puro maloliente -casi nunca encendido- por un peugeot destartalado, y hasta por su perro, a quien él lo llamaba así por no haberle encontrado un nombre que le quedara bien, «¡Ven, perro!». Su ocupación: Teniente de la Policía de Los Ángeles, sector homicidios, habilidad: encontrar al culpable, sin utilizar un arma o la fuerza, simplemente por sospechar de la persona, y una vez que ha decidido quién es el culpable, no lo dejará ni un segundo, haciéndose pasar por una persona despistada para engañarlo, persiguiéndolo incansablemente por todos los sitios, acosándolo con conversaciones e interrogatorios a diario, hasta el momento en que al homicida se le terminaban las coartadas, confesando el crimen consumado. En ese ínterin, el detective además hablaba de su esposa -que nunca apareció en los 69 episodios de la tira- o saboreaba su plato preferido, chile con carne y galletitas bien saladas, algunas veces con judías. Su nombre es Columbo, el eterno «sabueso» de la televisión.

LOS EPISODIOS SON LARGOMETRAJES
De la serie «Columbo», creada por Richard Levinson y William Link, se hicieron 12 temporadas. Luego de dos capítulos piloto, en 1968 y 1971, en Estados Unidos la tira se emitió regularmente entre los años 1971 a 1978, y más adelante entre 1989 y 2003. La idea fue que cada uno de los episodios son largometrajes creados para televisión. La primera particularidad de la serial es que se sabe siempre quién es el asesino, ya que, salvo excepciones, el crimen se muestra al principio de cada episodio. Otra curiosidad es que nunca hay sangre en la escena del crimen.
Columbo siempre revisa todos los bolsillos de su ropa para buscar notas o evidencias, pero nunca para mostrar su placa. Los asesinos siempre son muy educados, correctos y jamás oponen resistencia al arresto.

EL PAPEL DEL ASESINO
Grandes artistas han realizado el papel del asesino: Leonard Nimoy, Robert Culp, Jack Cassidy, Ross Martin, Ed Begley Jr., Tyne Daly, William Shatner, Patrick McGoohan, Robert Vaughn, Laurence Harvey, Ruth Gordon, Janet Leigh, John Cassavetes, Ray Milland, Ricardo Montalban, George Wendt, Johnny Cash, Martin Landau, Donald Pleasence, Louis Jourdan, Vera Miles, Roddy McDowall, Faye Dunaway, Fisher Stevens, Rip Torn, Billy Connolly, Ian Buchanan, Dick Van Dyke, José Ferrer, Oskar Werner, Richard Kiley, Robert Conrad, Tom Isbell y Theodore Bikel. La propia mujer de Peter Falk -el protagonista principal de «Columbo»- Shera Danese, apareció en seis capítulos. Por otra parte, los directores fueron bastante más seleccionados de lo acostumbrado para películas de televisión: Richard Quine, Steven Spielberg, John Cassavetes -quien también intervino como actor- Patrick McGoohan y Jonathan Demme, nada menos, entre otros menos conocidos. Los guionistas más destacados fueron, aparte de sus famosos creadores: Richard Levinson y William Link, Steven Bochco, Peter S. Fischer, William Driskill y Jackson Gillis.

DE ORIGEN RUSO-POLACO
La estupenda actuación de «Columbo» recae en Peter Michael Falk, nacido en Nueva York, el 16 de septiembre de 1927, de origen ruso-polaco. Hizo filmes y televisión, pero su punto más alto y conocido fue justamente esa serie, la que obtuvo cuatro Premios Emmy y un Globo de Oro.
También Falk fue nominado a los Oscar de la Academia por su actividad cinematográfica.
En 1965, el actor logra suceso por su interpretación de Daniel O’Brien en «The trials of O’Brien». Con el tiempo los productores lo llamarían para «Columbo», pensando en una sola entrega en formato telefilme. La primera aparición fue «Prescription: Murder», el 20 de febrero de 1968, por la cadena NBC logrando un record de teleaudiencia. Debido a eso, la televisora encargó una segunda cinta: «Ransom for a dead man», estrenándose el 1 de marzo de 1971, a la que se le puede considerar también como piloto para la serie que continuó más tarde. La inmensa popularidad del personaje tuvo su cénit en 1975, cuando el salario de Peter Falk ascendió a 125.000 dólares -uno de los honorarios más altos de la época- por capítulo.

DOS MATRIMONIOS EN SU HABER
Peter Falk se casó en dos oportunidades. Con Alyce Mayo desde 1960 a 1976, y con Shera Danese desde 1977 a 2011, momento en que deja de existir el reconocido actor en Beverly Hills, el 23 de junio. Padecía mal de Alzheimer. Sus hijas son dos: Catherine Falk -adoptada- y Jackie Falk.
En los últimos tiempos se había dedicado a la pintura, siendo también reconocido por la crítica. Su mayor personaje de la pantalla se mantiene vivo gracias al DVD y a los canales de cable. Más allá de la nostalgia.

Columbo con su puro y en automóvil

Columbo con su puro y en automóvil

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ELVIS PRESLEY: A 40 AÑOS DE SU ÚLTIMO CONCIERTO

Una nota exclusiva de Juanjo Alberti, desde Montevideo

Hace cuatro décadas atrás, exactamente el domingo 26 de junio de 1977, a las 8.30 pm, se realizaba el último recital del gran rey Elvis, en el Market Square Arena de Indianápolis, Indiana. Cuando casi culminaba este show presentado por el gran artista, después de entonar el clásico “Hound dog”, llamó a su padre para que el público lo conociera, comentando que había estado bastante alicaído por una enfermedad, así fue ovacionado en el escenario desde todas las graderías. Más tarde presentaría a Ginger Alden y a varios familiares más y colaboradores directos del cantante. En el cierre se despidió de sus seguidores: “Deseo agradecerles a todos ustedes… Este es el último día de nuestra gira. No podríamos haber pedido un público mejor. Si quieren que volvamos… volveremos…” En poco menos de dos meses más tarde se iría de este mundo para siempre.

CANTÓ SUS HIMNOS ROCKEROS

El rey brindó una tremenda actuación luciendo una camisa blanca dorada que brillaba de mangas anchas, de pantalones también blancos de los llamados “oxford” abiertos de un lado, con evidentes síntomas de sobrepeso, en abdomen y rostro, más que nada, debido al continuo suministro de antidepresivos y pastillas para dormir. Así y todo hizo desfilar himnos varios: “All shook up”, “Blue suede shoes”, “Jailhouse rock”, “Always in my mind”, “Can’t help falling in love”, “Love me”, “Fairytale”, “O sole mio”, “You gave me a mountain”, ·Little sister”, “Bridge over troubled water”,.”Please release me”, “Johnny B. Goode”, “My way”, y “Unchained melody”-con el mismo Presley tocando el piano- entre otros, en un total de 25. Sin saberlo, y sin anunciarlo sería su último recital. Había un lleno total, ya que las entradas se colocaron todas con anterioridad, y estaban agotadas. Desde muy temprano se observaron en el estadio largas colas para acceder al predio. El concierto fue filmado para un documental, y para la televisión que emitió en directo, registrando todo para emitirlo en otras oportunidades. Sin dudas, qué momento espectacular en la historia de la música.

SU TALENTO: MÁS ALLÁ DE SU ENFERMEDAD

Posteriormente al concierto, el rey empezó a decaer más y más con su salud. El talento continuaba intacto. El 1o. de agosto de 1977 se publicó el libro de Elvis: “What happened?”, escrito por los tres guardaespaldas del cantante, que fueron despedidos en 1976. Fue el primer material que expuso detalladamente los años en que Presley se había drogado. Tras el lanzamiento el cantante quedó muy bajoneado intentando sin respuesta evitar su publicación en gran escala, ofreciéndole mucho dinero a la editorial en cuestión. En ese entonces, ya sufría de diversas enfermedades: glaucoma, hipertensión arterial, daños en el hígado y megacolon. En todas ellas, Elvis presentaba un cuadro médico grave causado posiblemente por el consumo excesivo de drogas. Se había programado que Presley iniciara una nueva tournée, pero en la tarde del aquel 16 de agosto de 1977, lo encontraron inconsciente en el piso del baño. Llegaron inmediatamente los médicos para reanimarlo, pero lamentablemente no lo lograron. El deceso de Elvis fue debido a un infarto y se hizo público desde el Baptist Memorial Hospital de Memphis. Se fue con sus jóvenes 42 años. Tras su muerte, el presidente de Estados Unidos, Jimmy Carter manifestó que Presley había “Cambiado para siempre el rostro de la cultura popular estadounidense”.

MILLONES Y MILLONES DE DISCOS VENDIDOS

Poseedor de una voz particular, y de practicar con suceso los géneros country, baladas, rock, blues y gospel, fue el solista con más ventas de discos en la historia misma de la música popular. Nominado a 14 premios Grammy, ganando tres, y obteniendo uno en el rubro de “la carrera artística” a los 36 años, además de figurar en diversos salones de la fama cinematográficos y musicales. En 2016, fue certificado por la RIAA como el tercer máximo vendedor de álbumes de todos los tiempos en Norteamérica, solo por detrás de The Beatles y Garth Brooks. Más allá de la nostalgia.

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CHAVELA VARGAS: LA EXCELENCIA MUSICAL

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Una vez le preguntaron, dónde había nacido… “¡Soy mexicana!” -Pero Ud. nació en Costa Rica! “¡Los mexicanos nacemos donde nos da la rechingada gana!”… a lo que agregó más adelante… “Nada me han enseñado los años, siempre caigo en los mismos errores otra vez a brindar con extraños y a llorar por los mismos dolores. Todo lo he hecho a sabiendas y no me arrepiento de nada. Ni de lo bueno, ni de lo malo, ni de los momentos felices, ni de las tristezas… Al final, tengo el alma llena de paz y tranquilidad. Les dejo de herencia mi libertad…”. Esas serían las respuestas y las frases llenas de verdad de Chavela Vargas. Una artista de relieve, sentimientos, a quien muchos llamaron “La dama del poncho rojo” o “La Chamana”.

Retrato de la intérprete, nacida en Costa Rica pero  considerada una de las artistas mexicanas más respetadas

Retrato de la intérprete, nacida en Costa Rica pero
considerada una de las artistas mexicanas más respetadas

Su verdadero nombre es Isabel Vargas Lizano, quien nació el 17 de abril de 1919, en San Joaquín de Flores, Heredia, Costa Rica, dejando de existir en Cuernavaca, Morelos, México, el 5 de agosto de 2012, a la edad de 93 años, constituyéndose en una cantante costarricense, naturalizada mexicana. Fue figura principal y peculiar de la música universal, destacándose en el estilo ranchero, especialmente fuera del circuito mexicano. La distinguieron con el reconocimiento “A la excelencia Musical” de la Academia Latina de las Ciencias y Artes de la Grabación en 2007.
LA MÚSICA NO TIENE FRONTERAS
“La música no tiene fronteras, pero sí un final común: el amor y la rebeldía…”. “Ama sin medida, sin límite, sin complejo, sin permiso, sin coraje, sin consejo, sin duda, sin precio, sin cura, sin nada. P.D. No tengas miedo de amar… vertirás lágrimas con amor o sin él”. “Lo supe siempre. No hay nadie que aguante la libertad ajena; a nadie le gusta vivir con una persona libre. Si eres libre ese es el precio que tienes que pagar: la soledad”, serían varios de los pensamientos de Chavela hechos en voz alta. Chabela fue hija de Herminia Lizano y Francisco Vargas, fue bautizada en la basílica de Guadalupe, tres meses después de haber llegado al mundo, el 15 de julio de 1919. Realmente tuvo una infancia difícil, ya que sus progenitores se separaron y se desprendieron de ella, dejándola al cuidado de sus tíos, sufriendo poliomielitis. Se abrió camino en la canción ranchera, porque tenía condiciones manifestando un gran estilo de interpretación. Solía cantar un cancionero semejante al de José Alfredo Jiménez, pero lo hacía sola, con apenas una guitarra, dejando el corazón ahí mismo, como emulando el canturrear de un hombre en estado de ebriedad. Así la fueron catalogando como picaresca y humorística. Pero, fue una muchacha que en tiempos juveniles vivía al revés que una dama: se vestía como un caballero, ingería alcohol, fumaba abundante y hasta portaba un revólver. Con todo eso en su haber desde su juventud, a la edad de 81 años, en un reportaje del año 2000 manifestó por primera vez a los cuatro vientos de su condición de lesbiana.
DE PICASSO, NERUDA, HASTA ELIZABETH TAYLOR
La intérprete se afincó en México cuando tenía tan solo 17 años. A los 30 se hizo profesional, y a partir de ese momento empieza a conocerse en medios artísticos, por sus presentaciones en el puerto de Acapulco, actuando en el casamiento de Elizabeth Taylor con Michael Todd, donde estuvieron presentes Debbie Reynolds, Eddie Fisher y Cantinflas, entre tantas estrellas. En ese ínterin también conoce a Grace Kelly, Ava Gardner, Pablo Neruda y Picasso, generando una buena amistad con los pintores Frida Kahlo y Diego Rivera, quienes la llevaron a su hogar para que allí se hospedara. Muy cerca de Chavela estaban Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel, Miguel Bosé, Joaquín Sabina, Facundo Cabral, Ana Belén, Agustín Lara, María Dolores Pradera, Álvaro Carrillo, y más, siendo ellos sus amigos visitándola cada vez que podían. El primer disco de Vargas se editó en 1961; en 1964 participó de “Premier Orfeón”, serie tv mexicana y en 1967 encarnó a Angela en “La soldadera”, filme de José Bolaños.
ALMODÓVAR, LA APARTÓ DEL ALCOHOLISMO
Chavela ingería alcohol de manera sorprendente. Tal es así que se retiró de sus realizaciones a fines de los setenta, y durante muchos años nadie supo nada de ella. Pero, se encontró casualmente con el director cinematográfico Pedro Almodóvar, haciéndole superar esos problemas, retornando al medio en los noventa. Vargas nunca más bebió, hizo ejercicios siempre, y con ochenta años en su haber hasta se tiró en paracaídas. En su segundo período participó en muchas películas, efectuó actuaciones por el mundo -caso Sala Caracol de Madrid, Zócalo de México, Olympia de París, en el Carnegie Hall, a los 85 años, en 2004, y en el Luna Park de Buenos Aires, también en 2004, donde el valor de la entrada era un libro que sería donado para la biblioteca pública argentina.
En abril de 2012, con 93 años, lanzó su libro-disco “Luna Grande”, donde revivió, a modo de homenaje, grandes poemas del escritor español Federico García Lorca y repasó algunos de sus hits.
En julio, 2012, presentó su último cd en un concierto en la Residencia de Estudiantes de Madrid.
Fue la última vez que apareció en público. Más allá de la nostalgia.

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SONIA BRAGA: LA SENSUALIDAD DE LOS ’80

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Con imagen de mulata sexy buscadora de amor irrumpió en Brasil y Hollywood, y nadie la pudo detener. Haciendo entrar a los hombres en un complejo laberinto interminable, confundiéndolos de manera sorprendente; así se relacionaban sus papeles exitosos principalmente de los ochenta y los noventa, pasados de erotismo para la época. En ese tiempo la tv y el cine le otorgaron una imagen hiper sensual que dió mucho que hablar. “Gabriela” en 1975, “Doña Flor y sus dos maridos”, 1976, y “Dancin Days” en 1978, han sido algunos de los puntos más altos de Sonia Braga, sumándose sus actuaciones nominadas al premio Golden Globe en “El beso de la mujer araña”, 1985, y “Luna sobre parador”, 1988, en territorio norteamericano. También recibió una distinción al Premio Bafta en 1981, un Emmy y un tercer Globo de oro, estos dos últimos por “La estación ardiente”, filme para televisión. Sus otros créditos para la pantalla chica incluyen “Cosby Show”, 1986, “Sex and the city”, 2001, “American familly”, 2002, y “Alias”, 2005. Toda una carrera que le ha otorgado el título de una gran estrella. Sonia Braga.   1
ACABA DE CUMPLIR 67 AÑOS
Sonia María Campos Braga nació el 8 de junio de 1950 en Maringá, bien al norte del estado brasileño de Paraná. Su madre María Braga Jaci Campos, diseñadora de vestuarios, y su padre Hélio Fernando Ferraz Braga, constructor, le dieron a Sonia, dos hermanos: Ana Júlia y Hélio. La hija de su hermana Ana, Alice Braga, es también actriz. La familia de Braga se mudó a Curitiba, y luego a Campinas. En ese momento, Sonia María tenía tan solo ocho años cuando su padre falleció, y de inmediato la internaron en una escuela de monjas en San Pablo. Ya retirada de sus estudios se marchó a ganarse la vida trabajando en el centro de recepciones Buffet Torres, como recepcionista. Paralelamente, fue estudiando actuación, iniciando una carrera interpretativa con apenas 14 años en la televisión local. Fue invitada por el director Vicente Sesso a aparecer en determinados teleteatros a través de “Jardín Encantado”. Luego se unió a un grupo de teatro haciendo presentaciones en vivo y en directo por varios escenarios. Ya a los 17 años debutó en la obra “George Dandin” en Santo André. En 1968, cuando Roberto Carlos ya triunfaba por Brasil, América y Europa, actuando en Italia en el Festival de San Remo, Sonia Braga participaba en el elenco de la primeraópera rock brasileña “Hair”, dirigida por Ademar War. Ese mismo año cuando la actriz se encontraba en el reparto de la cinta “O bandido da luz vermelha”, fueron apareciendo más papeles secundarios que se extendieron hasta principios de los setenta: “A moreninha” y “Cleo e Daniel”. Por esa fecha, fue invitada a actuar en “A menina do veleiro azul”, una telenovela producida por TV Excelsior, pero la red cerró antes de que la tira saliera al aire. A pesar del suceso en las distintas etapas de los teleteatros, fue en la serie tv “Vila Sésamo”, que se mostró definitivamente en 1972, donde Braga se erigió en un apellido popular. Tiempo después, Sonia se unió al nutrido elenco de “Irmaos coragem”, telenovela escrita por Janete Clair, que se emitía por Red Globo.
“GABRIELA” JUNTO A MARCELLO MASTROIANNI
En 1975 Sonia protagonizó “Gabriela”, tira adaptada de la novela de Jorge Amado, “Gabriel, Clavo y Canela”. Dirigida por Walter Avancini, fue un hit por todos los sitios, estableciendo a la estrella como un símbolo sexual. Es así que en 1976 realiza el largometraje “Doña Flor y sus dos maridos”, dirigida por Bruno Barreto, junto a José Wilker y Mauro Mendonca. La cinta logró extraordinaria taquilla por los cines de Brasil y también a nivel internacional. En 1983, rueda la versión cinematográfica de “Gabriela” junto al mismísimo Marcello Mastroianni. Posteriormente llegarían “El beso de la mujer araña” y “Luna sobre parador” en los Estados Unidos. En ese tiempo, Sonia pudo haber encarnado otro filme ícono del cine erótico, acotando al respecto la actriz: “Otros países ya estaban explotando esa sexualidad sudamericana, y en Estados Unidos también querían librarse de esa imagen puritana, pero no les resultó fácil. Se hizo la película “Nueve Semanas y Media” con un director británico, quien quería que yo interpretara el rol principal, pero el guión tenía demasiado diálogo y yo no podía hablar el idioma. Por eso no pude aparecer en esa película”.
MÁS PELÍCULAS, MÁS TELENOVELAS
Sonia Braga obtuvo excelentes críticas por su última película “Aquarius” cuando se estrenó en el Festival de Cannes, 2016. A pesar de que el filme no obtuvo una nominación al Oscar para Braga, logró adjudicarse “Mejor Película Extranjera” en los Premios César de Francia y los Independent Spirit Awards. Sonia se clasificó entre los cinco primeros desempeños en la encuesta de IndieWire para los críticos de 2016 en el rubro “Mejor actriz”. Durante la década de los ochenta, Braga tuvo relaciones sentimentales con David Lee Roth, ex-líder de Van Halen, con Robert Redford y Clint Eastwood. No tiene hijos. Más allá de la nostalgia.
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CYNDI LAUPER: ¡LA CHICA DE LA SUERTE!

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Un día como el de hoy, pero de 1984, llegaba al número uno USA la excéntrica cantante Cyndi Lauper con «Time after time», su primer disco como solista, cargado de temas -algunos compuestos por ella- en un estilo super bailable especial para las discos. De hecho, resultó un boom y fue promovida por las radios y los dancings, con tremenda repercusión. Cynthia Ann Stephanie «Cyndi» Lauper nacida el 22 de junio de 1953 -próxima a cumplir sus 64 años- en el barrio de Queens, el distrito más extenso de New York, es además de cantante y compositora, actriz y activista. Su carrera ya sobrepasó los 30 años de trayectoria. Su primer álbum en solitario fue «She’s so inusual», que incluía, entre otros, su suceso «Girls just want to have fun» -«Las chicas solo quieren divertirse»- correpondiéndole la distinción de «Mejor artista revelación» en la entrega del 27º Grammy Awards de 1985. Al año entrante, siguió con la banda sonora del filme «The Goonies», con «True colors» y «Change of heart», que a propósito trepó al número tres de los top100 Billboard. Cyndi ha ganado además de Grammy, Premios Tony, Emmy Awards, American Music, MTV Video y Billboard Music Awards, y ha vendido hasta el momento la friolera de más de 50 millones de discos, y 20 millones de discos simples. Cifras que conmueven a cualquiera, sin dudas. En su momento, la estrella de la música declaró en nota con la televisión norteamericana: «Soy un verdadero producto del estudio de grabación, donde me encuentro feliz de poder registrar mis temas y además me considero una chica de suerte por haber logrado éxito con mi material…». En pleno show.   2

SEGUIDORA DE JUDY GARLAND y THE BEATLES
Los padres de Cyndi vivían de conflicto en conflicto. Catrine Dominique y Fred Lauper, ambos de origen italo-americano y alemán y suizo, respectivamente, se divorciaron dejándole a la cantante una hermana mayor, Elena, y un hermano menor, Federico -a quien llamaban Butch, en su niñez.- Su madre Catrine volvió a contraer nupcias y se separó nuevamente, teniendo que ir a trabajar como camarera. Durante ese lapso de tiempo, Cyndi comenzó a escuchar a través de la radio y los discos a Billie Holidary, Ella Fitzgerald, Judy Garland y The Beatles, haciéndose seguidora de la mayoría de los artistas. Tanto su hermana como su madre le ayudaron a crecer como figura, ya que a los doce años recién cumplidos tocaba muy bien guitarra acústica, escribiendo sus temas propios. De joven elevó su pasión por la música de calidad y el arte, y a los quince ya se hacía el color en el cabello de distintas tonalidades y se vestía de moda llamativa. Cyndi abandonó sus estudios secundarios, a los 17 años y se fue de su casa. En su periplo pasó dos semanas en los bosques de Canadá con su perro, tratando de encontrarse a sí misma. Con el tiempo terminó en Vermont, Estados Unidos, donde tomó clases de arte en el Johnson State College, manteniéndose con diferentes trabajos no calificados. Se sentía apasionada por la música bailable.

CONOCE AL SAXOFONISTA JOHN TURI
Cyndi conoce al saxofonista John Turi, en 1978, a través de su manager y amigo Ted Rosenblatt. Lauper y Turi fundaron Blue Angel, una agradable banda, registrando un demo. El director de The Allman Brothers Band, Steve Massarsky, escuchó la cinta magnetofónica agradándole el estilo y la voz de Cyndi. Adquirió el contrato del grupo Blue Angel por cinco mil dólares y se convirtió en su representante. La artista recibió otras ofertas para grabar como solista, pero no lo deseó, queriendo que el conjunto fuera incluido en el convenio que se hiciera. Al final, Blue Angel estampó rúbrica con Polydor y editó su LP homónimo en 1980. El álbum «no caminó», Blue Angel se desintegró y Cyndi debió hacer horas extras en una tienda, debido a problemas económicos que estaba enfrentando. En 1981, cantando en un bar local de Nueva York, Cyndi hace contacto con David Wolff, quien asumió el cargo de director y le hizo firmar un contrato de grabación con Portrait Records, una filial de Epic Records. Ese sería el inicio de su fama bien ganada.

GRABA SUS ÉXITOS MUNDIALES
El 14 de octubre de 1983, lanza su álbum en solitario, «She’s so unusual». El disco alcanzó el puesto número 4 en USA, y se convirtió en un impacto mundial. Los músicos del estudio principal fueron Eric Bazilian y Rob Hyman -The Hooters- Rick Chertoff, Richard Termini y Peter Wood. El otro Billboard Hot 100 singles en «She’s so unusual» fueron «She bop «-No. 3- «All through the night « -No. 5- escrito por Jules Shear, y «Money changes everything « -No.27- El LP hizo a Lauper la primera mujer en tener cuatro consecutivos Billboard Hot 100 de los cinco mejores éxitos de un álbum. El LP se mantuvo en las pizarras Top 200 por más de 65 semanas. Por otra parte, el clip de «Las chicas solo quieren divertirse» logró el MTV Video Music Awards en 1984.

«WE ARE THE WORLD» POR ÁFRICA
En 1985 Cyndi participa en Estados Unidos por la campaña de recaudación de fondos por África, «We are the world», que vendió más de veinte millones de copias desde entonces. Se casó con el actor David Thornton en 1991, con el cual tiene un hijo, Declyn Wallace Thornton nacido en 1997. Desde 1977 se encuentra en actividad profesional hasta la actualidad. Más allá de la nostalgia.

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HASTA SIEMPRE, ROGER MOORE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

Lo conocí en los sesenta como Simón Templar en una serie británica espectacular que emitía Canal 12 TV Larrañaga de Montevideo en horario nocturno. Era “El Santo”, tira de espionaje, drama, policial, creada por Leslie Charteris, donde se desempeñaba en el protagónico un brillante actor llamado Roger Moore. Me hice adepto a la tira, la miraba una vez a la semana, y así fue que quedé totalmente enganchado con su trama tan bien desarrollada durante seis temporadas, con 118 capítulos en total -exactamente 71 en blanco y negro, y 47 en color- Simón Templar era un aventurero “de aquellos”, ayudando siempre a los que necesitaban, siendo el auténtico pilar de la serial. Agente clase A con sus modos refinados, “pintún” -dijeran ellas- de diálogos suaves hasta en los peores momentos, con mucha ironía. En los Estados Unidos la producción fue inicialmente emitida por la cadena NBC, no obstante resultó ser sumamente impactante llegándose a propalar casi en unos 60 países, siendo la segunda serie británica de acción de más hit, sólo por detrás de “Los vengadores” de la pícara Emma Peel, de numerosas distinciones a lo largo de su permanencia en grilla. “El Santo” apareció por vez primera en el Reino Unido en Independent Television -ITV- el 4 de febrero de 1962 y por última el 9 de febrero de 1969, mostrando a un Roger Moore en un moderno auto veloz y deportivo a pleno, que llegaría muy lejos con el paso del tiempo en la historia de la tele, y la cinematografía más que nada. Roger Moore encarnando a Simón Templar en El Santo. 1
DEBUT EN 1945 COMO EXTRA
Sir Roger George Moore nació en Stockwell, Londres, el 14 de octubre de 1927. Fue hijo único de Lilian “Lily” Pope, ama de casa y de George Alfred Moore, un agente de policía. Roger asistió a la Escuela de Gramática de Battersea, a Launceston College y más adelante al preparatorios del Dr. Challoner en Amersham, Buckinghamshire. Más adelante el padre de Roger investigó un robo en la casa del director de cine Brian Desmond Hurst, recomendando a su hijo al reconocido cineasta para que le diera una oportunidad como extra en algunos de sus filmes. Roger lo visitó, dialogó con él y al poco tiempo el estudio lo contrató para su primera oportunidad como extra en “César y Cleopatra”, película de 1945. Teniendo en cuenta su desempeño lo enviaron a tomar clases de arte dramático, donde adquiriría la soltura de ese especial comportamiento relajado de sus personajes en la
pantalla. A los 18 años poco después de la Segunda Guerra Mundial, Roger es reclutado para hacer el servicio militar y allí se convierte en segundo teniente del cuerpo real. Lo mejor estaba por llegar.
FIRMA CONTRATOS CON MGM Y WB
La primera aparición en tv de Roger fue el 27 de marzo de 1949 en “The governess” de Patrick Hamilton, y en los primeros años de los cincuenta trabajó como modelo saliendo en comerciales de pasta de dientes y casimires. En 1954 estampa su firma con MGM por siete años para realizar varias cintas, que no resultaron buenas. Tal es así que es liberado de su contrato en 1958. Luego pasó algún tiempo efectuando actuaciones fugaces en series al estilo de “Alfred Hitchcock presenta”. y en 1959 registra arreglo con WB a largo plazo para televisión y cine. Aparece en tiras: “Ivanhoe”, “Los Alaskans”, “Maverick”, “The Persuaders!”, y por supuesto “The Saint” -“El Santo”-
ACTOR DE PAPELES SOFISTICADOS
Debido a su compromiso con “El Santo”, Roger Moore no estuvo disponible para los filmes de James Bond 007 por un tiempo considerable. Su participación en “The Saint”, fue como actor, productor y director, y también se involucró en el desarrollo de la serie “The Persuaders!” . En 1964, hizo una actuación como James Bond en la serie de comedia “Mainly Millicent”, habiendo declarado en su autobiografía “My word is my Bond”, 2008, que no fue solicitado para interpretar el personaje en “El satánico Dr. No”, ni escucho que ni siquiera pensaran en él. Fue después que Sean Connery declaró en 1966 que no efectuaría más el papel, que renonoció que al fin lo llamarían en cualquier momento. Luego de varios largometrajes más de Connery como 007, en 1973 le llegó la oportunidad a Roger para conformar el papel en “Live and let die”. Solo que para hacer ese protagónico tuvo que cortarse el cabello y perder bastante peso. Aunque se resintió de tener que hacer esos cambios, fue finalmente aceptado y realizó el papel. No solamente este sino para varias películas del estilo, siendo el actor que más encarnó al famoso agente en la historia del cinéma. Después de “Live and let die”, Roger siguió con Bond en “The man with the golden gun”, 1974, “El espía que me amó”, 1977, “Moonraker”, 1979, “Para tus ojos solamente”, 1981, “Octopussy”, 1983, y “A View to a Kill”, 1985. Durante la era James Bond, Roger realizó 13 filmes de otro género.
DIJO ADIÓS EL 23 de MAYO de 2017
Roger se convirtió en un exiliado de impuestos del Reino Unido en 1978, viviendo en Suiza, y dividiendo su año entre sus tres casas: un apartamento en Monte Carlo, Mónaco, Un chalet en Crans-Montana, Suiza, y un bunker en el sur de Francia. El actor se convirtió en residente de Mónaco, habiendo sido nombrado Embajador de Buena Voluntad del lugar por el Príncipe Alberto II, por sus esfuerzos en promover y publicitar internacionalmente el principado. El pasado 23 de mayo de 2017, Roger Moore falleció en Suiza a los 89 años a causa de un cáncer de próstata que lo estaba acosando. Estaba casado con Kristina Tholstrup desde el año 2002. Dejó tres hijos: Deborah, Geoffrey y
Christian. Hasta siempre Roger Moore!…
juanjoalberti@hotmail.com

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LOS MOROS: 41 AÑOS DE GLORIA EL DESPEGUE DE LA BANDA

Corría el año 1976 y para variar nos encontrábamos haciendo dos programas de radio por la capital uruguaya. “La Noche Espontánea” en C X 26 y C X 38, y “Música con Todo!” en C X 28, La Nueva Imparcial, denominada así por

Los Moros con Alberto Arbizu en el centro, 1976

Los Moros con Alberto Arbizu en el centro, 1976

aquel entonces. Eran realmente dos espacios bien distintos, más que nada en el orden de la selección musical. Por ende, en esos momentos de discos simples, long-plays y cassettes, recibíamos infinidad de material fonográfico de las empresas editoras, inclusive de la República Argentina. Entre los LP’s nos llegó el álbum del quinteto Los Moros que grababan su primer disco para el sello del perrito y el fonógrafo, RCA. Nos llamaron la atención dos temas: “Dejáme si has olvidado que te quiero” y “Olvídalo pequeña”, por su canto sobresaliente y por el estilo de la banda. Los promovimos siendo todo un suceso en ambas audiciones. Ahí me puse a leer los créditos de la agrupación, nombrando a Juan Carlos Túbaro como bajista y director, Marcelo Requena, tecladista y arreglador, Guillermo Damonte, sintetizadores, Pablo Helman en batería y Alberto Arbizu, voz solista. La orquesta era buena, de perfil romántico, entrador, pegadizo y también alegre. Ese fue el verdadero despegue de Los Moros en la Banda Oriental, ya que hasta ese momento no se les conocía.
NOS INTERESABA SABER MÁS

En RCA firmando contrato con Cacho Castaña y ejecutivos del sello

En RCA firmando contrato con Cacho Castaña y ejecutivos del sello

Así fue que nos interesó saber más de esta tan atractiva banda, más que nada para tener a nuestra audiencia bien informada con lujos de detalles. Sus comienzos, su trayectoria, su historia. Descubrimos en forma primaria que el grupo estaba recién formado bajo ese nombre, ya que habían empezado en la música como Grupo Cadenas en los primeros meses de 1976, haciendo rock, siendo descubiertos y apadrinados por Cacho Castaña, quien firmaba sus contratos para la compañía grabadora. Al poco tiempo, debido al poco trabajo existente, el conjunto se transforma en una banda melódica por excelencia que traspasaría fronteras al compás de sus estrofas de amor y música bien arreglada de acordes espectaculares. Sus canciones de a poco se erigen en suceso, convirtiéndose en himnos del corazón: “Baila gitana hermosa”, “Por favor dime que sí”, “Llora si te sientes sola”, “El cuento ha terminado”, “Mi gran amor se ha ido”, “Eres mi primavera”, “Carita de pena”, “Tanta soledad”, “La gente quiere que baile”, “Llora la niña”, “Pobre marinero”, “Llegará la eternidad”, “Ay peligroso”, “Ta te ti, suerte para mi”,

El uruguayo Carlos Suárez actual cantante de la banda

El uruguayo Carlos Suárez actual cantante de la banda

“Muñequita”, “Hola preciosa”, “Quítame el dolor”, “Lagrimita yo te quiero”, entre tantos más hits.
COPARON MONTEVIDEO E INTERIOR
El suceso fue mayúsculo y dio para realizar extensas giras por toda Argentina, Uruguay y gran parte de América Latina. En nuestro país, el público de Montevideo, Canelones, San José, Salto, Paysandú y Soriano los vieron en vivo y en directo. El empresario artístico Juan Carlos Solá los trajo por primera vez y allí fuimos en busca de acercarnos más a sus componentes. Presenciamos más de un show que brindaron a todas luces en Defensa Agraria, Sud América y Club Montevideo, y trabamos buena amistad con ellos. Sobre todo con Juan Carlos Túbaro, y Alberto Arbizu, quien desarrollaba en el escenario una actuación magistral ya sea en la parte canora, como así también llamando alguna dama del público, dedicándole un tema en especial frente por frente a la gente. Era un capo en eso. Una vez concluida la canción junto a la muchacha, lo aplaudía todo el mundo: hombres y mujeres. Con qué calidad se metía al público en el bolsillo. Pero, por sobre todo cómo interpretaba. Fue y será el solista que le puso la identidad a Los Moros. La banda llevará su sello, eternamente. “El Negro” como se le llamaba a Alberto, nacido en la

Prueba foto estudio para álbum

Prueba foto estudio para álbum

ciudad de Santa Fe, y criado en Rosario, lamentablemente dejó de existir el 4 de septiembre de 1997, a los 51 años, debido a una cruel enfermedad que padecía desde hace un tiempo. Estaba disfrutando las mieles del éxito en su carrera como solista que emprendió con “Trigo verde”. Hasta el día de hoy lo recordamos, era un tipo divertido, alegre, un “loco lindo”, un amigo.
LLEGA EL URUGUAYO CARLOS SUÁREZ
Tras la ida de Alberto Arbizu lanzándose como solista, deja el lugar a otro muy buen cantante de origen uruguayo, Carlos Suárez, también en la batería se aleja Pablo Helman, y llega Ruben Algañaraz. En 1983 parte Suárez en busca de otros horizontes y se integra Oscar “Novio” Núñez como cantante. En la actualidad, ha retornado a Los Moros, Carlos Suárez, haciendo junto a ellos muchísimas presentaciones. Una vez, hace años, estando de pasada en Buenos Aires -como en tantas oportunidades- nos encontramos una noche en un local nocturno donde actuaban y finalizamos la jornada en una rueda de cafe con Riki Maravilla -años más tarde sería famoso- Alberto Arbizu, Carlos Suárez, Juan Carlos Túbaro, Marcelo Requena y Badi. Memorable. A Los Moros muchas felicidades en este su cumpleaños número 41. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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EL HOMBRE QUE VOLVIÓ DE LA MUERTE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

NARCISO IBÁÑEZ MENTA: ACTOR ANTES QUE NADA.

Un muñeco maldito, un monstruo, un semi-hombre, un robot humano, cargado de odio y rencor, desesperado en busca de su alma… Es “El hombre que volvió de la muerte”, 1969, una creación terrorífica… anunciaba la promoción impresa para diarios y revistas de un excelente espacio de la pantalla chica que aparecía en horarios nocturnos y que se convertía en espeluznante; difícil para muchos luego conciliar el sueño. Se trataba de una idea de Narciso Ibáñez Menta, una verdadera leyenda en el rubro ficción de terror, en el Río de la Plata y en su país, España. Productor, director, y antes que nada actor de teatro, de los buenos, realizó infinidad de obras de misterio y pánico que marcaron toda una época. Seguidor de Lon Chaney -“El hombre de las mil caras”- aprendiendo algunos trucos y hasta a maquillarse de una manera similar, haciendo representaciones en las que prácticamente no se le reconocía.

Narciso Ibáñez Menta

Narciso Ibáñez Menta

“NARCISIN” NACIÓ EN ASTURIAS
Narciso Ibáñez Menta, conocido en su niñez y adolescencia como “Narcisín”, llegó a este mundo el 25 de agosto de 1912, en Sama de Langreo, Asturias. Su madre, Consuelo Menta Agreda y su padre, Narciso Ibáñez Cotanda fueron ambos artistas líricos. Ante esa situación de que sus padres estaban vinculados al ambiente artístico, “Narcisín” con tan solo ocho días hizo su primera aparición en escena teatral en brazos de la actriz Carola Ferrando. Al ir creciendo durante su infancia se trasladaba de continuo junto a sus progenitores por la Madre Patria y América Latina, hasta llegar a Argentina, donde se afincaron en Buenos Aires, donde justamente le pusieron “Narcisín”, saboreando el aprecio del público porteño entre los años 1919 a 1923, con las obras “El príncipe Cañamón”, “El niño de Río Tinto”, “El pibe del corralón”, y “Meu Fillo!”, por nombrar algunas. Sería el principio de muchas realizaciones espectaculares que vendrían posteriormente en teatro, cine y televisión.
SE CASA CON PEPITA SERRADOR
En la década del treinta conoce a la actriz argentina Pepita Serrador de la cual se enamora y contrae nupcias en 1934, con la que tiene un único hijo, Narciso Ibáñez Serrador, nacido un año después del casamiento, el 4 de julio de 1935, quien se convertiría en dramaturgo, actor, y director de programas de televisión, con el que colaboró continuamente con su padre. Narciso Ibáñez Menta se hizo conocido por sus desempeños en el género de terror en la pantalla chica, y su trayectoria profesional fue mucha y completa. En los comienzos va detrás de lo que hacen sus padres, pero inmediatamente se siente atraído por el teatro y estudia duro para llegar a ser alguien sobre las tablas. De buenas a primeras, se convierte en director teatral colocando en escena “La muerte de un viajante” de Arthur Miller, “Las manos sucias” de Jean Paul Sartre y “Fausto” de Goethe, obras clásicas y contemporáneas. En 1933 en la capital argentina se inicia en el rubro terror con la adaptación para teatro de “Doctor Jekyll y Mr. Hyde”, seguida de una puesta en escena del mismísimo “Fantasma de la ópera”.
17 PELÍCULAS EN ARGENTINA
En la vecina orilla encarnó 17 largometrajes: “Una luz en la ventana”, 1942, “Historia de crímenes”, 1942, “Cuando en el cielo pasen lista”, 1945, “El que recibe las bofetadas”, 1947, “Corazón”, 1947, “Vidalita”, 1949, “Almafuerte”, 1949, “Piantadino”, 1950, “La bestia debe morir”, 1952, y más. Entre sus series tv que lo marcaron por su actuación y trama figuran: “¿Es usted el asesino?”, 1961, “El muñeco maldito”, 1962, “Historias para no dormir”, 1965-1982, “Historia de la frivolidad”, 1967, “Un pacto con los brujos”, 1969, “El sátiro”, 1969, “El monstruo no ha muerto”, 1970, “Otra vez Drácula”, 1970, “Mañana puedo morir”, 1979, “El pulpo negro”, 1985, “Los herederos del poder”, 1997, entre otras. La mayoría de las veces con libros de Abel Santa Cruz.
A 13 AÑOS DE SU DESAPARICIÓN
Ibáñez Menta obtuvo el Martín Fierro y fue uno de los primeros actores en lograrlo. Su primera esposa, Pepita Serrador, falleció en 1964; estaban separados desde 1940, pero llevaban adelante una buena amistad. En 1950 Narciso se casa con la actriz Laura Hidalgo -el era 15 años mayor que ella- matrimonio que se extendió por cuatro años. En 1957, conoce a Lidia Haydeé Rojas quien fue su tercera y última esposa. Lamentablemente, de a poco su salud fue decayendo y en 1996 le implantaron un marcapasos, pasando sus últimos años en la cama. Se fue un día como el de hoy, 15 de mayo, pero de 2004, en el Hospital de Madrid. Tenía 91 años. Más allá de la nostalgia.
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LAS OCHENTOSAS DE LA FAMA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LLEGARON A LA MECA DEL CINE
A partir de octubre de 1927 la historia del cine cambió. Hasta ese momento las cintas eran mudas, pero a partir de la fecha indicada, el sonido se sumó al celuloide. Y muy pronto vendría el color y el cinemascope, entre otras. Así, de esta forma la cinematografía al compás de sus adelantos, fue incorporando buenos argumentos, con la aparición de magistrales actrices y actores. El telón se abrió y la proyección se inició con damas bonitas de impactantes relieves y galanes que hacían suspirar a las damas, aportando lo suyo, su imagen y su desempeño en diferentes producciones de Hollywood. Hubo muchas desde fines de la década del veinte en adelante que presentaron distintos estudios de la pantalla grande, que se consagraron ante el mismísimo premio Oscar de la Real Academia. El desfile de las divas no se hizo esperar. Allí estaban ellas, ante una verdadera sucesión de nombres… Morochas, rubias, castañas, en fin, para todos los gustos. Entre las mismas: Gina Lollobrigida, Brigitte Bardot, Shirley MacLaine y muchísimas más. Figuras eternas del séptimo arte que se mantienen de pie, a través del tiempo.
“LA LOLLO” ARROLLABA!…
Tyrone Power, Gary Cooper, John Wayne, Clark Gable, entre otros besaron a muchas de ellas. Era el momento de la matinée cuando el grueso de la platea barrial observaba esas escenas exclamando “¡Mmmmmm!…”, y las bellas damas estaban ahí para llegar al corazón del público por el mundo. El glamour, brillo y super calidad, se encendían ante tantas figuras despampanantes como la singular Gina Lollobrigida que surgía en las marquesinas desafiando a otras representantes de renovada energía. “La Lollo”, como se le llama es nacida en 1927, en Subiaco, cerquita de Roma, y está proxima a cumplir sus 90 años en el mes de junio venidero. Descubierta por un cazador de talentos en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde se nutría de conocimientos en escultura y dibujo. Por su primer desempeño en el cine le pagaron un millón de liras. En primera instancia no le interesaba demasiado la actuación pero de a poco fue penetrando por la puerta grande de la fábrica de los sueños. Para muchos fue la gran rival de Sophia Loren -hoy 82 años- aunque la prensa inventó parte de esa competencia. Fue una buena publicidad para ambas. Gina fue reconocida con distintos galardones: Cinco premios David de Donatello y un Globo de Oro.
BRIGITTE, SÍMBOLO DE UNA ÉPOCA
De manera paralela irrumpía en el cinematógrafo una chica francesa de mirada angelical. Brigitte Anne-Marie Bardot, de nombre artístico Brigitte Bardot. Ella, llegó a este mundo el 28 de septiembre de 1934, en París. Se dedicó a cantar y actuar, y se erigió ícono de la moda y símbolo sexual de ese momento. Tiene 82 años en la actualidad. Además de conmocionar a los caballeros, se fue dedicando a los derechos de los animales, iniciadora y presidente de la fundación que lleva su nombre. Figura femenina de los cincuenta y sesenta, aclamada como una estrella mundial, musa de los más recordados artistas de su época, tiene 48 largo-metrajes filmados y más de cien canciones en 21 años de carrera. Siendo una de las actrices más exitosas, le puso fin a su carrera en 1974 para dedicarse de lleno a sus actividades benéficas. Hoy reside en su mansión parisina, recordando de vez en cuando que se paseaba por las arenas de Cannes, en la riviera francesa, de apasionantes amoríos y aventuras.
EL SUEÑO DE SER ACTRIZ
Por Hollywood se fueron sucediendo todo tipo de hermosas señoritas. Le tocaba el turno a Shirley MacLaine, quien primero fue bailarina de ballet y más tarde cantante, actriz y escritora. Nacida el 24 de abril de 1934, en Richmond, Virginia, bajo el nombre de Shirley MacLean Beaty. Cuenta ahora con 83 años, y es llamada así en honor a Shirley Temple.
Su primera cinta fue “Pero… ¿quién mató a Harry?”, de Alfred Hitchcock, en 1955. Su carrera en el cine siguió adelante, al no haber basado su suceso en la belleza, MacLaine ha podido prolongar su actividad sin sufrir el trastorno que supone envejecer. Tal es así que en 2012 participó en la tercera temporada de “Dowton abbey” junto a Maggie Smith y Elizabeth McGovern. Cada vez que le realizan un reportaje habla de uno de los papeles más populares que realizó; el de la princesa Aouda en la super producción “La vuelta al mundo en 80 días”, de 1956.
DOS LUMINARIAS DIFERENTES

Maggie Smith

Maggie Smith

Rita Moreno

Rita Moreno

Brigitte Bardot

Brigitte Bardot

 

 

Gina Lollobrigida

Gina Lollobrigida

Shirley MacLaine

Shirley MacLaine

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¡FELIZ CUMPLE!… Los 75 años de Bárbara Streisand actriz, cantante, empresaria y más

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

Actriz, cantante, empresaria, productora, compositora y escritora son tan solo algunas de las ocupaciones de ésta bella mujer que hoy está cumpliendo sus 75 años. Brillante como protagonista de películas y entonando canciones, teniendo en su haber infinidad de cintas encarnando diferentes personajes, y más de sesenta lanzamientos fonográficos como solista, y en compañía de grandes intérpretes, como Barry Gibb, Donna Summer y Celine Dion, entre otros. En 1995 obtuvo el Grammy en reconocimiento a su notable carrera musical que se inició con la firma de su primer contrato con CBS, el 1o. de octubre de 1962 donde se comenzaron a deslizar planes para su primer LP. En noviembre del mismo año se registraron tres de sus shows en el club neoyorkino Bon Soir, con los fines de lanzar un disco-grande, pero los ejecutivos de Columbia no quedaron conformes con el contenido y rápidamente decidieron introducirse en el estudio de grabación con el arreglador Peter Matz y algunos pocos buenos músicos, ya que el presupuesto a utilizar era bastante reducido -alrededor de 20.000 dólares- El resultado: “The Barbra Streisand Album”, primer disco de la estrella del cine, la música, la tv, y el teatro: Barbra Streisand, a quien el tiempo también le sobró aunque sea un poco -teniendo en cuentas sus múltiples actividades- para ayudar a entidades benéficas, tratando de dar una gran mano a quien lo necesita.
THE BARBRA STREISAND ALBUM
Apenas Barbra estampó la firma con el sello naranja se grabaron dos simples, “Happy days are here again” / “When the sum comes out”, y “My coloring book” / “Lover, come back to me”, en versiones diferentes a las que más tarde aparecerían en los álbumes. Del primero se editaron solamente 500 copias, lo
cual resultó ser un fracaso comercial estrepitoso -curiosamente “Happy days…” se convertiría con el tiempo en uno de los temas más representativos de Streisand- y del segundo se colocaron 60.000 copias. Con ese panorama, The Barbra Streisand Album se erigió en el disco más vendido por una cantante en Norteamérica, llegando al escalón ocho de Billboard y ya logrando tres distinciones Grammy; una por “Mejor vocalista femenina” -siendo ella la artista más joven en recibir éste premio- “Mejor disco” y “Mejor producción”. La placa se mantiene durante 101 semanas en la lista de “los más vendidos”, teniendo en la portada una fotografía tomada durante una de las actuaciones en Bon Soir. Pero, antes de todo ésto, ya habían pasado muchas cosas en la vida de Barbra, como por ejemplo cantado en un coro junto a Neil Diamond, participa del famoso teatro de Broadway, y canta en The Lion y Blue Angel.
BARBARA JOAN STREISAND
El 24 de abril de 1942 llegaba a éste mundo en Williamsburg, un barrio del distrito de Brooklyn, Nueva York, en el seno de una familia de origen judía, Bárbara Joan Streisan, a quien llamarían Barbra. Emanuel Streisand, su padre, profesor de gramática y literatura en la Universidad, dejó de existir a consecuencia de una hemorragia cerebral cuando ella tenía casi quince meses.Tiene un hermano mayor, Sheldon, agente inmobiliario y una media hermana, Roslyn Kind -también cantante- fruto del segundo matrimonio de su madre, Diana, que era secretaria en una escuela y que nunca respaldó el sueño de su hija de dedicarse al mundo del espectáculo, ya que no le parecía demasiado atractiva. Barbra cursa sus estudios en el Colegio Beis Yakov y el Erasmus Hall High School de Brooklyn donde se graduó cuarta en la promoción de 1959. Allí cantaba en el coro junto a Neil Diamond. Pero los deseos de la muchacha en llegar a ser actriz y cantante surgieron en 1956 cuando llega a Broadway a ver la obra “El diario de Ana Frank”. Para alcanzar sus aspiraciones decide inscribirse en un curso de teatro, donde participa en “The teahouse of the august moon”, “Desk set” y “Picnic”. Definitivamente debuta en Broadway el 20 de marzo de 1962 en el musical “I can get it for you wholesale”, donde encarna el papel de Sta. Marmelstein. De allí en más, un éxito detrás de otro coloca en el teatro y en la pantalla grande.
GRANDES REALIZACIONES CINEMATOGRAFICAS
Debuta en el cinéma con “Funny girl”, en 1968 y su excepcional interpretación le brinda un Oscar de la Academia, compartido con la exquisita Katherine Hepburn. Seguirían muchos impactos más, “Hello Dolly”, 1969, “The way we were” junto a Robert Redford, 1973, “Funny lady”, 1975, “A star is born” con Kris Kristofferson, 1976 -también creadora de conceptos musicales, compositora y productora ejecutiva- “The prince of tides” junto a Nick Nolte, 1991 -además productora y directora- “The mirror has two faces”, 1996 -también compositora, productora y directora- “Meet the Fockers (meet the Fockers), 2004, “Little Fockers”, 2010, entre muchas más. Su vida hasta hoy en actividad ha estado basada entre filmes y musicales. Desde el 1 de julio de 1998 está casada con el actor y también director James Brolin. Uno de sus sensacionales hits cantados “Woman in love” –
“Mujer enamorada”- escrito por Barry y Robin Gibb de Los Bee Gees- tomado de su álbum “Guilty”, recibió el premio Novello de 1980 a “la mejor canción”, con cuatro discos de Platino, siendo su mayor hit internacional. Más allá de la nostagia.

Funny Lady,  1975.   2

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EL PRIMER DISCO DE PAUL… McCARTNEY: A 47 AÑOS DE SU LANZAMIENTO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

APPLE RECORDS, 1970.

Mientras Paul McCartney prácticamente terminaba de dar la noticia de la separación de The Beatles, por otro lado llegaba la novedad de su primer lanzamiento como solista. Eso logró que el álbum alcanzara de manera fulminante el primer lugar de Estados Unidos, y otros tantos lugares. Fue un día como el de hoy, 17 de abril, pero de 1970, hace exactamente 47 años, que aparecía el álbum “McCartney” a través de su compañía fonográfica -y la de todos los otros genios de Liverpool- Apple Récords. El propio Paul tocó los instrumentos y las bases de todos los temas las registró en su granja de Campbeltown, Escocia, lugar donde había improvisado un mini estudio casero con un grabador a cinta magnetofónica de cuatro pistas Studer, sin poder hacer mezclas, y sin vúmetros como guía para nivelar los volúmenes.
También cantó y su esposa Linda puso algunos coros. Luegó pasó la cinta grabada a ocho canales en Morgan Studios, y más tarde se trasladó a Abbey Road Studios, donde realizó mezclas y además registró nuevos temas.
Todo fue tan en secreto que las reservas de los estudios estaban hechas bajo el nombre de Billy Martin. El disco en cuestión fue reelanzado en junio de 2011, formando parte de la colección The Paul McCartney Archive Collection. McCartney, 1970, Apple Récords.   1

10 DE ABRIL DE 1970

El anuncio de la separación de The Beatles se hizo oficial el 10 de abril de 1970, y Paul preparó el material para su primer disco solista, en una etapa suya de total confusión, profunda melancolía y desaliento, ante la ruptura de la sensacional agrupación, ya que él era uno de los que deseaba que el conjunto continuara unido. Así y todo, respaldado y ayudado por su mujer Linda Eastman, compuso las canciones después de la navidad de 1969 en adelante, en su hogar de Londres.
La lista de temas de “McCartney” continuó el mismo orden que la grabación del LP.
Lo primero que se registró fue una breve canción de 45 segundos de “The lovely Linda”. Luego Paul interpretó el tema acompañado por una colorida guitarra acústica antes de complementar las pistas en el grabador, acompañado por otra viola, bajo y percusión. Complementarían el disco: “That would be something”,”Valentine day”, “Every night”, “Hot as sun/glasses”, “Junk”, “Man we was lonely”, “Oo You”, “Momma Miss America”, “Teddy boy”, “Singalong junk”, “Maybe I’m amazed”, y “Kreen akrore”. En parte como resultado del papel de McCartney en el “the end” de The Beatles, el álbum recibió una respuesta si se quiere negativa de la mayoría de la prensa escrita especializada en música, a excepción de la canción “Maybe I’m amazed”. Sin embargo, McCartney le llegó bien esa promoción en torno a la desintegración de la banda, logrando muy buenas ventas y popularidad en USA, y Reino Unido, lugar este donde llegó al segundo lugar de la lista UK Albums Chart, donde permaneció por espacio de tres semanas detrás de “Bridge over troubled water”, de Simon & Garfunkel, el álbum más vendido de 1970. El 15 de mayo, “McCartney” había vendido más de un millón de copias en Norteamérica, y una semana después llegó al primer puesto de la lista Billboard 200, donde estuvo tres semanas.

ELOGIADO POR NEIL YOUNG

En 1999 durante la ceremonia de introducción de “McCartney” en el Salón de la Fama del Rock and Roll, el músico Neil Young elogió el disco diciendo al respecto: “Me gustó mucho el álbum McCartney, Paul lo hizo muy fresco, sencillo. Tenía mucho para escuchar… Era Paul McCartney, simplemente eso. No contenía adornos ni cosas raras. No manifestaba ningún intento de competir con otras producciones que había realizado. Y así fue saliendo de la sombra de The Beatles…” “McCartney” apareció cruzado con el lanzamiento de “Let it be” de los caballeros de la reina, que vio la luz semanas después. Resultado: los dos discos vendieron muy bien por todo el orbe. Más allá de la nostagia.

juanjoalberti@hotmail.com

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