LOU GRAMM: EN LA ESCENA DEL ROCK

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

HOY ES SU CUMPLE
No. 66
El tiempo también pasa para todos, también para los rockeros. Hoy está cumpliendo años otro renombrado artista del género, Lou Gramm. Son 66, nacido un día como el de hoy, el 2 de mayo de 1950, en Rochester, Nueva York, para quien fuera el gran vocalista de la distinguida banda Foreigner, grupo con el cual interpretara un montón de sucesos, que no solamente se pegaron en los charts, sino que distinguieron toda la corriente musical. Lou se ha destacado por sus dotes vocales y sus composiciones a través de los años, que él ha llevado en solitario, como en colaboración con otros músicos de prestigio, una muestra de ello es que en el filme “Rock of ages”, 2012, contiene tres de los títulos que le dieron fama internacional, “Waiting for a girl like you”, “Jukebox hero” y ” I want to know what love is”. Actualmente es el líder y vocalista de The Lou Gramm Band, la orquesta de rock cristiano que formó tras su recuperación de una grave enfermedad y de la que forman parte Don Mancuso, Andy Knoll, A.D.Zimmer y su hermano Ben Gramm. Lou, continúa en actividad y en la jornada celebrará su aniversario con su gente, en su casa, en USA. ¡Felicidades!…

HIJO DE UNA CANTANTE y UN TROMPETISTA
Louis Andrew Grammatico -Lou Gramm- es hijo de Nikki Masetta y Bennie Grammatico, una pareja relacionada a la música. Cantante y trompetista, respectivamente, de una agrupación, que le fueron dejando enseñanzas a Lou de cÓmo debía moverse en su metier. El muchacho asistió a la Universidad de Rochester, donde se graduó de bachiller, en 1968, ayudado por Monroe Community College de su zona, donde hacía habitualmente prácticas de su materia sin haberse recibido. De manera paralela, aprendió a tocar la batería y a cantar, manifestando su debut en el rock con distintas bandas locales. La primera fue Black Sheep, lanzando en 1973 el sencillo en 45, “Stick around”. La orquesta actuó en clubes nocturnos de Rochester, Buffalo y Nueva York, estampando poco después un contrato con Capitol Records, editando dos álbumes, “Black Sheep” -“Oveja negra”- en 1974 y “Encouraging words” -“Las palabras de aliento”- 1975. El grupo sufrió un accidente con su camión en una carretera de Nueva York, finalizando abruptamente sus giras en la nochebuena de ese año, y como Black Sheep decidió no actuar más en directo, sin apoyar sus discos, la banda se disolvió. Un año antes, conoció a su futuro compañero de banda, Mick Jones. Mick estaba en Rochester tocando con Spooky Tooth , y Gramm le entregó una copia del primer disco de Black Sheep.
Fue a principios de 1976, poco después del accidente, cuando Jones, en busca de un vocalista de una banda nueva que estaba reuniendo, mostró su interés por Lou, invitándolo a un ensayo. Así, estaba naciendo Foreigner.

FOREIGNER: 80
MILLONES DE DISCOS
Foreigner fue formada por el británico Mick Jones -ex-Nero and the Gladiators, Spooky Tooth y The Leslie West Band- quien a principios de los setenta se unió a Ian McDonald, ex-King Crimson- quedando así el núcleo central del grupo, junto a Dennis Elliot, Al Greenwood, Ed Gagliardi, y el propio Lou Gramm, como un sexteto. A Jones se le ocurrió el nombre de Foreigner -extranjero- por el hecho de que tanto él, como McDonald y Elliot eran británicos, junto a Gramm, Greenwood y Gagliardi, que eran estadounidenses. El álbum debut de la banda se tituló “Foreigner”, en 1977, LP que vendió más de 4 millones de copias en los Estados Unidos, y entró durante un año en el Top 20 con hits al estilo de: “Feels like the first time”, “Cold as ice”, y “Long long way from home”. Su segundo álbum, “Double vision”, 1978, superó los registros de ventas anteriores, y albergó impactos: “Hot blooded”, o el tema que daba nombre al disco, “Double vision”. Su tercer álbum, “Head games”, de 1979, que fue definido por Gramm como su álbum más elaborado, fue también acertado, conteniendo más grandes éxitos: “Dirty white boy” y otro hit que también daba nombre al disco, “Head games”. Foreigner ha vendido más de 80 millones de discos en todo el mundo -incluyendo 37.5 millones en Estados Unidos- y fue considerado por la publicación “Record World”, como todo un record.

LOS HERMANOS GRAMM
Lou abandona Foreigner, y con sus hermanos Ben -batería- y Richard, en bajo, y con sus amigos: Don Mancuso (guitarra) y Andy Knoll (teclados) forma The Lou Gramm Band, rescatando los temas de Foreigner, para su repertorio, realizando conciertos por Estados Unidos, Canadá y México.
The Lou Gramm Band culminó un álbum de rock cristiano, lanzado en territorio norteamericano el 2 de junio de 2009, a través de Spectra Récords.
Junto con Jones, Gramm fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores, el 13 de junio de 2013. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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MARIANO MORES: PARTIÓ EL GRAN MAESTRO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SU MAGIA PARA TOCAR EL PIANO
Jamás olvidaré cuando tenía unos diez años y mi padre me llevó a ver un espectáculo benéfico de carnaval que se realizaba en la tribuna Olímpica del Centenario. Había parodistas y murgas de ese entonces, entre ellos actuaron Los Negros Melódicos, Los Charoles, Los Chocolate, Los Patos Cabreros, Amantes al engrudo, Asaltantes con Patente, y como figura central e invitada especialmente se presentaba “El gran maestro”, haciendo temblar hasta los arcos y las redes con la magia de su piano al interpretar “Taquito militar”… Era un pibe, ¿qué podía saber de música?… Es que no se por qué me impresionó tanto y me marcó de por vida, aquella milonga instrumental ejecutada de una manera increíble. El tiempo fue pasando, la vida también y en ese entorno fui siguiendo bastante de cerca a este músico extraordinario que me continuaba sorprendiendo con sus creaciones: “Cuartito azul”, “Gricel”, “En esta tarde gris”, “Adiós Pampa mía”, “Uno”, y hasta “Cafetín de Buenos Aires”, en colaboración con Enrique Santos Discépolo. Y ni hablar cuando dirigía su magnífica orquesta, dictando cátedra hasta en el Teatro Colón, haciendo un verdadero culto del tango, tocado a su estilo. Se llamó Mariano Alberto Martínez conocido de manera artística como Mariano Mores.
LE COSTABA LA CLAVE
Mariano llegó a este mundo el 18 de febrero de 1918 en San Telmo, barrio de la ciudad autónoma de Buenos Aires. A sus padres les agradaba bailar, participando eventualmente de concursos tangueros que se organizaban en la zona. También les gustaba tener hijos, fueron siete con Mariano, quien fue el mayor. Su mamá fue ama de casa cuidando a sus pequeños, su padre era agente viajero ofreciendo mercancía por las provincias, y su abuelo que tocaba la flauta, fue director de una banda, insistiendo con “Marianito” para que aprendiera música y se convirtiera en concertista. En 1925 su famiia se mudó a Tres Arroyos, al sur de la provincia de Buenos Aires. Allí comenzó a los siete años a estudiar piano clásico con un instrumento adquirido especialmente por su familia para que él se convirtiera en un verdadero profesional del teclado. Pero luego de algunas clases, el profesor de piano renunció a tenerlo como alumno, pensando que carecía de aptitudes musicales. Es que a esas alturas el muchacho solo pensaba en jugar a la pelota con sus amigos, botijas como él. El asunto era quién se lo decía a sus progenitores, estaban muy ilusionados.
LA HERMANA DEL ALMACENERO
Al final, los padres vendieron el famoso piano y exactamente en el año 1927 regresaron a Buenos Aires, afincándose en Flores. La casualidad fue que en la esquina de su casa había una despensa, y justamente la hermana del almacenero era maestra de piano. Acto seguido, el dueño del comercio le propuso aprender de verdad, y como los Martínez no tenían un peso en la lata, acordaron que descontaría cien gramos en cada compra hasta juntar los cinco pesos que costaba la clase. Jamás le cobraron. Aprendió a las mil maravillas. Mariano se entuasismó tanto que pasó el solfeo y al año se recibió de maestro. Tenía 10 años. En 1928 la familia se radica en Lanús Oeste, donde los padres volvieron a comprar un piano y Mariano comenzó a estudiar en el conservatorio D’Andrea con la profesora Amelia Faguada de Alcami, recibiéndose en un año de profesor de teoría musical, solfeo y armonía. Ya en 1929 se trasladan a España donde permanecerías hasta 1935. Allí Mariano logra una beca en la Universidad de Salamanca donde se perfeccionó como pianista clásico tomando el perfil de niño prodigio. La gravedad de la situación política y la proximidad de la Guerra civil, hizo que la familia entera retornara a la Argentina en 1935.
VERTIGINOSO CAMINO AL ÉXITO
Rápidamente, con 14 años hizo de pianista en el famoso café Vicente de la calle Corrientes acompañando a Roberto Firpo. Inmediatamente, llegaría el Trío Mores, que integraba junto a las hermanas Margot y Myrna. Entre actuación y actuación se terminó enamorando de Myrna, con quien se casaría y viviría hasta la desaparición de esta -14 de marzo de 2014, 93 años- Luego del enlace Myrna dejó de cantar para dedicarse por entero a su hogar e hijos: Nito Mores -11 de agosto de 1944-1o. de mayo de 1984, 39 años- y Silvia Mores -28 de junio de 1949, 66 años- acompañando siempre a su esposo a las giras por el mundo junto a su banda. Mariano fue pianista de Francisco Canaro, formó su propio grupo y en 1948 debutó dirigiendo una gran orquesta. Su primer cantante fue su hermano Enrique Martínez, bajo el seudónimo de Enrique Lucero. Por su conjunto desfilaron muchos vocalistas como Carlos Acuña, su hijo Nito Mores, Hugo Marcel, entre otros. Formó el Sexteto Rítmico Moderno. Llevó adelante el espectáculo “Buenas Noches, Buenos Aires”, en teatro y cine. Cuenta con más de 300 temas grabados. Mariano registró la mayoría de sus obras en la fonográfica Odeón, aunque debutó en sello Mercurio. Sus shows musicales por los teatros del mundo -incluído el Colón- fueron majestuosos. “El gran maestro”, Mariano Mores partió rumbo al cielo el pasado 13 de abril de 2016. Tenía 98 años. Fue un gigante de la música, un referente absoluto en su rubro. Más allá de la nostalgia.
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CHICO NOVARRO: UNA HISTORIA EN LA MÚSICA

TAMBIÉN ROCK y CUMBIAS
Se hizo tremendamente popular en la década de los sesenta cuando un programa musical juvenil de televisión entró en acción. Se trataba de “El Club del Clan” donde los exponentes del mismo cantaban éxitos de moda de esos tiempos. El figuraba en la plantilla principal, al lado de Violeta Rivas, Palito Ortega, Lalo Fransen, Nicky Jones, la exquisita Jolly Land, entre otros. Su calidad de intérprete lo catapultó al suceso de manera vertiginosa. Entre “El camaleón”,fshdfah“Un sombrero de paja”, “El Orangután”, “Que gente averiguá”, y la “Cumbia bendita”, estaban los boleros románticos que llegaban al corazón, estilo en el cual supo marcar diferencias hasta hoy en día. “La página 10″ y “Tu pedestal”, por ejemplo, se fueron incluyendo en sus discos RCA y resultaron un hit, tanto es así que en aquella tan primitiva etapa, casi siempre los entonaba en el famoso programa de los “claneros”. Sin embargo, sus orígenes pertenecen al jazz, sonando fuerte en los cincuenta cuando integró la Montecarlo Jazz de Córdoba, las orquestas Argentina de Jazz, la de Don Roy, Lucho Gatica, Daniel Riolobos y Arturo Millán, el grupo Swing Timers, la Agrupación Nuevo Jazz, tocando con músicos de primer nivel: Jorge Navarro, Santiago Giacobbe, Gato Barbieri y Rodolfo Alchourrón. Su nombre: Bernardo Mitnik Lerman, conocido artísticamente como Chico Novarro, un músico y cantante con toda una historia en la música.
HIJO DE ZAPATERO
Chico Novarro nació el 4 de septiembre de 1933 -cuenta con 82 años- en la provincia de Santa Fe. Hijo de padre zapatero, Albert Mitnik, llegado a la Argentina vía Ucrania, casado con Lerman una judío rumana; ambos en 1923 se afincaron en territorio argentino con sus dos hijas mayores. Se radicaron en Santa Fe, donde vienen al mundo tres hijos más: Samuel, Fanny y Bernardo. Ya un poco creciditos, Bernardo se sentaba en el cordón de la vereda junto a sus hermanos a cantar tangos, leyendo las letras de un cancionero. Eran esos tangos que se escuchaban en las radios de entonces, y en el pasadiscos manual de Albert, que coleccionaba discos en 78 de Rosita Quintana, Carlos Gardel y Francisco Canaro. Pero, pronto culminaría esa precoz predilección por la música ciudadana ya que su hermano mayor, Samuel, quien tocaba la batería en la Jazz Don Peralta, apareció con el instrumento, para introducirlo en la moda jazzística, inclinado también en su propia admiración al influyente baterista de big band, Gene Krupa. A partir de ahí, los días fueron diferentes para Bernardo Mitnik. No solamente se perfeccionó en la percusión, sino que a través de la academia empezó a manejarse muy bien en el contrabajo y el piano. A la edad de quince años ya se ganaba la vida como batero y cantando en una típica. El padre quería que siguiera estudiando y que se convirtiera en contador. El tiempo fue indicando lo contrario, se podía ganar más dinero haciendo música, y así fue que en 1951 aterrizó en Buenos Aires a ritmo de mambo tocando el bongó y la batería en una banda. Eso no funcionó demasiado y luego de muchas idas y venidas, viajó y se quedó definitivamente en la capital porteña en 1960. Lo mejor estaba por llegar.
EL CLUB DEL CLAN
En esta oportunidad, la RCA Víctor lo contrata para la grabación de un simple y un LP como solista. Es ahí que el director artístico de la compañía, Ricardo Mejía, nacido en Ecuador, le cambia el nombre y le coloca Chico Novarro, como a los otros integrantes del show, que todos poseen su apelativo. Allí, Chico empieza a prosperar rápidamente, comenzando a componer y vocalizando temas propios, algunos de ellos transformados en himnos manteniendo vigencia a través del tiempo.
Posteriormente, en 1965 escribe su primer tango, “Nuestro balance” convertido más tarde en un clásico- con el que obtiene el “Festival del Parque del Plata” por estos lares. En 1969 graba el LP “Música para mirar a Chico” acompañado ya por el pianista y compositor Mike Ribas que desde entonces ha estado presente en casi todas sus grabaciones.
LOS GRANDES LO PREFIEREN
Hoy, en Puerto Rico, México y toda América Central, se lo nombra como a uno de los más reconocidos y prolíficos cantautores de habla hispana de todos los tiempos.
Mucho antes que Luis Miguel eligiera su tema “Cómo” para incluirlo en su primer álbum de boleros, otros grandes habían requerido de sus obras: Olga Guillot, José José, Tito Rodríguez, Daniel Riolobos, Eddie Gormé, Cheo Feliciano, Lisette Álvarez, y muchos más. Por otra parte, también ha rodado varias películas, y ha llevado adelante un sinfín de espectáculos teatrales-musicales compartido con otras figuras del ambiente. Tango, boleros, baladas románticas, cumbias, jazz, rock, definen a Chico Novarro en su versátil estilo. Fue declarado ciudadano ilustre de Buenos Aires. Más allá de la nostalgia.
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DUPLÁA & ECHARRI: JUNTOS PARA TRIUNFAR

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

LA LEONA DE LA TRIBU
Llamada a ser la gran telenovela de los útlimos tiempos, producida por El Árbol, a cargo de Pablo Echarri y Martín Seefeld, con Telefé contenidos como asociados, “La Leona” se estrenó en el Río de la Plata en Telefé Argentina y Canal 4 Montecarlo TV de Montevideo, Uruguay, en horarios nocturnos, en enero de este año 2016. Protagonizada por Nancy Dupláa y Pablo Echarri, con la participación de Miguel Ángel Solá, Esther Goris, Mónica Antonópulos, Ludovico Di Santo, Dolores Fonzi, Susú Pecoraro, Peter Lanzani, Hugo Arana, Juan Gil Navarro, Patricia Palmer, Andrea Pietra, Andrea Rincón, Julia Calvo, entre otros, ha conseguido sostener buenos números de audiencia muy posicionada en esa franja horaria en Buenos Aires, donde la competencia es dura. Basándose en una trama que muestra una fábrica textil a punto de quebrar en la cual el personaje de Dupláa, María Leone, desempeña un rol preponderante, defendiendo los derechos de los obreros del establecimiento propiedad de la familia Miller. Así, se van sucediendo las apariciones, con Susú Pecoraro interpretando a Sofía, madre de Pablo Echarri -Franco Uribe- mientras que Patricia Palmer y Hugo Arana encarnan a los padres de Nancy Dupláa. Esther Goris personifica a la frívola y despiadada esposa de Miguel Ángel Solá, quien inculcará todo su odio en su hijo, el personaje de Juan Gil Navarro -Gabriel Miller- Con el tema musical central “María, María”, que suena permanentemente en la tira, compuesto y cantado por Miss Bolivia, la teleserie se mantendrá en emisión una temporada -año 2016- con la cantidad de 120 capítulos registrados, Nancy Dupláa y Pablo Echarri, realizan sus mejores actuaciones y realmente engalan los momentos que se viven en “La Leona”. Seguramente, se van a llevar unas cuantas distinciones en los “Martín Fierro”, de la próxima edición.
DUPLÁA: A PARTIR DE “MONTAÑA RUSA”
Antes de convertirse en una muy buena actriz, Dupláa, representó un montón de papeles donde sobresalió por sus desempeños. Nancy Verónica Dupláa nació el 3 de diciembre de 1969, en Olivos, partido de Vicente López, Provincia de Buenos Aires, contando en la actualidad con 46 años. Cuando era pequeña sus padres se mudaron a San Martín, donde residió hasta los veinte años, adoptando como suyo el barrio de Villa Urquiza. En ese sitio inició sus clases de teatro, con Claudio Ciafone, y más tarde con el director Hugo Midón. Mientras cursaba diseño gráfico en la Universidad de Buenos Aires, comenzó la carrera de asistente materno infantil. Ocasionalmente se presentó a un casting de Canal 13 para una tira, y aunque finalmente no se incorporó a ese espacio, tiempo después tuvo su oportunidad en el ciclo infantil “El agujerito sin fin”. Enseguida fue el turno de “Montaña rusa”, novela que le dio popularidad y que también se representó en los teatros Brodway y Radio City de Mar del Plata. Siendo éste su trampolín a la fama, compartió créditos con Gastón Pauls, Esteban Prol, Carla Peterson, Diego Olivera y Diego Ramos, que luego se consagrarían en la pantalla chica.
“LOS BUSCAS DE SIEMPRE” y “EL HIJO…” CON ECHARRI
Continuó con “El último verano”, 1996, “Poliladron”, 1996, “De poeta y de loco”, 1996, “Los especiales de Alejandro Doria”, 1996, “R.R.D.T.”, 1997, y “Verdad consecuencia”, 1997. En teatro, marcó presencia en 1997 con “El vestidor”, con Federico Luppi, y “Montaña rusa, 2″ y en cine en varias películas: “Comodines”, “El desvío”, “Buenos Aires me mata”, “Nueces para el amor” y “Apasionados”. Entre 1998 y 1999 fue una de las protagonistas de “Verano del ’98” , serie juvenil producida por Cris Morena. A mediados de su segunda temporada abandona el elenco junto a Fernan Miras. En 2000 aparecería “Los buscas de siempre” junto a su actual marido Pablo Echarri por Canal 9. “Padre Coraje”, 2004, Participó de “Mujeres asesinas”, “Hermanos y detectives”, “Sin código”, y “El hombre que volvió de la muerte”. En 2012 llega “Graduados” por Telefé, obteniendo nuevamente el primer lugar de teleaudiencia en la televisión argentina. En 2013 vuelve al teatro junto a Pablo Echarri en la obra “El hijo de puta del sombrero”,y en 2014 participa del filme nominado al premio Oscar “Relatos salvajes”, donde interpreta a la esposa de Ricardo Darín, uno de los protagonistas de la cinta.
EN AVELLANEDA NACIÓ ECHARRI
Echarri antes de desembarcar en “La Leona” fue protagonista de infinidad de filmes y novelas. Pablo Daniel Echarri llegó a este mundo el 21 de septiembre de 1969, en Avellaneda, Pcia. de Buenos Aires, contando hoy con 46 años. En 1993 debutó en “Sólo para parejas” con Victoria Onetto y Emiliano Kaczka, dos años después prosiguió con “Inconquistable corazón”, en 1996 se luce en “Por siempre mujercitas”, “Chiquititas”, y “Mía solo mía”, 1997, con Andrea del Boca, “El signo” en cine con Carolina Papaleo, y “El desvío” junto a Nancy Dupláa. Al toque por diferentes temas se aleja de los medios y abre su propio bar snack en la zona de Palermo Chico, llamado “El 5o. Stone”.
Pasó varios meses siendo noticia de los programas de espectáculos por sus constantes separaciones y reconciliaciones con la actriz Natalia Oreiro, de quien luego se separaría después de cinco años de relación. En 1999, retorna a la gran pantalla con “Alma mía” junto a la actriz Araceli González. Casi a fines de ese año co-protagonizó “Plata quemada”, una renombrada película del cine argentino junto a Leonardo Sbaraglia y Héctor Alterio. Sus últimas actuaciones fueron
“Todos contra juan”, “El elegido”, “Graduados”, y “Viudas e hijos del rock and roll”. El 7 de febrero de 2007 se casó con Nancy Dupláa. El 23 de agosto de 2003 llegó su hija, Morena Echarri. El 8 de abril de 2010 su segundo hijo, llamado Julián Echarri. Más allá de la nostalgia.

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THE CHIFFONS: LAS CHICAS TOP DE LOS SESENTA

SE CONOCIERON EN LA ESCUELA
Fue un cuarteto femenino estadounidense que dió que hablar en la década de los sesenta. Integrado por Judy Craig, Patricia Bennet, Barbara Lee y la última que llegó, Sylvia Peterson.
Se conocieron en la escuela, participaron del coro, se hicieron amigas y cantaron juntas por ciertos reductos a manera de hobby, porque les gustaba. Las chicas comenzaron a trabajar en los cantables con profesores, y debutaron profesionalmente, siendo consideradas “el grupo top de mujeres”, por ese tiempo.
Afinadas armonías presentaban su marca registrada a través de las voces de las damas que de buenas a primeras debutaron con su primer sencillo “Tonight’s the night” en 1961. Dos años más tarde lanzaban “He’s so fine” su segundo simple que se transformaría inmediatamente en número uno de las listas USA, y el Reino Unido, el cual sería el primer y mayor impacto de su carrera. Curiosamente, al ex-Beatle George Harrison se le acusó haber plagiado el tema en “My sweet lord”, por lo que finalmente tuvo que pagar dos terceras partes de las ventas del tema, al compositor original de la canción, Ronnie Mack. Se llamaron The Chiffons, tuvieron diez años de fama y en 1970 se disolvieron, para reaparecer en varias oportunidades.

“HE’S SO FINE” No. 1 BILLBOARD: A 53 AÑOS
La agrupación procedente del Bronx, Nueva York, llegaría al tope del Billboard, con su segundo disco, exactamente el 4 de abril de 1963, hace hoy 53 años atrás.
El tema en cuestión sería promovido por casi todas las emisoras y programas de dj’s, en La Gran Manzana y por televisión en el famoso “Show de Ed Sullivan”, el mismo que hiciera debutar a los genios de Liverpool en territorio norteamericano.
Había “pegado” entre los más jovenes y la venta de los discos subió hasta las nubes.
Las ventas fueron tan monumentales que en Inglaterra colocó en un término de dos semanas la friolera de más de un millón de copias, siendo galardonado con un disco de oro. Cifra que en la actualidad hubiese recibido el disco de platino, ya que desde el año 1975, se redujo la certificación por superventas, otorgando el oro por 500.000 unidades y platino por el millón. Luego del sonado hit “He’s so fine” en Norteamérica y Reino Unido, el éxito se expandió por casi toda Europa y parte de América Latina. Fueron cinco años de giras, rutilantes shows, aviones y también cansancio, mucho.
El stress y el vil metal hicieron caer o por lo menos mover los cimientos artísticos de la agrupación.

EL SUCESO RESULTO INSUPERABLE
Pasado el tiempo de “He’s so fine”, The Chiffons no pudieron superar el hit del simple, intentando reeditar éxitos parecidos en futuras placas.
Lamentablemente, fue en vano. Llegaron “One fine day”, “When the boys happy, the girls happy too”, “A love so fine” y “I have a boyfriend”, en 1963. Un año después, aparecía: “Sailor boy”; “Nobody knows what’s goin on, in my mind but me”, en 1965; “Out of this world”, “Stop, look and listen”, y “Sweet talkin’ guy”, 1966; “Up on the bridge”, 1968; y “So much in love”, 1970. A nivel de LP’s: “He’s so fine”, y “One fine day” en 1963; “Sweet talkin’ guy”, 1966; y “My secret love”, 1970.
Y en recopilatorios: “Everything you always wanted to hear by The Chiffons but couldn’t get”, 1974; “The Chiffons sing the hits of the 50’s & 60’s”, 1979; y “Absolutely the best!”, 2004.
Agregamos que también existen varios dvd con las primeras actuaciones y otros con los últimos shows que han realizado en los reencuentros con el público en directo.

“SHINDIG!” EN 1965
The Chiffons vivieron un capítulo aparte cuando se presentaron en el conocido show musical de tv, “Shindig!”, en Estados Unidos.
Ocurrió en julio de 1965, cuando Sylvia y Bárbara volaron rápidamente hacia la costa oeste para publicitar un nuevo disco en el programa.
El caso fue que Judy y Pat no estaban en el conjunto por maternidad, siendo suplantadas por otras dos componentes, a cuales ellas no conocían.
No solamente llegaron tarde al set televisivo donde se grababa en tape, sino que se detuvo la realización del mismo por espacio de dos horas, porque estaban retrasadas.
Fue tal el enojo del productor del ciclo, que casi las expulsa del estudio a las cuatro, si no fuera por un compromiso hecho con antelación con la fonográfica que manejaba los hilos de las muchachas.
Así y todo, participaron de “Shindig!” con tres temas. Y al final, todos amigos como siempre.

JUDY CRAIG SE FUE, PERO VOLVIO
Judy Craig una de las voces fundamentales de The Chiffons, nacida el 6 de agosto de 1946, abandonó el grupo en 1970, por razones económicas y consiguió un puesto de trabajo en el Banco de Manhattan.
El trío restante continuó presentándose en vivo con Sylvia.
Con el paso del tiempo, Sylvia, Pat, y Bárbara, también son contratadas para trabajar por distintas oficinas, pero siguiendo con los shows los fines de semana.
El 15 de mayo de 1992 Bárbara Lee deja de existir víctima de un ataque al corazón, siendo reemplazada por Connie Harvey. Craig volvió a la banda y Harvey sigue en la actualidad como solista. Más allá de la nostalgia.
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SEGÚN FILMAFFINITY: BONANZA, LA SERIE ELEGIDA

LOS INTERNAUTAS
VOTARON

Una determinada cantidad de seguidores de Filmaffinity, sitio web dedicado al cine y las series, creado en Madrid en el año 2002, con versiones en español e inglés, en un sistema de recomendaciones cinematográficas, con base de datos y rarezas de películas, documentales, cortometrajes y producciones televisivas, votaron por las mejores seriales de los años cincuenta, destacándose entre las veinte primeras, grandes títulos de la pantalla chica. A saber, en el vigésimo pagelugar se encuentra “Maverick”, en el escalón 19 “Caravana”, en el puesto 18 “La ley del revólver”, 17 – “Randall, el justiciero, 16 – “El hombre del rifle”, 15 – “Cuero crudo”, en el 14 – “El hombre invisible”, 13 – “Furia”, 12 – “La pandilla”, 11 – “El llanero solitario”, 10 – “Las aventuras de Superman”, 9 – “Los Intocables”, 8 – “Yo quiero a Lucy”, 7 – “El Zorro”, en el casillero 6 está “Las aventuras de Rin-Tin-Tin”, 5 – “Lassie”, 4 – “Perry Mason”, 3 – “La dimensión desconocida”, 2 – “Alfred Hitchcock Presents” y en el primer puesto con amplia ventaja sobre las tiras restantes, “Bonanza”, el western de todos los tiempos, con 5.320 votos. La serie de la familia Cartwright en “La Ponderosa” sigue gozando de muy buenos recuerdos por parte de los televidentes en distintas partes del mundo.

POR EL RANCHO DE BEN

El título elegido por la votación con diferencia abrumadora, “Bonanza”, es una producción norteamericana que fue emitida por la cadena de televisión NBC entre el 12 de septiembre de 1959 y el 16 de enero de 1973, con 431 episodios, en 14 temporadas, siendo la primera serie tv de una hora de duración filmada en colores. El capítulo piloto fue creado por David Dortort, quien también fue el productor de la serie. Dortort también ideó “The Restless Gun”, “El gran Chaparral”, “The Cowboys” y la presecuela de “Bonanza”, “Ponderosa”. A lo largo de casi toda su duración, el principal patrocinador de “Bonanza” fue Chevrolet, y los cuatro actores centrales a veces aparecían en la publicidad de los vehículos de la marca citada. Todos los miembros del elenco habían estado previamente en numerosas obras en teatro, televisión y películas, pero ninguno de ellos era especialmente famoso. La llegada del color en la tira fue impulsada por la compañía RCA que había lanzado al mercado sus flamantes aparatos donde los televidentes se deleitaban con la trama, el reparto, los invitados especiales y el formidable color. Ante tal idea, al compás de “Bonanza” se fueron adquiriendo cientos de televisores. Fue un negocio redondo, más allá del suceso manifestado por el notable ciclo.

UNA ANTOLOGÍA DE
HISTORIAS EXTRAÑAS

La segunda serie más seleccionada, “Alfred Hitchcock Presenta” se emitió por CBS y NBC, entre el 2 de octubre de 1955 y el 10 de mayo de 1965, en blanco y negro, siendo su anfitrión el propio Alfred. La tira que ofrecía thrillers, misterios y dramas, hizo 7 temporadas, con 268 capítulos. Inmortalizada por la silueta de Hitchcock apareciendo en pantalla con el fondo de “Marcha fúnebre por una marioneta” de Charles Gounod, la producción está compuesta de una antología de pequeñas historias extrañas, de final incierto. Al comienzo de cada episodio se realiza una presentación, siempre teñida de humor negro, donde Alfred Hitchcock saludaba a los telespectadores con un severo “Buenas noches!”. En el epílogo, tras el final de cada semblanza, reaparecía para exponer su lectura moral sobre lo que aconteció.

CIENCIA FICCIÓN y
FANTASÍA, DE TERROR

“La dimensión desconocida” -“The twilight zone”- en tercer lugar, es una serial USA especializada en el género de ciencia ficción, la fantasía y el terror. Conformó 156 capítulos, repartidos en cinco temporadas, entre el 2 de octubre de 1959 y el 19 de junio de 1964. 92 episodios fueron escritos por el creador de la tira, Rod Serling, quien también hacía las veces de notable narrador. Cada episodio recreaba un relato, a menudo rematado por un final de corte sorprendente. El impacto que produjo en la teleaudiencia fue tan inmenso que provocó la realización de una remake a mediados de los años ochenta y otra en 2002, así como también de dos filmes, series radiofónicas, un cómic, una publicación, un pinball de diseño y otros objetos alusivos. Fueron guionistas Charles Beaumont, Richard Mathesn, Jerry Sohl, George Clayton, Earl Hammer Jr., Reginal Rose y Ray Bradbury.

HALLANDO AL
VERDADERO CULPABLE

El cuarto puesto es de “Perry Mason”, un abogado experto en casos complejos de asesinato. Casi todos los capítulos siguen el mismo formato: el cliente de “Perry Mason” es acusado de homicidio. Mason, con la ayuda de su inseparable secretaria Della Street -Bárbara Hale- y del investigador Paul Drake -William Hopper- analiza los más pequeños detalles para hallar al verdadero culpable y probar la inocencia de su cliente. Permaneció por CBS durante 9 temporadas, con 271 episodios, entre el 21 de septiembre de 1957 y el 22 de mayo de 1966. La tira es en blanco y negro, monoaural, de 52 minutos de duración.

LA PERRA MÁS FAMOSA

“Lassie”, la perra más famosa del mundo se ubica en el quinto escalón de la votación. Manteniéndose como serie en CBS desde el 12 de septiembre de 1954 hasta el 23 de marzo de 1973, con 19 temporadas y 588 capítulos de 24 minutos, en blanco y negro, y color. Las andanzas de una collie en una granja, con la compañía de un niño, su madre y su abuelo. Exactamente en 1954, la tira fue galardonada serie tv en los premios Emmy. Al margen, éste personaje ha aparecido en libros, radio, cine, juguetes, historietas, series animadas, juegos y en otros medios. Como dato anecdótico, está que los descendientes de la perra aún hoy en día continúan dándole vida a “Lassie”, siendo actualmente la que lo hace, un cachorro de la décima generación. Más allá de la nostalgia.
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THE BEATLES: 53 AÑOS DE “PLEASE PLEASE ME”

EL ÁLBUM DEBUT

Hace 53 años del acontecimiento, cuando los genios de Liverpool lanzaban a circulación “Please please me”, su primer álbum. Fue en marzo de 1963.
El disco contiene temas antológicos del cuarteto, en el lado A: “I saw her standing there”, “Misery”, “Anna (go to catshim)”, “Chains”, “Boys”, “Ask me why” y la rítmica “Please please me”. En la cara B: “Love me do”, “P.S. I love you”, “Baby it’s you”, “Do you want to know a secret”, “A taste of honey”, “There’s a place” y “Twist and shout”. En un total de catorce temas que juntos y por separado dieron que hablar primero en Inglaterra y toda Europa, luego Estados Unidos y más tarde en el orbe entero.
Así de esta forma se iniciaba la tan famosa “Beatlemanía”, luego del suceso de los simples “Please please me” y “Love me do” por el Reino Unido. El LP fue registrado el 11 de febrero de 1963 en los estudios EMI de Abbey Road, durante una sola sesión de grabación que se extendió por espacio de nueve horas y 45 minutos en forma continuada.
Aunque la mayor parte de las canciones son vocalizadas por Lennon o McCartney, solos o a dúo, George Harrison participa en el coro y coloca su voz en dos temas, mientras que Ringo Starr interpreta solamente una.
Las nombradas catorce obras son típicas del repertorio que la banda tocaba durante años en cafés de Hamburgo o en el Cavern Club de Liverpool, club de rock and roll, donde Brian Epstein los conoce en 1961.
La carátula está ilustrada con la aparición de los fabulosos cuatro en las escaleras del edificio de la fonográfica EMI en Londres.
Desde la edición de “Please please me”, los Beatles aumentaron su popularidad en todo el mundo, principalmente en Inglaterra, donde el álbum llegó al primer lugar el 11 de mayo de 1963, permaneciendo en ese puesto durante 30 semanas hasta el 7 de diciembre de 1963, fecha en la que fue sustituido en la primera posición por otra placa que recién llegaba. Se trataba del segundo LP del grupo, “With the Beatles”.
Un número uno por otro del cuarteto británico.

LA HISTORIA COMO DISCO SIMPLE

“Please please me” es el segundo sencillo lanzado por The Beatles en el Reino Unido, y el primero publicado en los Estados Unidos.
Teniendo en cuenta su impacto, el tema dio nombre al primer álbum de la agrupación.
Era originalmente una composición de John Lennon, aunque su estructura definitiva se vio significativamente influenciada por el músico, arreglador, ingeniero de sonido y director de orquesta, George Martin, considerado “el quinto Beatle”, lamentablemente desaparecido el pasado 8 de marzo de 2016 en Londres, a los noventa años.
El 22 de febrero de 1963, la canción alcanzó el n.º 1 en las listas de simples del “New Musical Express” y de “Melody Maker”, pero sólo llegó al puesto dos en la pizarra del “Record Retailer”, que evolucionaría después en lista oficial de Inglaterra reflejando este último dato.
El sencillo, que se había lanzado inicialmente con “Ask me why” en el lado b, no logró mucho éxito, pero cuando se reeditó el 30 de enero de 1964, compartiendo “From me to you”, en el lado b, alcanzó el tercer sitio en el Hot 100 de “Billboard”.
McCartney, Lennon, Harrison y Starr, ya habían obtenido un moderado suceso con su primer simple “Love me do”, pero fuera de las ciudades de Liverpool y Hamburgo seguían siendo ilustres desconocidos.
Fue fundamental el espaldarazo que les dio George Martin, en insistir positivamente con un simple venidero.
Tenía razón, los hechos están a la vista.

EN PRINCIPIO LA GRABACIÓN SERÍA “EN VIVO”

Luego de pensarlo un tiempo George Martin deseaba que la banda lograra el magnetismo que tenía con el público en el Cavern Club y lo llevara a la placa. Por distintas razones eso no se llevó a cabo.
Y se alquiló el estudio donde se trabajó de manera muy concreta y rápida. Ellos tocaron como lo realizaban en directo, y no hubo repetición de tomas. Registraron los distintos temas como si fuera un ensayo, sin haber sobregrabaciones ni ediciones especiales, con una equipación y consola de acuerdo a la época.
Exactamente, el 20 de febrero de 1963, sin la presencia de Los Beatles- Martin grabó una parte de piano en “Misery”, y el 25 de febrero de ese año realizó las mezclas definitivas de los temas del álbum.
En principio el disco llevaría el título de “Off the Beatle track”, pero más tarde cambiaría de opinión por el nombre original del material.
Se lanzó a la venta bajo el sello Parlophone en versión estereofónica el 22 de marzo de 1963.

PUESTO 39 ENTRE LOS 500 MEJORES

En el año 2003, la revista “Rolling Stone” ubicó a “Please please me” en el puesto 39 de su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Lidera la posición de entre los primeros LP’s publicados por Los Beatles, siendo sexto de entre todos los discos-grandes del cuarteto, después de “Sgt. Pepper’s lonely hearts club band”, “Revolver”, “Rubber soul”, “The Beatles” y “Abbey road”.
“Please please me”, junto con el resto de la discografía del célebre conjunto inglés, sería reeditado nuevamente en CD, con una nueva remasterización, el 9 de septiembre de 2009, tanto en mono como en estéreo.
Más allá de la nostalgia.

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SUSANA GIMÉNEZ: LA AZAROSA VIDA DE UNA DIVA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

TERCERA PARTE (y última…)

DE PELEA EN PELEA
Susana tenía 29 años y Carlos 33, cuando se conocieron en 1974, en momentos de “La Mary”. La magia de la piel pudo más que ellos mismos. Todo se inició muy apasionadamente, con explosión cotidiana y con altibajos durante cinco años, pero luego se manifestó un desgaste de pareja y se separaron. Se comenta que discutían mucho, por asuntos de celos… “Era algo muy lindo, Monzón tenía un algo más… Personalidad y desfachatado, con una pinta bárbara… me gustaba, me volvía loca… Y bueno, estábamos hechos uno para el otro, siempre a todos lados juntos. Pero, después la intensidad se fue apagando, por otros problemas ajenos a nosotros. Había demasiadas peleas, y le dije: hasta acá duro mi amor… y me fui a vivir sola, no daba para más…” dijo Susana Giménez, con relación a Carlos Monzón y sus vivencias con el malogrado ex-campeón mundial de box. En instantes de ese turbio amor, con vaivenes, fueron apareciendo otros protagonistas, como Cacho Castaña, un personaje ligado a “Su” hasta el día de hoy, con quien mantiene una excelente comunicación y amistad. Es conocida por todos, la fama del popular cantante argentino, como romántico incurable y encarador por sobre todo. Sus correrías en la noche porteña a manera de aventuras, encierran infinidad de amoríos con actrices, cantantes, modelos, y otras damas distinguidas; esas mujeres nunca pasaron inadvertidas. Aunque hubo tantas más para engrosar esa extensa lista, tal vez menos conocidas.

SE FUE EN CALZONCILLOS
¿Quién? El propio Cacho Castaña, que había penetrado en el corazón de Susana, en un momento que estaba enemistada con Monzón. Contado por Cacho suena mejor: “Con Susana me tocó hacer temporada en Mar del Plata, con una revista en Teatro ópera. Tanto le dimos vuelta a la cuestión que al final transamos. Así fue, transamos. Arrancamos un noviazgo, porque en ese momento estaba peleada con Monzón.
La prensa había largado varios chimentos y yo estaba cag…. porque Carlos sospechaba y me estaba siguiendo, me mandaba seguir a todas partes. Tratamos de disimular, pero Monzón no se creía un carajo. Es que todo Mar del Plata lo sabía… La cosa fue que Carlos se fue y yo seguí saliendo con Susana. Hasta que una vez, estábamos en la cama tranquilos con -Su- en su casa, y empezamos a sentir ruidos, era Monzón que llegaba de improviso.
Me tiré de la cama, me escapé por una ventana, solamente vestido con un calzoncillo, hasta llegar al auto de un amigo que me hizo meter en la valija del coche y me sacó del lugar… Tremendo jabón me pegué…”.

¡UN MILLÓN DE DÓLARES POR MES!
En la vida artística de Susana, habían quedado atrás varios filmes: “Tu me enloqueces”, 1976, con Sandro de América, “Los hombres sólo piensan en eso”, 1976, “Basta de mujeres”, 1977, “Donde duermen dos, duermen tres”, 1979, junto a Juan Carlos Dual y Juan Carlos Calabró, y “El rey de los exhortos”, estrenada el 30 de agosto de 1979, bajo la dirección de Hugo Sofovich, con Alberto Olmedo. Y justamente con Olmedo debuta al año siguiente en el ciclo “Alberto y Susana”. Posteriormente logró grandes sucesos con los musicales “Sugar” y “La mujer del año”, con Ricardo Darín y Arturo Puig. En los ochenta encarna las cintas más exitosas de su carrera en el cine: “A los cirujanos se les va la mano”, 1980, “Las mujeres son cosa de guapos”, 1981, y “Un terceto peculiar”, 1982, donde hizo el papel de la novia de un director de películas pornográficas, con Moria Casán, Jorge Porcel y Alberto Olmedo.
Llamada a conformar grandes realizaciones en 1987 empieza a conducir “Hola Susana”, inspirada en el espacio de la italiana Raffaella Carrá. En la permanencia del show, primero por ATC y luego por Canal 9, surgen los títulos entre el público de “La diva de los teléfonos” o “La diva número uno de la televisión argentina”. Debido al impacto de su espacio la contrata Telefé para suscribir su primer gran contrato, ¡un millón de dólares por mes!… La artista dijo sí y lo demás ya es conocido a través del tiempo. Nadie pudo superarla en el rating de su programa. Paralelamente, su cachet fue siempre en ascenso. En 1996, su programa se ve galardonado con el “Martín Fierro de Oro”.

LA HISTORIA DEL CENICERO VOLADOR
En el transcurso de tanto ajetreo laboral, le dio el tiempo para mantener una relación de pareja con el actor Ricardo Darín, mucho más joven que ella; cuando culminaron de vivir juntos, quedaron como muy buenos amigos. En 1988 contrae nupcias con el polista Huberto Roviralta que luego de nueve años de casados, lo termina echando de la casa lanzándole un cenicero y rompiéndole la nariz. Después, llegaría Jorge “Corcho” Rodríguez, para llenar sus sentimientos, finalizando el vínculo más adelante.
Mientras tanto, es galardonada con el premio INTE a la “Mejor Conductora de América”. En 2010 se convierte en la segunda persona -después de Mirtha Legrand- en obtener el Martín Fierro de Platino.
Y Susana Giménez a su manera, sigue escribiendo su historia. Más allá de su vida privada y… de la nostalgia.

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SUSANA GIMÉNEZ: INTRÉPIDA y SEXY

SEGUNDA PARTE.

UN FUTURO DE MEGAESTRELLA

Con un “Martín Fierro” logrado por su participación en el programa “Matrimonios y algo más” como “revelación femenina en comedia”, el suceso del comercial del jabón “Cadum” a puro “Ssshock!” que empieza a ser un clásico en la tele, y la aparición de su imagen en todas las publicaciones, Susana Giménez vive otra instancia en Argentina.
Habían quedado atrás definitivamente momentos de penurias económicas. La gente comienza a hablar de ella, y Susana lo aprovecha, pisando fuerte con el pie derecho, escuchando muchas propuestas y suscribiendo más contratos. 1971 sería un gran año para “Su”, donde se lanza definitivamente como actriz de comedia en la película “Así es Buenos Aires”, dirigida por Emilio Vieyra, bajo libretos de Salvador Valverde Calvo, teniendo en los protagónicos a Soledad Silveyra, Ricardo Bauleo, Víctor Bó, Hugo Marcel y a la propia Giménez.
El filme se estrena en Buenos Aires el 6 de mayo de 1971. Paralelamente, ocurre su debut en teatro -algo muy aguardado por la artista- en “Las mariposas son libres”, junto a Rodolfo Bebán y Ana María Campoy, siendo ésta última más tarde reemplazada por China Zorrilla.
“Cuando me dieron el guión para leer me encantó, pero no estaba muy segura de poder hacerlo.
Le tenía miedo a los parlamentos. Por suerte todo salió muy bien”, dijo Susana Giménez. Fue otra prueba superada. Se había transformado en la chica del momento, pasando a ser la modelo más requerida, con un futuro de megaestrella.

“YO QUERÍA SER FAMOSA y GANAR PLATA…”

“Yo quería ser famosa y ganar plata… todo eso que desean las chicas… Sacarme fotos, que me reconozcan por la calle…”, comentó Susana hace un tiempo atrás, para rubricar y reconocer con pocas palabras: “He conseguido cosas que realmente han superado mis expectativas y mis deseos…”. Al año siguiente, 1972, “Su” filmaba “He nacido en la ribera”, acompañada por Santiago Bal, Eddie Pequenino, Gino Renni, Fidel Pintos, Luis Tasca, y El Greco, bajo la dirección de Catrano Catrani, y guión de Víctor Tasca. Rodada en el barrio de La Boca, se estrenó el 19 de agosto de 1972, en la vecina orilla, mostrando un grupo de muchachos que intenta concretar sus sueños en el deporte y la música.
En el estreno firman autógrafos sus protagonistas siendo ella una de las más requeridas, saliendo con seguridad de la sala. En 1973, se produce su primer protagónico en “Vení conmigo”, encarnando a una muchacha del suburbio que se esfuerza por llegar a ser estrella, dirigida por Luis Saslavsky según su propio guión escrito en colaboración con Eduardo Gudiñó Kieffer, con Alberto Martín, Víctor Laplace, Marcos Zucker, y Juan Carlos Dual. Se estrenó en el Gran Buenos Aires el 8 de noviembre de 1973, con presencia en el cine del grupo de actores. Más tarde llegaba “La piel del amor”, dirigida por Mario David, con guión de David e Isaac Aisemberg, junto a Héctor Alterio, Claudio García Satur y David Llewellyn.
Con todas estas cintas en su haber se avecinaba su excepcional debut como vedette principal para el año próximo. Serían momentos esplendorosos para “la Giménez”.

“LA REVISTA DE ORO”: LANZAMIENTO COMO VEDETTE

Aquella muchacha de Quilmes, que en un principio no era nadie, continuaba creciendo como la figura top del momento. “Me encantaban los artistas y escribía a Hollywood esperando que me contestaran las cartas, quería ser como Marilyn Monroe o Rita Hayworth, estaba enamorada de Gregory Peck, pero yo nunca me imaginé que iba a estar ahí en el show business, que sería amiga de tanta gente importante, o que viajaría a Los Ángeles para verlos en persona, jamás ni siquiera lo pensé una vez.
Tampoco que sería artista y vedette…”, reflexionaba Susana. Su gran debut entre las plumas, el brillo, y el color de gran vedette se realiza en 1974, encabezando el Teatro Astros con el multiespectáculo revisteril “La Revista de Oro”, de Gerardo y Hugo Sofovich, con un magistral elenco conformado por Nélida Roca, Jorge Porcel, Alfredo Barbieri, Don Pelele, Vicente Rubino, Nelly Láinez, Fidel Pintos, Carlos Scazziota, Mario Sánchez, Alberto Irizar, Karen Mails, entre otros.
Se convirtió en un tremendo impacto de público, llenando la sala de manera permanente.
En la misma época le toca protagonizar “La Mary” dirigida por Daniel Tinayre, película dramática, bajo el guión de José Martínez Suárez Giuis, según la novela homónima de Emilio Perina. Figuraban en los estelares, Dora Baret, Alberto Argibay, Teresa Blasco, María Rosa Gallo, Antonio Grimau, Juan José Camero, Olga Zubarry, y como protagonistas principales Susana Giménez haciendo de “Mary” y el boxeador Carlos Monzón como “Cholo”.
Dicha cinta marcaría a fuego explosivo a Susana no solamente de manera artística, sino en su vida privada, por la aparición de Monzón y la pasión desenfrenada que los unió.

SUSANA y MONZÓN: FRENESÍ y LOCURA

En esos días Susana Giménez era ya un símbolo argentino. “Parte de -La Mary- fue filmada en La Boca, resultó inolvidable, hacía un frío que te cortaba la cara, y estábamos así en ese estado horas y horas… Viste que ponen la luz, todo eso… el cine es terrible en las filmaciones de lo que tenés que esperar, y me acuerdo que la gente del barrio nos abría sus casitas diciéndonos pasen a tomar un café y que sé yo… hasta que entramos con Monzón en una casa donde nos convidaron con café y grappa para sacarnos el frío…
Los vecinos eran divinos… no existía nada de lo de ahora, ni inseguridad, ni nada por el estilo… Nos abrían sus humildes casitas para brindarnos su calor y de eso me acuerdo hasta hoy… “, relató con el tiempo Susana. “La Mary” se estrenó en Baires el 8 de Agosto de 1974, paralelamente en Montevideo en el cine Ambassador, considerada una película de culto, le valió a la actriz su primera gran aclamación por parte de la crítica. Susana y Carlos se conocieron días antes del rodaje naciendo entre ellos una cuestión especial. Había piel, pasión y locura. Ese frenesí se paseó por los sets y perduró durante años. Durante la filmación lo vivieron muy intensamente…
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SUSANA GIMÉNEZ: EL “SHOCK” DE LA FAMA

PRIMERA PARTE.

CONTRA VIENTO y MAREA
Una mujer sola con su hija, sin dinero, enfrenta su existencia. Un ejemplo a la constancia de vida. El querer ir para adelante, contra viento y marea. Con puertas que se cierran y alguna que se abre. Hasta que de tanto luchar le llega la oportunidad que le cambia el horizonte. Fue con el jabón de tocador con perfume a limón donde su imagen queda identificada a través del tiempo. Su tan famoso “Ssshock” del aviso la catapulta a la gloria. La rubia que se termina bañando con abundante espuma, enseñando su piel desnuda, empieza a despertar la curiosidad con apariciones de insinuantes fotos por todos los sitios inimaginables: portadas de almanaques, revistas, diarios, publicaciones de barrio, imagenes en la vía pública, afiches y carátulas de discos. Así, va escribiendo su propia historia en pasarelas, cine, teatro, televisión y se convierte fugazmente en la gran diva argentina. Tan explosiva como simpática, con mucho amor para dar, la estrella se muestra tal cual es, sin pelos en la lengua, con una llamativa sensualidad, y parejas polémicas que empezaron a toda candela, terminando casi todas en fuertes escándalos dentro y fuera de tribunales. Su frescura y energía pudieron más; su estandarte se mantiene intacto, con infinita vigencia hasta hoy en día. Les presentamos a Susana Giménez. “Su” para sus amigos y el gran público que la quiere bien.

UNA COMPLEJA PUERICIA
En Quilmes, una ciudad ubicada sobre la costa del Río de la Plata, al sudeste del Gran Buenos Aires, nació Susana. Fue el 29 de enero de 1944, bajo el signo de Acuario, cuando llegaba a este mundo con un pan debajo del brazo. Pero, para acceder a él, le costaría un triunfo.
Su familia de clase media alta, estaba conformada por su madre María Luisa Sanders, y su padre Augusto Johnny Giménez Aubert. La muchacha tenía tres medio hermanos por parte de padre, pero de distinta madre, Patricio, Carolina y Federico. De chica la enviaron al colegio Quilmes High School y La Anunciata, graduándose al transcurrir los años de maestra primaria, pero jamás cumpliría con tal función. En donde vivía, sus padres peleaban de manera permanente, hasta que deciden separarse luego de varias postergaciones, por eso su infancia y adolescencia fueron extremadamente difícil. Tal vez como para escaparse de su hogar de buena manera, y un poco enamorada, con solo 17 años decide casarse con Mario J. Sarrabayrouse, de 23, en 1962. Al poco tiempo queda embarazada y llega su primera y única hija María Mercedes Sarrabayrouse, el 20 de octubre de 1962. El matrimonio con altibajos duraría por cinco años, se extendería hasta 1967, cuando se separan. Susana, queda con una hija, solas frente al mundo. Sin empleo, con cero peso para gastar, y con un futuro para nada venturoso por delante, triunfaría frente a la adversidad por condiciones y voluntad.

SE CONVIERTE EN MODELO
Primero se desenvuelve como secretaria en una fábrica de tejidos, pero el salario no le alcanza ni para las comidas. Es ahí que decide convertirse en modelo, y mientras hace pasarelas, recorriendo la noche la revista “Gente” le publica una foto suya bailando en una disco, con un jugoso comentario, “Susana, una hermosa joven modelo poco conocida hasta este momento”. Ante la promoción, rápidamente es llamada por varios productores para estar en varias películas, de esa forma se suceden en 1968, pequeños papeles sin figurar para nada en los créditos: “En mi casa mando yo”, “El gran robo” y “La novela de un joven pobre”. Su debut en la tele llega en 1969, cuando se presenta como invitada en el programa “Sótano Beat”, que conducían Liliana Caldini y Charly Leroy. Sus siguientes apariciones ocurrieron en las cintas “Tiro de gracia” y “Fuiste mía un verano”, bajo el protagónico de Leonardo Favio.
Por esos momentos es contratada por la agencia de Héctor Cavallero para trabajar como modelo publicitaria. Con Cavallero viviría un romance de varios años, y él ayudaría a Giménez a consagrarse como figura definitivamente. De esa manera, salta a la fama debido al suceso del comercial para tv de “Cadum”, exclamando “Ssshock!”, convirtiéndolo en un clásico.

1970: PRIMER “MARTÍN FIERRO”
Al obtener mayor popularidad, la revista “Radiolandia” la destaca con el título “Otra modelo se convierte en actriz. Se lanza una nueva figura”, y es convocada en 1970 para componer un papel de reparto en la cinta “Los mochileros”, donde se contaba la historia de dos parejas de jóvenes viajeros. Allí comparte escena junto a Soledad Silveyra, Víctor Bo y Ricardo Bauleo.
Sin embargo, su consagración se produce ese mismo año, cuando se estrena la película “El mundo es de los jóvenes” que intercalaba géneros entre la comedia y el romance. Luego de ser espectacular portada en discos variados de la etiqueta RCA, uno de los programas más exitosos de la historia de la pantalla chica argentina, “Matrimonios y algo más” la ubica entre su principal reparto, hasta 1972. En 1970, Susana obtiene el premio “Martín Fierro” como “revelación femenina en comedia” por su labor en dicho espacio.
Llegaría más cine, su magistral debut en teatro, un extraordinario impacto en su show de televisión, y paralelamente a una carrera impactante, los alborotos de su vida privada se hacen notoriamente públicos. Más allá de la nostalgia.

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NÉLIDA LOBATO: LA REINA DE LAS VEDETTES

DESDE NÉLIDA ROCA a SUSANA GIMÉNEZ
Vedettes en el sentido más amplio de la palabra hubo muchas, pero ella supo ser una de las más grandes. La prensa de los setenta la ubicó como “La Reina”, título promovido por diferentes medios argentinos. Nélida Roca, Tita Merello, Blanquita Amaro, Amelita Vargas, Mimí Ardú, Ambar La Fox, Moria Casán, Coccinelle, Susana Brunetti, Norma ymasalla Mimí Pons, Ethel Rojo, Zulma Faiad, Susana Giménez y unas pocas más conforman esa lista de mujeres privilegiadas principales de un espectáculo de revista musical o de variedades. El término vedette, en francés, significa estrella de un espectáculo. Suele ser casi siempre una bailarina. También puede ser -además- cantante y actriz, y actuar acompañada de un grupo de danza, o de un elenco cómico. Los espectáculos de revista y las vedettes tuvieron mucho éxito -en el siglo XX- en España, Francia, y en algunos países de Latinoamérica, como Argentina y México. Allí, supo triunfar más adelante en el tiempo, y mantener “su reinado”, una auténtica referente del rubro, Nélida Lobato. Tal vez, la más completa de todas.

PRIMERO FUE BAILARINA Y MODELO
El nombre real de Nélida Lobato es Haydeé Nélida Menta, y nació el 19 de junio de 1934 en Parque Saavedra, Buenos Aires, Argentina. De pequeña a Nélida ya le gustaba bailar, moviéndose al compás de la música que ponían. Así, muy pronto se erigió como excepcional bailarina, habiéndose capacitado al respecto desde que fuera una niña. Paralelamente, cumplió de manera notable con sus estudios, es más, de sobresalientes calificaciones. Muy pronto, comenzaría su carrera artística profesional, pero aún estaba lejos de manifestarse como principal figura de la revista porteña. Su aspecto de mujer sensual, baja de estatura, pero grande de corazón y de una personalidad única sobre las tablas, le ayudaron y fue aprovechando oportunidades que aparecieron al pasar; le salió la posibilidad de continuar bailando y de debutar mostrando vestimenta de nivel para distintas marcas internacionales, como flamante modelo. Inmediatamente viaja a Santiago de Chile, antes se había casado con Eber Lobato, reconocido coreógrafo que además fue el pilar principal en el desarrollo artístico total de Nélida, que a partir de ese momento tomó para sí el apellido de su marido. Para ese entonces, nadie creía en Nélida Lobato, solamente la propia Nélida y su pareja Eber, más que nada, trabajando con ahínco para llegar al éxito. En ese momento tenía 1.65 de estatura, mientras sus medidas, una perfección: 90-48-90. El destino quiso que no permaneciera mucho tiempo en la capital andina, su rumbo era Las Vegas y más tarde París, donde triunfaría totalmente en el cabaret más famoso de todos los tiempos.

LIDO DE PARÍS, 1964
El gran Lido de París, ubicado en una de las avenidas más hermosas del mundo, los Campos Eliseos, cuenta con una superficie de unos seis mil metros cuadrados y una capacidad para más de un millar de espectadores. Tan famoso como Moulin Rouge, Lido propone un auténtico viaje de emociones y descubrimientos que maravillan y hacen soñar, en una exploración en cuatro escenarios a la par con un sinfín de efectos especiales. El auténtico torbellino de plumas y lentejuelas donde hicieron su show Liza Minnelli, Laurel & Hardy, Elton John, Elvis Presley, y más, al compás de las Bluebell Girls y los Lido Boy Dancers. Allí, supo debutar y permanecer como gran taquilla, Nélida Lobato junto a su esposo. Se constituyó en desnivelante, por sus condiciones. Todo el mundo empezó a hablar de ella y su talento. Se hizo espectacular y protagonista, siempre. Sus presentaciones llenaban las instalaciones del Lido, haciendo delirar a los caballeros, respetada profundamente por las damas, por su belleza y su comportamiento respetuoso en las tablas. Fueron cinco años -1964-1969- en el momento que decide retornar a la vecina orilla con el supershow “El Nacional & Corrientes casi esquina Champs Elysées”, que fue sin lugar a dudas uno de los espectáculos de ese año, donde Nélida se desnuda sutilmente en el escenario del teatro, ante el aplauso de todo el público presente. La tele la llamó y fue, rubricando un contrato astronómico. Realizó “Espectaculares”, y al siguiente año recibió el Martín Fierro 1970 a “Mejor desempeño en show”. Prosigue en la pantalla chica: “El mundo de Nélida Lobato” y “El ángel azul”, también con marcado suceso. Pero, había más para hacer, “Así como nos ven”, 1977, y en 1978 sorprende a todos con una versión novedosa de “Chicago” en el Río de la Plata. Seguiría con “El diluvio que viene”, 1980, y en su última presentación acompañada por el genial Tato Bores: “La mariposa”, 1982.

SU TRISTE ADIÓS
Increíblemente, la vida de Nélida Lobato se ve truncada el 9 de mayo de 1982, cuando deja de existir víctima de un cáncer cruel. Había incursionado también en cine, y su foto estaba en las portadas de las revistas, en todos los diarios y hasta en publicidades estáticas que la mostraban por diferentes puntos de Buenos Aires. Su encanto no tenía límites. Guardó un perfil bajo para su vida privada. De Eber Lobato se separó en la década del sesenta, naciendo fruto de ese amor Adrián Lobato, quien falleció sorpresivamente siendo muy joven. Durante años Nélida, formó pareja con el actor argentino Víctor Laplace, con quien se llevó muy bien. Logró obtener entre muchas distinciones, la “Corona de Oro a la Mejor Vedette”, en 1972. Los espectáculos y el music hall la extrañan hasta hoy en día. Más allá de la nostalgia.

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LOS OJOS Y LA EXPRESIÓN DE AMELIA BENCE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

SENSUAL Y DRAMÁTICA
Entre sus películas más conocidas figuran: “Dancing”, 1933, “La guerra gaucha”, 1942, “Los ojos más lindos del mundo”, 1943, “Nuestra Natacha, 1944, “Todo un hombre”, 1944, “Camino del infierno”, 1945, “A sangre fría”, 1947, “La otra yo”, 1949, “Danza del fuego”, 1949, “Alfonsina”, 1957, aunque hay muchas más que protagonizó muy bien. Su estilo sensual y a la vez dramático impactaba en la gran pantalla, poseedora de unos bonitos ojos brillantes que parecía iluminaban el panorama. El público la admiró hasta el último de sus días por las marquesinas en el que rodó “El día que cambió la historia” en 2010. Fue una gran actriz, una referente total del panorama cinematográfico y artístico de la vecina orilla. Dirigida en varias ocasiones por Daniel Tinayre y Luis Saslavsky, obtuvo el premio a la mejor actriz de la Asociación de Cronistas Cinematográficos y la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Argentina en múltiples ocasiones a lo largo de las décadas del cuarenta y cincuenta. Le ponía expresión a sus papeles. Triunfadora en el cine y el teatro, donde también realizó notables obras. Se llamó para los espectadores, Amelia Bence, siendo su verdadero nombre María Batvinik. Hace unos días, el 8 de febrero de 2016, en una clínica de Buenos Aires dejó de existir a la edad de 101 años. Más que una actriz, una “institución” del cine.

LA ENSEÑANZA DE ALFONSINA STORNI
Amelia Bence llegó a este mundo el 13 de noviembre de 1914, en una vieja casa en Pasaje del Carmen, Buenos Aires. Sus padres Ana Zager y Jaime Batvinik, inmigrantes judíos le dieron seis hermanos: Raúl, Mauricio, María, Elena, Aída y Esther; Amelia era la menor. Bence calificaría más adelante a su padre como un “Hombre muy sereno y tranquilo, con humildad y costumbres sencillas, disfrutaba con placidez de las cosas simples y calmas”, y a su madre de “Un carácter fuerte”.
Poco tiempo después, toda la familia se mudó a otra vivienda en la calle Paraguay, más al centro de la capital porteña. Desde temprana edad, Amelia se sintió atraída por la actuación y comenzó a practicarla junto a otros niños vecinos en los patios de sus casas. Fue así como conoció a las hermanas Paulina y Berta Singerman, quienes vivían frente a su casa, sugiriéndole a la mamá de Amelia que la inscribiera en Teatro Infantil Lavardén, una especie de academia actoral para niños que funcionaba en el Teatro Colón. Ya a los cinco años, debutaba oficialmente en “Juanita”, bajo la enseñanza de la reconocida poetisa Alfonsina Storni. Al poco tiempo, la propia Alfonsina le comentaría bien suavemente en el oído… “Vas a ser una actriz increíble. Tienes pasta para actuar e interpretar. Continúa estudiando” Así lo hace y además de actuación, toma clases de piano junto a su hermana Esther en el Conservatorio Fontova, y comienza a trabajar como elevadorista de la conocida tienda de aquel entonces, Gath & Chaves, al poco tiempo de cumplir los diez años. Pero, algo había surgido, en la casa sus padres se estaban negando a que siguiera los pasos de una actriz. A pesar de la oposición de su familia, Amelia convenció a su padre y, a falta de vacantes en el Conservatorio Nacional de Arte Escénico, decidió aprender danzas clásicas junto a Mercedes Quintana en el Conservatorio Nacional de Música y Declamación, al cual concurrió breve tiempo. Con 18 años, Quintana la llevó a participar como parte de un ballet en el Teatro Ópera a la comedia musical “Wunder Bar”, 1933, protagonizada por Armando y Enrique Discépolo. En una ocasión, inclusive, llegó a suplantar a la protagonista principal cuando ésta enfermó durante la temporada.

JUNTO A PEDRO QUARTUCCI
Su primer papel en el cine fue como extra en una escena junto a Pedro Quartucci en lo que fue la segunda película sonora argentina, “Dancing”, bajo la dirección de Luis José Moglia Barth, quien a partir de ahí diseñó su nombre artístico, Amelia Bence. Luego llegaría “Tango” e inmediatamente es admitida por Enrique Susini para integrar el cuerpo de baile de su compañía de Teatro Odeón, y fue bajo su dirección que incursiona en las obras “Tu boca”, “Superficies”, “Los malos tiempos” y “Baile en el Savoy”, que pertenecían al género de la comedia musical y la opereta, batiendo verdaderos récords de representaciones. En 1937, interviene con un importante papel en la cinta “La fuga”, donde secunda a Tita Merello y Santiago Arrieta en la personificación de Sara. Luego de una larga temporada teatral con Luis Arata y una participación en “El forastero”, filma “La vuelta al nido” con José Gola. Sobre fines de los treinta Leopoldo Torres Ríos, le da su primer protagónio en “Adiós Buenos Aires”. En 1942, fue convocada para encabezar una de las películas más destacadas de la historia del cine argentino: “La guerra gaucha”, junto a Enrique Muiño, Sebastián Chiola, Francisco Petrone y Ángel Magaña. Su actuación en éste filme le valió una propuesta de la Paramount Pictures para viajar a Estados Unidos y recibir una preparación de dos años para luego lanzarla como una estrella, pero Bence rechaza la oferta. Continuaría en Argentina, y más tarde en México y España, con sus largometrajes y obras de teatro. Desde ahí en más solamente protagónicos para ella.

SE CASÓ CON ALBERTO CLOSAS
La primera pareja de Amelia fue Roberto Fernández Beyró, con quien comenzó un noviazgo en 1941. La relación terminó en 1944, cuando Beyró le pidió que dejara su profesión para irse a vivir juntos y Bence desistió. Durante el rodaje de “María Rosa”, 1946, conoció al actor español Alberto Closas, con quien contrajo matrimonio en 1950. Ambos formaron un rubro artístico y trabajaron en varias películas y obras de teatro juntos. Sin embargo, en 1953, al regreso de una estadía laboral en México, Bence se enteró de algunos amoríos de Closas y decidió separarse. Más allá de la nostalgia.

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MIENTRAS EL CUERPO AGUANTE, EL CIELO PUEDE ESPERAR

UNA MAGIA LOS ENVUELVE
Los que hacen reír deberían ser eternos como el tiempo. Alguna vez lo manifestamos desde Más allá de la Nostalgia, y hoy lo volvemos a hacer. Esas figuras que de manera sorprendente la magia los envuelve haciendo divertir a lo grande, poseen un don muy especial. Desopilantes, simpáticos y de increíble llegada, se mueven desde las situaciones más insólitas y particulares. Ya sea en la tele, el teatro, y la radio, relatan sus situaciones y las personifican connoasna
singular hilaridad. Verdaderos actores de la vida entretienen a los espectadores, sacandóles una sonrisa por lo menos, y algo más. A veces mucho más. Comediantes absolutos de la interpretación se distinguen por sus monólogos, sketchs o simplemente haciendo bromas. Unos fenómenos, de inmensa proyección, brindando su talento, desapareciendo sin avisar, en su mejor momento. Así fueron pasando gigantes del humor dejando su rastro: Luis Sandrini, entre la risa y el llanto, el “negro” Alberto Olmedo, el inolvidable Mario Moreno “Cantinflas”, Juan Carlos Altavista con su “Minguito”, José “Pepe” Biondi, el uruguayo “Berugo” Carámbula en su “Gabino” a quien jamás le dejaban finalizar la payada, José Marrone con su clásico “Cheeeeeee!”, Ricardo Espalter con sus característicos “rostros”, no haciéndole falta la letra para buscar la risa, Juan Carlos Calabró, y tantos, pero tantos más, que hoy ya no están, y se les extraña. Por suerte, dejaron sus emocionantes testimonios, que los hacen “más vivos que nunca”.

EL INEFABLE LUIS
Luis Sandrini fue un producto de la radio, así comenzó. Desde las viejas fonoplateas argentinas de Radio El Mundo y Radio Excelsior, y luego en el teatro hizo una carrera brillante. Llamado por la pantalla grande con infinidad de películas se hizo popular en América. “La muchachada de abordo”, “La casa de los millones”, “La danza de la fortuna”, “Peluquería de señoras”, “Don Quijote del altillo”, “El profesor hippie”, “El profesor patagónico”, “El profesor tirabombas”, entre una larga lista. Su personaje “Felipe”, realizado primero en radio y más tarde en televisión también fue famoso. Durante la filmación de “Qué linda es mi familia” se fue rumbo al cielo, dejando inconclusa su actuación en la película que realizó con Niní Marshall, bajo la dirección de Palito Ortega. Sandrini conocía muy bien su oficio, fue un gigante desde todo punto de vista, un referente total del humor argentino. Su partida ocurrió el 5 de julio de 1980, tenía 75 años y fue una de las figuras porteñas más respetadas y queridas por el público y la crítica.

OLMEDO, UN CAPO CÓMICO
Nacido en Rosario en 1933, arribó a Buenos Aires sin trabajo, vía Rosario, Santa Fe. Al llegar a la capital argentina, recaló en el viejo canal 7, cumpliendo funciones de microfonista. Su forma de ser, alegre y bromista todo el tiempo, le fue moldeando su propio personaje, “El capitán Piluso”, haciendo divertir a chicos y grandes, por Canal 9, Libertad, a partir de 1960. El asunto no culminó ahí, la siguió peleando en “Operación Ja-ja”, “Un verano con Olmedo”, “El chupete”, y “No toca botón”, siendo muy preferido por los hermanos productores y guionistas Hugo y Gerardo Sofovich. Sus filmes junto a Jorge Porcel hicieron historia en la cinematografía argentina. En el momento más esplendoroso de su carrera, en su departamento del piso 11 en Mar del Plata se puso a caminar por la baranda del balcón, cayendo al vacío desde esa altura. Había vivido una noche de muchos excesos. Para muchos fue un accidente, para otros que se suicidó. Ocurrió en la mañana del 5 de marzo de 1988. La noticia conmovió a todos.

EL COMEDIANTE ALTAVISTA
Acaso fue uno de los personajes más queridos en el Río de la Plata, “Minguito”. Llevado adelante por un muy buen actor, Juan Carlos Altavista. De origen humilde los inicios de Altavista corresponden al teatro infantil. Llegó a este mundo el 4 de enero de 1929 en Buenos Aires, y luego de su gusto por hacer teatro para los más chicos, rodó películas diferentes como actor de reparto, destacándose por sus excelentes intervenciones. “Polémica en el bar” y “Operación Ja-Ja” lo tuvieron como figura estelar. Brilló en la personificación que lo hizo popular “Minguito Tinguitella”, bajo una idea de Juan Carlos Chiappe, vestía boina y alpargatas. Logró un suceso impresionante. Falleció el 20 de julio de 1989 de un ataque cardíaco, debido a que padecía una enfermedad llamada síndrome de Wolff-Parkinson-White, que le producía taquicardias paroxísticas -aceleración con descontrol del ritmo cardíaco- Entre sus frases más célebres figuran: “Qué hace tri tri!”, “Te vamo a levantar un manolito” y “Le vamo ‘a hace un buraco así de grande!”… En 1981 obtuvo el Diploma al Mérito de los Premios Konex como uno de los más importantes actores cómicos de Argentina, consiguiendo además el Konex de Platino.

BIONDI y BERUGO
Pepe Biondi creó uno de los programas humorísticos más graciosos y populares de los sesenta. “Pepe Curdele”, “Narciso Bello”, “Pepe Galleta”, “Pepe Luis” fueron algunos de los personajes más reideros del show “Viendo a Biondi”, de Canal 13 de la vecina orilla y Canal 5 de Montevideo. Biondi nació el 4 de septiembre de 1909 en Buenos Aires, dejando de existir a los 66 años, el 4 de octubre de 1975. Sus comienzos ocurrieron en las arenas de un circo. Y hemos dejado para el final, a Berugo Carámbula, el actor compatriota de “Telecataplum”, que llegó a Buenos Aires y triunfó como músico y cómico. Hizo humor en muchos programas, un espacio para chicos, preguntas y respuestas con muchos premios, pero nada tan reidero como “El payador Gabino”, a quien siempre le tapaban la boca, para que no terminara la pícara frase. Berugo partió de este mundo el pasado 14 de noviembre de 2015, siendo su verdadero nombre Heber Hugo Carámbula, habiendo nacido en Las Piedras, el 31 de octubre de 1945. Más allá de la nostalgia.

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THE BEATLES: EN LA AZOTEA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

A 47 AÑOS DE SU ÚLTIMA APARICIÓN

Agotados de tanto trajín por las giras, los conciertos donde no escuchaban nada ante el griterío de las fans, con audio sin retorno, con rostros demacrados que pedían descanso a gritos, decidieron por unanimidad realizar el último show.
Y para seguir marcando su definida personalidad, lo hicieron en una azotea…
Sí, fue en los techos de su propia compañía Apple, ubicada en el centro de Londres, un día laboral con infinidad de trabajadores por las calles que quedaron realmente atónitos ante el toque de los genios de Liverpool.
Es que The Beatles en persona estaban ahí, era para no creer.
El histórico acontecimiento quedó registrado en muchas instantáneas que recorrieron el mundo, y en el final del filme “Let it be”.
En la tarde del 30 de enero de 1969, John Winston Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, se despedirían de sus actuaciones en directo desde los altos de su coqueto bunker and management. Del hecho se cumplen 47 años y muchas cosas cambiaron desde aquel día.

“LOVE ME DO”, “DAY TRIPPER” y “ACROSS THE UNIVERSE”

“Love me do”, “Day tripper” y “Across the universe” ya habían quedado atrás con otros tantos y tantos hits del cuarteto, también habían pasado sus películas “A Hard Day’s Night” y “Help”, donde ellos bajo la dirección del inteligente Richard Lester, jugaron a ser ellos mismos, y su producción anterior estaba ahí sonando todavía “Abbey Road”, donde los cuatro Beatles están cruzando la cebra en la carátula, y ahora se aprestaban a lanzar su flamante disco y también largometraje documental “Let it be” -“Déjalo ser”- Increíblemente, luego de éste lanzamiento la agrupación se separaría con rumbos diferentes para los integrantes, encarando más que nada actividades como solistas. Paul continuaría con Wings, John con Yoko en la Plastic Ono Band, y sus realizaciones norteamericanas, George tras años opacado por las sombras de Lennon y McCarney, publica gran parte del material que había acumulado durante casi una década en un particular proyecto, “All things must pass”, su primer álbum triple, considerado uno de los discos más trabajados por un Beatle en su carrera solista, y el muy simpático Ringo lanzaría “Sentimental journey”, 1970, con versiones de clásicos de jazz que registraría en Apple Records de Savile Row durante los últimos meses de existencia del grupo.
El final oficial de The Beatles fue el 10 de abril de 1970, y antes dejarían por disquerías “Let it be”, publicado el 8 de mayo del mismo año.

EL AMBIENTE ESTABA CALDEADO

Los registros de “Get back” que iba a ser el nuevo disco de los británicos, comenzaron el 2 de enero de 1969 en los estudios cinematográficos de Twickenham de Londres, siendo el director Michael Lindsay-Hogg el encargado del rodaje del documental, quien rápidamente se dio cuenta que la dinámica de la empresa, no estaba de acuerdo con la estabilidad del conjunto. Por un lado, las condiciones no eran las más adecuadas para The Beatles, acostrumbrados como estaban a trabajar en los estudios de EMI haciendo lo que deseaban, y durante largas sesiones nocturnas que se extendían a menudo hasta la madrugada: los estudios de Twickenham eran muy fríos y tenían mala acústica, y al tener que contar con el equipo de grabación del documental, ensayaban durante la mañana y la primera parte de la tarde.
Además, los ánimos del grupo estaban cada vez más caldeados, ya que de los cuatro sólo McCartney mostraba interés por sacar la banda hacia delante y ofrecer un buen álbum; John Lennon, junto a Yoko Ono, pasaba por su adicción a las drogas que redujeron casi totalmente su interés por la música en ese momento.
Mientras George Harrison se sentía menospreciado por el resto de sus compañeros, que no distinguían su virtud como compositor.
Como resultado, para el 10 de enero y tras una muy dura discusión con McCartney, George Harrison anuncia que dejará el grupo. Aunque un impetuoso Lennon propuso sustituirlo por Jimi Hendrix o Eric Clapton y seguir como si nada importara; finalmente la situación se recompuso, pero hubo dos cambios importantes: el primero fue el traslado de las sesiones de Twickenham a los estudios de Apple; el segundo, que al poco de retomar las sesiones, Harrison invitase al pianista Billy Preston, amigo del grupo desde sus días en Hamburgo, a que se uniera y tocara el piano en el planeado concierto. Ambos hechos mejoraron sobremanera el ambiente de las grabaciones.

IMPROVISARON UN CONCIERTO REVOLUCIONARIO

La cuestión acerca de dónde, cuándo y cómo se iba a hacer el concierto se debatió desde los primeros días de las sesiones.
Después de barajar varias ideas descabelladas se optó finalmente por algo ingenioso que puso a todos contentos. Tocar en la propia azotea del edificio donde estaban trabajando.
Y así fue que subieron, llevaron los equipos, enchufaron los instrumentos y tocaron ahí mismo.
En el mismísimo techo de Apple.
Aquel 30 de enero, The Beatles estaban en vivo y en directo en el primer recital desde la gira por Estados Unidos en 1966.
The Beatles ejecutaron varios de los temas que habían ensayado durante las semanas previas al concierto. La banda tocó hasta que las quejas de los vecinos de la zona llevaron a la policía a poner fin al recital. “Get back” de Paul McCartney, “Don’t let me down” John Lennon, “I’ve got a feeling” -Paul McCartney y John Lennon-“One after 909″ -John Lennon- “Dig a pony” -John Lennon- y “Get back” -Paul McCartney- fueron las canciones del improvisado y revolucionario concierto de Los Beatles desde la terraza. Más allá de la nostalgia.
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PASIONES Y TORMENTAS DE HOLLYWOOD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

ZSA ZSA GABOR: EL RECORD

A través del tiempo muchas fueron las parejas que se amaron y que se odiaron, dando que hablar a la prensa en general, sobretodo a los críticos del rubro cinematográfico hollywoodense. El gran público también fue acompañando éste tipo de situaciones, deseoso de querer saber más de las estrellas de moda, o de algunas que simplemente pasaron alguna vez por los sets logrando brillar ante las luces. Entre los récords se encuentra la tan famosa actriz húngara de nacionalidad norteamericana, Zsa Zsa Gabor. Zsa Zsa nacida en Budapest, el 6 de febrero de 1917, quien pasara por diversos papeles secundarios en importantes películas, obras de Broadway, de fuerte auge en la televisión, y que se iniciara en los escenarios de Viena, coronada Miss Hungría en 1936, emigrando a Estados Unidos en 1941, convirtiéndose en una protagonista codiciada por su instinto y estilo europeo, está a tan sólo días de cumplir sus 99 años! La diva más allá de sus cintas, la etiquetaron como una celebridad del jet-set, logrando escándalos de continuo por sus relaciones. De hecho se casó nueve veces. Sí, nueve, alcanzando en tales lides una gran experiencia, superando las ocho bodas de Elizabeth Taylor; y aquí está la cuenta: Con el ministro turco Burhan Asaf Belge -1937 – 1941- el magnate hotelero Conrad Hilton -10 de abril de 1942 – 47- con quien tuvo su única hija, Francesca, George Sanders -2 abril de 1949 – 02 abril de 1954- Herbert Hutner -5 de noviembre de 1962 – 3 de marzo de 1966- Joshua S. Cosden, Jr. -9 de marzo de 1966 – 18 de octubre de 1967- Jack Ryan -21 de enero de 1975 – 24 de agosto de 1976- Michael O’Hara -27 de agosto 1976 – 1983 Felipe de Alba -13 de abril de 1983 – 14 de abril de 1983- Frédéric Prinz von Anhalt -14 de agosto 1986 – hasta el presente- Bueno, no sin antes, se había divorciado siete veces, y la anulación de un matrimonio que duró tan sólo un día, con Felipe de Alba. También hubo romances paralelos, con millonarios y playboys; y de sus sonados enlaces y separaciones Zsa Zsa comentó: “Debo ser una buena ama de casa, porque cuando me divorcio, siempre me quedo con la casa…”

¡WEISSMULLER LAS CORRIA!

El Tarzán que más popularidad ha alcanzado, Johnny Weissmüller – 2 de junio de 1904 – 20 de enero de 1984- deportista y actor estadounidense de origen austríaco, que como nadador obtuvo cinco medallas de oro olímpicas y una de bronce, ganando 52 campeonatos nacionales USA y estableciendo un total de 67 récords mundiales, es bien sabido que en los descansos de filmación le hacía la vida imposible a las diferentes actrices y extras, corriéndolas hasta la puerta de los propios camarines, para lograr un contacto con ellas. Al margen de esa fama y su afición por el alcohol, Weissmüller tuvo un total de cinco esposas: la cantante Bobby Arnst -1931 – 1933- la actriz mexicana Lupe Vélez -1933 – 1939- Beryel Scott Ginter -1939 -1948- Allenne Gates -1948 – 1962- y Maria Brock Mandel -1963, hasta su muerte en 1984. Con su tercera mujer, Beryl, tuvo tres hijos Johnny Scott Weissmüller -o Johnny Weissmüller, Jr., también actor, nacido el 23 de septiembre de 1940, fallecido el 27 de julio de 2006, Wendy Anne Weissmüller -1 de junio de 1942- y Heidi Elizabeth Weissmüller -31 de julio de 1944 – 19 de noviembre de 1962.

WOODY ALLEN INTEGRA LA LISTA

El gran Woody Allen -1 de diciembre de 1935- con 80 años en su haber, ganador del Oscar en cuatro oportunidades, también integra la lista. Allen tuvo como pareja entre 1980 y 1992 a Mia Farrow, pero se separó después de que Farrow le descubriera fotografías pornográficas de una de las hijas adoptivas de ella, desnuda. Woody nego cualquier vinculacion sexual o sentimental con su hijastra -a quien conocía desde los nueve años- pero al poco tiempo de separarse de Farrow blanqueo su relacion sentimental con Soon Yi, con quien se caso en 1997. En 1991, cuando la relación salió a la luz, Allen tenía 56 años y Soon Yi, 20. Tras la separación Farrow denuncio penalmente al director por acoso sexual a la hija adoptada de la pareja, Dylan Farrow, que tenía 7 años en la época de los abusos. El caso salió a la luz en 1993, pero los cargos criminales en contra del director fueron retirados por falta de pruebas, aunque la justicia prohibió a Allen el derecho de visitas sobre su hija adoptiva. Soon Yi y Woody Allen, continúan unidos en la actualidad, y afirman ser felices, más allá de la diferencia de la edad, tan sólo 36 años.

SE CASO CON UNA CONEJITA

Y ya que hablamos de marcadas diferencias, el multimillonario Hugh Hefner, fundador y director de la revista Playboy, llegado a éste mundo el 9 de abril de 1926, de casi 90 años de edad, se casó con una “conejita” que posara para su publicación, Crystal Harris, nacida el 23 de abril de 1986, próxima a cumplir sus 30 primaveras. O sea que en éste caso son 60 años! la distancia de las edades. Lo que puede la pasta, no?… En enero de 2009 Crystal empezó a salir con Hefner, uniéndose a las gemelas Karissa y Kristina Shannon, después de que su anterior novia, Holly Madison, lo abandonara. El 24 de diciembre de 2010, ella se comprometió con Hefner, para convertirse en su tercera esposa. Harris rompió el compromiso el 14 de junio de 2011, cinco días antes de la boda. Anticipándose al casamiento, en la edición de julio de Playboy, Harris apareció en la portada. El título de la tapa decía “Presentamos a la princesa de los Estados Unidos, la señora Crystal Hefner”. Esto fue tapado posteriormente en los quioscos con: “Novia fugitiva”. El 1 de junio de 2012, se informó de que Harris se habría reconciliado con Hefner. Posteriormente ella lo confirmó en su Twitter. Finalmente contrajeron nupcias en una ceremonia privada en la mansión de Playboy en la víspera de Año Nuevo, 2013. Hubo líquidos y sólidos por doquier.

SUSAN: 12 AÑOS MAYOR

Susan Sarandon, nacida el 4 de octubre de 1946, conoció a Tim Robbins -16 de octubre de 1958- se conocieron durante el rodaje de “Los búfalos de Durham”, sobre fines de los ochenta. Desde ese momento y durante 23 años, fueron felices, pero jamás se casaron. La pareja actoral tuvo dos hijos: Jack Henry Robbins, 1989, y Miles Robbins, 1992, y una convivencia realmente envidiable.
El término fue en muy buenas condiciones, cuando le pusieron fin a su sólida relación.
En la actualidad mantienen una buena relación de padres y amigos. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

 

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DAVID BOWIE: EL ADIÓS A UNA LEYENDA

INNOVADOR POR NATURALEZA

Fue un gigante, un grande entre los suyos, distinto a todos, un fenómeno de la música, innovador, rebelde y super creativo, y en algunos de los casos un poco exagerado.
Un auténtico pilar en el desarrollo de lo que llegaría posteriormente.
Así, algunos se fueron reflejando en su estilo, muy brillante, cuando él mismo lo ejecutaba. Es que hubo muchas pageestrellas rockeras pero ninguna con la personalidad, fuerza y diferencia que marcaba sobretodo en sus recitales, y sus producciones fonográficas.
A los quince años de edad ya asombraba a su gente y amigos tocando el saxo al frente de su orquesta, “George y los Dragones”, sobre las fiestas de un fin de año en el colegio donde estudiaba.
Su actividad y la vida misma lo catapultó a convertirse en uno de los nombres más influyentes del pop.
Nació en Brixton, Londres, el 8 de enero de 1947. Dejando de existir, en Nueva York, el pasado domingo 10 de enero de 2016, víctima de un cáncer al hígado, cuando recién había cumplido los 69 años.
Se llamó David Bowie, quien a lo largo de su carrera colocó por disquerías 140 millones de discos! Con 11 discos de oro, 9 de platino y 8 de plata en Inglaterra, y 7 de oro y 5 de platino en Estados Unidos, por ventas astronómicas.
En 2004, la revista “Rolling Stone” lo posicionó en el número 39 de su lista de “Los 100 mejores artistas de rock de todos los tiempos” y en el puesto 23 de los mejores cantantes.
Bowie ingresó en el Salón de la fama del Rock el 17 de enero de 1996, premio aceptado en su nombre por la cantante estadounidense Madonna, con quien tenía una cordial amistad. Fue, además, compositor, arreglador, productor, actor, y cerebro pensante.

EL PRINCIPAL DEL CORO

David Robert Jones es el verdadero nombre de David Bowie, hijo de Margarita María “Peggy” Burns, camarera de profesión, de ascendencia irlandesa, nacida en Kent, y de Haywood Stenton “Juan” Jones, de Yorkshire, promotor oficial en la caridad de los niños Barnardo, del país de Gales. La familia Jones residía cerca de la frontera al sur de Londres, en Brixton y Stockwell. Bowie asistió de chico al Stockwell Infants School hasta los seis años, adquiriendo una reputación de un niño muy inteligente y capaz.
En 1953, los Jones se trasladaron a las afueras de Bromley, donde, dos años más tarde, David ingresó al Burnt Ash Junior School. De entrada, su voz se consideró solista del coro de la escuela, demostrando habilidades superiores a la de su propia edad, entonando, y en la reproducción de un grabador.
A los nueve años, su canto, baile y el sonido del aparato, los complementaba muy bien, llamando la atención de los maestros por lo bien que lo desarrollaba y por la calidad artística que poseía. El mismo año, su interés por la música se estimuló aún más cuando su padre llevó al hogar una colección de discos simples en 45 que incluían a Frankie Lymon, The Platters, Fats Domino, Elvis Presley y Little Richard. Al escuchar “Tutti Frutti”, del Rey Elvis, Bowie quedó impactado, acotando: “realmente me impresionó, el poder de su música…”.
A finales del año siguiente David Bowie ya manejaba varios instrumentos y participaba en sesiones de skiffle con algunos conocidos, mientras terminaba su educación en el Bromley Technical High School. Allí, se especializó en arte, música, diseño y por su amor por el saxo, tocándolo desde muy joven de manera excepcional.

LENNON, JAGGER E IGGY POP
Muy pronto trabajaría al lado de artistas de la magnitud de Lennon, Jagger, Iggy Pop, Brian Eno y Lenny Kravitz. “Ziggy stardust”, 1972, o “Let’s dance”, 1983, son algunos de los discos legendarios de su trayecto, jalonado siempre por el suceso y la polémica. También fueron frecuentes las incursiones de Bowie en el mundo cinematográfico. Su filme más celebrado es “Feliz navidad, Mr. Lawrence”, 1983, de Naghisa Oshima. Bowie de a poco fue evolucionando y en esa época de los ’80s penetró de manera rutilante en la era pop y new wave, obteniendo el pico más alto de la popularidad y éxito comercial con “Let’s dance” -“Bailemos”- El álbum producido por Nile Rodgers fue disco de platino en el Reino Unido y USA.
Los sencillos extraídos del disco-grande se convirtieron en los mejores veinte sucesos de ambos países, donde su tema “Modern love” alcanzó el número uno, y “China girl” -co-escrita por Bowie e Iggy Pop en Berlín, inspirada en el amor de Iggy con Kuelan Nguyen, una bonita vietnamita que conoció- obteniendo el galardón MTV Video Music Award al Mejor Video Masculino; llegando al puesto dos en Inglaterra como simple.
También en 1983, David se colocaba entre los videoartistas más fulminantes del momento. “Let’s dance” fue seguido por el Serious moonlight tour, durante el cual Bowie estuvo acompañado por el guitarrista Earl Slick y por los vocalistas Frank y George Simms.
La gira mundial duró seis meses y es de las más renombradas de ésta leyenda rockera.

MÁS COLABORACIONES, MÁS PRODUCCIONES

Más colaboraciones para otros grandes, y más producciones al estilo David se acercarían: “Tonight”, 1984, “Never let me down”, 1987, “Black tie white noise”, 1993, “Outside”, 1995, “Earthling”, 1997, “Hours”, 1999, “Heathen”, 2002, “Reality”, 2003, “The next day”, 2013, y lo más reciente “Blackstar”, 2016.
David Bowie quien adoptó su nombre artístico en honor a Jim Bowie, creador de los cuchillos Bowie, se había casado en dos oportunidades. Con Angela Barnett -1969-1980- teniendo un hijo llamado Duncan, 1971.
Y su última esposa fue Iman -1992-2016- con una hija Alexandria, 2000.
David fue incinerado en el cementerio de Nueva York poco después de su deceso, no asistiendo ni amigos ni familiares por expreso deseo del artista.

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CLARENCE CLEMONS: THE BIG MAN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

UN SAXOFONISTA DE AQUELLOS

Todos los grandes querían tocar con un grande como él. Fue un saxofonista de aquellos, que lograba un sonido bien característico en su instrumento. Un músico que siempre deseaba la perfección, en cada ensayo, grabación, o en vivo. Manifestando una onda tremenda cuando se juntaba con sus pares, no solamente tocaba y acompañaba, sino que en algunos de los casos tomaba la batuta. Derrochando sabor y calidad inundaba los escenarios de categoría absoluta, habiendo protagonizado conciertos donde era aplaudido de pie por el gran público y por sus propios colegas. Dibujando las notas del pentagrama en su saxo, recorrió todo Estados Unidos soplando los compases de los temas de Bruce Springsteen, Gary U.S. Bonds, o de Lady Gaga. Se llamó Clarence Clemons, The Big Man.

74 AÑOS CUMPLIRÍA HOY

Un día como el de hoy pero del año 1942, nacía en Norfolk, Virginia, USA, Clarence Anicholas Clemons, Jr. Hoy estaría cumpliendo 74 años. Pero, lo cierto es que se fue joven de este mundo, a los 69, víctima de un derrame cerebral el 18 de junio de 2011, en Florida, EEUU. Hijo de Clarence Clemons, propietario de un mercado de pescado y de Thelma, ama de casa. Clarence Jr. fue el mayor de tres hermanos.
Su abuelo era predicador en una iglesia, y como resultado, su nieto comenzó desde muy chico a escuchar música gospel. Inspirado en el evangelio, deseaba algo más, tocar algún instrumento de viento.
Teniendo en cuenta eso, a los nueve años, su padre le regaló un saxo para navidad y lo mandó a una academia para aprender a tocarlo. Luego de algunas lecciones ya lo ejecutaba muy bien en la escuela en una pequeña banda de jazz. Su tío influyendo en su desarrollo musical bien temprano, adquirió para su sobrino el primer LP de King Curtis, extraordinario saxofonista norteamericano de soul jazz. Curtis y su trabajo con el grupo The Coasters en particular fueron las principales claves de Demons, que a posteriori se cambiaría al renglón de saxo tenor.

PASIÓN POR EL FÚTBOL AMERICANO

Con el paso de los años, ya en su juventud, Clarence despertó un buen interés por el fútbol americano y se graduó en Crestwood High School antes de llegar a la Universidad de Maryland Eastern Shore. Jugó por las líneas en determinados equipos y llamó la atención de los Cleveland Browns, que le ofrecieron un contrato.
También probó suerte con los Dallas Cowboys, hasta que un día se vio involucrado en un serio accidente automovilístico, que le truncó su carrera en la Liga Nacional de Fútbol Americano. Con ese panorama a la vista con 18 años en su haber tuvo una de sus primeras experiencias musicales al participar en sesiones de grabación con Funky Music Machine, una agrupación de Plainfield, Nueva Jersey, que nucleaba a Ray Davis, Billy Bass Nelson y Eddie Hazel.
Además, tocó con Daniel Petraitis. Durante su estadía en la Universidad de Maryland, Clemons también formó su primera banda, The Vibratones, en la que interpretaba versiones de James Brown, manteniéndose entre 1961 y 1965. Aún con su primera orquesta, se trasladó a Newark, donde se especializó como consejero para niños de capacidad diferente en el Jamesburg Training School entre 1962 y 1970.

BRUCE SPRINGSTEEN, STREET B. y GARY U.S. BONDS

Clemons rápidamente funda la E. Street Band junto a Garry Tallent y Danny Federici, participando en el registro de la mayoría de la discografía de Bruce Springsteen, desde “Greetings from Asbury Park, N.J.” hasta “Working on a dream”. También se constituye en el gran saxofonista en vivo de Springsteen, siendo en los shows uno de los músicos favoritos de la agrupación por parte del público. Sus interpretaciones en el saxo son un sonido particular de la E. Street Band; siendo el solo que interpreta en “Jungleland” uno de los más famosos y elogiados. Junto a Gary U.S. Bonds graba “Dedication” en 1981, y “On the line”, un año más tarde. Clemons registró temas con varios artistas y realizó varios proyectos en solitario.
Algunos de sus trabajos más conocidos incluye su participación en el sencillo “You’re a friend of mine” con Jackson Browne y su parte de saxofón en el sencillo de Aretha Franklin “Fereway to love”. Durante la década del ’80, Clarence también fue propietario de Big Man’s West, un club de Red Bank, en Nueva Jersey. Además, salió de gira con la primera formación de Ringo Starr & His All-Starr Band, donde cantó “You’re a friend of mine” a dúo con Billy Preston y “Quarter to three”.
A mediados de la década del ’90, lanzó “Aja and the big man get It on” con el compositor y cantante Aja Kim. En la siguiente década, formó con el productor Narada Michael Walden el grupo The Temple of Soul y publicó el sencillo “Anna”. También colaboró con Lady Gaga en “Hair” y “The edge of glory” para el álbum “Born this way”.
También colaboró ocasionalmente con el grupo Grateful Dead. Como actor participó en películas y series de tv. Más allá de la nostalgia.

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DEBRA PAGET: LA MUSA DE HOLLYWOOD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

DEBUT A LOS QUINCE AÑOS
Llegó a ser popular con buenas actuaciones en westerns y filmes clásicos, por tal motivo se especializó en personajes históricos y exóticos. Su increíble debut fue a los quince años en “Una vida marcada” en 1948, un título de culto dirigido por Robert Siodmak. Una intervención que le sirvió para continuar adelante y meterse en otro tipo de desempeños más desarrollados e importantes. Fueron otras actuaciones en cintas del oeste y de historias desarrolladas, al estilo de “Los diez mandamientos”, de Cecil B. De Mille, en la que personifica a Lilia, la amada de Josue, siendo éste uno de sus filmes más conocidos, entre los casi treinta que rodó por los sets de los estudios. Dueña de una particular belleza impresionó muy bien a los productores y a los espectadores del séptimo arte. Se llama Debra Paget, y desde hace años está retirada del cine y la televisión. Tiene hoy 82 años.

EN DENVER, COLORADO, NACIÓ LA MUSA
Debralee Griffin, tal el verdadero nombre de Debra Paget, llegó a este mundo el 19 de agosto de 1933, en Denver, Colorado, USA. Es una de los cinco hijos de Margaret Allen, una artista de varieté a quien llamaron “La Reina del Burlesque”, por sus desnudos artísticos, y Frank Henry Griffin, un conocido pintor. La familia vivió poco tiempo en Denver, pasando a Los Ángeles, para estar cerca de la industria cinematgráfica en desarrollo. La pequeña Debra rápidamente se matriculó en la Escuela Profesional de Hollywood, cuando tenía 11 años. Pero, antes a los ocho adquirió experiencia en teatro teniendo su primer trabajo en “Las alegres comadres de Windsor” de Shakespeare’s. Mamá Margaret determinó que también los hermanos de Debra, harían una carrera en el espectáculo. Tres de los hermanos de Paget, Marcia -Teala Loring- Leslie -Lisa Gaye- y Frank -Ruell Shayne- también participaron del mundo artístico en sus diferentes ramificaciones.

FIRMA CON 20th CENTURY FOX
Luego de haber actuado en “Una vida marcada” a temprana edad, Debra trabaja en “Odio entre hermanos y en “Se celebra todas las primaveras” como actriz secundaria. En la década de los cincuenta, la carrera de Paget se despega junto al director Delmer Daves con participaciones para la 20th Century Fox – donde firma un suculento contrato- en filmes de corte épico: “Flecha rota”, 1950, “La mujer pirata” (Anne of the Indies), 1951, “Ave del paraíso” (Bird of Paradise), 1951 y la recordada “Demetrio y los gladiadores” (Demetrius and the Gladiators), 1954, esta última junto al excelente Victor Mature. Debra Paget quedó encasillada en esos papeles de mujer sensual, delicada, debido a su gran atracción muy particular y su carácter histriónico. De 1950 a 1956, participó en seis programas de radio originales de Family Theater. Durante esos mismos años, leyó partes en cuatro episodios de Lux Radio Theater, compartiendo el micrófono con actores de alto nivel: Burt Lancaster, Tyrone Power, César Romero, Ronald Colman, y Robert Stack. La última audición incluye dramatizaciones de dos de sus largometrajes. En 1956, actúa junto a Elvis Presley -sería su debut en la pantalla grande- en la película “Love me Tender”. Paget desarrolló una sólida amistad con Presley que duraría hasta la muerte de éste. Siguieron otras producciones, en las que siempre se encargaría de papeles de mujer exótica: “Omar Jayam” (Omar Khayyam), “The Life”, “Loves and adventures of Omar Khayyam” o “The loves of Omar Khayyam”, de 1957 sobre el personaje histórico persa, “El tigre de Esnapur” (Der Tiger von Eschnapur), 1958, y “La tumba india” (Das indische Grabmal), 1959. En los inicios de la década de los sesenta, la carrera de Paget empezó a declinar paulatinamente apareciendo esporádicamente en otro tipo de filmes como “Historias de terror”, 1962, y su última película “The haunted palace”, en 1963, dirigida por Roger Corman para la American International Pictures.

FRITZ LANG EN ALEMANIA
En 1959, viajó a Alemania para unirse al elenco de Fritz Lang con dos films de aventuras: “Viaje a la ciudad perdida”, y “Taura la princesa del Nilo”. Al igual que la epopeya egipcia, “Viaje a la ciudad perdida” es recordada por sus escenas de bailes energéticos. Inmediatamente, aparece haciendo de Lela Russell en el episodio “El Dispuesto” de la NBC, serie de televisión protagonizada por Darren McGavin.
En 1960, actúa como Laura Ashley en el episodio “Incidente del Jardín del Edén” en la CBS la serie western, “Rawhide”. En 1962, regresó a “Rawhide” para interpretar a Azuela en el capítulo “Niño de rehenes”, junto a James Coburn. Su última actuación en tele se produjo en un episodio de diciembre 1965 de ABC, “Ley Burke”, estelarizado por Gene Barry. Paget se retiró en 1965, después de casarse -1964-1980- con Louis C. Kung, un ejecutivo petrolero, con quien tuvo un hijo, Gregory Kung, su único hijo. En 1987, la Motion Picture & Television le otorgó la distinción Bota de Oro, que se concede a los actores, escritores, directores y equipo de especialistas que “han contribuido tanto al desarrollo y la preservación del cine”. Más allá de la nostalgia.
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ANN MARGRET: LA ACTRIZ Y CANTANTE QUE LLEGÓ DEL FRÍO

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

NACIÓ EN VALSJÔBYN, JÂMTLAND, SUECIA

En el medio artístico se inició como cantante y luego fue actriz. Grabó varios álbumes y más tarde la parte actoral eclipsó la labor musical. En la pantalla grande se hizo conocida por sus desempeños en “Bye Bye Birdie”, 1963, “Viva las Vegas”, 1964, “El rey del juego”, 1955, “Conocimiento carnal”, 1971, y “Tommy”, 1975. Obtuvo cinco Globos de Oro y fue nominada para dos premios de la Academia, dos Grammy, un Screen Actors Guild Award, y seis Emmy. En 2010 ganó el primer Emmy debido a su fugaz aparición como invitada epecial en “Ley y Orden: Unidad de víctimas especiales”. Su voz y su actuación atraviesan una carrera profesional de cinco décadas, desde 1961; inicialmente fue considerada una versión femenina del Rey Elvis Presley. Como solista logró determinados hits en RCA, y en 2001 registró un disco de gospel aclamado por la crítica, y una producción con temas de navidad, que realmente quedó muy bien. Ann-Margret Olsson es su nombre, nació en Valsjôbyn, Jâmtland, Suecia, el 28 de abril de 1941, y actualmente posee 74 años.

SE MUDA A ESTADOS UNIDOS

Ann-Margret es hija de Anna Regina y Carl Gustav Olsson, natural de Órnskôldsvik, ciudad de leñadores y agricultores. El padre de Ann trabajaba en USA durante su juventud y retornó allí en 1942, siendo ejecutivo de Compañía Electrónica Johnson, mientras que su esposa e hija quedaron en Suecia. Ellas, se mudaron a territorio norteamericano en noviembre de 1946, y Carl llevó a su joven hija a Radio City Music Hall el día de su llegada.
Se instalaron en las afueras de Chicago, Illinois, en Wilmette. La muchacha se nacionalizó estadounidense en 1949, tomando sus primeras clases de baile en la Academia Marjorie de la Danza, donde muestra su capacidad natural desde el principio, sacando todos los pasos con mucha facilidad. El apoyo de sus padres fue constante para que llegara a convertirse en famosa. La madre de Ann-Margret consiguió emplearse en una empresa de pompas fúnebres como recepcionista, luego de que su marido sufriera una lesión grave en su circuito de trabajo. Paralelamente, siendo una adolescente, Ann apareció en Morris B. Sachs Amateur Hour, Breakfast Club de Don McNeill y Ted Mack ‘s Hora Amateur. Mientras asistía a secundaria en New Trier High School, en Winnetka, Illinois, continuó haciendo labores teatrales. En 1959, se matriculó en la Universidad de Northwestern, donde fue miembro de la fraternidad Kappa Alpha Theta, pero no se graduó. Como parte de un grupo conocido como los Suttletones, cantó en un club nocturno de Chicago, y también se presentó en Newport Beach y Reno, Nevada. En ese andar la descubre el actor y humorista George Burns. Ante ese acontecimiento empieza a grabar discos.

FIRMA CON LA RCA EN 1961

Comienza a grabar discos con la fonográfica RCA en 1961. Su voz, suavemente ronca, estaba considerada como una de las más sexys, y se la comparaba con las de Eartha Kitt o Nancy Sinatra. La disquera intentó hacer de ella la “Elvis femenina” preparando un disco con una versión de la canción de Presley “Heartbreak Hotel” y otros temas de un estilo muy similar al del Rey de Rock. Tuvo un breve éxito con la canción “I just don’t understand” -penetró en el Top 40 de la lista de Billboard la tercera semana de agosto de 1961- donde permaneció durante 6 semanas, llegando al número 17 de la pizarra. Su disco más destacable es “The beauty and the beard”, 1964, que realizó con el trompetista Al Hirt. El contrato con la RCA culminó en 1966, ante escasas ventas. Aunque el show de canto, quedaría en segundo plano ante sus protagónicos en el cine, a principios de la década de los ochenta siguió presentándose en Las Vegas, donde rueda en 1982 un spot publicitario para la empresa de cava española Freixenet.

“VIVA LAS VEGAS” JUNTO A ELVIS

En 1961, Margret logró gracias a un casting, un contrato de siete años de duración con los estudios cinematográficos de la Twenty Century Fox. Su primera experiencia fue en la cinta “Un gángster para un milagro” en 1961. Su interpretación recibió elogios y la hizo acreedora del Globo de Oro a la “Nueva estrella del año”. Siguió la película musical “State Fair”, donde compartió escena con Bobby Darin y Pat Boone, al año siguiente. Inmediatamente aparece con “Un beso para Birdie”, en 1963. Después de filmar “Viva Las Vegas” con Elvis Presley, ambos comenzaron una relación que atrajo la atención de la prensa del corazón. Este “amor” provocó un enfrentamiento con la entonces esposa de Elvis, Priscilla. Aunque todo terminó poco después, Presley siguió siendo gran amigo de la actriz hasta su muerte. De todas las estrellas de Hollywood con las que Elvis había trabajado, Ann-Margret fue la única que asistió a su funeral.

“THE ANN-MARGRETSHOW” EN NBC

Además de trabajar en el cine, Ann-Margret ha protagonizado algunos specials de televisión de mucho suceso, comenzando con The Ann-Margret Show para la cadena NBC en 1968. En 1994, publicó su autobiografía titulada “Ann Margret: My Story”. Está casada con el actor Roger Smith desde 1967. Smith sufre de miastenia gravis -debilidad muscular grave- y Ann-Margret ha dedicado parte de su vida a su cuidado. En 1995, fue elegida por la revista Empire como una de las 100 estrellas más atractivas en la historia del cine; concretamente, estaba situada en el puesto décimo. Ann-Margret tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood situada en el 6501 de Hollywood Blvd. Es uno de los personajes de la novela “La magnitud de la tragedia”, de Quim Monzó. Más allá de la nostalgia.

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UN VERANO COMO TANTOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

INICIO DE LA TEMPORADA ESTIVAL

Hola, ¡veranooo!… Hoy según el calendario comienza la temporada estival 2016. Una nueva estación, ésta seguramente para disfrutar mucho más. Se vienen los momentos para compartir en esas noches frescas llenas de amigos, las oportunidades para salir debido al buen tiempo, y realmente para regocijarse de los deportes y la playa. Sombrilla, arena, agua, y por qué no algún líquido y sólido para sobrevellar el apetito y la sed. Tal cual hacían otros uruguayos en otros tiempos un poco lejanos, por diferentes puntos del país. En Salto, las altas temperaturas están a la orden del día, como Artigas o Rivera, pero en la capital en su larga extensión playera, el sol también golpea fuerte brillando de manera intensa. En Montevideo desde épocas lejanas, Pocitos -por ejemplo- manifestaba una concurrencia nutrida en sus calles, la propia rambla y playa. Casi todos los capitalinos y muchos del interior, nos acercábamos a la orilla para hacer algún pozo con la pala y el rastrillo infantil, o construir un castillo de arena mojada. ¡Qué tiempos!… En este sitio localizado sobre la costa del Río de la Plata, las lavanderas acudían a lavar la ropa debido a sus arenas bien limpias y ¡aguas transparentes!, y fue motivo de reunión -en la década del treinta- para damas coquetas de largos y elegantes vestidos y caballeros refinados que visitaban Pocitos de traje y corbata!. Aunque Ud. no lo crea.

UN DÍA COMO EL DE HOY

Un día como el de hoy pero de 1937 nacía la actriz norteamericana Jane Fonda. Lady Jane Seymour Fonda en este comienzo del verano está cumpliendo sus 78 años. Llegó al mundo en Nueva York, y es además editora de libros y videos de aeróbic, política y escritora. Su estrellato fue en los años sesenta cuando estelarizó filmes de taquilla, al estilo: “Cat Ballou” y “Barbarella”, prosiguiendo con “Como eliminar a su jefe”, “En el estanque dorado”, “El regreso”, “Julia”, “Klute” y “They shoot horses”, entre otros, siendo reconocida por los críticos. Ha obtenido dos Oscar, cuatro Globos de Oro, un Emmy y dos distinciones BAFTA. En 1991 anunció su retiro de la pantalla grande, aunque catorce años más tarde regreso con “Monster in Law”. Jane Fonda ha estado casada tres veces. Primero con el director francés Roger Vadim, desde 1965 hasta 1973, y con el que tuvo una hija llamada Vanessa. Poco después contrajo enlace con Tom Hayden, autor y político. El segundo matrimonio duró desde 1973 hasta 1990 y tuvieron un hijo llamado Troy Garity, nacido en 1973, quien también es actor. Su tercer matrimonio fue con Ted Turner, un magnate de la televisión por cable y fundador de la CNN. Duró desde 1991 hasta 2001. Jane, es uno de los grandes mitos eróticos de los sesenta y setenta.

LLEGABA AL No. 1 BILLBOARD

También un 21 de diciembre de 1937 se estrenaba en el Carthay Circle Theater de Hollywood, el primer largometraje de dibujos con color y sonido. Se trataba de “Snow white and the seven dwarfs” -“Blancanieves y los 7 enanitos”- Considerado por muchos como una obra maestra, la película marca una nueva etapa en el terreno de la animación por las innovaciones técnicas y artísticas desarrolladas. En la misma fecha pero del año 1985 también en USA llegaba al No. 1 Billboard, “Say you, say me” de Lionel Richie que se grabó para la cinta “White nights”, protagonizada por Mikhail Baryshnikov y Gregory Hines; además se incluyó en el álbum “Dancing on the ceiling” del exmiembro de The Commodores. El sencillo en cuestión ganó el Oscar a la mejor canción original de 1985 y un Globo de Oro el mismo año en idéntica catoegoría. En 2008, el tema alcanzó el puesto 74 de las mejores canciones de todos los tiempos en el Billboard Hot 100, conmemorando los primeros 50 años de la lista.

EN 1940: FRANK ZAPPA

El 21 de diciembre de 1940 nacía en Baltimore, Estados Unidos, el compositor, guitarrista, cantante, productor discográfico y director de cine, Frank Vincent Zappa. Desaparecido por cáncer de próstata el 4 de diciembre de 1993. Con una carrera de más de treinta años, Zappa compuso jazz, blues, rock,música clásica, electrónica y más. Fue un artista muy prolífico y recibió grandes galardones. Muchos de sus álbumes son considerados esenciales en la historia del rock, y es reconocido como uno de los guitarristas y compositores más originales de su tiempo, siendo hoy en día una referencia para un gran número de artistas. Tuvo algo de éxito comercial, sobre todo en Europa, por lo que pudo ser un artista independiente la gran mayoría del tiempo que duró su carrera. Fue incluido de forma póstuma en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1995 y recibió un premio Grammy a toda su carrera en 1997.

“EL ACORAZADO POTEMKIN”, ESTRENO EN 1925

Otro 21 de diciembre, pero de 1925, se estrenaba en Moscú la polémica película muda “El acorazado Potemkin”.
Planeado por el Comité Central Soviético para coincidir con las celebraciones del vigésimo aniversario de la fallida Revolución Rusa de 1905, este film fue dirigido por un joven realizador de 27 años llamado Sergei Eisenstein, que concibió toda la obra en un guión de una sola página, y que además era parte de una serie de 8 películas que intentaban narrar la mayor parte de las acciones revolucionarias. El filme comienza con la negación de la tripulación del acorazado a comer carne en mal estado. El amotinamiento se desarrolla y su líder, Vakulinchuk, es disparado por un joven oficial. Los de rango superior han sido destronados y cuando el Potemkin llega a Odessa, la gente aparece por todos los lugares y quiere saber la causa del marinero muerto y el porqué del comienzo de los actos de rebelión.
Y cerrando las efemérides, el 21 de diciembre de 1979, a la edad de 40 años, en un brutal accidente de tránsito dejaba de existir el excelente player de fútbol Ermindo Ángel Onega, quien integraba los planteles de River Plate y Vélez Sársfield de Argentina, Peñarol de Montevideo y Deportivo La Serena de Chile.
Convirtió más de cien goles en fútbol activo desde 1957 a 1977. Más allá de la nostalgia.

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LA LEYENDA DEL PALACIO DÍAZ

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN GIGANTE EN EL CENTRO DE MONTEVIDEO
Hoy en día quizás muchos transeúntes distraídos ni cuenta se dan que en ese lugar existe un edificio emblemático de la tan bonita Montevideo. Metido en la historia misma de aquellas construcciones excepcionales que se hacían cuidando hasta el más mínimo detalle de su interior, la fechada, de sus comodidades y de su elegancia arquitectónica. Inspirado en los rascacielos neoyorkinos pero a la uruguaya, de 20 pisos, realizado por los Arqtos. G. Vázquez Barriere y Rafael Ruano, se inauguró en el año 1929, y es testigo fiel de carnavales, hazañas deportivas -como la consagración de la selección uruguaya en Maracaná 1950 y las copas internacionales de Peñarol y Nacional- desfiles militares y políticos, manifestaciones, pasaje de grandes estrellas del cine, la música y la televisión, entre muchos festejos y algunos lamentos, sigue en pie tan campante y tan firme que parece que los años no hubiesen pasado para este gigante del centro de nuestra capital. En la Avda. 18 de Julio 1333 entre Ejido y Yaguarón se deja ver con sus balcones, enormes ventanales, galería y hasta el subsuelo, el tan famoso Palacio Díaz. Cuna de muchas historias, y una verdadera leyenda de ayer y de hoy.

UNA RADIO DE DAMAS
Este verdadero ejemplo de la arquitectura moderna rioplatense asociada a la vanguardia y al mundo contemporáneo, supo albergar en su interior a algunas familias de cierto poder adquisitivo, a solitarias y solitarios pasajeros, parejas de amantes, músicos, cantantes, consultorios de abogados y escribanos, oficinas, relacionistas públicos, agencias de publicidad, representaciones, managers, discográficas, estudios y fonoplateas de radios am., entre otros. Allí, se encontraba por ejemplo C X 48, Radio Femenina, que siempre tenía en sus planteles locutoras; voces de damas solamente se escuchaban en el transcurso de su programación intercalada de buena música. La estación se inauguró en el Palacio Díaz en octubre de 1935, y fue la primera broadcasting en aplicar el formato “solamente mujeres” en el orbe. Aquí, Ana María daba lectura a románticos poemas de Gustavo Adolfo Bécquer y Amado Nervo, y Gilda brindaba consejos con temas de Charlo y Mercedes Simone. Pero el tiempo cambió el lineamiento de la emisora, que pasó por varios propietarios, donde se fueron incluyendo audiciones políticas socialistas. Debido a eso, por un tiempo no salió al aire, recuperando su licencia en 1945, pero ya había decaído muchísimo en audiencias. Así y todo se fue manteniendo en el Palacio de manera activa hasta 1972, no pudiendo soportar la dictadura del año siguiente y cerró sus puertas definitivamente.

LA FONOPLATEA DE RADIO CARVE
En el subsuelo del Palacio Díaz estaba la fonoplatea de C X 16, Radio Carve. La estación ya se había mudado varias veces hasta llegar a los altos de un popular bar que estaba en 18 de Julio y Ejido, Café Sportman, tendiendo un verdadero puente musical -y el cableado- a través de 18 para propalar desde la sala del Palacio, las presentaciones estelares procedentes de todo el mundo. Eran tiempos de fonoplateas grandes, repletas de gente, para vivir sábados y domingos por la tarde y noche a noche, la presencia y el mensaje de las más gigantescas luminarias del cine y la música. Desde radioteatros a preguntas y respuestas, pasando por programas de humor en directo -“Los Risatómicos” de Jorge Cazet y Antonio Ceti- Carve marcó una época reafirmando su prestigio dentro y fuera de fronteras. Antes de descender la escalera rumbo a la platea, ya existían jovenes y bonitas promotoras que entregaban al público las conocidas muestras sin valor, que no eran otras que productos y artículos de las firmas anunciantes. Existía una lista bien nutrida sobre todo de alimentos: Surtido de enlatados, chocolates, dulces, o sobres especiales con salsa pomodoro. Aunque Ud. no lo crea.
El auditorio se mantuvo allí hasta casi finales de los cincuenta, hasta que fue sustituído por el de Tacuarembó 1311. Inmediatamente, recalaron allí las primeras maquinitas flippers, las fonolas de discos simples tragamonedas, futbolitos, mesas de billar y el bowling, lugar donde era fanático el actor uruguayo afincado en Buenos Aires: César Bertrand. A veces recuerdo al pasar, que al salir del liceo No. 17 pasaba por ahí…

EL SECUESTRO DE ULYSSES PEREIRA REVERBELL
También en el Palacio Díaz la guerrilla tupamara secuestró al presidente de UTE, Dr. Ulysses Pereira Reverbell. El Movimiento de Liberación Nacional se había enterado de que el político visitaba a su dentista cada semana en el tercer piso del edificio.
Vigilaron el lugar buscando el momento oportuno y en una tarde muy nublada lo esperaron frente a la puerta del odontólogo, le taparon el rostro y envuelto en un cubre cama lo bajaron por el ascensor y luego lo hicieron ascender a un vehículo donde acto seguido partieron raudamente rumbo a la cárcel del pueblo en la zona del Parque Rodó. Hoy en día, el Palacio Díaz se mantiene restaurado en parte, manteniendo oficinas, viviendas y galerías comerciales.
Es bien de interés municipal desde 1995. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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¡GRANDE, BOCHA!

HACÍA SONAR LA GUITARRA COMO LOS DIOSES

Uno de los pocos integrantes originales que estaban en vida de Los Iracundos no pudo esperar y partió rumbo al cielo a encontrarse con su hermano Eduardo, que seguramente ubicado en una nube, entre las estrellas le tararea una canción, para que “Bocha” Leoni o “Pepito”, lo acompañe al compás de su electrizante guitarra eléctrica. Al lado pagetambién están Febro en sus teclados y Bosco en la otra viola, que también sacaron pasaje sin retorno para quedarse entre las fantasías, ilusiones y sentimientos de esas melodías que transmiten emociones por doquier, y que tanto hacen recordar. Son las cosas de la vida, que pasan aunque uno no quiera o no lo desee. Los denominados Iracundos de ahora, donde solamente Leonardo “Leoni” Franco, estaba representando a “los seis sanduceros” de antes, atravesaban un momento de gira por Guatemala, hasta que en una de esas noches comenzó a sentirse realmente mal, y fue llevado de urgencia a un hospital privado, donde horas más tarde no abrió más los ojos, víctima de un paro cardíaco. Fue el pasado miércoles 2 de diciembre. Tenía 73 años. La guitarra de Los Iracundos, ya nunca sonará igual.

¿EL FÚTBOL O LA MÚSICA?

Leonardo Franco nació en Tambores, Paysandú, el 13 de noviembre de 1941. Cursó estudios primarios y secundarios en Colegio del Rosario, y a los 18 años forma su primera orquesta bajo el nombre de “Los Blue Kings”, entre compañeros de estudio. Allí, recalaron, Jesús María Febrero “Febro”, quien llegó a este mundo el 10 de marzo de 1946 y falleció el 2 de agosto de 2003, como tecladista; Juan Bosco Zabalo, segunda guitarra, nacido el 11 de junio de 1944, dejando de existir el 1o. de noviembre de 1992; Juan Carlos Velázquez “Juano”, baterista, 13 de noviembre de 1941, Hugo María Burgueño “Burgues”, bajista, febrero de 1941, José María Brunini, “el iracundo lobizón”, se quedó en la banda un año y medio y se retiró, cantaba y tocaba la guitarra y Eduardo Franco, cantante y compositor, 15 de marzo de 1946 – 1o. de febrero de 1989. Paralelamente, “Bocha” Leoni, practicaba fútbol jugando de número 9 en Club Misiones sanducero, junto a su hermano Eduardo, anotando algunos goles, y disputando algunos encuentros con Luis y Pedro Cubilla y Jorge Oyarbide, como compañeros de integración. Pero, Leonardo reconoció que la música venía mejor y se dedicó a conseguir mejor sonido con la banda que ya había formado y que se venía con todo. Para continuar adelante había que importar equipos de audio alemanes; claro que lo que sacaban en los toques no les daba para nada y en caja no había un peso. Entonces, “Bocha” -seudónimo puesto en la época de player futbolero- y los muchachos deciden solicitar la ayuda de un amigo personal, que inmediatamente genera un préstamo y lograr traer la ansiada equipación.

EN LA FONOPLATEA DE RADIO ARIEL

El debut oficial de Los Blue Kings se realizó el 10 de octubre de 1961 en el histórico Teatro Florencio Sánchez. Al poco tiempo registran en la fonoplatea de C X 10 Radio Ariel, de la calle Olimar, en Montevideo, dos temas en lo que sería el primer disco simple de la agrupación: “Retén la noche” y “Madison Surf” para el sello Clave Iemsa. Enseguida, graban el segundo sencillo con “A Saint Tropez” y “Despierta Lorenzo”. Rubén Castillo los recibe en “Discódromo Show” de Canal 12 y después de varias actuaciones en la capital, intentan suerte y viajan a la vecina orilla. La poderosa fonográfica del perrito y el fonográfo, RCA, los recibe, les cambia el nombre por el de Los Iracundos, y les firma un contrato que se extendería durante 23 años -1963-1986- y que supo de hits resonantes en toda América Latina: “La lluvia terminó”, “El triunfador”, “Es la lluvia que cae”, “Calla”, “Todo terminó”, “El desengaño”, “Felicidad felicidad”, “Tu ya no estarás”, “La fuente”, “Te lo pido de rodillas”, “Va cayendo una lágrima”, “Puerto Montt”, tema de Eduardo Franco y Cacho Valdez, himno Iracundo, registrado exactamente el 16 de octubre de 1968, en los estudios de la RCA Víctor, de la calle Paroissien, en Provincia de Buenos Aires, y presentado en el II Festival Buenos Aires de la Canción el 11 de noviembre del mismo año, siendo uno de los temas “emblema” del conjunto. Los Iracundos tenían la particularidad de lanzar un LP cantado y otro de manera totalmente instrumental, siendo en este último pilar fundamental “Bocha” Leoni con la ejecución de la guitarra en un estupendo perfil de la agrupación. Así, se suceden los álbumes “Sin palabras”, “El sonido de los Iracundos”, y “En estereofonía”. En algunos de los casos, grabando en Estados Unidos, España, e Italia: “Los Iracundos en Roma”.

TAMBIÉN EN EL CINE

El estilo de Los Iracundos se expande cada vez más y llegan a la pantalla grande con “Ritmo, amor y juventud”, 1966, “Una ventana al éxito”, 1966, “El galleguito de la cara sucia”, 1966, “Este loco verano”, 1970, “Balada para un mochilero”, 1971, “Locos por la música”, 1980, entre otras. En Argentina, pasaron rápidamente de una pensión a un hotel céntrico y luego a departamentos y casas independientes para cada uno. En esos tiempos cobraban un buen “cachet”, regalías de discos, etc., etc. Su historia, como su música será eterna y nunca pasarán de moda. En conferencia de prensa, otorgada por los actuales componentes de Los Iracundos y su apoderado en Guatemala, decidieron seguir con los últimos tres conciertos de la gira por esos lugares. Allí, en la última nota que le hicieron a Leonardo Franco, hace apenas dos semanas, dijo: “Siempre traté de combinar el deporte, la música y mis estudios.
Por la mañana iba al colegio, en la tarde entrenaba y en la noche dormía junto a mi guitarra…”
Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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“LA ISETTA”, EL AUTO ECONÓMICO DE LOS CINCUENTA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

UN COCHE EN LA FÁBRICA DE AVIONES

La primera vez que vi una fue donde trabajaba como cadete, en una reconocida barraca y bazar de plaza. Era de color azul brillante y utilizada por el llamado gestor de la empresa.
Siempre me llamó la atención ese vehículo, y por aquí en Montevideo, no había muchos, me imagino que habría menos por zonas del interior. Algunos lo llamaban “el huevito”, otros “ratón alemán”, “huevo con ruedas”, o “coche pompa” y definitivamente la mayoría la reconoce como “la Isetta”. Un auto súper económico de pequeñas dimensiones, que logró ser muy vendido en Europa, realizado en los años siguientes a la Segunda Guerra Mundial, en un momento que se necesitaba un transporte de gastos reducidos y de corta distancia, pensado en consumidores de clase media, que no podían permitirse un vehículo más grande por su erogación y mantenimiento, o en la dama de casa para hacer sus compras cercanas.
El diseño es italiano, pero también fue construido en diferentes fábricas de Bélgica, Alemania, Inglaterra, Francia y hasta en Brasil, que montó excelentes y llamativos modelos.
Hermenegildo Preti, un ingeniero italiano que creó la Isetta en una fábrica de aviones, se inspiró en el diseño de un avión de carga de apertura frontal, junto a la forma de su propia cabina.
La Fiat presionó para que el automóvil no tuviese puertas laterales y tres ruedas, evitando de esta forma la competencia con otros autos del mismo lineamiento. La Isetta a esta altura se ha transformado -con el paso del tiempo- en un auto, prácticamente de coleccionistas.

HOY, SERÍA UNA SOLUCIÓN… ¿O NO?…

En la actualidad, Isetta sería una gran solución para muchos ciudadanos, ya sea por su economía y también -debido a su tamaño- por su facilidad de estacionamiento.
Estos coches pueden guiarse de frente para aparcar en posición paralela al flujo del tránsito.
No hay que dar marcha atrás.
En vías congestionadas de vehículos, el hacer retroceder el coche para estacionarlo en un sitio pequeño puede ser sumamente engorroso, particularmente para el que no es muy diestro en la materia.
Pero, este auto miniatura -hasta el día de hoy- elimina absolutamente el problema. No podría haber un vehículo más sencillo que éste, a no ser por la única puerta del Isetta que se abre con el manubrio, el cual se mueve hacia adelante para facilitar la salida. A pesar de ésto, es muy difícil entrar y salir del coche.
La Isetta 300 BMW, el modelo más clásico de todos, tiene cuatro ruedas y un motor de un cilindro, enfríado por aire. Pesa 350 kilos.
En cuanto al modelo 600 es un poco más amplio en su versión. Además, tiene un asiento trasero y una puerta lateral. Pesa 470 kilos.
En su lanzamiento éstos automóviles nuevos costaron entre mil y mil doscientos dólares, aproximadamente, en mercados europeos y norteamericano. La razón que indujo a la compra de la Isetta en vez de un coche barato de segunda mano, es que “el huevito” no necesitaba ningún mantenimiento. De repente alguna bujía por ahí, nada más.
En el presente, sería muy difícil conseguir repuestos para ésta mini máquina, de tanto andar en décadas pasadas.

ALCANZABA LOS 85 KM POR HORA

En forma primaria el BMW Isetta podía alcanzar los 85 km/h y sólo gastaba 3,8 l/100 km. En 1954 fue puesto en producción con un precio de salida un 30% más en cuenta que el Volkswagen, obteniendo un gran suceso.
El vehículo fue el primer BMW de la postguerra y colocó a la firma automotriz entre los cuatro principales fabricantes de automóviles, en general.
Entre 1954 y 1962, se produjeron 160.000 unidades en Alemania y 30.000 en Gran Bretaña por la “Isetta of Great Britain Ltd.”, bajo licencia BMW, con volante a la derecha y mayoritariamente con tan sólo tres ruedas y el volante a la derecha. Recién en 1957 se inició la producción de manera internacional con el modelo 300 cc. que fue realizado en determinadas versiones, según el mercado de compra. Su interior fue armado para asemejarse a un coche normal; su caja de cambios era de cuatro velocidades. Más adelante y derivado del modelo Isetta tradicional BMW desarrolló la máquina de 600 cc. Se trató de un microcoche de cuatro plazas producido entre agosto de 1957 y noviembre de 1959.
El vehículo estaba parcialmente basado en el modelo biplaca BMW Isetta. Debido al aumento de tamaño y peso, el 600 tenía un motor más potente que el Isetta 300.
La velocidad máxima fue de 103 km/h.
A comienzos de los sesenta los consumidores querían coches más amplios, habiendo perdido el interés en los modelos económicos.
Las ventas de la 600 fueron, sin embargo, ayudados por la crisis energética de esos años: 1956-1957.

ELVIS PRESLEY Y GARY GRANT

Entre los muchos famosos que tenían como favorita la Isetta en sus coches de cabecera, se cuentan Elvis Presley y Gary Grant. Pero, los hubo políticos, gobernantes, empresarios, artistas de todo tipo y muchos otros menos conocidos. El coche fue un pequeño gigante de las calles y algunas carreteras, que utilizaron mujeres y hombres. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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LLOYD BOCHNER: EL INSPECTOR JEFE NEIL CAMPBELL

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

EL BAR TULLY Y LA BOITE GOLDEN DRAGON

Mientras el corresponsal Glenn Evans, norteamericano con sede en Hong Kong, a puro romance y puñetazos resuelve todo tipo de inconvenientes frustrando maniobras de contrabandistas, chantajes, secuestros y hasta crímenes, arreglándose también para entretener hermosas damas enamoradas de él, de su descapotable blanco, y de su forma de vestir, su amigo el inspector jefe Neil Campbell, investigaba los delitos más impresionantes, casi siempre ayudado por el periodista asignado para cubrir Oriente. Las reuniones entre ambos, se llevaban a cabo en la sede de la misma Policía, en el Bar Tully con su propietario Tully y en la boite Golden Dragon, cuando el propio Glenn escapaba de sus andanzas y amoríos con rubias, morochas y platinadas. Se trataba de la serie “Hong Kong”, 1960-1961, de tan solo 26 episodios más un piloto, de 50 minutos de duración, en blanco y negro, con la música de Lionel Newman, la producción y realización de Herbert Hirschman, Art Wallace y Fletcher Markle, que protagonizaban el australiano Rod Taylor como Glenn Evans y el canadiense Lloyd Bochner en el inspector Neil Campbell. La tira en primera instancia resultó un gran éxito, pero luego decayó y fue levantada ante la competencia en el mismo horario de “Caravana”, serie western con Ward Bond. Sin embargo, a través de esos pocos episodios se emitió en casi todo el mundo, impactando por la trama y por el desempeño actoral de los intérpretes. En Montevideo, “Hong Kong” debutó en los primeros años de la inauguración de Montecarlo TV Canal 4, diariamente a las 12 horas del mediodía, repitiéndose más adelante en varias etapas. Neil Campbell fue uno de los personajes más resonantes y recordados que desempeñara Lloyd Bochner.

DESDE CANADÁ, A LA GRAN MANZANA

Lloyd Bochner Wolfe nació en Toronto, Ontario, el 29 de julio de 1924, y desde la temprana edad de once años se lanzó como actor en diferentes programas de radio, protagonizando un sinfín de voces infantiles. En 1951 se trasladó a la ciudad de Nueva York, movido por su interés de estar en el cine y la televisión y de residir en La Gran Manzana. Ayudado por la suerte aparece en varias seriales: “La familia de un hombre” y “Kraft television theatre”. Inmediatamente llega a la cadena ABC con “Hong Kong” junto a Rod Taylor, como coprotagonista. En 1961 después de “Hong Kong” es estrella invitada en “Los estadounidenses”, la guerra civil norteamericana convertida en un drama total, sobre cómo el conflicto destroza familias, estelarizada por Darryl Hickman. Unos años más tarde, Bochner aparece en otro de sus papeles destacados, el de un criptógrafo en el clásico de 1962, “Twilight zone” -“La dimensión desconocida”- en el capítulo “Para servir al hombre”, historia que luego se parodió en la comedia “La pistola desnuda 2 1/2 con Leslie Nielsen, por el mismo Lloyd. En 1962 y 1963, se presenta en dos episodios de CBS en la serie antológica, “GE Verdadero”, de Jack Webb; interpretó la parte de Stoughton en “Code Name: Christopher, Parte I” y el capitán Ian Stuart en “Comando”. Posteriormente en 1964 recaló en el elenco de la NBC “The Richard Boone”. En el mismo año fue actor invitado en “Viaje al fondo del mar”, en la primera temporada, capítulo “The Fear-Makers”. Unos meses después sale como el asesino Eric Pollard en “Perry Mason”, episodio “El caso de la amante latente”. El 19 de octubre de 1965, aparece en “Combate”, en la cuarta temporada capítulo 6: “Evasión”, donde Lloyd Bochner personifica a un oficial inglés con uniforme de alemán, y el teniente Hanley -Rick Jason- hace de oficial de Albania, atravesando Europa en un tren. En éste episodio no participa Vic Morrow, el Sargento Sanders, y como algo raro agregamos que este dato no aparece en ninguna biografía de Bochner, y no se sabe por qué.

“LA LEGENDA DE JESSE JAMES”

En 1965 participa en “The legend of Jesse James” protagonizada por Christopher Jones en el papel estelar. Dos años más tarde, apareció en “Custer”. En dos ocasiones estuvo en “The Virginian”, “El Virginiano”, la famosa series. En la pantalla grande interpretó varios personajes, en algunas cintas: “Drums of Africa”, 1963, “The night Walker”, 1964, “Sylvia”, 1965, “Point Blank” -“A quemarropa”- 1967, “La venganza de Ulzana”, 1972, “The lonely lady” con Pia Zadora, 1983. También hizo de brujo en “Hechizada”, y un papel distinto fue el que realizó en “Dinastía”, como Cecil Colby, pero un ataque cardíaco le impidió seguir adelante en la tira.
En 1998 fue cofundador del Comité para el Fin de la Violencia, diseñado para estudiar el impacto de las imágenes violentas en la cultura. También fue activo en la Asociación de Artistas Canadienses de Radio y Televisión. Se unió al Festival Stratford de Canadá en su primera temporada en 1953. Durante los seis años que permaneció ligado al mismo, interpretó a Horacio en “Hamlet”, a Orsino en “Twelfth Night” y al Duque Vincentio en “Measure for measure”, junto a James Mason. Obtuvo dos Premios de la Libertad, el honor más alto que reciben los actores en Canadá, por su trabajo en el cine y el teatro.

SE CASO CON RUTH BOCHNER

Lloyd había contraído nupcias con Ruth Bochner. El matrimonio duró hasta la muerte de él en 2005. Tuvieron tres hijos – Hart Bochner, actor que le dio voz a personajes de Batman- Paul, y una hija, Johanna Courtleigh. Bochner falleció el 29 de octubre de 2005, a causa de un cáncer, a los 81 años, en su casa de Santa Mónica, California. El Inspector Jefe Neil Campbell de “Hong Kong” lo catapultó a la pantalla grande. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

 

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CYD CHARISSE: SE METIÓ EN LA HISTORIA DEL CINE

IMÁGENES CLÁSICAS DEL SÉPTIMO ARTE
Su vida fue entre la danza y el cine. Haciéndose “clásica” por compartir famosas escenas musicales con nombres de oro de la industria hollywoodense: Fred Astaire y Gene Kelly.
En las añejas latas del celuloide, quedaron cuadro a cuadro registrados para la posteridad, esos movimientos al unísono de las estrellas de los estudios, donde ella no solamente acompañaba, sino que también se destacaba como pageprimera figura. Las fotos de esos momentos representan parte de la historia del cine norteamericano. Fue en “Cantando bajo la lluvia”, -“Singin’ in the Rain”- 1952, y “Melodías de Broadway”, -“The band wagon”- 1953, donde eclipsó a los espectadores de las salas del mundo. Siendo una niña, sus padres captaron de que la pequeña estaba muy dotada para el ballet, por lo que recibió clases y llegó a formar parte del Ballet Ruso de Sergei Diaghilev, con los seudónimos de María Istomina y Felia Sidorova.
Muy pronto, se inició en la pantalla grande, donde dejó su talento como actriz y principalmente como bailarina. Se llamó Cyd Charisse.

SE CASÓ CON SU PROFESOR DE BAILE
Cyd nació en Amarillo, Texas, el 8 de marzo de 1922, bajo el nombre de Tula Ellice Finklea. Es hija de Lela y de Ernest Enos Finklea, joyero de profesión. Mientras Thomas Jarrell Finklea, su hermano menor la llamaba “Cyd” -y ahí viene lo de su denominación artística- ella estudió y se graduó donde pudo, mientras combatía la poliomielitis, llegando a tomar lecciones de baile en una escuela profesional de California. Allí, se enamora perdidamente de su profesor de baile, Nico Charisse y se va de gira por Europa. En 1939, cuando no había cumplido aún los 18 años, se casan en París, y tienen un hijo, Nick en 1942. Es donde decide adoptar el apellido de su esposo en su nombre profesional. Ante el estallido de la Segunda Guerra Mundial, ya de regrero a Los Ángeles, David Lichine le ofrece un papel en el baile Gregory Ratoff’s. Esto le llamó la atención al coreógrafo Robert Alton -que también había descubierto a Gene Kelly- y pronto se incorporó a la plantilla de la acaudalada Metro-Goldwyn-Mayer, donde se convierte en la bailarina residente de MGM ballet. En un papel tempranero, hace de soporte de Judy Garland en la cinta “The harvey girls” en 1946.

SECUENCIAS MUY ACLAMADAS
Como es sabido, Charisse se destacó en sus dúos con Astaire y Kelly. Su obra incluye dos de las secuencias más aclamadas de los históricos musicales “Cantando bajo la lluvia” y “Melodías de Broadway”, pero en cuanto a la voz, Cyd era normalmente doblada en las canciones de sus películas, generalmente por la cantante India Adams. Su debut en Hollywood fue en “Something to shout about” -“Algo por lo que gritar”- de 1943, tras lo cual pasó un tiempo haciendo pequeños papeles secundarios en otras cintas: “Mision to Moscow”, 1943, “The Harvey Girls”, 1946, “Ziegfeld Follies”, también de 1946, y “En una isla contigo”, 1948.
Luego de su firma en MGM su carrera dio un giro importante comenzando a figurar con desempeños más descollantes, hecho que se dio en los años cincuenta, en largo-metrajes de diversos géneros, aunque principalmente musicales. En esa época participó en “Brigadoon”, “Siempre hace buen tiempo” y “La bella de Moscú”. Pasado el momento dorado de los musicales, las apariciones de Cyd Charisse en pantalla disminuyeron. En los años sesenta rodó varios films, entre los que destacan “Dos semanas en otra ciudad” y “Something’s got to give”, donde compartía créditos con Marilyn Monroe y Dean Martin. Ésta quedó inconclusa por el deceso de la Monroe. En 1967 se retiró del cine, salvo por fugaces apariciones en otras producciones: “Los conquistadores de Atlantis”, de ciencia ficción.
Más recientemente apareció en clips: “I want to be your property” de Blue Mercedes y “Alright” de Janet Jackson; en este último daba unos pasos de baile. En 1990 grabó un vídeo de fitness para personas de avanzada edad -ella tenía 69 años en ese momento- titulado “Easy energy shape up” -“Puesta a punto de baja intensidad”- Además, deslumbró en documentales que retratan la época dorada de los estudios de Hollywood, algo que ella supo conocer y ser una verdaderá luminaria.

LAS PIERNAS MÁS VALIOSAS
En 1948 volvió a casarse, ahora con el actor y cantante Tony Martin, con el que mantuvo sesenta años de matrimonio, hasta su fallecimiento -un récord en parejas de Hollywood- Tuvo un hijo con él, Tony Martin Jr. Su sobrina es la actriz Nana Visitor, y Liv Lindeland, “Playmate” de la revista Playboy en 1971, es su nuera.
Escribió una autobiografía conjunta con su marido, “The two of us” -“Nosotros dos”- y en 2001 entró a formar parte del Libro Guinness de los Récords en la categoría de “Las Piernas más valiosas”, dado que en 1952 firmó un seguro por valor de 5 millones de dólares para protegerlas, superando así el récord de su antecesora, Betty Grable. Se fue rumbo al cielo, el 16 de junio de 2008, en California, luego de sufir un ataque cardíaco.
Tenía 86 años. Fue una grande de las matineé y los continuados.
Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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LARRY WILCOX: MOTORIZADO POR LA VIDA

JUNTO A PONCHARELLO EN LA CARRETERA

Su locura por las motos y la actuación lo llevó a ser famoso siendo joven, ante las pantallas de la televisión. Acababa de firmar un ventajoso contrato con la NBC, durante diez largas temporadas, como co-protagonista de “Chip’s” o “Patrulla motorizada” -según el lugar de emisión- donde Erik Estrada sería su compañero de ruta, para juntos pagerecorrer con sus máquinas el mapa norteamericano en busca de solucionar los infinitos problemas que tiene la gente. La tira aborda los años en servicio de “Jon” Baker y “Ponch”, dos policías motorizados miembros de la Patrulla de Caminos de California -California Highway Patrol- que se veían comúnmente involucrados en rescates, persecuciones, detención de delincuentes, siempre montados en sus motocicletas, una característica que hasta el día de hoy los hace recordados y diferentes. Supervisados por el sargento Joseph “Joe” Geatrer -Robert Pine- y coordinados por el oficial Barry Baricza -Brodie Greer- Arthur “Grossie” Grossman -Paul Linkee- Jebediah Turner -Michael Dorn- y Sindy Cahill – Brianne Leary. El Nombre es producto de las siglas de California Highway Patrols, aunque la sigla que identifica a esta institución es CHP, pero por tener derechos de autor, le agregaron una i y una s en el nombre de la serie. “Chip’s”, uno de los títulos más visto por tv, ubicado en el género drama, y creado por Rick Rosner, ródo 139 episodios de 50 minutos de duración, en colores, siendo su primera emisión en USA, el 15 de septiembre de 1977, y la última el 1o. de mayo de 1983. En el desarrollo actoral “Jon” Baker es Larry Wilcox, un actor que empezó de pequeño y que luego se transformó en productor, director y empresario, obteniendo su mayor impacto popular en la citada “Chip’s”. Wilcox se retiró de la serial en 1982, después de trabajar en 117 capítulos, supuestamente por entredichos con Estrada. En 1998 después de suavizadas las cosas vuelve junto a Erik Estrada, para hacer “Chip’s 99″, un largometraje que evocó el hit de la televisión.

“LASSIE”, “CANNON”, “HAWAI CINCO-0″ y MÁS…

Larry Dee Wilcox llegó a este mundo el 8 de agosto de 1947, en San Diego, California. Fue uno de los cuatro hijos de Marion G. y John C. Wilcox. Cuando Larry era chico sus padres se divorciaron, entonces su abuelo lo crió en Rawlins, Wyoming. Más tarde cuando su padre murió, su madre trabajó en distintos lugares, incluyendo la actuación y rodeo vaquero, inculcándole eso a su juvenil hijo. A los veinte años recién cumplidos Larry Dee se unió a los Marines y sirvió 13 meses en la guerra de Vietnam. Fue dado de alta honorablemente con el rango de sargento en 1973. La televisión en gran escala lo estaba esperando. Primero fue “Sala 222″, luego apariciones fugaces en “Las calles de San Francisco”, enseguida se mostró en la última temporada de “Lassie”, haciendo de Dale, uno de los chicos que crecieron allí en las cercanías de la granja de los Miller. En 1976 actúa en el filme “Los últimos hombres duros”, y continúa en las tiras “The Partridge Family”, “Hawai Cinco-0″, “MASH” e “Historia Policíaca”. En 1985 aparece en “The Dirty Dozen: Next Mission”, con Lee Marvin, y en 1987, protagoniza: “Mission Manila”, y como invitado pasa por las series: “Mike Hammer”, “Matlock”, “Perry Mason”, “MacGyver”, 1991, “Murder, She Wrote”, 1992, “Pacific Blue”, 1996.

NO UTILIZABA DOBLES PARA SUS NÚMEROS

En “Chip’s” Wilcox pasó por infinidad de riegos. El mismo realizaba sus acrobacias, como por ejemplo tirarse desde un puente para caer en el techo de un omnibus. A diferencia de Erik, “Ponch”, que se dedicaba únicamente a actuar y manejar la moto, ambos ganaban en la temporada 1979-1980 la cantidad de 25.000 dólares por capítulo. Larry Wilcox se casó por primera vez con Judy Vagner, el 29 de marzo de 1969, mientras cumplía sus últimos meses de servicio en Vietnam. Tuvieron dos hijos: Derek y Heidi. Su segundo matrimonio fue con Hannie Strasser, de nacionalidad holandesa, asistente de sonido en “Chip’s”. El casamiento tuvo lugar el 11 de abril de 1980. Su hija Wendy, nació en 1982 y se divorciaron inmediatamente. El 22 de marzo de 1986 contrajo nupcias con Marlene Harmon, residiendo en la actualidad en el Valle de San Fernando y tienen dos hijos.

SE DECLARÓ CULPABLE

En noviembre de 2010, Wilcox se declaró culpable de cargos de conspiración, cometiendo fraude de valores. El Departamento de Justicia de Estados Unidos alegó que Wilcox había pagado sobornos a corredores de bolsa y administradores de fondos para promover ilegalmente “penny stocks” -en teoría los “penny stocks” son acciones de cualquier empresa que cotizan por menos de $3 dólares la unidad- con que Wilcox se asoció con el fin de aumentar su valor, tras lo cual Wilcox y otros conspiradores vendieron todas sus acciones, defraudando a los inversores. Al declararse culpable, Larry Wilcox manifestó ante el tribunal, “He traicionado mis valores fundamentales con lo que hice. Lamento profundamente. “Fue condenado a tres años de libertad condicional, 500 horas de servicio comunitario y una multa de cien dólares. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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NATALIE MERCHANT, UN PIANO Y UNA VOZ

EL ABUELO LA HACÍA CANTAR
Fue la gran cantante del conjunto del lugar donde nació y vivió junto a su familia, Jamestown, una localidad situada en el condado de Chautauqua, en Nueva York, en el extremo sur del Lago Chautauqua. Inspirada por su gente, de raíces italianas e irlandesas, se fue metiendo de lleno en la música, tocando de manera excelente el piano y cantando a las mil maravillas. En su casa no se prendía la radio y no se veían las noticias por televisión, simplemente a través de un pagepasadiscos, sus padres y abuelos eran fanáticos de Petula Clark, Los Beatles, Al Green y Aretha Franklin, escuchando sus discos en todo momento que pudieran. Así se inició todo. Con la muchachada del hogar marcando el ritmo de lo que oían, junto a su abuelo que se inspiraba en el acordeón, guitarra y mandolina, y que había llegado desde Sicilia, haciendo tararear a su nieta, Natalie Anne. Todo era una fiesta en lo de los Merchant, en esos primeros años de los sesenta. Claro que el tiempo transcurrió y nadie pensó ni por un instante que la pequeña se transformaría velozmente en uno de los nombres trascendentes en el panorama norteamericano y mundial.

LA VOZ DE 10.000 MANIACS
Natalie Merchant nació el 26 de octubre de 1963 -52 años recién cumplidos- siendo la tercera de cuatro hijos de Antonio, un ejecutante de jazz, y Ana Mercante, a quien también le agradaba la música clásica, aconsejando y empujando a Natalie para que hiciera una carrera como cantante. En cuna de cultores musicales, donde se respiraba “eso” todo el día, la joven fue creciendo, y a los 16 años se largó a trabajar en un local de elaboración de alimentos, mientras se preparaba en un programa de verano ayudando a niños con capacidad diferente, pero todo fue quedando atrás porque su meta era convertirse en estrella del canto. En 1980 conoce al guitarrista John Lombardo, y un año más tarde forman la banda 10.000 Maniacs, junto a Roberto Buck, en guitarra, Steven Gustafson, bajista, Dennis Drew en los teclados y Jerry Augustyniak como baterista. El grupo hizo numerosas giras, especialmente en el circuito universitario y fue haciéndose de fama y seguidores hasta que firmó un contrato con la fonográfica Elektra, registrando su primer disco, “The wishing chair” en 1985. Fue con su segundo larga duración -ya sin Lombardo que dejó el grupo en 1986- “In My Tribe”, 1987, que logran hacerse conocidos del público en general. Su siguiente grabación “Blind man’s zoo”, 1989, fue disco de oro. Natalie Merchant, abandonó la agrupación en 1992 dejando como legado la notable aparición de despedida del grupo en la serie “Unplugged” de MTV. 10,000 Maniacs incorporaron al dúo John & Mary -Lombardo y la violinista y cantante Mary Ramsey-. Así continuaron presentándose y grabando aunque sufrieron el golpe de la muerte de Robert Buck en 2000. La última grabación de Natalie con el conjunto fue un cover de Patti Smih: “Because the night”, alcanzando el número 11 en la lista de singles Billboard, siendo su mayor impacto en USA.

TEMAS DE CONTENIDOS SOCIALES y POLÍTICOS
Posteriormente a 10.000 Maniacs, Natalie emprende una estupenda etapa como solista. Su primer álbum en solitario fue “Tigerlily”, 1995, logrando tres hits en las listas Top 40: “Carnival”, “Jealousy”, y “Wonder”. En 1998 grabó “Ophelia” y al año siguiente “Live in Concert”. En 2001, Merchant presentó su disco más aclamado por la crítica, “Motherland”, realizando extensas giras por Estados Unidos y Europa. El 2003 grabó un disco “folk” de canciones tradicionales llamado “The House Carpenter’s Daughter”. Casi todas las canciones de la artista, son compuestas y producidas por ella, atravesando temas de contenidos sociales y políticos. En 2003, Natalie Merchant se casó con el fotográfo español Daniel de la Calle a quien conoció en una plaza de toros durante una gira que realizó con R.E.M. Fruto de esa relación, tuvieron una hija que se llama Lucía. Actualmente, se encuentra divorciada.

SE MANTIENE EN ACTIVIDAD
En febrero 2014, Natalie anuncia su álbum homónimo. El disco consta de obras nuevas. Es su primera colección de material original desde “Motherland”, 2001. “Natalie Merchant” fue lanzado el 6 de mayo de 2014 por Nonesuch Records y fue nominado álbum de la semana por The Daily Telegraph. El álbum debutó en el número 20 en el Top 200 álbumes y el 2 de Billboard Folk, casillero “Albums de Billboard” para la semana del 24 de mayo de 2014. La autora y cantante inició una gira el 3 de julio de 2014, dando comienzo en Kingston, Nueva York, concluyendo en el Teatro Pabst en Milwaukee el 25 de julio de 2014, cosechando un sinfín de sucesos en cada sitio que brindó su concierto. Sus planes inmediatos indican que está preparando un nuevo disco, del cual se desconoce su nombre por el momento.

juanjoalberti@hotmail.com

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PETER TOSH: LA CULTURA RASTAFARI EN SU MÁXIMA EXPRESIÓN

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

SEGUIDORES DE DISTINTAS CULTURAS
El Movimiento Rastafari es una actividad espiritual, surgida en los comienzos de los años treinta en los barrios marginales de Kingston, Ate, Jamaica y en los sectores rurales de las cercanías, siendo la visión social y cultural de Marcus Garvey lo que inspiró a los Rastafaris, que incluso lo consideran una reencarnación de San Juan Bautista, atribuyendo un carácter mesiánico a Selassie, quien ocupó el trono imperial de Etiopía en 1930. El fin de un Rastafari es ir por un sendero recto y verdadero, siempre con bondad, hermandad y sin mentiras. Son conocidos popularmente por sus “dreadlocks” -su cabello característico- y su uso sacramental del ganja, palabra derivada del río Ganges de la India, desde donde se supone es originaria esta planta. Hierba natural, que según dicen los seguidores de esta religión, su Dios Jah otorga para dar salud a todas las naciones.
Hoy en día el movimiento se ha extendido a lo largo de gran parte del mundo y tiene seguidores provenientes de distintas culturas, lenguas y naciones, entre ellos Bob Marley, Bunny Wailer y Peter Tosh, quienes se involucraron fuertemente en su momento.

UN DÍA COMO EL DE HOY, HACE 71 AÑOS
Peter Tosh nació en Westmoreland, un pueblo rural de Jamaica, el 19 de octubre de 1944 -hoy, hace 71 años- bajo el nombre de Winston Hubert McIntosh. De pequeño ya le agradaba la música y con el tiempo se convirtió en ejecutante de reggae, y más adelante lo consideraron como uno de los mejores artistas de ese estilo de todos los tiempos, al igual que Bob Marley. Defensor absoluto de los derechos humanos y activista pro-legalización del cannabis, formó parte en los comienzos de la banda The Wailers, para luego tener una exitosa carrera como solista, además de representar a los Rastafari, muriendo asesinado en su propia casa en Kingston el 11 de septiembre de 1987, durante un copamiento. Su firmeza en la lucha contra el sistema, su rechazo a la utilización bélica de las armas nucleares, la defensa de los derechos y el rechazo público al Apartheid -fue el primer gran compositor que se mostró en contra abiertamente- son pilares fundamentales de su vida y su carrera. Crítico con la política de su país y global, llegó a decir: “La verdad ha sido calificada como ilegal. Es peligroso tener la verdad en tu poder. Puedes ser culpable de un delito y condenado a muerte…”. “Equal rights”, su hit en 1977, incluye la conocida frase, repetida años después en muchas protestas “Yo no quiero paz, quiero igualdad y justicia”. Una de sus decisiones más conocidas fue cuando hizo perder a sus productores 78.000 dólares por no tocar en Israel, ya que los israelitas le vendían armas al Apartheid de África en ese tiempo.

EL REGGAE DEL TRÍO, QUE LUEGO SE HIZO GRANDE
En los primeros meses de 1960 Peter Tosh se reunió con Bob Marley y Bunny Wailer a través de su profesor de canto, Joe Higgs. Si bien el perfeccionamiento de su sonido, el trío solía tocar por varias esquinas de Trenchtown, un barrio pobre de Jamaica. Joe Higgs fue el principal que enseñó a armonizar el trío. En 1962 salieron bajo el nombre The Wailing Wailers, agregando a Junior Braithwaite, Beverley Kelso y a Cherry Smith. Los Wailing Wailers lograron suceso con un estilo ska con su primer simple “Simmer Down”, registrando posteriormente otros sencillos antes de que los propios Braithwaite, Kelso y Smith abandonaran el grupo a fines de 1965. Marley pasó gran parte de 1966 en Delaware, Estados Unidos, junto a su madre, Cedella Marley Booker, trabajando por escaso tiempo en la fábrica automotriz Chrysler. A continuación, regresó a Jamaica a principios de 1967 con un renovado interés en la música y una nueva espiritualidad. Peter y Bunny ya se habían convertido en Rastafaris cuando Bob retornó de USA, y así los tres se involucraron en el movimiento Rasta. Poco después se cambió el nombre de la agrupación, pasando a llamarse The Wailers, escribiendo de inmediato varias canciones para el cantante estadounidense Johnny Nash, antes de reunierse en el estudio para grabar algunos de los primeros éxitos del reggae: “Soul rebel” y “Small Axe”, con la incorporación del bajista Aston Barrett y su hermano, el baterista Carlton. En 1970, The Wailers se convierten en superestrellas del caribe. La banda firma un contrato de grabación con Chris Blackwell e Island Records y lanzan su debut, “Catch a fire”.

UNA TRAYECTORIA SIN IGUAL
Le siguieron “Hoot nanny hoot”, “The jerk”, “Making love”, “It’s only love”, un dueto con Rita Marley, y el popular “Get up stand up”, entre otros. En 1971, Peter Tosh optó por iniciar una carrera paralela en solitario, cuyo primer exponente fue el simple “Maga dog”. En 1973 después de lidiar con fuertes tensiones con Bob Marley, Tosh abandona el conjunto, prosiguiendo su carrera solista con la publicación del disco “Legalize it”. Una trayectoria que no dejó de dar sus frutos en las décadas siguientes.
Fue un referente, un grande. Más allá de la nostalgia.

juanjoalberti@hotmail.com

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EL CUMPLE DE UN REFERENTE: STEVE MILLER, A LOS 72 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

CANTANTE, COMPOSITOR, GUITARRISTA

Una voz. Un intérprete. Un gran músico. Un violero de aquellos. Con toda una historia detrás. Proviene del rock, se llama Steve Miller, un referente de la música contemporánea. El líder de la banda que la hizo famosa, Steve Miller Band, llegó a este mundo hace 72 años atrás, el 5 de octubre de 1943, en Milwaukee, la ciudad más grande en el estado de Wisconsin, Estados Unidos, hijo de Bertha, una cantante y George “Sonny” Miller, un médico y jazzista amateur que tenía entre sus amigos, a los músicos Charles Mingus y Les Paul. Fue precisamente el guitarrista Les -también su padrino- quien le enseñó cómo tomar el instrumento de cuerdas y varios acordes al pequeño Steve que pronto fue creciendo por su propia cuenta, creando a los 12 años el grupito The Marksmen con su amigo escolar Boz Scaggs. Steve junto a Boz ya en ese tiempo habían compuesto varios temas de buen contenido. Los Miller en ese momento se habían trasladado a Dallas, Texas, y el pequeño Steve ensayaba todos los días junto a su bandita sonando cada vez mejor. En 1962, Miller volvió a Wisconsin e ingresó en la Universidad de Wisconsin Madison, donde formó el grupo The Ardells. Dos años después, Miller viajó a Dinamarca, a la Universidad de Copenhague para estudiar literatura comparativa.

CHICAGO, LA ESCENA DEL BLUES

Cuando retorna a territorio norteamericano, Steve se afinca en Chicago,
donde se sumerge en la escena del blues. Durante su estancia allí, trabaja con el famoso de la armónica Paul Butterfield y grandes músicos de blues al estilo de Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Buddy Guy, quienes alentaron al joven exponente a continuar adelante. En 1965, Miller y el tecladista Barry Goldberg formaron Goldberg-Miller Blues Band y comenzaron tocando en los clubes de Chicago. Firmaron un convenio con fonográfica Epic Records, registrando el sencillo “The mother song” e inmediatamente los contratan para tocar habitualmente en un club de jazzblues de Nueva York. Volviendo a Nueva York, se queda decepcionado por el movimiento del blues, entonces, voló a Texas con esperanzas de estudiar música en la Universidad de Texas en Austin, pero le denegaron el acceso. Entonces compró un transporte y viajó a San Francisco. A su llegada, gastó los últimos cinco dólares que le quedaban para entrar en un concierto de la Butterfield Blues Band y Jefferson Airplane en el auditorio Filmore. Así, Steve se enamoró de la escena de blues que por entonces había en Chicago y decidió quedarse a ver qué pasaba.

NACE STEVE MILLER BLUES BAND

En 1967, forma Steve Miller Band -en el comienzo se llamaba Steve Miller Blues Band- Anunciado como el Miller Band, se retractaron de Chuck Berry en su “Live at Fillmore Auditorio” álbum lanzado ese año. En 1968, editan “Children of the future”, el primero en una serie de LP’s al estilo blues psicodélico que dominaba la escena de San Francisco. La agrupación prosperó con la publicación de su segundo álbum, “Sailor”, y posteriormente con “Brave a new world”, “Your saving Grace” y “Number 5″. Esos primeros cinco discos fueron muy bien recibidos por las radios, la prensa y el público en general de los Estados Unidos. Algunos temas de este periodo aparecen en el recopilatorio “Anthology”, el cual incluye la aparición especial de Paul McCartney en las canciones “Celebration” y “My dark hour”. El año 1973 marcó un punto particular en la carrera de Steve Miller, con el álbum “The Joker”, siendo un éxito popular en USA, junto a “Fly like an Eagle” y “Book of dreams”. Varios títulos salieron en simples y se convirtieron en sucesos muy vendibles: “Rock’n me”, “Take the money and run”, “Jet airliner” y “Jungle love”. Aunque Steve Miller Band había limitado el éxito comercial, su popularidad en curso había sido notable. En 1978, se publica “Greatest hits 1974-1978″. El disco contenía todos los grandes hits de sus dos LP populares, “Fly like an eagle” y “Libro de los Sueños”, que fueron registrados durante las sesiones de grabación en 1976 y posteriormente lanzado con un año de diferencia. Esta popularidad también alimentó impactantes giras de conciertos-shows a lo largo de los ochenta y noventa, con concurrencias realmente monumentales. Steve Miller a menudo se muestra con otros grupos de rock clásico, y presenta una gran variedad de su música, incluyendo una selección de sus blues obra de fines de los sesenta. Su perfeccionamiento estaba en alza cada vez más.

EN 2009 SE VA LES PAUL

En el año 2009, escucha por casualidad en la radio la noticia de la muerte de su padrino Les Paul. Rápidamente comenta: “No puedo creer que se haya ido, le echaré mucho de menos. Mis oraciones irán dirigidas a él”. En memoria de Paul, Miller con lágrimas en los ojos interpreta dos canciones en el funeral privado. Meses más tarde, Steve ingresa en el salón de la fama del Woodrow Wilson High School. El 15 de junio de 2010, Miller edita “Bingo!”, su primer disco de blues en diecisiete años. Otros lanzamientos destacados en su currículum fueron: “The joker”, octubre 1973, “Circle of love”, octubre 1981, “Abracadabra”, junio 1982, “Steve Miller Band Live!”, abril 1983, “Italian X-Rays”, noviembre 1984, “Living in the 20th Century”, noviembre 1986, “The very best of the Steve Miller Band”, 1991, “Wide river”, julio 1993, “Young hearts”, 2003. Más allá de la nostalgia.

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DIANA DORS: LA BOMBA INGLESA QUE EXPLOTÓ EN HOLLYWOOD

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

PRECIOSA FIGURA, BUENA ACTRIZ
Una hermosa mujer, rubia, de talento, que llegó muy rápidamente al cine, hoy nos ocupa esta página. Fue a los quince años que debutó en el séptimo arte. Más allá de su apariencia física, se desenvolvía muy bien en sus actuaciones. Primero fue en Londres, luego en Hollywood, donde dejó recordadas películas. En Estados Unidos, la fueron contratando por su parecido con Marilyn, pero con personalidad propia; tal vez menos bonita que ella, pero más segura en sus diálogos, los hacía con más firmeza, sabía de eso. Desarrollando personajes que sufrían un amor no correspondido, en un desafortunado paralelo con su vida privada. Para muchos fue considerada el equivalente inglés de las actrices rubias y sensuales hollywoodenses, representadas por “Las tres M”: Marilyn Monroe, Mamie Van Doren y Jayne Mansfield. Se llamó Diana Dors.
UNA SEX SYMBOL EN POTENCIA
Diana Mary Fluck, conocida como Diana Dors nació el 23 de octubre de 1931, en Swindon, Wiltshire, Reino Unido. Su madre era ama de casa cuidando a sus hijos, y su padre trabajaba en la compañía de ferrocarriles local. Ambos deseaban de que Diana estudiara, así que la enviaron al Colville House de Swindon. La futura “Marilyn Monroe británica” ya de adolescente comenzó a enseñar sus beldades en rostro y cuerpo, mostrando interés por el asunto artístico, debutando en teatro a los trece años. Pero, deseaba llegar más lejos aún, y para perfeccionarse fue a elevar sus habilidades interpretativas a la Royal Academy of Music and Dramatic Arts. Luego de graduarse, logra un contrato con Organización Rank, actuando en muchos de sus filmes. Diana tenía una buena capacidad interpretativa, pero lamentablemente ésta no se aprovechó plenamente, pues la mayor parte de su trabajo posterior estaba formado por comedias de temas sexuales con escenas que lindaban en lo verde, con el porno. A pesar de todo, su éxito fue tal que, a los 20 años de edad era la propietaria más joven en el Reino Unido de un excepcional Rolls-Royce. Una “maquinita” de lujo por aquellos años. En sus primeros trabajos, se destaca “Oliver twist”, una adaptación del clásico de Charles Dickens, dirigida por David Lean. Le siguieron “Dance hall”, 1950, de Charles Crichton, “Lady Godiva rides again”, 1951, de Frank Launder, “Man bait”, 1952, de Terence Fisher, “El niño y el unicornio”, 1955, de Carol Reed, “An alligator named Daisy”, 1957, de J. Lee Thompson, y “El precio de un hombre”, 1958, de Ken Hughes. Su figura se estaba consolidando en Inglaterra, aunque seguía siendo desconocida por Hollywood, su sueño dorado, su próximo destino.
LOS GRANDES SETS
Una vez allí en el top-one de la industria cinematográfica, se desplaza hacia los grandes sets. Y de buenas a primeras, rueda “Esposa culpable”, 1957, de John Farrow, “I married a woman”, 1958, de Hal Kanter, “On the double”, 1961, comedia de Melville Shavelson con Danny Kaye, “El circo del crimen”, 1967, de Jim O’Connolly, “Tráfico Ilegal”, 1968, de David Miller, “Hay una chica en mi sopa”, 1970, con Peter Sellers, “The amazing Mr. Blunden”, 1972, de Lionel Jeffries, “Ana Coulder”, 1972, de Burt Kennedy, “The pied piper”, 1972, de Jacques Demy, “From beyond the grave”, 1973, con Peter Cushing y “Matar o no matar, este es el problema”, 1973, con Vincent Price. Después de un largo silencio en la pantalla grande, en los ochenta reapareció en “Steaming”, 1985, de Joseph Losey, película póstuma que se convirtió en el último trabajo tanto de Diana como de Losey. En el verano de 1961 filmó un episodio de “The Alfred Hitchcock Show”, serie tv, basado en la historia de Robert Bloch “The sorcerer’s apprentice”, e interpretado junto a Brandon De Wilde, que fue tan truculento que no se estrenó hasta muchos años después.
UN LP EN VINILO ROJO
Paralelamente a su actividad en el cine, Diana Dors también cantaba. Sus primeras grabaciones aparecieron en un simple lanzado por HMV Records en 1951: “I feel so mmmm” y “A kiss and a cuddle (And a few kinds words from you)”. HMV también editó partituras con fotos sensuales de Diana en la carátula. También cantó “The hokey pokey polka” en la banda sonora del film “As long as they’re happy”, en 1954. Dors solo grabó un álbum íntegro, “Swinging dors”, para Columbia en 1960. El LP fue comercializado originalmente en vinilo rojo. La orquesta estaba dirigida por Angela Morley. “Swinging dors” era, obviamente, un álbum de swing, y Diana cantaba con una voz agradable y muy natural. En 1964 grabó un sencillo para el sello Fontana Records, “It’s too late/So little time”. En 1966 hizo lo mismo para PolyGram con “Security/Gary”, y en 1977 registró otro más, esta vez para EMI, “Passing by”/”It’s a small world”. En 1982, editó un nuevo simple, para el sello Nomis, “Where did they go”/”It’s you again” a dúo con su hijo, Gary Dors, pero ya en esa fecha estaba bastante enferma. Dos años más tarde, el 4 de mayo de 1984, en Windsor, Inglaterra, falleció a causa de un cáncer de ovario. Tenía 52 años. Se había casado en tres ocasiones; con Dennis Hamilton, Richard Dawson y Alan Lake. Dejó tres hijos: Mark y Gary Dawson, y Jason Lake. Su figura será eterna de la pantalla.
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“LA VENGADORA” IRRESISTIBLE

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EMMA PEEL:

SENSUAL Y ARISTOCRÁTICA
Fue el centro de la tira británica “Los Vengadores”, demostrando su categoría y bellos rasgos femeninos. También era una gran actriz, que llegaba de notables actuaciones en obras teatrales. De corte irresistible, sensual y a la vez aristocrática, en ella se basaba la serie, de acuerdo a sus realizaciones. Fue contratada por un bajo sueldo, quizás el mismo que ganaba en ese momento un sonidista o cameraman del equipo de producción, hasta que momentos antes de llegar el color a la televisión, se apersonó ante los propios ejecutivos de ABC solicitando un suculento aumento amenazándolos que se retiraría de las grabaciones. Se lo otorgaron y continuó adelante, hasta que por otros aspectos fue reemplazada, y la serial se convirtió en un absoluto fracaso, siendo cancelada al año entrante. La dama en cuestión se llama Emma Peel, personificada por Diana Rigg.

UNA FORMIDABLE ESGRIMISTA
El personaje de Emma Peel reunió diversas características. Ella es realmente una heroína, que rara vez la superaron en alguna pelea, siendo capaz de rescatar a quien sea si realmente está en problemas.
Una maestra de las artes marciales y una formidable esgrimista. Una experta en química y otras ciencias, que a menudo se la ve en los episodios practicando -además- aficiones artísticas, teniendo un significativo éxito en la industria de su difunto padre, Sir John Knight, tomando con suceso el timón de la empresa. Su marido, Peter Peel, fue un piloto cuyo avión desapareció en la selva amazónica, dado por muerto desde hace muchos años. Emma conducía en “Los Vengadores” un convertible Lotus Elan a altas velocidades, interpretando una gama de papeles secretos: de enfermera, o niñera, por ejemplo. Su disfraz favorito era el de reportera de una revista femenina, tratando de entrevistar a grandes magnates de los negocios o simplemente playboys adinerados. Para vestir a la protagonista fue contratado como diseñador de vestuario, John Bates, en la segunda mitad de la cuarta temporada. Por sobre todo, le creó un armario gigante blanco de ropa, especialmente de cuero negro y audaces minifaldas en diferentes cortes. También sus diseños se vendieron por las tiendas europeas bajo la etiqueta Avengerswear, piezas que utilizara Emma Peel desde el principio de su primera temporada en la serial. Claro que también le realizaron prendas de colores más suaves de punto elástico, que también las usó con la denominación Emmapeelers, que desde luego se cotizan hasta el día de hoy en los comercios acreditados en vestuarios.

“LOS VENGADORES”: STEED Y SUS ASISTENTES
Inicialmente, “Los Vengadores” se centraron en el Dr. David Keel -Ian Hendry- y su asistente John Steed -Patrick Macnee- Hendry dejó después de la primera temporada y Steed se convirtió en el personaje principal, que se asoció con una sucesión de asistentes inteligentes y elegantes: Cathy Gale -Honor Blackman- Emma Peel -Diana Rigg- y más tarde Tara King -Linda Thorson-. La serie fue transmitida desde 1961 hasta 1969, realizándose 161 episodios. El piloto se llamó “Hot Snow”, siendo emitido el 7 de enero de 1961. El capítulo final, “Bizarre”, fue lanzado el 21 de mayo de 1969. “Los Vengadores” fue producida por la Associated British Corporation -ABC- una cadena dentro de la red ITV. Después de una fusión en julio de 1968 ABC se convirtió en Thames Television, que continuó la producción de la tira aunque todavía fue transmitida bajo el nombre de ABC. En 1969 “Los Vengadores” fue transmitida en más de 90 países, incluido Uruguay. ITV produjo una secuela, “The New Avengers” -“Los Nuevos Vengadores”- con Patrick Macnee regresando como John Steed, el otro protagonista de la serie, compañero eterno de Emma Peel.

DIANA RIGG y LA REAL COMPAÑÍA DE SHAKESPEARE
Diana Rigg nació en Doncaster, condado de Yorkshire del Sur, en Inglaterra, el 20 de julio de 1938, contando en la actualidad con 77 años.
Cuando tenía dos años su familia se mudó a Jodhpur, al noroeste de la India, donde su padre: un Ingeniero, se convirtió en administrador del ferrocarril del estado. Rigg vivió en India hasta los 8 años. Entonces retornó a Inglaterra para continuar la escuela. Primeramente asistió al Colegio Great Missenden en el Condado de Buckinghamshire, y tres años después se cambió a Fulneck Girl’s School en Pudsey, en Yorkshire, cercano a la ciudad de Leeds. A pesar de no estar interesada en los estudios, fue en Fulneck donde se sintió cautivada por la actuación, gracias a la influencia de su abuelo quien la alentaba a leer libros de poetas ingleses. Después de graduarse en Fulneck, a los 17 años, Rigg se presentó en 1955 a una audición de la RADA -Real Academia de Arte Dramático- de Londres. En 1957 debutó con la RADA en The Caucasian Chalk Circle. Trabajó por dos años en el teatro de repertorio y también como asistente del director de escena. En 1959 firmó un contrato de cinco años con la Real Compañía de Shakespeare y comenzó a ganar reconocimiento. Uno de sus primeros papeles fue el de Helena en “A Midsummer Night’s Dream” -“Sueño de una noche de verano”- de Shakespeare. También interpretó a Cordelia en “King Lear”.
Una vez culminado el convenio con la Compañía de Shakespeare hacia finales de 1963, se presentó a la audición para el papel de Emma Peel en “Los Vengadores” para el que fue contratada. Su cambio a la televisión fue muy criticado, ya que se consideró que era una pérdida de talento para el teatro. Pero a pesar de ello Rigg consideró que la tv era un desafío que debía afrontar. El papel de Emma Peel que Rigg encarnó en la tira cambió los patrones acostumbrados, ya que representaba a un nuevo tipo de mujer, más liberal, independiente e involucrada en el movimiento feminista de finales de los sesenta. Cabe destacar que la capacidad actoral de Diana Rigg sumada a su apariencia fue el verdadero aliciente de la serie para la teleaudiencia de esa época, opacando en parte a su gran amigo y co-protagonista masculino Patrick Macnee, fallecido el pasado 25 de junio de 2015, a los 93 años, en Rancho Mirage, California, Estados Unidos.
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MORTEN HARKET: LOS ÍDOLOS TAMBIÉN CUMPLEN AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

EL LÍDER DE A-HA HOY CUMPLE 56
Mientras el tiempo pasa volando y a todos al fin y al cabo se nos va un poquito la vida, a los ídolos de la gran música también les llega el momento de su cumpleaños. Hoy, justamente cumple 56. Fue una de las figuras del popular grupo noruego de pop rock, synth pop y new wave formado en Oslo: A-ha, junto a Magne Furuholmen y Pal Waaktaar-Savoy. Sin embargo, antes de esto fue el vocalista de un grupo local llamado Soldier Blue. Después de que A-ha se separara en 1994 por conflictos internos, emprende una carrera solista como cantante y compositor y participa en proyectos medioambientales. Posteriormente, canta en el Festival de Eurovisión, lanza tres álbumes en solitario, realiza bandas sonoras para películas, interpreta personajes en cine y hasta tuvo una espectacular presentación en el Premio Nobel de la Paz, en diciembre de 2007. Por su éxito, sus seguidores lo llaman “El príncipe del pop”. Se llama Morten Harket.
A-HA: A 33 AÑOS DE SU NACIMIENTO
A-ha se forma el 14 de septiembre de 1982, o sea que hoy es también su aniversario. A 33 años de su nacimiento, gracias a su éxito y popularidad, especialmente en la década del ochenta, el trío se convirtió en la agrupación noruega más importante a nivel mundial. Luego de su tema, transformado en himno: “Take on me”, de tremendo impacto en todo el orbe, continuó con un suceso más discreto durante los años noventa. Tras su quinto álbum de estudio, “Memorial beach”, el trío interrumpió su actividad hasta el año 2000, cuando regresaron con “Minor earth / Major sky”. Igualmente, iniciaron el 2000 con actuaciones diversas hasta 2009, cuando publicaron su último álbum de estudio, “Foot of the mountain”, el álbum de esa década y que suponía un regreso a las raíces del grupo. Aprovechando las buenas críticas de su novel trabajo, A-ha decidió que 2010 era el momento ideal para terminar como banda. Dieron su último concierto el 4 de diciembre en el Oslo Spektrum. Con motivo del aniversario del conjunto, A-ha ahora retorna con nuevo disco de estudio, “Cast in steel”, que se editó el pasado 4 de septiembre junto a una gira promocional que pasará el próximo 27 de septiembre de 2015 por el festival “Rock in Rio” para un concierto especial de conmemoración. Se aprovecha la ocasión para presentar nuevas reediciones remasterizadas de sus primeros lanzamientos de estudio. Su integración es la de siempre: Pal, co-fundador del grupo, guitarrista, tecladista ocasional, segunda voz y compositor. Magne, también co-fundador, tecladista y compositor, y Morten, la figura de mayor relieve en la banda, como vocalista principal y compositor.
PAL Y MAGNE LO FUERON A BUSCAR
En 1976, Paul y Magne formaron su propia banda, llamada Bridges. Lanzaron sólo un LP, de escasa aceptación lo que, sumado a posteriores diferencias, hicieron que el grupo se separara. Conscientes de que necesitaban un gran vocalista, se contactan con un juvenil Morten Harket, cantante en ese momento de un conjunto de Oslo, pero éste rechaza su oferta. Pal y Magne lo intentan solos nuevamente y viajan a Inglaterra en 1982 para regresar a Noruega seis meses después debido al poco éxito y la falta de efectivo. Es entonces cuando se conectan otra vez con Morten y esta vez sí acepta colaborar con ellos. Fueron años muy destacados para el trío, que supo de shows de brillo y color en las más importantes ciudades de Europa. El propio Morten fue quien sugirió el nombre del grupo observando las notas de Pal cuando vio la palabra “aha” en la letra del tema “Nothing to it”, canción que jamás apareció. Fue esa la elección perfecta, ellos buscaban un título fácil de recordar y que significara lo mismo en inglés y en noruego, y Pal comprobó que la palabra elegida era de carácter positivo e internacional.
“TAKE ON ME”: VENTAS MILLONARIAS
En abril de 1985 se publica una nueva versión de “Take on me”, remasterizada por John Ratcliff y producida por Alan Tarney. Convencidos del potencial del tema, se graba un clip, dirigido por Steve Barron, en el que se hace uso de una innovadora técnica que mezcla escenas reales con escenas animadas en blanco y negro, a la manera de un comic. El vídeo se convirtió en un fenómeno a nivel mundial y fue ganador en 1986 de seis premios MTV. El clip empuja a la canción, lanzada por tercera vez en septiembre de 1985, al primer puesto de numerosos países y se convierte en un hit llegando al primer puesto en Estados Unidos y número dos en el Reino Unido alcanzando la impresionante venta de 9 millones de copias. Gracias al tremendo suceso de “Take on me” A-ha lanza su álbum debut “Hunting high and low” el 28 de octubre de 1985. Perfilado por el productor Tony Mansfield, el álbum vendió 10 millones de copias y registró tres n.º 1, llegando a lo más alto de las listas de popularidad. “The sun always shines on T.V.” fue el primer número uno de A-ha en Inglaterra. En 1986 A-ha gana ocho de las once nominaciones a los premios MTV, seis de ellos por “Take on me” y dos por “The sun always shines on T.V.”. También fueron candidatos para el Grammy como “Mejor artista nuevo”, el cual perdieron frente a Sade. La primera gira de A-ha fue en Perth, Australia, cerca de sacar su próximo álbum. “Scoundrel days”, fue lanzado el 6 de octubre de 1986. A pesar de alcanzar también grandes ventas, 6.6 millones de copias, no consiguió las del primer disco. Sin embargo, según los integrantes del trío, este es el álbum que más suena de A-ha, con más rock a toda fuerza en la voz de Morten Harket.
FALSETES COMO NOTAS GRAVES
Morten Harket llegó a este mundo el 14 de septiembre de 1959 en Kongsberg, Noruega. Desde pequeño se inclinó por la música y por el canto, concurriendo a varios conservatorios para estudiar las correspondientes materias. Su voz consigue una potencia increíble al lograr tanto falsetes como notas graves. Ha lanzado tres álbumes como solista: “Poetenes evangelium”, 1993, “Vogts villa”, 1996, en noruego y “Wild seed”, 1995, en inglés, pero jamás se convirtió en un lanzamiento internacional. “Wild seed” fue un éxito en Noruega, vendiendo más de 160.000 copias. Actualmente se encuentra cerrando su gira mundial, presentando su flamante disco “Out of my hands”. Morten es padre de cinco hijos -el último nacido en 2008- De ellos sólo su hija Tomine se dedica profesionalmente a la música como vocalista de un grupo.
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El adiós de… JUAN CARLOS DUAL: UN ACTOR CON TODAS LAS LETRAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

1964: DEBUT EN “EL AMOR TIENE CARA DE MUJER”

Fue un actor que hizo infinidad de papeles con tremenda naturalidad. Se metía en el guión y todo parecía real. Realizó teatro, televisión y películas con éxito. Actuaciones humorísticas, de culto, o simplemente de reparto, manejadas con un enorme profesionalismo. En la década de los ochenta y noventa se le veía a menudo en la pantalla chica, a través de la tira “Rosa de lejos”, 1980, donde fue protagonista junto a Leonor Benedetto, o en el espacio reidero “Matrimonios y algo más”, 1987, de Hugo Moser, colocando los inolvidables bocadillos “Yo se todo… soy hombre de televisión!”, “Adoré” y “Sr. Dial”. Paralelamente, junto a su esposa, la popular y talentosa actriz Diana Maggi, presentaban obras teatrales que duraban muchas temporadas en Mar del Plata, la ciudad feliz. Su debut no pudo ser mejor, fue en la tele, en el pionero de los teleteatros “El amor tiene cara de mujer” de Nené Cascallar, en 1964, cuando tenía 31 años. Se llamó Juan Carlos Dual, un actor con todas las letras.

EL TEATRO INDEPENDIENTE, SU ORIGEN
El 19 de febrero de 1933 nació en Buenos Aires, Juan Carlos López Menghi, cuyo nombre artístico es Juan Carlos Dual. Luego de realizar sus estudios se unió al teatro independiente, ese fue su origen. Allí se cultivó y se perfeccionó en el plano artístico, desde todo punto de vista. Demás está resaltar que se inició bien de abajo, pero emprendedor y constante como pocos, muy pronto el despegue vio la luz. Lo hizo en “El amor tiene cara de mujer” -la madre de todos los teleteatros- junto a Bárbara Mujica, Iris Láinez, Delfy de Ortega y Angélica López Gamio, quienes fueron las cuatro actrices originales. En la tira, la autora ensayó una receta que dio buen resultado, la vida de cuatro mujeres de diferente edad, estrato social y estilo de vida, trabajando en un instituto de belleza. Cada semana la novela se dedicaba a una en particular posibilitando la participación de un elenco numeroso. La novela se mantuvo en el aire hasta 1970, totalizando siete temporadas, emitiéndose en Montevideo a través de Montecarlo TV Canal 4, donde se produjeron algunos cambios en los protagonistas. Dual fue figura consular a través de los episodios, convirtiéndose en un galán de la época.

“LA HISTORIA DE LA GUITA”: CONOCE A DIANA MAGGI
En 1967, a la edad de 34 años, cuando ya era figura en Argentina, después de separarse de su primera esposa, conoce a su futura mujer Diana Maggi -quien se llama en realidad Graziosa Maggi, llegada a este mundo en Milán, el 10 de junio de 1927, siendo seis años mayor que Dual- durante los ensayos de la obra “La historia de la guita” en Teatro Astral de la vecina orilla. Desde allí en más, se casaron y nunca se separaron residiendo en un apartamento interno de la calle Belgrano, cerca de la Avda. 9 de Julio, pleno centro de la capital argentina, todos estos años. La pareja no tuvo hijos, pero se dice que fueron inmensamente felices. Hubo adoración entre ambos. Y hasta fueron muy buenos compañeros de trabajo en un sinfín de oportunidades. Juan Carlos Dual en 1967 participa en el largometraje “Coche cama, alojamiento”, una comedia dirigida por Julio Porter sobre su propio guión según el argumento de Luis Saslavsky y Gilberto Rey, que se estrenó el 29 de febrero de 1968, con los principales de Jorge Porcel, Javier Portales, Susana Campos y Juan Carlos Altavista, filmada en blanco y negro. Se trataba de una compañía de revistas y algunas parejas de enamorados que viajan en un tren nocturno donde además se filtra una banda de ladrones. Dual personifica en el filme a Carlos Villar. Por ese tiempo, lo llaman para estelarizar los episodios de “Me llaman Julián te quiero”, junto a Nora Cárpena y Silvia Montanari, personificando a un taxista enamorado, absoluto precursor en tv de “Rolando Rivas”.

FIEL Y CONSECUENTE AL CINE
“Los muchachos de antes no usaban gomina” en 1969, sería lo venidero. Dirigida por Enrique Carreras con el guión de Norberto Aroldi sobre la obra homónima de Manuel Romero, se estrenó el 13 de marzo de 1969, teniendo como protagonistas a Rodolfo Bebán, Susana Campos y Osvaldo Miranda, con la trama de un romance entre un joven de familia adinerada y la bailarina de un lugar de diversión. En la cinta, Dual se luce con su desempeño. También en 1969 rodaría “¡Viva la vida!”, con Palito Ortega, lanzada el 2 de octubre de ese año. Continuaría en el cine con “La gran ruta”, 1971, “Estoy hecho un demonio”, y “Vení conmigo”, en 1972, “Seguro de castidad”, 1974, “Donde duermen dos… duermen tres”, y “Hotel de señoritas”, en 1979, “Rosa de lejos”, versión cinematográfica, 1980, “Visión de un asesino” y “Un terceto peculiar”, ambas en 1981 y en 1987 su última aparición fue en “El año del conejo”, 1987, donde a los 55 años un típico porteño de clase media, con hogar estable y trabajo seguro, se replantea su vida familiar y laboral, decidiéndose separarse, abandonar su empleo y asociarse a una mesa de dinero. Actúan Federico Luppi, Gerardo Romano, Katja Alemann, Luisina Brando y el propio Dual.

PRESIDENTE DE LA ASOCIACIÓN DE ACTORES
En teatro, realizaría excelentes personificaciones en “Hello Dolly” con Naty Mistral, “Camino a la meca” con China Zorrilla y Thelma Biral, “Descalzos en el parque” con Beatriz Bonnet, “Hombre de confianza” con Aldo Pastur, “Lulú” con Osvaldo Bonet y Mía Maestro, “El bilingüe” con Alberto Argibay y Dora Prince, “Fuego en el rastrojo” con Víctor Hugo Vieyra, Lidia Catalano y Héctor Gióvine, “La visita que no tocó el timbre” con Antonio Grimau y Pablo Alarcón, entre otras. Estaba afiliado a la Asociación Argentina de Actores desde hace 48 años y se desempeñó como dirigente, siendo Presidente del sindicato. Juan Carlos Dual dejó de existir el pasado 24 de agosto, en su domicilio, víctima de un ataque cardíaco, a los 82 años. A su lado, permaneció a todo momento su compañera inseparable, Diana Maggi.
Fue un verdadero referente en su rubro. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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LOS 70 AÑOS DE VAN MORRISON: JAZZ Y BLUES CON ENERGÍAS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

ALCANZÓ LA “GLORIA” CON THEM
Ya había creado varios grupos en los primeros años de los excepcionales sesenta, hasta que en abril de 1964 respondió a un aviso donde estaban buscando músicos para que tocaran en un flamante club de R&B en el Maritime Hotel, con una añeja sala de baile y tragos, frecuentada generalmente por marineros embriagados. Así, le cambió los nombre a The Golden Eagles, y The Gamblers, una banda de Belfast, formando Them, tomando ese nombre por el filme de terror que lleva el mismo título. Con el conjunto supo lograr éxitos distintos con varios temas propios: “Could you would you” y “Gloria”, un super hit, entre otros. Los shows de Them en el Maritime Hotel atrajeron la atención del público, ya que el grupo tocaba sin una rutina fija, ejecutando de una manera muy afiatada un buen sonido para aquel tiempo. Sin computadoras, equipos rudimentarios y donde se grababa con pocos canales de audio. De esta forma, con muchas ganas y condiciones, salieron adelante. El cantante del grupo es nuestro personaje de hoy, el creador de Them, Van Morrison.

LA BANDA Y SU CANTANTE ATRAPAN POR SU ESTILO
El estilo manifestado por Them logra trascender en el Reino Unido. Con un contrato por dos años con Decca Records, lanzan dos álbumes y diez sencillos, de los cuales tres: “Baby please don’t go”, “Here comes the night” y “Gloria” se pegan en los primeros peldaños de las listas de venta y popularidad. Teniendo mucho que ver en eso la forma de interpretar de su autor y vocalista, Van Morrison, donde le otorga a “Gloria” una entrega total de blues, mezclado con jazz y R&B, teniendo una duración de hasta veinte minutos en sus presentaciones en directo. Tal es el buen funcionamiento del tema, que del mismo hacen versiones Jimi Hendrix, Patti Smith, The Doors y hasta Shadows of Night. En ese entonces, la agrupación estaba integrada por el propio Van Morrison en voz y armónica, Billy Harrison en guitarra, Eric Wrixon en los teclados, Alan Henderson en bajo y Ronnie Millings en batería, con otros componentes reemplazando o contribuyendo a la formación durante la vida del grupo. Morrison y Henderson fueron los únicos miembros constantes en la banda desde su creación hasta su disolución en 1972 y su posterior reunión en 1979. Tras el suceso de los discos simples y a raíz de la invasión británica precedida por The Beatles, Them conformó una gira por Norteamérica entre mayo y junio de 1966 que incluyó conciertos en “Whisky a Go Go” de Los Ángeles entre el 30 de mayo y el 18 de junio. The Doors actuó allí como telonero de Them durante la última semana en el club, y la influencia de Van en el cantante de The Doors, Jim Morrison, fue destacada por el autor John Densmore en su libro “Riders on the Storm”. Durante el último concierto, los dos Morrison y ambas bandas improvisaron una versión de “Gloria”, a las mil maravillas. Al tiempo, la banda atravesaría algunas dificultades y Van Morrison encararía sus trabajos de otra manera, en solitario al frente de su banda.

GUITARRISTA Y SAXOFONISTA
Morrison se inició en la música a fines de los cincuenta como saxofonista de The Monarch, antes de formar Them. Los constantes cambios en la formación del grupo junto con otros problemas internos llevaron a la salida de Van en el año 1966, cuando emprende una meteórica carrera como solista. Su debut es con “Blowin’ your mind”, en 1967. Un año más tarde estampa convenio con la fonográfica Warner Bros Records, con quien publica “Astral weeks”, 1968, y “Moondance”, 1970, ambos trabajos destacados como dos de los mejores discos del siglo veinte. Desde entonces, Morrison ha desarrollado una larga actividad que abarca cuatro décadas, más de treinta discos de estudio y temas representativos de su catálogo como “Wild night”, “Jackie Wilson Said (I’m in Heaven When You Smile)” y “Domino”, entre otros, estructurados en torno a las lineaciones del soul y el R&B. Otra parte de su repertorio, representado por canciones como “Someone like you”, “Have i told you lately” y “Days like this”, además sus álbumes: “Veedon fleece”, 1974, y “Common one”, 1980, reflejan una temática más espiritual, a través del monólogo interior, con la infuencia musical del jazz y la tradición irlandesa. Ambas partes son denominadas conjuntamente como celtic soul. Además de sus genialidades en solitario, colabora con Georgie Fame, The Chieftains, Lonnie Donegan y Chris Barber.

SEIS GRAMMY Y UN BRIT
Su impecable trabajo ha recibido gran reconocimiento de la industria musical, con seis premios Grammy y una distinción Brit, así como por su introducción en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1993, en la Sala de la Fama Musical de Irlanda, 1999, y en el Salón de la Fama de los Compositores, 2003.
También recibió la Orden del Imperio Británico y la Orden de las Artes y las Letras, ambos en 1996, así como varios doctorados honoris causa por la Universidad del Ulster, 1992, y la Universidad Queen’s de Belfast, 2001. Según la célebre publicación Rolling Stone: “Su influencia entre los compositores de rock es inigualable a la de cualquier otro artista salvo por la de otra leyenda, Bob Dylan. Los ecos de su ronca y emotiva voz pueden escucharse en íconos de los últimos días desde Bruce Springsteen a Elvis Costello”. Morrison contrajo matrimonio en dos ocasiones.
En 1967 con Janet Planet, con quien tuvo una hija, Shana Morrison, y en 1995 con la actriz Michelle Rocca, con quien tuvo dos hijos. George Van Morrison, nació en Irlanda del Norte, el 31 de agosto de 1945. Hoy está cumpliendo sus 70 años. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

 

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LAS MELODÍAS DE BELINDA CARLISLE

VENDÍA CHAMPÚ, MAQUILLAJE Y LENCERÍA

De chica le agradaban los tambores, hasta que se entusiasmó con la batería y llegó a tocarla en una banda. De muy bonita imagen, atractivo cuerpo y ojos luminosos, fue tentada por las pasarelas. Así fue que mostró indumentarias diversas como modelo exclusiva de varias marcas multinacionales por diferentes estados norteamericanos. En forma simultánea, estudiaba canto y percusión en una academia, porque también le atraía eso de interpretar y de hacer buena música. Posteriormente a haberse graduado, debutó tocando la “bata” en una agrupación del lineamiento “punk” llamado The Germs y luego en el año 1978 pasó a The Go-Go´s, banda de la escena pop-punk con la que se hizo famosa por el orbe, junto a Charlotte Caffey, Gina Schock, Kathy Valentine y Jane Wiedlin. Se hicieron populares pero su impacto duró hasta 1985 cuando se separan. A partir de ese momento, se lanza como cantante solista donde coloca sus melodías que se hacen célebres, vendiendo millones de discos. Se llama Belinda Carlisle, una artista ineludible en cada 24 de agosto en “La Noche de la Nostalgia”.
THE GO-GO’S, LA ONDA NEW WAVE
Las chicas formaron la banda y se metieron en la historia de la onda new wave como la primera conformación de mujeres que tocaba sus instrumentos y escribía sus canciones con las que fueron llegando -y de qué manera- a las listas de Billboard. Fueron realmente pioneras en el rubro. Su álbum debut “Beauty and the beat” es considerado como un gran suceso del “American new wave”. En los inicios únicamente tocaban pop punk y posteriormente se definieron como el sonido distintivo del rock de 1980. Tienen cinco impactos Top 40. The Go-Go’s estamparon su firma de contrato con la fonográfica IRS Records en abril de 1981, y su álbum lanzamiento fue una sorpresa ya que llegó al tope de las listas de popularidad en solo seis semanas. “Our lips are sealed” y una nueva versión de “We got the beat” fueron sumamente trascendentes a principios de 1982. En 1984 apareció el álbum “Talk show”, y en 1985 actuaron en Rock in Rio Festival, separándose definitivamente en mayo de ese año. Belinda Carlisle llegó a ser la más exitosa de las artistas de la banda, sin lugar a dudas, es por ello y a pedido expreso de la grabadora tomó la inicitiava de lanzarse como solista.
“HEAVEN IS A PLACE ON EARTH”: NÚMERO UNO
Su despegue fue con IRS Records, fue a toda máquina con “Mad about you”, “I feel the magic” y “Band of gold”. Durante este tiempo, Belinda contribuyó con sus temas, a crear bandas sonoras de algunos filmes: “In my wildest dreams”, “Mannequin”, y “Dancing in the city” para Burglar con Whoopi Goldberg. Su segundo disco “Heaven on earth” salió en 1987, siendo publicado en USA por MCA y en Inglaterra por Virgin. El álbum se transformó en un gran hit llegando a entreverarse en los cinco mejores del Reino Unido y Australia, siendo nominada a los premios Grammy, en esa oportunidad. La primera presentación del disco fue con “Heaven is a place on earth”, que trepó al número uno en casi toda Europa y Estados Unidos. Tras un éxito arrollador, Carlisle publicó “I get weak”, que alcanzó el No. 2 en territorio norteamericano y en el Top 10 londinense. Luego salió “Circle in the sand”, nuevo impacto entre los diez mejores en Alemania, Holanda, Italia, Inglaterra y Estados Unidos. Otro éxito británico fue “World without you”, seguido por la balada de 1988 titulada “Love never dies” en el Reino Unido. En USA, el cuarto single “I feel free”, no alcanzó el Top 40 pero su versión remix fue un suceso en las pistas de baile.
HOY CUMPLE 57 AÑOS
Belinda Jo Carlisle nació en Hollywood, Los Ángeles, el 17 de agosto de 1958. Hoy está cumpliendo sus 57 años. Ella, es la segunda de seis hermanos. En los primeros años de los ochenta, Belinda mantuvo una relación con Mike Marshall, un jugador de béisbol. En 1986 se casa con Morgan Mason, hijo del actor británico James Mason. La pareja tiene un hijo, James Duke Mason, llegado a este mundo el 27 de abril de 1992. En junio 2010, publicó su autobiografía, en la cual relata pasajes de su adolescencia, marcada por los problemas de alcoholismo de su padre y la tendencia depresiva de su madre. Carlisle también habla de su inicio a muy temprana edad en el uso de drogas. La cantante confesó que su adicción a la cocaína ha durado 30 años, causándole serios trastornos de alimentación y del comportamiento. En recientes reportajes, Carlisle ha confesado su acercamiento al budismo, y su alejamiento de las drogas, el tabaco y el alcohol. Sus melodías de siempre suenan continuamente en las emisoras retro del mundo.
juanjoalberti@hotmail.com

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¡A LOS 92 AÑOS!… GLORIA HENRY: LA MAMÁ DE DANIEL EL TRAVIESO

RADIO, TEATRO Y CINE

Su rostro se hizo muy popular en la década de los sesenta, al protagonizar una de las series tv infantiles más recordadas de todos los tiempos: “Daniel, el travieso” -“Dennis, the menace”- al lado de Jay North, el jovencito rubio que hacía de Daniel, y de Herbert Anderson, personificando a Henry, un ingeniero de profesión y padre de Daniel. Pero ella comenzó mucho antes las actividades artísticas, allá por 1947, cuando llamada por la atracción de la radio, se hizo locutora de la noche a la mañana, haciendo un sin fin de publicidades con su voz y animación. Le duró poco el trabajo, ya que lo cambió por el teatro. Y de ahí al séptimo arte fue un solo escalón. Rodó filmes de relativa producción, pero siempre destacada por su labor profesional. En la pantalla chica logró más suerte, ya que su personificación como madre de Daniel, fue todo un acierto; la madre perfecta: ama de casa de aquellos tiempos que cuidaba de su marido, de su hijo y de sus continuas travesuras. Se llama Gloria McEniry, y tiene en la actualidad 92 jovenes años.
LA DILIGENCIA y EL SALOON
Gloria McEniry quien utilizó el nombre de Gloria Henry a partir de su pasaje por las broadcasters, nació el 2 de abril de 1923 en Nueva Orleans, Louisiana, Estados Unidos. De joven, luego de su ingreso a la escuela y otros estudios, se educó en el Museo de Arte de la Escuela de Worcester y más tarde se mudó a Los Ángeles en su adolescencia, en la década del cuarenta, donde arranca con su nombre artístico -y por el cual se le reconoce- en varios programas en emisoras y haciendo comerciales de muy buen nivel. Su crecimiento como artista fue a pasos agigantados y las tablas del teatro la veían venir. Hizo distintas obras junto a pequeños grupos y quedó esperando la oportunidad para que la llamaran desde los estudios cinematográficas, algo que nunca ocurrió. Con su agente Bill Comstock recorrieron varios sets, hasta que logró realizar una prueba -“casting” le llaman ahora- en Columbia Pictures. Hizo su debut como protagonista en “Keeper of the Bees” y “Bulldog drummond strikes back”, ambas de 1947. Comenzaría los cincuenta con una serie de cintas de vaqueros “clase b”, ambientadas en el lejano oeste, entre la diligencia y el saloon: “Kill the umpire”, “Rookie Fireman”, “The tougher they come”, “Lifhtning guns”, todas realizadas en 1950, “Al Jennings of Oklahoma”, encarnando a Alice Calhoun, filmada en 1951, y “Rancho notorious”, 1952. La mayoría de sus interpretaciones en estos filmes, la catalogaron como una excelente actriz y debido a eso marcó una época en la tele.
PRIMER EPISODIO DE “PERRY MASON”
Al revés que otros artistas que primero llegan a la tv y después de cierto renombre pasaban al cine, Gloria Henry cruzó de la gran pantalla de Hollywood a la televisión donde consiguió triunfar y convertirse en ilustre actriz. Fue en episodios especiales de “My little Margie” en 1952, donde dio el puntapié inicial de su carrera en las series. Dos años más tarde, se dejó ver en “Los archivos de Jeffrey Jones”, tira de un investigador privado, protagonizado por Don Haggerty, pero no pudo culminar su actividad debido a que estaba esperando familia, en 1954. En 1957, realiza un excelente papel en el primer episodio del abogado “Perry Mason”, “El caso del Redhead Restless”. En 1959, luego de diferentes pruebas con Jay North y Herbert Anderson, queda en el papel de mamá buena en “Daniel, el travieso”, donde junto a ellos trabaja durante cuatro temporadas en 146 capítulos. Se trataba de una adaptación a la tevé del cómic homónimo de Hank Ketcham. Dennis Mitchell es un niño inteligente e inquieto, vestido con jardinero y llevando una honda en uno de los bolsillos traseros. Pero, hace continuamente diabluras. Donde sea que vaya, su curiosidad y buenas intenciones siempre parecen terminar en problemas. Su vecino, el jubilado señor Wilson, suele ser la víctima de la mayor parte de sus chiquilladas, dijera en su cantar José Carbajal. Daniel adora al señor Wilson aunque éste es nervioso y poco amigable con él. La esposa del señor Wilson, Martha, quiere mucho a Daniel y lo ve como un nieto adoptivo, ya que ellos nunca tuvieron hijos.
Henry y Alice son los sufridos padres de Daniel. Los programas giran en torno a las aventuras de Daniel y los problemas que usualmente ocasionan.
La serial resultó original y logró impactar en casi todo el mundo.
JEFFREY, ADAM y ERIN: SUS HIJOS
Gloria se casó con el arquitecto Craig Ellwood en 1949. Se divorciaron en 1977. La pareja tuvo tres hijos, Jeffrey, Adam, y Erin Ellwood.
Gloria Henry prosiguió activa hasta el año 2005 en actividad, tanto en cine como en tv. Actualmente descansa en su mansión junto a su familia, que también la ha convertido en abuela.
Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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MARÍA ANTONIETA DE LAS NIEVES: ¡LA CHILINDRINA VIVE!

EL DOBLAJE: UNA
ESPECIALIDAD

Es actriz, locutora, empresaria y se dedicó desde hace mucho tiempo al doblaje de voces, de series y de otras producciones que originalmente estaban en otros idiomas. Así le puso su voz a Batichica en “Batman”, Tabatha en la tira “Hechizada”, Merlina en “Los locos Adams”, Pebbles en “Los Picapiedra”, y en diferentes episodios de “Los invasores”, “Johnny Quest”, “Los supersónicos”, Mi bella genio”, “Mis adorables sobrinos”, “Flipper”, “Superagente 86″, “Los cuatro fantásticos”, y en el laureado largometraje de Judy Garland, “El mago de Oz” doblando a Dorothy, entre otros, siendo una de las voces mejor remuneradas en su especialidad, siempre utilizada por Compañía CINSA -Cinematográfica Interamericana Sociedad Anónima- desde fines de los sesenta hasta comienzos de los setenta. Participó en elencos de filmes y en telenovelas, pero su gran personaje de todos los tiempos fue cuando hizo de amiga del Chavo y de Quico, encarnando a la hija de Don Ramón; una niña pecosa, traviesa e inteligente, a la cual le faltaba un diente: La Chilindrina en “El Chavo del 8″, fue lo que le dio más fama y popularidad. Se llama María Antonieta de las Nieves, pero sus verdaderos datos según sus documentos de identificación, son María Antonieta Gómez Rodríguez.
“PULGARCITO”, SU
PRIMERA PELÍCULA
María Antonieta nació en La Lagunilla, Ciudad de México, el 22 de diciembre de 1950. Sus padres, Dicilia Rodríguez y Estanislao Gómez, le dieron seis hermanos a la pequeña. Paralelamente a la crianza de los niños, tenían varias casas de venta de ropa maternal y para bebés. María desde chiquita manifestó inquietudes artísticas, por eso la enviaron a una escuela de ballet y fue tan manifiesto el progreso, que tres años más tarde logró acceder al Centro de Arte Escénico Andrés Soler, muy reconocido por sus enseñanzas, fundado en junio de 1951 por el mismísimo Jorge Negrete. Ahí se da cuenta, más allá de su corta edad, que ya la actuación forma parte de su propia vida, conociendo a Doña Prudencia Grifell y a Carmen Montejo, dos actrices de trayectoria que le notan un sin fin de cualidades, llegando a partir de ese momento su trabajo inicial en un cuento llamado “Pájaro azul”. Mientras continuaba estudiando actuación realiza otras pequeñas interpretaciones, hasta que en 1957 integra el reparto de su primer cinta, “Pulgarcito”, desempeñando el papel de una de las hijas del ogro, utilizando desde ahí su nombre artístico Antonieta de las Nieves. Al año siguiente empieza a hacer doblajes para películas, desde donde la requieren hasta el día de hoy.
LOS SUPERGENIOS DE LA MESA CUADRADA
A partir de la nueva tarea y por sugerencia de su madre, comienza a estudiar doblaje. María Antonieta tenía 13 años y ya era una profesional en el área de colocar la voz en español, sobre producciones conformadas en inglés, preferentemente. Luego de estar dedicada por completo al doblaje, llega a la televisión, ahora en el programa “Cordero y el Oso”, pero antes participa en dos telenovelas de Ernesto Alonso: “Estafa de amor” y “La Leona” en el año 1961. Mientras graba varios episodios, la invitan a suplantar a una de las actrices principales que actuaban en los segmentos humorísticos de “Sábados de la fortuna” que escribía de casualidad Chespirito. Realiza sus actuaciones y queda contratada rápidamente. Su actividad con Gómez Bolaños comenzó apenas a los 18 años de edad, en los proyectos de “El ciudadano Gómez” y “Los Supergenios de la Mesa Cuadrada”. Para el año 1971 y con apenas 20 años en su haber, María Antonieta anunció su matrimonio con Gabriel Fernández, actor y locutor de la época. A los 21 años se casa y en 1973 “El Chavo del 8″ llega a la tele entrando ahí en escena “La Chilindrina”.
CHAVO, QUICO y LA
CHILINDRINA
“La Chilindrina” se cuela entre los principales y más nombrados protagonistas del programa. Ideado por Roberto Gómez Bolaños, el papel le fue asignado a Antonieta por su baja estaura y facilidad para interpretar una voz infantil. Luego, tuvo su propia serie “Aquí está la Chilindrina”, en los noventa. Una vez, de las Nieves dejó el elenco de “El chavo del 8″ para conducir el espacio “Pampa Pipiltzin” al lado de Julio Lucena, que tuvo escaso éxito. Al año siguiente, María Antonieta regresó al grupo de Gómez Bolaños, con la cual continuó en la pantalla chica, en el cine y en diversas giras por América. Al mismo tiempo que participara en el famoso programa de Chespirito, también actuó en filmes:“Sor Batalla”, y “El más valiente del mundo”, en donde compartió créditos con Daniel Bisogno. “La Chilindrina” demostrando que aún está viva, continuó realizando diversos espectáculos, en teatros, circos y otros. Para repasar otros tiempos, escribió el libro a través de Planeta: “Había una vez una niña en una vecindad”; ha tenido dos hijos, y entró en litigios en varias oportunidades con Gómez Bolaños por la utilización del nombre de su interpretación de siempre “La Chilindrina”.
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JUANJO ALBERTI,
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SHARON TATE: EL TERRIBLE FINAL DE LA MUÑECA DE HOLLYWOOD

A CASI 46 AÑOS DE LA NOCHE DEL HORROR

Estaba a tan solo dos semanas de dar a luz a su bebé. La madrugada del 9 de agosto de 1969 fue terriblemente fatal para ambos, siendo asesinados en uno de los casos sangrientos más salvajes de la historia mundial, a manos de una secta homicida de mal llamados “hippies” que movían sus enfermizos tentáculos para maltratar, hacer sufrir y matar a gente que simplemente le gustaba vivir y disfrutar, sin molestar a nadie.
Todo fue sumamente cruel, con una saña deliberada al máximo, donde además mueren cuatro personas más, en un clima total de drogadicción y locura por parte de los criminales, autodenominados “La Familia” liderados por un músico fracasado y demencial llamado Charles Milles Manson, actualmente con 80 años en su haber purgando su cadena perpetua en la cárcel. Rubia, de preciosos ojos y figura, en un momento que estaba escalando posiciones en el mundillo hollywoodense, con aires de muñeca, pasó por los momentos más duros de su vida, consiguiendo la muerte.
Se llamó Sharon Marie Tate.

MISS DALLAS A LOS SEIS MESES
Sharon nació en Dallas, Texas, el 24 de enero de 1943. Fue la primera de las tres hijas de Paul James Tate -1922-2005- un coronel del ejército de los Estados Unidos de América y su esposa Doris Gwendolyn -1924-1992- A los seis meses de edad, Sharon Tate obtuvo el concurso “Miss Tiny Tot of Dallas pageant”, pero los Tate no parecían tener ambiciones artísticas para su hija. Paul Tate fue ascendido y trasladado en varias ocasiones en la armada. A los 16 años, Sharon había vivido en seis ciudades norteamericanas diferentes y le resultaba difícil mantener amistades.
Su familia la describía como tímida y carente de confianza en sí misma; ya como adulta, Sharon comentó que la gente a menudo confundía su timidez con una actitud distante hasta que la conocían mejor.
En 1962 Sharon se mudó a Los Ángeles comenzando a aparecer en publicidades de tv y fotos en revistas. Inmediatamente despegó con pequeños papeles en series de tv: “Mister Ed” y “The Beverly Hillbillies”, ganando experiencia en los sets y ante las cámaras.

ROMAN POLANSKI, SU FUTURO ESPOSO
En diciembre de 1965 Sharon hizo su primer protagónico en el film “Eye of the Devil”, junto a David Niven y Deborah Kerr. En reportajes, Tate comentó acerca de su buena fortuna en trabajar con estos actores tan profesionales en su primera cinta y dijo que había aprendido mucho acerca de la actuación simplemente observando trabajar a Kerr. Después de terminar la filmación, Tate permaneció en Londres, donde se sumergió en el mundo de la moda y las discotecas. En esta época conoce a Roman Polanski, el director cinematográfico que más tarde se convertiría en su esposo, el cual le brinda un papel en “The fearless vampire killers” -“El baile de los vampiros”- Además de dirigir, Polanski también representó uno de los personajes principales, iniciando un romance con ella. Al avanzar el rodaje, Polanski comenzó a elogiar sus desempeños, lo que motivó que la confianza de Tate se incrementara. Iniciaron una relación y después de terminar la filmación Tate se fue a vivir al departamento de Polanski en Londres. Una vez en USA Polanski escribió y dirigió “El bebe de Rosemary” y Sharon realizaría “Valley of the Dolls” -“El valle de las muñecas”- basada en uno de los libros más vendidos de todos los tiempos. En enero de 1968 Tate y Polanski se casan en Londres.
Luego de la luna de miel el matrimonio se mudó a una enorme mansión en el 10050 de Cielo Drive, en Los Ángeles, donde tuvo lugar una verdadera masacre.

EL SUFRIMIENTO DE LAS VÍCTIMAS
Mientras Polanski se encontraba en Londres preparando la película “El día del delfín”, que nunca finalizó, Tate invitó a su “bunker” a Jay Sebring, Voytek Frykowski y Abigail Folger, a cenar y a tomar unos cafés en la noche del 8 de agosto de 1969. En la madrugada fueron brutalmente asesinados por los “familiares” de Manson. Los cuerpos fueron encontrados en la mañana del día siguiente por el ama de llaves. La Policía llegó a la escena del crimen donde encontraron, en primer lugar el cuerpo sin vida de un joven, identificado posteriormente como Steven Parent, muerto a balazos en su coche, ubicado en la entrada de la casa. Dentro de la mansión ubicaron los cuerpos de Tate y Sebring en el salón de estar, con una cuerda larga atada a sus cuellos para conectarlos entre sí. En el jardín de la entrada, estaban muertos Frykowski y Folger.
Todas las víctimas, a excepción de Parent, habían recibido numerosos cortes.
En el informe forense se constata que Tate “recibió dieciséis puñaladas, de las cuales cinco hubiesen sido mortales por sí solas”.
Las tomas fotográficas de las víctimas con abundante sangre aparecieron en la revista Life, hecho aprobado por el propio Polanski, que deseaba impresionar a los lectores de la publicación con la esperanza de que alguien pudiese ayudar en la investigación. Jamás pudo esclarecerse el porqué de estos asesinatos.
juanjoalberti@hotmail.com

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JACQUELINE SUSANN: UNA ACTRIZ QUE SE HIZO ESCRITORA

UN PADRE AFICIONADO A LAS MUJERES

Ella, nació en el seno de un hogar de clase media, donde su madre Rose, maestra de escuela, y su padre Robert, un conocido pintor de la época, le inculcaron modales y enseñanzas, para que en el día de mañana se pudiera desenvolver en la vida. En la primaria no fue la mejor alumna, pero sí era inteligente. Le agradaba escribir, lo hacía redactando bien, sin faltas de ortografía, y también manejaba un vocabulario rico en términos cuando se expresaba, eso en la pagemuchacha llamaba la atención, el de no alcanzar notas altas de estudio, si le sobraba mente y entendimiento. Se crió con sus padres, donde el matrimonio se llevaba a los saltos, ya que la madre de la chica sabía que su esposo era aficionado por las mujeres, descubriéndole más de un desliz, aceptándolo como era. Lo que no imaginaba era que tenía muchas más amantes de las que ella creía, situación que la muchacha sabía, guardando el secreto como celestina. La chica tenía una aspiración, la de ser actriz, y la relación con su padre era más cercana que con su madre, es por todo esto que Robert consistió siempre a su hija, deseando fervientemente que se convirtiera en una gran actriz. Sin embargo, luego de algunos intentos, se transformó en escritora, vendiendo particulares historias en libros que se erigieron en best sellers colocando por librerías más de treinta millones de ejemplares. La dama en cuestión se llamó Jacqueline Susann. A quien su familia apodó Jackie. Su historia fue de escándalo en escándalo.
EL AGENTE SE TRANSFORMA EN MARIDO
Jacqueline Susann llegó a éste mundo el 20 de agosto de 1918, en Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos. Ya en el momento en que entraba en enseñanza superior, venía experimentando con drogas y se hablaba que le agradaban las fiestas o las celebraciones. Tras graduarse con algunas limitaciones, en 1936, viajó a Nueva York para intentar triunfar como actriz. Tras su llegada hizo pequeños papeles en películas, obras de teatro y publicidad. Un año después consiguió un trabajo en una sala teatral, encarnando a una modelo y obteniendo unos dólares por semana. Mientras estaba en La Gran Manzana conoció a un representante artístico llamado Irving Mansfield -Irving Mandelbaum- con el cual mantuvo relaciones íntimas. A cambio, Mansfield apoyó a Jacqueline publicando instantáneas suyas en las secciones sociales y cinematográficas de la prensa estadounidense. La maniobra fue un éxito y la pareja se casó el 2 de abril de 1939 en Filadelfia. Ella tenía 20 años, tan sólo. El 30. Luego del enlace, Irving siguió dirigiendo la carrera de su flamante esposa con diferentes representaciones en Broadway, llegando a realizar su obra debut, “Lovely me” con casi 50 funciones. Al margen, ella explotaba de amor por otros hombres que alternaba en sus realizaciones, como Joe Lewis y Eddie Cantor, de los conocidos, viviendo peculiares momentos. Debido a estos affaires Jacqueline e Irving se separaron durante meses, reconciliándose en enero de 1945. Al año posterior, la pareja tuvo un hijo, Guy, al cual le diagnosticaron autismo, tiempo después.
EL VALLE DE LAS MUÑECAS
En 1951, Sussan intentó llevar adelante el talk show Jacqueline Susann’s Open Door, en Television Network, durando un mes y medio en el aire. También participó en el reparto de varias películas, pero al ver que pasaban los años y no lograba convertirse en actriz destacada, empezó a considerar la escritura como un camino paralelo a la fama, que tanto ansiaba lograr. Lanzó el libro: “Every night, Josephine”, basado en su perrita Josephine, con un suceso importante que le dio la posibilidad de su segunda edición “Valley of the dolls” -“El valle de las muñecas”- una novela que rompió absolutos récords de ventas, dando origen a un filme en 1967 que se llamó igual, y a una serie tv. Fue Récord Guiness como la novela más vendida de todos los tiempos. En ese momento, le detectaron a Susann un cáncer de mama. La operaron en 1962 pero sostuvo su enfermedad en absoluta reserva, redactando el libro a pesar de todo. Luego de éste tremendo hit siguió con”The love machine” -“La máquina del amor”- publicada en 1969 y “Once is not enough” -“Una vez no basta”- en 1973, un año antes de su muerte. “El valle de las muñecas” es una novela en clave, con personajes supuestamente basados en estrellas del séptimo arte como Judy Garland y Ethel Merman, con ganas de triunfar, con su belleza, logrando el triunfo monetario, con somníferos, personajes rudimentarios, desiluciones, sexo y traiciones, finalizando solas y arrepentidas por todo.
DROGAS, ALCOHOL, CONTROVERSIA
Mucho se sospechó de que Susann tuviera afectos con algunas mujeres y relacionada con drogas y alcoholismo. Los críticos manifestaron que sus obras eran horribles, pero comercialmente fue un boom mundial. El largo-metraje “El valle de las muñecas” de 1967, estelarizado por Bárbara Parkins, Patty Duke y Sharon Tate, donde Jacqueline hace de reportera en pocas imágenes, acercó una amistad entre Sharon Tate y Susann. La noche del asesinato cruel de Tate, junto a todos sus amigos, a manos de Charles Manson, ésta la había invitado a su casa para pasar la velada. Por estar indispuesta, Jacqueline se negó. Cosas del destino. La polémica Jacqueline Susann dejó de existir el 21 de septiembre de 1974, víctima de su enfermedad, permaneciendo siete semanas en coma antes de fallecer.
Tenía 56 años. Más allá de la nostalgia.

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JULIO de GRAZIA: LA COMEDIA, EL DRAMA, LA TRAGEDIA

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

CASI 70 PELÍCULAS y VARIOS ÉXITOS EN TV

Para un actor haber realizado casi 70 películas, en su mayoría como protagonista, además de varios éxitos en televisión, no es poca cosa. De bajo perfil, encarador, vivaz y desenvuelto, se fue haciendo su sitio por sus propios méritos, siendo sumamente reconocido entre sus colegas y los espectadores, por sus actuaciones en filmes de argumento, y no tanto, que fueron entre la comedia, el drama y la tragedia, la misma tragedia de la que eligió en el último de sus días, pero no en la ficción, sino en la realidad. Hizo reír, también llorar, hizo emocionar… En su versatilidad, fue único, irremplazable. Supo hacer de “Mojarrita” en “Los Superagentes” con Ricardo “Tiburón” Bauleo y Víctor “Delfín” Bo, se distinguió al lado de Federico Luppi, el tano nacionalizado argentino Rodolfo Ranni y Carlos Carella, entre otros, y en la pantalla chica cada domingo integraba la famosa “Polémica en el bar” de Gerardo Sofovich, con una mesa de primera: Jorge Porcel, Rolo Puente, Juan Carlos Altavista, Mario Sapag, Vicente La Russa, y Mario Sánchez, marcando un momento histórico en la televisión del Río de la Plata. En “Operación Ja-Ja” gritaba “Céeesaar!” con un pañuelo anudado en la cabeza y se refería al personaje que presentaba junto a César Bertrand. En el deporte era fanático de Boca Juniors, club del que también era socio. Se llamó Julio de Grazia y nació en Buenos Aires, Argentina, el 14 de julio de 1929. Un referente en el rubro actoral.

CONSERVATORIO NACIONAL DE ARTE DRAMÁTICO

Siendo niño Julio realizó sus estudios primarios en una escuela que estaba cerca de su casa, luego pasó por la escuela industrial, deseando aprender un oficio, para ganarse la vida unos años más adelante. Quería ser maestro mayor de obra, pero de a poco se fue dando cuenta de que le agradaban las tablas de los teatros. Así fue que abandonó todo y de la mano del gran actor Ernesto Bianco ingresó en el Conservatorio Nacional de Arte Dramático. Su primera actuación fue en el Instituto de Arte Moderno dirigido por Marcelo Lavalle, que le valió el reconocimiento de la crítica en general y también del público. Continuó por aquel tiempo integrando los elencos estables de los Teatros Cervantes y San Martín, y posteriormente formó junto a Luis Brandoni, Marcos Zucker, y Javier Portales un equipo de trabajo teatral que con diferentes directores pusieron en escena producciones estelares: “El último macho”, “La pucha”, “Un tranvía llamado deseo”, y “La sartén por el mango”, de Javier Portales. A partir de ese momento, sus actuaciones se extendieron al cine y la televisión. Muchos filmes con recordados personajes, pero antes aparece en la pantalla chica con la llegada del viejo canal 7, la estación estatal de la vecina orilla, a partir del 4 de noviembre de 1951.

“DÍAS DE ODIO”, SU PRIMERA PELÍCULA, EN 1954

Exactamente en 1954 participa en su primera cinta: “Días de odio”, en blanco y negro dirigida por Leopoldo Torre Nilsson con guión del mismo Nilsson sobre un cuento de Jorge Luis Borges titulado “Emma Zunz”, que fue incluido en el libro “El Aleph” y editado por primera vez en 1949. Fue estrenada el 3 de junio de ese año y tuvo como protagonistas principales a Elisa Galvé, Nicolás Fregues, Raúl del Valle, Enrique de Pedro, Duilio Marzio y Virginia Romay. El productor de la película fue Armando Bó. Fue el despegue para Julio de Grazia. También en 1954 prosiguió con “El Cura Lorenzo”, en 1955 hizo “El Millonario” y “Pobre pero honrado”, en 1958 llegaban “Las apariencias engañan”, en 1961 “Los que verán a Dios”, en 1962, “Detrás de la mentira”, y al año siguiente en 1963, irrumpiría en un largometraje de extenso reparto: Luis Sandrini, María Antinéa, Pepe Cibrian, Diana Ingro, Enrique Serrano, Teresa Blasco, Ángel Magaña, Mirtha Legrand, Narciso Ibáñez Menta, Malvina Pastorino, Elsa Daniel, Guillermo Bredeston, Amelia Bence, entre otros, en el género humor que daba para pensar ciertos detalles. Cuenta las peripecias de seis distintas parejas -conformadas por un ansioso taxista y su muy pudorosa esposa; un multimillonario industrial que vive un romance clandestino con una conocida modelo; un músico jubilado que mantiene una relación con su ingenua y provinciana criada; un ambicioso periodista con su intelectual compañera de trabajo; un gracioso ventrílocuo con una ninfómana maestra de escuela y una pareja de novios que desean perder la virginidad- quienes llegan a un hotel alojamiento de Buenos Aires llamado “La Cigarra” y terminarán viviendo la peor pesadilla de sus vidas al enterarse que un marinero francés que ha llegado allí más temprano con una prostituta ha traído la peste bubónica al lugar y deberán permanecer todos ellos en cuarentena, suscitándose toda clase de inconvenientes y embrollos a raíz de esta forzada convivencia. De Grazia personifica al camarero joven del Hotel.

UN MOMENTO ESTELAR EN “PLATA DULCE” y “ESPERANDO LA CARROZA”

Otros filmes destacados que protagonizó Julio de Grazia: “Plata dulce”, 1982, “El arreglo”, 1983, y “Esperando la carroza”, en 1985. Su último título fue “Dr. Ulises Calvo dentista de la Patagonia”, en 1989. Se había casado con María Estela Lorca. El lunes 15 de mayo de 1989 en un total estado de depresión se disparó un tiro en la sien, según manifiestan al enterarse de que Saúl Menem sería el próximo presidente argentino. Agonizó en el Hospital Fernández de Buenos Aires, falleciendo finalmente tres días después, el 18 de mayo, a los 59 años. Fue muy querido por el gran público.

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“A hard day’s night”: a 51 años de su estreno

UN DÍA COMO EL DE HOY
Un día como el de hoy, pero en 1964, hace 51 años atrás se estrenaba en Londres, el primer largometraje de Los Beatles, “A hard day’s nigth”, obteniendo la traducción de “Anochecer de un día agitado” en estos lares o simplemente “Yeah, yeah, yeah, Los Beatles”. Ocurría en Pavilion Theatre de Londres la tarde del 6 de julio la avant-premiére -un día antes del cumpleaños de Ringo Starr- que contó con grandes personalidades de la cultura, la música y la política.cats Por ejemplo, allí estaba la Princesa Margaret, declarada gran fan de los fab four. En el exterior, desde tempranas horas de la mañana se había interrumpido el tránsito donde estaba el teatro y las admiradoras de los genios de
Liverpool se habían posicionado por millares coreando los nombres de John, Paul, George y Ringo, entonando sus temas y aguardando a los músicos para tan solo verlos, y si se podía tocarlos, un autógrafo o una foto, cosas éstas últimas bastante improbables de llevar a cabo, debido a la multitud reinante. La Policía no podía detener a las fanáticas -entre los gritos y el llanto- y hasta se sucedieron desmayos por esa pasión desenfrenada hacia el cuarteto.
Dentro de la sala, se proyectaría el filme, con una trama del género comedia-musical, con los temas de “ellos” que integraban el álbum que tenía el mismo título y en donde se mostraría a Los Beatles “en su tinta”, es decir, lo que era la vida de ellos, sin más ni menos. Así es que se divirtieron haciéndola.

RICHARD LESTER, EL DIRECTOR SELECCIONADO
En 1959, Richard Lester, un cineasta norteamericano radicado en Inglaterra, rodó un cortometraje con Peter Sellers, producido por Standing Still Film, que consiguió relativo suceso, sin embargo la producción se convirtió en una pieza favorita de los cuatro Beatles, particularmente de John Lennon.
Cuando los componentes de la banda fueron contratados para su primera cinta, seleccionaron a Lester de una lista de posibles directores. “A hard day’s nigth” demostró ser una eficaz herramienta de marketing para el posterior desarrollo del famoso conjunto, que con la película hicieron explotar la “Beatlemanía”. Debido al rodaje que realizó Lester desde diferentes ángulos sobre película 35mm., MTV le entregó la distinción “Antesala del clip musical”. El film se convirtió en impacto, de recaudaciones y bien calificada por los periodistas de espectáculos. Time la denominó como una de las cien películas de todos los tiempos. El crítico londinense Leslie Halliweel la describió “Una fantasía cómica con música, desopilante”. “Anochecer de un día agitado” logró influencias en posteriores realizaciones del género espionaje, shows de tv y videoclips de la línea pop. Con todo esto a la vista, Richard Lester también dirigió la segunda cinta de Los Beatles: “Help”, y más adelante “Yo gané la guerra” coprotagonizada por John Lennon, entre otras buenas películas posteriores.

PRISIONEROS DE SU PROPIA FAMA
El guión de “A hard day’s nigth” fue escrito por Alun Owen, amigo de Starr, Lennon, Harrison y McCartney, y fue elegido por ellos porque les agradaba la obra que poseía en ese momento, “No trams to lime street”. Owen pasó muchos días con los fabulosos cuatro, haciendo verdaderos esfuerzos para componer sus diálogos con palabras que ellos mismos usaran, alcanzado un argumento muy bueno, diferente, en realizaciones de este calibre. Antes de escribir, pensó en voz baja “La vida la pasan en un tren y una habitación, y un coche y una habitación, y una habitación y una habitación…”.
Haciendo referencia a lo que estaban viviendo, habiéndose convertido en prisioneros de su propia fama, con una agenda repleta de shows y sus grabaciones que se habían convertido en un castigo.
La película fue filmada por United Artists en blanco y negro, durante un período de 16 semanas.
Contó con un presupuesto de 200.000 libras, bajo para ese momento y el rodaje culminó en un mes y medio. La grabación comenzó en la estación Paddington, el 2 de marzo de 1964, donde Los Beatles se reunieron con algunos de los actores participantes.
La primera semana de rodaje fue en un tren que viajaba entre Londres y Minehead. El 10 de marzo se filmaron las escenas de Ringo en el pub Turk’s Head en Twickenham y durante la semana siguiente se hicieron tomas en Twickenham Studios.
Del 23 al 30 de marzo, el equipo se trasladó a Teatro Scala, filmando todo el concierto allí. Entre los 350 espectadores que estaban en las butacas se encontraba el mismísimo Phil Collins, con tan sólo 13 años. El bloque de “Can’t buy me love”, con un trabajo muy creativo de imágenes, se grabó el 23 de abril de 1964 en un campo de Isleworth. La escena final fue en West Ealing, Londres, donde Ringo deja caer su gabardina sobre los charcos para que una dama pudiera pasar y descubre que el último es en realidad un gran pozo en la carretera donde se hunde la mujer, mientras de fondo se escucha “El tema de Ringo” instrumentado por George Martin.

GENIAL BANDA SONORA
“Anochecer de un día agitado” se abre con los muchachos de Liverpool corriendo por las calles, disparando de sus admiradoras que los persiguen desde cerquita. Se oyen: la propia “A hard day’s night”, “I should have known better”, “I wanna be your man”, “Don’t bother me”, “All my loving”, “If i fell”, “Can’t buy me love”, “And i love her”, “I’m happy just to dance with you”, “Tell me why”, y “She loves you”, todas de Lennon y McCartney, menos “Don’t bother me”, que le pertenece a Harrison.
El LP de la película fue lanzado por Parlophone el 6 de noviembre de 1964. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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A 20 AÑOS DE SU MUERTE: LANA TURNER, UN ROSTRO ETERNO DEL SÉPTIMO ARTE

DEBUTA A LOS 16 AÑOS

No le gustaban los libros, ni estudiar. Dos por tres trataba de escaparse de la escuela, para ir a observar los paisajes del campo, y luego de la zona costera de California, en donde vivía. Amante de la naturaleza y de los animales, sobre todo de perros y gatos, que siempre deseó tener y nunca pudo, hasta que se hizo millonaria debido a sus trabajos en la cinematografía, donde inundó su mansión de canes y mininos, entre otras excentricidades de los ricos. Nacida en la pageciudad minera de Wallace, en Idaho, hija única de padres adolescentes: Mildred Francés -Lamar, Arkansas, 19 de junio de 1904 – 22 de febrero de 1982- quien tenía 16 años cuando nació su hija y John Virgilio, minero -Montgomery, Arizona, 23 de mayo de 1903 – 14 de diciembre de 1930- que contaba con 18 años en el momento del nacimiento de la pequeña. La chica de a poco fue creciendo, haciéndose seguidora del cine, donde concurría asiduamente acompañada por su mamá. Una vez cuando salían del “biógrafo”, ambas fueron a tomar unas sodas a una heladería, siendo ella fotografiada por un periodista, quien luego publicaría la instantánea en un periódico, observada por ejecutivos de la Metro-Goldwyn-Mayer, quienes quedaron sorprendidos por su belleza, contratándola sin demoras para un filme. Corría el año 1937, y la novel actriz debutaría en la cinta “Que no olvidarán”, con tan solo 16 años en su haber. Se llamó Lana Turner, una estrella de la matiné y el continuado.
LA CHICA DEL SUETER
Julia Jean Turner, conocida posteriormente como Lana Turner, llegó a este mundo el 8 de febrero de 1921. Hasta su movida carrera por los sets, sus familiares y amigos la llamaban, simplemente Judy. Los tiempos difíciles finalmente obligaron a la familia a trasladarse a San Francisco, donde sus padres pronto se separaron. El 14 de diciembre de 1930, su padre ganó mucho dinero en un juego de dados clandestino, metiendo sus ganancias en su media izquierda, dirigiéndose a su casa. Más tarde fue encontrado sin vida en una esquina de San Francisco, sin el zapato izquierdo y la media. El robo y el asesinato nunca fueron resueltos. Poco después, su madre desarrolló problemas de salud y fue aconsejada por su médico para trasladarse a un clima más seco. Con su hija de 10 años, se mudó a Los Ángeles, asistiendo los domingos a una iglesia católica, donde ambas cantaban en el coro, y conseguían varios almuerzos en la semana, para llevar adelante la situación ya que estaban muy carentes de dinero. La madre de Julia trabajaba más de ochenta horas a la semana para tratar de que a su hija no le faltara nada. Cuando explotó Judy como actriz en el firmamento artístico y ya había aparecido con su foto con ropas insinuantes en los almanaques “pin-ups”, la comienzan a llamar “La chica del sueter”, convirtiéndose su madre en la gran supervisora de la carrera de Turner.
GLAMOUR AL POR MAYOR
Lana Turner fue una de las actrices más impactantes del cine, logrando trascender automáticamente desde la pantalla grande. Su glamour fue al por mayor en las películas: “They won’t forget”, 1937, “Las aventuras de Marco Polo”, 1938, “Calling Dr. Kildare”, 1939, “Two girls on Broadway”,”We who are young”, 1940, “Las chicas de Ziegfeld”, “El extraño caso del doctor Jekyll”, “Quiero a ese hombre”, 1941, “Senda prohibida”, “Te encontraré en alguna parte”, 1942, “Strictly G.I.”, “The youngest profession”, “Slightly dangerous”, “Show business at war”, “Du Barry was a Lady”, 1943, “Marriage is a private affair”, 1944, “Keep your powder dry”, “Fin de semana”, 1945, “El cartero siempre llama dos veces”, 1946, “La calle del delfín verde”, “Dos edades del amor”, 1947, “La rival”, “Los tres mosqueteros”, 1948, “A life of her own”, 1950, “Mr. Imperium”, 1951, “La viuda alegre”, 1952, “Cautivos del mal”, 1953, “Brumas de traición”, 1954, “El zorro de los océanos”, 1955, “Diane”, 1956, “Vidas borrascosas”, 1957, “Brumas de inquietud”, 1958, “Imitación a la vida”, 1959, “Retrato en negro”, 1960, “Poseídos por el amor”, 1961, “Trampa a mi marido”, 1962, “Mil caras tiene el amor”, 1965, “La mujer X”, 1966, “El terrón de azúcar”, 1969, “El demonio de Sheba”, 1974, “Bittersweet love”, 1976, “Conjuro de brujas”, 1980, y “Thwarted”, 1991, entre otras. Se retiró definitivamente en la teleserie “Falcon Crest” en el papel de Jacqueline Perrault Gioberti. En un principio fue contratada para la primera temporada como ‘estrella invitada especial’ para un solo capítulo, si bien cuando la serie fue renovada para una segunda temporada fue contratada de nuevo con el mismo status anterior pero para intervenir en la mayoría de los capítulos de la segunda temporada.
OCHO MATRIMONIOS Y MUCHOS AMANTES
Lana Turner se casó ocho veces y su vida sentimental la manejó con un sinfín de amantes: Clark Gable, Frank Sinatra, Errol Flynn, Víctor Mature, Fernando Lamas, Tyrone Power, Luis Miguel Dominguin y Howard Hughes, de los conocidos. Tiene una hija, Cheryl Crane, nacida en 1943, acusada de la muerte de otro de los amantes de la rubia Turner, Johnny Stompanato, en 1958. Durante el juicio se dio publicidad a las cartas entre ella y su seductor en las que se ponía de manifiesto su inclinación por el sadomasoquismo. Su hija Cheryl fue declarada inocente. Lana Turner dejó de existir en Century City, California, el 29 de junio de 1995, a los 74 años, víctima de cáncer a la garganta, hace veinte años. Su rostro será eterno del séptimo arte.
juanjoalberti@hotmail.com

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UNA LUMINARIA: MERYL STREEP, CUMPLE 66 AÑOS

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

AMANTE, ESPÍA, CANTANTE, POLÍTICA
Se hizo ver por los sets y se quedó hasta ahora. Ha encarnado una cantidad enorme de papeles, con una categoría y brillantez de lujo, que le han valido la denominación para muchos críticos, como una de las grandes actrices de todos los tiempos que desfilaron por Hollywood. Surgió al ritmo de sus encarnaciones y fue creciendo con la amante loca, la cantante de rock, la funcionaria del gobierno, ¡la mujer!… con tres Óscar logrados y 19 nominaciones, hacen un total de un número muy importante de figuraciones en sus 66 años que hoy justamente está cumpliendo. Se estima que la acaparadora de las estatuillas doradas, según destacadas publicaciones internacionales, logra por año ganancias que sobrepasan los 12 millones de la moneda norteamericana, una fortuna aproximada de U$S 65 millones y un patrimonio total de 245 millones, que incluyen inversiones, negocios diferentes, patrocinios, y propiedades, entre otras. Se sabe excelente en lo que hace y exige sus honorarios, muy bien ganados por cierto. La aclamada actriz tiene la versatilidad de imitar acentos a lo largo de su carrera. Por ejemplo, ha manejado maravillosamente desempeños que la hicieron hablar como irlandesa, australiana, danesa o británica. También se maneja muy bien en otros idiomas: polaco y alemán y por último agregamos para este breve prólogo, que lo que ganó por su trabajo en “La dama de hierro”, basada en la vida de Margaret Tatcher, donde logró el Oscar a la “Mejor actriz” en 2012, lo donó al Museo de Historia de la Mujer. Se llama Mary Louise Streep en el camino de la vida y Meryl Streep en las marquesinas.
LA MEJOR DEL MUNDO
Un día como el de hoy, 22 de junio, pero del año 1949, en Summit, Nueva Yersey, llegaba a este mundo Meryl. Mary Wolf, su mamá, era una promotora artística y Harry William Streep Jr., un ejecutivo de cuentas de industrias que se dedicaban al rubro farmacéutico. Ambos dejaron de existir. Tiene dos hermanos: Dana David y Harry William, quienes son trabajadores independientes. La pequeña Meryl fue creciendo en Bernardsville, Nueva Yersey, donde asistió a la escuela, teniendo muchos compañeros y amigos católicos y casi regularmente asistía a misa, pues admiraba dicho ritual. Paralelamente, fue estudiando actuación en Vassar College y en Dartmouth College, graduándose en la Escuela de Drama de Yale University. Durante su permanencia en dicho centro realizó muchos roles escénicos, de todo tipo; es así que su madre la incentivó a que continuara adelante, pero que no dejara de lado el canto, ya que en su adolescencia había tomado clases de ópera, porque tenía un gran registro que daba lugar para llegar a ser una cantante profesional. Pero, lo que tenía en el corazón y su meta, era convertirse en famosa como actriz. Sin embargo, interpretó genialmente varios temas en “Mamma mía”. Luego de recibirse artísticamente, se fue desarrollando en diferentes obras de teatro en Nueva York y Nueva Jersey, Protagonizó “Broadway happy end” y ganó el premio “Obie”” por su participación en “Alice at the palace”. Enterado el productor italiano Dino de Laurentiis la llamó para hacer Dwan en “King Kong” pero al final no lo pudo realizar, ya que a De Laurentis no le agradó como fotografiaba. Streep respondió a su negativa con un fluido acento italiano dejando impactado a De Laurentiis. Su primera cinta fue “Julia”, en 1977, en donde hace un pequeño papel pero determinante, compartiendo cuadros con Vanessa Redgrave y Jane Fonda. Al año siguiente, estelarizó la miniserie “Holocausto”, con un papel de alemana casada con un judío en la Alemania Nazi. Tiempo después declaró que había considerado participar en dicha producción por no estar muy de acuerdo con el tema y había tomado el trabajo solo porque necesitaba dinero. Por su actuación, ganó el Emmy a la mejor actriz en miniserie o telefilme. Estaba cerca de ser reconocida por parte de la prensa y del público “la mejor del mundo”.
PRIMER ÓSCAR y GLOBO DE ORO
Woody Allen la contrató para el reparto de “Manhattan”, en 1979. El mismo año llegaría “Kramer versus Kramer” con Dustin Hoffman, y “The seduction of Joe Tynan”. Por los tres largometrajes fue distinguida por los críticos de Los Ángeles, la Sociedad Nacional de Críticos, y el Círculo de Críticos de Nueva York. Por “Kramer versus Kramer”, la galardonaron con su primer Oscar y un Globo de Oro, entre varios reconocimientos. Feliz, en 1981 hizo “La mujer del teniente francés”, en 1982: “Still of the night”, y “La decisión de Sophie”, obteniendo su segundo Oscar, ésta vez como mejor actriz, así como otro Globo de Oro. En 1983, “Silkwood”, encarnando a la sindicalista Karen Silkwood, en 1984 “Falling in love” con Robert de Niro, y la producción británica “Plenty”, y “Out of Africa”, junto a Robert Redford, en 1985. Coprotagonizó junto con Jack Nicholson los dramas “Heartburn”, 1986 , y “Tallo de hierro”, 1987. En 1988, apareció en “Un llanto en la oscuridad”, un año más tarde, “She-Devil”, después “Postales desde el filo”, una adicta a las drogas, al lado de Dennis Quaid y Shirley MacLaine, por la que volvió a ser nominada al Óscar.
MÁS PELÍCULAS, MÁS TRIUNFOS
La última gran producción en la que ha participado, “En el bosque”, viene con la firma de Walt Disney Studios. Basada en un musical de Broadway, una excelente producción. Meryl Streep actualmente está casada con el escultor Don Gummer, desde el 30 de septiembre de 1978. La pareja tuvo cuatro hijos: Henry Wolfe Gummer, 1979, Mamie Gummer, 1983, Grace Gummer, 1986, y Louisa Jacobson Gummer, 1991. Tanto Mamie y Grace son actrices, mientras que Henry es músico.
Meryl Streep es dueña del restaurante Fat Streep Burger de Washington, del equipo de fútbol americano Summit Angels, y la marca Vodka Pure Wonderstreep.
A su vez, cuenta con los perfumes With Love from Meryl, y la línea de ropa Meryl Streep Seduction. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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Los hijos de Lennon

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

MOCHILA A CUESTAS O TODO EN BANDEJA
¿Habrá sido fácil en una primera instancia o una carga pesada para Julian y Sean, ser los hijos de John Lennon?… Buena interrogante para comenzar esta crónica dedicada a ellos. Ambos, optaron por la misma carrera del padre, ser cantantes y músicos. Dicen por ahí, de tal palo tal astilla. Llevan una breve diferencia en la edad, son hijos de diferente madre, y poseen reminiscencias de aquellas tonadas de Lennon, sobre todo cuando estaba al frente de los genios del Reino Unido. John Charles Julian Lennon, nació en Liverpool, Inglaterra, el 8 de abril de 1963. Es hijo único del matrimonio del ex-Beatle con Cynthia Powell, celebrado el 23 de agosto de 1962, en Liverpool, en una ceremonia a la que asistieron McCartney, Harrison y Starr. Lennon y Powell se habían conocido en una academia artística en 1957, se enamoraron y decidieron vivir en pareja. Ella, fue testigo del éxito vertiginoso del grupo hasta el año 1968, cuando se divorciaron, y el juez le entregó la custodia de Julian, ya que John ya tenía relaciones con Yoko Ono, con quien se uniría sentimentalmente y contraería nupcias en Gibraltar el 20 de marzo de 1969, pasando su luna de miel en Ámsterdam, en plena campaña de diversas protestas, con una semana en la cama, por la paz en el mundo. Así, planearon una visita a Estados Unidos, pero se les negó la entrada, por lo que realizaron en el Hotel Queen Elizabeth de Montreal, con una gran cantidad de amigos, la reconocida grabación “Give peace a chance”, “Dale una oportunidad a la paz”. Envueltos en duros problemas de drogas, manifestando su negativa a la guerra de Vietnam, fueron llevando el matrimonio adelante, hasta que el 9 de octubre de 1975, en el cumpleaños 35 de su padre, en Nueva York, llega a este mundo Sean Taro Ono Lennon, hermano de madre de Kyoko Chan Cox, siendo su padrino Sir Elton John. Lennon siempre evitó que se conociera su vida privada, evitando dar a publicidad sus enlaces y que tenía dos hijos. Todo se sabría mucho más tarde.

JULIAN, LEJOS DE LA “BEATLEMANÍA”
La idea había partido de Brian Epstein, personal manager de Los Beatles y padrino de Julian. Brian, un día llamó a John, sugiriéndole “Tienes que ocultar tu matrimonio y tu paternidad durante un largo tiempo, para que eso no afecte la popularidad de la banda…”. A Lennon no le agradó demasiado la idea, pero la llevó a cabo. De esa manera, Julian vivió un mundo distinto, alejado de todo, ausente en la “Beatlemanía”, y de su propio padre. Debido a eso, cuando se refería a su padre se mostraba indiferente y sentía cierto odio por Yoko Ono, la japonesa. Al dejar de existir John, abandonó esa enemistad y en el momento posee una excelente relación con Ono, y en especial con su medio hermano Sean, a quien ha manifestado que lo adora. El debut musical de Julian -el nombre de Julian viene a ser un homenaje a su difunta abuela, Julia- fue a temprana edad, exactamente a los 10 años, tocando la batería en la canción “Ya-Ya”, del álbum “Walls and bridges” de John Lennon. Su carrera artística se hizo popular con el debut de su disco “Valotte” y con el tema “Too late for goodbyes” -“Demasiado tarde para despedidas”- en 1984. Luego del gran suceso, hubo tiempos de ventas bajas y Julian recurrió al alcohol y las drogas. Su voz, aspecto y estilo son muy similares a los de John, por lo que se especuló alguna vez con el retorno de The Beatles con él como integrante, lo que nunca sucedió. Julian Lennon es también fotógrafo y camarógrafo realizando como productor el documental “Whale dreamers”, que trata acerca de una tribu aborigen de Australia y de su relación especial con las ballenas. Este corto también se relaciona con el medio ambiente. El filme ha recibido muchos premios y fue presentado en la “Fiesta Cinematográfica de Cannes”, 2007. Cynthia Powell, madre de Julian Lennon, quien había nacido el 10 de septiembre de 1939, en Inglaterra, falleció el pasado miércoles 1o. de abril, 2015, luego de una corta lucha contra el cáncer, en su casa de Mallorca, España, a la edad de 75 años, con su hijo a su lado.
SEAN: DEBUT A LOS CINCO AÑOS
Luego del nacimiento de Sean, John se convirtió en una especie de amo de casa, cuidando a su joven hijo hasta su asesinato en 1980. Sean fue educado en un exclusivo colegio privado: Instituto Le Rosey en Rolle, Suiza, y antes en la escuela privada de Ethical Culture Fieldston y en Dalton School. Más tarde asistió a la Universidad de Columbia. Sus padres no le obligaron a hacer la vida de un cantante y ejecutante, es más, ocultaron deliberadamente la vida musical de su hijo. Su debut fue a la edad de cinco años, recitando una historia en el álbum de su madre, “Season of glass”, en 1981 . Desde la niñez hasta su adolescencia Sean continuó colaborando con Yoko, contribuyendo con su voz y recibiendo créditos para la producción de sus álbumes en solitario “It’s Alright (I See Rainbows)”, “Star Peace” y “Onobox”. Sean a los dieciséis años escribió el tema “All I Ever Wanted”, con Lenny Kravitz de su álbum de 1991 “Mama Said”. En 1995, Sean forma la banda de IMA -con Sam Koppelman y Timo Ellis- para tocar junto a su madre en su álbum “Rising”. Sean también hizo apariciones en el cine, en el film de 1988 de Michael Jackson, “Moonwalker”, personificando a un adolescente que experimenta visiones de los diversos cuadros de MC Escher en 1990 en un cortometraje de promoción de Sony, Infinite Escher. Editó su primer álbum, “Into the Sun”, en 1998. En 1999 lanzó una recopilación de remezclas de dicho disco, en Half Horse, Half Musician. También ha hecho una aparición en 2000, en el álbum “Primitive de Soulfly”, en el tema “Son Song”. Su último álbum, “Friendly fire”, salió a la venta el 26 de septiembre de 2006, y el 10 de septiembre extrajeron el sencillo “Dead Meat”. Habitualmente, se reúne con Julian en visitas de familia y cantan juntos. En breve se reunirán con hijos de los otros Beatles para la grabación de un disco especial de canciones. Más allá de la nostalgia.
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EL ADIÓS DE… JORGE GALEMIRE: EMBLEMA DE LA MÚSICA URUGUAYA

SE ESTABA REHABILITANDO
Estaba en su casa, recuperándose, tranquilo, visitado y atendido por sus familiares y muchos amigos que supo cosechar a lo largo de su vida. Había tenido un traspié siendo internado en un hospital público en el mes de marzo pasado. Lo llevó un infarto a sala CTI, afectado por su corazón y su cerebro, siendo grave la situación, pero pudo zafar. Pasaron largos días en el Maciel, hasta que le dieron el alta en abril. En su domicilio, de a poco, la estaba llevando adelante, lúcido y hasta pensaba en algún toque o concierto en un futuro cercano. El incierto destino, pagelamentablemente no lo quiso así. En la madrugada del sábado 6 de junio partió rumbo al cielo, donde seguramente lo estaban aguardando otras eminencias que se fueron antes, Osvaldo Fattoruso, Pablito Estramín, Gonzalo Farrugia, Roberto Capobianco, José Carbajal, Eduardo Mateo, Enrique Rey, Roberto Galletti, entre otros, para formar el súper-grupo de todos los tiempos y hacer música entre las nubes y las estrellas. Cómo ha pasado el tiempo… ¿Todo ésto ocurrió?… Jorge Galemire se fue a los 64 jóvenes años, cantante, guitarrista, trovador, arreglador, productor, compositor, y creador de títulos para tantas y tantas obras de grupos y solistas; emblema de los autores e intérpretes uruguayos. En el arte de combinar los sonidos con el tiempo su nombre quedará registrado, eternamente. Más allá de la nostalgia.
PROFUNDO ADMIRADOR DE LA ÉPOCA SESENTERA
Los sueños de los jóvenes de los años sesenta alcanzaron el delirio cuando irrumpieron en escena, aquellas agrupaciones de rock and roll en la llamada “British Invasion”, -“Invasión Británica” u “Ola inglesa”- tales como Beatles, Rolling, Dave Clark, Hermans Hermits, Animals o The Who, netamente influenciados por el blues, el rhythm & blues y el propio rock, a través de temas sencillos y casi siempre con melodías pegadizas. Jorge Galemire no se mantuvo ausente de ésta década en que le tocó crecer, siendo profundo admirador de las letras de Lennon & McCartney y de una banda compatriota líder en su estilo por el Río de la Plata: Los Shakers de los hermanos Fattoruso. También se hizo seguidor de los precursores Gatos de Dino Ciarlo y El Kinto de Rada y Mateo, pero ya en ese momento, había desarrollado bastante sus condiciones para tocar la guitarra y también entonando esas canciones que estaban de moda. Galemire nació en Montevideo, el 11 de marzo de 1951, integró varios conjuntos anónimos y en los setenta debuta en El Sindykato y se mantiene allí durante dos años: 1973-1974, siendo guitarra, voz. También estaban en ese momento en el grupo de Miguel A. Livichich -quien ya había partido con Miguel y el Comité en busca de otros horizontes- Juan des Crescenzio, guitarra, voz, Oscar Rial, percusión, Santiago Poggi, teclados, Mario Poggi, flauta dulce, Cacho Tejera, tumbas, Walter Venencio, bajo, y Buby Paolillo, en bajo, junto a quienes graba a través del Sello Macondo el álbum “Vuelve a tu país”, en 1974. Jorge, ya estaba dejando su sello de distinción, y si se quiere de protesta, en épocas de plena dictadura.
LOS QUE IBAN CANTANDO: POPULAR DE LUJO
Su ruta ascendente siempre, prosigue en Epílogo de Sueños, y Aguaragua. Más tarde, en 1975, lo llaman para ocupar un lugar en Canciones para no dormir la siesta, donde se queda por un breve lapso. Dos años después,en 1977, crea junto a Jorge Lazaroff y Jorge Bonaldi, Los que iban cantando, uno de los números más importantes del canto popular uruguayo de todos los tiempos. Inmediatamente, hace muy buenos arreglos de destacados discos de artistas del medio, entre los que se detallan: “Hoy canto” de Gastón Dino Ciarlo, y “Sansueña” de Eduardo Darnauchans. Junto a Darnauchans y a Eduardo Rivero, realizó en 1976 y 1993 un espectáculo llamado “Nosotros Tres”, de excelente convocatoria de público. Asimismo participó como instrumentista en álbumes de otros exponentes: Jorge Drexler y Tabaré Arapí.
Ya en 1981 Galemire produce su primer registro solista, “Presentación” y en 1983 lanza, “Segundos afuera”.
Paralelamente a su carrera solista, participa hacia 1984 en el grupo Repique integrado además por Jorge Vallejo, Alberto Magnone, Jaime Roos, Andrés Recagno, Gustavo Etchenique y Carlos “Boca” Ferreira. Antes de su alejamiento de esta banda, participa en la grabación de su primer fonograma, “Repique”. En 1991 aparece “Casa en el desierto”, “Ferrocarriles”, y posteriormente se radica en España regresando a Uruguay recién en el año 2004. En junio, 2005, se lanza, junto a la galesa Karen Ann, a la interpretación y composición de música celta, ofreciendo diferentes espectáculos en eventos nacionales en éste estilo. En mayo de 2008 es el ganador del premio “Graffiti” de Uruguay por su trayectoria.
SOCIO ACTIVO DE AGADU y SUDEI
Lo veía asiduamente haciendo algún trámite en AGADU, la sede de los autores, o en SUDEI, la casa de los intérpretes, en donde me comentaba brevemente en que andaba.
Fue el año pasado, la última vez donde estaba también otro grande de la industria nacional musiquera, Fernando Cabrera. Juntos realizaron varios recitales.
Todavía poseo los discos, cassettes y CD’s que me obsequió Jorge Galemire y que seguiré cuidando como un verdadero tesoro.
juanjoalberti@hotmail.com

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FUE EN LA TELE… EL HOMBRE DE LA CÁMARA: EL DEBUT DE CHARLES BRONSON

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

UN ILUSTRE DESCONOCIDO
Prácticamente como un ilustre desconocido llegó a la tv y le dieron un protagónico. Más allá de que ya había estado en el reparto de varios largometrajes, desde los primeros años de los cincuenta. Con imagen de hombre rudo, de fuerza, que intimidaba con la mirada, fue ganando seguidores y los productores de series en busca de nuevas caras pensaron en él para que encarnara una tira que duró dos temporadas -1958-1960- con 29 episodios de 25 minutos, en blanco y negro. Y en verdad, la elección fue muy buena, la tira resultó un éxito, muy seguida en el mundo, en casi todos los idiomas, de breve duración, pero muy excitante en la trama. En la presentación solamente se veía una vieja cámara fotográfica profesional que se alzaba y que sorprendía de un fogonazo con su flash, inmediatamente se oía la música de la serial y una voz que anunciaba su título: “El hombre de la cámara”, era el comienzo de la acción y el debut -tan olvidado por muchos- como actor principal de un joven Charles Bronson.
MUY POCOS APARATOS
En esa época la serie en cuestión fue emitida en Montevideo por Canal 10 Saeta, pero no la vieron todos, ya que en ese momento había muy pocos televisores en la capital. Fue de las primeras tiras que llegaron a la televisora pionera de los viejos galpones de la Exposición Nacional de la Producción, que conjuntamente con “El Cisco Kid”, “El Llanero Solitario”, “El Hombre Invisible”, “Papá lo sabe todo”, “La Dimensión Desconocida”, “Las Aventuras de Rin Tin Tin”, “En la cuerda floja”, entre otras, fueron decretando la muerte anunciada de las salas de cine, ya que de a poco éstas desaparecieron como por arte de magia. Hubo otras series de la misma época, pero que aquí en nuestro país, llegaron posteriormente con la inauguración de los otros canales, 4 y 12. Eran tiempos en donde las “latas” del celuloide estaban de moda, ya que las empresas televisivas llenaban espacios con auténticas cabalgatas de seriales. En cuanto a “El hombre de la cámara” -“Man with a camera”- es una producción escrita por James Admiston y dirigida por Paul Landres, para ABC, con la música de Herschel Buke Gilbert, bajo la composición de León Klatzin. El estreno fue el 10 de octubre de 1958 y bajó de cartel el 2 de agosto de 1960, en Estados Unidos.
MIKE KOVAC, CON LA MÁQUINA PRONTA
El argumento drámatico y policial se centra en Mike Kovac, interpretado por Charles Bronson, quien fuera soldado en la segunda guerra mundial, ahora convertido en fotógrafo en Nueva York, que obtiene instantáneas casi imposibles de lograr para las autoridades, revistas, diarios, compañías de seguros, y algunos particulares, con una pesada máquina con flash incorporado aparte, modelo nuevo para los ’50. Kovac, siempre con la cámara pronta, paralelamente enfrenta un montón de situaciones, donde a veces hasta pone en riesgo su propia vida. Al margen, da una mano a quien lo necesita o tiene carencias de todo tipo, actuando como investigador privado. Sus imágenes de criminales resultan de sumo interés para la Policía que va aclarando casos con esos valiosos documentos en la mano y hasta los jueves actúan… Su labor se hace tan fundamental y exacta que coloca cámaras en una radio, saca fotos con un encendedor de cigarrillos y hasta tiene un lente que filma en su extensa corbata. Antesesor al agente 007, cuenta con otros recursos impactantes: un teléfono en su vehículo y un cuarto oscuro portátil en su valija donde puede revelar los negativos al toque. Lo acompañan a Kovac en “El hombre de la cámara”, el Teniente Donovan, personificado por James Flavin y Anton Kovac, padre de Mike, avezado fotógrafo profesional, encarnado por el actor Ludwig Stössel. Desfilando como estrellas invitadas: Yvonne Craig, Rachel Ames, Norma Crane, Anthony Caruso, Sebastián Cabot, Roscoe Ates, Steve Brodie, Stand Colman, Arthur Batanides, Phyllis Avery, Russ Conway, y otros. La serie actualmente está en DVD solamente en inglés, y no está programada de momento en canales de cable.
PISTOLERO, BOXEADOR, VIGILANTE y JUSTICIERO
Luego de “El hombre de la cámara”, Charles Bronson o Charles Dennis Buchinski, tal su verdadero nombre, nacido en Pensilvania, el 3 de noviembre de 1921 y desaparecido en Los Ángeles, el 30 de agosto de 2003, fue a parar a la gran pantalla, no estando más en la tele, a no ser por un pasaje especial como invitado en alguna tira. Llegarían sus personajes como pistolero, boxeador, vigilante, gangster o justiciero, que atraparon al espectador desde las butacas. Charles es el undécimo hijo de una familia de quince hermanos de padres inmigrantes tártaros lituanos. Charles trabajó duramente en una mina de carbón, al lado de sus hermanos, para mantener a su familia. Después de estar en la segunda guerra mundial, se formó en actuación. Hizo teatro independiente y pasó por el reparto de varias películas. Después de la tele, se hizo grande en un sinfín de cintas: “Los siete magníficos”, “Veracruz”, “El gran escape”, “Doce del patíbulo”, “El vengador anónimo”, “El justiciero de la ciudad”, “La ley de Murphy”, y más.
A pesar de su imagen ruda y dura, Bronson era apreciado por sus allegados como un hombre amable, que además se dedicaba a la pintura. Más allá de la nostalgia.

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Luisa Kuliok: la dama de las novelas

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

LARGA CARRERA DE ACTRIZ
Es tan bonita, como tan buena actriz. Con una extensa carrera en ese rubro. De sobresalientes desempeños que la lanzaron a la fama y la hicieron popular en casi todo el mundo. De teleteatros argentinos que llegaron al corazón de todos. Haciendo de monja, de amante o de señora, al lado de grandes actores que engalanaron aún más sus protagónicos: Arnaldo André, Jorge Martínez, Osvaldo Laport, Luis Brandoni, Gerardo Romano y Salvador Pineda, entre otros. De muy buenas películas en donde sobresalió por su calidad interpretativa, las virtudes para moverse en escena y su peculiar belleza. Entre sus tiras y largometrajes se divisa un toque de distinción que se manifiesta en cada argumento bien llevado, según el libro a utilizar.
Los directores y productores valorando sus encarnaciones, le tratan de otorgar un papel en donde brille, es decir que le venga como anillo al dedo. De chica su madre le fomentó el amor a la lectura y el arte, y así bien de abajo se inició en el camino del teatro, donde debutó siendo muy joven. En las difíciles tablas se produce su catapulta a los otros quehaceres de la profesión. Se llama Luisa Kuliok.
EN VILLA DEVOTO NACIÓ LA ESTRELLA
El 20 de marzo de 1953 en el porteñísimo barrio de Villa Devoto llegaba a este mundo Luisa Matilde Kullock, tales sus verdaderos nombres y apellidos. Más adelante solamente se utilizaría el nombre de Luisa y se cambiaría Kullock por Kuliok. La familia de aquella futura estrella era de origen humilde, ya que su padre era técnico electricista y se dedicaba a reparar aparatos de televisión, y su madre ama de casa. Y si bien nada sobraba en el hogar, observando que a la niña le atraía el teatro y la danza, la mandaron a la escuela de teatro para niños de Blanca de la Vega. Allí aprendió sus primeros pasos, pero aún estaba un poco lejos de llegar a los escenarios.
A los 18 años confirma su vocación de ser actriz emprendiendo un aprendizaje especial con el maestro Agustín Alezzo, quien la dirige en su debut en “Tiempo de vivir” de Thorton Wilder. Forma parte fundadora del “Grupo de Repertorio” y el mismo Alezzo le otorga el rol protagónico en “Despertar de primavera” de Frank Wedekind en el año 1976, que le significó a Luisa Kuliok su primer gran reconocimiento con el premio “Talía”.
A la par de años de esfuerzos y aprendizajes con los más notables profesores de la vecina orilla, sobrevienen tiempos de intenso trabajo en teatro y tv. Paralelamente, incursionaría impactando con talento en la conducción de “La mesita de luz”, un programa cultural llevado adelante en un ciclo de reportajes con destacadas personalidades de distintos ámbitos que comparten impresiones sobre los libros de lectura que marcaron las diferentes etapas de sus vidas.
“LA EXTRAÑA DAMA”: UN RECORDADO ÉXITO
A la tele se acerca en 1978 con “Renato”, “Amor gitano”, 1983, donde personifica a Dolores en su primer estelar, y “Amo y señor”, en 1984, donde comparte los títulos principales con el actor paraguayo Arnaldo André.
En 1989 protagoniza “La extraña dama”, cuyo recordado y rotundo éxito cruza las fronteras incluso del continente americano, haciéndose conocida en los países de Europa con su rol de la religiosa Sor Piedad.
Aquí hace dupla con Jorge Martínez, contando además con la participación de María Rosa Gallo como la terrible hermana Paulina. Se trata de una historia original de Lucy Gallardo, la cual fue publicada por primera vez en la revista “Lágrimas, risas y amor”. “La extraña dama” se abría con el tema principal de la tira, llamado “Esa extraña dama” compuesto y vocalizado por Valeria Lynch, y se cerraba con otro tema: “Hay un mañana”, cantado por la propia Valeria Lynch y el mexicano José José. ¿Lo recuerdan?… La emitían Canal 9 Libertad de Buenos Aires y Canal 10 Saeta de Montevideo, a través de 120 capítulos que se rodaron bajo la producción de Omar Romay y la dirección de Diana Alvarez y Juan David Elicetche. Otros papeles interesantes fueron los de Gustavo Garzón como Carlos Uboldi, Raúl Rizzo – Pedro Guillón, Lita Soriano encarnando a Gertrudis, Aldo Barbero como Domínico Falcone, Tincho Zabala – Tomás Parresi, Marta Albertini haciendo de Elsa Parresi de Ricciardi, Alfredo Iglesias – Don Esteban Linares, Néstor Hugo Rivas personificando a Roberto Parresi, Ana María Campoy – Valeria Uboldi, y más. Posteriormente, llegaría “Cosecharás tu siembra”, en 1991, a través de un lanzamiento internacional.
“COSECHARÁS TU SIEMBRA”: LA MAFIA Y EL PODER
“Cosecharás tu siembra” es una historia que transcurría en la Sicilia de los años treinta y sus protagonistas, Giuliana – Luisa Kuliok y Luca – Osvaldo Laport se veían entremezclados en los juegos de la mafia y el poder. Giuliana es hija del hombre más poderoso de la región. La historia de Luca surge del asesinato de sus verdaderos padres en manos de uno de los hombres de confianza de Carmili Spadaro, el padre de Giuliana. Cuando jóvenes, el destino los vuelve a encontrar, inciando una relación amorosa que llevará a todo tipo de sufrimientos, asesinatos y huidas.
Al verse separados Giuliana y Luca emprenden una nueva vida por separado, que los llevará a encontrarse en Buenos Aires. A pesar de las dificultades, aún siguen amándose.
Con el tiempo, regresan a Italia, donde el surgimiento de un nuevo gobierno lleva a la persecución de los Spadaro, siendo Giuliana una de sus víctimas, quien en un secuestro queda ciega producto de las torturas. Al final, logra reencontrarse con Luca y vivir su amor aún quedando ciega. Se grabaron 120 capítulos de 55 minutos cada uno. Siendo sus creadores Lucy Gallardo, Eduardo Rozas y Miguel Larrarte.
Luego de éstos títulos, Kuliok se retira temporalmente de las pantallas en forma voluntaria, para retornar años más tarde para recibir el mismo reconocimiento.
SIETE AÑOS DE AUSENCIA
Tras siete años de ausencia en los sets, Luisa vuelve con un espacio especial, encarnando a una jefa de enfermeras en la segunda temporada de “Mujeres de nadie” y actúa en la obra de teatro “El collar de la paloma”, un unipersonal en el que hace diferentes personajes.
En la actualidad, con 62 años en su haber, sigue siendo figura principal en telenovelas y cintas. Casada con el médico, Roberto Romano, actor y autor de teatro, disfruta de momentos libres cuando puede. Más allá de la nostalgia.juanjoalberti@hotmail.com

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RICHARD WIDMARK: UN ACTOR DE CULTO

EL TEATRO LE DIO EL ESPALDARAZO
Lo conocimos en las viejas, queridas e inexistentes matinés barriales, de aquellos cines que tenían aroma a celuloide. Aún parece que lo veo en la gran pantalla en sus papeles de gangster o villano, sheriff, cazador de recompensas, soldado, político, espía, o amante de alguna rubia como la mismísima Marilyn Monroe y de alguna morocha al mejor estilo Gene Tierney en “Night and the city” -“Noche en la ciudad”- donde hicieron pareja profesionalmente hablando. Esos papeles protagónicos le venían de maravillas, es que le quedaban todos bien; fue en su carrera sumamente pageversátil. “El muchachito de la película” como bien se le llamaba al principal en cuestión obtuvo el Globo de Oro 1948 a la Nueva Estrella del año – Actor, por su labor en “Kiss of death” – “El beso de la muerte”, su film debut, de Henry Hattaway, pero fue merecedor de muchos laureles más si tenemos en cuenta sus descollantes encarnaciones a través del tiempo. Se lanzó al escenario primero en teatro, descubriéndolo un productor cinematográfico que tenía los ojos bien abiertos y la audición desarrollada, ya que su pupilo se convirtió en una de las más grandes figuras de Hollywood, y en un actor de culto. Se llamó Richard Widmark.
CUADRO A CUADRO, ACTO POR ACTO
Las salas del cinéma lo promovían por gigantescas marquesinas y afiches a todo color. Su figura vendía. Con pinta de cowboy hacía relucir los posters, y las fotos se ponían brillantes en blanco y negro donde aparecía enseñando sus revólveres, montado en su caballo o simplemente entrando al saloon a beber un aguardiente. Mientras tanto por la cabina de proyección, las latas del film marcaban cada acto, y en sus rollos cuadro a cuadro se veían escenas magistrales cuando por ejemplo se batía a duelo con algún forajido de turno. Eso quedó detenido en el tiempo en nuestra memoria. El verdadero nombre de éste personaje del séptimo arte, es Richard Weedt Widmark, o sea que no cambió demasiado en lo artístico. Nacido en Sunrise, Minnesota, en la región del Medio Oeste de los Estados Unidos, el 26 de diciembre de 1914, fue creciendo en la localidad de Princeton, en Illinois, el quinto estado más poblado de USA, estudió actuación en la Universidad de Lake Forest, siendo galardonado por altas calificaciones. De chico Richard, vivió en distintos poblados, ya que su padre quien era representante comercial, se trasladaba continuamente de lugar. Widmark, en 1938, comienza a actuar en radio a través de la tira “Aunt Jenny’s Real Life Stories”, una especie de radioteatro con voces variadas. Decidido por estar en teatro, empieza en Broadway, en 1943, con la obra “Kiss and Tell”. Su espléndida interpretación teatral fue muy apreciada por el director Henry Hathaway, quien contó con él para hacerlo debutar en la cinta “El beso de la muerte”, en 1947. Widmark hacía el papel del delincuente asesino Tommy Udo. La escena que pasará a la historia de este largometraje es aquella en que Udo empuja a una anciana en su silla de ruedas -papel interpretado por Mildred Dunnock- escaleras abajo. “El beso de la muerte” fue un suceso tremendo, y Widmark se convirtió en una estrella de la noche a la mañana. De esta manera, el actor estampa un jugoso contrato varias veces millonario, de siete años con la 20th Century Fox. Además es nominado al Oscar al mejor actor secundario.
VIVIENDO LOS PERSONAJES
Richard Widmark fue un actor que se identificaba plenamente con el papel que representaba, sea cual fuere. Vivía realmente esa personificación, estudiaba los libros, los perfeccionaba, los daba vuelta una y otra vez, los pulía y así lo demostraba por los sets. Quedaba siempre bien parado, y rara vez reiteraba sus secuencias en el piso del estudio. Durante las décadas de los cuarenta y los cincuenta, Don Richard intervino en muchas producciones. Entre sus requeridos títulos, se destacan “Noche en la ciudad”, 1950, de Jules Dassin, “Un rayo de luz”, 1950, de Joseph L. Mankiewicz, “Pánico en las calles”, 1951, de Elia Kazan, “Broken Lance”, 1954, de Edward Dmytryk, “La tela de araña”, 1955, de Vincente Minnelli, “La ley del talión”, 1956, de Delmer Daves, y “Desafío en la ciudad muerta”, 1958, de John Sturges. En los sesenta, conseguiría distinguirse con sus filmes más reconocidos: “El Álamo”, 1960, de John Wayne, “Vencedores o vencidos”, 1961, de Stanley Kramer, “Dos cabalgan juntos”, 1961, de John Ford, y “Brigada homicida”, 1968, película dirigida por Don Siegel. Precisamente el personaje de esta última producción, el detective Madigan, también resaltaría en la tv en los primeros años de los setenta.
JEAN HAZLEWOOD, y SUSAN BLANCHARD, SUS ESPOSAS
Widmark contrajo nupcias con Jean Hazlewood, escritora, desde 1942 hasta la muerte de ella, ocurrida el 2 de marzo de 1997. En septiembre de 1999, Widmark se casaría con la actriz Susan Blanchard. Richard Widmark vivía desde entonces retirado de las pantallas, en Roxbury, Connecticut, donde a los 93 años dejó de existir, el 24 de marzo de 2008, por consecuencias de la edad. Tiene una hija de su primer matrimonio, llamada Anne Heath Widmark, nacida en 1969. El cine negro, del oeste o de aventuras, siempre lo tendrá entre sus principales exponentes. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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JUAN y UN MUNDO DE 20 ASIENTOS

LA VIDA DE UN COLECTIVERO
Había dejado estacionado su colectivo 60 rumbo a Tigre. Mientras tanto, Victoria llega al reducto del pasaje Matorras y se esconde ante la presencia de Juan, el conductor del ómnibus. Paralelamente, en la casa de éste se produce un altercado entre los componentes de la familia, motivada por el constante entrometimiento de tía Rosita en la vida de su hermana mayor. La rubia Victoria, por su lado, ha decidido romper su relación con su novio Marcelo, y le devuelve sus pertenecencias y los obsequios que recibiera durante la relación. Juan se retira de su hogar disgustado con su tía y sorprende en altas horas de la noche a su vecina Victoria barriendo la vereda, que se hace pasar por la criada de la casa… Esta es una breve parte de la trama de “Un mundo de 20 asientos, tira argentina que encierra las historias de un conductor-guarda enamorado de la chica bonita, y de su profesión. La popular teleserie de 50 minutos de duración, emitida por Canal 9 Libertad de Buenos Aires, a partir del 4 de marzo de 1978, fue protagonizada por Claudio Levrino personificando a Juan Arregui y Gabriela Gili -1945-1991- como Victoria, y en la segunda temporada María de los Angeles Medrano. En el reparto se destacaban: Amelia – María Elena Sagrera, Ignacio interpretado por Roberto Escalada, Luisa Agripina – María Bufano, Julio César es Pablo Codevila, María Gimena – Rita Terranova, Rosita por Chelo Ruiz, Pancho es Carlos Moreno, Ana – Hilda Bernard, Marcelo – Mario Pasik, Dr. Menville es Mario Morets, bajo el libro de Delia G. Márquez y la dirección de Diana Alvarez. La telecomedia joya de la tv en blanco y negro culminó el 26 de noviembre de 1979, y en Montevideo se propaló a través de Saeta TV Canal 10, casi paralelamente, a manera de video-tape. La señal Volver de la vecina orilla, hasta hace poco reiteró todos los capítulos. Varios se pueden ver por youtube. Fue uno de los teleteatros más seguidos en la historia de la pantalla chica bonaerense.
PARA VIVIR UN GRAN AMOR
En la presentación de “Un mundo de veinte asientos”, mientras Juan frente al volante hacía maniobras, en la zona de Constitución, y atendía a los pasajeros, se dejaba oír el tema central característico de la cinta, “Para vivir un gran amor”, escrito y vocalizado por Cacho Castaña, un referente de las mil y una noches porteñas. La producción logró altísimos niveles de teleaudiencia y generó un fervor del público similar al que años anteriores había cosechado “Rolando Rivas Taxista”, con Soledad Silveyra y Claudio García Satur, donde muchos caballeros también comenzaron a interesarse por ésta clase de comedias, al margen de su público en potencia, las damas. Claudio Levrino y Gabriela Gili se consolidaron en forma definitiva profesionalmente en la tira; ambos más tarde intentarían repetir el suceso con “Daniel y Cecilia”, propuesta que culminó de manera fulminante tras la lamentable muerte de Levrino.
CLAUDIO LEVRINO: ÍDOLO POPULAR
Claudio Norberto Levrino nació el 6 de enero de 1945 en Barranqueras, Provincia del Chaco, Argentina, y menos de 10 largo-metrajes, y algunas novelas le bastaron para que se convirtiera rápidamente en un actor consagrado y popularísimo en el Río de la Plata. Hijo de Beatriz Teper y Vicente Levrino, separados en 1949, y hermano de Guido Levrino, sus familiares y amigos personales le solían llamar “Rodi”. Después de estudiar desempeño artístico y actoral en las tablas, obtuvo su primer papel en teatro. Fue en 1967 con “Estampas de la vida purpúrea”, y su primera novela fue “La rebelde de los Anchorena”, por Canal 13, aunque anteriormente ya había estado con un breve papel en “Alta Comedia”, en 1965. Seguiría con “Los Muertos” -de Florencio Sánchez- también en el ciclo de “Alta Comedia”, en la personificación de Augusto. En 1971 continuaría con “El ángel de la muerte”, como Conrado, “El avaro” -thriller dirigido por Alejandro Doria- en “Alta Comedia”, en el papel de Valerio, y “Viernes de Pacheco”, capítulo “Giuanín, rey de las pizzas”. “Un extraño en nuestras vidas” -drama romántico- dirigido por Roberto Denis y Diana Alvarez, en 1972. “Cacho de la esquina” donde es Miguel, a mediados de 1973. “Amar al ladrón” con Claudio Levrino y su esposa Cristina del Valle, donde logra un fenomenal hit, en una tira que se pasaba a las once de la mañana, 1974. “Alguien por quien vivir”, 1975, “La posada del sol”, 1976-1977, “Tiempo de vivir”, y 1979, “El fortín quieto”.
CASAMIENTO y SUICIDIO
En 1974 Claudio Levrino se había casado con la actriz Cristina del Valle, que ya tenía un hijo, Patricio, 1970, de un matrimonio anterior. Levrino tuvo otro hijo con ella, Federico, 1976. El sábado 19 de enero de 1980, en un hecho confuso se suicidó manejando un arma de fuego, dentro de su auto, en Mar del Plata. Estaba discutiendo con su esposa, sobre la tenencia y uso de una pistola frente a sus hijos. En ese instante, Levrino le sacó el cargador al arma y empezó a hacer movimientos sobre su cabeza, tratando de demostrar a su esposa que podría tener la pistola siempre y cuando estuviera descargada. Sin embargo el destino le jugó una mala pasada, ya que un proyectil había quedado en la recámara y éste se le disparó directo a su cabeza. Murió al otro día, el domingo 20 de enero de 1980. Su fallecimiento fue llorado por mujeres y hombres, que seguían sus novelas todas las noches.
juanjoalberti@hotmail.com

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo

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Las “Noches Mágicas” de Gianna Nannini & Edoardo Bennato

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo.

EL MEJOR TEMA DE LOS MUNDIALES
Para muchos y para mí también fue el mejor tema de los mundiales de fútbol. Se llama “Un ‘estate italiana”, en español “Un verano italiano”, o “Notti magiche” -“Noches mágicas”- obra compuesta por el músico italiano y director de orquesta Giorgio Moroder y el letrista neoyorkino Tom Whitlock, al efecto de servir como tema oficial de la Copa Mundial FIFA 1990. Escrita originalmente en inglés bajo el título de “To be number one” -“Para ser número uno”- la versión italiana, es de Gianna Nannini y Edoardo Bennato, fue interpretada por ambos en el sorteo y en la ceremonia inaugural del mismo. Esta última terminó siendo más exitosa que la original, incluso en los países de habla inglesa y en todo el mundo donde se ha utilizado tanto en las coberturas televisivas y radiales sobre las diferentes ediciones de la copa, como en publicidades alusivas al respecto de otros mundiales del balompié. También diversas encuestas de diferentes medios musicales del orbe, la han considerado la súper canción de la historia de estos eventos, por la emoción que transmiten tanto su letra como su música. Tanto es así, que muchas veces desde el noventa hasta el presente, la utilizan de cortina en infinidad de espacios cuando hacen alguna relación con el buen juego del fútbol.
ASÍ COMENZABA TODO…
En 1989, los organizadores de la Copa Mundial de Fútbol de 1990 le encargaron a Giorgio Moroder la realización de una canción para que esta sea el tema oficial del campeonato. Moroder escribió la música, pero le pidió el contenido lírico al letrista Tom Whitlock, con quien ya había colaborado en “Take my breath away”, el leitmotiv del film “Top Gun”, de infinidad de distinciones. Whitlock puso la letra en inglés, que llevó como título “To be number one”, la cual fue llevada adelante por una banda creada por el propio Moroder especialmente para la ocasión, llamada Giorgio Moroder Project, que tenía como vocalista al cantante norteamericano Paul Engemann. Sin embargo, Moroder no quedó del todo conforme con la letra original en inglés, que era bastante sencilla y solamente hablaba sobre el juego limpio y las ansias de victoria, por lo que le encargó una letra en italiano a sus compatriotas Edoardo Bennato y Gianna Nannini, quienes eran en aquel momento las principales figuras de la música rock en Italia. Esto provocó la ruptura de la relación profesional entre Moroder y Whitlock, quienes nunca más volvieron a trabajar juntos. Benatto y Nannini, sabiendo que Moroder no había quedado satisfecho con la letra escrita por Whitlock, decidieron escribir una letra totalmente diferente, llamada “Un’estate italiana”, que a diferencia de la versión original, poseía una estructura lírica más elaborada y poética, que además del fair play y la voluntad de ganar, hablaba sobre la emoción de la competencia futbolística y de la fiesta internacional que generaba la copa. Finalmente, la versión en italiano, además de ser más popular que la versión original en Italia y en toda la zona europea, tuvo más impacto a nivel internacional. Sin embargo, seguramente para evitar un conflicto entre los compositores, Whitlock figura en los créditos de la versión en italiano como co-autor de la letra, junto a Benatto y Nannini. Por demás está comentarlo, que el disco aparecido en simple, maxi sencillo, cd, en versiones alargadas, en 1989, con una duración de 4:24, a través de Sugarmusic, Virgin y Warner Bros Music, facturó millonadas por ventas y derechos de autor. Existen otras versiones en español de otros artistas, pero éstas nunca alcanzaron el nivel y el suceso de las originales.
GIANNA NANNINI: ” MARAVILLOSA CRIATURA”
Gianna Nannini, nacida en el barrio de la Oca, en Siena, Italia, el 14 de junio de 1954, se hizo famosa luego del Mundial 90, ante el tremendo suceso del tema en cuestión. Estudió piano en un conservatorio, luego se mudó a Milán y se inició muy joven en el mundo del rock, y figura como una fiel representante de la música italiana, como cantante y compositora. En 1976 publicó su primer álbum con la discográfica Ricordi aunque el primer éxito lo obtuvo con el simple “América”, incluido en el álbum “California” y que abrió a la solista el mercado internacional. Gracias a la colaboración del productor Conny Plank, con quien participó en la banda sonora de Sconcerto rock, y Latin Lover, un gran hit mundial, donde el rock de Nannini llegó a ser mucho más europeo. Otros hits son: “Bello e impossibile”, “Aria”, “Profumo”, “Centomila”, “Ragazzo dell’Europa”, “Sei nell’anima”, “I maschi”, “Io”, y uno de los más conocidos “Meravigliosa creatura” y muchos más. Es la hermana mayor del expiloto de Fórmula 1, Alessandro Nannini.
EDOARDO BENNATO: BLUES, ROCK y ÓPERA
Edoardo Bennato llegó a este mundo el 23 de julio de 1946, en Nápoles, Campania, Italia; su historia al igual que Nannini se escribe luego del Mundial 90. Edoardo se metió de lleno en la música a principios de los setenta, después de mudarse desde Nápòles a Milán, para estudiar arquitectura a los 18 años. Su primer simple fue editado en 1966 y fue considerado uno de los compositores más creativos e innovadores de su tiempo. Su estilo se distinguió por ser una mezcla imaginativa de blues, rock and roll, e inclusive influencias como la ópera. Antes de ser conocido por «Un’estate italiana»; había editado un total de catorce discos, que solo fueron éxitos en su país natal. Luego de ser sorteado con Nannini para la interpretar la canción oficial de la copa del mundo de su país; en el año 1990 grabaron el videoclip con imágenes del mundial anterior. Después del suceso de la canción y hasta la actualidad, Bennato editó dieciocho trabajos discográficos. Más allá de la nostalgia.
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LOS INVENCIBLES DE NÉMESIS

LA BASE, EN GINEBRA, SUIZA
Durante los años 1968 y 1969, vió la luz una de las grandes tiras de la televisión. En 30 capítulos, que resultan escasos por su trama, calidad y brillo, filmados en colores, pero que la mayoría en su momento vió en blanco y negro, porque el color en la pantalla chica demoraría mucho más en llegar, a no ser que se observaran en alguna de las reposiciones que se harían décadas después, más que nada en canales cable. La duración de 50 minutos encerraba un argumento muy bien llevado, cargado de espionaje, acción y ciencia ficción, creado y producido por Dennis Spooner -1932-1986- y Monty Berman -1905-2006- también productor de “El Santo”, para la cadena británica ITC Entertainment. Con los protagónicos de la bella rubia Alexandra Bastedo como Sharon MacReady, Stuart Damon encarnando a Craig Stirling y William Gaunt haciendo de Richard Barrett, tres agentes secretos que trabajan para la central de inteligencia Némesis, asociada a las Naciones Unidas y con sede en Ginebra, llamada -La Base- y cuyo propósito es garantizar el orden y la paz mundial. En La Base está Anthony Nicholls como el Comandante William Tremayne. La primera misión los llevará a China para terminar con un peligroso experimento bacteriológico. Durante la fuga tras cumplir su misión, el avión que les transporta cae en medio del Himalaya, donde serán rescatados por un monje perteneciente a una avanzada civilización desconocida por el ser humano. Tras jurar no revelar nunca su existencia, serán dotados de poderes sobrehumanos, tales como habilidades psíquicas para comunicarse a grandes distancias telepáticamente, gran memoria, fuerza sobrenatural, y más. A partir de ese momento, los tres agentes utilizarán sus poderes para luchar contra villanos nazis, científicos malvados, organizaciones criminales o cualquier otro peligro que amenace por sobre todas las cosas, la paz mundial. Se trata de “The Champions”, siendo su traducción para América Latina “Los invencibles de Némesis”.
UNA SERIE DE CULTO
Con el paso del tiempo “The Champions” se erigió en una serie de culto. Es que posee la receta del éxito para triunfar, comenzando por las labores actorales en los principales desempeños. Alternando con un suspenso increíble y un misterio poco común, se desarrolla la acción en la Internacional Némesis, en un elegante complejo para la época, en Ginebra, donde está el mandamás Tremayne comodamente ubicado en su oficina moviendo los hilos de la organización. Sentado en la silla de su gran escritorio, estudiaba cuidadosamente el plan a efectuar, secundado por su trío de confidentes. A través de un ventanal, observaba desde las alturas el pasar de los transeúntes y los vehículos, mientras de reojo miraba el gigantesco mapa que era tan característico en la serial. Las aventuras estaban ahí… de la mano de Sharon, Craig y Richard, tres espías que luchaban para general el orden en forma internacional, acompasado por la música de fondo compuesta por Tony Hatch. “El comienzo”, “El hombre invisible”, “Apartado de correos 666″, “El experimento”,”El gran suceso”, “Operación bajo cero”,”Los sobrevivientes”, “Preparando la trampa”, “Mano de hierro”,”El avión fantasma”,”La isla secreta”, “Los fanáticos”,”12 horas de prueba”, “La búsqueda”, “Traición que acecha”,”La sombra de la pantera”, “Ansias de morir”, “La pregunta”, “La misión”, “El enemigo silencioso”, “Ladrones de cuerpos”, “Secuestro en el Caribe”, “Complot siniestro”,
“Proyecto cero”, “Jornada peligrosa”, “Error fatal”, “Rompecabezas”, “La última batalla”, “Contrabando de armas”, e “Impulso de matar”, son los títulos de los 30 episodios realizados.
PROTAGONISTAS: UNO A UNO
Alexandra Lendon Bastedo, además de hacer de Sharon Macready, en “Los Invencibles de Némesis”, fue escritora de cine y televisión y simbolo sexual de los sesenta y los setenta. Nació en Hove, el 9 de marzo de 1946, dejando de existir en West Chiltington, el 12 de enero de 2014, tras una larga batalla contra el cáncer, a los 67 años. Alexandra Bastedo era vegetariana y una defensora del bienestar de los animales, entre otras consignas. En 1991, apareció en una notable producción de la película de suspenso sobre una peligrosa obsesión psicológica dirigida por N.J. Crisp, junto a Marc y Sinden Challis Juan, en “The Mill at Sonning”. Su marido fue el director Patrick Garland, famoso por su dirección del Festival de Teatro de Chichester, con quien se casó en 1980 en la Catedral de Chichester. Él falleció un año antes que ella. Michael Stuart Zonis, conocido como Stuart Damon, llegó a éste mundo el 5 de febrero de 1937, en Brooklyn. Tiene actualmente 78 años. Fue Craig Stirling en “Los Invencibles… ” y también se le conoce por haber realizado el personaje del doctor Alan Quartermaine en la tira “Hospital General”, por la que ganó un Premio Emmy en 1999. William Gaunt quien es Richard Barrett, nació el 3 de abril de 1937 en Pudsey. Tiene hoy 78 años. Trabajó en teatro, en distintas series y también hizo un papel recurrente en “Sargento Cork” de la policía, ambientado en el Londres victoriano. Por último, Anthony Nicholls quien hizo de Tremayne, nació el 16 de octubre de 1902, en Windsor, Berkshire, dejando de existir el 22 de febrero de 1977, en Londres, cuando tenía 74 años. Hizo televisión, teatro y cine. Su verdadero nombre fue Sydney Horace Nicholls. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

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FUE “MARCUS WELBY”… ROBERT YOUNG: EL PAPÁ DE LAS SERIES

91 AÑOS AL COMPÁS
DEL CELULOIDE
Actuó en más de cien filmes en una interesante carrera cinematográfica que comenzó en 1931, culminando en 1952. También hizo teatro con varias obras destacadas, pero alcanzó un relieve máximo en la televisión con “Papá lo sabe todo”, encarnando a Jim Anderson, un padre bueno,  enamorado de su esposa, consejero de sus hijos, que entregaba todo por su familia y en “Marcus Welby, M.D.”, serie con la cual obtuvo un Emmy como mejor actor de tira dramática, donde personificaba a un doctor, llegando a estar tan bien identificado con el papel que desarrollaba, que marcó una época con el comercial de un medicamento, en el que aparecía de túnica y anunciaba: “No soy médico, pero interpreto a uno en la tv”. Le otorgaron uno de los papeles más sobresalientes al final de su carrera con la MGM, en la película “H.M. Pulham, Esq.” . “Cenizas de amor”-  en la cual Hedy Lamarr consiguió una de sus pocas actuaciones reconocidas. Nacido el 22 de febrero de 1907 y desaparecido el 21 de julio de 1998, vivió 91 años al compás del celuloide. Se llamó Robert Young, y para casi todo Hollywood y sus críticos fue un actor clase B,  es decir, de trabajo en películas de bajo presupuesto y rodaje de tres semanas, pero él demostró que tenía talento y que estaba para otras producciones, siendo así reconocido con el paso del tiempo.
HIZO DUPLA CON
FAMOSAS ACTRICES
Robert George Young llegó a este mundo en Chicago, Illinois, siendo el hijo de una ama de casa estadounidense y de un marino irlandés. Atraído por las tablas estudió actuación durante años en su juventud en Abraham Lincoln High School de Los Ángeles, graduándose con todos los honores y siendo felicitado por todos los profesores, por sus altas calificaciones en las correspondientes materias. Años más tarde, Robert debutaba en varios teatros, registrando paralelamente un interesante contrato con la Metro-Goldwyn Mayer, el estudio que nucleaba a casi todos los artistas del momento, haciendo dupla con famosas actrices: Luise Rainer, Norma Shearer, Margaret Sullavan, Joan Crawford, Helen Twelvetrees, entre otros del estilo. Emparentado con filmes de clase baja, rodaba de seis a ocho títulos por año. Desde 1943, Young apareció como protagonista con papeles más importantes en los cuales presentaba una edificada versatilidad no manifestada por otros actores de la MGM. Así, de la noche a la mañana, pasó por “The enchanted cottage”, “The second woman”, “Crossfire”, “Claudia”, “They wont believe me” y más, en las cuales fue elogiado por los periodistas de espectáculos y aceptado por los espectadores.
PRIMERO EN LA RADIO, DESPUÉS EN LA TELE
Después de la pantalla grande, Robert comenzó su etapa en la televisión, extendiéndose hasta 1988. Pero antes empezó en la radio con “Father knows best” -“Papá lo sabe todo”- desde 1949 hasta 1954, para seguir luego en la tv con el mismo título, entre 1954 y 1960, donde Young y su compañera de la tira, Jane Wyatt, obtuvieron varios Emmy. “Papá lo sabe todo”, es una comedia en blanco y negro de 22 minutos aproximados de duración, pionera de la tele estadounidense, con 203 episodios, creada y dirigida por Ed James, bajo la producción de Rodney. Young Productions y Screen Gems Television para CBS, y NBC, debutando en parrilla el 3 de octubre de 1954, bajando de cartel el 23 de mayo de 1960. En Montevideo, la serial era emitida por Saeta Canal 10. Estelarizada por Young como Jim, un padre afable de una feliz familia, su esposa Margaret interpretada por Jane Wyatt, y sus tres hijos: Betty -Elinor Donahue, Bud -Billy Gray, y Kathy -Lauren Chapin. La comedia se desarrolla alrededor de los dilemas, problemas e inquietudes del diario acontecer de una típica familia de clase media y la manera en que el ingenioso padre Jim Anderson los enfrenta y resuelve ayudado a veces por su esposa Margaret que posee un gran sentido común. Los hijos saben que siempre que necesiten apoyo, un consejo o cualquier otra cosa, cuentan con su padre, ya que “Papá lo sabe todo”.
DR. MARCOS
WELBY EN ACCIÓN
En 1969 Young fue llamado para llevar adelante la tira “Marcus Welby M.D.”, donde fue la figura principal personificando a un médico. Permaneció durante siete temporadas en grilla, con 169 capítulos, de 50 minutos, producida por David Víctor y David J. O’Connell, para Universal Televisión y NBC Universal Distribution Broadcast. Se trataba de un drama que entró fuerte en los hogares desde el 23 de septiembre de 1969 al 29 de julio de 1976.  Young fue el propio Dr. Marcus Welby, James Brolin el médico Steven Kiley que lo acompañaba.  La tira llegó al número uno en teleaudiencia. Posteriormente Robert creó, produjo y protagonizó la serie “Window on Main Street” -1961-1962- la cual solamente duró seis meses. Robert Young se había casado con Betty Henderson en 1933 hasta la muerte de ella en 1994, tuvieron cuatro hijos. Robert dejó de existir en su casa de Westlake Village, California, fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park, en Glendale, California. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, uno por su contribución al cine en el 6933 de Hollywood Boulevard y otro por su trabajo televisivo en el 6358. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

91 AÑOS AL COMPÁS DEL CELULOIDE

Actuó en más de cien filmes en una interesante carrera cinematográfica que comenzó en 1931, culminando en 1952. También hizo teatro con varias obras destacadas, pero alcanzó un relieve máximo en la televisión con “Papá lo sabe todo”, encarnando a JimpageAnderson, un padre bueno,  enamorado de su esposa, consejero de sus hijos, que entregaba todo por su familia y en “Marcus Welby, M.D.”, serie con la cual obtuvo un Emmy como mejor actor de tira dramática, donde personificaba a un doctor, llegando a estar tan bien identificado con el papel que desarrollaba, que marcó una época con el comercial de un medicamento, en el que aparecía de túnica y anunciaba: “No soy médico, pero interpreto a uno en la tv”. Le otorgaron uno de los papeles más sobresalientes al final de su carrera con la MGM, en la película “H.M. Pulham, Esq.” . “Cenizas de amor”-  en la cual Hedy Lamarr consiguió una de sus pocas actuaciones reconocidas. Nacido el 22 de febrero de 1907 y desaparecido el 21 de julio de 1998, vivió 91 años al compás del celuloide. Se llamó Robert Young, y para casi todo Hollywood y sus críticos fue un actor clase B,  es decir, de trabajo en películas de bajo presupuesto y rodaje de tres semanas, pero él demostró que tenía talento y que estaba para otras producciones, siendo así reconocido con el paso del tiempo.

HIZO DUPLA CON FAMOSAS ACTRICES

Robert George Young llegó a este mundo en Chicago, Illinois, siendo el hijo de una ama de casa estadounidense y de un marino irlandés. Atraído por las tablas estudió actuación durante años en su juventud en Abraham Lincoln High School de Los Ángeles, graduándose con todos los honores y siendo felicitado por todos los profesores, por sus altas calificaciones en las correspondientes materias. Años más tarde, Robert debutaba en varios teatros, registrando paralelamente un interesante contrato con la Metro-Goldwyn Mayer, el estudio que nucleaba a casi todos los artistas del momento, haciendo dupla con famosas actrices: Luise Rainer, Norma Shearer, Margaret Sullavan, Joan Crawford, Helen Twelvetrees, entre otros del estilo. Emparentado con filmes de clase baja, rodaba de seis a ocho títulos por año. Desde 1943, Young apareció como protagonista con papeles más importantes en los cuales presentaba una edificada versatilidad no manifestada por otros actores de la MGM. Así, de la noche a la mañana, pasó por “The enchanted cottage”, “The second woman”, “Crossfire”, “Claudia”, “They wont believe me” y más, en las cuales fue elogiado por los periodistas de espectáculos y aceptado por los espectadores.

PRIMERO EN LA RADIO, DESPUÉS EN LA TELE

Después de la pantalla grande, Robert comenzó su etapa en la televisión, extendiéndose hasta 1988. Pero antes empezó en la radio con “Father knows best” -“Papá lo sabe todo”- desde 1949 hasta 1954, para seguir luego en la tv con el mismo título, entre 1954 y 1960, donde Young y su compañera de la tira, Jane Wyatt, obtuvieron varios Emmy. “Papá lo sabe todo”, es una comedia en blanco y negro de 22 minutos aproximados de duración, pionera de la tele estadounidense, con 203 episodios, creada y dirigida por Ed James, bajo la producción de Rodney. Young Productions y Screen Gems Television para CBS, y NBC, debutando en parrilla el 3 de octubre de 1954, bajando de cartel el 23 de mayo de 1960. En Montevideo, la serial era emitida por Saeta Canal 10. Estelarizada por Young como Jim, un padre afable de una feliz familia, su esposa Margaret interpretada por Jane Wyatt, y sus tres hijos: Betty -Elinor Donahue, Bud -Billy Gray, y Kathy -Lauren Chapin. La comedia se desarrolla alrededor de los dilemas, problemas e inquietudes del diario acontecer de una típica familia de clase media y la manera en que el ingenioso padre Jim Anderson los enfrenta y resuelve ayudado a veces por su esposa Margaret que posee un gran sentido común. Los hijos saben que siempre que necesiten apoyo, un consejo o cualquier otra cosa, cuentan con su padre, ya que “Papá lo sabe todo”.

DR. MARCOS WELBY EN ACCIÓN

En 1969 Young fue llamado para llevar adelante la tira “Marcus Welby M.D.”, donde fue la figura principal personificando a un médico. Permaneció durante siete temporadas en grilla, con 169 capítulos, de 50 minutos, producida por David Víctor y David J. O’Connell, para Universal Televisión y NBC Universal Distribution Broadcast. Se trataba de un drama que entró fuerte en los hogares desde el 23 de septiembre de 1969 al 29 de julio de 1976.  Young fue el propio Dr. Marcus Welby, James Brolin el médico Steven Kiley que lo acompañaba.  La tira llegó al número uno en teleaudiencia. Posteriormente Robert creó, produjo y protagonizó la serie “Window on Main Street” -1961-1962- la cual solamente duró seis meses. Robert Young se había casado con Betty Henderson en 1933 hasta la muerte de ella en 1994, tuvieron cuatro hijos. Robert dejó de existir en su casa de Westlake Village, California, fue enterrado en el cementerio Forest Lawn Memorial Park, en Glendale, California. Tiene dos estrellas en el Paseo de la Fama de Hollywood, uno por su contribución al cine en el 6933 de Hollywood Boulevard y otro por su trabajo televisivo en el 6358. Más allá de la nostalgia.

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DESDE MOCEDADES HASTA SERGIO & ESTIBALIZ… LA IDA DE SERGIO BLANCO

BILBAO, PUNTO
DE PARTIDA
Es un grupo español de categoría internacional, que antes se llamó Voces y Guitarras, con todo el sonido y la expresión. Producido por el maestro Juan Carlos Calderón, se inicia trabajando duro. Sus principios fueron como cualquier agrupación, había que pulir aquellos sonidos, otorgarle algo diferente, combinar las voces y buscar temas que estuvieran dentro de su personalidad. En su punto de partida estaba formado por ocho integrantes: Paco Panera, José Ipiña, Amaya Uranga, Rafa Blanco, Sergio Blanco, Estibaliz Uranga, Roberto Uranga, e Izaskun Uranga. Los estudios apartaron de esta primera formación a Paco y José. Deseaban terminar sus respectivas carreras universitarias y pensaron que era mejor dejar de lado las actividades artísticas. Pero, Mocedades, siguió adelante a paso triunfal. Las canciones populares, griegas, irlandesas, y las espirituales, fueron su primer aprendizaje. En realidad, terminaron interpretando cualquier tipo de folklore, hasta folk norteamericano, pero lo suyo fueron los temas románticos de excepción. Después de ensayar el show a desarrollar próximamente, el grupo firma con el sello discográfico Zafiro y así surge su simple lanzamiento: “Take my hand precious Lord” y “Aridos campos”. La banda gusta por su sonido y sobre todo por las magníficas voces y los temas del sencillo empiezan a solicitarse por las radioemisoras. Los aficionados españoles sueñan así con el estilo de Mocedades, pensando la convocatoria que desarrollará la banda de forma mundial. Su despegue fue en 1970 en el pabellón de deportes de la ciudad deportiva del Club Real Madrid. Su nacimiento en Bilbao.
“ERES TÚ”: 1972
Tras varias ediciones, Mocedades registra en 1972 lo que sería a la postre su “caballito de batalla”: “Eres tú”, con el que marcan un suceso en los países de habla hispana. Paralelamente, en diciembre del mismo año se retiran del conjunto, Sergio y Estibaliz y se consolidan como dúo, en noviembre de 1973. Años después, en marzo de 1975, fueron los representantes de España en el Festival de Eurovisión, en Estocolmo, con la canción ‘Tú volverás’ de Juan Carlos Calderón con la que quedaron en décimo lugar, siento todo un hit en España y América Latina. El 9 de diciembre de ese año, la pareja se casa en Bilbao. Fruto de este matrimonio nacerían dos hijas, Allende, 1983, y María, 1988, ésta última también cantante. En 1976 lanzan “Quién compra una canción”. El éxito acumulado les hizo grabar un disco recopilatorio, “Queda más vida”, y al año siguiente deciden editar un LP homenaje a la tierra latinoamericana titulado “Canciones sudamericanas”. En 1978 participaron en la grabación del álbum “Misa Campesina Nicaragüense”, del cantautor nicaragüense Carlos Mejía Godoy, con otros artistas como Ana Belén o Elsa Baeza cantando dos canciones del mismo, y haciendo el gran final con todos los artistas participantes. Tras intentar un cambio con la fórmula folk, en 1979 editan “Beans”, con varios temas en inglés, que no tuvo la aceptación esperada por la pareja, al cambiar drásticamente de estilo musical e incluso de estética. Tras tomarse un descanso, en el  que tuvieron una hija, en 1983 graban “Agua” con el que pretenden de nuevo volver a sus orígenes. En febrero de 1984 hicieron una breve aparición en el concierto “15 años de música” de Mocedades donde vocalizaron tres temas con ellos. Ese mismo año, participan en el musical “Jesucristo Superstar”. Al año posterior editan “Cuidado con la noche” del que salió su single “Cantinero de Cuba” de Arturo Pareja Obregón y “Te quiero y ya” de Hernaldo Zúñiga. Este álbum les llevó a lo más alto de las listas de ventas de todos los sitios. El simple “Lluvia de plata” está interpretado en dueto con Mocedades, constituyendo una rareza al ser la única grabación de tal grupo tras la salida de Amaya Uranga y antes de la entrada de su sustituta Ana, sólo con los cinco históricos restantes. Al año siguiente publican “Sí señor” que goza también de bastante popularidad.
“PLANETA TIERRA”:
PUNTO FINAL DE
LA CARRERA
Coincidiendo con el nacimiento de su segunda hija, Sergio y Estibaliz editan “Déjame vivir con alegría”, en el que también participan entre otras “Only the heart may know” de Dan Fogelberg. En 1989 les esperaba otro fracaso discográfico, de la mano de “De par en par” lo que les hizo romper el contrato con su fonográfica. Años más tarde publicarían “Planeta tierra” que es el punto final de la carrera de la pareja, en la edición de discos. Ya en 1993 deciden unirse nuevamente con antiguos componentes de Mocedades, Amaya Uranga -exsolista principal de Mocedades- e Iñaki Uranga -ambos hermanos de Estíbaliz- y con Carlos Zubiaga -antiguo componente de Los Mitos y miembro de la época dorada de Mocedades, integrante de la formación conocida como “los 6 históricos”-  para formar El Consorcio, con el que habían grabado hasta ahora 12 producciones, entre ellas: “Lo que nunca muere” y “Peticiones del oyente”, en 1994, “Programa doble”, 1996, “Las canciones de mi vida”, 2000, “En vivo desde el corazón de México”, 2003,  “De ida y vuelta”, 2005, y el último de ellos en 2008, “Querido Juan”. En 2007 formaron parte del jurado del concurso de TVE, “Lluvia de estrellas”, buscadores de talentos joóvenes.
CANTANTE,
INGENIERO y ESCULTOR
Sergio Blanco, que había llegado a este mundo incierto el 17 de noviembre de 1948, se licenció como ingeniero técnico industrial después de haber pasado por las aulas de ingeniería aeronáutica. Además de su carrera musical Sergio se volcó de lleno en su faceta de escultor, en la que, tras más de 25 años trabajando el bronce se ha constituído como uno de los mejores escultores figurativos, principalmente de temática histórica. Sus obras son de inspiración clásica, muchas de las cuales centradas en personajes como El Cid, Miguel de Cervantes o Carlos III y otras dedicadas a deportistas y a músicos. Lamentablemente, el pasado domingo 15 de febrero de 2015, a los 66 años, dejó de existir después de luchar durante dos años con una cruel enfermedad, que lo tenía totalmente alejado de los escenarios. Fue pieza fundamental en Mocedades, Sergio y Estibaliz y El Consorcio. Más allá de la nostalgia.
BILBAO, PUNTO DE PARTIDA
Es un grupo español de categoría internacional, que antes se llamó Voces y Guitarras, con todo el sonido y la expresión. Producido por el maestro Juan Carlos Calderón, se inicia trabajando duro. Sus principios fueron como cualquier agrupación, había que pulir aquellos sonidos, otorgarle algo diferente, combinar las voces y buscar temas que estuvieran dentro de su personalidad. En su punto de partida estaba formado por ocho integrantes: Paco Panera, José Ipiña, Amaya Uranga, Rafa Blanco, Sergio Blanco, Estibaliz Uranga, Roberto Uranga, e Izaskun Uranga. Los estudios apartaron de esta primera formación a Paco y José. Deseaban terminar sus respectivas carreras universitarias y pensaron que era mejor dejar de lado las actividades artísticas. Pero, Mocedades, siguió adelante a paso triunfal. Las canciones populares, griegas, irlandesas, y las espirituales, fueron su primer aprendizaje. En realidad, terminaron interpretando cualquier tipo de folklore, hasta folk norteamericano, pero lo suyo fueron los temas románticos de excepción. Después de ensayar el show a desarrollar próximamente, el grupo firma con el sello discográfico Zafiro y así surge su simple lanzamiento: “Take my hand precious Lord” y “Aridos campos”. La banda gusta por su sonido y sobre todo por las magníficas voces y los temas del sencillo empiezan a solicitarse por las radioemisoras. Los aficionados españoles sueñan así con el estilo de Mocedades, pensando la convocatoria que desarrollará la banda de forma mundial. Su despegue fue en 1970 en el pabellón de deportes de la ciudad deportiva del Club Real Madrid. Su nacimiento en Bilbao.
“ERES TÚ”: 1972
Tras varias ediciones, Mocedades registra en 1972 lo que sería a la postre su “caballito de batalla”: “Eres tú”, con el que marcan un suceso en los países de habla hispana. Paralelamente, en diciembre del mismo año se retiran del conjunto, Sergio y Estibaliz y se consolidan como dúo, en noviembre de 1973. Años después, en marzo de 1975, fueron los representantes de España en el Festival de Eurovisión, en Estocolmo, con la canción ‘Tú volverás’ de Juan Carlos Calderón con la que quedaron en décimo lugar, siento todo un hit en España y América Latina. El 9 de diciembre de ese año, la pareja se casa en Bilbao. Fruto de este matrimonio nacerían dos hijas, Allende, 1983, y María, 1988, ésta última también cantante. En 1976 lanzan “Quién compra una canción”. El éxito acumulado les hizo grabar un disco recopilatorio, “Queda más vida”, y al año siguiente deciden editar un LP homenaje a la tierra latinoamericana titulado “Canciones sudamericanas”. En 1978 participaron en la grabación del álbum “Misa Campesina Nicaragüense”, del cantautor nicaragüense Carlos Mejía Godoy, con otros artistas como Ana Belén o Elsa Baeza cantando dos canciones del mismo, y haciendo el gran final con todos los artistas participantes. Tras intentar un cambio con la fórmula folk, en 1979 editan “Beans”, con varios temas en inglés, que no tuvo la aceptación esperada por la pareja, al cambiar drásticamente de estilo musical e incluso de estética. Tras tomarse un descanso, en el  que tuvieron una hija, en 1983 graban “Agua” con el que pretenden de nuevo volver a sus orígenes. En febrero de 1984 hicieron una breve aparición en el concierto “15 años de música” de Mocedades donde vocalizaron tres temas con ellos. Ese mismo año, participan en el musical “Jesucristo Superstar”. Al año posterior editan “Cuidado con la noche” del que salió su single “Cantinero de Cuba” de Arturo Pareja Obregón y “Te quiero y ya” de Hernaldo Zúñiga. Este álbum les llevó a lo más alto de las listas de ventas de todos los sitios. El simple “Lluvia de plata” está interpretado en dueto con Mocedades, constituyendo una rareza al ser la única grabación de tal grupo tras la salida de Amaya Uranga y antes de la entrada de su sustituta Ana, sólo con los cinco históricos restantes. Al año siguiente publican “Sí señor” que goza también de bastante popularidad.
“PLANETA TIERRA”: PUNTO FINAL DE LA CARRERA
Coincidiendo con el nacimiento de su segunda hija, Sergio y Estibaliz editan “Déjame vivir con alegría”, en el que también participan entre otras “Only the heart may know” de Dan Fogelberg. En 1989 les esperaba otro fracaso discográfico, de la mano de “De par en par” lo que les hizo romper el contrato con su fonográfica. Años más tarde publicarían “Planeta tierra” que es el punto final de la carrera de la pareja, en la edición de discos. Ya en 1993 deciden unirse nuevamente con antiguos componentes de Mocedades, Amaya Uranga -exsolista principal de Mocedades- e Iñaki Uranga -ambos hermanos de Estíbaliz- y con Carlos Zubiaga -antiguo componente de Los Mitos y miembro de la época dorada de Mocedades, integrante de la formación conocida como “los 6 históricos”-  para formar El Consorcio, con el que habían grabado hasta ahora 12 producciones, entre ellas: “Lo que nunca muere” y “Peticiones del oyente”, en 1994, “Programa doble”, 1996, “Las canciones de mi vida”, 2000, “En vivo desde el corazón de México”, 2003,  “De ida y vuelta”, 2005, y el último de ellos en 2008, “Querido Juan”. En 2007 formaron parte del jurado del concurso de TVE, “Lluvia de estrellas”, buscadores de talentos joóvenes.
CANTANTE, INGENIERO y ESCULTOR
Sergio Blanco, que había llegado a este mundo incierto el 17 de noviembre de 1948, se licenció como ingeniero técnico industrial después de haber pasado por las aulas de ingeniería aeronáutica. Además de su carrera musical Sergio se volcó de lleno en su faceta de escultor, en la que, tras más de 25 años trabajando el bronce se ha constituído como uno de los mejores escultores figurativos, principalmente de temática histórica. Sus obras son de inspiración clásica, muchas de las cuales centradas en personajes como El Cid, Miguel de Cervantes o Carlos III y otras dedicadas a deportistas y a músicos. Lamentablemente, el pasado domingo 15 de febrero de 2015, a los 66 años, dejó de existir después de luchar durante dos años con una cruel enfermedad, que lo tenía totalmente alejado de los escenarios. Fue pieza fundamental en Mocedades, Sergio y Estibaliz y El Consorcio. Más allá de la nostalgia.
Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo

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A 44 AÑOS DE LA DESAPARICIÓN DE… ÍGOR STRAVINSKY: LA SINFONÍA RUSA del SIGLO XX

UNA FRESCURA
MULTICOLOR
Su nombre recorrió el mundo como músico, director y compositor de alto vuelo.  La afamada revista “Time” lo denominó en sus páginas: “Una de las personalidades más influyentes del siglo XX”, teniéndolo siempre en sus publicaciones mientras existió con sus conciertos exitosos a salas llenas. Nacido en Rusia, instalado en Estados Unidos, su estilo marcó una diferencia entre sus colegas.  Sus inspiradas y renovadoras sinfonías dibujaron una frescura multicolor en las tablas de los escenarios del orbe. Las luces y el brillo le acompañaron en cada jornada encontrando un sobresaliente en cada realización. Un artista en todo el sentido de la palabra, que fue desarrollando su gran capacidad escribiendo para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas a pequeñas piezas para piano y obras perfectas para agrupaciones jazzísticas. Su pluma y pentagrama musical atravesaron barreras y códigos, practicando el serialismo, neoclasicismo y el primitivismo. Su fama se le reconoce por tres obras magistrales: “El pájaro de fuego” -“L’Oiseau de feu”- 1910, “Petrushka”, 1911, y “La consagración de la primavera” -“Le sacre du printemps”, 1913, entre otros. Para muchos, estos ballets, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Se llamó Ígor Fiódorovich Stravinsky.
ADELANTADO EN
EL RUBRO
Ígor llegó a éste mundo el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum, un suburbio de San Petersburgo, hoy Lomonósov, en Rusia. Su madre Anna, y su padre Fyodor Stravinsky, cantante de ópera en el Teatro Marilinsky de San Petersburgo, no se llevaban bien y el muchacho creció al cuidado de su padre y hermana mayor, siendo su infancia, una mezcla de experiencias que revelaban poco al artista que llegaría a ser, rápidamente. Siendo niño tomó sesiones de piano, estudiando teorías. Ígor comenzó estudios de Derecho, pero fue a cincuenta clases más o menos, en cuatro años de estudio, ya que tiempo después lo cambiaría todo por la composición, lo que le llamaba en realidad. En 1902, a los 20 años de edad, Stravinski se convirtió en alumno de Nikolái Rimski-Kórsakov, probablemente el compositor ruso más importante en ese momento. En poco tiempo ya sabía mucho y se erigió como adelantado en el rubro. Desde ese momento se concentró en el estudio de la música, siguiendo con el profesor Rimski, hasta el fallecimiento de éste. En 1905 se comprometió con su prima Yekaterina Gavrílovna Nosenko -Katya-  a quien había conocido en la infancia. A pesar de que la Iglesia Ortodoxa se oponía al matrimonio entre primos hermanos, la pareja se casó el 23 de enero 1906: siendo sus dos primeros hijos, Fyodor -Theodore- y Ludmila, que nacieron en 1907 y 1908, respectivamente.  En febrero de 1909, dos obras orquestales, “Scherzo fantastique” y “Feu d’artifice” -“Fuegos artificiales”- se realizaron en un concierto en San Petersburgo, donde fueron escuchados por Sergei Diaghilev, que estaba en ese momento en la planificación para presentar la ópera y el ballet ruso en París. Sergei quedó totalmente impresionado por “Fireworks” comisionando a Stravinsky para llevar a cabo algunas orquestaciones y luego para componer una partitura de ballet de larga duración, el ya comentado “Pájaro de fuego”, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.
ÉXITO MONUMENTAL:
DE LA NOCHE A LA
MAÑANA
Stravinsky se convirtió en sensación de la noche a la mañana con su debut en París el 25 de junio de 1910. Tiempo después, en el estreno de “La consagración de la primavera”, en 1913, explota el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a trompada limpia entre los espectadores y el segundo acto se llevó a cabo con una absoluta vigilancia policial. Ígor desplegó un deseo inagotable por leer y explorar el arte y la literatura en su vida. Esto se manifestó en algunas de sus colaboraciones en París. No solo fue el compositor principal para Serguéi Diáguilev de los Ballets Rusos, sino también colaboró con Pablo Picasso, “Pulcinella”, 1920, Jean Cocteau, “Oedipus Rex”, 1927, y George Balanchine, “Apollon Musagete”, 1928. Posteriormente, llegaría otra partitura destinada al ballet, “Las bodas”, instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. Otro ejemplo espectacular de la ductilidad del músico y director, que luego de triunfar por Francia, Inglaterra y toda Europa, aterrizaría en Nueva York para afincarse allí en forma definitiva.
PEQUEÑO DE
ESTATURA
Pequeño de estatura y poco fotogénico, como muchas instantáneas lo demuestran, Ígor fue un mujeriego nato. El matrimonio con su prima hermana duró 33 años, pero el verdadero amor de su vida y, después, su compañera hasta la muerte, fue su segunda esposa, Vera de Bosset -1888-1982-   Cuando Stravinsky conoció a Vera a comienzos de la década del veinte, ella estaba casada con el pintor y diseñador de escenarios Serguéi Sudeikin. Como pronto empezaron a tener encuentros amorosos, Vera dejó a su marido al cabo de un tiempo. Desde ese momento y hasta la muerte de Yekaterina, en1939, Stravinsky llevó una vida doble, invirtiendo parte de su tiempo con su primera familia y el resto con Vera. Yekaterina advirtió la relación y la aceptó como inevitable y permanente. Después de su muerte, Stravinsky y Vera se casaron en Nueva York, adonde habían viajado desde Francia para escapar de la Segunda Guerra Mundial en 1940. Ívor Stravinsky dejó de existir en Nueva York el 6 de abril de 1971, a los 88 años y fue enterrado en Venecia en el cementerio de la Isla de San Micele. Una Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en Hollywood Boulevard 6340 está colocada con su nombre. Más allá de la nostalgia.

UNA FRESCURA MULTICOLOR

Su nombre recorrió el mundo como músico, director y compositor de alto vuelo.  La afamada revista “Time” lo denominó en sus páginas: “Una de las personalidades más influyentes del siglo XX”, teniéndolo siempre en sus publicaciones mientras existió con sus conciertos exitosos a salas llenas. Nacido en Rusia, instalado en Estados Unidos, su estilo marcó una diferencia entre sus colegas.  Sus inspiradas y renovadoras sinfonías dibujaron una frescura multicolor en las tablas de los escenarios del orbe. Las luces y el brillo le acompañaron en cada jornada encontrando un sobresaliente en cada realización. Un artista en todo el sentido de la palabra, que fue desarrollando su gran capacidad escribiendo para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas a pequeñas piezas para piano y obras perfectas para agrupaciones jazzísticas. Su pluma y pentagrama musicalpage atravesaron barreras y códigos, practicando el serialismo, neoclasicismo y el primitivismo. Su fama se le reconoce por tres obras magistrales: “El pájaro de fuego” -“L’Oiseau de feu”- 1910, “Petrushka”, 1911, y “La consagración de la primavera” -“Le sacre du printemps”, 1913, entre otros. Para muchos, estos ballets, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Se llamó Ígor Fiódorovich Stravinsky.

ADELANTADO EN EL RUBRO

Ígor llegó a éste mundo el 17 de junio de 1882 en Oranienbaum, un suburbio de San Petersburgo, hoy Lomonósov, en Rusia. Su madre Anna, y su padre Fyodor Stravinsky, cantante de ópera en el Teatro Marilinsky de San Petersburgo, no se llevaban bien y el muchacho creció al cuidado de su padre y hermana mayor, siendo su infancia, una mezcla de experiencias que revelaban poco al artista que llegaría a ser, rápidamente. Siendo niño tomó sesiones de piano, estudiando teorías. Ígor comenzó estudios de Derecho, pero fue a cincuenta clases más o menos, en cuatro años de estudio, ya que tiempo después lo cambiaría todo por la composición, lo que le llamaba en realidad. En 1902, a los 20 años de edad, Stravinski se convirtió en alumno de Nikolái Rimski-Kórsakov, probablemente el compositor ruso más importante en ese momento. En poco tiempo ya sabía mucho y se erigió como adelantado en el rubro. Desde ese momento se concentró en el estudio de la música, siguiendo con el profesor Rimski, hasta el fallecimiento de éste. En 1905 se comprometió con su prima Yekaterina Gavrílovna Nosenko -Katya-  a quien había conocido en la infancia. A pesar de que la Iglesia Ortodoxa se oponía al matrimonio entre primos hermanos, la pareja se casó el 23 de enero 1906: siendo sus dos primeros hijos, Fyodor -Theodore- y Ludmila, que nacieron en 1907 y 1908, respectivamente.  En febrero de 1909, dos obras orquestales, “Scherzo fantastique” y “Feu d’artifice” -“Fuegos artificiales”- se realizaron en un concierto en San Petersburgo, donde fueron escuchados por Sergei Diaghilev, que estaba en ese momento en la planificación para presentar la ópera y el ballet ruso en París. Sergei quedó totalmente impresionado por “Fireworks” comisionando a Stravinsky para llevar a cabo algunas orquestaciones y luego para componer una partitura de ballet de larga duración, el ya comentado “Pájaro de fuego”, obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental.

ÉXITO MONUMENTAL: DE LA NOCHE A LA MAÑANA

Stravinsky se convirtió en sensación de la noche a la mañana con su debut en París el 25 de junio de 1910. Tiempo después, en el estreno de “La consagración de la primavera”, en 1913, explota el más famoso escándalo en la historia de la música, con luchas a trompada limpia entre los espectadores y el segundo acto se llevó a cabo con una absoluta vigilancia policial. Ígor desplegó un deseo inagotable por leer y explorar el arte y la literatura en su vida. Esto se manifestó en algunas de sus colaboraciones en París. No solo fue el compositor principal para Serguéi Diáguilev de los Ballets Rusos, sino también colaboró con Pablo Picasso, “Pulcinella”, 1920, Jean Cocteau, “Oedipus Rex”, 1927, y George Balanchine, “Apollon Musagete”, 1928. Posteriormente, llegaría otra partitura destinada al ballet, “Las bodas”, instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. Otro ejemplo espectacular de la ductilidad del músico y director, que luego de triunfar por Francia, Inglaterra y toda Europa, aterrizaría en Nueva York para afincarse allí en forma definitiva.

PEQUEÑO DE ESTATURA

Pequeño de estatura y poco fotogénico, como muchas instantáneas lo demuestran, Ígor fue un mujeriego nato. El matrimonio con su prima hermana duró 33 años, pero el verdadero amor de su vida y, después, su compañera hasta la muerte, fue su segunda esposa, Vera de Bosset -1888-1982-   Cuando Stravinsky conoció a Vera a comienzos de la década del veinte, ella estaba casada con el pintor y diseñador de escenarios Serguéi Sudeikin. Como pronto empezaron a tener encuentros amorosos, Vera dejó a su marido al cabo de un tiempo. Desde ese momento y hasta la muerte de Yekaterina, en1939, Stravinsky llevó una vida doble, invirtiendo parte de su tiempo con su primera familia y el resto con Vera. Yekaterina advirtió la relación y la aceptó como inevitable y permanente. Después de su muerte, Stravinsky y Vera se casaron en Nueva York, adonde habían viajado desde Francia para escapar de la Segunda Guerra Mundial en 1940. Ívor Stravinsky dejó de existir en Nueva York el 6 de abril de 1971, a los 88 años y fue enterrado en Venecia en el cementerio de la Isla de San Micele. Una Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, en Hollywood Boulevard 6340 está colocada con su nombre. Más allá de la nostalgia.

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AQUÍ, EL INSPECTOR DERRICK!…

UNA HISTORIA A PURO SONDEO
No fue una de las series más populares, pero sí fue muy seguida. Al igual que “El viejo” -“Der alte”- (“El viejo policía”) o “El comisario” (Herbert Keller), quien era el principal en llevar adelante al grupo de detectives del Escuadrón de Homicidios de Munich, fueron emitidas por Canal 5 SODRE en nuestro país, durante años, con diferentes reposiciones. Todas de origen alemanas, con un doblaje en español muy especial, de hablar pausado y  suave. La tira en cuestión fue producida por Telenova Film und Fernsehproduktion asociada a ZDF de Alemania, ORF de Austria, y SRG de Suiza, desde el 20 de octubre de 1974 al 16 de octubre de 1998,  con 281 episodios de 50 minutos de duración, en colores, creada y escrita por Herbert Reinecker, bajo la producción ejecutiva de Helmut Ringelmann, protagonizada por Horst Tappert, Fritz Wepper y Willy Schafer.
Resolviendo prácticamente todos los casos que se le planteaban, allí estaba como gran sabueso el inspector “Derrick”, en una historia que se tejía a puro sondeo y poco movimiento de revólver.
CERCA DEL RETIRO
En la trama de la serial que duró 24 temporadas seguidas todo se acerca para que el inspector “Derrick” se retire en busca de su jubilación, pero antes de eso desea dejar sin maleantes y asesinos las calles de la ciudad.
Manteniendo una corazonada el policía ignora a una serie de sospechosos desde el principio, para llegar a los mayores responsables de los hechos delictivos.
Todo pasa por intrigas y suspenso, largas esperas, confesiones y careos, hasta que los verdaderos culpables caen en la trampa tendida y se entregan sin oponer resistencia, viéndose rodeados ante los hechos. En el argumento trazado por el autor, Horst Tappert, personifica a Stephan “Derrick”, y Fritz Wepper, a su ayudante Harry Klein.
La relación entre ambos se caracteriza por la frecuente molestia de “Derrick” sobre Klein, que toma participación haciendo comentarios irónicos hasta el punto de mover la cabeza por encima de su compañero en presencia de testigos y en público, sin embargo es la “mano derecha” del eficaz indagador. “Derrick” no manifiesta su vida privada, solo muestra a una amiga a lo largo de los capítulos y aclara… “No, ya no estoy casado”; Klein, por otro lado, es bastante parecido, sin embargo al joven  ayudante le encanta participar en las declaraciones de las damas bonitas en el departamento de policía.
La realización se transmitió en más de cien países con muy buen suceso, siendo una de las seriales alemanas más difundidas por el orbe.
Por otra parte, Horst Tappert es el único actor germano que ha tenido clubes de fans en el extranjero, incluyendo los Países Bajos y Francia.
En París se le conoce como “Derrick” Inspecteur, en Italia se llama L’ispettore “Derrick”. En China bajo el nombre de “la li kè”.
Siempre con su gabardina estilo “Columbo”, elegante, de buenas camisas y de corbata, contaba con fieles seguidores que no se perdían un solo capítulo. Hasta el Papa Juan Pablo II confesó haber seguido al inspector, al que concedió una audiencia en el propio Vaticano.
HORST TAPPERT,
ACTOR DE CINE y TV
Horst Tappert, el actor que representa a “Derrick” nació el 26 de mayo de 1923 en Elberfeld, Alemania.
Su madre se dedicó al cuidado del hogar y su padre era funcionario público.
Después de la escuela secundaria, Tappert fue reclutado por el ejército alemán en la Segunda Guerra Mundial y acabó detenido. Tappert se unió a la Waffen-SS, al Flak Batallón Arolsen y fue miembro de la División SS Totenkopf, en marzo de 1943.
Después de la batalla, lo contrataron en un teatro de Stendal, Alemania, como administrativo y se interesó en la actuación.
Tomó clases actorales e hizo su debut en las tablas en Stendal, haciendo de Dr. Stribel en “Paul Helwig ‘s, la luna de miel”. A finales de 1950, el actor comenzó a tomar parte en producciones de cine y televisión.
Su gran paso en 1966 registra a “The Gentlemen”, personificando a un ladrón de trenes, con muy buen desempeño. Dos años más tarde, en 1968 pasa por “Scotland Yard”  como el detective Perkins en los filmes de Edgar Wallace.
En 1973 su golpe de fortuna lo estaba esperando, cuando de una productora de tv lo reclaman para su personaje de “Derrick”.
La serie se dejó de rodar, cuando la productora y los principales de la cadena televisiva europea se enteraron de su activa participación en el Tercer Reich, datos que salieron a la luz con el inmediato fin de la tira. Tappert rodó infinidad de filmes en Alemania y otros países: “La familia Trapp en América”, “Héroes”, “Nosotros los niños prodigios”,  “El ángel le contestó su arpa”, “La hermosa aventura”, “Llamada sin eco”, “Demasiados cocineros”, “Bésame Kate”, “A beautiful day”, “La corbata”, “El no puede dejar de hacerlo”, “La patente mortal”, “Dos whisky y un sofá”, “Seis personajes en busca de autor”, “Torre de observación”, “Leonce y Lena”, entre otras.
Horst Tappert quien se divorció dos veces, casándose tres, teniendo varios hijos,  dejó de existir el 13 de diciembre de 2008, a la edad de 85 años. Medía 1.87 de estatura. Se le recordará siempre como el Inspector “Derrick”.
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UNA HISTORIA A PURO SONDEO

No fue una de las series más populares, pero sí fue muy seguida. Al igual que “El viejo” -“Der alte”- (“El viejo policía”) o “El comisario” (Herbert Keller), quien era el principal en llevar adelante al grupo de detectives del Escuadrón de Homicidios de Munich, fueron emitidas por Canal 5 SODRE en nuestro país, durante años, con diferentes reposiciones. Todas de origen alemanas, con un doblaje en español muy especial, de hablar pausado y  suave. La tira en cuestión fue producida por Telenova Film und Fernsehproduktion asociada a ZDF de Alemania, ORF de Austria, y SRG de Suiza, desde el 20 de octubre de 1974 al 16 de octubre de 1998,  con 281 episodios de 50 minutos de duración, en colores, creada y escrita por Herbert Reinecker, bajo la producción ejecutiva de Helmut Ringelmann, protagonizada por Horst Tappert, Fritz Wepper y Willy Schafer.

Resolviendo prácticamente todos los casos que se le planteaban, allí estaba como gran sabueso el inspector “Derrick”, en una historiapage que se tejía a puro sondeo y poco movimiento de revólver.

CERCA DEL RETIRO

En la trama de la serial que duró 24 temporadas seguidas todo se acerca para que el inspector “Derrick” se retire en busca de su jubilación, pero antes de eso desea dejar sin maleantes y asesinos las calles de la ciudad.

Manteniendo una corazonada el policía ignora a una serie de sospechosos desde el principio, para llegar a los mayores responsables de los hechos delictivos.

Todo pasa por intrigas y suspenso, largas esperas, confesiones y careos, hasta que los verdaderos culpables caen en la trampa tendida y se entregan sin oponer resistencia, viéndose rodeados ante los hechos. En el argumento trazado por el autor, Horst Tappert, personifica a Stephan “Derrick”, y Fritz Wepper, a su ayudante Harry Klein.

La relación entre ambos se caracteriza por la frecuente molestia de “Derrick” sobre Klein, que toma participación haciendo comentarios irónicos hasta el punto de mover la cabeza por encima de su compañero en presencia de testigos y en público, sin embargo es la “mano derecha” del eficaz indagador. “Derrick” no manifiesta su vida privada, solo muestra a una amiga a lo largo de los capítulos y aclara… “No, ya no estoy casado”; Klein, por otro lado, es bastante parecido, sin embargo al joven  ayudante le encanta participar en las declaraciones de las damas bonitas en el departamento de policía.

La realización se transmitió en más de cien países con muy buen suceso, siendo una de las seriales alemanas más difundidas por el orbe.

Por otra parte, Horst Tappert es el único actor germano que ha tenido clubes de fans en el extranjero, incluyendo los Países Bajos y Francia.

En París se le conoce como “Derrick” Inspecteur, en Italia se llama L’ispettore “Derrick”. En China bajo el nombre de “la li kè”.

Siempre con su gabardina estilo “Columbo”, elegante, de buenas camisas y de corbata, contaba con fieles seguidores que no se perdían un solo capítulo. Hasta el Papa Juan Pablo II confesó haber seguido al inspector, al que concedió una audiencia en el propio Vaticano.

HORST TAPPERT, ACTOR DE CINE y TV

Horst Tappert, el actor que representa a “Derrick” nació el 26 de mayo de 1923 en Elberfeld, Alemania.

Su madre se dedicó al cuidado del hogar y su padre era funcionario público.

Después de la escuela secundaria, Tappert fue reclutado por el ejército alemán en la Segunda Guerra Mundial y acabó detenido. Tappert se unió a la Waffen-SS, al Flak Batallón Arolsen y fue miembro de la División SS Totenkopf, en marzo de 1943.

Después de la batalla, lo contrataron en un teatro de Stendal, Alemania, como administrativo y se interesó en la actuación.

Tomó clases actorales e hizo su debut en las tablas en Stendal, haciendo de Dr. Stribel en “Paul Helwig ‘s, la luna de miel”. A finales de 1950, el actor comenzó a tomar parte en producciones de cine y televisión.

Su gran paso en 1966 registra a “The Gentlemen”, personificando a un ladrón de trenes, con muy buen desempeño. Dos años más tarde, en 1968 pasa por “Scotland Yard”  como el detective Perkins en los filmes de Edgar Wallace.

En 1973 su golpe de fortuna lo estaba esperando, cuando de una productora de tv lo reclaman para su personaje de “Derrick”.

La serie se dejó de rodar, cuando la productora y los principales de la cadena televisiva europea se enteraron de su activa participación en el Tercer Reich, datos que salieron a la luz con el inmediato fin de la tira. Tappert rodó infinidad de filmes en Alemania y otros países: “La familia Trapp en América”, “Héroes”, “Nosotros los niños prodigios”,  “El ángel le contestó su arpa”, “La hermosa aventura”, “Llamada sin eco”, “Demasiados cocineros”, “Bésame Kate”, “A beautiful day”, “La corbata”, “El no puede dejar de hacerlo”, “La patente mortal”, “Dos whisky y un sofá”, “Seis personajes en busca de autor”, “Torre de observación”, “Leonce y Lena”, entre otras.

Horst Tappert quien se divorció dos veces, casándose tres, teniendo varios hijos,  dejó de existir el 13 de diciembre de 2008, a la edad de 85 años. Medía 1.87 de estatura. Se le recordará siempre como el Inspector “Derrick”.

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EL «BOOM» DE LOS OCHENTA… SABRINA SALERNO: LA DELANTERA DEL ÉXITO

Una nota exclusiva de
JUANJO ALBERTI,
desde Montevideo
Una nota exclusiva de JUANJO ALBERTI, desde Montevideo
DESDE ITALIA CON SENSUALIDAD
Comenzó su fulminante carrera en Italia, pero antes de transformarse en un verdadero boom en Europa, América y otros lugares, triunfó en España, que fue su gran plataforma para erigirse en una figura, como modelo, vedette, actriz y cantante. Detonando con «Boys, boys, boys» en la madre patria, poniéndose imparable. Haciendo su show a puro ritmo y estilo, mostrando casi todo lo que Dios tan bien le dio, multiplicaba su presencia por las discos, bailes, espectáculos, recitales, desfile de modas y mucho más. Se inició a la edad de 17 años profesionalmente en Génova y a los 24 en Madrid, ya había colocado más de 25 millones de discos…  Una cantidad impresionante para una artista nueva y juvenil.  Mientras los caballeros admiraban su talento y pechos… las damas también la seguían, pero muchas decían que no eran naturales debido a su exuberancia. Ella les salía al paso, argumentando que eran ni más ni menos los que le brindó su madre, para nada artificiales. Hasta que un buen día en un programa de televisión, abatida por las críticas, desnudó su delantera de espaldas a la cámara, haciéndose tocar por el conductor del espacio, quien luego de comprobar que sí eran de ella y no operados, le hizo de testigo a la solista ante la prensa escrita y en la pantalla chica en espacios de chimentos, donde todo resultó muy polémico y eso que no estaba ahí Jorge Rial.  La dama en cuestión se llama Sabrina Salerno y acaba de cumplir sus 47 años.
RÉCORDS DE APARICIONES EN LAS PORTADAS DE «INTERVIÚ» y «PLAYBOY»
Norma Sabrina Salerno nació el 15 de marzo de 1968, en la región de Liguria, Génova, Italia. Su puntapié inicial en lo artístico fue como modelo en la tele. Inmediatamente, en 1986 graba su primer disco simple como cantante: «Sexy girl», resultando un tema muy tocado en Alemania, Holanda, Portugal y tibiamente en España, lugar donde la invitan a hacer una campaña promocional, la representante fonográfica del lugar. Al llegar, trepó a la fama tras su actuacion en 1987 en el espacio «Un, dos, tres… responda otra vez», causando un furibundo escándalo, en la transmisión de Nochebuena de TVE, cuando uno de sus pechos se sale del escote, algo que a propósito o de casualidad -vaya uno a saberlo- le acompañaría a lo largo y a lo ancho de su trayectoria.  Ese momento sería comentado durante mucho tiempo por millones de espectadores.  Meses después sale a la luz que esa presentación de Sabrina había sido registrada una semana antes y que el director de la grabación, Hugo Stuven, había engañado al manager de la cantante argumentando que esas tomas no aparecerían en el producto final de la filmación. Por otro lado, les dijo a los productores discográficos que no se veía nada y que no había tiempo para ver el tape. Salió y el resultado ya se conoce. Vendieron discos por cantidades industriales, más allá de la situación vivida. Al toque, Sabrina, fue llamada y contratada para que mostrara sus encantos, en las portadas de «Interviú», «Playboy», «Pronto», y «TV Guía», abonando por ello cantidades realmente astronómicas.
UN SÍMBOLO SEXUAL
Ya con un mayor presupuesto, el single «All of me» en 1989 tiene una buena recepción y se coloca en los primeros puestos de venta y popularidad. El material contó con una ambiciosa producción de Stock, Aitken y Waterman, los más aclamados realizadores de finales de los años ochenta, que habían lanzado a Kylie Minogue, Rick Astley y habían contribuido al relanzamiento de Donna Summer y el grupo Bananarama, entre otros. Paralelamente, Sabrina continúa captando la atención por sus sensuales movimientos. A esa altura, ya estaba convertida en símbolo sexual. Esta situación genera a la compañía de discos de relanzar «Boys, boys, boys» (Summertime love), con la que llega a triunfar en América Latina y Asia, convertido en hit de manera internacional. Sus clips «All of me», «My chico» y el propio «Boys», le dan atribución de estrella, con abundante brillo y color. Así también es ovacionada en varias de sus presentaciones; en Rusia colmó las instalaciones de un estadio con capacidad para 50.000 almas, reiterándose el hecho durante tres días siguientes.  Algunos empresarios ávidos de dólares norteamericanos, principalmente de Ibiza, le fueron creando a Salerno una rivalidad con Samantha Fox, una cantante inglesa que también fue denominada como «sex symbol» al igual que ella.  Una vez en rueda de prensa Sabrina recordó: «Somos viejas conocidas. La única semejanza entre Samantha y yo son los pechos, yo si canto e interpreto…» La casualidad quiso que veinte años después de su apogeo, ambas cantantes se reunieran solamente en un estudio para grabar un tema. El tiempo ha pasado y Sabrina ha demostrado que su fuerza vocal ha mejorado bastante, si tenemos en cuenta sus últimas presentaciones en vivo y en directo, y sus recientes realizaciones discográficas.
LA REINA DEL ITALO POP
Sabrina posee un disco no oficial editado por MTV y en el cual se encuentran sus mejores éxitos. Está considerada «La reina del ítalo pop», ya que la mayoría de sus canciones se sitúan en este estilo musical. También dejó su huella por el cine italiano en películas: «Jolly Blue y ha mantenido una carrera actoral con diversas obras de teatro en las que ha participado. De ahí hasta el día de hoy Sabrina sólo goza de aceptación en países europeos donde hasta el 2005 mantuvo su carrera musical con el sencillo «I feel love (good sensation)» en el sello Universal Music. En Latinoamérica  fue conocida como una más de las artistas «One Hit Wonder» de la década del ochenta, pero la multifacética cantante tuvo una prolífica carrera musical en Europa, donde ha participado en festivales, realizando sus propias giras promocionales. Se casó con su pareja de hace casi 15 años, el productor Enrico Monti. Salerno y Monti son los dueños de una cadena de hoteles en el Veneto, Italia y de uno de los estudios de grabación más importantes de Europa: Condulmer Studios. Además, Sabrina posee su propio sello discográfico New Boys Production. En octubre de 2008 salió a la venta «Érase Rewind Official Remix», en toda Europa, su primer álbum de grandes éxitos en su mayoría reversionados. En mayo de 2010 editó un nuevo disco simple junto a su antigua rival, Samantha Fox. El tema elegido ha sido «Call Me», viejo éxito del grupo Blondie. Más allá de la nostalgia.

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TAMMI TERRELL: LA GRAN FIGURA DEL SOUL

THOMASINA MONTGOMERY

Thomasina Montgomery, nacida en  Filadelfia, el 29 de abril de 1945, fue conocida artísticamente como Tammi Terrell, una de las mayores exponentes del soul de Motown junto a su compañero de dúo Marvin Gaye. Debutó a la edad de 13 años en un concurso local. Regularmente actuaba en distintos clubes, compartiendo escenario con Gary “U.S.” Bonds y Patti Labelle & the Bluebelles. En 1961, fue descubierta por Luther Dixon y fue contratada por la discográfica Scepter. Bajo el nombre de Tammi Montgomery debutó con el single “If you see Bill”, seguido de “The voice of experience” al año siguiente. Después, James Brown la captó en uno de sus shows y firmó con el sello Try Me, donde lanzó el single “I cried” en 1963 y realizó una gira. “If I would marry you” apareció bajo el sello Chess un año más tarde, mientras estudiaba en la Universidad de Pennsylvania. Mientras actuaba con Jerry Butler en el año 1965 en Detroit, Berry Gordy la añadió a su plantel de artistas en Motown y grabó el single “I can’t believe you love me”, “Come on and see me,” “This old heart of mine (is weak for you)”, y “Hold me oh my darling” siguieron a su debut en el sello de los negros. Poco después, formó un dúo con Marvin Gaye, el cual ya había participado con Mary Wells y Kim Weston. La química entre ambos fue excelente y en 1967 lanzaron el hit “Ain’t no mountain high enough”, el cual fue un precedente de otros muchos. “Your precious love” golpeó los puestos más altos un año después, en 1968, al que siguieron “Ain’t nothing like the real thing” y “You’re all I need to get by”. En 1967, a Terrel se le detectó un tumor cerebral. Los síntomas fueron tales, que incluso en mitad de un espectáculo cayó desmayada en los brazos de Marvin Gaye. Tammi se tuvo que retirar de los escenarios, pero no de los estudios de grabación, a pesar de que en los últimos tiempos Marvin Gaye hacía registros sobre otras anteriores de Tammi. Tras ocho operaciones y diversos deterioros físicos y mentales, murió el 16 de marzo de 1970 en Filadelfia. Hace 45 años

.

TAMMI NACIO EN FILADELFIA

Terrell nació como Thomasina Montgomery en Filadelfia. Tammi era  la mayor de dos hermanos. Según el documental “Unsung” , su hermana menor Ludie dijo que habían pensado en como seguir adelante, con fuerza, todos hermanados.  Jennie era actriz y Thomas era propietario de una peluqueria. Tammi era la mayor de dos. Según “Unsung” , su hermana menor Ludie dijo que habían pensado que Terrell sería un niño y por eso se lleva el nombre de su padre. Sin embargo, cuando ella nació, los padres le colocaron el nombre de Thomasina.  Más tarde se cambió a “Tammi” después de ver la película, Tammy y el Bachillerato , y escuchar su canción principal, “Tammy”, a la edad de 12 años. Alrededor de esos  tiempos, Terrell empezó  a tener dolores de cabeza por migraña.  A pesar de que no fue pensado para ser de importancia en el momento, los miembros de la familia más tarde afirman que estos malestares podrían haber estado relacionados con su posterior diagnóstico de cáncer cerebral. De acuerdo con su hermana, la madre de Terrell sufrió una enfermedad mental.

TOP 40 DE SINGLES BILLBOARD HOT 100

La carrera de Terrell comenzó cuando era una adolescente, en la primera grabación para Scepter / Wand Records, antes de pasar casi dos años como miembro de James Brown Revue’s, el registro fue para Brown Try Me etiqueta. Después de un período de asistir a la universidad, Terrell registró brevemente para Checker Records, antes de firmar con Motown en 1965. Con Gaye, Terrell anotó siete Top 40 de singles en el Billboard Hot 100, incluyendo ” Is not no mountain high enough”. La carrera de Terrell fue interrumpida cuando se desploma en los brazos de Gaye en pleno concierto en directo, debido a sus problemas de salud, en un concierto en Hampden-Sydney College el 14 de octubre de 1967. Tenía un sin fin de intervenciones sin éxito antes de sucumbir a su enfermedad el 16 de marzo 1970 a la edad de 24 años.  El repentino éxito que disfrutaba junto a su compañero de dúo Marvin Gaye fue tan grande, que no le quedaba un segundo de respiro. La cantante de 22 años aprieta los dientes y logra terminar el show luego de caerse varias veces. Y mientras la discográfica intenta mantener en secreto la salud de Tammi, el tiempo pasa… Cuando al desaparecer Tammi Terrell, su último hit, fue “The onionsong”.

ABUSO DE LAS DROGAS

Tras la muerte de Tammi surgieron especulaciones basadas en el testimonio del asistente de Gaye, Elaine Jesmer, cuya novela ‘Number one with a bullet’, presenta a un personaje obviamente basado en Tammi, cuyas lesiones cerebrales eran atribuidas a malos tratos provenientes de un ejecutivo de la compañía discográfica o del ex-Temptation David Ruffin. En cualquier caso, la muerte de Tammi afectó profundamente a Marvin Gaye, que dejó de actuar y grabar durante tres años y comenzó a abusar de las drogas. Años después comentó en su biografía “Divided Soul”: “Tammi fue víctima del lado violento del amor, así es como yo lo sentía. No tengo idea de qué la mató realmente, pero tengo la profunda sensación de que ella moría por aquellos que no eran capaces de amar”…  Más allá de la nostalgia.

JUANJO ALBERTI

HOMASINA MONTGOMERY
Thomasina Montgomery, nacida en  Filadelfia, el 29 de abril de 1945, fue conocida artísticamente como Tammi Terrell, una de las mayores exponentes del soul de Motown junto a su compañero de dúo Marvin Gaye. Debutó a la edad de 13 años en un concurso local. Regularmente actuaba en distintos clubes, compartiendo escenario con Gary “U.S.” Bonds y Patti Labelle & the Bluebelles. En 1961, fue descubierta por Luther Dixon y fue contratada por la discográfica Scepter. Bajo el nombre de Tammi Montgomery debutó con el single “If you see Bill”, seguido de “The voice of experience” al año siguiente. Después, James Brown la captó en uno de sus shows y firmó con el sello Try Me, donde lanzó el single “I cried” en 1963 y realizó una gira. “If I would marry you” apareció bajo el sello Chess un año más tarde, mientras estudiaba en la Universidad de Pennsylvania. Mientras actuaba con Jerry Butler en el año 1965 en Detroit, Berry Gordy la añadió a su plantel de artistas en Motown y grabó el single “I can’t believe you love me”, “Come on and see me,” “This old heart of mine (is weak for you)”, y “Hold me oh my darling” siguieron a su debut en el sello de los negros. Poco después, formó un dúo con Marvin Gaye, el cual ya había participado con Mary Wells y Kim Weston. La química entre ambos fue excelente y en 1967 lanzaron el hit “Ain’t no mountain high enough”, el cual fue un precedente de otros muchos. “Your precious love” golpeó los puestos más altos un año después, en 1968, al que siguieron “Ain’t nothing like the real thing” y “You’re all I need to get by”. En 1967, a Terrel se le detectó un tumor cerebral. Los síntomas fueron tales, que incluso en mitad de un espectáculo cayó desmayada en los brazos de Marvin Gaye. Tammi se tuvo que retirar de los escenarios, pero no de los estudios de grabación, a pesar de que en los últimos tiempos Marvin Gaye hacía registros sobre otras anteriores de Tammi. Tras ocho operaciones y diversos deterioros físicos y mentales, murió el 16 de marzo de 1970 en Filadelfia. Hace 45 años
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TAMMI NACIO
EN FILADELFIA
Terrell nació como Thomasina Montgomery en Filadelfia. Tammi era  la mayor de dos hermanos. Según el documental “Unsung” , su hermana menor Ludie dijo que habían pensado en como seguir adelante, con fuerza, todos hermanados.  Jennie era actriz y Thomas era propietario de una peluqueria. Tammi era la mayor de dos. Según “Unsung” , su hermana menor Ludie dijo que habían pensado que Terrell sería un niño y por eso se lleva el nombre de su padre. Sin embargo, cuando ella nació, los padres le colocaron el nombre de Thomasina.  Más tarde se cambió a “Tammi” después de ver la película, Tammy y el Bachillerato , y escuchar su canción principal, “Tammy”, a la edad de 12 años. Alrededor de esos  tiempos, Terrell empezó  a tener dolores de cabeza por migraña.  A pesar de que no fue pensado para ser de importancia en el momento, los miembros de la familia más tarde afirman que estos malestares podrían haber estado relacionados con su posterior diagnóstico de cáncer cerebral. De acuerdo con su hermana, la madre de Terrell sufrió una enfermedad mental.
TOP 40 DE SINGLES
BILLBOARD HOT 100
La carrera de Terrell comenzó cuando era una adolescente, en la primera grabación para Scepter / Wand Records, antes de pasar casi dos años como miembro de James Brown Revue’s, el registro fue para Brown Try Me etiqueta. Después de un período de asistir a la universidad, Terrell registró brevemente para Checker Records, antes de firmar con Motown en 1965. Con Gaye, Terrell anotó siete Top 40 de singles en el Billboard Hot 100, incluyendo ” Is not no mountain high enough”. La carrera de Terrell fue interrumpida cuando se desploma en los brazos de Gaye en pleno concierto en directo, debido a sus problemas de salud, en un concierto en Hampden-Sydney College el 14 de octubre de 1967. Tenía un sin fin de intervenciones sin éxito antes de sucumbir a su enfermedad el 16 de marzo 1970 a la edad de 24 años.  El repentino éxito que disfrutaba junto a su compañero de dúo Marvin Gaye fue tan grande, que no le quedaba un segundo de respiro. La cantante de 22 años aprieta los dientes y logra terminar el show luego de caerse varias veces. Y mientras la discográfica intenta mantener en secreto la salud de Tammi, el tiempo pasa… Cuando al desaparecer Tammi Terrell, su último hit, fue “The onionsong”.
ABUSO DE
LAS DROGAS
Tras la muerte de Tammi surgieron especulaciones basadas en el testimonio del asistente de Gaye, Elaine Jesmer, cuya novela ‘Number one with a bullet’, presenta a un personaje obviamente basado en Tammi, cuyas lesiones cerebrales eran atribuidas a malos tratos provenientes de un ejecutivo de la compañía discográfica o del ex-Temptation David Ruffin. En cualquier caso, la muerte de Tammi afectó profundamente a Marvin Gaye, que dejó de actuar y grabar durante tres años y comenzó a abusar de las drogas. Años después comentó en su biografía “Divided Soul”: “Tammi fue víctima del lado violento del amor, así es como yo lo sentía. No tengo idea de qué la mató realmente, pero tengo la profunda sensación de que ella moría por aquellos que no eran capaces de amar”…  Más allá de la nostalgia.

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Lalo Fransen: el play boy del club

Alma máter de “Los Patters”
Ensayando en el sótano de un viejo local se dejaban oír los compases de una música bien llevada, y por sobre todo bien interpretada, donde los vecinos se daban cita para admirar y aplaudir a los ejecutantes.  Se reunían una vez a la semana para repasar los temas de los shows que realizarían en el fin de semana por los bailes. La orquesta creada en 1958, se llamó Los Patters, una de las primeras del rock and roll en Argentina, y ahí tocaba la guitarra, cantaba, siendo el alma máter. Junto a la  banda desarrolló su amor por estas cuestiones de combinar las notas en el pentagrama, y por trascender. Después de un tiempo, entendió que deseaba ser solista y se perfiló rápidamente entre la gente, que de a poco fue reconociéndolo como un muy buen cantautor y más adelante como productor fonográfico, director artístico y también musical. Su aspecto de “play boy”, con imagen de muchacho de clase alta pero nacido en Palermo, lo tuvo en cuenta el ejecutivo de  RCA Víctor de la vecina orilla, Ricardo Mejía, quien lo hizo grabar muchos discos y lo contrató para su descubrimiento “El Club del Clan”. Así se convirtió  en uno de los pioneros de un movimiento rioplatense que hizo un furor inaudito: “La Nueva Ola”. Se llama Lalo Fransen.
Danny Santos
a 220 volts
El verdadero nombre de Lalo Fransen es Norberto Franzoni, llegado a éste mundo el 13 de noviembre de 1938. Tiene en la actualidad 76 años. De chico aprendió a tocar la guitarra y el piano, y los conocimientos de ambos instrumentos  hoy en día son enormes. Mientras estudiaba en el secundario, trabajaba junto a su padre que tenía una joyería. Pero, la actividad artística fue más fuerte para Lalo, que cuando punteaba la viola entonaba alguna estrofa de un tema de moda. El rock del rey Elvis Presley, y Bill Haley estaban pegando por el orbe y ello no pasó inadvertido para el joven Franzoni, porque aún estaba lejos de llamarse Lalo Fransen. Con el afán de formar una orquesta en el barrio, recorrió toda la zona buscando músicos, pero ello no le resultó fácil, hasta que se dio, haciendo del proyecto una realidad. Los Patters, de a poco salieron de su cascarón, hasta erigirse como un número de resonancia en el ambiente porteño. Tocado por su interior y deseando seguir adelante, alguien le puso Danny Santos arrancando como solista. Es ahí que la banda sigue pero acompañando al cantante, bajo esa denominación, Danny Santos y sus 220 volts de rock and roll, llevando al éxito “Saco de sport blanco” de Mary Robbins, y “Me olvidé de olvidarla” de Elvis, con un espléndido solo de guitarra. Ambas versiones pasan a la historia, siendo éste el puntapié inicial de su carrera.
“El pañuelo
manchado de rouge” con Panchito Nole
En 1960, Norberto ya había pasado los veinte años y no había registrado ningún disco, es por ello que decide probar suerte en los estudios de la fonográfica RCA. Brinda una prueba de condiciones cantorales -ahora se le llama casting-  ante la atenta mirada del director Ricardo Mejía, de nacionalidad ecuatoriana, quien lo incorpora de inmediato al elenco de nuevaoleros, y lo bautiza Lalo Fransen, un derivado de su propio apellido que sonaba muy italiano. A mediados de noviembre del mismo año, Lalo graba su primer disco simple en la etiqueta del perrito obteniendo un enorme suceso con “El pañuelo manchado de rouge” de Pedro Luján y “Swing”, con el acompañamiento de la orquesta de Panchito Nolé, que viajó a tales efectos a Buenos Aires, ya que en ese momento allí había un paro de músicos.  Una vez editado, Fransen no podía creer que sus temas estaban mezclados con intérpretes de la talla de Paul Anka o Neil Sedaka, era como vivir un sueño y entendió que la suerte estaba de su lado.  En febrero de 1961, su imagen se hacía conocida porque RCA iniciaba un programa en canal 7, llamado “Swing, juventud y fantasía”, donde Lalo aparecía con otros exponentes de la canción.  En 1962, pasa a “Ritmo y juventud” y “La cantina de la guardia nueva”, por Canal 11, ambos con la dirección de Dino Ramos. Pega con “Ruedas”, “Enamorada”, “Bailemos otra vez el twist”, y “Buscando una estrella”. Su mayor oportunidad estaba por aparecerse…
“El Club del Clan”
en 1963
Para vender más y más simples y LP’s, Mejía y RCA buscan fama con el lanzamiento de “El Club del Clan” a través de Canal 13, siendo más tarde emitido por diferentes países, incluido Uruguay, donde llegaron a hacer los “claneros” un show aparte los lunes por Canal 4 Montecarlo TV en vivo. Fue tan impactante este espacio en 1963 que se paralizaba Buenos Aires para ver en acción a los componentes del “Club”: Violeta Rivas, Jolly Land, Raúl Lavié, Nicky Jones, Johnny Tedesco, Chico Novarro, Cachita Galán, Raúl Cobián, Perico Gómez, el último que llegó: Palito Ortega y el propio Lalo Fransen, entre otros. Mientras el micrófono de techo corría de un lado a otro -no había micro de mano- con primitiva imagen en blanco y negro, el caballero de pantalón gris, camisa blanca, corbata y saco deportivo azul con escudo en el bolsillo, conquistaba con sus temas: “Fotonovela”, “La niña”, “Desconfiada”, “Cada noche sin ti”, “La media medalla”, “La niña”, “Te besé” y “Vuelve a mí”. Y junto a Palito, Nicky y Johnny, formó “Los Red Caps”, que siempre cerraban las emisiones del Club del Clan.  El impacto de este ciclo fue muy grande, logrando además una enorme influencia en los gustos de la juventud de esa época. Lalo, fue uno de los referentes.
Productor, director
artístico y musical
El público se entusiasmaba al verlo a Lalo Fransen bailar el twist, con sus interpretaciones sobre temas de amor, con estilo y pegadizas. Luego de “El Club”, llegó “Sábados Continuados” por Canal 9, con los principales del Clan. Otro suceso, mientras la segunda parte de “El Club del Clan” se transforma en fracaso. En los años siguientes, Lalo, filma distintas películas, se casa, se radica en España durante tres años y retorna a Buenos Aires en 1970, para trabajar como autor y productor en RCA con el elenco de la compañía: Raúl Padovani, Pintura Fresca, Silvana di Lorenzo, Los Linces, Ruben Mattos, La Joven Guardia, y Katunga, con “El Manosanta” de Alberto Olmedo, incluido.
Robert Livi lo llama para que produzca a Julio Iglesias en un álbum, en Miami y desde allí en más, es el director musical de la orquesta que secunda a su amigo y socio Palito Ortega, en sus presentaciones en directo, demostrando que aún sigue vigente entre sus seguidores, desde aquella nueva ola inolvidable. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com
Alma máter de “Los Patters”
Ensayando en el sótano de un viejo local se dejaban oír los compases de una música bien llevada, y por sobre todo bien interpretada, donde los vecinos se daban cita para admirar y aplaudir a los ejecutantes.  Se reunían una vez a la semana para repasar los temas de los shows que realizarían en el fin de semana por los bailes. La orquesta creada en 1958, se llamó Los Patters, una de las primeras del rock and roll en Argentina, y ahí tocaba la guitarra, cantaba, siendo el alma máter. Junto a la  banda desarrolló su amor por estas cuestiones de combinar las notas en el pentagrama, y por trascender. Después de un tiempo, entendió que deseaba ser solista y se perfiló rápidamente entre la gente, que de a poco fue reconociéndolo como un muy buen cantautor y más adelante como productor fonográfico, director artístico y también musical. Su aspecto de “play boy”, con imagen de muchacho de clase alta pero nacido en Palermo, lo tuvo en cuenta el ejecutivo de  RCA Víctor de la vecina orilla, Ricardo Mejía, quien lo hizo grabar muchos discos y lo contrató para su descubrimiento “El Club del Clan”. Así se convirtió  en uno de los pioneros de un movimiento rioplatense que hizo un furor inaudito: “La Nueva Ola”. Se llama Lalo Fransen.
Danny Santos a 220 volts
El verdadero nombre de Lalo Fransen es Norberto Franzoni, llegado a éste mundo el 13 de noviembre de 1938. Tiene en la actualidad 76 años. De chico aprendió a tocar la guitarra y el piano, y los conocimientos de ambos instrumentos  hoy en día son enormes. Mientras estudiaba en el secundario, trabajaba junto a su padre que tenía una joyería. Pero, la actividad artística fue más fuerte para Lalo, que cuando punteaba la viola entonaba alguna estrofa de un tema de moda. El rock del rey Elvis Presley, y Bill Haley estaban pegando por el orbe y ello no pasó inadvertido para el joven Franzoni, porque aún estaba lejos de llamarse Lalo Fransen. Con el afán de formar una orquesta en el barrio, recorrió toda la zona buscando músicos, pero ello no le resultó fácil, hasta que se dio, haciendo del proyecto una realidad. Los Patters, de a poco salieron de su cascarón, hasta erigirse como un número de resonancia en el ambiente porteño. Tocado por su interior y deseando seguir adelante, alguien le puso Danny Santos arrancando como solista. Es ahí que la banda sigue pero acompañando al cantante, bajo esa denominación, Danny Santos y sus 220 volts de rock and roll, llevando al éxito “Saco de sport blanco” de Mary Robbins, y “Me olvidé de olvidarla” de Elvis, con un espléndido solo de guitarra. Ambas versiones pasan a la historia, siendo éste el puntapié inicial de su carrera.
“El pañuelo manchado de rouge” con Panchito Nole
En 1960, Norberto ya había pasado los veinte años y no había registrado ningún disco, es por ello que decide probar suerte en los estudios de la fonográfica RCA. Brinda una prueba de condiciones cantorales -ahora se le llama casting-  ante la atenta mirada del director Ricardo Mejía, de nacionalidad ecuatoriana, quien lo incorpora de inmediato al elenco de nuevaoleros, y lo bautiza Lalo Fransen, un derivado de su propio apellido que sonaba muy italiano. A mediados de noviembre del mismo año, Lalo graba su primer disco simple en la etiqueta del perrito obteniendo un enorme suceso con “El pañuelo manchado de rouge” de Pedro Luján y “Swing”, con el acompañamiento de la orquesta de Panchito Nolé, que viajó a tales efectos a Buenos Aires, ya que en ese momento allí había un paro de músicos.  Una vez editado, Fransen no podía creer que sus temas estaban mezclados con intérpretes de la talla de Paul Anka o Neil Sedaka, era como vivir un sueño y entendió que la suerte estaba de su lado.  En febrero de 1961, su imagen se hacía conocida porque RCA iniciaba un programa en canal 7, llamado “Swing, juventud y fantasía”, donde Lalo aparecía con otros exponentes de la canción.  En 1962, pasa a “Ritmo y juventud” y “La cantina de la guardia nueva”, por Canal 11, ambos con la dirección de Dino Ramos. Pega con “Ruedas”, “Enamorada”, “Bailemos otra vez el twist”, y “Buscando una estrella”. Su mayor oportunidad estaba por aparecerse…
“El Club del Clan” en 1963
Para vender más y más simples y LP’s, Mejía y RCA buscan fama con el lanzamiento de “El Club del Clan” a través de Canal 13, siendo más tarde emitido por diferentes países, incluido Uruguay, donde llegaron a hacer los “claneros” un show aparte los lunes por Canal 4 Montecarlo TV en vivo. Fue tan impactante este espacio en 1963 que se paralizaba Buenos Aires para ver en acción a los componentes del “Club”: Violeta Rivas, Jolly Land, Raúl Lavié, Nicky Jones, Johnny Tedesco, Chico Novarro, Cachita Galán, Raúl Cobián, Perico Gómez, el último que llegó: Palito Ortega y el propio Lalo Fransen, entre otros. Mientras el micrófono de techo corría de un lado a otro -no había micro de mano- con primitiva imagen en blanco y negro, el caballero de pantalón gris, camisa blanca, corbata y saco deportivo azul con escudo en el bolsillo, conquistaba con sus temas: “Fotonovela”, “La niña”, “Desconfiada”, “Cada noche sin ti”, “La media medalla”, “La niña”, “Te besé” y “Vuelve a mí”. Y junto a Palito, Nicky y Johnny, formó “Los Red Caps”, que siempre cerraban las emisiones del Club del Clan.  El impacto de este ciclo fue muy grande, logrando además una enorme influencia en los gustos de la juventud de esa época. Lalo, fue uno de los referentes.
Productor, director artístico y musical
El público se entusiasmaba al verlo a Lalo Fransen bailar el twist, con sus interpretaciones sobre temas de amor, con estilo y pegadizas. Luego de “El Club”, llegó “Sábados Continuados” por Canal 9, con los principales del Clan. Otro suceso, mientras la segunda parte de “El Club del Clan” se transforma en fracaso. En los años siguientes, Lalo, filma distintas películas, se casa, se radica en España durante tres años y retorna a Buenos Aires en 1970, para trabajar como autor y productor en RCA con el elenco de la compañía: Raúl Padovani, Pintura Fresca, Silvana di Lorenzo, Los Linces, Ruben Mattos, La Joven Guardia, y Katunga, con “El Manosanta” de Alberto Olmedo, incluido.
Robert Livi lo llama para que produzca a Julio Iglesias en un álbum, en Miami y desde allí en más, es el director musical de la orquesta que secunda a su amigo y socio Palito Ortega, en sus presentaciones en directo, demostrando que aún sigue vigente entre sus seguidores, desde aquella nueva ola inolvidable. Más allá de la nostalgia.
juanjoalberti@hotmail.com

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DEL SHANNON, CANTAUTOR: “Runaway”, 54 años no es nada!…

MARZO 1961 SE LANZO EN USA y REINO UNIDO

Evidentemente, un tema de rock bien compuesto e interpretado, llegaba a la cima de las pizarras de éxitos a comienzos de la maravillosa década del sesenta.  Junto a The Shirelles, Chubby Checker, Elvis Presley,  The Marcels, Roy Orbison -que también figuraban en el chart-  la canción en cuestión subía en USA al anhelado número uno manteniéndose allí desde el 24 de abril hasta la semana del 15 de mayo, inclusive; se convierte en el segundo tema anual dentro del Top 100 1961 en Gran Bretaña debajo del Rey Elvis y “Wooden heart”, y en el primer lugar en muchas ciudades europeas y latinoamericanas.   El single grabado para Embee Productions, filial de Big Top Records, gracias a los contactos con los ejecutivos del sello, del disc-jockey Ollie MacLaughlin, quien lo había observado en el desarrollo de un show, recomendando al artista para su contratación, se registró el 24 de enero de ese año en los estudios Bell. Ni los directivos, ni el hombre de la radio, ni el cantante, se imaginaron el suceso excepcional en que se convertiría “Runaway” por Del Shannon, en los meses posteriores.

DEL UKELELE A LA GUITARRA, COMPAÑERA INSEPARABLE

Del Shannon nació bajo el nombre de Charles Weedon Westover, el 30 de diciembre de 1934, en Michigan. Hijo de Bert y Leone, su infancia pasó en forma rápida. Su madre le enseñó a tocar el ukelele y más tarde la guitarra, y mientras el muchacho practicaba, y estudiaba en la escuela, su padre recorría el país en un camión, lejos de la familia, gustándole el trago. La compañía inseparable de Charles era la viola, a esa altura ya no solamente la tocaba, sino que se inspiraba hasta para componer distintas tonadas. Con 18 años cumplidos se enroló en el ejército para prestar el servicio militar siendo enviado a la base de Sttutgart, Alemania, llevando ahí también su instrumento. Una vez culminada sus obligaciones con el estado, retornó a territorio norteamericano para reunirse con su flamante esposa Shirley Nash, originaria de Michigan. Precisamente a su regreso encontró trabajo como corredor vendiendo catálogo en mano, y formó en sus ratos libres un grupo de country-rock actuando diariamente en el Nightclub Hi-lo, llegando a soñar con ser un famoso luchador como Mark Shannon de quien tomó el apellido para unirlo al nombre de su auto favorito, Cadillac Coupe de Ville, y así surgió el nombre artístico por el cual se le conoció. Con ésta agrupación se mantuvo durante dos años, hasta que después se lanzó como solista, acompañado por una nueva banda. Cuando lo descubren, sorprende por el talento de composición y lo que ofrece en vivo por el escenario, llegando el gran momento de “Runaway”, escrito por Del en colaboración con el tecladista Max Crook, quien además tocó una especie de sintetizador que fue llamado musitrón, que resultó muy novedoso por su originalidad en el sonido. Todo fue bajo la producción de Harry Balk, Fred Weinberg como ingeniero de audio y músico de sesión en varios toques, y Al Caiola en la guitarra. “Runaway” o “Fugitiva”, en su traducción al español, fue el primer corte de difusión de Shannon perteneciente a su álbum homónimo también de 1961, de tremendo despegue internacional, siendo catalogado como uno de los discos más promovidos de la historia del rock. La revista Rolling Stone posicionó a “Runaway” en el múmero 472 de su lista de los 500 mejores temas de todos los tiempos en 2010.

UN DRAMATICO FINAL

El 10 de abril de 1961, Del apareció en Dick Clark ‘s American Bandstand Show por radio y tv para ayudar a catapultar al tema a lo más alto posible, y ello se cumplió con creces. Dos meses más tarde, también alcanzó el número uno en el Reino Unido. En las listas de R&B, “Runaway” trepó al puesto número tres. La canción fue número 5 en la Billboard de fines de 1961. Del Shannon la volvió a grabar en 1967 bajo el título “Runaway ’67”. Esta versión se publicó como simple, pero nunca logró entrar en los Hot 100. La letra aborda la historia desde el punto de vista de un hombre cuya amante se ha escapado. Luego de “Fugitiva” llegaron “Hats off to Larry”, “Little town flirt”, “From me to you” de Los Beatles, “Handy man”, “Keep searchin”, “Under my thumb” de Los Rolling Stones y más. En 1969 descubrió a un grupo llamado Smith y  le arregló el hit “Baby its You”. Fue manager, productor y amigo de Brian Hyland, lanzando bajo su batuta “Gypsy Woman”, en 1970, un hit de un millón de copias. Hacia la década de los setenta la carrera de Shannon se detuvo, debido a un fuerte consumo de alcohol por estar siempre depresivo. Dejó la bebida y regresó, grabando un disco con Jeff Lynne de Electric Light Orquestra, siendo considerado para sustituir a Roy Orbison -fallecido en 1988- en Los Traveling Wilburys, sin embargo el destino marcó un rumbo lamentable. El 8 de febrero de 1990 tomando una salida dramática a sus inconvenientes familiares que hace tiempo tenía, decidió autoeliminarse al dispararse a la cabeza con un rifle calibre 22. La noticia explotó en el mundo entero. Muchos acotan que a Del Shannon le irritaba muchísimo el no haber superado nunca con otro disco el impacto de “Runaway” a lo largo de su vida artística. Más allá de la nostalgia.

MARZO 1961 SE
LANZO EN USA
y REINO UNIDO
Evidentemente, un tema de rock bien compuesto e interpretado, llegaba a la cima de las pizarras de éxitos a comienzos de la maravillosa década del sesenta.  Junto a The Shirelles, Chubby Checker, Elvis Presley,  The Marcels, Roy Orbison -que también figuraban en el chart-  la canción en cuestión subía en USA al anhelado número uno manteniéndose allí desde el 24 de abril hasta la semana del 15 de mayo, inclusive; se convierte en el segundo tema anual dentro del Top 100 1961 en Gran Bretaña debajo del Rey Elvis y “Wooden heart”, y en el primer lugar en muchas ciudades europeas y latinoamericanas.   El single grabado para Embee Productions, filial de Big Top Records, gracias a los contactos con los ejecutivos del sello, del disc-jockey Ollie MacLaughlin, quien lo había observado en el desarrollo de un show, recomendando al artista para su contratación, se registró el 24 de enero de ese año en los estudios Bell. Ni los directivos, ni el hombre de la radio, ni el cantante, se imaginaron el suceso excepcional en que se convertiría “Runaway” por Del Shannon, en los meses posteriores.
DEL UKELELE A LA
GUITARRA, COMPAÑERA INSEPARABLE
Del Shannon nació bajo el nombre de Charles Weedon Westover, el 30 de diciembre de 1934, en Michigan. Hijo de Bert y Leone, su infancia pasó en forma rápida. Su madre le enseñó a tocar el ukelele y más tarde la guitarra, y mientras el muchacho practicaba, y estudiaba en la escuela, su padre recorría el país en un camión, lejos de la familia, gustándole el trago. La compañía inseparable de Charles era la viola, a esa altura ya no solamente la tocaba, sino que se inspiraba hasta para componer distintas tonadas. Con 18 años cumplidos se enroló en el ejército para prestar el servicio militar siendo enviado a la base de Sttutgart, Alemania, llevando ahí también su instrumento. Una vez culminada sus obligaciones con el estado, retornó a territorio norteamericano para reunirse con su flamante esposa Shirley Nash, originaria de Michigan. Precisamente a su regreso encontró trabajo como corredor vendiendo catálogo en mano, y formó en sus ratos libres un grupo de country-rock actuando diariamente en el Nightclub Hi-lo, llegando a soñar con ser un famoso luchador como Mark Shannon de quien tomó el apellido para unirlo al nombre de su auto favorito, Cadillac Coupe de Ville, y así surgió el nombre artístico por el cual se le conoció. Con ésta agrupación se mantuvo durante dos años, hasta que después se lanzó como solista, acompañado por una nueva banda. Cuando lo descubren, sorprende por el talento de composición y lo que ofrece en vivo por el escenario, llegando el gran momento de “Runaway”, escrito por Del en colaboración con el tecladista Max Crook, quien además tocó una especie de sintetizador que fue llamado musitrón, que resultó muy novedoso por su originalidad en el sonido. Todo fue bajo la producción de Harry Balk, Fred Weinberg como ingeniero de audio y músico de sesión en varios toques, y Al Caiola en la guitarra. “Runaway” o “Fugitiva”, en su traducción al español, fue el primer corte de difusión de Shannon perteneciente a su álbum homónimo también de 1961, de tremendo despegue internacional, siendo catalogado como uno de los discos más promovidos de la historia del rock. La revista Rolling Stone posicionó a “Runaway” en el múmero 472 de su lista de los 500 mejores temas de todos los tiempos en 2010.
UN DRAMATICO FINAL
El 10 de abril de 1961, Del apareció en Dick Clark ‘s American Bandstand Show por radio y tv para ayudar a catapultar al tema a lo más alto posible, y ello se cumplió con creces. Dos meses más tarde, también alcanzó el número uno en el Reino Unido. En las listas de R&B, “Runaway” trepó al puesto número tres. La canción fue número 5 en la Billboard de fines de 1961. Del Shannon la volvió a grabar en 1967 bajo el título “Runaway ’67”. Esta versión se publicó como simple, pero nunca logró entrar en los Hot 100. La letra aborda la historia desde el punto de vista de un hombre cuya amante se ha escapado. Luego de “Fugitiva” llegaron “Hats off to Larry”, “Little town flirt”, “From me to you” de Los Beatles, “Handy man”, “Keep searchin”, “Under my thumb” de Los Rolling Stones y más. En 1969 descubrió a un grupo llamado Smith y  le arregló el hit “Baby its You”. Fue manager, productor y amigo de Brian Hyland, lanzando bajo su batuta “Gypsy Woman”, en 1970, un hit de un millón de copias. Hacia la década de los setenta la carrera de Shannon se detuvo, debido a un fuerte consumo de alcohol por estar siempre depresivo. Dejó la bebida y regresó, grabando un disco con Jeff Lynne de Electric Light Orquestra, siendo considerado para sustituir a Roy Orbison -fallecido en 1988- en Los Traveling Wilburys, sin embargo el destino marcó un rumbo lamentable. El 8 de febrero de 1990 tomando una salida dramática a sus inconvenientes familiares que hace tiempo tenía, decidió autoeliminarse al dispararse a la cabeza con un rifle calibre 22. La noticia explotó en el mundo entero. Muchos acotan que a Del Shannon le irritaba muchísimo el no haber superado nunca con otro disco el impacto de “Runaway” a lo largo de su vida artística. Más allá de la nostalgia.
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“Ya se marchan los patitos, a alegrar otra barriada…”

P APELITOS, SERPENTINAS y LA PELOTITA
No me había despertado en la vida, cuando mis padres ya me llevaban a los tablados de barrio, de esos que tenían comisión de fomento y que sus integrantes golpeaban puerta a puerta en la zona buscando el pesito para juntar, para que llegaran las comparsas; como dice entre otras cosas la famosa retirada de Los Patos Cabreros de 1951. «La comisión nos dijo que la bronca tiraron, porque muchos vecinos no ponen p’al tablado, cuando colecta hicieron y fueron a golpear, dijeron que perdonen nosotros nunca vamos y están todos acá. Deben de cooperar, pues si es grande el haber, podrá el barrio tener un lindo carnaval, y si es que Ud. no quiere ni un manguito largar, la comisión tampoco que venga a garronear…». De esa forma fui haciéndome partícipe de la fiesta de momo, que comenzaría ya cuando alquilábamos las sillas para ver el tradicional desfile inaugural por la Avda. 18 de Julio, mostrando en la apertura el pasaje de las tres reinas sentadas en sus respectivos tronos, con rostros simpáticos, enseñando sus cualidades físicas, lanzando besos de continuo a la multitud, estando a su lado al costado del carro los gigantes de cartón, los siempre presentes «cabezudos», que más de un susto nos dieron en nuestra infancia. Los «papelitos», las «serpentinas», «las pelotas de papel con elástico», y hasta los «pomos con agua». Como nos divertíamos, con la careta incluida! En la esquina de mi casa había un tablado, en la zona de La Comercial, pero a cinco cuadras de ahí existía otro, y otro más a seis cuadras y así sucesivamente. No sé si eran épocas de «vacas gordas», ni si «todo tiempo pasado fue mejor», pero sí que se vivía de otra manera. Las madres no trabajaban se dedicaban al hogar y a cuidar a sus hijos, también la educación era diferente. Había códigos, respeto hacia los demás, era otra la situación. En ese entorno, mientras jugaba a la bolita conocí los títulos más increíbles de un carnaval más austero, pero si se quiere más alegre, no tan profesional, pero con otro sabor: Palán Palán, Yo quiero dormir con mama, Pako y Piko, El Trío Santomar, Roberto Barry, El Indio Apachaca, los geniales Negros Melódicos, Fígaros Armónicos, Jardineros de Harlem, la murga de pibes La Gran Clásica, Humoristas del Betún, Asaltantes con Patente, Los Diablos Verdes, y hasta Los Patos Cabreros de «Pepino», acaso el más grande director de todos los tiempos. Tenía un ángel muy especial, con movimientos espectaculares al compás de un ritmo de batería, de galera y de frac, de zapatillas blancas, era una atracción aparte. Ovacionado en los desfiles. Hizo 48 carnavales de corrido, sin faltar a uno solo y se hizo querer ampliamente por la gente de Montevideo y del interior, los que lo conocieron en persona dijeron que era tranquilo y respetuoso. El bombo, los platillos y el redoblante, fueron impuestos por él en la murga. Se llamó José Ministeri, nacido en 1902 y desaparecido en 1966 y hasta el día de hoy es una de las figuras más emblemáticas de las temporadas carnavaleras. En sus horas de trabajo, era canillita, vendía diarios en la esquina del Jockey Club.
EL TABLADO
POR LOS CLUBES
Algunas entidades ávidas por las recaudaciones y por llevar otro tipo de espectáculos, más armados, con otras atracciones, estaban abriendo sus puertas. Tal el caso de Club Atlético Goes, ubicado en la calle Vilardebó entre Guaviyú y Porongos, en una manzana compartida por Plaza de las Misiones, motivo por el cual llaman «los misioneros» a los jugadores que defienden a la institución. Y la novedad tiraba. Allí me llevó mi madre y nos sentamos en sus gradas, en ese momento al aire libre. Además de pagar la entrada, había rifas, tómbolas y un montón de ofertas. Pero, el primer día, y no se por qué motivo no hubo programación, pasaron una película.  Sí en el escenario, se proyectó en blanco y negro «Fúlmine» con Pepe Arias, algo que seguramente se transformaría en histórico con el paso del tiempo. El Goes fue sensacional en carnaval, diría prácticamente imbatible con sus noches mágicas, agregando nombres artísticos estelares jamás imaginados para un tablado: Todas las figuras de «El Club del Clan» en su máximo apogeo, Palito Ortega, Lalo Fransen, Violeta Rivas, Chico Novarro, Jolly Land, Nicky Jones, Cachita Galán; el negro de oro Nat King Cole, Rosamel Araya, Yaco Monti, Horacio Guaraní, Los Marinos Cantores, la solista brasileña Marly Vieira, Los Chalchaleros, Los Iracundos, y aunque cueste creerlo el cuarteto británico The Tremeloes, auspiciados por el Municipio.  Subido al escenario, vi de cerquita mucho de todo esto. Lo viví, me emocioné y hoy lo recuerdo con infinito placer.
LAS MURGAS EN CAMIÓN, LOS PARODISTAS
EN BAÑADERA
Pero, en el carnaval propiamente dicho, y teniendo en cuenta los pocos años que tenía para hacer un balance más detenido, me gustaban Los Negros Melódicos, una creación del músico, autor y publicista Carmelo Imperio, a quien tuve el placer de conocer muchos años más tarde. Los Negros Melódicos fueron originales ante todo, cantaban solamente con el acompañamiento de tres guitarras criollas, con unas voces tremendas, melodiosas, que se escuchaban a un kilómetro a la redonda y eso que los equipos de audio de ese momento eran bastante precarios. El que los vio  realmente los evoca hasta el presente. Bastante parecidos, pero tenían un canto al unísono con un sonido de acordeón tocado a las mil maravillas, fueron Los Fígaros Armónicos con la pluma de Ricardo Riera, del barrio La Comercial, siendo promovidos por una conocida mueblería de la Avda. Gral. Flores, que colocaba su nombre en la bañadera que viajaban los artistas. También se lucÍan Parodistas del Chocolate, el Trío Santomar con un humor excelente, y en cuanto a las murgas: La Milonga Nacional, de maravillosos cuplés, Asaltantes con Patente, auspiciados por Agua Salto, de la ciudad naranjera, donde llegó a salir hasta el mismísimo «Pepino» conjuntamente con Cachela durante varios años, los de la retirada de 1932, de Manuel «Huesito» Pérez: «Como el día más glorioso, hoy queremos festejar, la alegría bulliciosa que nos brinda el carnaval…». Un poema mismo de las carnestolendas.  Y deberíamos continuar con la lista, pero el espacio no nos deja, la nostalgia nos invade con Los Patos Cabreros, que junto a su director consiguieron tantos primeros premios: «Buenas noches auditorio, con satisfacción lograda, ya se marchan los Patitos a alegrar otra barriada…».

P APELITOS, SERPENTINAS y LA PELOTITA

No me había despertado en la vida, cuando mis padres ya me llevaban a los tablados de barrio, de esos que tenían comisión de fomento y que sus integrantes golpeaban puerta a puerta en la zona buscando el pesito para juntar, para que llegaran las comparsas; como dice entre otras cosas la famosa retirada de Los Patos Cabreros de 1951. «La comisión nos dijo que la bronca tiraron, porque muchos vecinos no ponen p’al tablado, cuando colecta hicieron y fueron a golpear, dijeron que perdonen nosotros nunca vamos y están todos acá. Deben de cooperar, pues si es grande el haber, podrá el barrio tener un lindo carnaval, y si es que Ud. no quiere ni un manguito largar, la comisión tampoco que venga a garronear…». De esa forma fui haciéndome partícipe de la fiesta de momo, que comenzaría ya cuando alquilábamos las sillas para ver el tradicional desfile inaugural por la Avda. 18 de Julio, mostrando en la apertura el pasaje de las tres reinas sentadas en sus respectivos tronos, con rostros simpáticos, enseñando sus cualidades físicas, lanzando besos de continuo a la multitud, estando a su lado al costado del carro los gigantes de cartón, los siempre presentes «cabezudos», que más de un susto nos dieron en nuestra infancia. Los «papelitos», las «serpentinas», «las pelotas de papel conwwe elástico», y hasta los «pomos con agua». Como nos divertíamos, con la careta incluida! En la esquina de mi casa había un tablado, en la zona de La Comercial, pero a cinco cuadras de ahí existía otro, y otro más a seis cuadras y así sucesivamente. No sé si eran épocas de «vacas gordas», ni si «todo tiempo pasado fue mejor», pero sí que se vivía de otra manera. Las madres no trabajaban se dedicaban al hogar y a cuidar a sus hijos, también la educación era diferente. Había códigos, respeto hacia los demás, era otra la situación. En ese entorno, mientras jugaba a la bolita conocí los títulos más increíbles de un carnaval más austero, pero si se quiere más alegre, no tan profesional, pero con otro sabor: Palán Palán, Yo quiero dormir con mama, Pako y Piko, El Trío Santomar, Roberto Barry, El Indio Apachaca, los geniales Negros Melódicos, Fígaros Armónicos, Jardineros de Harlem, la murga de pibes La Gran Clásica, Humoristas del Betún, Asaltantes con Patente, Los Diablos Verdes, y hasta Los Patos Cabreros de «Pepino», acaso el más grande director de todos los tiempos. Tenía un ángel muy especial, con movimientos espectaculares al compás de un ritmo de batería, de galera y de frac, de zapatillas blancas, era una atracción aparte. Ovacionado en los desfiles. Hizo 48 carnavales de corrido, sin faltar a uno solo y se hizo querer ampliamente por la gente de Montevideo y del interior, los que lo conocieron en persona dijeron que era tranquilo y respetuoso. El bombo, los platillos y el redoblante, fueron impuestos por él en la murga. Se llamó José Ministeri, nacido en 1902 y desaparecido en 1966 y hasta el día de hoy es una de las figuras más emblemáticas de las temporadas carnavaleras. En sus horas de trabajo, era canillita, vendía diarios en la esquina del Jockey Club.

EL TABLADO POR LOS CLUBES

Algunas entidades ávidas por las recaudaciones y por llevar otro tipo de espectáculos, más armados, con otras atracciones, estaban abriendo sus puertas. Tal el caso de Club Atlético Goes, ubicado en la calle Vilardebó entre Guaviyú y Porongos, en una manzana compartida por Plaza de las Misiones, motivo por el cual llaman «los misioneros» a los jugadores que defienden a la institución. Y la novedad tiraba. Allí me llevó mi madre y nos sentamos en sus gradas, en ese momento al aire libre. Además de pagar la entrada, había rifas, tómbolas y un montón de ofertas. Pero, el primer día, y no se por qué motivo no hubo programación, pasaron una película.  Sí en el escenario, se proyectó en blanco y negro «Fúlmine» con Pepe Arias, algo que seguramente se transformaría en histórico con el paso del tiempo. El Goes fue sensacional en carnaval, diría prácticamente imbatible con sus noches mágicas, agregando nombres artísticos estelares jamás imaginados para un tablado: Todas las figuras de «El Club del Clan» en su máximo apogeo, Palito Ortega, Lalo Fransen, Violeta Rivas, Chico Novarro, Jolly Land, Nicky Jones, Cachita Galán; el negro de oro Nat King Cole, Rosamel Araya, Yaco Monti, Horacio Guaraní, Los Marinos Cantores, la solista brasileña Marly Vieira, Los Chalchaleros, Los Iracundos, y aunque cueste creerlo el cuarteto británico The Tremeloes, auspiciados por el Municipio.  Subido al escenario, vi de cerquita mucho de todo esto. Lo viví, me emocioné y hoy lo recuerdo con infinito placer.

LAS MURGAS EN CAMIÓN, LOS PARODISTAS EN BAÑADERA

Pero, en el carnaval propiamente dicho, y teniendo en cuenta los pocos años que tenía para hacer un balance más detenido, me gustaban Los Negros Melódicos, una creación del músico, autor y publicista Carmelo Imperio, a quien tuve el placer de conocer muchos años más tarde. Los Negros Melódicos fueron originales ante todo, cantaban solamente con el acompañamiento de tres guitarras criollas, con unas voces tremendas, melodiosas, que se escuchaban a un kilómetro a la redonda y eso que los equipos de audio de ese momento eran bastante precarios. El que los vio  realmente los evoca hasta el presente. Bastante parecidos, pero tenían un canto al unísono con un sonido de acordeón tocado a las mil maravillas, fueron Los Fígaros Armónicos con la pluma de Ricardo Riera, del barrio La Comercial, siendo promovidos por una conocida mueblería de la Avda. Gral. Flores, que colocaba su nombre en la bañadera que viajaban los artistas. También se lucÍan Parodistas del Chocolate, el Trío Santomar con un humor excelente, y en cuanto a las murgas: La Milonga Nacional, de maravillosos cuplés, Asaltantes con Patente, auspiciados por Agua Salto, de la ciudad naranjera, donde llegó a salir hasta el mismísimo «Pepino» conjuntamente con Cachela durante varios años, los de la retirada de 1932, de Manuel «Huesito» Pérez: «Como el día más glorioso, hoy queremos festejar, la alegría bulliciosa que nos brinda el carnaval…». Un poema mismo de las carnestolendas.  Y deberíamos continuar con la lista, pero el espacio no nos deja, la nostalgia nos invade con Los Patos Cabreros, que junto a su director consiguieron tantos primeros premios: «Buenas noches auditorio, con satisfacción lograda, ya se marchan los Patitos a alegrar otra barriada…».

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